0597.- Commotion – Creedence Clearwater Revival

 

Sin duda alguna, para muchos si tenemos que elegir una banda sonora sobre la guerra de Vietnam y todo el movimiento social que se generó alrededor de ella, nos tenemos que quedar con este álbum de Creedence Clearwater Revival que titularon Green River, un disco que sonaba verde, sonaba fangoso, la música irradiaba ondas de calor y una fuerza trascendental que no solo fue capaz de sostenernos, sino de darnos el coraje emocional para seguir adelante, como parecía la narración del álbum, para hablar con aquellos de nosotros en uniforme, donde un guiño o una sonrisa de complicidad dirían que ya era hora de terminar el día, acostar a los helicópteros, quitarnos las botas, encender un cigarro y prepararnos para la noche. mientras observábamos luces de viaje y luminarias que iluminaban el cielo nocturno. No estoy diciendo que Creedence Clearwater Revival hizo que estar en Vietnam fuera placentero, lo que estoy diciendo es que había una magia contenida dentro de esos ritmos que hacían la vida tolerable, y nos dio a todos algo con lo que bailar en nuestras cabezas mientras nos poníamos en marcha, ya sea en la guerra de Vietnam o en la guerra particular que cada uno tenemos en nuestro dia.

No es de las más conocidas, esas se las dejo a mis compañeros que son más expertos en el grupo, pero si hay un tema que me fascina es este Commotion, el chasquido acelerado y sin cesar que tenemos durante la canción, se comenta que a Fogerty no le gusta el ritmo frenético y el ruido constante de la vida moderna, Commotion surgió de su frustración con ese aspecto y quizás por eso la guitarra tan acelerada. Pero si cierras los ojos y montas en ese ritmo, veras que es la excusa perfecta para entregarte después de la batalla a el sonido de las cálidas y húmedas noches de verano en el sur en el porche delantero y disfrutando de la luz de la luna. La música parece reflejar la vida en los bosques profundos del país con ritmos resoplando, ritmos rock-steady y el aullido vocal de John Fogerty tan salvaje y libre como el aire libre. Creedence Clearwater Revival era especialista en traernos una serie de éxitos de rock de raíces que se alejaron de muchas de las influencias de la música que estaban mandando en ese momento, les daban su toque y volábamos con esa música.

 

 

 

 

0596 - Green River - Creedence Clearwater Revival

0596 - Green River - Creedence Clearwater Revival

Green River es una canción de la banda de rock estadounidense Creedence Clearwater Revival. Fue escrito por John Fogerty y lanzado como sencillo en julio de 1969, un mes antes del lanzamiento del álbum del mismo nombre. 

Green River alcanzó el puesto número dos durante una semana, y Billboard la clasificó como la canción número 31 de 1969.

La canción se basó en un lugar de vacaciones de la infancia de John Fogerty. En una entrevista que John Fogerty concedió a la revista Rolling Stone en 2012, declaró:

Lo que realmente sucedió es que usé un escenario como Nueva Orleans, pero en realidad estaría hablando de cosas de mi propia vida. Ciertamente, una canción como Green River, que puede pensar que encajaría perfectamente en el ambiente de Bayou, pero en realidad se trata de Green River, como lo llamé, en realidad se llamaba Putah Creek en Winters, California. No se llamaba Green River, pero en mi mente siempre lo llamé Green River. Todas esas pequeñas anécdotas son parte de mi infancia, son cosas que me pasaron en realidad, solo escribí sobre ellas y la audiencia cambió de lugar y de tiempo.

John Fogerty agregó que la referencia a Green River, la obtuve de una etiqueta de gaseosa cuyo sabor se llamaba Green River.

Aunque la canción parece tratar principalmente sobre recuerdos idílicos, en el último verso un personaje llamado Old Cody Junior advierte al cantante que encontrará el mundo ardiendo pero que siempre puede volver a Green River. El nombre Old Cody Junior era una referencia al hecho de que Buffalo Bill Cody era dueño de la cabaña junto al arroyo que inspiró la canción.

En cuanto a la música Green River el ritmo de la guitarra acústica y luego el bajo haciendo ese ritmo oscilante, tiende a la canción Dream Baby de Roy Orbison. Sin embargo, Green River era mucho más rockera que esa canción, pero el ritmo encaja.

Daniel
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El disco de la semana 289: British Steel - Judas Priest

 

British Steel, Judas Priest

     En abril de 1980 la banda británica Judas Priest publica su sexto álbum de estudio, British Steel. Este trabajo sería el que consagraría definitivamente a la banda en todos los mercados mundiales. El disco fue grabado en los Starling Studios de Ascot, Reino Unido, propiedad de Ringo Starr, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero de sonido británico Tom Allom, y publicado el 14 de abril de 1980 por el sello discográfico Columbia Records. La grabción del álbum fue realizada en tan solo 28 días, entre enero y febrero de 1980. Este sería el primer álbum con el baterista Dave Holland, quien reemplazaba a Les Binks. El resto del grupo eran los ya conocidos Rob Halford (voz), Ian Hill (bajo), K. K. Downing (guitarra) y Glenn Tipton (guitarra).

Este álbum les consagra en todo el mundo, llegando tras su lanzamiento al cuarto puesto en las listas de ventas del Reino Unido, vendiendo allí en poco más de un mes más de 60.000 copias. Para la promoción del disco el grupo se embarca en una extensa gira llamada British Steel Tour, contando con Iron Maiden como teloneros en sus conciertos en Reino Unido, mientras que Estados Unidos tuvieron como teloneros a bandas como Def Leppard y Scorpions. Para la mayoría de la crítica este trabajo, además de consagrar a la banda, colocó al heavy metal en la escena musical de principios de los 80, y además es considerado como el punto de inflexión que encabezó el llamado NWOBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico).

Durante la grabción del material del álbum, tanto el productor Tom Allon como la banda quisieron agregar diversos efectos a sus canciones, pero como por entonces todavía no existían maquetas de ellos, tuvieron que crearlos. Dichos efectos se aprecian por ejemplo en Metal Gods, donde simulan el sonido de un látigo con el cable de una guitarra golpeando una maleta sobre una mesa. Los truenos que se escuchan al principio fueron creados por el vaivén de una puerta que se cerraba de golpe. El sonido que simula una marcha de robots se hizo balanceando unos tacos de billar en el aire. En la canción Breaking The Law se realizo el efecto de unos vidrios que se rompen los cuales fueron hechos con botellas de leche y cerveza que fueron rotos en el porche de lo estudios propiedad de Ringo Starr, y el sonido de la sirena de policía que podemos escuchar fue creado con el trémolo de la Fender Stratocaster de K. K. Downing, posteriormente Tom Allom se encargó revertir y comprimir el sonido en el estudio. 

Al final del proceso de grabación del álbum fue creado un rumor por Tony McBrain, agente de la empresa de relaciones públicas London PR, dicho rumor consistía en afirmar que las cintas de las grabaciones habían sido robadas. El rumor, que llegó incluso hasta los medios de comunicación, fue inventando sin consentimiento de la banda ni del equipo de producción. Precisamente fueron los medios de comunicación los encargados de alimentar el rumor, afirmando incluso que la banda ofrecía una recompensa por la recuperación de las cintas y que la gira promocional corría peligro. Al final la banda tuvo que dar numerosas conferencias para desmentir y afirmar que todo había sido un montaje a sus espaldas.

La portada del disco fue creada por Rolav Szaybo, quien al conocer el título, se basó en la empresa siderúrgica del mismo nombre, British Stell Corporation, que se dedicaba a la fabricación de acero inoxidable para la elaboración de hojas de afeitar. Curiosamente el guitarrista Glenn Tipton trabajó durante cinco años en dicha empresa. Para ello Rolav colocó en una mano una hoja de afeitar con el logo de la banda en el interior de la misma, y en ambos costados el título del álbum. 

Abre la cara A del álbum Breaking The Law, compuesta al igual que todos los temas del álbum por K. K. Doning, Glenn Tipton y Rob Halford. En el tema introdujeron los ya mencionados efectos de vidrios quebrados y la sirena de policía hecho con el trémolo de la guitarra de Downing. Estamos ante una de las canciones más famosas de la historia del heavy metal. La letra habla de un hombre cansado de llevar una ordinaria y aburrida vida, esto le llevará a arriesgarse y a comenzar a romper la reglas violando la ley. Rapid Fire, una canción con un frenético e implacable ritmo que nos habla sobre le fín del mundo. Metal Gods, tema donde usaron tacos de billar balanceados al aire para simular la marcha de robots. La temática está clara, los Dioses de Metal (Metal Gods), son robots que se han revelado y vienen a destruirnos a todos. Grinder, Rob Halford escribió la letra como una crítica de como los gobiernos y las grandes corporaciones trataban a las personas como pedazos de carne, explotándolas para sus propios medios. La canción también era una forma de expresar la tensión sexual que Halford sentía como un hombre gay encerrado, buscando "carne" y esforzándose por mantener discretas citas por el temor a que su secreto saliera a la luz. Cierra la cara A United, llamada por Halford como "Un himno de nosotros contra el mundo". Inspirada en la impopularidad del gobierno conservador del Reino Unido a principios de la década de los años 80. También era una llamada a los metaleros en un país donde el movimiento punk predominaba sobre todos los demás. 

La cara B se encarga de abrirla Living After Midnight, otro de los grandes temas de la banda. La canción trata sobre la vida nocturna de una estrella de rock que  deambula por la ciudad a la 1 de la madrugada y hasta el amanecer. El título surgió a raíz de un incidente cuando el cantante Rob Halford estaba tratando de dormir un poco. Una noche, sobre las 4 de la madrugada, Glenn Tipton configuró su amplificador y empezó a trabajar en riffs de guitarra. Arriba de la sala se encontraban los dormitorios, y Rob Halford, que se encontraba durmiendo, se despertó a causa del ruido, por lo que bajó, le pidió a Tipton que bajara el volumen del amplificador y le dijo: "¡Vas a vivir después de la medianoche aquí abajo, Si!", Tipton respondió emocionado que aquella frase era un gran título para una canción. Halford escribiría la letra de la canción ese mismo día. You Don't Have To Be Old To Be Wise, canción que al igual que Breaking The law nos invita romper las reglas establecidas, a revelarnos contra los poderes que en todo momento nos programan y nos dicen que hacer en todo momento. The Rage, otra canción con carácter reivindicativo. El comienzo e la canción es algo atípico por sus primeros 40 segundos con su ritmo reggae. Cierra la cara B  Steeler, una gran forma de cerrar este memorable e imprescindible álbum con esta canción con un salvaje ritmo y los grandes y poderosos riffs de guitarra de Tipton y Downing.

0595.- Little Bit Of Rain - Karen Dalton

Little Bit Of Rain, Karen Dalton

     Karen Dalton fue una conocida cantante de folk y blues asociada a la escena folk en el Greenwich Village de la década de los años 60, del que salieron ootros artistas como Bob Dylan, Fred Neil y The Holy Modal Rounders entre otros. Aunque a Karen Dalton a menudo se le comparaba con la cantante Billie Holiday, ella siempre defendió que Bessie Smith fue su mayor influencia, por delante incluso de Holiday. Además de cantar folk, blues, pop country y soul durante su carrera, también era guitarrista y tocaba la guitarra de doce cuerdas y el banjo.

En agosto de 1969 Karen Dalton debutaba con el primer de sus dos únicos álbumes de estudio grabados en vida, It's So Hard to Tell Who's Going to Love You the Best. El diso es grabdo en el Studio A, de los estudios The Record Plant de Nueva York bajo la producción del conocido productor dicográfico estadounidense Nick Venet, y publicado bajo el sello discográfico Capitol Records. Dicho álbum ha sido reeditado en tres ocasiones más, en formato CD por el sello discográfico koch en 1997, en 1999 por el sello discográfico Megaphone, que le dio un nuevo empaque con un nuevo folleto y un DVD adicional con imágenes de archivo, y en 2009, esta vez bajo el sello Light In The Attic Records, que le dio otro nuevo empaque e incluyó notas de fondo.

Incluido en este disco debut de Karen Dalton se encuentra el tema Little Bit Of Rain, tema compuesto por el cantautor de folk estadounidense Fred Neil, conocido en la escena de Greenwich Village, pero que no logró tener una éxito más allá del Greenwich como intèrprete. Sin embargo como compositor obtuvo más éxito gracias a temas como Everybody's Talkin, que convirtió en todo un éxito Harry Nilson. Little Bit Of Rain había sido grabada y popularizada en 1967 por el grupo Stone Poneys con Linda Ronstadt al frente de las labores vocales del grupo, y Karen Dalton la grabaría un par de años después imprimiendo su particular toque personal, con unos discretos arreglos de bajo/guitarra casi sin percusión, destacando la guitarra de doce cuerdas de Karen. Dichos arreglos predominarán durante prácticamente todo el álbum.

0594 - The Night They Drove Old Dixie Down - The Band

0594 - The Night They Drove Old Dixie Down - The Band

The Night They Drove Old Dixie Down es una canción escrita por Robbie Robertson y originalmente grabada por el grupo de rock de raíces canadiense-estadounidense The Band en 1969 y lanzada en su segundo álbum homónimo. 

Robbie Robertson dijo que tenía la música de la canción en la cabeza y que tocaba los acordes una y otra vez en el piano, pero que no tenía idea de qué se trataría la canción. Luego se le ocurrió el tema de la canción e investigó acerca de la historia de la Guerra Civil con la ayuda del baterista de la banda, Levon Helm, nativo de Arkansas. En su autobiografía de 1993, This Wheel's on Fire, Levon Helm escribió: "Robbie y yo trabajamos en 'The Night They Drove Old Dixie Down' en Woodstock. Recuerdo haberlo llevado a la biblioteca para que pudiera investigar la historia y la geografía de la época. y hacer que el general Robert E. Lee salga con el debido respeto".

Levon Helm proporcionó la voz principal de la canción, la cual es una narración en primera persona que relata la angustia económica y social experimentada por el protagonista, un sureño blanco pobre, durante el último año de la Guerra Civil estadounidense, cuando un tal George Stoneman estaba atacando el suroeste de Virginia, cuanta la historia. La canción apareció en el puesto 245 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Existe otra versión de la canción interpretada por Joan Baez que alcanzó el puesto número 3 en el Hot 100 el 2 de octubre de 1971; hizo lo mismo en el gráfico Cashbox Top 100. Sin embargo, en la lista Record World Top Singles de la semana del 25 de septiembre de 1971, el sencillo de Joan Baez alcanzó el número 1 durante una semana. Otro cantantes que grabaron versiones de esta canción fueron Johnny Cash, quien grabó la canción en su álbum de 1975 John R. Cash. 

Daniel
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0593.- La Saeta – Joan Manuel Serrat

 

En la cima del éxito, Joan Manuel Serrat se enfrenta a la osadía de musicalizar la poesía libre y planeadora de Antonio Machado, nada más y nada menos. Una tarea imponente por lo inmenso de estas palabras y porque es material sagrado que corre por la sangre de varias generaciones. Una tarea que se saldó con triunfo y que certificó la inmensidad artística del de Poble Sec, estos poemas y esta música quedaron entrelazados inmediatamente hasta tal punto que ya no pueden separarse. Hoy en día es tarea vana el intentar averiguar dónde empieza Serrat y acaba Machado. Poesía y música forman un todo. Pocos podrán recitar estos poemas sin canturrearlos como Joan Manuel nos enseñó. "Llanto y coplas", "La saeta", "Cantares"... Inmortales, imprescindibles. Por ellas lo sabemos. Serrat podía codearse con los más grandes. De cualquier sitio.

 

Situando al poema, "La saeta" es uno de los poemas más populares del poeta sevillano Antonio Machado. El poema forma parte del libro "Campos de Castilla", publicado en 1912 por primera vez, la crítica literaria le considera como uno de los libros más completos de Machado, y el que mejor recoge el espíritu de la generación del 98, de la que formaba parte. En el poema, Machado hace una crítica de la religiosidad tradicional andaluza, encarnada en la saeta que se canta a un Cristo moribundo e inmóvil, mientras que Machado prefiere al Jesús vivo y activo, como declara en la última estrofa del poema.

 

Situando la canción, "La saeta" son dos minutos de crescendo sin gran ambición, el tema suena realmente bien pese a que los instrumentos quizás se encuentren desconectados entre sí, y una de las interpretaciones más dolorosas de Serrat (pequeños temblequeos en su voz, obviamente intencionales, le dan carácter: el tipo cree en lo que dice). En la canción se hace una critica a la representación de la Pasion que son las procesiones, se nos deja claro que quien lo canta no es creyente (“La fe mis mayores”) pero sin embargo si cree en el mensaje de Jesus, en la forma que predicó en Israel, del lado de los pobres y los marginados que no tienen ni para una escalera para quitarle los clavos a Jesus el Nazareno.

0592.- Cantares - Joan Manuel Serrat

Es muy posible que el bueno de Joan Manuel Serrat no imaginara que una de las varias adaptaciones que realizó de un poema de Antonio Machado fuera a convertirse en una de sus obras mas alabadas por el gran público, pero la realidad es que Cantares, con el verso "Caminante, no hay camino, se hace el camino al andar" forma parte ya de esa colección de frases y temas que han quedado grabadas a fuego en el imaginario colectivo, asociadas inevitablemente a la voz y la música del cantautor catalán, mucho más si cabe que a la pluma del genial poeta castellano.

Gran parte de la culpa la tiene también la musicalidad que se le dio al tema, convirtiendo esa frase en un momento melódicamente épico y trascendental, con el que resulta imposible no cerrar los ojos y gritar emocionado. Adicionalmente, en Cantares, Serrat se aleja de la austeridad sonora del típico cantautor, para rodearse de unos más que efectivos bajo y guitarra con los que el recorrido del icónico caminante es, si cabe, aún más llevadero y colorista.

El tema va creciendo con el transcurrir del viaje y de los minutos, explotando en una traca final en la que la percusión y los arreglos orquestales se dejan llevar por el sentimiento de euforia por el épico transcurrir del protagonista del relato, y de una canción absolutamente grandiosa, esculpida "golpe a golpe, y verso a verso". Sencillamente brutal.

591.- Paco Ibañez - Andaluces de Jaen

 

Cantautor español, de nombre completo Francisco Ibáñez Gorostidi. Su padre valenciano y su madre vasca se conocieron en París, ciudad a la que regresaron exiliados tras la guerra civil. Su padre fue llevado a los campos de trabajo de Saint- Cyrpien y de Argelès, junto a los republicanos españoles. Su madre trabajó en los talleres de Balenciaga. Tras la Segunda Guerra Mundial volvió al caserío donde había nacido para dejar allí a su hijo Paco y montar un taller de costura en San Sebastián. En 1948, cruzaron clandestinamente la frontera para reunirse con su padre en Perpignan. Su padre le enseñó el oficio de ebanista al tiempo que inicia los estudios de violín. Instalados nuevamente en París, a principios de los años 50 del pasado siglo, descubre la música de Georges Brassens, Atahualpa Yupanqui y Léo Ferré. En 1952 comenzó a estudiar guitarra. En París asistió a los cursos de la Scola Cantorum, estudios que continuó con el guitarrista clásico Andrés Segovia. En 1967 vino a España a cantar por primera vez, dando recitales en Madrid y Barcelona. En TVE cantó su versión del poema Andaluces de Jaén, de Miguel Hernández. En 1969, su interpretación del poema A galopar de Rafael Alberti hizo de él un símbolo de la lucha contra la dictadura franquista.

 

El 2 de diciembre de 1969 solo acompañado de una guitarra y de un público que lo arropa Paco Ibáñez ofreció en el famoso Olympia de Paris, que canta junto a él y que se sube al escenario para rodearle y ofrecer todo su calor. En opinión de muchos es el mejor disco de La Voz Libre de España, no es esa mi opinión, pero he de reconocer que es el más emocionante y del que Paco Ibáñez salió convertido en un mito por siempre jamás. También es seguramente su disco más vendido y escuchado, al menos en España. Las canciones de Paco Ibañez nos transportan a su espacio de amor, de libertad y de dignidad, un espacio de resistencia ante la injusticia, la violencia y el horror. Un espacio que revindica la humanidad por encima de todo, ante la barbarie del siglo XXI. Su voz y sus canciones acompañaron a una generación que las convirtió en himnos que a través del tiempo siguen sonando cada vez que surge un clamor por la dignidad. Dentro del repertorio de ese concierto encontramos Andaluces de Jaen, Paco Ibañez musicalizó el poema de Miguel Hernandez titulado “Aceituneros” y publicado por primera vez en su poemario Viento del pueblo. Aceituneros es un extenso poema con características que recuerdan a las canciones populares. Miguel Hernández quizás pretendía que sus versos sonaran en la cabeza de muchos y fuera leído por otros tantos para que recordaran el mayor número de personas posibles cuánto trabajaban los aceituneros de Jaén y qué buen fruto se obtenía del sudor de su frente. Hernández vivió en una época marcada por la desigualdad social, especialmente en Andalucía; y por la división de la sociedad en clases alta y trabajadores, entre las cuales eran muchas las diferencias. Este poema se nombran a las dos, a la clase trabajadora y a la clase que de esta primera se aprovechaba.

En 2011, se produce un primer acercamiento entre la Diputación Provincial de Jaén y los descendientes de Miguel Hernández al objeto de lograr el permiso necesario para el uso del poema como himno oficial de la provincia. Una vez hubo autorización, la Diputación Provincial lo oficializó en acuerdo en pleno de la Diputación de 29 de febrero de 2012, siendo presentado en el paraninfo del Conservatorio Superior de Música de la capital el 27 de noviembre de 2012 a cargo de la cantaora de flamenco Carmen Linares y la orquesta y coro de la institución.

 

 

Meat is murder - The Smiths #MesTheSmiths

The Smiths consideraron que la carne era un asesinato en su segundo álbum de estudio, publicado en 1985, y debieron estar de acuerdo con ello un gran número de vegetarianos y aficionados a la música, porque el disco alcanzó el número 1 en las listas de ventas del Reino Unido, algo que no llegaron a conseguir con ninguno de sus otros discos. Bromas aparte, y más que por su extraño título y el mensaje pro-vegetariano de la canción homónima, quizá su éxito se debiera al variado y ecléctico menú que contenía, con canciones que iban de su habitual rock alternativo acaramelado al funk, el rockabilly y los ritmos dance típicos de los ochenta.

Tras al decepcionante recepción de su primer disco, la producción de este nuevo intento corrió a cargo de los propios Smiths, en concreto del cantante Morrissey y el guitarrista Johnny Marr, con la ayuda del ingeniero de sonido Stephen Street, que en la década posterior sería el responsable de la producción de los mejores discos de Blur y The Cramberries.

The Headmaster Ritual abre el fuego con un mensaje que se rebela contra los castigos físicos, una temática que se repetirá también en el tema Barbarism Begins at Home, en la que destaca el bajo de corte funk de Andy Rourke. Ambas son un ejemplo de la clara tendencia política y de protesta de muchas de las canciones de esta obra. La actitud contestataria se complementaba en el álbum con un marcado afán experimental en la música, como en la rockabilly Rusholme Ruffians.

Si hay una canción que marca la diferencia es How Soon Is Now?, incluida en la versión estadounidense del disco. Había sido publicada inicialmente como cara B de otro tema no incluido en el disco (William, It Was Really Nothing), y se convirtió en un gran éxito en las discotecas de Estados Unidos. A rebufo de este inesperado éxito, fue incluida en las reediciones posteriores del disco, y publicada como single en Reino Unido, con Well I Wonder en la cara B. Desigual suerte corrió That Joke Isn't Funny Anymore, el otro single publicado del disco. Considerado por muchos como una mala elección, parece que finalmente tuvieron razón, porque el sencillo pasó sin pena ni gloria por las listas de ventas.

Mucha más relevancia tuvieron las entrevistas promocionales de Morrisey, en las que deliberadamente lanzaba a los cuatro vientos las proclamas políticas y vegetarianas del disco y de la ya mencionada Meat is Murder, con estrategias tan agresivas como hacer que se emitieran videos de matanzas de animales en horario familiar, y aireando que había prohibido hacerse fotos comiendo carne al resto de la banda. No menos impacto tuvo también la icónica portada, en la que utilizaron un fotograma de un soldado, extraído del documental In the Year of the Pig (1969) de Emile de Antonio. Quizá lo hicieran porque los mayores asesinatos, mucho más que los de la carne, se han producido en todas las absurdas e innecesarias guerras en las que se ha visto envuelto el ser humano. O quizá solo buscaban una dosis adicional de polémica, como esa pizca de sal necesaria para darle el toque de sabor definitivo a la carne.

0590.- The Soft Parade - The Doors

The Soft Parade (1969) es uno de los álbumes menos reconocidos de The Doors. Es verdad que, en este disco, la deteriorada dinámica de grupo deja entrever un distanciamiento creativo que les llevó a firmar las canciones por separado, pero en conjunto y pese a la desconexión estilística entre los temas, entregan un puñado de buenas canciones, entre las que destaca sin duda el último tema, la larga suite de Morrison que da título al álbum.

Comienza con un recitado de Morrison que podríamos titular "Petition the lord with a prayer", que con el grito final (¡No puedes pedir al Señor con oraciones!) da pie al desarrollo de la primera parte de la canción ("Sanctuary"), una pieza psicodélica a ritmo de clavicordio clásico e inspirada en unas detenciones policiales en Miami y New Havens, y que desemboca después en tramos más coloridos de blues y rock psicodélico, a través de una interminable sucesión de variados cambios de ritmo y audaces giros en la lírica y el desarrollo musical de la canción, en la que en más de ocho brillantes minutos, se va detallando el peculiar "desfile" surgido de la imaginación del icónico cantante y poeta angelino.

Alejada de las estructuras instrumentales de otros temas largos del grupo ("The End", "When the music's over"), The Soft Parade representa un gran paso adelante en la experimentación del grupo, y es una auténtica rareza en su ya de por sí interesante discografía. Es una canción en la que la música y la poesía encuentran un perfecto vehículo de simbolismo y psicodelia en el que desfilar y brillar por si mismas, sin llegar nunca a pisarse la una a la otra. "El desfile suave ya ha comenzado", y solo tienes que darle al "play" para disfrutarlo.

0589.- Touch Me - The Doors

 

Touch Me, The Doors

     El 18 de mayo de mayo de 1969 The Doors publican su cuarto álbum de estudio, The Soft Parade. Jim Morrison, Ray Manzarek, Roobby Krieger y John Densmore graban el material que compone este disco entre julio de 1968 y mayo de 1969 en los Elektra Sound Recorders de Hollywood, California bajo la producción de Paul A. Rothchild. El álbum es publicado en julio de 1969 bajo el sellos discográfico Elektra Records.

El disco no tuvo tanto éxito como los anteriores, en parte debido al cambio de sonido característico del grupo, ya que integran instrumentos de bronce y cuerdas y la guitarra de Krieger adquiere más protagonismo en este disco. Es el primer disco donde se atribuye cada tema a sus autores en lugar de firmar como The Doors como en sus anteriores trabajos.

Incluido en este cuarto trabajo de estudio de la banda se encuentra Touch Me, compuesto Robby Krieger, y que fue además el primer sencillo promocional del álbum. Es muy llamativa la utilización de instrumentos de cuerda y bronce para acentuar la voz de Jim Morrison, y podemos disfrutar de un magnífico solo de saxofón interpretado por el saxofonista, clarinetista y flautista estadounidense Curtys Amy. 

La canción fue compuesta por Robby Krieger inspirándose en las peleas que había tenido con su novia. En un principio el título de la canción que Krieger puso al tema era Hit Me (pégame), pero Jim Morrison, haciendo gala de una rara muestra de moderación consideró que Tocuh Me (tócame) era un nombre más correcto para la canción. Al final de la canción se puede escuchar a Morrison decir. "Stronger than dirt" (Más fuerte que la suciedad), que era el eslogan de la conocida empresa de limpieza Ajax, incluyendo además los tres acordes finales del conocido comercial de la marca.

Disco de la semana 288: The Stone Roses

El disco debut de The Stone Roses, lanzado en mayo de 1989, está considerado uno de los mejores álbumes británicos de la historia, y catapultó a la banda a un estrellato que, contra todo pronóstico, solo se prolongó un álbum más (The Second Coming), con el que echaron prematuramente el cierre a una prometedora carrera, lo que no evitó que la relevancia de la banda se haya mantenido hasta nuestros días, siendo considerados como un grupo de culto que fue clave en el llamado sonido "Madchester", y una clara influencia para movimientos musicales posteriores como el britpop, que reinó durante la década posterior al lanzamiento de "The Stone Roses".

Un disco que comienza con un tema de la talla de I Wanna Be Adored, con el brillante riff y la pretenciosa y lisérgica atmósfera que lo componen, tiene ya medio camino andado hacia el Olimpo de los mejores álbumes de todos los tiempos, y si a continuación suena un tema como She Bangs The Drums, temazo incombustible con una línea de bajo que se te clava en el subconsciente y  te hace desear que la canción no tenga fin, la cima del famoso monte heleno esté ya casi al alcance de la mano. Y como no hay dos sin tres, con la brillante guitarra y el pegadizo ritmo de Waterfall llegan definitivamente a los más alto.

El resto del disco está también lleno de las atmósferas lisérgicas y el sonido eléctrico del post-punk de los ochenta, y de las típicas voces insinuantes y ritmos cadenciosos de la banda. Decir que es imposible mantener el nivel de los tres primeros temas no es desmerecer o quitar valor a canciones en las que los Stone Roses transitan entre la ligereza de temas como Don't Stop, las referencias al mayo del 1968 en Bye Bye Badman, los guiños al estilo de canción tradicional a lo Simon & Garfunkel en Elizabeth My Dear, o los alardes y la grandilocuencia instrumental de la impactante (Song For My) Sugar Spun Sister.

Más luminoso y accesible es ese himno que responde al nombre de Made Of Stone, uno de los momentos álgidos de un disco, con un estribillo para enmarcar y colgar en un lugar relevante de la pared de piedra de la historia del grupo. Esta canción podría ser el colofón perfecto de este laureado primer disco, pero es que aún queda tiempo para mucho más. Tras las correctas Shoot You Down y This Is the One, llega el turno de una canción imprescindible que, con permiso del triunfal trío de arranque, se proclama altiva y orgullosa como la auténtica joya del disco: I am The Resurrection, una impactante obra de más de ocho minutos de pop rock elegante e irresistible, de lo mejor que el grupo nos llegó a dar.

La versión estadounidense incluía además los clásicos Fool’s Gold y Elephant’s Stone, y reediciones posteriores del disco no se resistieron tampoco a complementar los once temas originales con estas joyas perdidas, más madera de la buena para un disco que ya ardía por si solo en la versión original para el Reino Unido. Querían ser adorados, y con esta obra maestra se podría decir que lo consiguieron.

0588 - Tell All the People - The Doors

0588 - Tell All the People - The Doors 

Tell All the People es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors y fue escrita por el guitarrista de la banda Robby Krieger. Era la cara A del single junto con "Easy Ride", un tema descartado de Waiting for the Sun grabada en marzo de 1968, y fue lanzada en junio de 1969. También conocida como "Follow Me Down" debido al uso de la frase, fue el tercer single del cuarto álbum de The Doors, The Soft Parade. La instrumentación de la canción incorpora instrumentos de metal y otros instrumentos orquestales.

Por primera vez en un álbum de The Doors, todas las canciones de The Soft Parade tenían créditos de compositores individuales. Previamente, todas las canciones habían sido acreditadas a todo el grupo. Este cambio fue instigado por Jim Morrison, quien no quería que la gente pensara que él había escrito la letra de "Tell All the People", que incluye una línea de Robby Krieger que alienta a los oyentes a "... obtener sus armas". Krieger diría más tarde que a Morrison no le gustó la letra porque temía que la gente viniera a los conciertos de la banda con armas. Sin embargo, Krieger se negó a cambiar la línea. 

Cuando Jerry Hopkins lo entrevistó para Rolling Stone, Morrison dijo: "Al principio, escribí la mayoría de las canciones, la letra y la música. En cada álbum sucesivo, Robby (Krieger) contribuyó con más canciones. Hasta que finalmente en este álbum casi se divide. entre nosotros."

Escribiendo para Ultimate Classic Rock en una reseña retrospectiva, el crítico Nick DeRiso afirma que "Tell All the People" intenta "un tipo de alquimia (single de éxito anterior de The Doors) 'Touch Me'", pero en cambio "resulta extrañamente malhumorado". En una reseña del álbum de AllMusic de The Soft Parade, el crítico Richie Unterberger la describió como una melodía "inusualmente melancólica" que "no era tan buena y Morrison no la cantaba de manera muy convincente".

Daniel

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0587 - Who Knows Where the Time Goes? - Fairport Convention

0587 - Who Knows Where the Time Goes? - Fairport Convention

Who Knows Where the Time Goes? es una canción escrita por la cantante y compositora inglesa de folk-rock Sandy Denny. Denny grabó originalmente la canción como demostración en 1967, cantando y tocando la guitarra en la pista. Más tarde ese año, se unió brevemente a la banda de folk The Strawbs y volvió a grabar la canción, nuevamente solo con su voz y guitarra, para lo que se convirtió en el álbum All Our Own Work, que no se lanzó hasta 1973.

La cantante de folk estadounidense Judy Collins escuchó una cinta de la grabación de demostración original en 1968 y decidió hacer una versión de la canción. Lanzó su grabación primero como el lado B de su versión de "Both Sides, Now", y luego como la canción principal de su álbum Who Knows Where the Time Goes, ambos lanzados en 1968. La suya fue la primera grabación ampliamente disponible. de la cancion.

En 1968, Denny se unió a la banda de folk-rock Fairport Convention. Grabó la canción en su segundo álbum con la banda, el álbum Unhalfbricking de 1969. Esta versión tenía más influencia del rock.

Who Knows Where the Time Goes? se convirtió en una canción emblemática tanto para Denny como para Fairport Convention, y muchos artistas la han versionado.

En 2007, la versión de Unhalfbricking fue votada como "la canción folclórica favorita de todos los tiempos" por los oyentes de BBC Radio 2.

Daniel 

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0586.- Honky Tonk Woman - The Rolling Stones

Honky Tonk Women ("Mujeres de cabaret") fue compuesta por la pareja Jagger/Richards y, como también ocurriera con su gran éxito Jumpin' Jack Flash, la versión final de la canción fue lanzada únicamente como sencillo. Escrita durante unas vacaciones de fin de año en Brasil, fue concebida inicialmente como una canción acústica y de aire country, y en ese estilo country original aparece en el álbum Let It Bleed con el título de "Country Honk".

La mujer del cabaret que inspiró a los Stones sería posiblemente una bailarina de algún bar nocturno de Sao Paulo, pero en la letra la sitúan en un bar de Memphis, Tennessee en el caso de Honky Tonk Women, y en otro bar de Jackson, Mississipi en "Country Honk". Curiosamente, la transición entre las dos versiones que conocemos de la canción supuso también un cambio importante en el seno de la banda, ya que las sesiones de grabación de "Country Honk" fueron las últimas en la que participó Brian Jones, y en Honky Tonk Women se produce la primera aparición de Mick Taylor como nuevo guitarrista del grupo.

¿Fue la llegada de Taylor la que provocó el giro estilístico que convirtió Honky Tonk Women en un multitudinario éxito de blues rock, en lugar de un tema acústico para rellenar un buen disco? Keith Richards declaró en una entrevista que Taylor aún tuvo tiempo de aportar su particular toque y oficio con las seis cuerdas, el mismo que distinguiría a los mejores temas de los Stones durante aquella época, pero la realidad es que la canción estaba ya casi acabada cuando el nuevo guitarrista se sumó al grupo, y el propio Taylor declaró que su aportación no pasó de la inclusión de algunos overdubs de última hora.

0585.- Living In The Past - Jethro tull

 

Living In The Past, JethroTul

     El 2 de mayo de 1969 Jethro Tull publica la que a la postre se convertirá en una de sus canciones más emblemáticas, Living In The Past. El tema fue grabado entre el 3 y el 28 de marzo de 1969 bajo la producción de Ian Anderson y Terry Ellis, y publicado el 2 de mayo de 1969 en Reino Unido bajo el sello discográfico Island Records. El tema vería la luz en Estados Unidos en octubre de 1972.

Living in The Past fue escrito por Ian Anderson para su álbum Stand Up, que fue publicado en 1969, pero al final quedaría descartado y sería publicado como sencillo, viendo la luz más tarde en septiembre de 1972 con el recopilatorio Living In The Past. Una de los aspectos más característicos de esta canción es que usa un compás no estandard: 5/4, donde hay cinco tiempos por compás. 

Según Ian Anderson, escribió la melodía en aproximadamente una hora en su habitación en un hotel a orillas del río Charles, Boston, Massachusetts, el 12 de febrero de 1969. Cuando Anderson le entregó a Terry Ellis la canción este respondió emocionado que reservaría el estudio a la semana siguiente, cuando estuvieran en Nueva York, para grabar el tema. 

Que Ian Anderson es uno de los artistas más intelectuales del rock queda claro con Living In The Past, donde hace gala de un astuto y fino sentido del humor, realizando toda una burla y una crítica del estilo de vida hippie y de la ingenuidad general de la época, donde la gente abanderaba una revolución sin saber realmente contra que estaban luchando, y abogando por permanecer en un mundo más realista con valores más directos, fuera de las modas, el amor libre y las experiencias y la cultura de las drogas.

0584.- El abuelo Vitor - Victor Manuel

 

Víctor Manuel San José Sánchez, conocido como Víctor Manuel (Mieres del Camino, Asturias, 7 de julio de 1947), es un cantautor y productor español, pronto empieza a dedicarse al mundo de la música y en 1967 participa y gana algunos de los numerosos festivales de la canción que se celebran por toda España. Sus canciones, que pretenden ser poemas musicalizados, hablan comúnmente de la vida rural, la libertad, el amor y la justicia, adentrándose de este modo en el género de la canción protesta o la trova surgidas en los años 60-70. Gracias al dinero ganado en los festivales, puede seguir dedicándose a la composición, creando temas más personales y elaborados como “El cobarde”, “El mendigo”, “El tren de madera” o “La romería”, que presenta a los medios de comunicación. En 1969 mientras realiza el servicio militar, graba en Barcelona un sencillo con los temas “El mendigo” y “La romería”, que sería su primer gran éxito en listas de popularidad y ventas. El 20 de octubre acabado el servicio militar, publica un nuevo sencillo, con “Paxarinos” y “El abuelo Vítor”; un disco de doble cara “A” que lleva al asturiano a conseguir su primer nº 1 de Superventas en España. El éxito le da la oportunidad de aparecer por vez primera en televisión, en el programa «Teleritmo» de TVE. En aquellas fechas participa en el III Festival de Villancicos Nuevos de Pamplona, que gana con “En el portalín de piedra”. Por fin, gracias al éxito obtenido, publica su primer disco de larga duración, Víctor Manuel, una recopilación de sus éxitos ya publicados como sencillos, que llega al número uno de ventas, y su nombre empieza sonar como candidato para representar a España en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1970. A finales de año, en su primera salida fuera de España, recorre varios países de Europa con la Embajada Artística de TVE y RNE, donde sin previo aviso canta temas como La planta 14, cuyas letras no gustan a las autoridades que le acompañaban. Debido a esto y a los problemas que había tenido anteriormente con la censura, al final se descarta su participación en Eurovisión. Además, es vetado en TVE.

El Abuelo Vitor es un clásico de la canción española, quien no ha cantado aquello del abuelo fui picador allí en la mina, desde las primera notas descubrimos que es una canción que nace de las entrañas, del dolor y la desesperación y la voz fuerte de Víctor Manuel acompañada de una brillante orquestación hace que te llegue a estremecer por momentos con esos pequeños toques musicales que en ningún momento tapa la voz de Víctor Manuel que sin duda es la gran protagonista junto con la temática, ya que trata sobre la enfermedad crónica de su abuelo, que trabajaba en las minas de carbón, elemento socioeconómico decisivo en el paisaje asturiano. Y el drama de la abuela, que esconde su tabaco. Es imposible no amar a ese abuelo que en el final de sus días mira el infinito.

 

 

The Smiths - #mesTheSmiths

The Smiths #mesThe Smiths

Un nuevo mes una nueva banda, y en este mes de Agosto queremos recorrer la trayectoria de The Smiths una banda de rock alternativo que lanzó su primer álbum en 1984.

Comenzaremos su carrera con su primer álbum homónimo The Smiths lanzado el 20 de febrero de 1984. Este su primer álbum fue bien recibido por la crítica y el público de la época, y estableció a The Smiths como una de las bandas más prominentes de Gran Bretaña durante la década de los años 1980.

En 1989, el álbum fue puesto en el lugar #22 de la lista de la revista Rolling Stone, "los 100 mejores álbumes de los 80". En 2003 fue colocado en la posición 481 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. 

El álbum abre con "Reel Around the Fountain", es de los temas que conserva una de las más propias melodías del grupo debido a la forma de cantar modulando las vocales al final de las frases. La canción es utilizada en unas pocas líneas de la película "A Taste of Honey" por Shelagh Delaney. Junto con "The Hand That Rocks the Cradle" provocaron acusaciones del tabloide británico The Sun y la revista The Sounds por promover la pedofilia.

El título de la canción "Pretty Girls Make Graves" es una cita del escritor Jack Kerouac.

Musicalmente, la canción "The Hand That Rocks the Cradle" es un tribúto a la canción de Patti Smith, "Kimberly" del álbum "Horses".

"This Charming Man" no apareció en el Reino Unido ni en los lanzamientos europeos de The Smiths. Sin embargo, fue, incluido en el lanzamiento en Estados Unidos, debido a que no había sido lanzado como sencillo en Estados Unidos, y también participó en el lanzamiento del casete original del álbum. Cuando WEA relanzó todos los álbumes de The Smiths en 1992, se utilizó el formato americano.

"Hand in Glove" y "What Difference Does It Make?" originalmente fueron lanzados como sencillos y ambos lograron ocupar una posición buena en el UK Indie Chart. Según Morrisey "Hand in Glove" narra la historia entre el protagonista y otra persona (en ningún momento sobre una mujer) lo que sugiere la posibilidad de que la canción habla sobre el supuesto amor platónico que Morrissey sentía por su compañero de banda el guitarrista Johnny Marr.

El álbum The Smiths abre la puerta a esta banda británica de rock alternativo y nos queda todo el mes de agosto para seguir descubriendo los discos de The Smiths 

Daniel 

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0583.- River Man – Nick Drake

 Una voz frágil, una personalidad reservada, una sensibilidad fuera de lo común... Nick Drake era un tipo normal y, al mismo tiempo, alguien completamente atípico, nacido en Rangún, Birmania, donde su padre había sido destinado, a Drake nunca le faltó de nada. La suya no es una historia de infancia difícil ni problemas económicos. Con el tiempo, su interés por la música creció y encerrado en su habitación de la Universidad de Cambridge, pasaba días enteros fumando cannabis y tocando la guitarra, muy influenciado por músicos como Bob Dylan o Phil Ochs, su habilidad con las seis cuerdas estaba fuera de lo común. Publica su primer álbum con tan sólo 21 años, Nick abría su corazón de par en par para recitar dudas y confesiones. Belleza descarnada, cruda y cercana en forma de susurrantes canciones en las que también cabía la esperanza , pero el álbum fue un fue un fracaso comercial. Además, se negaba a conceder entrevistas y apenas daba conciertos, lo que no ayudaba a su promoción. Él sólo quería componer y grabar. Tuvo tiempo de publicar otros dos discos, una escasa discografía que termino de forma abrupta después de que su madre lo hallaba muerto en su cama. En la mesilla había un libro de poemas. En el plato giraba un disco de Johann Sebastian Bach. Nadie, salvo su familia y amigos cercanos, lloró la muerte de Nicholas Rodney Drake el 25 de noviembre de 1974. No hubo obituarios en los periódicos. No se le dedicó ningún espacio en las televisiones de su país. Ni siquiera se produjo revuelo alguno entre sus fans. Apenas los había.

Su primer trabajo, Five Leaves Leftes un álbum profundo, un álbum con el que podría tener días en los que estas con la guardia baja y te conmueve y deshace todo tu presente en una sola escucha, desde que lo conocí hace muchos años, siempre supe lo que tiene de profundo, es todo, sus letras, el sentimiento que pone a la hora cantar y las pequeñas cosas que hacen los arreglos y la producción para que todo suene realmente fresco y rico. Líricamente hay mucho que disfrutar, es casi como una película y lo único que tienes que hacer es creerte un personaje de sus canciones que se mueve a lo largo del disco en cada una de las melodías, eso es algo de lo que Nick se deshizo a medida que evolucionaba más como músico, moviéndose en una dirección más simple disco por disco, nunca ha parecido tan doliente como cuando toca cualquier canción de este Five Leaves Left. Pocas pistas en el catálogo de Drake intercambian el mismo nivel de pesadez que "River Man", el punto culminante de su álbum debut de 1969, Five Leaves Left . Drake ofrece una interpretación melancólica, no muy alejada de las que eventualmente hicieron de su canto del cisne, el inquietante Pink Moon de 1972, uno de los discos más convincentes de la era de los cantautores. Después de un par de versos sin adornos, la orquestación arrebatadora comienza a rodar sobre la canción como oscuras nubes de tormenta. Hay pocos momentos en la música más evocadores que el penúltimo verso de la canción, en el que Drake habla de una oración "para que el cielo se lleve el viento" y las cuerdas finalmente traen la lluvia, el coctel es perfecto, una melodía inquietante, con misteriosos arreglos de cuerdas victorianos, letras fantásticas y una melodía única y extremadamente tarareable y es que ese tono sombrío en la voz de Drake acompañado por el arreglo de cuerdas ligeramente fuera de lugar es el tipo de cosas que John Lennon y Paul McCartney intentaron hacer con 'A Day In The Life' pero no lo consiguieron

Disco de la semana 287: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Disco de la semana 286: El Ritual de la Banana - Los Pericos

Vamos con una banda de Reggae Argentina y pensar en Reggae en la Argentina es asociarlo directamente con Los Pericos, considerada la primera banda del género. Formada en 1986 por un grupo de amigos que, metidos en todo el movimiento iniciado en Jamaica con el gran Bob Marley, quisieron juntarse y expandir esa pasión por las latitudes argentinas.

Los Pericos grabaron su disco debut, editado en 1987 y lanzado un año después. Su primer álbum El Ritual de la Banana se convirtió rápidamente en un éxito de ventas, alcanzando el Triple Platino y dejando varios clásicos que aún perduran en el repertorio del grupo. Tiene un éxito inmediato la banda con 2 temas: “El Ritual de la Banana” y “Nada que perder”.

Otras de las canciones del álbum que se escucharon con gran éxito son "Welcome to Jamaica Reggae” se escucha en voz del Bahiano su ex-vocalista, luego las inconfundibles trompetas de inicio, dieran vida a esta muy buena producción. Grabado íntegramente en inglés muchas de las canciones del disco, promediando el álbum “El Ritual de la Banana”, es otra de las destacadas. Luego están temas como  “Halei Selassi” que se enfoca en las luchas de clases en África y “Movida Rastafari”.

“Nada que Perder”, un clásico de la banda, cierra esta buena producción de una de las bandas pioneras del Reggae en el país y que supo cosechar éxitos en su extensa carrera.

Aquel éxito de Los Pericos, que también generó rechazos y críticas como suele ocurrir cada vez que un estilo nuevo gana notoriedad, “El Ritual de la Banana” fue el primero de sus éxitos, y siguieron continuando después y continúa hasta el presente con una trayectoria no exenta de altibajos y cambios. Y a propósito de "El ritual de la banana", el tema que da nombre al álbum, uno de sus integrantes comento "La canción nació de casualidad, como jugando, y era tan informal, tan simple y con tan poca sustancia que, en un momento, pensamos en no grabarla y dejarla afuera del disco. Pero al final la incluimos y después explotó todo".

Un álbum de Reggae nacido bien al sur del continente americano, lejos de los fundadores del genero, pero que ha alcanzado llegar hasta aquí, con más 35 años después de su lanzamiento, Los Pericos estuvieron en Madrid para hacer una gira, por estos 35 años de carrera, estuvieron en el Teatro La Rivera donde han tocado todos sus éxitos, como gran parte de sus éxitos, estan en su primer álbum, y será por eso que hoy hemos recomendado este álbum para los que no estuvieron allí y puedan escucharlo, así que espero que les guste. 

Daniel

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0582.- Venus - Shocking Blue

 

Venus, Shocking Blue

     En 1969 la banda holandesa Shocking Blue publica su segundo álbum de estudio, At Home, que les servirá para alcanzar la fama fuera de sus fronteras. El disco fue grabado en los Sound Push Studios de Blaricum, Psíses Bajos, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 30 de septiembre de 1969 por el sello discográfico Pink Elephant. Este fue el primer trabajo que presentó a su vocalista Mariska Veres, con la que el grupo daría un salto de calidad.

El líder de la formación, el guitarrista Robbie Van Leeuwen, fichó a a Mariska Veres en un intento de imitar a grupos como Jefferson Air Plane, que contaban con cantantes femeninas. Gracias a la notable interpretación de Mariska Veres y su impresionante apariencia, la banda encontró la pieza adecuada que le faltaba al proyecto.

At Home fue una mezcla de influenias que iban desde el pop rock hasta el rock psicodélico, además de mostrar el interés de la banda en la música americana. Pero el gran éxito de la banda llegaria de la mano de Venus, tema que originalmente no fue incluido en el disco y que si sería incluido en la reedición en formato CD del álbum en 1989. 

El country rock Venus fue escrito por Robbie Van Leeuwen, grabado en lo ya citados Sound Push Studios y publicado como sencillo en julio de 1969 en Países Bajos y en noviembre de 1969 en Estados Unidos. Robbie se basó para escribirla en The Banjo Song de Tim Rose and The Big 3, que a su vez era una canción basada en la canción del siglo XIX Oh! Susanna de Stephen Foster. La canción contenía un error tipográfico al ser escrita, en la línea donde debía figurar "A goddes on the mountain top" por ese error tipográfico figuraba "A goddnes on the mountain top". Mariska Veres interpretó y grabó la canción exactamente como constaba escrita, con el error tipográfico. En un principio la mayoría de los oyentes no se dieron cuenta, y aunque en versiones posteriores de portada se corrigió el error, ya daba igual porque la canción ya se había convertido en todo un éxito con error tipográfico incluido.

0581 - A Boy Named Sue - Johnny Cash

0581 - A Boy Named Sue - Johnny Cash 

A Boy Named Sue es una canción escrita por el humorista, autor infantil y poeta Shel Silverstein y popularizada por Johnny Cash.

La canción cuenta la historia de la búsqueda de venganza de un joven de un padre que lo abandonó a los tres años de edad y cuya única contribución en toda su vida fue darle una guitarra y llamarlo Sue, comúnmente un nombre femenino, lo que resulta en el joven que sufre el ridículo y el acoso de todos los que conoce. Avergonzado de su nombre, de joven se convierte en un nómada de corazón duro; jura que encontrará y matará a su padre por darle "ese nombre horrible".

Más tarde, Sue localiza a su padre en una taberna un día de verano en Gatlinburg, Tennessee, y lo confronta diciendo: "¡Mi nombre es Sue! ¿Cómo estás? ¡Ahora vas a morir!". Esto da como resultado una pelea feroz que se extiende al aire libre en una calle embarrada. Mientras los dos apuntan con sus armas el uno al otro, el padre de Sue sonríe con orgullo y admite que él es el hombre ("hijo de puta" en la versión de Johnny Cash) que lo llamó Sue. Debido a que el padre de Sue sabía que él no estaría allí para su hijo, le dio el nombre como un acto de amor duro, creyendo (correctamente) que el ridículo resultante lo obligaría a "ponerse duro o morir". Al enterarse de esto, Sue hace las paces y se reconcilia con su padre. Sue cierra la canción admitiendo el punto de vista de su padre, pero que si alguna vez tiene un hijo, lo llamará "Bill, o George, cualquier maldita cosa menos Sue" porque "todavía odia ese nombre".

Daniel 

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0580.- Moonlight on Vermon - Captain Beefheart & His Magic Band

El álbum Trout Mask Replica de Captain Beefheart & His Magic Band es uno de los discos más irreverentes e inclasificables de la década de los sesenta, basado en muchos momentos en jams e improvisaciones que sólo por los pelos llegan a cumplir los requisitos para tener el calificativo de canciones. Moonlight on Vermont es la que más se acerca a la estructura standard de canción, sobre todo gracias al reconocible riff de Bill Harkleroad y la intensa voz de borrachín de feria de Captain Beefheart.

Compuesta un par de años atrás, a finales de 1967, junto a "Sugar 'n Spikes", Moonlight on Vermont es, a día de hoy, una de las canciones más famosas de Captain Beefheart & His Magic Band. Según "Ultimate Classic Rock", esta historia sobre la locura y la religión a la luz de la luna en un pueblo de Vermont podría calificarse como una canción de "blues pantanoso con los amplificadores subidos al 11" , mientras que la revista Rolling Stone la calificó como "expresionismo abstracto".

0579 - Philosophy of the World - The Shaggs

 

0579 - Philosophy of the World - The Shaggs 

The Shagg es una banda que estaban compuestos por las hermanas Helen, Betty y Dorothy (o "Dot") Wiggin, de Fremont, New Hampshire, EE. UU. Fueron dirigidos por su padre, Austin Wiggin, Jr., ya veces los acompañaba otra hermana, Rachel. Actuaron casi exclusivamente en el ayuntamiento de Fremont y en un hogar de ancianos local, comenzando en 1968 y terminando en 1973.

La canción que referenciamos hoy Philosophy of the World, de la banda The Shagg, según los críticos de música, es una de las peores canciones y esto lo demuestra en la reseña que se dieron en al revista Rolling Stones. 

"Philosophy of the World es el disco maravilloso más enfermizo, asombrosamente horrible que he escuchado en mucho tiempo: el purgante mental perfecto para el estancamiento de cualquier tipo", escribió Debra Rae Cohen para Rolling Stone en una reseña de la reedición de 1980. 

"Como los cantantes de la familia Trapp lobotomizados, The Shaggs cantan letras de tarjetas de felicitación (...) en feliz y desventurado casi al unísono a lo largo de líneas ostensibles de melodía mientras rasguean sus pequeñas guitarras como alguien que se preocupa por una cremallera. El baterista golpea valientemente hasta el final. llamada de una musa diferente, como si tuviera que adivinar qué canción estaban tocando, y se la perdiera cada vez". "Sin exagerar", escribió Chris Connelly en un artículo posterior de Rolling Stone, "puede ser el peor jamás grabado". 

Un artículo para The New Yorker describe cómo un crítico de Internet describió el álbum como "inquietantemente malo". 

Sin embargo el líder de Nirvana, Kurt Cobain, incluyó a Philosophy of the World como su quinto álbum favorito de todos los tiempos. El disco también ha sido citado como muy influyente por Frank Zappa, Kimya Dawson de The Moldy Peaches y Deerhoof.

Pese a las criticas horribles que recibió el álbum en su lanzamiento años después, en 2010, se incluyó en la lista "Los 100 mejores álbumes que nunca has escuchado" de NME. En 2016, Rolling Stone clasificó el álbum en el puesto 17 de su lista de las "40 maravillas más grandes de un álbum".

Daniel
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0578.- Je T'aime... Moi Non Plus - Jane Birkin y Serge Gainsbourg

 

Una de las canciones de amor francesa por excelencia nos presenta a Jane Birkin y Serge Gainsbourg narrando apasionadamente su sesión de hacer el amor, que culmina con los gemidos de éxtasis de Birkin, fue una canción que causó un gran escándalo, fue prohibido por la BBC, y lo único que consiguieron con eso es despertar la curiosidad del público y elevarla al número 1 en el Reino Unido. Gainsbourg, fue un poeta/actor/músico francés, estaba emparejado con la actriz parisina Brigitte Bardot, fu ella quien le pidió que le escribiera una canción de amor y se le ocurrió "Je T'aime... Moi Non Plus". En ese momento, Bardot estaba casada con el industrial alemán Gunter Sachs, y la noticia de que la estrella se acurrucaba en la cabina de grabación con el provocativo poeta era el sueño de un reportero sensacionalista. Los periódicos excitaron a los lectores con descripciones de la melodía erótica. Cuando la prensa se puso en contacto con Sachs para obtener un comentario sobre la sesión candente y pesada, le exigió a Bardot que cancelara el proyecto, lo cual hizo, junto con su relación con Gainsbourg, pero él siguió adelante con el proyecto y encontró en Jane Birkin la musa ideal para poder grabar la canción. La interpretación de Gainsbourg/Birkin tuvo los mismos rumores que la original, con afirmaciones de que la pareja realmente hizo el amor durante la sesión de grabación. No es así, dice la actriz. "Fue una grabación muy aburrida en Marble Arch [en Londres], ambos en una especie de cabinas telefónicas, solo tenías dos tomas, y él tenía mucho miedo de que no fuera capaz de hacerlo bien, así que lo único que hizo fue saludarme y mandarme fuerzas como un loco desde su cabina". Birkin le dio todo a la actuación... y algo más. "Me dejé llevar un poco por la respiración pesada", le dijo a The Daily Telegraph en 2009. "Tanto, de hecho, que me dijeron que me calmara, lo que significó que en un momento dejé de respirar por completo. Si escucha el disco ahora, todavía puedes escuchar ese pequeño espacio".

Polemica aparte hay que hacer notar que la canción adolece de melodías ya que son un poco escasas y repetitivas, y la voz de Birkin es lamentablemente inconsistente: culpa de Gainsbourg, ya que insistió en que cantara en octavas más altas para algunas pistas, pero como era de esperar lo más interesante es la carta de amor a Jane Birkin. Tras su publicación Gainsbourg estaba bastante cabreado, le pidieron una canción de amor, la hace y se encuentra que todo el mundo estaba en contra de ella y de sus autores.