Disco de la semana 291: White Light/White Heat - The Velvet Underground

Las decepcionantes ventas de su primer disco, el gran The Velvet Underground and Nico, el nulo interés de la prensa y la necesidad de generar ingresos (los integrantes de la banda vivían prácticamente en la pobreza) dieron al traste con su relación laboral-artística con Andy Warhol, el enfoque musical del grupo evolucionó hacia la rabia pura, el caos controlado. Este primer disco es historia por haber generado una cantidad increíble de rasgos estilísticos, desde los golpes de batería aporreadores y obsesivos (que luego se convertirán en la columna vertebral del punk y el post-punk), hasta las modulaciones mántricas indias, desde influencias de formatos de canciones tradicionales de varias metrópolis. , hasta ser casi totalmente el inventor de géneros como el dream pop, el indie rock, el art rock, el rock alternativo, y el iniciador de una larga y gloriosa serie de estrellas y actos maravillosos de "soft" rock. White Light/White Heat es, en cambio, su contraparte infernal, a la que se atribuye la completa invención del punk y el noise rock, fundamentales también para el desarrollo del no wave, new wave, metal, rock industrial e industrial; pero sobre todo, le regala a la música rock dos cajas de Pandora, dos tesoros ocultos que, una vez abiertos, han marcado el rostro de la música rock para siempre. El primero es su espíritu: rebelde, diabólico, pura apoteosis del caos con sus temas de sexo, drogas y compulsiones inconscientes, el espíritu caótico y fuertemente expresionista que dominará, con los años, el alma del rock, desde Stooges hasta Judas Priest , desde Led Zepelín a Contorsiones , de Desenrollado aThrobbing Gristle ya Dead Kennedys . El rock como música politizada, el rock como música perversa, el rock como música de la contracultura y el rock como el arte de los debutantes, Durante las sesiones de grabacion de White Light / White Heat surgieron diferencias entre Reed y Cale, las cuales terminarían por desencadenar la partida del galés meses después. Un foco de tensiones constantes era la elección de las tomas para enlatar el máster, cada integrante luchaba por que se eligiera la toma en la que mejor había tocado. La portada del álbum no se quedaba atrás con respeto al espíritu sórdido de su música, en base a la idea (no acreditada) de Andy Warhol de usar una imagen en negro sobre fondo negro, utilizaron la fotografía de un tatuaje de una calavera. Este tatuaje era de Joe Spencer (uno de los «actores» de Warhol). Es realmente difícil distinguir el tatuaje, lo cual le dio un aura de misterio a una portada considerada mítica.

El lanzamiento de White Light/White Heat, el 30 de enero de 1968, no se diferenció casi en nada con el del primer álbum. Peor aun, fueron directamente satanizados por parte de la crítica, y su sello discográfico, haciendo nuevamente de las suyas, directamente se olvidó por completo de cualquier tipo de promoción o distribución. Sólo llegó al puesto 199 en el Billboard. Sin embargo, White Light/White Heat con el tiempo adquirió el estatus de clásico absoluto, siendo una fuente de inspiración directa para el punk y el rock experimental. Es un álbum que hizo historia y a fecha actual sigue sonando rabiosamente actual.... empezamos: White Light/White Heat es la puerta al infierno un clásico infernal y palpitante en apenas dos minutos y medio resumen todo lo que proponía el debut, los instrumentos marcan el compás al unísono, un estribillo lascivo cantado/recitado por un Reed bañado en gloria que esta perfectamente complementado perfectamente por un coro de respaldo, la forma en que los elementos individuales se compenetran es lo que hace de ella una joya, un ritmo simple y obsesivo en primer plano, los golpes marciales de platillos orquestales, convirtiendola en un hipnótico rock garaje fuera de tiempo, podrido y a la vez celestial. Conmovedores espejismos del hedonismo desatado, paraísos solemnes de la metanfetamina, el placer del sexo y las drogas como única libertad frente al dolor de la vida. En menos de tres minutos, The Velvet Underground junta y supera todas las canciones del primer álbum con respecto a la idea de un  uso persistente de la percusión. El tema que da título al album es, efectivamente, la cima de la perfección formal de White Light/White Heat , un álbum que se revela perfecto desde el primer tema, una de sus mayores obras maestras a pesar de su relativamente corta duración. The Gift en una pista estéreo, por la derecha encontramos la repetición interminable, catártica y neurótica, que nos da un ritmo pulsante que rebota en las cadencias elásticas de un bajo resonante, un compás que por sí solo podría ser incluso bailable, pero aquí acelera a través de tics psicopáticos y obsesiones enloquecidas, comprimida por mil desasosiegos, por mil turbulencias inconscientes y repelentes, este ritmo es acompañado por una larga improvisación de guitarra, bajo y distorsiones letales que continuamente inyectan venenos tóxicos, escupen amenazadoramente con silbidos paranoicos, se encierran en ruidos podridos que se derrumban sobre sí mismos sin cesar. La parte instrumental de The Gift es uno de los intentos mejor conseguidos de la historia (no sólo de los años sesenta) de llevar unas estructuras vanguardistas al formato rock, es una revolución desproporcionada musicalmente, por las implicaciones de utilizar técnicas de vanguardia con tanta soltura. Por la izquierda encontramos un recitado informal de Cale, que hace el papel de un narrador aburrido y descuidado en una historia de decadencia moral y frustración sexual que se sumerge en el psicoanálisis freudiano, un lúcido sueño del absurdo, cinematográfico y profundamente psicológico. La narración se refiere a Waldo Jeffers, un joven enamorado que tiene una angustiosa relación a larga distancia con su novia de la universidad , Marsha Bronson. Después de que terminan sus períodos escolares, Waldo regresa a su ciudad natal de Locust, Pensilvania donde se vuelve cada vez más paranoico preocupado de que Marsha no le sea fiel como prometió, teme constantemente que ella se involucre en relaciones sexuales solo por placer. Al carecer del dinero necesario para visitarla en Wisconsin , inventa un plan para enviarse a ella por correo en una gran caja de cartón, esperando que sea una grata sorpresa para Marsha, el plan lo ejecuta un viernes, se mete en una caja y se envía el viernes. El lunes siguiente, Marsha tiene una conversación con su amiga Sheila Klein sobre Bill, un hombre con el que Marsha se acostó la noche anterior, cuando el paquete llega a la puerta, las dos luchan por abrir la caja mientras Waldo espera emocionado adentro, incapaces de abrir la caja por otros medios y frustrada, Marsha recupera un cortador de chapa de su sótano y se lo da a Sheila, quien introduce violenta y directamente a través de la caja y………

Lady Godiva's Operation es una meditación india con un ritmo repetitivo vagamente oriental, sobre el cual giran las retroalimentaciones distorsionadas torpes de Reed, Cale y Morrison, un réquiem desolado y nostálgico,  cubierta de desechos, de tonos de guitarra debilitados antinaturalmente y de cacofonías enfermizas. Al contrario de la densa y oscura The Gift, esta cancion es mucho más onírica, a veces incluso onírica, una especie de la psicodelia, que en vez de pintar fantasías que se acolchan con colores, refleja con crudo realismo una escenario que es gris, pastoso, sórdido como una habitación de hospital. El tema es igualmente relevante: Reed canta los pensamientos de ansiedad y nostalgia, de melancolía y de esperanza de una mujer trans en una operación que durante toda la canción parece ser una cirugía de cambio de género, pero al final se revela como una lobotomía. En 1968, este fue un acto inedito de crítica social. Nada que ver con el disco tiene Here She Comes Now (cuyo título hace referencia a un orgasmo), una elegante y tierna miniatura de pop rock mágico y embrujado, una estampa melancólica e hipnótica que lleva a la perfección la sensación de trance onírico de Femme Fatale, en su haber, una sensación latente de peligro inminente, escondida tras el hipnótico beat de Maureen Tucker, el tono oscuro y ominoso del canto mántrico y el giro casi cursi de las guitarras, que regularmente se hunden en repetitivas, rasgueos ligeramente distorsionados, como si presagiaran una explosión que nunca llega.

Completamente al otro lado del espectro encontramos I Heard Her Call My Name, desenfrenado sobre un ritmo pesado y obsesivo y desgarrado por solos de guitarra distorsionados electrónicamente, un torrente de silbidos ensordecedores, de convulsiones chirriantes en medio de arcadas violentas, estallantes, que escupen ácido en todas direcciones, apoyado por el pulso corporal de los tambores, primitivos y psicóticos. Reed a veces entra en escena, contando la historia de un ataque de esquizofrenia con un par de estribillos heroicos, pero el verdadero protagonista de la canción es Cale, torturador despiadado y cirujano de la cacofonía, que disecciona enfermizamente la forma del "canto" como un buitre sobre su presa, como un caníbal que hunde los dientes y arranca y arranca la epidermis del cadáver de su botín, mostrando la piel viva. Por primera vez se cuentan, sin filtros, las historias de heroinómanos, de proletarios, de esquizofrénicos y marginados, de marginados sociales que luchan día a día por sobrevivir en la selva metropolitana. Angustias psicoanalíticas y sobredosis de libido sexual, deformaciones del yo y turbulencias freudianas se mezclan en un viaje desconectado y podrido en los rincones más inconfesables del subconsciente humano. El origen del "lado oscuro" del rock. Y si fuera poco lo expresado hasta ahora, hacemos un punto y aparte, cerramos los ojos, abrimos la mente y nos entregamos a algo que esta por encima de un album, preparados, os esperamos despues de los puntos suspensivos…….

Por mucho que estas canciones hasta ahora mencionadas sean revolucionarias, atrevidas y brillantes, por mucho que estén perfectamente construidas e impecables tanto en la teoría como en la práctica, por mucho que un disco formado por sólo estos 5 temas ya hubiera sido una inmensa obra maestra, todo palidece y todo desaparece frente a la infinita majestuosidad de la mayor composición de todo el movimiento rockero y de todos los tiempos, la suprema y definitiva obra maestra de toda la música, los 17 minutos y medio de locura sobrenatural que se conocen con el nombre, grabados en la piedra de historia del arte, como Sister Ray. Velvet Underground, da un salto prodigioso que basta para llevar este disco a cotas de calidad y perfección inimaginables y nos entrega una larga orgía de forma libre que es también el manifiesto último de la música como estruendo y ruido, una improvisación que viene directamente de las profundidades más negras del infierno, con todos los instrumentos preparados para dañar y desgarrar el tejido armónico con tanta violencia como sea posible: las desafinaciones monumentales de múltiples guitarras que chocan y se comen, el órgano distorsionado que pulsa como un meteoro enloquecido, el ritmo apremiante y abrumador , los zumbidos aulladores y colosales y las convulsiones psicóticas que constantemente parecen a punto de estallar, juntos forman un terrible terremoto musical cuyo poder es inhumano, el himno más extremo a la locura humana, a la inmoralidad, al hedonismo, a los instintos animales. Con un estribillo triunfal bestialmente gritado, los versos, cada vez más obscenos y vulgares, se desintegran en triangulaciones bestiales provenientes del free jazz, víctima y presa de una cacofonía extrema e inigualable, cuando Reed no está ocupado vomitando blasfemias la escena pasa a testarudos minimalismos de puntos, de toques de colores demacrados, aterrorizados y paralizados ante este inmenso horror cósmico, alucinación mística víctima de las pesadillas progresivamente más negras y progresivamente más abstractas regurgitadas por la cornucopia de signos sesgados y solemnes, apenas insinuados en la sobrecogedora y chamánica , vórtice monumental y catastrófico de distorsiones abominables, una delicada pintura abstracta en el estruendo ensordecedor de tan luciferina desintegración. Reed se eleva sobre tal caos enloquecido, presa de alucinaciones demoníacas y convulsiones maníacas, que grita histéricamente y proféticamente el destino final del hombre, un Día del Juicio espiritual a través de la parábola paradójica de una orgía donde los asistentes se inyectan heroína y son presa de su efectos, matar a algunos de los invitados. La hermana Ray , la anfitriona, interviene solo para advertir a los asesinos que mancharon su alfombra con sangre, y cuando la policía aparece para arrestar a todos, los personajes se niegan porque están "demasiado ocupados chupando un ding-dong", una farsa del absurdo donde es descarada la crítica social vitriólica de su sátira. Un Apocalipsis moral donde no hay distinción entre hombre y animal, donde se disgrega la frontera entre nuestro cuerpo y el resto del universo, donde se anula la naturaleza más alta y noble de la razón humana, favoreciendo todo lo superficial, primitivo, instintivo, y como tal, la concreción final de todo lo que la naturaleza humana quiere : sexo y muerte, aquí elevados a propósitos trascendentes. Lo divino se busca en lo humano y, peor aún, en lo infrahumano. Al hacerlo, Sister Ray se eleva a la representación terminal de la locura y, más en general, al manifiesto definitivo de toda condición humana.

Acabamos de disfrutar de uno de los álbumes más dramáticos, si no el más dramático, de todos los tiempos, el más inventivo, el más destructivo y caótico, el más conceptualmente cargado y uno de los más importantes de todos los tiempos. Uno de los mayores de este arte a la humanidad. Porque como siempre, el verdadero arte está en la destrucción del arte. Es perfectamente razonable concluir que, muy simplemente,White Light/White Heat es la obra más alta, sagrada y fundamental de la música en su conjunto.

0609 - Evil Ways - Santana

0609 - Evil Ways - Santana

Evil Ways es una canción que la banda de rock mexicano-estadounidense Santana hizo famosa a partir de su álbum debut homónimo de 1969.

Fue escrita por Clarence "Sonny" Henry y originalmente grabada por el percusionista de jazz Willie Bobo en su álbum de 1967 Bobo Motion. 

Junto con el lanzamiento de Santana en 1969, la banda The Village Callers también grabó Evil Ways. 

La letra de la canción está escrita en forma de verso simple. Lanzado como sencillo a fines de 1969, se convirtió en el primer éxito de Santana entre los 40 y los 10 principales en los EE. UU., alcanzando el puesto número 9 en el Billboard Hot 100 la semana del 21 de marzo de 1970. Gregg Rolie interpreta la voz principal y toca un órgano Hammond. solo en la sección media. La coda en doble tiempo incluye un solo de guitarra interpretado por Carlos Santana, quien también hace los coros.

Existió un error de atribución a la canción, en las primeras ediciones tanto del álbum debut de Santana como del lanzamiento del sencillo, el crédito de composición se le dio a Jimmie Zack. Zack era un artista de rockabilly menor del Medio Oeste que grabó una canción con el mismo título en 1960, acreditada como Jimmie Zack and the Blues Rockers, sin embargo, no era la misma canción que grabó Santana.

Daniel 

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0608.- Dark Star – Grateful dead

 

El emblemático álbum en vivo de The Dead fue todo lo que la banda necesitaba para darles vida. Además de la innovación técnica de ser el primer álbum en vivo grabado en cinta de 16 pistas, este álbum ayudó a mostrar el rasgo clave de Grateful Dead: siempre son mejores en vivo. Todo por lo que los Dead son conocidos culmina en este álbum, además, alberga algunas de sus mejores actuaciones en vivo. De Jerry García decía su compañero Phil Lesh (bajo), que era capaz de hacer cantar cualquier instrumento que tocara, y eso, aunque se refería específicamente a la steel guitar que empezó a utilizar en la posterior Workingman's Dead (1970), puede apreciarse a la perfección durante este viaje triposo al corazón del jipismo más expansivo, psicodélico y lisérgico en que pensarse pueda. El álbum Live / Dead es un viaje sin esperanzas de retorno a las entrañas de la mente universal, la traslación más perfecta posible de lo que pasaron en sus ceremonias eléctricas tocadas por la química y la gracia divina. No me cabe duda de que enlatar todo lo que sonaba y todo lo que se sintió en un concierto de estos demiurgos de la electricidad es sencillamente imposible, pero este documento nos lo acerca aunque solo sea unos milímetros. Y eso ya es mucho.

 

 

El álbum comienza con la que probablemente sea su canción más famosa, "Dark Star", una versión de 23 minutos una canción psicológica ligeramente jazzística desarrollada con solos de guitarra exploratorios y florituras espaciales de órgano, me gustaría recordar que la versión original de estudio de esta canción dura solo 3 minutos. Estoy seguro de que, al escuchar las primeras notas de esta pieza, la mayoría de la gente lo descartaría como una paja de fideos sin rumbo, al menos en mi opinión, ¡esto no es cierto! En lugar de gemir interminablemente en una escala de blues pentatónica estándar, Jerry García usa escalas de jazz para sus solos que crean una cualidad "flotante" interesante en la música cuando se combina con el bajo fluido y en constante cambio y la segunda guitarra de sus compañeros Dead-heads. (es decir, las notas tocadas por los tres intérpretes no siempre crean una "cama" sólida y armónica, por así decirlo; esto no quiere decir que suenen discordantes juntas, simplemente dejan la canción "en el aire" si escuchas mi deriva). Y eso te hace sentir solo, incómodo y fuera de lugar, recurrir al flujo y reflujo orgásmico del ritmo espacial de conciencia colectiva de esta banda para la trascendencia funciona a la perfección. El paisaje, las melodías, la dulce soledad autoimpuesta, todo se fusionó en un momento de buena fe para mí. Sales de ese pequeño laberinto de fantasía sintiéndote... bueno, no genial, pero, ya sabes, mejor. No sé cómo explicarlo, exactamente.

0607.- You Don't Love Me When I Cry – Laura Nyro

 

En 1969, Laura Nyro era una de las compositoras más populares del planeta. Su trabajo había sido versionado (o iba a serlo pronto) por artistas tan diversos como Blood, Sweat & Tears , Three Dog Night , The 5th Dimension , Frank Sinatra y Barbra Streisand. Pero como artista discográfica de éxito por derecho propio, fracasó, al menos comercialmente, artísticamente, Nyro fue sin duda una de las artistas más originales, inventivas y únicas que llegaron a la escena musical durante la década de 1960, con su sentido de la moda único, su estilo de piano apasionado y su inconfundible voz de varias octavas, que luego influyó en decenas de cantantes. Su álbum debut, More Than A New Discovery de 1966, mostró un talento para las melodías pop bien elaboradas al estilo Brill Building, mientras que Eli & The Thirteenth Confession de 1968 llevó su accesibilidad a un nivel más vanguardista con múltiples cambios en melodía, ritmo, y tempo. Su siguiente álbum New York Tendaberry, que tardó todo un año en grabarse debido al extraordinario perfeccionismo de Nyro, representa los mismos valores que Eli pero de una manera mucho más pura y despojada, atrás quedaron los arreglos opulentos y las armonías vocales, o incluso las melodías alegres y optimistas, el estilo vocal permanece, al igual que el amor por el cambio de ritmo y tempo, pero este es un disco mucho más oscuro y menos inmediato, es un álbum de opuestos y contrastes; fuerte contra tranquilo, romántico contra vicioso, alegre contra melancólico, pero funciona, y no hay duda de que el perfeccionismo legendario y, algunos dirían, exasperante de Nyro valió la pena.

 

Hay una sensación de tristeza que impregna todo el álbum, un ejemplo claro es “You Don't Love Me When I Cry" a pesar de tener un comienzo extraño, muestra las mejores cualidades del álbum en cuatro minutos. Al principio, Nyro es silenciosa, antes de lanzarse a un bramido de Broadway a gran escala y acordes de piano martillados, y luego reclinarse en el silencio. Es indicativo del paseo por los distintos estados de ánimo y estilos en el álbum; no hay una sola canción que tenga la misma atmósfera en todo momento, con Nyro optando por expresar sus sentimientos y sus letras alterando el estado de ánimo en el ritmo, el tempo, la melodía o su propia entrega vocal. Nyro poseía un don que pocos cantantes tienen, es decir, tenía una voz que podía derribar paredes; una voz que era completamente transparente, emocionalmente, una honestidad que regocijaba y un timbre vocal que la hacía hermosa. A menudo, un cantante tendrá uno u otro o esto o aquello, pero rara vez todas esas cualidades envueltas en el mismo paquete. No me atrevo a escucharlo mucho este disco porque a veces duele, o me provoca recuerdos de cosas que es mejor dejar en paz, Laura puede ser muy agotadora, muy exigente, pero cuando lo escucho, lo amo hasta el infinito.

0606.- He Ain't Heavy, He's My Brother – The Hollies

He ain’t heavy, he is my brother no la compuso ningún miembro de The Hollies”, sus creadores fueron Bobby Scott, autor de la música y Bob Russell, creador de la letra, ambos estadounidenses, tampoco fueron los primeros en grabarla, ese honor fue para Kelly Gordon, un cantautor, nacido en Kentucky, pero la canción se convirtió en un éxito mundial con la versión grabada por The Hollies en 1969, y de nuevo por Neil Diamond en 1970. Dicen que el hecho que inspiró esta canción es el siguiente: cierta noche, en una fuerte tormenta de nieve, en la sede de un orfanato en Washington DC, un sacerdote que estaba de guardia oyó a alguien llamar a la puerta. Al abrirla descubrió a un niño cubierto de nieve, con poca ropa, llevando a la espalda a otro niño más pequeño. Con el hambre pintada en el rostro, el frío y la miseria de ambos conmovió al sacerdote, que les hizo entrar y exclamó: «¡Debe ser muy pesado!», refiriéndose al niño cargado a la espalda, el niño que lo cargaba dijo: «él no pesa, es mi hermano. (He ain’t heavy, he is my brother), no eran hermanos de sangre realmente, eran hermanos de la calle. ¿Es cierta esta historia? La verdad es que hay otras versiones anteriores: en una de ellas, que se remonta a 1884, quien cargaba con el peso del pequeño era su hermana mayor. Otra versión de la historia apareció publicada en la revista Kiwanis en 1924. Pero la historia de los dos muchachos sí se convirtió en un icono cuando el sacerdote católico Edward J. Flanagan la eligió como logotipo de su Ciudad de los Muchachos (Boys Town) en Omaha (Nebraska), un orfanato que daría esperanza a cientos de muchachos abandonados en las calles a principios del siglo XX. La obra del padre Flanagan fue inmortalizada por Hollywood en 1938 con Spencer Tracy en el papel del padre Flanagan, y Mike Rooney como protagonista.

La versión de The Hollies, que contó con Elton John al piano, fue lanzada en el Reino Unido el 1 de septiembre de 1969, donde alcanzó el tercer puesto, y el 1 de diciembre de 1969 en EE.UU. (7º lugar del ranking). La canción fue relanzada a finales de 1988 en el Reino Unido después de su utilización en un anuncio televisivo para la cerveza Miller Lite. Alcanzó el 1º puesto durante dos semanas en septiembre de 1988. Es sin duda alguna un tema con mucha sensibilidad que hará disfrutar a los amantes de este género, para los que no sean muy de temas lentos, no negaré que podría verse como cursi, pero no sé, es tan genuino que te atraviesa el corazón…. Razones tiene, empezando por esa armónica al principio, una melodía muy bonita que le dan a la canción una atmósfera tierna pero fuerte, además es un tema muy bien cohesionado con todos los ingredientes de una buena balada y como no, la voz contundente de Allan Clarke, con un fantástico contraste entre los versos más afinados y los estribillos luminosos. 

0605.- Jingo - Santana

 

Jingo, Santana

     La banda estadounidense Santana, formada por Carlos Santana (guitarra y voz), Dave Brown (bajo), Mike carabello (congas y percusión), Mike Shrieve (batería), Gregg Rolie (piano, órgano y voz) y José Chepito Areas (timbales, conga y percusión), publica el primer álbum, llamado Santana, un disco que contiene la mezcla y fusión de música latina, rock e incluso africana, que está grabado a modo de jam session. Un disco indispensable que contiene temas como el legendario Soul Sacriface, Evil Ways o Persuasion. El disco fue grabado durante el mes de mayo de 1969 en los Pacific Recording estudios de San Mateo, California, bajo la producción de Brent Dangerfield y del mismo grupo, y publicado el 30 de agosto de 1969 bajo la discográfica columbia records. El disco pasó algo más de dos años, concretamente 108 semanas, en la lista Billboard pop Album Chart de Estados Unidos, llegando a alcanzar el puesto número 4 en ese país y el número 26 en las listas de ventas de Reino Unido.

Incluido en este álbum también se encuentra Jingo. Este tema es una versión del famoso tema Jin-Go-La-Ba del famoso baterista nigeriano Babatunde Olatunji, que emigró a Estados Unidos en 1950 y se hizo hueco en el difícil circuito de Jazz americano con su estilo con mezclas y raices de música africana. Jin-Go-La-Ba fue grabado por Babatunde en 1959 e incluido en su disco Drums of Passion. Santana utilizó dos percusionistas y un batería para grabar Jingo. Partiendo de la batería de Mike Shrieve, quien procuró mantener lo más fielmente posible los patrones originales del tema Jin-Go-La-Ba en la batería, Carlos Santana le añadió dos percusionistas como base de esta maravillosa versión, rodeándo el tema con ritmos latinos y luego añadió su inconfundible guitarra. El resultado fue sencillamente espectacular. Jingo permaneció ocho semanas en las listas de ventas de Estados Unidos, llegando a alcanzar el puesto 56 en dicha lista. 

Se da la circunstacia de que la banda de Santana recibió una invitación para tocar dos semanas antes de la publicación de este álbum en el mítico Festival de Woodstock, celebrado en agosto de 1969. Dicha invitación la consiguieron gracias en parte a Bill Graham, el cuál era un apasionado de la música latina, y Santana le había tocado la fibra, le encantaban, por lo que les consiguió una invitación para tocar allí. La actuación de Santana en aquel festival fue memorable, para la historia quedan ya sus míticas interpretaciones de temas como Soul Sacriface o Jingo, temas que tocaron antes de que se publicara el disco y que consiguieron un enorme éxito entre el público asistente a Woodstock, lo que ayudó a que una vez publicado su disco debut vendieran más de dos millones de copias.

Rank - The Smiths #MesTheSmiths

 

El 5 de septiembre de 1988 el grupo británico The Smiths publicaba Rank, su único álbum en vivo, que contenía material que había sido grabado casi dos años antes, concretamente el 23 de octubre de 1986 en el National Ballroom de Kilburn, Londres. De los 21 temas grabados en aquel concierto 14 vieron la luz en Rank. El disco fue publicado por el sello discográfico Rough Trade en Reino Unido y por el sello Sire en Estados Unidos. En Reino Unido el álbum consiguió posicionarse en el puesto número 2 de las listas de ventas y en Estados Unidos en el puesto 77. De los catorce temas que aparecen en este directo, todos habían sido compuesto por Johnny Marr y Morrissey excepto His Latest Flame (Doc Pomus, Mort Shuman), The Draize Train (Marr), y el comienzo de The Queen Is Dead, que es una grabación de audio de la pieza clásica Montagues and Capulets, compuesta por Sergei Prokofiev.

Abre la cara A de este directo The Queen Is Dead, buque insignia de la banda, un tema que muestra la disconformidad con realeza británica, un ataque en toda regla contra dicha realeza. A medida que pasaba el tiempo Morrissey y compañía iban perdiendo la fe y la confianza en la realeza británica. Panic, incluida en su álbum recopilatorio The World Won't Listen (1987). Escrita por Morrissey y Marr tras el devastador accidente de la central nuclear de Chernobyl, Ucrania. Los dos se econtraban escuchando las noticias en la radio sobre el incidente, cuando de repente empezó a sonar la canción I'm Your Man de Wham!, ¿Que diablos tenía que ver aquello en aquel momento con la realidad y la vida de las personas?. La canción lamentaba el estado trivial de la música pop contemporánea y animaba a los oyentes a "quemar la discoteca", algo que algunos malinterpretaron como un ataque racista a la música negra.

Vicar In A Tutu, tema que nos habla sobre no ser acepetado por la sociedad. Aunque la letra se burla de los valores religiosos y su mentalidad cerrada, Morrissey afirmaba ser católico de nacimiento y no haber abandonado nunca su fe en Dios. ASK, una canción de corte pop aparentemente optimista y positiva construida alrededor de los acordes principales de guitarra, con una letra que nos habla de la timidez y anima a la gente a superar sus inhibiciones. His Latest Flame/Rusholme Ruffians, donde el grupo realiza una introducción de la canción His Latest Flame, de Elvis Presley, para dar paso a continuación a Rusholme Ruffians, Incluido en su álbum Meat Is Murder (1985). The Boy With The Thorn In His Side, canción que hace alusión a la industria de la música, de como ésta, personificada en una espina, se clava en un niño que trata de deshacerse de ella. Rubber Ring/What She Said, que realmente es la canción What She Said que comienza sorprendentemente con el ritmo de Rubber Ring, tema que sería publicado en la reedición de 2017 de coleccionismo de The Queen Is Dead.

Se encarga de abrir la cara B Is It Really So Strange?, tema por entonces inédito y que sería editado en la reedición de lujo de The Queen Is Dead en 2017, como parte del concierto dado por el grupo en Boston en 1986, y que ocupa la cara 4 del doble álbum de dicha reedición. Cemetery Gates, canción que nos cuenta lo triste que se siente el protagonista, mientras pasea por un cementerio, por todas las personas que han muerto y con ellas sus pasiones, amores, ilusiones y odios. London, tema que sería publicado en el recopilatorio The World Won't Listen, que sería publicado en febrero de 1987. I Know It's Over, una sombría balada, incluída en The Queen Is Dead (1986), donde un moribundo hombre reflexiona sobre lo que ha sido su solitaria vida y como la ha desperdiciado.

The Draize Train, un instrumental inédito que realmente es una variación de la canción Barbarism Begins At Home, incluida en Meat Is Murder (1985). Still Ill, de su álbum debut, The Smiths (1984), una reflexión personal de Morrissey, mientras mira al pasado, sobre sus viejos sueños y libertades, en la era de Margaret Thatcher, los cuales estaban muertos, y sobre su orientación sexual. Bigmouth Strikes Again, incluido en The Queen Is Dead. Se encarga de cerrar este directo este claro ataque a los medios de comunicación y sus tácticas exigentes y agresivas. Hay un verso que alude al "audífono de Juana de Arco que se derrite", todo un guiño un fan. En el momento del lanzamiento de la canción, Morrissey había empezado a utilizar audífonos cuando actuaba como muestra de apoyo a un fan con problemas de audición que le había escrito recientemente.

0604.- Waiting – Santana

 

"Los años 1960 fueron un salto en la conciencia humana. Mahatma Gandhi, Malcolm X, Martin Luther King, el Che Guevara y la Madre Teresa lideraron una revolución de la conciencia. The Beatles, The Doors y Jimi Hendrix crearon temas de revolución y evolución. La música era como Dalí, con muchos colores y formas revolucionarias. La juventud de hoy debe ir allí para encontrarse a sí misma".

 

Permitirme salirme un poco de la tónica y abrir el artículo de esta canción con esa frase, me encanta, es muy visionaria y a la vez expresa una realidad que estaba ocurriendo, con esta frase damos la entrada a uno de los grandes guitarristas de la historia, llega el momento de repasar el primer álbum de Santana. Hablar de Santana es hablar del guitarrista/fundador/líder Carlos Santana, si bien esto puede sonar redundante, para comprender verdaderamente la música de Santana, es necesario comprender al hombre, Santana es el músico mexicano-estadounidense más relevante de las últimas 4 décadas, al tener raíces mexicanas tenía una fuerte sensibilidad hacia la música latina en general y estaba particularmente interesado en la música salsa, el jazz latino y varios géneros cubanos como el guaguancó, la guaracha y similares, estas influencias estarían se mezclarían con una afición igual por el jazz estadounidense y el blues, pero es que además a Santana también le gustaba la música rock, por lo que bandas como The Beatles, The Rolling Stones, Cream, The Jimi Hendrix Experience y muchas otras tendrían un gran impacto en él. A sugerencia de su entonces manager, Bill Graham, Santana acogió la idea bajo la cual ha estado presente por más de medio siglo. Matices de música latina, jazz, rock y un poco de psicodelia siguen sonando frescos en el lienzo de esta leyenda que ha sabido además conjugar su vocabulario que aquellos de más reciente data, manteniendo así una fanaticada leal pero al mismo tiempo ganando nuevas audiencias.

 

El primer álbum de Santana abre con el instrumental “Waiting” que inicia con las congas, batería y órgano de Michael Carabello, Michael Shrieve y Greg Rollie, respectivamente, y la repetitiva y sólida línea de bajo de David Brown. Carlos da suficiente espacio a todos los instrumentos para tan solo descargar hacia final del tema con una sencilla línea melódica y cerrar con el tema inicial. Es una de las muchas pistas instrumentales del álbum, y normalmente no me gustan los instrumentales, pero Santana los saca adelante con gran éxito, ya que la canción está llena de sabor con cada pequeño estilo o ritmo, y lo muestra excepcionalmente bien. Waiting no es ni la mitad de alucinante que "Soul Sacrifice", pero la interacción de la banda es jodidamente emocionante parece que los integrantes casi se comunicaban entre sí en algún nivel paranormal, sin perder ni una vez el flujo de la canción y sin perder nunca de vista el ritmo natural, dando a cada músico la oportunidad de brillar. El clímax de la canción, cuando las notas estiradas de Carlos se reincorporan a la percusión y Shrieve cambia a ese ritmo galopante, es oro puro.

 

 

0603.- Desperation - Humble Pie

 

Desperation, Humble Pie

     En 1969 la banda inglesa de rock formada en Essex, Humble pie, debuta con su primer álbum de estudio As Safe as Yesterday Is. El grupo, formado por Steve Marriot (vocalista), Peter Framptom (guitarra y voces), Greg Ridley (bajo, percusión y voces) y Jerry Shirley (batería, percusión y piano), graban en los Olympic Studios de Londres el material que compone este disco debut bajo la producción del ingeniero de sonido y productor británico Andy Johns. El disco es publicado el 1 de agosto de 1969 bajo el sello discográfico Inmediate.

El disco contiene una mezcla de sonido que van desde el hard rock, pasando por el blues rock, folk, country, música pop o post mod. Rápidamente la crítica especializada, más concretamente la revista Circus, agrupó a Humble Pie junto a grupos como Black Sabbath, Deep Purple o incluso Cream, dentro del creciente y novedoso movimiento denominado Heavy Metal, llamado así por la densidad y pesadez de su sonido. En esa misma época el famoso periodista, músico y crítico John Peel, quien trabajaba para la BBC, catalogó a Humble Pie como la primera banda de Heavy Metal de la historia, y para hacerlo no se basó su sonido, si no en la cantidad de volumen utilizado en su sonido para realizar sus interpretaciones.

Incluido en este álbum debut de Humble Pie se encuentra el tema Desperation, el tema que abre el disco y que resulta ser una versión de la canción de la banda canadiense-estadounidense Steppenwolf, quienes habían publicado este tema un año antes, concretamente en su álbum debut llamado Steppenwolf. La canción fue compuesta por el vocalista y guitarrista de la banda John kay. La versión de Humble Pie es sencillamente hermosa, magistral, una gran introducción para un disco y un estilo de sonido que sería tomado por multitud de bandas que irían llegando posteriormente. Desperation es un contundente tema con unas grandes melodías y un soberbio órgano que acompaña la genial interpretación de Steve Marriot.

El disco de la semana 290 - Freedom, Neil Young

¿Quién no ha escuchado alguna vez la frase: "Hay dos tipos de personas..."? Tras los puntos suspensivos, suelen aparecer dicotomías muy variadas, del tipo: "Los que hacen esto o aquello y los que no", como si realmente fuera posible clasificar a la humanidad en dos categorías opuestas. Sin estar de acuerdo la simplificación que implica, voy a permitirme utilizar esta manida frase para referirme en esta reseña a "dos tipos de personas: Los que conocen a Neil Young y los que no".

En el grupo de personas que conocen a Neil Young se incluiría, por poner un ejemplo, William Ruhlmann de Allmusic, escribió: "Neil Young es famoso por desguazar álbumes completos y sustituirlos por otros rápidamente grabados con estilos radicalmente diferentes", y la frase describe a la perfección el collage que se despliega al poner el disco Freedom (1989) en el tocadiscos. Por un lado, el hit Rockin' in the free world, un tema musicalmente alejado de otros de los temas que componen el álbum, incluido aquí en sendas versiones acústica (abriendo el disco con un corte en directo) y eléctrica (cerrando magistralmente el disco), en un formato similar al que aplicó en el disco "Rust Never Sleeps" con la canción "Hey Hey, My My (Into the Black)".

Por otro lado, los temas Don't Cry, Eldorado y On Broadway (versión del tema soul escrito por Barry Mann, Cynthia Weil, Jerry Leiber y Mike Stoller) fueron publicados previamente en el EP Eldorado, y son ejemplos del sonido que Young creó a medio camino entre la claridad acústica y la distorsión y el feedback del grunge, mientras que otros dos temas del álbum incluyeron una sección de vientos, algo atípico e inusual en la discografía de Young, y alejado del estilo de las otras canciones del disco.

Publicado por Reprise Records, y pese a notarse en la escucha que se trataba de una selección de canciones de diferentes proyectos, Freedom cosechó críticas muy positivas y supuso un renacimiento comercial para Young tras una década de fracasos comerciales y enfrentamientos con su anterior discográfica (Geffen Records). El single principal (Rockin' in the Free World, versión eléctrica) es el single de mayor éxito de la carrera de Young, que se convirtió además en un himno contra la administración de George H. W. Bush, y una versión de la canción fue incluida en los créditos finales de la película de Michael Moore Fahrenheit 9/11. No more fue el segundo single, cosechando también buenos resultados aunque no a la altura de la canción estrella del disco.

No puedo terminar esta reseña sin hablar del otro grupo de personas, los que no conocen a Neil Young. Parece difícil de creer, pero existen. Un buen ejemplo sería un amigo y compañero que me llamó desde el concierto Rock in Rio el año que se celebró en Arganda. Tras acordar dónde nos veríamos cuando yo llegara al concierto, le pregunté quién estaba actuando en ese momento, porque se escuchaba de fondo y no conocía la canción que estaba interpretando. Su respuesta fue: "No sé. Es un abuelo tocando la guitarra". El abuelo era Neil Young y el tema era Rockin' in the Free World, versión acústica. Si os parece, le perdonamos a mi amigo el pecado cometido, y nos quedamos con el recuerdo de esa mítica canción, incluida por partida doble en un disco de imprescindible escucha.

0602.- I wanna be your dog - The Stooges

En origen, el primer álbum de los Stooges se basaba en tan solo cinco canciones, basadas en el material sin pulir con el que conformaban sus primeras actuaciones en directo, en las que desarrollaban las canciones durante un par de minutos, para lanzarse después a largas y salvajes improvisaciones con las que los temas podían prolongarse hasta los diez minutos. En ese grupo de canciones, junto a temas tan conocidos como No Fun, 1969, We will fall y Ann, estaba I Wanna Be Your Dog.

Según declaraciones de Iggy Pop, Elektra Records no estaba por la labor de editar un álbum de cinco temas en los que la mayor parte fueran largas y caóticas improvisaciones, y eso hizo que el grupo tuviera que trabajar en más material para completar el disco, y que nos privaran de lo que habría sido una versión más extensa de I Wanna Be Your Dog. ¿Habría sido mejor en un formato más libre y extendido? No lo sabemos, pero es probable que no, teniendo en cuenta que la versión concisa es un efectivo latigazo de primitivo heavy metal y punk rock, una píldora concentrada en tres minutos y basada en la repetición de un riff de solo tres acordes, que descarrila y explota en los oídos con un efecto tan poderoso como inmediato.

Junto a la distorsionada guitarra heavy en la que se basa la canción, en I wanna be your dog la tensión rítmica del tema se sostiene a través de la repetición de una sola nota de piano, interpretado por el productor John Cale de Velvet Underground, grupo que en aquel momento se encontraba en primera línea de la corriente de sonido experimental y de vanguardia de finales de los sesenta. Pero lejos de estancarse en el marco del sonido de los 60's, los ecos de I wanna be your dog han perdurado en el tiempo. Valgan como ejemplo, entre otros muchos reconocimiento, la inclusión en la lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone, y por la revista Q como la número 13 de "Las 100 mejores canciones de guitarra".

0601.- No Fun – The Stooges

 

Uno de los grandes misterios de la era del rock clásico es por qué The Stooges no vendía LP a montones. Firmado con Elektra Records, que había comercializado con éxito millones de copias de los discos de Doors, la portada de The Stooges incluso emula la del debut de los Doors, así como la de Out of Our Heads de los Rolling Stones. La similitud resultó mucho más que una imitación ya que el cantante principal Iggy Pop se inspiró tanto en Jim Morrison como en Mick Jagger. De todas las bandas blancas que surgieron de Michigan, los Stooges fueron los más audaces y posiblemente el grupo con más probabilidades de lograr el éxito masivo. Al final, varios factores jugaron en su contra. Su cruda presencia en el escenario abrumó a la mayoría de los fanáticos del rock cuando la década de 1960 se convirtió en la de 1970. No estaba más preparado para ver a Iggy Pop cortarse con un cristal en una actuación pública.

 

El sonido del LP es todo lo que desearía que fueran los discos de rock moderno, nos invade su sensación ruidosa y sucia, ahora probablemente tendría una vida muy efímera, afortunadamente, el grupo se adelantó a su tiempo en casi todos los sentidos, incluso al evitar las técnicas de edición destructivas. Sí, el álbum es ruidoso, pero conserva un atractivo chasquido dinámico, nada se pierde en la mezcla, y cada instrumento y voz mantiene el cuerpo y la textura y uno de los ejemplos es No fun, la voz impersonal, casi te está regañando de Iggy Pop a duras penas puede distinguirse de todo el ruido que alrededor tiene sobre todo de guitarra que por momentos te puede hacer enloquecer, aspera y por momento agria unida a que la banda se alarga a tres acordes hacen de la monotonía una virtud. El amplificador de Ron Asheton suena como si tuviera un altavoz quemado. Asheton es la estrella aquí: encima de su implacable guitarra rítmica, sobregraba un solo que es ambicioso y sorprendentemente primitivo a la vez, de lo mejor que he escuchado en su carrera aquí más y es que quizás hace de su habilidad instrumental comparativamente limitada es una virtud. Seis años más tarde, cuando un grupo británico llamado Sex Pistols comenzó a hacer una versión de la canción, ni siquiera fue capaz de acercarse a ella.

 

0600 - 1969 - The Stooges

0600 - 1969 - The Stooges 

The Stooges es el álbum debut de la banda estadounidense The Stooges, lanzado en agosto de 1969 por Elektra Records.

El álbum alcanzó la posición número 106 en las listas musicales de Billboard y es considerado uno de los mejores álbumes de proto-punk, con un fuerte impacto, además, en el hard Rock. 

El álbum abre con "1969".  Que tiene un ritmo acelerado liderado por la guitarra de Asheton, que sugiere que escucharemos un tipo de música, pero es una pista falsa. Unos segundos después del comienzo de la canción, la banda cambia de ritmo, produciendo una melodía simple e hipnótica que tiene influencias de Bo Diddley.  

Es casi como si la banda escuchara a Bo Diddley con algo de su blues, los instrumentos de Asheton se aproximan a esas texturas. Ron Asheton se suelta con un trabajo de guitarra distorsionado, y la sección rítmica suena como si estuviera manteniendo las cosas simples para poder mantenerse juntas. En cambio Iggy se burla de una manera familiar para los fanáticos de los Rolling Stones, y esas burlas parecen ser más naturales para él que para Mick Jagger.

El álbum alcanzó el puesto 106 en las listas de álbumes de EE. UU., y su siguiente álbum, Fun House, muy diferente pero igualmente intransigente, no logró ubicarse en las listas de EE. UU. en absoluto. Pero el tiempo pronto demostró que The Stooges y 1969 son un álbum y una canción importante y que influiría en gran medida en el movimiento punk que se avecinaba.

El álbum se posicionó en el número 185 de la lista Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, conservando la posición en la reedición de 2012.

La misma revista ubicó a 1969 en el número 35 de su lista Las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos.

Daniel 

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0599.- Bad Moon Rising - Creedence Clearwater Revival

Bad Moon Rising, una vigorosa pieza de rock and roll con toques country incluida en el disco Green River (1969) fue uno de los primeros grandes éxitos de la Creedance Clearwater Revival, y tras su publicación como single logró llegar al segundo puesto del Billboard Hot 100 estadounidense y al primer puesto de las listas de ventas del Reino Unido. Escrita por John Fogerty, la melancólica y apocalíptica letra de la canción contrasta con la pegadiza y entusiasta música.

Según el propio Fogerty, la letra estaba inspirada en una escena de la película The Devil and Daniel Webster, en la que un  huracán arrasa un pueblo entero. De ahí surgió la popular frase "I feel the hurricane blowin, I hope you're quite prepare to die" ("Siento el huracán soplando, espero que estés preparado para morir"). Con semejante letra, no es de extrañar que la canción haya sido utilizada en la banda sonora de películas de ciencia ficción como "Un hombre lobo americano en Londres" o "Blade", entre otras.

Curiosamente, la melodía de la canción ha sido utilizada con fines más futbolísticos que musicales o apocalípticos. Todo empezó en 2010, cuando la hinchada del San Lorenzo de Almagro le cambió la letra y la convirtió en un tema de ánimo a los colores de su equipo. La canción no tardó en ser utilizada para alentar a otros equipos de Argentina, y a la propia selección albiceleste, durante el Mundial de Brasil en 2014. Si eres aficionado/a al fútbol, la reconocerás cuando los hinchas canten "Loco, decime qué se siente..."

0598 Lodi - Creedence Clearwater Revival

 

Lodi, Creedence Clearwater Revival

     El 3 de agosto de 1969 la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival publica su tercer álbum de estudio, Green River. Doug Clifford, Stu Cook, y John y Tom Fogerty graban el material de este disco entre marzo y junio de 1969 en los estudios Wally Heider de San Francisco bajo la producción de John Fogerty. El álbum es publicado el 3 de agosto de 1969 bajo el sello discográfico Fantasy Records. En diciembre de 1970 Green River ya había conseguido la certificación de disco de Oro merced a sus ventas. En 2003 la revista Rolling Stone situó este disco en el puesto número 95 de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos". También apareció en el influyente libro de Robert Dimery "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

Incluido en este álbum se encuentra la canción Lodi, compuesta por John Fogerty, y publicada como cara B del sencillo Bad Moon Rising en abril de 1969. A pesar de no llegar al Top 40 de ventas esta sombría canción, rápidamente se convirtió en un elemento básico de las emisoras de rock y en uno de los temas favoritos de los seguidores de grupo. La canción describe la difícil situación de un músico pobre que lucha por sacar adelante su carrera, lo que le lleva a tocar en Lodi, una pequeña localidad agrícola situada en el Valle Central de California, a unas 70 millas de la ciudad natal de John Fogerty, Berkeley. Después de tocar en bares y otros locales de Lodi, el músico se encuentra con que no puede pagarse ningún billete de tren o autobús para marcharse de la ciudad.  

Sobre la canción, John Fogerty diría más adelante que nunca había visitado Lodi antes de escribir la canción, y simplemente la eligió porque el nombre tenía gancho y sonaba genial. También comentaba John que Lodi provino de la etapa en la que hacía viajes con su padre al centro de California, un área del mundo cálido donde  uno se podía sentir especial. Esta canción era un reflejo de los días de John Fogerty con The Golliwogs, donde el grupo luchaba por conseguir el éxito tocando en pueblos de ninguna parte como Lodi,  con equipos en mal estado y para una audiencia a menudo indiferente.

Strangeways, Here We Come - The Smiths #MesTheSmiths

 

The Smiths había lanzado lo que todavía se considera su mejor álbum, "The Queen is Dead", aproximadamente un año antes. Presentaba a Morrissey en su momento más ingenioso, más triste y algunos podrían decir que incluso en su punto máximo. Johnny Marr estuvo brillante en sus composiciones, y Rourke y Joyce se destacaron como siempre. Había dudas de que los Smiths pudieran superar ese álbum. Y por mucho que lo intentaron, los Smiths no lo superaron. Strangeways es un álbum brillante, no lo dudes. Presenta algunas de las mejores composiciones de Marr, y presenta una dirección bastante nueva para los Smiths, manteniéndose bastante cerca de la fórmula que ha funcionado tan bien (canciones increíbles combinadas con letras excelentes). Pero no se acercaron al brillo mostrado en The Queen is dead, que algunos dicen que era inigualable. Strangeways fue el último álbum de estudio que grabaron los Smith (aunque lanzaron un álbum en vivo, Rank, un año después). Este álbum fue grabado en la primavera de 1987, y las fuentes más precisas que pude encontrar afirman que Johnny Marr dejó a los Smiths en mayo de 1987. Existen numerosas razones para su partida. Algunos afirman que Morrissey se negó a participar en teclados, sintetizadores, etc. (despreciaba la música dance), aunque Marr estaba ansioso por experimentar. Otras razones incluyen la incapacidad informada de Morrissey para trabajar con otros y su arrogancia / pretensión, etc. Estos fueron probablemente los dos factores principales, aunque también se rumorea que hay otras razones. Este álbum fue lanzado en el otoño de 1987, después de que los Smiths se separaran.

A Rush and a Push and the Land is Ours comienza con voces aireadas y sonidos ambientales bastantes soñadores con una melodía muy pegadiza y animada, es casi imposible no tocarla con el pie, no es exactamente una canción profunda, solo una buena canción pop. Su título está tomado de un “grito de batalla” irlandés por la Independencia, si mal no recuerdo. Aunque la incomodidad ante la mención del amor aún persiste, aquí se presenta como un reflejo del dolor pasado en lugar de una aceptación cansada de la soledad permanente. ¡Es genial escuchar que el narrador al menos ha logrado probar las delicias de una relación terminada! I started something I couldn’t finish es lo más "rockero" que los Smith lograron de nuevo otra canción increíblemente pegadiza donde destaca buen trabajo de guitarra de Marr, una vez más una canción que me parece increíblemente pegadiza, pero no es tremenda en ningún aspecto. Para aquellos de ustedes que ya tienen el álbum, al final de la canción, Morrissey dice: “¿Lo hacemos de nuevo, Stephen?”. refiriéndose a Stephen Street, el productor. Por supuesto, si lo hicieron de nuevo o no, no importa, ya que esta es la versión final con la que fuimos bendecidos. 

Death of a Disco Dancer la canción, es bastante flojita musicalmente hasta el final... es una epopeya de construcción lenta que en realidad nunca explota, quizás es una de las canciones más flojitas del disco y casi del grupo. Girlfriend in a coma es uno de los grandes clásicos del grupo, aunque el título suena desgarrador, el hermoso arreglo evoca el sabor de una rica canción de amor tradicional, mientras que la letra inyecta las nubes morbosas que se ciernen sobre la relación con una sentida profundidad, está muy presente el trabajo de guitarra pop de Marr, que contrasta con la naturaleza oscura de la letra, cosas brillantes que nos dejaban The Smiths, tiene una duración de poco más de 2 minutos, una composición corta y dulce que sirve para entregarnos una magnifica balada del grupo muy disfrutable. Stop Me If You Think You've Heard This One Before es uno de los mejores títulos de todos los tiempos, no se puede criticar a esta canción porque sin duda es una canción tan malditamente pegadiza que cuesta encontrar algún aspecto negativo en ella. Se suponía que esto era un single, pero fue rechazado por la discográfica porque en un momento canta "asesinato en masa" y podría haber causado mucho revuelo en la sociedad debido a los recientes asesinatos en serie que ocurrieron, pero todo tiene un precio y es lo que pasa cuando escuchas algunas letras más asombrosas de Morrissey. Last night I dream that somebody love me comienza con una introducción de casi 2 minutos de los mismos acordes de piano que se tocan una y otra vez, y una multitud vitoreando de fondo, cuesta mucho cuando la escuchas por primera vez, realmente es irritante esta introducción, pero luego se trasforma en una gran balada, una canción lenta, pero con un ritmo pesado. Tiene una letra bastante simple, pero funciona bien. Unhappy birthday

es un pequeño paso atrás, si bien no es una canción detestable, carece de ese encanto que tienen tantas canciones de Smiths, por supuesto que encaja en la fórmula: buen pop de guitarra de Marr, apoyo adecuado de Rourke y Joyce y letras divertidas. Paint a vulgar picture es una de esas canciones irónicas que solo un tipo como Morrissey puede lograr, proviene de una cita de Oscar Wilde y la canción en sí es una pieza lenta y tintineante que describe perfectamente la corrupción del negocio de la música y sus tácticas turbias, nos cuenta la historia de un músico que ha muerto y como su sello discográfico está tratando de sacar provecho de esto, la letra es hilarante y honestamente, veo esta pista como una de las más fáciles de pasar por alto y subestimar de The Smiths, incluso las líneas de bajo de Andy Rourke son una auténtica delicia. Death at One's Elbow es una cosas extraña, no voy a decir que sea horripilante ni un desecho pero lo que han hecho con esta canción es incomprensible, no tiene cualidades que destaquen, la música es rápida, pero aburrida y repetitiva más allá de lo creíble, las letras son increíblemente poco inspiradas y repetidas un millón de veces, y aunque la temática a primera vista puede resultar interesante, una relación que ha ido terriblemente mal y termina con el narrador suicidándose, en ningún momento encaja, menos mar que son menos de 2 minutos, por lo que no perjudica demasiado al álbum. Termina el álbum con I won´t share you, un final perfecto para una carrera casi perfecta. Tras el espantoso “Death at One's Elbow” cierran con una balada en plan pausado, la música es simple, pero muy bella, la letra es ingeniosa, es una gran manera de terminar el álbum. Creo que esta canción está sobrevalorada, probablemente por su carácter definitivo y por el hecho de que podría tratarse de Marr. Pero es una gran canción, no obstante.

 

Podemos decir que no fue una mala manera de poner fin a una carrera, no es de los mejores albums de The Smiths, pero sigue siendo una gran obra. Líricamente, Morrissey está increíblemente concentrado y no hay una canción aquí que sea tan tonta como "Vicar in a Tutu". Además de eso, este álbum tiene mucho menos humor que sus dos trabajos anteriores y presumen de ello de ser uno de sus esfuerzos más serios. Casi todas las canciones aquí tienen un mensaje y un punto, pero en su conjunto, el álbum no es tan convincente como algunos de sus otros trabajos, pero es un álbum que puede ser adorado muy fácilmente si le das tiempo.

0597.- Commotion – Creedence Clearwater Revival

 

Sin duda alguna, para muchos si tenemos que elegir una banda sonora sobre la guerra de Vietnam y todo el movimiento social que se generó alrededor de ella, nos tenemos que quedar con este álbum de Creedence Clearwater Revival que titularon Green River, un disco que sonaba verde, sonaba fangoso, la música irradiaba ondas de calor y una fuerza trascendental que no solo fue capaz de sostenernos, sino de darnos el coraje emocional para seguir adelante, como parecía la narración del álbum, para hablar con aquellos de nosotros en uniforme, donde un guiño o una sonrisa de complicidad dirían que ya era hora de terminar el día, acostar a los helicópteros, quitarnos las botas, encender un cigarro y prepararnos para la noche. mientras observábamos luces de viaje y luminarias que iluminaban el cielo nocturno. No estoy diciendo que Creedence Clearwater Revival hizo que estar en Vietnam fuera placentero, lo que estoy diciendo es que había una magia contenida dentro de esos ritmos que hacían la vida tolerable, y nos dio a todos algo con lo que bailar en nuestras cabezas mientras nos poníamos en marcha, ya sea en la guerra de Vietnam o en la guerra particular que cada uno tenemos en nuestro dia.

No es de las más conocidas, esas se las dejo a mis compañeros que son más expertos en el grupo, pero si hay un tema que me fascina es este Commotion, el chasquido acelerado y sin cesar que tenemos durante la canción, se comenta que a Fogerty no le gusta el ritmo frenético y el ruido constante de la vida moderna, Commotion surgió de su frustración con ese aspecto y quizás por eso la guitarra tan acelerada. Pero si cierras los ojos y montas en ese ritmo, veras que es la excusa perfecta para entregarte después de la batalla a el sonido de las cálidas y húmedas noches de verano en el sur en el porche delantero y disfrutando de la luz de la luna. La música parece reflejar la vida en los bosques profundos del país con ritmos resoplando, ritmos rock-steady y el aullido vocal de John Fogerty tan salvaje y libre como el aire libre. Creedence Clearwater Revival era especialista en traernos una serie de éxitos de rock de raíces que se alejaron de muchas de las influencias de la música que estaban mandando en ese momento, les daban su toque y volábamos con esa música.