Mostrando las entradas para la consulta folk ordenadas por relevancia. Ordenar por fecha Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas para la consulta folk ordenadas por relevancia. Ordenar por fecha Mostrar todas las entradas

lunes, 11 de septiembre de 2023

0984.- Rubber Band - The Waterson



Originalmente, The Waterson eran los hermanos Norma, Michael (Mike) y Elaine (Lal) Waterson, con su primo segundo John Harrison. Provienen de Hull y los tres, que quedaron huérfanos desde temprano, fueron criados por su abuela, una comerciante de segunda mano. Son en parte de ascendencia gitana irlandesa. Como miles de personas, llegaron a las canciones populares gracias a un interés temprano por el jazz y el skiffle. Formaron un grupo llamado The Mariners y tocaron un rato en una cafetería. Luego, a medida que su estilo se volvió cada vez menos "emergente", más serio, decidieron iniciar un club de canciones folklóricas que se hacían llamar The Folksons antes de finalmente usar su apellido. Tenían un amplio repertorio, pero su interés permanente estaba en las canciones y costumbres de su East Yorkshire natal. La primera grabación de los Waterson fue para el sampler de Topic Records New Voices y su primer álbum, Frost and Fire , ambos de 1965. De la misma época es la película de Derrick Knights Travelling for a Living. Después de dos discos más en 1966, The Watersons y A Yorkshire Garland , Johh Harrison dejó el grupo ese mismo año y se mudó a Londres. Los Waterson se separaron en 1968, Norma se fue a trabajar como DJ en una estación de radio en las Indias Occidentales y se reunieron nuevamente cuatro años después. John es reemplazado primero por Bernie Vickers y luego por Martin Carthy, quien se unió a los Watersons reformados en 1972 y asumió un compromiso familiar permanente al casarse con Norma ese mismo año.


Mientras tanto, Mike y Lal se dedicaron a escribir canciones contemporáneas, que fueron grabadas por Bill Leader para el notable álbum Bright Phoebus (1972) con un montón de los mejores músicos de la escena folk inglesa. Inspirados por el resurgimiento del folk, llevaron su estilo de armonización con fuerza de chorro de arena hacia el sur, y su repertorio de canciones tradicionales de su Yorkshire natal demostró ser todo un éxito en las salas situadas encima de los pubs. Sin embargo, la vida como cantantes profesionales pronto se convirtió en un fastidio, y en 1968 dieron por terminado su carrera, Norma se fue al extranjero con su prometido. De vuelta en Humberside y algo desamparados, los Waterson más jóvenes sintieron una llamada musical, las visitas regulares a la hora del almuerzo del pintor y decorador Mike adquirieron una nueva intensidad cuando se dieron cuenta de que ambos estaban escribiendo canciones, algo que ninguno de los dos habría tolerado en sus días en el circuito folklórico. Mike era una mezcla idiosincrásica de rockabilly y music hall; Lal gótico acústico avinagrado y de bordes irregulares. Cuando el futuro Sr. Norma Waterson, Martin Carthy , los escuchó por primera vez, quedó impresionado. Cuando su compañera de banda Steeleye Span, Ashley Hutchings pudo escucharlos, rápidamente reunió un conjunto para ayudar a darles forma en un disco, involucrando a Carthy y a sus compañeros ex alumnos de la Fairport Convection, Richard Thompson y Dave Mattacks. Grabado durante una semana en un sótano de Cecil Sharp House , hogar de los padres tradicionales de la English Folk Dance And Song Society, representó un alejamiento abrupto de todo lo que los Waterson habían hecho.

En su lanzamiento, Bright Phoebus resultó no ser lo suficientemente folk para el público incondicional del folk, que se resistió a su distintiva composición original, a pesar de que la música sigue siendo marcadamente de raíces en su mayor parte. Mientras tanto, los oyentes convencionales pueden haber esperado erróneamente que estos 12 temas se ajustaran a los modelos intransigentemente reacios al cambio de la música tradicional gracias al pedigrí de sus autores como miembros de una de las bandas familiares folk predominantes de Gran Bretaña, The Watersons. Para ser justos, el alegre baile del abridor "Rubber Band" bien podría estar diseñado para asustar a los oyentes casuales reacios al folk; El canto salpicado de cerveza de la canción alcanza niveles de alegría que coinciden con el trío ficticio permanentemente optimista The Folksmen en la brillante sátira folk revival A Mighty Wind. Sin embargo, tan pronto como el ritmo baja y la alegría brillantemente iluminada se convierte en baladas sombrías, el album Bright Phoebus acumula una atracción irresistible e hipnótica. Una vez que dejamos de preocuparnos sobre si las canciones fueron escritas en el siglo XVII o en la década de 1970, el álbum sobresale como escaparate de dos notables talentos compositores que finalmente encontraron una salida para su propio material fuera de las reglas a menudo rígidas del circuito folk.

domingo, 22 de agosto de 2021

0234: Mr. Tambourine Man.- The Byrds



El debut de The byrds fue exultante, en un abrir y cerrar de ojos la gloria los montó en su nube y les subio al cielo, y parte de la culpa fue este tema que encandilo e incluso hizo dudar del camino que había tomado el mismísimo Bob Dylan, ya que a ojos del publico, de la critica e incluso para sus mismos ojos, esta versión de su canción era sin duda superior a la que él meses antes había publicado. Fusionando con visión propia elementos del beat británico, fundamentalmente de los Beatles, y su querencia por el folk de Bob Dylan (especialmente Robert (Jim) McGuinn), los Byrds lograron establecerse como uno de los grupos más influyentes de la epoca y un nombre esencial de la música americana por su contribución a multitud de formas sonoras (jangle pop, folk, country, psicodelia, rock, folk-rock, country-rock, country-pop, bluegrass, power-pop…) ante la invasion britanica que sufría EEUU. Las composiciones propias de los Byrds por ese momento estaban dominadas por el espléndido talento de Gene Clark, quien concedió un tono entre nostálgico y sentimental a sus melódicos temas. La canción arranca con unas notas agudas de guitarra, pandereta y bajo que dan paso a las armonías vocales de singular belleza del grupo.

 

Los Byrds, que recientemente firmaron con Columbia Records, tuvieron acceso a una versión de demostración de “Mr. Tambourine Man” incluso antes de que su compañero de sello Bob Dylan tuviera la oportunidad de grabarlo para su próximo álbum. El 20 de enero de 1965, entraron al estudio para grabar lo que se convertiría en la canción principal de su álbum debut y, dicho sea de paso, la única canción de Bob Dylan en alcanzar el número 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos. "¡Vaya, hombre, incluso puedes bailar con eso!" fue la reacción de Bob Dylan al escuchar lo que habían hecho los Byrds con "Mr. Tambourine ". Apenas unos días antes de que el enormemente influyente álbum del mismo nombre fuera lanzado al público el 21 de junio de 1965, el propio Dylan estaría en un estudio de grabación de Nueva York con una guitarra eléctrica en sus manos, dando los toques finales a “Like A Rolling Stone ”Y preparando el escenario para su controvertida actuación“ Dylan se vuelve eléctrico ”en el Festival Folk de Newport solo un mes después.

 

Con el objetivo consciente de lograr un estilo vocal entre el de Dylan y el de Lennon, McGuinn cantó como solista, con Gene Clark y David Crosby proporcionando la compleja armonía que, junto con la tintineante guitarra eléctrica Rickenbacker de 12 cuerdas de McGuinn, formaría la base del sonido característico de los Byrds. Sin ánimo de entrar en polémica sobre qué versión es mejor, lo cierto es que la propuesta de The Byrds fue un triunfo rotundo y que tuvo una importancia capital como creadora de estilo; es cierto que muchos aficionados y críticos musicales prefieren la de Dylan y tal vez tengan razón, al menos desde el punto de vista artístico; sin embargo, “Mr. Tambourine” de The Byrds fue la primera canción de éxito que fusionó estilos como el folk, el pop, el country y el rock, y suele ser considerada como el punto de partida del folk-rock. De hecho, no puede entenderse el country-rock de Gram Parsons, de The Flyin’ Burrito Brothers o de los propios Eagles sin antes entender la labor pionera desarrollada por The Byrds.


domingo, 10 de septiembre de 2023

0983.- Whiskey In The Jar - Thin Lizzy

 

Whiskey In The Jar, Thin Lizzy


     Whisky in the Jar es una canción tradicional irlandesa ambientada en las montañas del sur de Irlanda, la cual menciona además específicamente los condados de Cork y Kerry. Esta canción tradicional relata la historia de un bandolero que después de robar a un funcionario militar es traicionado por una mujer, la cual no queda claro si es su novia o su esposa. Versiones posteriores de la canción sitúan la acción en otros condados además de los citados kerry y Cork. También hay quien ha situado el relato en el sur de Estados Unidos, en las montañas Ozarks o en los Apalaches, probablemente debido al asentamiento de irlandeses que existían en ambos lugares. Los nombres de los protagonistas de la versión también son cambiantes, así como los detalles de la traición.

La canción cobró mucha importancia cuando la banda irlandesa de folk The Dubliners la interpretó por primera vez, llegando a grabarla en tres álbumes en la década de los años 60. En Estados Unidos sería el grupo The Highwaymen quien la graba por primera vez, concretamente en 1962. Muy famosas son las versiones que realizarían más tarde The Pogues en 1990, Brian Adms en 2019, o Metallica en 1998, cuya versión les llevó a conseguir un premio Grammy en el año 2000.

De todas estas versiones destaca quizás una por encima de las demás, la realizada en 1973 por el grupo irlandés Thin Lizzy, liderado por Phil Lynott. La importancia de la versión de este grupo radica en que la matoría de las versiones posteriores son realizadas bajo los estándares empleados por el grupo de Phil Lynott

En 1973 Thin Lizzy saca su tercer álbum de estudio, Vagabonds of the Western World, disco que supone el último grabado por Eric Bell, y cuya portada es la primera elaborada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick, quien realizará pra el grupo unas cuantas más posteriormente. Curiosamente en este disco no aparece incluida Whiskey in the Jar, la cual fue incluida en la reedición posterior de este disco para formato CD del año 1991. 

La explicación de que no aparezca este gran éxito del grupo en ningún álbum en aquel momento es muy simple. La canción era un tema que el grupo solía tocar entre bastidores durante las giras de conciertos, por lo que son animados para que la graben, algo con lo que la banda no estaba muy de acuerdo, pues Phil Lynott consideraba Thin Lizzy una banda de rock, no de folk. Originalmente esta canción estaba destinada a salir como single ocupando la cara B, pues para la cara A habían grabado Black Boys On The Corner, la cual aparece en el segundo álbum de estudio del grupo, Shades of a Blue Orphanage. Incluyeron Whiskey in the Jar en el sencillo porque en realidad no tenían nada más que ofrecer en aquel momento. Serán los responsables de la compañía discográfica, Decca Records, quienes inviertan el orden de caras en el single, poniendo en la cara A Whiskey in the Jar, Pensaban que esta canción podría ser un potencial sencillo, no se equivocaban.

Phil Lynott no era el único miembro del grupo al que no le gustaba en demasía este tema, según Brian Downey, baterista del grupo: "En cierto modo, fue algo malo para la banda, porque nos encasilló como un grupo de folk - rock. Dimos unos pocos conciertos en el norte de Inglaterra y todo el mundo acudió esperando escuchar algo de música folk. Y claro, cuando se dieron cuenta de que éramos una banda de rock directo y conciso, muchos de ellos se acabaron marchando"... "Así que este hit nos hizo dar unos cuantos pasos atrás. También es cierto que tampoco ayudaba que tanto Phil Lynott como Eric Bell (los otros do miembros de la banda en aquel momento) estuvieran dando conciertos por su cuenta en clubs de folk irlandeses. Eso, añadido a la creencia de que Thin Lizzy tocaba música folk, nos dejo en una mala situación"

Esta es la explicación de por qué Phil Lynott renegaba de su primer gran éxito, pues consideraba que esta canción no representaba para nada la esencia musical de la banda ni la suya propia.

viernes, 12 de julio de 2024

1289.- Diamonds & Rust - Joan Baez



Joan Baez fue una de las figuras fundamentales durante el movimiento de resurgimiento del folk de principios de los años 60 en los Estados Unidos, irrumpió en la escena nacional como resultado de su actuación en el Newport Folk Festival de 1959. Ayudó a presentar a Bob Dylan al mundo a través de la interpretación de muchas de sus canciones y actuó en Woodstock, hoy en día, también es conocida por su incansable activismo social. Ha recorrido constantemente el país en apoyo de los derechos civiles, sus convicciones contra la guerra y las cuestiones ambientales. Sus canciones de los años 60 giraban en torno a canciones folclóricas tradicionales, a medida que avanzaban los años 70, su sonido se volvió más elegante y pulido y lo que tenemos es una de las voces más puras de la música. Su voz angelical y clara de soprano siguió siendo un instrumento formidable. A mediados y finales de los años 70, publicó una serie de álbumes excelentes y muy estimados por publico y critica, los álbumes en vivo From Every Stage, Gulf Winds, Blowin' Away y Honest Lullaby tenían puntos fuertes, ya que fusionaban la música pop y la folk. Ninguno de estos lanzamientos sería tan bueno como el álbum de 1975 que los precedió. Diamonds & Rust no es solo el mejor álbum de su vasto catálogo, sino que sigue siendo uno de los mejores lanzamientos de sonido folk de la década, su belleza e intimidad hacen que sea un álbum que todavía escucho con cierta regularidad, un álbum profundo y convictivo. Fue un lanzamiento poco común en el que se tomó un descanso de su agenda política. Para entender a Joan Baez, cualquiera de sus primeros álbumes servirá. Para apreciar a Joan Baez, este es el lugar por donde empezar.


Joan Baez era principalmente una intérprete de composiciones de otros artistas, pero aquí dio un paso adelante y escribió ella misma cuatro de las canciones. La canción que da título al disco prácticamente vale el precio del álbum por sí sola. Gira en torno a una llamada telefónica de un antiguo amante que la lleva diez años atrás en el tiempo. Sus imágenes conmovedoras son tan claras que prácticamente puedo ver su aliento frío flotando en el aire, una obra maestra fácil, una oda cortante al amor contemporáneo. La canción fue escrita después de que Baez recibiera una llamada telefónica de Dylan que estaba trabajando en su propio e icónico álbum Blood on the Tracks y la llamó para leerle la letra de su composición "Lily, Rosemary and the Jack of Hearts" (que podría haber sido en parte sobre su relación con Baez). Siempre me pareció que a Baez le importaba más Dylan que a la inversa, y aunque ella era la artista más consolidada cuando se conocieron, él sin duda alcanzó un mayor prestigio en su carrera que el que ella alcanzó jamás. En cualquier caso, la llamada telefónica le devolvió un montón de recuerdos y sentimientos a Baez, que luego volcó en esta canción. "Diamonds & Rust" presenta una guitarra folk sencilla pero elegantemente elegida, una voz perfecta y algunas de las letras más personales y conmovedoras que Baez haya escrito jamás. Comienza con Baez recibiendo la llamada telefónica y sus recuerdos: "Mientras recuerdo tus ojos/eran más azules que los huevos de petirrojo/mi poesía era pésima, dijiste", y continúa: "hace diez años/te compré unos gemelos/me trajiste algo/los dos sabemos lo que pueden traer los recuerdos/traen diamantes y óxido". Claramente, no todos son recuerdos felices. Sigue acusando a Dylan de ser un experto en "mantener las cosas vagas" y concluye: "necesito algo de esa vaguedad ahora/todo ha vuelto con demasiada claridad/sí, te amé entrañablemente/y si me estás ofreciendo diamantes y óxido/ya he pagado".  A lo largo de los años, ha habido algunas buenas versiones de esta canción, por artistas que van desde Blackmore's Night hasta Judas Priest. Sin embargo, nunca ha habido una versión más apasionada o hermosa que esta original.


miércoles, 4 de diciembre de 2024

Rod Stewart: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down (Mes Rod Stewart)

Rod Stewart: El Artista del Mes y su álbum An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down. #MesRodSteward

Este mes nos dedicaremos a la carrera de Rod Stewart, una de las voces más icónicas y versátiles de la música. Con más de cinco décadas de trayectoria, Rod Stewart ha conquistado géneros como el rock, el folk, el pop y el soul, dejando una marca indeleble en la historia musical. A lo largo de noviembre, exploraremos sus álbumes, éxitos y legado, comenzando por el disco que lo inició todo: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down.

En este primer paso de su carrera solista, Rod Stewart demostró ser mucho más que una voz única; reveló su talento como intérprete, narrador y renovador de géneros. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera histórica, sino que también destacó su capacidad para reinventar canciones y fusionar estilos, elementos que se convertirían en el sello distintivo de su música.

Lanzado en 1969, An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down presentó al mundo a un joven británico que ya había trabajado junto a Jeff Beck y The Faces, pero que buscaba establecerse como solista. El álbum capturó su esencia más pura, mezclando folk, blues, rock e incluso soul, creando una experiencia que rompió con los moldes del rock de finales de los sesenta.

La producción, a cargo del propio Rod Stewart junto a Lou Reizner, tiene un tono crudo e íntimo que lo distingue de otros discos de la época. Acompañado por músicos de renombre como Ron Wood y Martin Quittenton, el álbum tiene una atmósfera que recuerda a una sesión en vivo, con interacciones naturales entre los músicos. Este enfoque orgánico y desenfadado dotó al disco de una autenticidad que sigue resonando décadas después.

El álbum abre con “Street Fighting Man”, una reinterpretación del clásico de The Rolling Stones. Desde el primer momento, Rod Stewart demuestra su capacidad para tomar canciones icónicas y hacerlas suyas, transformando esta pieza en una versión más folk, menos agresiva pero igual de apasionada.

Le sigue “Man of Constant Sorrow”, un tradicional americano que Rod Stewart adapta con su distintiva voz y un acompañamiento minimalista. Esta canción destaca su respeto por las raíces del folk, un género que influyó profundamente en sus primeros años como artista solista.

Las composiciones originales como “Cindy’s Lament” y “Jo’s Lament” revelan el talento narrativo de Rod Stewart. Ambas canciones exploran temas de nostalgia y pérdida con una sensibilidad que encaja perfectamente con la textura rasposa de su voz. En contraste, “Handbags and Gladrags”, escrita por Mike d’Abo, brilla por su lirismo y un arreglo de viento que añade profundidad y sofisticación al disco.

La pieza que da título al álbum, “An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down”, encapsula el espíritu del proyecto. Aunque breve, la canción utiliza la metáfora del impermeable como símbolo de resiliencia y protección emocional, una imagen que conecta con el carácter humilde y auténtico que define tanto al disco como al propio Rod Stewart.

A pesar de que An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down no fue un éxito comercial inmediato, su importancia radica en cómo estableció las bases de la carrera de Rod Stewart. Su habilidad para combinar géneros, reinterpretar clásicos y contar historias a través de sus letras destacó en una época dominada por producciones grandilocuentes y virtuosismo técnico.

Con el tiempo, este álbum ha sido revalorizado tanto por críticos como por fanáticos. Canciones como “Handbags and Gladrags” y “Man of Constant Sorrow” se han convertido en favoritas, mientras que la diversidad estilística del disco prefiguraba el enfoque ecléctico que caracterizaría su carrera posterior.

En el contexto de finales de los años sesenta, el álbum también contribuyó al movimiento del roots rock, que buscaba regresar a las raíces más auténticas del rock y el folk. La sensibilidad de Rod Stewart para combinar lo tradicional con lo contemporáneo lo convirtió en un pionero dentro de esta corriente, y este debut fue el primer paso en ese camino.

Hablar de An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down es hablar de un joven Rod Stewart que buscaba su lugar en el mundo musical. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera legendaria, sino que también es un recordatorio de que los comienzos humildes muchas veces contienen la esencia más pura de un artista.

La calidez y la sinceridad de este disco hacen que sea tan relevante hoy como lo fue en 1969. Si estás explorando la discografía de Rod Stewart por primera vez o redescubriéndola, este álbum es un excelente punto de partida. Más allá de su contexto histórico, sus canciones transmiten una atemporalidad que demuestra por qué Rod Stewart es, y siempre será, un ícono de la música.

A medida que avancemos este mes explorando su legado, recordemos que todo comenzó aquí, con un viejo impermeable que nunca nos dejará solos.

Daniel
Instagram storyboy

miércoles, 24 de marzo de 2021

0083: Donna, donna - Joan Baez

 


Nacida en Staten Island (Nueva York) el 9 de enero de 1941 como Joan Chandos Báez y conocida con el nombre artístico de Joan Báez, tuvo una infancia donde predominaba un ambiente religioso, humanista y antibelicista, pautas que desarrollaría en su carrera como compositora, cantante y activista en favor de la justicia, la paz y la defensa de las causas sociales. La afición por la música le vino cuando le regalaron un Ukelele con el que aprendió a tocar las canciones que sonaban en la radio y fue ya con 13 años, tras acudir a un concierto de Pete Seeger, del que mas de una vez ha dicho que fue una experiencia que nunca olvidaría, cuando decidió dedicar su vida a tocar folk.  Se dio a conocer en el Festival de Folk de Newport (Rhode Island), en 1959, donde cantó un par de temas haciendo dúo con Bob Gibson, gracias a esta actuación consiguió un contrato con Vanguard Records, discográfica con la que grabó al menos una docena de álbumes. El primero se tituló “Joan Baez” (1960), se trata de un trabajo de folk compuesto por trece canciones populares arregladas por Joan e interpretadas con la única ayuda de su guitarra, una maravilla del folk acústico gracias a un canto hermoso y una interpretación excelente de la guitarra, acompañado de letras clásica y antiguas. Su debut estuvo bastante lejos del camino de activismo y letras políticas que desarrollaría durante su carrera, pero entendemos que es la primera piedra y merece tener su espacio aquí. Además, nos encontramos con un álbum que para muchos amantes del folk se convirtió en uno de los que no pueden faltar en su discoteca. 

 

Donna, donna pertenece a este álbum, es el corte séptimo del álbum donde también podemos disfrutar de una versión del “House of the rising sound” que llevo al estrellato a “The animals”, pero nos queremos detener esta dulce balada, casi una nana infantil que Joan Baez canta de forma magistral y que ya en los años sesenta durante los movimientos estudiantiles se convirtió en casi un himno de la lucha debido a la metafórica letra de esta nana. Cuenta la historia de un ternero atado camino del matadero y una golondrina que revoloteaba en el cielo libre y orgullosa. El granjero se burla diciendo que lo que le ocurre es por elegir ser víctima y no aprender a volar. Esta sencilla historia arropada por el canto insustituible de Joan Baez, sumado al hermoso y puro sonido de la guitarra, nos trasmite un toque de tristeza, pero también una especie de acusación inflexible que penetra en el tiempo y la distancia. La canción concluye con una observación irónica sobre la impotencia de los terneros y lo fácil que es terminar con sus cortas vidas. La última línea, sin embargo, da una pista de que esta canción no habla de un ternero y una golondrina, sino de la libertad. El ternero en la canción representa el cuerpo y el impulso del deseo. El cuerpo que nos empuja al deseo de placer, riqueza y honor, el cuerpo no es más que el esclavo de estos deseos. El ternero que va camino al mercado para ser sacrificado es una metáfora del viaje del cuerpo hacia la muerte. El ternero (es decir, el cuerpo) está afligido porque se ha apegado a la vida y al placer y teme lo desconocido del otro mundo. La golondrina es el alma, que vuela lejos y libre de ese cuerpo sin miedo a lo que el futuro le depare, pero todo es espiritual. La estrofa final es una enseñanza para todos los hombres, si permanecemos sin escuchar al alma, serás fácilmente atado y asesinado, vivirás esclavizado a tus deseos y tu cuerpo morirá sin comprender el propósito de tu vida.  “Joan Baez” está incluido en el libro 1001 canciones que hay que escuchar antes de morir.

viernes, 16 de noviembre de 2018

El disco de la semana 90: Saurom - Vida

Vida, Saurom


     Para la semana número 90 de la aventura de 7dias7notas nos fuimos al sur, concretamente a San Fernando, Cádiz, localidad donde nació la formación de la cual vamos a recomendar un disco. Siendo de San Fernando rápidamente nos viene a la mente el género flamenco, pero el grupo nada tiene que ver con este género pues éste se ha movido entre el folk, el rock y la música celta. El grupo: Saurom, y el disco recomendado: Vida.

Tras la ruptura en 1996 de la formación Rapid Heavy Flamenc, de sus restos nace en San Fernando, Cádiz el grupo Saurom Lamderth, posteriormente conocido como Saurom. sus fundadores son Narci Lara (voz, guitarra rítmica y flauta) y José Luis Godoy (guitarra solista), a los que se unen Antonio Ruíz (batería) y Abraham Reyes Facio (bajo).
El sonido que hace el grupo es denominado por ellos como juglar metal, un conglomerado de sonidos que abarcan folk metal, power metal, heavy metal, folk rock, rock celta ó metal sinfónico entre otros. En cuanto a las letras y la temática de la banda está orientada hacia la fascinación de sus integrantes por el mundo fantástico y el sentimiento de nostalgia por la pérdida de ilusión y fantasía en las generaciones posteriores y venideras. Durante su extensa carrera también nos encontraremos con temáticas relacionadas con la novela El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y la literatura clásica y tradicional andaluza.


Una vez formado el grupo, entre septiembre y diciembre de 1996 el grupo trabaja en su primera maqueta, La Cripta del Duende, donde podemos apreciar la temática y la música que adoptará el grupo de aquí en adelante. En 1997 el grupo graba y publica la maqueta Regreso a las Tierras Medias, tema de donde nacen gran parte de los personajes inventados que aparecerán en posteriores trabajos de la banda. Posteriormente Abraham Reyes decide dejar el grupo, siendo sustituido por Juan Garrido (bajo, voz y coros), incorporándose también a la formación su hermano Francisco Garrido (teclado, violín, gaita gallega y flauta). Es con esta formación con la que graban en 1998 la maqueta Legado de juglares, lo que les permite vender varios miles de copias en pocos meses. En 2000 ya han ganado varios concursos a nivel regional y publican su siguiente maqueta, Orígenes, trabajo con el que experimentan con nuevos sonidos para la banda.

Después de cuatro años de duro trabajo la formación ha cambiado, ya que se encuentra formada por Narci lara (voz, guitarra, flauta), Antonio ruíz (batería), Raúl rueda (guitarra). Francisco Garrido (teclados, violín, flauta, gaita) y José A. gil (bajo), y por fín le llega la oportunidad de grabar su primer disco de estudio de larga duración. Y así en 2001 ve la luz bajo el sello discográfico Avispa records El Guardián de las Melodías Perdidas, trabajo que les abre las puertas de su primera gira por toda España, llamada Juglar Tour. En 2002 publican su segundo disco de estudio, Sombras del Este, disco basado en la novela El Señor de los Anillos, de J. R. R. Tolkien, concretamente en el primer libro, La Comunidad del Anillo, contando además con la colaboración de la Sociedad Tolkien Española.

Debido a problemas de salud en unos casos y a otras cuestiones en otros, el grupo sufre varios cambios, quedando conformado por Miguel A. Franco (voz), Raul Rueda (guitarra), José A. Gallardo (bajo), Narci Lara (guitarra, flauta, percusiones, coros) y antonio Ruíz (batería). El grupo publica en 2003 su tercer disco, Legado de Juglares, titulado como su maqueta de 1998. Con este disco inician otra importante gira llamada Historias del Juglar Tour, gira en la que incluyen e incorporan un espectáculo que consta de malabaristas, actores, pirotecnia y saltimbanquis.

En 2006 publican su cuarto trabajo, Juglarmetal, considerado por los fans y la crítica como el mejor trabajo de la banda. Este disco supone un antes y un después ya que la banda acorta el nombre y pasa de llamarse Saurom Lamderth a sólo Saurom. Con sus dos siguientes trabajos se mueven en sonidos más duros, metiendo un sonido más potente, con matices power metal y heavy metal. En esta etapa el grupo publica dos trabajos más, Once romances desde Al-Ándalus (2008), trabajo basado en la literatura y la cultura andaluza, y Maryam (2010), disco conceptual donde el grupo se hace eco de forma metafórica de la Pasión de Cristo y el sufrimiento de su madre María (Maryam), y donde reivindican la igualdad entre géneros.

En 2012 el grupo decide volver a sus raíces más folk y publican su séptimo disco de estudio, vida, el disco recomendado en la semana 90 de la aventura de 7dias7notas. Un disco que les permite realizar giras en el continente americano (Costa Rica, México, Colombia, Estados Unidos, Ecuador, Chile, Bolivia, Ecuador, Panamá y Guatemala).
Los catorce temas que componen el disco nos vuelven a acercar a sus inicios, con un sonido más folk y más melódico pero aderezándolo con ese toque de rock duro que tan bien saben hacer.


Durante los catorce temas del disco, la banda nos hablará de la ayuda que necesita la madre tierra en Cambia el Mundo, harán un homenaje a la Noche de Halloween, nos hablarán de la necesidad de la Magia, nos hablarán de los orígenes del Rey de la cerveza en La Noche de Gambrinus, Nos enternecerán con su gran balada El Hada y la Luna, nos regalarán el breve tema instrumental Emperatriz, nos citarán unos Íntimos Recuerdos muy celtas, nos hablarán en tono muy cañero de esos Ángeles que se cruzan en nuestra vida cuando más lo necesitamos. Con La Poetisa nos reglarán un dulce y suave tema a medio tiempo con toques celtas, en Mírame nos deleitarán con un tema lleno de cambios de ritmo mientras nos hablan de amores imposibles, harán un alegato en contra de los malos tratos en El Príncipe. Con Vida, tema que título al álbum, nos reglarán el tema más popero del disco, En Se Acerca el Invierno nos regalarán el tema más épico del disco con multitud de cambios, unas contundentes guitarras y muchísima instrumentación. Tema basado en la saga de novelas Juego de Trono donde Miguel interpreta el papel de Ned Stark y Rosa Luque Valle interpreta el de la mujer de Ned, Catelyn Tully. Y cerrarán con El Cristal, tema que está dedicado por su autor (Narci Lara) a todas esas personas que han pasado por su vida, y que además es la segunda parte del tema Non Culpa, incluido en su anterior disco Maryam.

martes, 3 de septiembre de 2024

Canciones escondidas: Punch Brothers - Julep (2005)



Punch Brothers es un grupo de Bluegrass & Folk con sede en Brooklyn formado por Chris Thile, Chris Eldridge, Noam Pikelny, Gabe Witcher y Paul Kowert. Su música es difícilmente clasificable, un crossover entre bluegrass, pop, americana, clásica y de todo, tocado con instrumentos clásicos de bluegrass (mandolina, guitarra, violín, banjo, bajo) y voces. Entre sus reconocimientos se incluye un Grammy® al Mejor Álbum de Folk por su lanzamiento de 2018, All Ashore, y los elogios de los medios de comunicación, incluido The Washington Post, que dijo: "Con entusiasmo y experimentación, los Punch Brothers llevan el bluegrass a su siguiente etapa evolutiva, inspirándose a partes iguales en el cerebro y el corazón". Y en muchos sentidos, Punch Brothers ha derribado muros entre géneros como el bluegrass y el folk y en este álbum, casi diría que están intentando derribar otro muro, esta vez hacia el Indie Folk/Indie Rock.

Podéis empezar escuchando The Phosphorescent Blues es su cuarto LP de larga duración y estamos ante un disco que te llega como como una tarde soleada en un cálido día de primavera: el primer amanecer después de la dureza del invierno, las hermosas flores en los campos, el aumento general de humor que todos parecen experimentar es lo que te va a trasmitir y empezaras a sentir en el momento que empieces a escucharlo. Voy a detenerme en “Julep”, esta podría ser la mejor canción que hayan escrito los Punch Brothers, no sólo es la canción de amor más pura que hayan publicado, sino que también tiene una madurez que viene con la edad y la experiencia, hay algo maravillosamente simple en la línea de base de Paul Kowert, se necesitan años para llegar a esa simplicidad. Parte de la culpa es que se basa en la relación de Chris Thile con su ahora esposa Claire Coffee, en la fiesta donde se conocieron Claire hizo julepes (cóctel alcohólico típico del sur de Estados Unidos que se hace tradicionalmente con cuatro ingredientes: menta, bourbon, azúcar y agua, los julepes se sirven en copas de plata o peltre que se sostienen solo por la base y los bordes superiores), sin embargo, no se trata sólo del momento que se conocen y se enamoran, también hay una visión del tiempo, “Morí feliz mientras dormía”, comienza la canción, e incluso dada la exuberancia juvenil de la banda, sabes que esto es otra cosa. Por extraño que parezca, la narración nunca se vuelve fantasmal, persiste en la belleza de la memoria y en esos momentos puros y perfectos en los que miras a alguien y de repente sabes que cada centímetro de ellos quedará grabado en tu cerebro por el resto de tus días porque lo amas. Esta canción es inquietante, pero nunca está embrujada, el narrador muere feliz, recordando “amor para siempre”, y el oyente siente lo mismo: maldita sea, qué canción, qué vida….. Que todos aspiremos a este nivel.



domingo, 5 de septiembre de 2021

Rory Gallagher - Rory Gallagher (Mes Rory Gallagher)

Rory Gallagher álbum

Si bien vamos a centrarnos en la etapa en solitario de Rory Gallagher, queremos realizar una breve introducción de su etapa anterior en el grupo Taste, donde se dió a conocer. Con 15 años, Rory, que tiene claro a lo que quiere dedicarse, debuta como profesional en una banda llamada Fontana. En 1966 dejará esta formación para crear su propio grupo, banda en formato power trío llamada The Taste, que al cabo de poco tiempo acabará llamándose Taste, compuesto por el propio Rory a la guitarra y voz, Richard "Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería.

Con Taste, Rory consigue el reconocimiento fuera de las fronteras de Irlanda, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight. Es precisamente, después de éste festival, cuando, harto de dar conciertos sin parar, usando viejos equipos de sonido usados, y sin dinero nunca en el bolsillo, y todo ésto sumado al hecho de que los otros dos miembros de la banda y el mánager quieren dar otra dirección al grupo, Rory se harta y decide disolver el grupo. Atrás quedan los dos magníficos álbumes de estudio con Taste: Taste (1969) y On the Boards (1970), sumados a dos directos: Live Taste y Live Taste at the Isle of Wight, todos publicados con el sello discográfico Polydor

Tras dejar Taste atrás, Rory decide emprender su carrera en solitario, y para dicha aventura decide apostar por el sonido del power trío que tanto le gusta, fichando al bajista Gerry McAvoy y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a los que había conocido durante su etapa en Taste. Rory tiene claro el sonido que quiere, y tiene más claro aún, que por encima de las listas de éxitos y singles superventas, va a primar la calidad de su música, algo que mantendrá durante toda su carrera. En 1971, y bajo el sello Polydor, el genial guitarrista debuta con su primer disco en solitario y de título homónimo, Rory Gallagher. El disco es grabado en febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres, producido por el propio Rory, y publicado el 23 de mayo de 1971. El irlandés nos regala un gran trabajo de blues rock aderezado con muy buenos momentos de jazz y folk. 

El disco, donde todos los temas están compuestos por Rory, abre con Laundromat, un tema con un riff brutal. Este tema fue escrito durante la fase de ruptura de Taste. Rory se inspiró en una lavandería pública que había cerca de Earls Court, en el barrio de Kesington, Londres, donde el grupo tenía un dormitorio en un sótano. Le sigue Just the Smile, una delicia de corte folk donde Rory nos deleita con su guitarra acústica Martin D-35, la cual solía usar también habitualmente. Este tema muestra la influencia que tuvieron en Rory músicos populares ingleses como Richard Thompsom, Davy Graham o Bert Janchs entre otros. I Fall Apart, uno de los grandes momentos del álbum, una maravillosa balada con toques de jazz llena de sensibilidad donde la guitarra de Rory se compenetra a la perfección con el bajo de Gerry McAvoy. Volvemos al folk acústico con tintes bluseros en Wave Myself Goodbye, otro tema de corte acústico donde destaca el piano con un sonido al estilo de Nueva Orleans. Dicho piano fue grabado por Vincent Crane, de la banda Atomic Rooster (El hermano de Rory, Donald, fue mánager de Atomic Rooster durante una gira). Cierra la cara A Hands Up, un desbocado blues rock, uno de esos temas que tocados por Rory solían ganar muchos enteros en directo.

La cara B comienza con Sinner Boy, continuando como cerró la cara A, con un contundente blues rock donde el guitarrista nos deleita con su maestría con el slide guitar. No olvidemos que fue uno de los grandes dominadores de ésta técnica. For the Last Time, una maravillosa balada prácticamente instrumental, pues apenas tiene letra, donde Rory se luce con su inseparable Fender. Un tema que me recuerda siempre que lo escucho a una de su grandes joyas de siempre, A Million Miles Away. It's You, un tema con genuino sabor americano, gracias al toque country que Rory imprime al tema, donde además de volvernos a deleitar con el slide guitar, toca también la mandolina. En I'm Not Surprised, vuelve a las raíces folk que tanto le gustaban, y vuelve a contar con la colaboración al piano de Vincent Crane, de Atomic Rooster. El disco cierra con la que es, en mi modesta opinión, la joya absoluta de este magnífico disco, Can't Believe It's True, un increible tema donde Rory fusiona con un gusto exquisito el blues rock con el jazz. Y atentos, porque el saxo de esta delicada y maravillosa pieza lo graba el mismísimo Rory Gallagher. No sería la única vez que Rory tocara el saxo, pues también lo usaría para grabar sus álbumes Blueprint (1973) y Tattoo (1973). Una pena que no se prodigara más con este instrumento.

Este maravilloso disco ha sido reeditado en numerosas ocasiones, y en alguna de ellas podéis encontrar dos temas añadidos, los clásicos  It Takes Time, de Otis Rush, y Gypsy Woman, de Muddy Waters.

miércoles, 10 de agosto de 2022

0587 - Who Knows Where the Time Goes? - Fairport Convention

0587 - Who Knows Where the Time Goes? - Fairport Convention

Who Knows Where the Time Goes? es una canción escrita por la cantante y compositora inglesa de folk-rock Sandy Denny. Denny grabó originalmente la canción como demostración en 1967, cantando y tocando la guitarra en la pista. Más tarde ese año, se unió brevemente a la banda de folk The Strawbs y volvió a grabar la canción, nuevamente solo con su voz y guitarra, para lo que se convirtió en el álbum All Our Own Work, que no se lanzó hasta 1973.

La cantante de folk estadounidense Judy Collins escuchó una cinta de la grabación de demostración original en 1968 y decidió hacer una versión de la canción. Lanzó su grabación primero como el lado B de su versión de "Both Sides, Now", y luego como la canción principal de su álbum Who Knows Where the Time Goes, ambos lanzados en 1968. La suya fue la primera grabación ampliamente disponible. de la cancion.

En 1968, Denny se unió a la banda de folk-rock Fairport Convention. Grabó la canción en su segundo álbum con la banda, el álbum Unhalfbricking de 1969. Esta versión tenía más influencia del rock.

Who Knows Where the Time Goes? se convirtió en una canción emblemática tanto para Denny como para Fairport Convention, y muchos artistas la han versionado.

En 2007, la versión de Unhalfbricking fue votada como "la canción folclórica favorita de todos los tiempos" por los oyentes de BBC Radio 2.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 7 de diciembre de 2018

El disco de la semana 105: Desakato - Miseria Sangre y Plomo

Miseria, sangre y plomo (2010)





     El Punk-Rock acapara el disco propuesto para esta semana, que nos ha traído al territorio nacional, concretamente Asturias, de donde procede Desakato, grupo que nació en la localidad de Llanera allá por el año 2003.
   
     En el año 2004 consiguen editar su primera maqueta, "Agujero social". En el año 2005 editan su segunda maqueta, "Gritando en silencio". Dos años más tarde por fín logran grabar su primer disco, "Con el viento de cara", lo que les abre definitivamente las puertas del panorama nacional.

     En 2010 editan su segundo álbum,  "Miseria,  sangre y plomo", que es el disco en el que nos vamos a centrar.


      Este disco no es un disco de Punk-Rock clásico al uso, pues este grupo mezcla el punk, el rock y la musica folk, y lo hacen con mucha clase, con un sonido muy contundente, con unas guitarras muy cuidadas y bien empacadas, utilizando además  gaitas y secciones de viento para las partes más folklóricas del disco.



     Comienza el disco con el tema "África", un tema de corte Punk-Rock al estilo clásico, donde al final meten sección de viento, dejando entrever lo que se avecina. África es toda una crítica donde dejan entrever que hay cosas que nunca cambian.



     En el segundo tema, "En el ojo ajeno" meten unos cambios metaleros buenisimos, apoyados siempre en las guitarras. Unas guitarras que cuidan muchísimo.



     Y llega "Cada vez", una de las joyas del disco, tema que empieza en plan balada,  para ir cogiendo velocidad, donde las guitarras se acaban desmelenando, y entonces entra el sonido de gaitas, creando una mezcla de Punk-Rock con folk de la tierra  buenísima.



     Y así, uno tras otro, voy escuchando los temas totalmente enganchado (pues ya me han ganado), y van haciendo gala de ese potente de sonido, el mensaje de sus letras, esos cambios de ritmo constantes que no sabes por donde va a salir, y todo aderezado por una exquisita mezcla de folk asturiano.



     En "Bajo la piel" por ejemplo, comienzan unos cambios metaleros muy buenos, metiendo muchos matices folk. Según avanza el tema, este se va acelerando hasta acabar en una potente descarga y te vuelven a sorprender ensartando una sección de viento, con un resultado brutal.



     "El mio camin", es uno de los dos temas que realizan cantando en astur, otro guiño más a su tierra. El otro es "Frío de Xineru", otra de las joyas del disco, una balada donde el vocalista esta acompañado prácticamente todo el tema solo con un piano, con una letra que te llega (los sueños pocas veces se corresponden a la realidad). Demostrando que además de desenvolverse con maestría con las potentes descargas, también saben hacer temas lentos, y además emocionar.


     Desakato, que este año han editado su último trabajo, "Antártida", cuentan ya en su haber con 6 álbumes a lo largo de su larga trayectoria musical. Buen grupo que merece la pena detenerse a escuchar si no los conoces ya......




Desakato (2017)



Miseria, sangre y plomo (2010)
  • África
  • En el ojo ajeno
  • Cada vez
  • Contra la pared
  • Otro gramo
  • Bajo la piel
  • Mundo virtual
  • El mío camin
  • Frio de xineru
  • nuestra oportunidad


   

   

jueves, 18 de agosto de 2022

0595.- Little Bit Of Rain - Karen Dalton

Little Bit Of Rain, Karen Dalton


     Karen Dalton fue una conocida cantante de folk y blues asociada a la escena folk en el Greenwich Village de la década de los años 60, del que salieron ootros artistas como Bob Dylan, Fred Neil y The Holy Modal Rounders entre otros. Aunque a Karen Dalton a menudo se le comparaba con la cantante Billie Holiday, ella siempre defendió que Bessie Smith fue su mayor influencia, por delante incluso de Holiday. Además de cantar folk, blues, pop country y soul durante su carrera, también era guitarrista y tocaba la guitarra de doce cuerdas y el banjo.

En agosto de 1969 Karen Dalton debutaba con el primer de sus dos únicos álbumes de estudio grabados en vida, It's So Hard to Tell Who's Going to Love You the Best. El diso es grabdo en el Studio A, de los estudios The Record Plant de Nueva York bajo la producción del conocido productor dicográfico estadounidense Nick Venet, y publicado bajo el sello discográfico Capitol Records. Dicho álbum ha sido reeditado en tres ocasiones más, en formato CD por el sello discográfico koch en 1997, en 1999 por el sello discográfico Megaphone, que le dio un nuevo empaque con un nuevo folleto y un DVD adicional con imágenes de archivo, y en 2009, esta vez bajo el sello Light In The Attic Records, que le dio otro nuevo empaque e incluyó notas de fondo.

Incluido en este disco debut de Karen Dalton se encuentra el tema Little Bit Of Rain, tema compuesto por el cantautor de folk estadounidense Fred Neil, conocido en la escena de Greenwich Village, pero que no logró tener una éxito más allá del Greenwich como intèrprete. Sin embargo como compositor obtuvo más éxito gracias a temas como Everybody's Talkin, que convirtió en todo un éxito Harry Nilson. Little Bit Of Rain había sido grabada y popularizada en 1967 por el grupo Stone Poneys con Linda Ronstadt al frente de las labores vocales del grupo, y Karen Dalton la grabaría un par de años después imprimiendo su particular toque personal, con unos discretos arreglos de bajo/guitarra casi sin percusión, destacando la guitarra de doce cuerdas de Karen. Dichos arreglos predominarán durante prácticamente todo el álbum.

domingo, 21 de octubre de 2018

El disco de la semana 11: Jack White - Blunderbuss



Nunca he sido un gran fan de los "White Stripes", lo poco que había oido no estaba mal, al margen de ese himno generacional en el que se convirtió "Seven Nation Army", pero digamos que Jack White no había terminado de romper la muralla defensiva y tirar la puerta abajo para formar parte de mis preferencias musicales.

La muralla a la que me refiero no es todo lo sólida que yo quisiera, de hecho tiene algunas fisuras o puntos débiles por los que se cuelan discos que normalmente no habría escuchado. Una de esas fisuras es que me atrae mucho un disco que tenga una buena portada, y por alguna razón la portada del debut de Jack White me pareció enigmática y llena de significados.

Jack White aparece solo (primer disco en solitario) y delante de lo que parece una central eléctrica (¿guiño a un sonido más eléctrico que el de los Stripes?). Ni rastro de los rojos, blancos y negros que marcaban los discos de su grupo de referencia, solo una foto en blanco y negro degradada hacia tonos azulados.

Por ese hueco en mi muro se coló Jack White, despertó mi curiosidad y atracó mis defensas a punta de trabuco (traducción de "Blunderbuss") hasta derribarlas completamente y hacer que me rindiera a este genio de la música, que bebe de las aguas del rock de los Zeppelin, el country, el blues, el rock y la psicodelia entre otros muchos registros.


El disco comienza con “Missing Pieces”, medio tiempo blues rock a lo Zeppelin, marcado por el ritmo del piano eléctrico y el órgano. Una paranoia o un sueño en el que se despierta y está sangrando por la nariz en la ducha, no puede ver sus manos y sus piernas, porque una mujer se las ha robado junto al corazón que es un órgano en el que son mucho más habituales estas sustracciones entre las parejas que rompen.

“Sixteen Satines” sube el volumen hacia el hard rock de riffs potentes, más cercano a ACDC que a Zeppelin, el tema gira de nuevo en torno a las relaciones de pareja, los celos. Gana en intensidad pero no es tan brillante como el tema de arranque.

“Freedom At 21” es para mí una de las joyas del disco, todas las piezas encajan en este tema en el que nuevo se rinde a los Zeppelin como principal influencia. Percusión pegadiza, riff abrasivo. Vuelta al blues rock a lo grande.

“Love Interruption” es una canción más minimalista a dúo con la cantante Ruby Amanfu. Explora en esta ocasión el terreno de la balada pseudo country o folk de raíces sureñas, aderezada con clarinete y piano eléctrico pero marcada sobre todo por el tono acústico de la guitarra de Jack. Muy popular en sus conciertos, se aleja de mis gustos musicales al acercarse peligrosamente a lo que eran los White Stripes.

“Blunderbuss” es el trabuco que da nombre al disco, moviéndose de nuevo entre los límites del folk y el country. El aderezo aquí se basa en el piano y los violines, para darle sabor a un buen tema.

“Hypocritical Kiss” tiene el tono agrio e irritado del que no soporta los besos hipócritas. Más melódica que las anteriores, de nuevo con un piano clásico y meritorios arreglos que la sitúan entre las mejores piezas del disco.

“Weep Themselves To Sleep” marca el regreso al rock, o incluso a lo que podría considerarse "opera rock" tras un tramo más folk. Vuelven las guitarras rasgadas y se mantiene el piano que da cuerpo y constancia a muchas piezas del album.

"I’m Shakin" es una versión de un viejo tema de Rudolf Toombs que tuvo repercusión en los años 60 de la mano de Little Willie John, un tema de rock and roll que se queda en rareza dentro del disco.

La parte de más influencia de los Rolling Stones comienza con “Trash Tongue Talker”, buen tema rock con solera que recuerda a la guitarra de Richards o de Wood (tanto en los Stones como en los Faces)

“Hip (Eponymous) Poor Boy” podría recibir los mismos calificativos que la anterior, de nuevo  se notan las influencias de los Rolling, con un piano digno del mismisimo Stone en la sombra (Ian Stewart, pianista de sus satánicas majestades) que se mezcla con detalles folk y country.

“I Guess I Should Go To Sleep” es un blues interesante, un alto en el camino entre los temas stonianos y el cierre final del disco.

“On And On And On”, vamos llegando al final y llegamos a otro de los temas lentos del disco, en esta ocasión cerramos el círculo de las influencias reseñadas más arriba, le toca el turno a la psicodelia que esconden las elaboradas atmósferas oscuras de esta canción.

El disco cierra con “Take Me With You When You Go”, llévame contigo cuando te vayas.
Te digo una cosa Jack, si me lo dices con un tema tan brillante como este y a punta de trabuco, da por hecho que incluiré este disco en mi petate en cada viaje. Grandes teclados psicodélicos, toques blues rock, ecos a Hendrix, y el olor a pólvora de un trabuco todavía humeante que deja entrever que el atraco se ha consumado y no hay vuelta atrás. Ya soy un fan.

miércoles, 18 de diciembre de 2024

Album Smiler de Rod Stewart, celebrando el legado de una leyenda musical (Mes Rod Stewart)


Album Smiler de Rod Stewart

#MesRodStewart: celebrando el legado de una leyenda musical

Lanzado en 1974, Smiler es el quinto álbum de estudio de Rod Stewart, un disco que encapsula un período de transición tanto en su carrera como en la escena del rock británico. Aunque no logró la misma recepción que sus predecesores, como Every Picture Tells a Story (1971) o Never a Dull Moment (1972), Smiler es una obra llena de matices que merece atención, especialmente durante este #MesRodStewart, donde celebramos el impacto y la versatilidad de este icono de la música.

Rod Stewart lanzó Smiler en un momento en el que su fama como solista estaba alcanzando niveles estelares, mientras seguía liderando The Faces, una banda que representaba lo mejor del rock desenfadado. Esta dualidad entre su carrera individual y su rol dentro del grupo es palpable en el álbum, que combina versiones de clásicos y composiciones originales. Sin embargo, esta mezcla también dejó en evidencia ciertas tensiones estilísticas que, según algunos críticos, impidieron que el disco alcanzara la coherencia de sus antecesores.

En este #MesRodStewart, es importante reflexionar sobre cómo este álbum marcó el cierre de un capítulo significativo en su carrera antes de adentrarse en un sonido más comercial con álbumes posteriores como Atlantic Crossing (1975).

Con 12 temas que varían entre el folk, el soul y el rock, Smiler es un álbum diverso en cuanto a estilos, aunque desigual en su ejecución.

"Sweet Little Rock 'n' Roller"

El álbum abre con este dinámico cover de Chuck Berry, un homenaje al espíritu del rock 'n' roll. Aunque Rod Stewart ofrece una interpretación cargada de energía, la versión carece del toque único que marcó otros covers de su carrera. A pesar de ello, es una declaración de intenciones que establece el tono inicial del álbum.

"Farewell"

Esta balada nostálgica es uno de los puntos altos del disco. Con tintes folk y una narrativa lírica melancólica, Rod Stewart brilla al contar una historia de despedida con su característica mezcla de vulnerabilidad y carisma. Es un tema que conecta profundamente con la sensibilidad emocional que define muchos de sus trabajos más icónicos.

"Bring It On Home to Me/You Send Me"

El medley de dos clásicos de Sam Cooke es un homenaje sentido al soul que siempre ha sido una gran influencia en la música de Rod Stewart . Este momento del álbum resalta su habilidad para reinterpretar canciones ajenas con una autenticidad que pocas veces falla. En este #MesRodStewart, este tema se destaca como un recordatorio del amor de Rod Stewart por la música negra estadounidense.

"Let Me Be Your Car"

Escrita por Elton John y Bernie Taupin, esta colaboración debería haber sido un punto culminante, pero el resultado es algo caótico. Aunque la energía está presente, la canción parece una mezcla desordenada de estilos. Aun así, es un experimento interesante que muestra la disposición de Rod Stewart para probar cosas nuevas.

"Girl from the North Country"

En este cover de Bob Dylan, Rod Stewart entrega una interpretación minimalista y respetuosa que refleja su capacidad para capturar la esencia emocional de una canción. Aunque no supera la profundidad de la versión original, añade un toque personal que la convierte en uno de los momentos destacados del álbum.

"Mine for Me"

El álbum cierra con esta composición de Paul y Linda McCartney, un tema melódico que funciona como un cierre ligero y agradable. Aunque no es una canción especialmente memorable, deja una sensación cálida que encapsula el tono general del disco.

En términos de producción, Smiler mantiene el enfoque en el folk rock y el blues rock que habían definido la etapa inicial de Rod Stewart como solista. Sin embargo, a diferencia de sus álbumes anteriores, aquí se percibe una falta de cohesión. Mientras que algunas canciones destacan por su calidad lírica y vocal, otras se sienten como experimentos que no logran integrarse plenamente en la narrativa del disco.

La participación de músicos como Ron Wood e Ian McLagan, junto con otros colaboradores de The Faces, aporta un sólido respaldo instrumental, pero también subraya la desconexión entre el Rod Stewart que miraba hacia un futuro más comercial y el Rod Stewart que aún estaba profundamente arraigado en el rock de raíces.

Smiler debutó en el número 1 en las listas del Reino Unido, pero tuvo una recepción crítica dispar. Muchos señalaron que el álbum no alcanzaba la frescura ni la chispa de trabajos anteriores, en gran parte por la dependencia de versiones y la falta de un hilo conductor claro. Aun así, con el paso de los años, el disco ha ganado una valoración más justa, especialmente entre los seguidores más acérrimos de Rod Stewart.

Este álbum, aunque no es su obra más icónica, juega un papel importante en el desarrollo de su carrera. Marca el final de una era en la que Rod Stewart navegaba entre el rock tradicional y el folk antes de embarcarse en un viaje hacia un sonido más comercial que definiría la segunda mitad de los años setenta.

En el contexto del #MesRodStewart, Smiler merece ser revisitado como un testimonio de la versatilidad de este artista y su capacidad para reinventarse constantemente.

Aunque Smiler no está a la altura de los clásicos más aclamados de Rod Stewart, es un álbum que ofrece momentos brillantes y permite apreciar diferentes aspectos de su estilo musical. Desde baladas conmovedoras como "Farewell" hasta homenajes al soul como "Bring It On Home to Me/You Send Me", este disco es un recordatorio de la amplitud del talento de Rod Stewart.

Durante este #MesRodStewart, Smiler representa una oportunidad para explorar un capítulo menos conocido de su carrera y reflexionar sobre cómo incluso los discos más irregulares pueden ser fundamentales en la evolución de una leyenda musical.


Daniel
Instagram storyboy

viernes, 11 de agosto de 2023

El disco de la semana 339: Led Zeppelin III (Mes Led Zeppelin)



En abril de 1970 Led Zeppelin terminó otra gira por Estados Unidos, ya la quinta. En dos años, Led Zeppelin se convirtió en una de las bandas más populares del planeta que podía llenar todos los escenarios del mundo. La banda ya había lanzado dos álbumes innovadores en ese momento, pero la banda quería hacer algo más. Algunas personas llamaron a Led Zeppelin una banda de Heavy Metal, un término que se extendió en esta época, pero la banda quería demostrar que su música es más que "solo" Heavy Metal. El álbum anterior de la banda, "Led Zeppelin II", fue un hito porque la mayoría de las canciones se construyeron alrededor de un solo riff y el álbum se convirtió en un gran éxito y la banda tenía un nombre que pasear por el mundo, pero el grupo quería seguir adelante y no copiar su fórmula para el éxito. Page y Plant se retiraron a la ahora infame casa de campo Bron-Yr-Aur con vista al valle Dyfi en Gales para escribir material nuevo a un lugar donde no habia electricidad ni agua corriente y tanto Page como Plant sintieron que el contraste con el estilo de vida de rock and roll que habían estado llevando sería bueno para la creatividad ya que sin electricidad, el material que crearon era obviamente más adecuado para arreglos acústicos que eléctricos, pero eso no significa que III carezca de potencia o dinamismo.


III se pone en marcha con Immigrant Song, un clásico de Zeppelin con un riff trepidante de Page que es impulsado por la poderosa percusión de Bonham detrás de un grito de Plant, lo cierto es que contrasta fuertemente con la sensación acústica folklórica de las pistas escritas allí, presenta referencias mitológicas nordicas y habla de la invasión de los Inglaterra por los vikingos, la canción fue creada durante la gira de la banda por Islandia, es una pista corta de ritmo rápido que abrió todos los conciertos de Zeppelin desde 1970 hasta 1972. El silbido al comienzo de la pista antes de que Plant se lance a su grito de lamento es una de las señas de identidad del grupo y parte de la letra de la canción, más concretamente la parte que dice “the hammer of the gods will drive our ship to new lands”, provocó una inesperada reacción en los fans de Led Zeppelin, que comenzaron a llamar al sonido de la banda “el martillo de los dioses”. Friends es la primera de las canciones acústicas de Bron-Yr-Aur y, aunque la guitarra acústica de Page está en primer plano, y es una de las pocas canciones de Led Zeppelin donde se usaron cuerdas, el grupo quería un sonido indio, pero a diferencia de The Beatles, tocaron los instrumentos ellos mismos en lugar de traer músicos indios, su bajista John Paul Jones hizo maravillas con este sonido que combinado con los tambores y los espeluznantes lamentos y cuerdas de Plant, te hace sentir como si estuviera viajando en la caravana de Satanás. Sin descanso a continuación llega Celebration Day sin ningún tipo de interrupción, el motivo due que la introducción original se borró accidentalmente durante la mezcla, inicialmente iban a descartar la canción ya que las sesiones de grabación habían terminado, pero Page decidió ejecutar el moog outro de 'Friends' en el comienzo de lo que quedaba de 'Celebration Day', dándole así un nuevo comienzo. La canción en sí se caracteriza por contener con muchos riffs diferentes, lo peor es que quizás Plant está demasiado teatralizado y su voz puede resultar por momentos cargante. Since I've Been Loving You es una de las canciones más conocidas y queridas de Zeppelin, podría decirse que también es su pista de blues más pura y original, ya que no toma prestado nada de ninguno de los antiguos pioneros del blues y es completamente un trabajo personal y propio, el solo de guitarra de Page ha sido descrito como el mejor solo de rock blues jamás grabado y la voz de Plant está llena de emoción y sentimiento. A pesar de su excelente percusión, Bonham termina como el villano de la pieza gracias una vez más a su pedal de bombo chirriante que nadie notó en ese momento, pero que es exasperantemente evidente en las remasterizaciones modernas. Out On The Tiles puede, junto con el tema de apertura, ser la pista de rock más contundente del álbum, impulsada por la percusión de Bonham y los pesados ​​riffs de Page. Hacia el final, la pista tiene una sensación casi tribal, pero la impresión general es de heavy space rock.

 

Gallow's Pole es un arreglo de una antigua melodía folclórica tradicional que tiene su origen en muchos países y se conoce con muchos títulos diferentes, la versión de Zeppelin toma más de las variantes estadounidenses de la canción donde el alma condenada es un hombre en lugar de una criada y dando una vuelta de tuerca la cambian nuevamente, ya que en la mayoría de las versiones el prisionero es liberado después de pagar los sobornos. La versión de Zeppelin aumenta el ritmo gradualmente desde un comienzo acústico lento hasta un crescendo frenético casi histérico durante el final. Page tocó guitarras acústicas y eléctricas de seis y doce cuerdas y también agregó una pista de banjo. Jones toca el bajo y la mandolina, un instrumento en el que a Plant inicialmente se le ocurrió la idea en Bron-Y-Aur. Tangerine es otra de las pistas folk en gran parte acústicas, teñidas de country y probablemente sea la mejor de las tres. La melodía y el tono son realmente bellos, Page toca una guitarra de pedal de acero y Jones toca la mandolina, lo que le da a la canción una sensación agradable, Plant ofrece una voz melancólica de ensueño y el ritmo de batería agudo y nítido de Bonham mantiene la canción unida magníficamente y le da un dinamismo inesperado. Y para no parar nos encontramos con That's The Way, una de las canciones más suaves de Zeppelin. La canción fue escrita a la mitad de un barranco galés después de que Page y Plant dieron un largo paseo durante su estadía en Bron-Yr-Aur, Plant ofrece otra voz de ensueño mientras Page toca la guitarra acústica y también toca las partes del bajo mientras Jones tocaba la mandolina. Puede parecer extraño la ausencia de batería ya que Bonham solo contribuye con una suave pandereta hacia el final de la canción. Bron-Y-Aur Stomp es obviamente una de las pistas creada en Gales y es básicamente una melodía country folk en la que Plant canta sobre pasear a su perro por el bosque. Bonham toca las castañuelas, mientras que Jones usa un bajo sin trastes de cinco cuerdas. Una pista bastante agradable, pero para mí no tiene la calidad de las otras pistas acústicas que se ofrecen aquí. Hats Off To (Roy) Harper es un final extraño para el álbum y presenta actuaciones de Page y Plant únicamente, Jones y Bonham no aparecen en la pista en ningún momento, Page toca principalmente la guitarra slide y la voz de Plant fue alimentada a través de un trémolo para dar el extraño efecto bajo el agua. Apoyándose en gran medida en frases y escalas de blues de antaño, es en gran medida un tributo a los antiguos pioneros del blues como el músico folk inglés y amigo de la banda Roy Harper

 

 “III” a menudo se conoce como el álbum folk o acústico de Zeppelin, principalmente debido a la conexión Bron-Yr-Aur, pero en realidad solo presenta algunas partes acústicas más que la mayoría de los álbumes anteriores. Es un álbum excelente con tres o quizás cuatro clásicos de Zeppelin. Vale la pena tener solo 'Since I've Been Loving You', 'Tangerine' y 'That's The Way', pero para mí no tiene la calidad o consistencia general de los dos primeros álbumes o el que siguió. Pero Zeppelin había puesto el listón muy alto y, a pesar de no estar a la altura de los dos primeros, sigue siendo un clásico del rock y una parte integral del legado de Led Zeppelin.


miércoles, 8 de septiembre de 2021

0251: Turn, Turn, Turn - The Byrds

 

"Hay una estación para todo", cantaba la banda de folk The Byrds en Turn, Turn, Turn, tema inspiracional y anti-belicista escrito a finales de los 50 por Pete Seeger, y que da título a su álbum de 1965. Una canción que, en el estribillo, tiene una estructura de bucólicos coros repitiendo el Turn, Turn, Turn (Cambia, cambia, cambia) como complemento o respuesta a cada una de las aseveraciones de la voz cantante: Para cada cosa (Cambia, cambia, cambia) hay una estación (Cambia, cambia, cambia) y un momento para cada propósito...

Las breves estrofas son un compendio de todas esas cosas que se pueden hacer en la vida, para las que siempre habrá un momento "para nacer y para morir, para reír y para llorar, para construir y derribar, para amar y odiar, para la guerra y para la paz" Lo queramos o no, la vida nos pondrá en todas esas tesituras contrapuestas, pero el mensaje subyacente de la canción es que, para muchas de ellas, tenemos la capacidad de poder cambiar para mejor, y en particular para evitar las confrontaciones y luchar por la paz en el mundo, esperanza reflejada en el último verso de la canción: "Un tiempo para la paz, juro que no es demasiado tarde". Esta última frase, junto con el "Turn, Turn, Turn" de los coros, fueron las únicas frases originales de la letra de Pete Seeger, ya que el resto eran prácticamente un calco de un pasaje bíblico del capítulo 3 del Libro del Eclesiastés, atribuido al famoso Rey Salomón, que declara la existencia de un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz... 

The Byrds decidieron hacer una versión de la canción durante un viaje en el autobús de la banda en una gira por Estados Unidos, cuando el cantante Roger McGuinn la interpretó en un tono más rockero que el de la versión folk original. La grabaron en septiembre de 1965 y la publicaron como single un mes después, siendo un gran éxito de ventas hasta el punto del llegar al número 1 del Billboard estadounidense. "Para todo hay un momento", y esa era la canción perfecta y el mensaje adecuado en el apogeo del folk-rock y la era hippie que se estaban viviendo en todo el mundo.

jueves, 16 de febrero de 2023

0777 - The Kinks: Strangers

0777 - The Kinks: Strangers

Strangers es una canción escrita por Dave Davies e interpretada por el grupo de rock británico The Kinks. Fue lanzado en noviembre de 1970 en el álbum LP de Kinks, Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part uno, que es mejor conocido por producir el exitoso sencillo "Lola". Strangers es una de las dos pistas escritas por Dave Davies en el álbum, la otra es "Rats". Ha dicho que la canción trata sobre un viejo amigo de la escuela que murió de una sobredosis de drogas.

Aunque nunca se lanzó como single, sigue siendo popular entre los fanáticos hasta el día de hoy, especialmente después de que se usó en la película de Wes Anderson de 2007 The Darjeeling Limited (junto con otras dos canciones del álbum escritas por Ray Davies, "This Time Tomorrow" y "Powerman").

Strangers fue interpreta y versionada por varios artistas. Una versión de la canción grabada en vivo por Norah Jones se incluyó como pista extra en la edición de lujo de su álbum de 2009 The Fall. Se lanzó una versión de Feist en el CD incluido con el DVD de su documental Look at What the Light Did Now. El dúo de folk rock independiente Wye Oak interpretó una versión de la canción en mayo de 2010 para The A.V. AV del club Serie encubierta. También ha sido versionada por el supergrupo de rock alternativo Golden Smog en su álbum Another Fine Day, la banda de indie rock Piebald, la banda de folk Crooked Fingers, el cantante punk Ben Weasel en su primer álbum en solitario Fidatevi, la banda de folk pop Lucius en la edición extendida de su álbum de 2016. álbum Good Grief, y por Black Pumas en la "Edición de lujo expandida" de 2021 de su álbum homónimo.

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 22 de noviembre de 2018

El disco de la semana 101: Garaje Jack - Todo eran canciones



Todo eran canciones




     El grupo elegido para la ocasión es español, se trata de Garaje Jack, banda procedente de Madrid, formada por Laura Rubio a la voz, Oscar Rama a la guitarra, Jorge Galaso al bajo y Carlos Toja "Trujo" a la batería. Se fundó en 1998, y por desgracia en 2015 dejan los escenarios y se separan, dejando tras de sí cinco discos publicados. Compartieron cartel con grupos y gente de la talla de "Barricada", "Fito y Fitipaldis", "Amaral" o "Pereza". Banda con claras influencias de Rock setentero, sonido de garaje y Rock & Roll.

     Nos vamos a centrar en su tercer disco, elegido para la ocasión, publicado en 2010 bajo el título "Todo eran canciones", incluye temas de corte rockero, y temas con una base más folk, e incluso country. En definitiva un disco más que recomendable de una muy buena banda, con una vocalista muy buena, un guitarrista excelente, y un bajista y un batería que no se quedan atrás.
En conjunto todos tienen mucho oficio, saben a que juegan y tocan realmente bien.

     Y llega el primer corte "Sin red", tema con un contundente riff de guitarra acompañado de una voz muy buena, que hacen que vayamos aventurando lo que nos espera. Tema con una letra de corte optimista y positiva.
     "No te veo", sigue la tónica del tema anterior, apoyado en unos buenos riffs de guitarra, nos vamos dando cuenta de las influencias de rock setenteras que tienen.
     ""El domador", balada en plan acústico que trata el tema de la soledad, donde Laura empieza a dar claras muestras de la calidad que atesora, demostrando que puede tener una voz dulce y delicada cuando toca, y romper con garra y fuerza cuando es necesario.
     "Todo eran canciones", el tema que da título al álbum, es un tema de corte más comercial, rozando el pop, y Laura según avanza el tema lo hace crecer gracias  a su trabajo vocal. Tema muy rico en matices.
     "Tu y yo",  La joya del disco, una pieza de corte Blues que empieza con la banda dándolo todo,  y Laura se sale, dándole calidez, color y un toque Soul al tema con su voz. Desde el principio del tema hasta el final es muy bueno, Gran tema.
     "Seguimos en pie", Temas que empieza con un toque de Swing, mezclado con un ritmo más folk, y que incorpora un trombón y una sección de viento dándole un toque muy interesante, demostrando la versatilidad de estos cuatro músicos.
     "Adiós Jack" es una balada donde Laura vuelve a demostrar las tablas que tiene, sabiendo modular en todo momento la voz en función de las necesidades del tema. Gran poderío vocal.
     "Héroes" es un tema en una línea algo más comercial, y no llega quizás como los anteriores, pero aguanta el tipo.
     "Vida" es un tema muy bueno, con  una base country, que empieza en plan acústico y va creciendo según avanza el tema. Garaje Jack dan un giro en este tema demostrando que además de rock también dominan un sonido más folk.
     "Tienes prisa" al igual que "Héroes" va en una línea más comercial.
     "Voy a disparar", en este tema vuelven a la senda del rock con un tema muy cañero, con unos muy buenos riffs. Rock de verdad con claras influencias setenteras.
     "Casino" es otro tema rockero con claras influencias de rock sureño. La batería entra a saco, y entra en juego Oscar, realizando un trabajo enorme en este tema, y es que el guitarrista es muy bueno y lo deja claro.
     "Tiempo de asueto", vuelven a dar otro giro en su sonido con este excelente tema con toques de Bluegrass, todo acústico, con guitarras y mandolinas.

     Resumiendo, disco con claras influencias setenteras, Rock & Roll del bueno, plasmados en un disco muy elaborado y trabajado, con unos músicos muy buenos y con mucho oficio. Atención también a las letras, son buenas letras que abordan en general la temática de la soledad, el amor y el optimismo.

     Este grupo se separó hace algún tiempo, y es que desgraciadamente aquí no vale sólo con ser bueno, trabajar muy duro y darlo todo día a día. Parece que la comercialidad, ya sea buena o mala, tiene que estar por encima de la Calidad. Una lástima.