Divididos - Otro le Travaladna (Mes Divididos)

Otro le Travaladna (leyéndolo al revés se puede entender: Andalavartelorto) es el cuarto álbum de estudio editado por la banda de rock argentina Divididos, lanzado en el año 1995 por la discográfica Interdisc. El álbum fue grabado en 1995 entre los Estudios ION de Buenos Aires y los Sorcerer Sound de Nueva York, por la tercera formación de la banda (Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Jorge Araujo) y mezclado en Sound On Sound de Nueva York. El resultado fue un disco de bajo contenido comercial pero con un sonido muy experimental, y muchos aportes de Arnedo en voz, cansados del éxito tan explosivo que tuvo la banda con el disco «La Era de la Boludez», se buscó armar un trabajo experimental y «horrible por dentro» (según Ricardo Mollo) para poder quitarse de encima a la gente del mundo discográfico, y a esa fama tan irritante que la banda se había creado. No era de esperarse que luego de alcanzar la cima con «La Era de la Boludez» Divididos iba a afrontar ciertos inconvenientes y disputas internas. Más allá de presentaciones multitudinarias durante todo 1994 y el verano de 1995, se dieron una serie de peleas internas que llegaron a poner en duda la continuidad del grupo. Estos conflictos derivaron en el alejamiento de Federico Gil Solá y la incorporación del baterista Jorge Araujo, proveniente del grupo Monos con Navajas. En septiembre de ese año viajarían a Nueva York para grabar su cuarto larga duración «Otroletravaladna» (leer de atrás para adelante para encontrarle sentido), el título es un mensaje a la masificación comercial de su música, con la cual no se sentían del todo cómodos por ese entonces y los llevo a ignorar la veta comercial y editar un poco más experimental. La presentación oficial de este disco fue el 15 de diciembre de 1995 en un Obras casi lleno, debido a que el disco no tuvo tanto éxito como se esperaba. Este año recibieron el Premio Konex – Diploma al Mérito como una de las 5 mejores bandas de rock de la década en Argentina

Comienza con “Tomando mate en La Paz” es puramente Divididos, uno de los mejores momentos del disco y un clásico en los shows de Dividido. Musicalmente, la canción suele ser interpretada con una instrumentación austera y un ritmo marcado, lo que refuerza la sensación de tensión contenida. La voz de Ricardo Mollo suele transmitir una mezcla de calma superficial y una profunda sensación subyacente de inquietud. La brevedad de la canción contribuye a su impacto directo y a dejar una sensación de enigma en el oyente. Si bien la letra no es explícitamente política, se puede interpretar en el contexto de la historia argentina y latinoamericana, marcada por períodos de inestabilidad política y violencia. "La Paz" podría ser un anhelo o una ironía en este contexto. La canción también puede reflejar una sensación de resignación o de adaptación a un entorno donde la violencia es una presencia constante, aunque silenciosa. En “Volver ni a palos” encontramos la primera sorpresa del álbum un tango a lo Divididos, con resultado bastante satisfactorio, la letra es directa, visceral y cargada de una actitud de rechazo absoluto hacia una relación pasada. El título mismo lo dice todo: la frase coloquial "ni a palos" enfatiza la rotunda negativa a la idea de regresar, es una declaración de independencia emocional, un grito de liberación y un ejemplo del poderío musical de Divididos. Su energía y su mensaje directo la mantienen vigente y la convierten en un clásico que sigue resonando con nuevas generaciones. Basta fuerte contiene un solo de guitarra aplanador y una complejidad única. El estribillo, con su repetición insistente de "Basta fuerte", se clava en la mente del oyente como un mantra de resistencia. La forma en que Ricardo Mollo lo canta, con una mezcla de rabia y determinación, le otorga una fuerza innegable. "15-5" es una balada orquestada (el primer tema de Divididos con cuerdas), se caracteriza por su ritmo rápido y su energía desbordante desde el inicio. La canción no da respiro, impulsando al oyente con una fuerza arrolladora. El ritmo frenético contribuye a una sensación de urgencia y excitación, que se mantiene a lo largo de toda la canción.

En la segunda parte del disco podemos rescatar “Mimoso a marzo”, presenta una atmósfera más introspectiva, con una instrumentación y una letra que invitan a la reflexión. En comparación con muchos otros temas de Divididos, se desarrolla a un tempo más pausado, creando una sensación de calma y melancolía. La instrumentación es más sutil y atmosférica, con arreglos que contribuyen a la sensación introspectiva. Se pueden apreciar capas de guitarra con efectos, un bajo melódico y una batería que marca el ritmo de forma delicada. Su fuerza reside en su capacidad para generar una atmósfera particular y conectar con las emociones del oyente a través de la sutileza y la poesía. El "agua en Buenos Aires" funciona como una poderosa metáfora de las inundaciones que históricamente han afectado la ciudad y sus alrededores, pero también puede extenderse a la idea de negligencia, desidia o incluso corrupción ("tapa pa' tapar ignorargentinar"). Frases como "Va pa' atras el patriota petitero" señalan directamente a ciertos sectores de la sociedad que podrían ser responsables o indiferentes ante la situación. La mención de "ignorargentinar" es un neologismo fuerte que subraya la idea de una ignorancia autoimpuesta o una falta de atención a los problemas reales. Musicalmente, es probable que la canción conserve la energía y el sonido característico del primer Divididos, con riffs de guitarra directos y una base rítmica sólida que intensifica el mensaje de la letra. El "tatu carreta" (armadillo carretero) se convierte en una metáfora poderosa de la resistencia, la supervivencia en un entorno hostil y la carga pesada de la historia y la injusticia. La imagen del animal arrastrando su caparazón evoca la idea de llevar consigo un peso, ya sea personal, social o histórico. La canción resuena con las realidades de muchos países latinoamericanos, donde la desigualdad social y la explotación han sido históricamente presentes. El "tatu carreta" puede interpretarse como un símbolo de la lucha de los oprimidos. "Hace Que Hace" es un himno a la acción y al movimiento que se incrusta en el cerebro desde el primer riff. Divididos logra crear una canción con una energía contagiosa y un mensaje vitalista que celebra el "hacer" por encima de la inacción. El riff principal es icónico y la base rítmica impulsa la canción con una fuerza arrolladora. La letra, simple pero efectiva, se convierte en un mantra para la acción, invitando a "sudar la vida" y a no quedarse paralizado. El estribillo pegadizo es un llamado a la acción que resuena con fuerza. "Hace Que Hace" es una descarga de energía pura, una invitación a dejar de lado la contemplación pasiva y a lanzarse al movimiento. Es una de las canciones más emblemáticas y celebradas de Divididos, un recordatorio potente de la importancia de la acción en la vida. "Anda a Lavártelos" es una pieza funky y mordaz dentro del universo sonoro de Divididos. Con un groove contagioso y una base rítmica que invita al movimiento, la banda despliega una crítica social ácida e irónica hacia la evasión de responsabilidades y la hipocresía. La frase central, convertida en un latiguillo sarcástico, se clava en la mente del oyente como una reprimenda contundente. El lenguaje coloquial y directo acerca el mensaje, mientras que la elaborada sección instrumental añade riqueza y dinamismo a la canción. 

"Anda a Lavártelos" no es solo un tema bailable, sino una sátira inteligente y punzante sobre la falta de compromiso y la tendencia a "lavarse las manos" ante los problemas. Es una muestra de la versatilidad de Divididos para abordar temas serios con un enfoque original y lleno de groove. "Abajo Solo" es una balada oscura y conmovedora que muestra una faceta más introspectiva y vulnerable de Divididos. La canción crea una atmósfera melancólica y desoladora a través de su tempo lento, sus arreglos de guitarra evocadores y una instrumentación que subraya la sensación de vacío. La letra, profundamente introspectiva y existencial, explora los sentimientos de soledad y desilusión con una honestidad brutal. La interpretación vocal de Ricardo Mollo, cargada de una intensidad emocional contenida, transmite el dolor y la desesperación de una manera sentida y profunda. "Abajo Solo" no es una canción fácil de escuchar, pero su honestidad emocional y su atmósfera opresiva la convierten en una pieza poderosa y resonante que explora las profundidades de la soledad humana. Es un recordatorio de que incluso las bandas más enérgicas pueden sumergirse en la oscuridad con una intensidad sobrecogedora.

Este álbum es raro por donde se lo vea siendo su álbum con menos exito comercial, y para mi gusto es uno de los peores, pero esto se entendie porque es un álbum experimental, en el momento de salida, se hizo un intercambio de baterista, quisieron hacer todo lo contrario a lo que hicieron en la era de la boludez, no querian componer un disco querian descomponerlo, por eso es tan diferente a todo lo que se vio en la discografia de divididos.

1567.- Surfin' Bird - Ramones

 

"Surfin' Bird" es una explosiva versión de la célebre canción de The Trashmen, lanzada originalmente en 1963. Con su energía desbordante y su estilo punk, los Ramones le dan un toque frenético y electrizante al clásico tema de surf rock. La versión de la banda neoyorquina mantiene la esencia caótica y repetitiva de la original, pero la eleva con un tempo aún más acelerado, guitarras distorsionadas y la inconfundible voz de Joey Ramone.

Desde su inicio, la canción estalla con una intensidad imparable. La batería rápida y contundente, junto con los acordes simples y agresivos de la guitarra, crean un sonido que encarna perfectamente la estética punk de finales de los años setenta. La interpretación vocal de Joey Ramone es estridente y poderosa, y transmite a la perfección la sensación de urgencia y desenfreno de la canción.

Conocidos por su enfoque minimalista de canciones de apenas tres acordes, The Ramones logran con "Surfin' Bird", una versión de apenas dos minutos de duración que conserva el toque divertido y absurdo de la canción original, aportar su distintivo toque de punk rock y de rock and roll acelerado y sin pretensiones, en un tema que destaca por su sencillez aplastante y su electrizante rapidez, y que hizo las delicias de su amplia cohorte de fans, acostumbrados a este tipo de temas despreocupados y sin grandes complicaciones en la producción.

1566.- My Melancholy Blues - Queen

 

My Melancholy Blues, Queen

     En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo. La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen.

Incluído en este álbum se ecuentra My Melancholy Blues, compuesta por Mercury, es un blues lento que sirve como cierre y colofón. En la canción no hay coros ni guitarras. John Deacon solía tocar el bajo sin trastes en esta canción, pero en el disco utilizó un bajo con trastes normal. Estamos ante una elegante balada con aroma a jazz-blues que se aleja del rock grandlocuente de la banda. La voz de Mercury, clara y expresiva, flota acompañada por un melancólico piano, y está sutílmente acompañada por el bajo de John Deacon y la batería de Roger Taylor. No hay guitarras en el tema, la canción respira melancolía, intimidad, trasladándonos a un típico bar nocturno donde predomina el humo. La canción supone un cierre perfecto para el ĺbum, demostrando que Queen podía dominar cualquier estilo, y además hacerlo con clase.

1565.- Vamos a buscar la luz - Aeroblus

Despues de disolver Pappo's Blues, Pappo viajó a Brasil donde junto a Alejandro Medina (bajista de Manal y La Pesada del Rock and Roll) y el baterista brasileño Rolando Castello Junior forman el power trio Aeroblus, con un estilo mas cercano al heavy metal, antecediendo lo que despues seria Riff. Debutaron el 6 de enero de 1977 en el teatro Premier de Capital Federal. Luego de recibir duras críticas por parte de la prensa local, la banda rápidamente superaría este mal comienzo y se afianzarían para editar su único disco, un trabajo con un sonido muy potente, quizás demasiado para la época. La tardanza en la edición del disco, más la presión que realizaba la policía en esos años en la Argentina en plena Dictadura Militar, hicieron que Rolando Castello Junior, el baterista de la banda, decidiera volver y quedarse en Brasil. Ya en 1978, Pappo nuevamente junto a Medina reflotan Aeroblus, incorporando a Claudio Pesavento en teclados y sin Castello, que es reemplazado por Gonzalo Farrugia. El grupo se presenta en Mar del Plata tocando temas del disco y algunos nuevos, pero no prospera a pesar de las buenas críticas de la época, y Pappo decide nuevamente volver con Pappo's Blues.

“Vamos a buscar la luz” es el tema que abre el único disco de Aeroblus, la canción se convirtió en una declaración de principios del proyecto, marcando un antes y un después en la historia del rock pesado en Argentina. Aeroblus fue una banda fugaz pero fundamental: condensó la energía del hard rock clásico con una crudeza y potencia inusuales para el medio local de la época. Desde el primer acorde, estalla con un riff demoledor, marca registrada de Pappo, quien ya venía de experiencias duras, aquí, sin embargo, el sonido es más directo, más violento, más sucio: se siente la influencia de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, pero con una identidad rioplatense muy clara. El ritmo es sólido y pesado, con una batería que empuja constantemente hacia adelante, mientras el bajo de Medina aporta una base densa y groovera, casi funk por momentos. La letra, breve y reiterativa, se vuelve casi un mantra: “Aeroblus, vamos a buscar la luz”. Esa simpleza, lejos de ser un defecto, es parte de la potencia del tema. La canción no necesita versos complejos para transmitir su energía; se trata más de una invocación, de un llamado al despertar o a salir de la oscuridad, quizá en un sentido espiritual o existencial. En plena dictadura militar, la idea de “buscar la luz” adquiría connotaciones simbólicas profundas, aunque el grupo jamás adoptó una postura explícitamente política. La voz de Pappo suena rasposa, cruda, sin adornos. Canta con la misma fiereza con la que toca, dejando todo en cada frase. No busca la melodía perfecta, sino transmitir fuerza, actitud, convicción. Esa autenticidad es una de las claves del impacto que tuvo Aeroblus, incluso con tan corto recorrido. “Vamos a buscar la luz” es más que una canción: es una apertura, un disparo inicial que define el carácter del disco y del grupo. Con su sonido denso, su groove aplastante y su espíritu libertario, representa una pieza fundacional del hard rock argentino. 

La Era de la Boludez - Divididos (Mes Divididos)

 

La Era de la Boludez, Divididos

     En septiembre de 1993, la banda argentina Divididos lanzó La Era de la Boludez, su tercer álbum de estudio, un trabajo que no solo consolidó su lugar en la cima del rock nacional argentino, sino que también se convirtió en un testimonio crudo y poderoso de una época marcada por contradicciones sociales y culturales en Argentina. Integrado por Ricardo Mollo (voz y guitarra), Diego Arnedo (bajo) y Federico Gil Solá (batería), este trío de Hurlingham logró un disco que fusiona la potencia del rock con influencias del funk, el folklore y la experimentación psicodélica.

El álbum es grabado entre junio y julio de 1993 en los estudios Can Am y Devonshirem, ambos en Estados Unidos, bajo la producción de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, y publicado el 13 de septiembr de 1993 bajo el sello discográfico Polygram Records. Gracias a este disco, Divididos lograría, además de forjar su compacto y genuino sonido, alcanzar el reconocimiento genral del público argentino. La Era de la Boludez es un trabajo donde el trío se moja en el aspecto político y aporta una mirada crítica de su país, el cual llevaba unos años bajo la tutela de Carlos Menem. El excdelente trabajo de producción realizado en Estados Unidos corrió a cargo de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel. 

Para entender La Era de la Boludez, hay que situarse en la Argentina de principios de los 90. El país vivía bajo el gobierno de Carlos Menem, una era de aparente bonanza económica que ocultaba una profunda crisis social y una superficialidad cultural que el título del álbum captura con ironía mordaz. Divididos, surgido de las cenizas de Sumo tras la muerte de Luca Prodan, ya había mostrado su potencial en discos anteriores como Acariciando lo áspero (1991). Sin embargo, fue con la llegada de Federico Gil Solá, un baterista argentino que había vivido 15 años en San Francisco, cuando la banda encontró la pieza final que le faltaba para su sonido demoledor. 

Con la producción de los citados Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, y con el ingeniero de sonido Tony Peluso, formaron un equipo que potenció la visión y el sonido del trío. Santaolalla, figura clave del rock latino, actuó como catalizador, llevando a Divididos a explorar nuevas texturas sin perder su esencia visceral. La participación de invitados como Bruce Fowler (excolaborador de Frank Zappa) en trombón, Luis Conte en percusión y Melissa Hasin en chelo añadió capas de sofisticación a un disco que, a pesar de su complejidad, nunca se alejó de su raíz rockera y popular. Estamos ante un trabajo que combina varios géneros. Temas como Salir a asustar y Salir a comprar destilan un funk contagioso, con líneas de bajo robustas de Arnedo y la batería implacable de Gil Solá, mientras que Rasputín y Paisano de Hurlingham son capaces de descargar la furia rockera que hizo de Divididos una banda de estadios. Pero lo que distingue al álbum es su capacidad para integrar además el folklore argentino, un elemento que ya habían incorporado en discos anteriores pero que aquí explotan con fuerza.

El lanzamiento de La Era de la Boludez marcó un antes y un después para Divididos. La gira promocional, que arrancó el 9 de abril de 1993 y se extendió hasta julio de 1995, incluyó 41 shows y llevó a la banda a llenar el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires 13 veces en un solo año, un récord que habla de su conexión con el público. Más allá de las ventas y los recitales, el disco ofrece una crítica implícita a la “boludez” de la época menemista: un país de pizza y champagne, de promesas vacías y desigualdad creciente. No es casualidad que el título, sugerido por Gil Solá, todo un grito de hartazgo disfrazado de burla.

El disco abre con Salir a asustar, que arranca con un poderoso riff y un groove funk. El tema, empujado por el bajo de Arnedo y la batería de Gil solá es una explosión de actitud, toda una declaración de intenciones. La letra, cargada de ironía, juega con la idea de salir a la calle a imponerse, a luchar contra la pasividad. Ortega y gases, una compleja pieza con unas letras crípticas sujetas a múltiples interpretaciones. Sigue la línea del álbum en cuanto a la sátira social de la Argentina de los años 90. El arriero es una versión del original de Atahualpa Yupanqui. El trío argentino transforma esta mítica canción en un poderosos tema rockero, pero respetando la esencia del toque folclórico de la canción. Salir a comprar tiene una fuerte influencia funk y demuestra la solidez de la base rítmica del bajo de Arnedo y la batería de Gil Solá, que marcan el ritmo mientras que el guitarrista Mollo se luce con sus riffs. Qué ves? es uno de los momentos culminantes del álbum. La letra de la canción muestra el desencanto de una sociedad atrapada entre el progreso ilusorio y la pérdida de indentidad de la nación. En cuanto a la música del tema, la base gira en torno al folclore. La utilización del charango (instrumento musical de cuerda perteneciente a la familia del laúd) a este tema con aire a reggae, aporta hipnotismo a la canción, que se suma para la segunda estrofa y que únicamente cesa en la coda del tema, la que se reparte entre el malambo y el vuelo guitarrístico de Ricardo Mollo. El trabajo de las voces es sutil y preciso. La canción sonó tanto en las radios por aquellos años que el grupo llegó a cansarse de su propio tema y dejaron de tocarlo en vivo durante años. En Pestaña de camello el grupo se sumerge en la experimentación. Mollo usa la guitarra como un sitar, y el tema e transform en la introducción perfecta para Rasputín / Hey Jude, toda una desarga de adrenalina con un gran riff pesado, perfecta para tocar en vivo. Hacia el final de la canción el trío hace su breve y pequeño homenaje con su versión del clásico Hey Jude de The Beatles.

Nos encontramos en el ecuador del álbum, que abre con Dame un limón, un hilarante tema con un "humor ácido". El riff inicial tiene un aire casi juguetón, mientras la letra refleja una mezcla de resignación y sarcasmo ante las pequeñas miserias de la vida. El bajo de Arnedo brilla aquí, sosteniendo un groove que nos invita a dejarnos llevar y mover los pies. Paisano de Hurlingham es puro rock and roll, un homenaje a las raíces del trío en el oeste del Gran Buenos Aires. La guitarra de Mollo descarga unos riffs crudos y la batería de Gil Solá golpea con furia, mientras la letra evoca imágenes de un “paisano” perdido en su propia tierra. Esta canción, junto con “Salir a comprar” y “Rasputín”, son necesarios, en el repertorio de la banda, para entender la crítica con una mirada cruda en el pasar de un país, que por aquel entonces llevaba casi una década de democracia y casi un lustro bajo la presidencia de Carlos Saúl Menem. Cristófolo Cacarnú tiene un toque teatral, psicodélico, casi absurdo, con unas letras que juega con nombres y situaciones disparatadas. La música ayuda mucho a dar ese aire de caos controlado, gracias a una genial mezcla de funk y rock. Indio, dejá el mezcal vuelve a jugar con esa sensación de descontrol. Es una especie de jam psicodélica con una breve y repetitiva letra. Huelga de amores explora el desencanto amoroso con una mezcla de melancolía y furia. La voz de Mollo transmite por momentos vulnerabilidad y rabia, mientras el arreglo incorpora detalles como el trombón de Bruce Fowler. Tajo C es un instrumental que no hcce sino destacar la habulidad técnica y química del trío. Con un denso y envolvente groove marcados por el bajo y la batería, la guitarra de Mollo va tejiendo la líeas melódicas. Cierra el álbum Pestaña de Camello (Reprise), donde resuenan variaciones de algunos momentos del disco y llaman a la imaginación, siendo este el tema más experimental del disco con el sonido del sitar en primer plano. 

En 2007, la revista Rolling Stone ubicó La Era de la Boludez en el puesto 7 de su lista de los 100 mejores discos del rock nacional, un reconocimiento a su influencia que tuvo en el país argentino. Hoy, han pasado más de 30 años de su lanzamiento, y sigue siendo un referente para bandas posteriores y oyentes, un recordatorio de que Divididos además de hacer música, supieron capturar la ira, el desánimo y la rabia de un país en un momento convulso.

1564.- We are the Champions - Queen

 

Escrita por Freddie Mercury y lanzada en 1977 como parte del álbum "News of the World", “We Are the Champions” es una de las piezas más icónicas y celebradas de la discografía del grupo británico Queen, pero es además una canción que ha trascendido más allá del mundo de la música y las listas de ventas, y se ha convertido en un himno universal con el que celebrar cualquier triunfo a nivel deportivo.

“We Are the Champions” comienza con una de las clásicas introducciones lentas y melódicas características de muchas de las canciones de la banda, con el piano y la voz de Mercury creando una atmósfera de balada íntima y reflexiva, y con una letra en la que mira hacia atrás y recuerda los sacrificios y vaivenes que ha sufrido en la vida. A medida que la canción progresa, el tempo y la intensidad vocal se elevan, transmitiendo la resiliencia y el coraje del que ha afrontado esos sufrimientos, hasta superarlos y transformar la experiencia en un canto de victoria, que llega a su gran clímax en el poderoso estribillo, que celebra que, finalmente: "Somos los campeones, amigo mío".

Musicalmente, destaca por la imponente base melódica del piano de Mercury, el ritmo con el que la batería de Roger Taylor y el bajo de John Deacon van llevando el tema en sus subidas y bajadas de intensidad emocional, y los intensos ramalazos de guitarra con los que Brian May acompaña y transmite la tensión y el crecimiento del protagonista, que va haciéndose más y más poderoso conforme va superando las dificultades, hasta alzarse con la victoria final. Y al escuchar todas las piezas en su conjunto, lo que se escucha es una obra maestra triunfal con la que Queen se coronó en lo más alto de la realeza musical.

1563.- Spread Your Wings - Queen

 

Spread Ypur Wings, Queen

     Nos encontramos en pleno auge del movimiento punk. En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo.

La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen, mientras que We Are the Champions y We Will Rock You se han convertido desde entonces en himnos del rock. Incluído en este álbum se encuentra Spread Your Wings, una de las aportaciones del bajista John Deacon en este álbum. El vídeo musical se filmó en el jardín del baterista Roger Taylor en Surrey, Inglaterra. El suelo estaba cubierto de nieve y hielo, y la banda se sentía visiblemente incómoda. Brian May comenta durante la grabación del vídeo: "Mirando atrás, no se podía hacer allí, ¡no se podía hacer eso!". Durante el rodaje, el hielo y la nieve en el suelo complicaron las cosas, tanto que Brian May usó una réplica de su preciada guitarra Red Special para que no resultara dañada.

Disco de la semana 425: Argus - Wishbone Ash

 

Argus, Wishbone Ash

     Para la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo un álbum considerado considerado el punto culminante en la carrera de la banda británica Wishbone Ash: Argus, el cual presenta una mezcla perfecta de hard rock, folk y rock progresivo, con complejas estructuras y unas armonías, tanto vocales como con las guitarras, impresionantes. Las twin guitars, o guitarras dobles, de Andy Powell y Ted Turner es una de las características más destacadas del disco, y la interpretación de ambos en este trabajo es sencillamente maravilloso.

El álbum es grabado, entre enero y marzo de 1972, en los De Lane Lea Studios de Londres, bajo la produccin del productor inglés Derek Lawrence, y publicado el 28 de abril de 1972. Fue uno de sus trabajos más exitosos, llegando a alcanzar el puesto número 3 en las listas de ventas del Reino Unido. Aunque el disco no fue concebido como un álbum conceptual, se inspiró en la mitología griega, y combina rock progresivo, folk y hard rock. Otro de su puntos fuertes es su evolución en las guitarras, pues dieron un gran paso en la evolución de la armonización de las guitarras solistas, algo que ya hacían también Allman Brothers band, y que posteriormente adoptarían bandas como Thin Lizzy, Judas Priest o Iron Maiden ntre otras muchas bandas. Si bien el productor de sonido fue Derek Lawrence, el ingeniero de sonido fue el gran Martin Birch. 

La portada del álbum fue diseñada por Storm Thorgerson y Aubrey "Po" Powell, de la famosa empresa que se dedicaba a hacer portadas Hipgnosis. dicha portada presenta a un guerrero contemplando un paisaje en las Gargantas del Verdon, en la provenza francesa.  El traje del guerrero se inspiró en el vestuario de la película "Los demonios" de Ken Russell (1971) . Thorgerson y Powell pretendían que el guerrero empuñara una espada además de una lanza, y habían alquilado la espada utilizada en la película "Macbeth" de Roman Polanski , también de 1971. Sin embargo, mientras seleccionaban la ubicación para la sesión, les robaron la espada, por lo que las fotografías se tomaron sin ella. La persona vestida como el guerrero era un asistente de Hipgnosis, Bruce Atkins. Se rumorea que el guerrero de la portada fue la principal inspiración para el diseño del personaje de Darth Vader en "Star Wars". Andy Powell reconoció este rumor, aunque él mismo nunca confirmó su veracidad. Esta portada también hizo que Jimmy Page, de Led Zeppelin, contactara con Hipgnosis y les pidiera que diseñaran la portada de su álbum de 1973, "Houses of the Holy".

La edición original de Argus consta de siete canciones, todas compuestas por la banda y con las letras escritas principalmente por el bajista y vocalista principal de la banda, Martin Turner. Comienza el álbum con Time Was, con una introducción acústica suave y melancólica, liderada por las guitarras de Andy Powell y Ted Turner. A medida que avanza, evoluciona hacia un segmento más eléctrico y enérgico. Las armonías vocales y los solos de guitarra destacan y marcan el estilo característico de "guitarras gemelas". La letra, que contiene un aire nostálgico, reflexiona sobre el paso del tiempo, la pérdida de la juventud y la fugacidad de la vida. Le sigue Sometime World, un introspectivo tema que aborda reflexiones sobre escapar de estecaótico y decepcionante mundo. Ojo al sólo de guitarra de Andy Powell aquí, para enmarcar. Le sigue uno de los grandes éxitos del grupo, Blowin' Free, que trata sobre Annalena Nordstrom, la novia sueca del bajista Martin Turner de su anterior época con el grupo Empty Vessels. Andy Powell afirmaba que la canción fue una de las pimeras que escriberon, más concretamente en 1971 en el Whisky A Go-Go de Sunset. Sobre como se le ocurrió el riff de guitarra a Powell, éste afirmó: "Estábamos de gira con The Who y me gustaron algunas de las progresiones de acordes que estaba haciendo Pete Townshend, así que todo lo que hice fue tomar algunas de sus ideas que se le ocurrieron y acelerarlas". Las armonías entre Martin Turner y Andy Powell brillan aquí, y el doble solo de guitarra es un ejemplo perfecto del estilo que influiría a bandas como Iron Maiden y Thin Lizzy. 

La cara B abre con The King Will Come. Martin Turner se inspiró para esta canción investigando y estudiando la Biblia. Trata sobre la idea cristiana de que, cuando el mundo se acabe, quienes crean se salvarán. En una entrevista Powell explicaba: "LA gente se identifica mucho con esta canción. No puedo decir que seamos una banda praticularmente cristiana, pero hay una sensación en ella, de que es un sentimiento, un sentimiento universal. Es bastante fuerte para la época de la que proviene. Y a todos les encanta la introducción; sencillamente pone a todo el mundo de buen humor". Leaf and Stream es una tranquila y delicada balada escrita por el baterista Steve Upton. La canción tiene un enfoque más folk con unas armoníasmuy suaves, lo que nos da un respiro frente a los temas más intensos del álbum. Las letras parecen hablarnos de la simplicidad y la belleza del mundo natural. Warrior es una de las piezas con una aire épico y mitológico. Con un aire sombrío y marcial, las guitarras son capaces de crear una sensación de conflicto y lucha, y la voz de Turner nos transite poder y fuerza por un lado, y vulnerabiilidad por otro lado. La canción está considerada como parte de la trilogía implícita del lado B del disco, junto con "The King Will Come" y Throw Down the Sword", aunque la banda nunca confirmó que este álbum fuera conceptual. Cierra la cara B, y por tanto este álbum, Throw Down the Sword, que tiene una letra que habla sobre las consecuencias de una sangrienta batalla. Colabora en los teclados en esa canción John Tout, que fue teclista de la banda de rock progresivo Renaissance durante la década de los años 70. La canción, como buen cierre, es un mensaje de redención, un canto a la paz, de dejar artrá la violencia y dejar sanar las heridas.

Wishbone Ash incursionó de manera muy notable en las principales corrientes del rock británico de principios de los años 70, pero al contrario que otras bandas como Yes, Pink Floyd, Led Zeppelin o Ten Years After, que se forjaron un arcado sello de identidad, nunca se decidió por un estilo o corriente concreta. En Argus la banda utilizó una amalgama única de todos esos estilos para crear su propio sonido. Esto sumado a los arreglos, con sus dos guitarristas principales y los espacios abiertos para improvisar, hace que el álbum destaque sobremanera, siendo el trabajo que mejor ha sido capaz de expresar la compleja visión del grupo. Y para terminar, no quiero dejar pasar una frase del bajista y fundador de Iron Maiden, Steve Harris, que para mí expresa claramente la importancia que ha tenido Wishbone Ash en el mundo de la música: "Creo que si alguien quiere entender los primeros trabajos de Maiden, en particular las guitarras de armonía, todo lo que tiene que hacer es escuchar el álbum Argus de Wishbone Ash ".

1562- Queen - We will rock you

1562 - Queen - We will rock you

Pocas canciones en la historia del rock han logrado un nivel de reconocimiento y poderío tan inmediato como "We Will Rock You" de Queen. Lanzada en 1977 como parte del álbum News of the World, esta pieza no solo se convirtió en un himno inmortal, sino que redefinió la interacción entre la banda y su público.

El tema fue compuesto íntegramente por el guitarrista Brian May, quien ideó la canción con una estructura rítmica inusual basada en golpes y palmas, buscando generar una conexión directa con los oyentes. La idea surgió tras un concierto de Queen en 1977, cuando la multitud siguió coreando canciones de la banda incluso después de que el espectáculo terminara. Inspirado en esa reacción, May diseñó un ritmo minimalista de "boom-boom-clap" que rápidamente se volvió universalmente reconocible. La canción, con una duración de apenas dos minutos, se basa en esta estructura rítmica repetitiva sobre la que Freddie Mercury despliega su enérgica voz en un tono desafiante y motivador.

A diferencia de la mayoría de las canciones de rock de la época, "We Will Rock You" carece de batería en casi toda su extensión, salvo por el solo de guitarra de May en la parte final. Este enfoque innovador le otorgó un carácter singular y convirtió la canción en una pieza ideal para estadios y eventos multitudinarios. Su simplicidad rítmica, combinada con su mensaje de determinación y fuerza, la hizo perfecta para que el público participara activamente, aplaudiendo y golpeando el suelo al unísono.

El impacto de "We Will Rock You" fue inmediato. Junto con "We Are the Champions" (también incluida en News of the World), la canción se convirtió en un himno global en eventos deportivos y conciertos. Su presencia en la cultura popular es ineludible: ha sido utilizada en innumerables películas, comerciales y competiciones deportivas de todo el mundo. Además, ha sido interpretada por la banda en todas sus giras posteriores a 1977, consolidándose como una de sus piezas más icónicas.

En cuanto a su legado, "We Will Rock You" sigue resonando en estadios y escenarios décadas después de su lanzamiento. Ha sido versionada y reinterpretada en diversos géneros, desde el pop hasta el heavy metal, y su estructura ha servido de inspiración para muchos artistas. En 2000, el título de la canción fue usado para nombrar el musical basado en la música de , reafirmando su relevancia en el tiempo.

"We Will Rock You" sigue siendo una de las expresiones más puras del poder del rock, una muestra del genio compositivo de Brian May y del impacto cultural de Queen. Su ritmo inconfundible y su capacidad de unir a multitudes aseguran que su eco no se apague jamás.

Daniel

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1561.- Hot Legs - Rod Stewart

 

"Hot Legs" ("Piernas calientes") es una de las grandes canciones de corte rockero que Rod Stewart grabó en los setenta, una década en la que el cantante británico facturó sus mejores discos, muchos de ellos separados en dos caras totalmente distintas, una para los temas más rock y blues rock, y otra para los temas más románticos y lentos.

Escrita por Rod Stewart y el guitarrista Gary Grainger, y lanzada en 1977 como parte del álbum Foot Loose & Fancy Free, "Hot Legs" se ha convertido con el paso de los años en un clásico en la discografía de Stewart y sigue siendo una favorita en sus conciertos. Buena parte de la culpa de su éxito la tiene su letra desenfadada y sexual, que aborda de manera directa y sin complejos la temática de la atracción física y la desinhibición del deseo.

Musicalmente, "Hot Legs" es un tema de rock clásico, cercano al estilo de The Faces o The Rolling Stones. La canción comienza con un potente riff de guitarra, acompañando a la característica voz rasposa de Stewart, mientras que la batería y el bajo proporcionan un ritmo vibrante a una canción de estructura aparentemente sencilla pero muy efectiva.

Acariciando lo Áspero - #MesDivididos

 

"Acariciando lo áspero" (1991) es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Divididos, un álbum que combina de manera efectiva elementos del rock, el funk y blues, que se ha convertido con el tiempo en todo un clásico del rock argentino. La energía y la versatilidad de la banda queda ya patente desde el primer tema, "El 38", una canción de letras directas, y una marcada actitud rockera fundamentada en un potente riff de guitarra y en la característica voz de Ricardo Mollo. Más relajado es el ritmo de "Sábado", en la que el sonido es más calmado y envolvente, pero no menos efectivo, y que encaja muy bien con la temática de la letra, sobre la rutina, la monotonía y la falta de libertad.

"Cuadros Colgados" es una canción muy breve, pero que retoma el ritmo intenso y rápido del arranque del disco, y que destaca tanto por su crítica letra sobre la superficialidad como por la potente guitarra y los solos de Ricardo Mollo. Es una buena manera de retomar la senda rockera, y curiosamente no la abandonan en el siguiente tema, porque a pesar de que "Cielito Lindo" es una versión del célebre clásico mexicano, Divididos la toca a su manera, haciendo que la tradicional tonada cobre nueva vida y se convierta en un tema rock.

¿Qué Tal? No estoy preguntando qué tal estáis, ni qué tal va la reseña de "Acariciando lo áspero", sino que ese es el título que Divididos le da al quinto tema del disco, una juguetona pieza de ritmo funky con una poderosa línea de bajo y una despreocupada letra. Nada que ver con "Sisters", y es todo un acierto que pusieran una a continuación de la otra, porque nos da una idea de su increíble versatilidad e inquietud por diferentes géneros y atmósferas. "Sisters" es una de las canciones más largas del álbum, y la que tiene la estructura más compleja y la atmósfera más introspectiva, a base de densas guitarras y sintetizadores, creando un paisaje sonoro intenso y envolvente.

La energía y el ritmo acelerado vuelven con "Ala Delta", todo un himno del rock argentino, con una letra que celebra y defiende la libertad y el atrevimiento de la aventura. De nuevo, contrasta con el siguiente tema, porque en "Azulejo" Divididos vuelven a levantar el pie del acelerador, dejándose llevar por atmósferas más melancólicas y mensajes más poéticos y reflexivos. Sin tiempo para relajarnos demasiado, y dentro de la montaña rusa musical que es el disco, "El Burrito" nos devuelve a un escenario más desenfadado y divertido, con la banda jugando con influencias del blues con las guitarras y la armónica.

De difícil pronunciación es Jamelosapoaí, y damos gracias a no tener que cantar eso a grito en el estribillo, en lo que es una breve pieza instrumental que funciona como interludio del disco. La guitarra es suave y melódica, en un nuevo ejercicio de calma que se verá nuevamente interrumpido por la siguiente canción (Paraguay), mucho más fácil de pronunciar y con un ritmo mucho más rápido y contagioso, y con letras directas y cargadas de crítica social y política. Sin tiempo para la pausa, llega después la segunda versión del disco, y esta vez le toca el turno al "Voodoo Chile" de Jimi Hendrix, en la que Ricardo Mollo demuestra su tremenda habilidad como guitarrista, en una interpretación que no desmerece respecto a la pieza original.

Todo lo bueno acaba, y con la introspectiva "Haciendo Cola Para Nacer" Divididos se despiden a lo grande, reflexionando sobre la vida y la muerte, cerrando a buen nivel un disco lleno de contrastes temáticos y sonoros, que en un impactante ejercicio de fidelidad a su título, logra llevarnos de la energía a la reflexión, y de lo suave a lo áspero, acariciando y golpeando nuestros oídos al ritmo de un puñado de buenas canciones tan diversas en intensidad como ricas en géneros y estilos, lo que hace de "Acariciando lo áspero" una obra relevante y un clásico del rock argentino por pleno derecho.

1560.- Anarchy in the UK - The Sex Pistols

 

"Anarchy in the UK" ("Anarquía en el Reino Unido") es, en un empate técnico con "God Save the Queen", la canción más emblemática del grupo punk The Sex Pistols, y todo un himno de la filosofía punk rock y de la rebeldía juvenil asociada al género. Lanzada en 1976 como el primer sencillo de la banda, esta canción capturó la esencia del movimiento punk y dejó una marca indeleble en la música y la cultura popular.

La mordaz letra de "Anarchy in the UK" es obra de su genial y polémico cantante "Johnny Rotten" (John Lydon), que volcó en ella todo el descontento y la frustración de la juventud británica de la época con las medidas políticas y sociales del gobierno británico, pidiendo a gritos que fuera sustituido por la más absoluta anarquía y la ruptura total con las normas, escupiendo un estribillo que se convirtió en un grito de guerra para una generación que buscaba un cambio radical en un país sumido en una profunda crisis social y económica.

Musicalmente, "Anarchy in the UK" es cruda y enérgica, con un distintivo e icónico riff y guitarras distorsionadas, un ritmo rápido y la voz agresiva y urgente de Johnny Rotten. La música fue creada en equipo por el resto de componentes de la banda: Steve Jones (guitarra), Paul Cook (batería) y Glen Matlock al bajo (antes de que abandonara la banda y fuera sustituido por el icónico Sid Vicious), y la producción de Chris Thomas logró capturar la intensidad y la urgencia de una banda que no tenía grandes conocimientos musicales, pero que lo contrarrestaba con una agresividad y una fuerza a medio camino entre la genialidad y el caos.

1559 - Rod Stewart - You're in My Heart (The Final Acclaim)

1561 - Rod Stewart - You're in My Heart (The Final Acclaim)

Rod Stewart ha sabido escribir canciones que atraviesan generaciones, y "You're in My Heart (The Final Acclaim)" es una de sus composiciones más emblemáticas. Lanzada en 1977 como parte del álbum Foot Loose & Fancy Free, esta balada romántica se convirtió rápidamente en un clásico, gracias a su combinación de letra sentimental, melodía envolvente y la inconfundible voz rasposa del cantante británico.

Rod Stewart, quien escribió la canción en solitario, logra capturar con maestría la nostalgia y la devoción de un amor duradero. La instrumentación es elegante pero sin excesos: una base de guitarra acústica, piano y arreglos de cuerdas que elevan la emoción sin opacar la voz principal. Su interpretación transmite una sinceridad palpable, lo que ha permitido que la canción resuene con el público durante décadas.

A lo largo de los años, se ha especulado sobre la inspiración detrás de la canción. Algunos sostienen que Rod Stewart la escribió para Britt Ekland, la actriz sueca con quien tuvo una relación en esa época. Otros creen que, además de ser una oda al amor, es un homenaje velado al Celtic Football Club, equipo del que es ferviente seguidor. Sea como sea, la canción ha trascendido cualquier anécdota personal y se ha convertido en un himno romántico atemporal.

Desde su lanzamiento, "You're in My Heart" tuvo un gran impacto comercial. Alcanzó el puesto número 4 en el Billboard Hot 100 y llegó al número 1 en Canadá, consolidando aún más la carrera de Rod Stewart en la cima de las listas internacionales. Su éxito no se limitó a la época de su estreno: ha sido incluida en numerosas recopilaciones, interpretada en conciertos multitudinarios y versionada por otros artistas.

Más allá de los números, lo que hace especial a "You're in My Heart" es su capacidad de conectar con el oyente. La canción es un recordatorio de que el amor, con sus altibajos, sigue siendo una de las mayores fuentes de inspiración en la música. En una discografía repleta de éxitos, esta balada se mantiene como una de las más queridas por los fanáticos y una de las mejores representaciones del talento de Rod Stewart para escribir melodías inolvidables.

Hoy, más de cuatro décadas después, "You're in My Heart" sigue sonando en radios, bandas sonoras y playlists de amantes de la música de todas las edades. Su vigencia demuestra que algunas canciones nunca pasan de moda y que la voz inconfundible de Rod Stewart seguirá emocionando a generaciones por venir.

Daniel
Instagram Storyboy

1558.- God Save the Queen - The Sex Pistols

 

God Save the Queen, Sex Pistols

     Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols (a menudo abreviado como Never Mind the Bollocks ) es el único álbum de estudio de la banda inglesa de punk rock The Sex Pistols , lanzado el 28 de octubre de 1977 a través de Virgin Records en el Reino Unido y el 11 de noviembre de 1977 a través de Warner Bros. Records en los Estados Unidos. Como resultado de las volátiles relaciones internas de los Sex Pistols, la formación de la banda sufrió cambios durante la grabación del álbum. El bajista original Glen Matlock dejó la banda al principio del proceso de grabación, y aunque aparece acreditado como coautor de todas las pistas menos dos, solo tocó el bajo y cantó coros en una pista, Anarchy in the UK.

Las sesiones de grabación continuaron con un nuevo bajista, Sid Vicious , quien aparece acreditado en dos de las canciones escritas por la banda después de que se uniera. Si bien el bajo de Vicious apareció en dos pistas, su falta de habilidad en el instrumento significó que muchas de las pistas se grabaron con el guitarrista Steve Jones tocando el bajo. Las distintas sesiones de grabación fueron dirigidas alternativamente por Chris Thomas o Bill Price, y en ocasiones por ambos a la vez. Sin embargo, como las canciones de los álbumes finales a menudo combinaban mezclas de diferentes sesiones o no se documentaba adecuadamente quién estaba presente en la cabina de grabación en ese momento, cada canción aparece acreditada conjuntamente a ambos productores.

Para cuando se lanzó el álbum, los Sex Pistols ya eran polémicos, pues habían proferido groserías en directo por televisión, habían sido despedidos de dos discográficas y se les había prohibido tocar en vivo en algunas partes de Gran Bretaña. El título del álbum agravó la controversia, ya que algunos consideraron la palabra "bollocks" ofensiva. Muchas tiendas de discos se negaron a venderlo y algunas listas de éxitos se negaron a incluir su título, mostrando solo un espacio en blanco. Debido en parte a su notoriedad, y a pesar de las numerosas prohibiciones de venta en las principales tiendas, el álbum debutó en el número uno de las listas de álbumes del Reino Unido.

Incluído en este controvertido álbum se encuentra God save the Queen. Esta canción trata sobre la rebelión contra la política británica. Muchos jóvenes se sentían alienados por el dominio opresivo de la antigua monarquía real, y la Reina Isabel era su símbolo. John Lydon (Johnny Rotten) en una entrevista en la revista Rolling Stone llegó a declarar: "Expresaba mi punto de vista sobre la Monarquía en general y sobre cualquiera que implora su obligación sin pensarlo dos veces",  "Eso me parece inaceptable. Tienen que ganarse el derecho a contar con mi amistad y mi lealtad". Esta exagerada burla al himno nacional británico, de igual título que la canción, no lbien a la realeza inglesa. El representante de los Sex Pistols, Malcolm McLaren, publicó esto coincidiendo con el Jubileo de Plata de la Reina, una celebración que conmemora su 25.º aniversario en el trono. El Jubileo de Plata de la Reina se celebró el 7 de junio de 1977. Ese día, los Sex Pistols intentaron tocar esta cnción en el río Támesis, frente al palacio de Westminster. Fue una hábil maniobra de del representante MacLaren, que exageró como la banda conseguía eludir una "prohibición" tocando en el río en lugar de tocar en tierra firme. La actuación no llegó a consumarse, pues las atoridades consiguieron impedirla. La canción se llamaba originlmente No Future, y la banda la tocó en vivo y grabó una versión demo con ese título, pero lo cambió cuando al cantante principal, Johnny Rotten, se le ocurrió la idea de burlarse de la monarquía británica.

"40 Dibujos Ahí en el Piso": El Caótico Manifiesto que Revolucionó el Rock Argentino #mesDivididos

"40 Dibujos Ahí en el Piso": El Caótico Manifiesto que Revolucionó el Rock Argentino #mesDivididos

Abril: Un Viaje por la Discografía de Divididos

En el calendario del rock, abril será el mes de Divididos. Y qué mejor punto de partida que su álbum debut, "40 Dibujos Ahí en el Piso" (1991), un disco que funcionó como carta de presentación de una banda que redefinió los límites del género. Grabado en Estudios Panda bajo la producción de Tweety González, este trabajo marcó el renacer artístico de Ricardo Mollo y Diego Arnedo tras la disolución de Sumo, presentando un sonido más crudo, experimental y decididamente vanguardista.  

El álbum mezcla punk, funk, reggae y psicodelia con letras surrealistas, creando una propuesta sonora que desafió todas las convenciones de la época. Con una duración total de 42 minutos distribuidos en 13 tracks (incluyendo tres repeticiones de "Camarón Bombay"), el disco se convirtió en un objeto de culto que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos.  

Contexto Histórico: El Nacimiento de un Fenómeno

Para entender la magnitud de este trabajo, debemos remontarnos a diciembre de 1987, cuando la muerte de Luca Prodan dejó a Sumo en un limbo creativo. Mollo y Arnedo, junto al baterista Gustavo Collado (luego reemplazado por Catú Carcavallo), decidieron continuar bajo el nombre Divididos, heredando el espíritu transgresor de Sumo pero llevándolo a territorios aún más experimentales.  

El título del álbum proviene de una frase que el propio Prodan solía decir, manteniendo así un hilo conductor con su legado. La portada - un dibujo infantil y abstracto creado por Alfredo "Fredi" Sarsotti - refleja perfectamente la esencia del contenido: aparentemente caótico, pero con una coherencia interna que solo se revela al escuchar con atención.  

Análisis Musical: Deconstruyendo el Caos:

Lo primero que sorprende al escuchar "40 Dibujos..." es su estructura poco ortodoxa. El disco comienza y termina con versiones diferentes de "Camarón Bombay" (1:07 al inicio, 0:36 en el medio y 1:03 al final), creando una sensación cíclica que invita a volver a escucharlo.  

Esta decisión artística no fue casual. En una entrevista de 1992, Mollo explicó: "Queríamos que el disco fuera como un viaje en círculos, donde el final te lleva otra vez al principio". Este concepto se refuerza con la disposición de los temas, que alternan entre canciones completas y sketches musicales. 

El álbum es un verdadero collage sonoro donde conviven:  

- Funk acelerado ("Haciendo Cosas Raras")  

- Punk distorsionado ("Un Montón de Huesos")  

- Reggae psicodélico ("La Mosca Porteña")  

- Rock experimental ("Los Hombres Huecos")  

- Versionismo irreverente ("Light My Fire" de The Doors)  

Esta mezcla no era común en el rock argentino de principios de los 90, dominado entonces por el rock barrial y las bandas nuevas como Los Ratones Paranoicos. Divididos rompió ese molde con un sonido que anticipó tendencias que se harían populares años después.  

Las Letras entre el surrealismo y la Crítica Social. 

Las letras del álbum son un universo en sí mismas:  

- "Che, Qué Esperás?" parece interpelar a una sociedad apática  

- "De Qué Diario Sos?" critica la manipulación mediática  

- "Los Hombres Huecos" explora la alienación moderna  

- "La Foca" juega con el absurdo más puro  

Esta combinación de profundidad y humor absurdo se convertiría en una marca registrada de la banda.  

Si hablamos de cada uno de sus canciones:

1. «Camarón Bombay» (1:07)

Más que una canción, es una declaración de principios: 67 segundos de distorsión pura que desaparecen tan rápido como aparecen. El título (que combina un crustáceo con una ciudad india) refleja el surrealismo que dominará el disco.  

2. «Che, Qué Esperás?» (4:04) 

El primer tema "completo" del álbum establece el tono: un riff contagioso, cambios de ritmo abruptos y letras que oscilan entre la ironía y la protesta. El solo de guitarra (a los 2:38) es uno de los momentos más sublimes del disco.  

3. «La Mosca Porteña» (4:31)  

Aquí Divididos muestra su faceta más psicodélica. La letra ("Una mosca vino y se posó en mi sopa") puede interpretarse como metáfora de las pequeñas irritaciones cotidianas. Musicalmente, destaca el trabajo de bajo de Arnedo, creando una base hipnótica.  

4. «Haciendo Cosas Raras» (3:07)

El himno no oficial de la banda. La canción condensa en tres minutos toda la filosofía Divididos: experimentación, humor y actitud. El break de batería (2:15) es pura energía cruda.  

5. «Los Sueños Y Las Guerras» (4:00)

Un momento de respiro en el disco, con guitarras acústicas y un clima melancólico. La letra ("Los sueños se pierden, las guerras también") sugiere una reflexión sobre la fugacidad de los ideales.  

6. «Gárgara Larga» (4:26)

El título perfecto para esta canción que parece "hacer gárgaras" con distintos estilos: comienza como funk, deriva en reggae y termina en punk. El puente instrumental (3:10) es una de las partes más creativas del álbum.  

7. «Camarón Bombay» (0:36)

La reaparición del tema inicial, ahora más corto y distorsionado, como un eco fantasmal.  

8. «Un Montón De Huesos» (4:38) 

El lado más oscuro de Divididos. La letra ("Un montón de huesos en el placard") sugiere secretos inconfesables, mientras la música avanza como una apisonadora.  

9. «Light My Fire» (3:48) La versión más punk que se haya hecho del clásico de The Doors. Divididos lo transforma en un tema frenético, con Mollo cantando casi al borde del grito.  

10. «Los Hombres Huecos» (5:21)

El punto culminante del álbum. La adaptación del poema de T.S. Eliot es magistral, con arreglos que van desde lo minimalista hasta lo orquestal. La línea "Somos los hombres huecos, los hombres rellenos" adquiere nueva fuerza en este contexto.  

11. «De Qué Diario Sos?» (4:11)

Una crítica mordaz a los medios masivos, con un riff que se clava en la memoria. El estribillo ("De qué diario sos? De qué canal?") sigue siendo relevante hoy.  

12. «La Foca» (2:50)

El contrapunto humorístico del disco. La simpleza de la letra ("La foca vino a la ciudad") es engañosa: musicalmente es una pequeña obra maestra de ritmo y dinámica.  

13. «Camarón Bombay» (1:03)

El círculo se cierra. La tercera versión del tema inicial, ahora un poco más larga, como si el viaje hubiera dejado su marca.  

Si hablamos del legado e influencia de del álbum de Divididos, "40 Dibujos Ahí en el Piso". 

Aunque en su momento no tuvo el reconocimiento comercial de otros trabajos de la banda, "40 Dibujos Ahí en el Piso" sentó las bases para todo lo que vendría después. Su influencia puede rastrearse en:  

- Bandas posteriores como Babasónicos (en su etapa experimental)  

- El rock alternativo de los 2000 (Él Mató a un Policía Motorizado)  

- Incluso en nuevas generaciones como Conociendo Rusia

El crítico musical Eduardo Berti lo definió como "el disco que demostró que el rock argentino podía ser vanguardia y tradición al mismo tiempo".  

Tres décadas después, "40 Dibujos Ahí en el Piso" sigue sonando fresco y revolucionario. En una era de música prefabricada y algoritmos, este disco nos recuerda el valor de:  

1. La autenticidad (hacer música sin concesiones)  

2. La experimentación (romper géneros y estructuras)  

3. El humor (no tomarse demasiado en serio)  

Este abril, los invitamos a redescubrir este álbum fundamental y los que iremos conociendo juntos. Porque como dice Divididos: "Haciendo cosas raras, y no me importa nada".  

¿Cuál será tu tema favorito de este disco? ¿La caótica trilogía de "Camarón Bombay", la profundidad de "Los Hombres Huecos" o el puro funk de "Haciendo Cosas Raras"? 🎸🔥  

(Próxima parada en nuestro viaje en conocerte a fondo a nuestras banda del mes Divididos: "Acariciando lo áspero").

Daniel 

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