Disco de la semana 370: Not Fragile - Bachman -Turner Overdirve

 

Not Fragile, Bachman - Turner Overdrive

     Bachman-Turner Overdrive, también conocida como BTO, es una banda de rock canadiense funada por los hermanos Randy, Robbie y Tim Bachman, y por Fred Turner. Su catálogo de la década de 1970 incluy siete álbumes entre los 40 primeros en las listas de ventas y  11 sencillos entre los 40 primeros en Canadá. Tuvieron un importante éxito durante esa década tanto en Canadá como en Estados Unidos, y durante su historia han logrado vender casi 30 millones de álbumes en todo el mundo.

La formación original estaba formada por Randy Bachma (guitarra principal y voz), Fred Turner (bajo y voz), Tim Bachman (guitarra y voz) y Robbie Bachman (batería, prcusión, coros). Esta formación lanzó do álbumes en 1973. La segunda formación, la de mayor éxito, incluía a Blair Thornton (guitarra solista) en lugar de Tim Bachman. Esta segunda formación lanzó Not Fragile, el tercer álbum de la banda. fue grabado en 1974 en los Kaye-Smith Studios de Seattle, Washington, y en los Sound City Studios de Van Nuys, Los angeles, bajo la producción de Randy Bachman, y publicado en agosto de 1974 por el sello discográfico Mercury Records. Resultó ser el álbum de estudio más popular del grupo y llegó a alcanzar el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

En cuanto al título del álbum, Randy Bachman afirmó en una entrevista que usar la palabra "Fragil" como título para un álbum de rock, como había hecho el grupo Yes con su disco Fragil de 1971, era extraño, y pensó que la música de BTO no se podía romper, por lo que, sin pretener faltar el respeto en absoluto a Yes, la banda llamó irónicamente a su álbum Not Fragile. El disco marca el debut del guitarrista Blair Thornton, quien, a diferencia de su predecesor Tim Bachman, aparece en los créditos del ábum como "segunda guitarra solista", lo que va marcar una de las caracteríticas de este trabajo, el sonido de las Twin guitars o guitarras gemelas. 

Not Fragile contiene varios temas que se han convertido en himnos, canciones de las más queridas de la banda por parte de sus fans. Roll On Down theHighway y You Ain't Seen Nothing Yet fueron sencillos que alcanzaron un gran éxito, y varios cortes más del álbm alcanzaron una siginificativa difusión por parte de las emisoras de rock.

Estamos ante un gran trabajo, compacto y homogéneo, y de sus 9 canciones, de las cuales no sobra ninguna de ellas, rápidamente se hicieron un hueco en las ondas radiofónicas Not Fragile, canción que da título y abre además el disco. Con un poderoso ritmo y unos contundene riffs de guitarra, empiezan a transmitirnos, desde el primer momento, una energía arrolladora que ya no nos va abandonar hasta el final; Roll on Down the Highway, con una letra que Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". evoca la sensación de libertad que se experimenta al conducir por la carretera con la música a todo volumen y sin preocupaciones. La letra trata sobre un camionero haciendo un transporte, y fue aporvechada por la fascinación que había en la década de los 70 por la cultura camionera. El grupo Ford había contratado originalmente a Turner y Randy Bachman para escribir una anción para los comericales de la compañía, pero Ford nunca usó de sus composiciones. Esta canción fue resctada de aquellas composiciones para la compañía; You Ain't Seen Nothing Yet, es, junto el tema anterior, la canción más famosa del álbum, y uno de los mayores éxtios de la banda. Esta es una de las canciones más famosas que contienen un prominente tartamudeo. BTO no planeaba lanzar esta canción con la voz tartamuda. Randy la cantó tartamudeando para burlarse de su hermano Gary, que teníaun impedimento en el habla. Durante las comprobaciones de micrófono, la cantó tartamudeando y grabó una versión destinada únicamente a su hermano Gary. La canión no iba a ser incluida, ni mucho menos, pero a la disgoráfca le gustó mucho más que la versión sin tartamudeo, y fue incluída en el disco; y Free Wheelin, que es la úncia canción instrumental en la discografía dela banda, y fue escrita por el guitarrista Blair Thornton como una dedicatoria y tirbuto al fallecido guitarrista duane Allman del grupo The Allman Brothers Band. 

Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". 

1177.- The Wall Street Shuffle - 10cc

10cc es una banda británica de rock formada en Stockport en 1972 por cuatro músicos multi instrumentistas (Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme) que se repartían en dos parejas a la hora de componer las canciones. Stewart y Gouldman componían básicamente canciones pop y crearon la mayoría de éxitos de la banda (incluyendo "The Wall Street Shuffle"), y por el contrario Godley y Creme se decantaba por composiciones más experimentales e influenciadas por corrientes artísticas y cinematográficas.

El álbum "Sheet Music" (1974) fue el primero de cinco discos con los que 10cc entraron en el top 10 de las listas de ventas del Reino Unido. El single de lanzamiento fue "The Worst Band in the World", que no logró entrar en las listas, pero con el segundo single "The Wall Street Shuffle" lograron llegar al puesto 10 en Reino Unido y ser nº 2 de ventas en Países Bajos. Un tercer single, "Silly Love" fue también publicado, pero solo llegó al puesto 24 en UK, lo que hizo de "The Wall Street Shuffle" la canción más reconocida y exitosa del disco.

"The Wall Street Shuffle" era además la canción con la que arrancaba el álbum, con un distintivo riff de rock clásico y unas letras poco habituales en el rock, ya que básicamente describían el mundo de las finanzas en Wall Street, mencionando por el camino a personajes como Getty, Rothschild y Howard Hughes, en una extraña combinación que la revista musical "Record World" denominó "lección de baile económico".

1176.- The Bottle - Gil Scott Heron

 

The Bottle, Gil Scott Heron

 

       Winter in America es un álbum que Gil Scott Heron grabó con la colaboración del teclista Brian Jackson. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1973 en los D&B Sound Studios de Silver Spring, Maryland, Estados Unidos, bajo la producción de los dos músicos, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Strata-East Records. Scott Heron y Jackson produjeron el disco de forma sencilla, basándose en sonidos tradicionales africanos y R&B, mientras que los arreglos de piano de Jackson tenían sus raíces en el jaz y el blues..

El álbum fue el debut de los dos músicos para el sello discográfico Strata-East, sello independiente de jazz, tras su salida por una disputa con su antiguo sello discográfico. Tuvo una distribución bastante limitada en Estados Unidos, sin embargo Scott Heron, con la ayuda promocional de su único sencillo, The Bottle, consiguió tener un considerable éxito comercial, mayor incluso que su trabajo anterior con Jackson, llegando a ocupar el puesto número seis de la lista estadounidense Billboard Top Jazz Album. El sonido característico de este álbum tiene su raíces en el blues, el jazz y la música soul, incorporando también elementos de la música africana, como la percusión pesada y los cánticos. También incorporaron escenografías, introducciones de palabras habladas e interludios místicos que fueron influenciados por los estilos de free jazz de artistas contemporáneos como Pharoah Sanders y Abdullah Ibrahim. 

Winter in America aborda las experiencias y los desafíos que enfrentaron a la comunidad afroamericana y los residentes de la ciudad de Washington en la década de los años 70, como es el caso de su canción The Bottle, escrita por Scott Heron, toda una crítica social sobre el abuso del alcohol. La canción tiene un agradable ritmo caribeño y presenta un gran solo de flauta de Jackson. Scott Heron analizaba el poder destructivo de la adicción y como puede arruinar la vida de las personas, y se inspiró para escribirla al observar y hablar con alcohólicos en la puerta de una licorería llamada Log Cabin en el norte de Virginia, cerca de Wshington DC, donde todos los días hacían cola para cambiar sus botellas vacías por un descuento en su próxima compra. Fue lanzada como sencillo, y gracias a su contagioso ritmo pop/dance y su mensaje social se convirtió rápidamente en un éxito y en uncanción de culto.

1175.- This town ain't big enought for both of us - Sparks

Los hermanos Mael formaron el núcleo de los Sparks, el más joven, Russel, un andrógino de aspecto decadente que cantaba con todo su corazón mientras su hermano mayor, Ron, simplemente se posicionaba detrás de un teclado, el estilo era un poco frenético y excéntrico, casi Roxy Music, si hay que hacer comparaciones, de todos modos, los hermanos tuvieron un par de éxitos más, terminando sus apariciones en las listas en 1979 después de una carrera algo rejuvenecida en la música disco. Inicialmente la banda se llamaba Halfnelson, los Sparks se centraron en un estilo musical excéntrico y escandaloso. Halfnelson (Bearsville, 1971), reeditado como Sparks (Bearsville, 1972), está más influenciado por Todd Rundgren ( Wonder Girl ) y los primeros Brian Eno que por Marc Bolan o David Bowie.

La música de Sparks es un music-hall futurista que toma prestado del pop, el soul, el hard-rock y el rock progresivo. Su sentido del humor dadaísta alcanzó la madurez en A Woofer In Tweeter's Clothing (Bearsville, 1972 - Wounded Bird, 2006). El espantoso falsete de Russell, las melodías triviales y los grotescos arreglos le daban un aire de ópera rock disfrazada. Los hermanos se mudaron a Londres y reformaron Sparks con una nueva formación, Kimono My House (Island, 1974) toma prestados elementos del hard-rock y el tecno-rock, pero, sobre todo, se centra en las melodías (y una es verdaderamente memorable, y es realmente memorable la canción de la que vamos a hablar). En la presentación de Top Of The Pops de Sparks , Russell Mael, doble de Marc Bolan, bailó tocando notas tremendamente altas, mientras su hermano, Ron Mael, se sentaba de los teclados, lanzando miradas escalofriantes. John Lennon bromeó sobre Ron Mael cuando vio actuar a Sparks: "Es Hitler en la tele". La canción se convirtió en un éxito después de esa aparición, que se retrasó dos semanas ya que los hermanos Mael tuvieron que inscribirse en el Sindicato de Músicos Británicos antes de poder actuar en el programa.

'This Town Ain't Big Enough for Both of Us' es fácilmente la canción más conocida de este peculiar grupo de art-pop liderado por los excéntricos hermanos Mael de Los Ángeles. No sé si se puede describir como progresivo, al menos en el sentido habitual, pero hace que la mayoría de la música de sus contemporáneos británicos QUEEN suene aburrida en comparación, de alguna manera parecían estar muchos años adelantados a su tiempo. Esta canción rápida, frenética y muy nerviosa con voces teatralmente altas es como un pimiento turco: no deja a nadie frío, pero no necesariamente te hace querer más. Hay algo vagamente amateur en la grabación, no en la canción o la interpretación, que son de primera, sino en la producción/mezcla, algunas partes se notan un poco más flojas de lo que deberían ser y, a veces, la guitarra suena un poco endeble. Sin embargo, esto no es del todo malo: estos aspectos le dan a la canción un poco de encanto. Pero supongo que sigo escuchando esta canción como un número "no del todo Queen", a pesar de que es casi contemporáneo y en realidad es anterior a las producciones densamente estratificadas de Queen. 

Red Hot Chili Peppers - By the Way (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

By the Way, Red Hot Chili Peppers

By the Way es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense Red Hot Chili Peppers. Estamos ante un canto a la vida y al amor, todo un ejercicio optimista de un renacido Frusciante que por fín había visto la luz después de sus adicciones. Se notaba que la alegría había vuelto en el seno de la banda. Fue grabado entre noviembre de 2001 y mayo de 2002 en Los Angeles, California, bajo la producción de Rick Rubin, y publicado el 9 de julio de 2002 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Fue un éxito rotundo desde el primer momento, pues ya en la primera semana había vendido más de 285.000 copias, y llegó a alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard 200.

By the Way supuso una desviación sobre el sonido y estilo de la banda en discos anteriores debido a los tenues y melódicos sonidos transmitidos por la banda en este álbum. John Frusciante escribió la mayoría de las melodías del disco, arreglos vocales, líneas de bajo y progresiones de guitarra, lo que cambió la dirección de la grabación, y Kiedis adoptó un enfoque más sincero y reflexivo en las letras de este trabajo. Por otro lado, la banda sacrificó ese sonido fusionado de funk y metal, una de sus grandes señas de identidad. 

La preparación del álbum comenzó justo después de la finalización de la gira mundial de Californication en la primavera del año 2001, y gran parte del trabajo se realizó en las casas de los miembros de la banda y en estudios de grabación. Frusciante y Kiedis colaboraron durante días, discutiendo progresiones de guitarra y compartiendo letras, algo que valoraba muy positivamente Kiedis: "escribir las canciones fue una experiencia completamente diferente a Californication. John volvió a ser el mismo y rebosaba confianza". El elegido para la producción fue finalmente Rick Rubin, pues era una persona que solía dejar espacio y libertad creativa, y eso era esencial para el grupo. En cuanto al álbum, Frusciante tenía la intención de que tuviera dos tipos diferentes de canciones, unas que sonaran más "inglesas" y melódicas, y otras que estuvieran más influenciadas por el punk rock. El productor Rubin no estaba familiarizado ni con las bandas ni con el sonido punk rock, y pensó que las canciones melódicas eran originales y más emocionantes por lo que se acabó apostando por el material más melódico en este trabajo. 

Por otro lado, Flea quería que la banda volviera a su anterior sonido influenciado por el funk, y Frusciante pensaba que ya habían explorado a fondo el funk y estaba más interesado en crear algo nuevo para el grupo. Esto empezó a alejar a Flea, quien pensó que su voz no era escuchada y consideró muy en serio el hecho de dejar la banda. El conjunto de guitarra y bajo fue dictado principalmente por Frusciante y el disco tomó una dirección diferente a cualquier álbum anterior, pues Frusciante había buscado crear un paisaje sonoro emociona y conmovedor a lo largo de las grabaciones. Ante todo esto, Flea consideraba que no tenía nada que ofrecer. Frusciante no tenía idea de como se sentía Flea y no tenía intención de hacerse cargo ni de dejar que se marchara, por lo que finalmente se juntaron para resolver sus diferencias, ayudados los dos por el ejercicio de la meditación. En cuanto a las letras, Kiedis mostró las influencia que tenía en aquel momento por el amor, su novia y las emociones que se expresan cuando uno se enamora. Las drogas también tuvieron su espacio en las letras, sus relaciones con ellas, los efectos nocivos que estos le provocaron, el peligro constante de una recaída, y el recuerdo de su amigo y fundador del grupo, el guitarrista Hillel Slovak. 

Entramos en materia, la cual comienza con el tema que da título al álbum, By the Way, donde gran parte de la letra se basa en un divertido juego de palabras de Anthony Kiedis. También hace mención a una chica llamada Dani, que también había aparecido en el álbum Californication (1999). Sobre la citada chica, Kiedis afirmaba que era una representación de cada chica con la que se había cruzado en la vida. En cuanto a la música, se utilizaron varios dispositivos para alterar secuencias de guitarra y voz. Universally Speaking es una de las que abordan las drogas, concretamente el consumo de heroína. Se grabó un vídeo de esta canción donde se muestra a un taxista recorriendo un largo camino hasta llegar a un concierto de Red hot Chili Peppers solo para darle Kiedis una revista que dejó olvidada en el taxi. This Is the Place aborda la adicción a las drogas de Kiedis y menciona las calles donde solía ir a conseguirlas. También hace referencia en la letra a Hillel Slovak: "El día en que murió mi mejor amigo". Dosed, a través de la temática del muerte y la pérdida de alguien cercano a tí, es todo un tributo a Hilll slovak. Don't Forget Me sigue la temática de las canciones anteriores, la adicción a las drogas, en este caso del vocalista Kiedis, donde habla de su rehabilitación y de cómo estuvo encerrado en una celda durante dos semanas para superarlas. En la canción se usó un mellotron, un pedal wah y técnicas de eco para transmitir una atmósfera emotiva. The Zephyr Song emana una ligera ráfaga de aire cálido. Kiedis evoca con sus letras el cortejo a una hermosa chica y le pide que se "vaya volando" con él para ser siempre feliz. Puede que la canción se refiera en parte a una de sus ex novias, la cual solía tomar cocaína con él, y de la euforia que sentían cuando estaban juntos y consumían. la letra de Can't Stop se escribió en torno a la música ya compuesta, y es una colección de pensamientos un tanto aleatoria, con algunas rimas creativas para adaptarse al ritmo de la canción. Esta canción anima al oyente a vivir con pasión e individualidad, algo que los Red Hot Chili Peppers han hecho durante toda su carrera. Es una de las canciones, junto a By the Way, donde el grupo vuelve a su famoso estilo basado en el funk, con versos cortos y rapeados. El vídeo musical que se hizo de esta canción se inspiró en las obras del artista austriaco Erwin Wurm llamadas "One Minute Sculptures", las cuales son una serie de esculturas realizadas de una manera muy creativa, utilizando e cuerpo humano como parte de la composición. I Could Die for You trata sobre el amor verdadero de una persona, tan apasionado que es capaz de arriesgar su propia vida por la otra persona a la que ama. Kiedis la escribió para su novia en aquel momento.

Abre la cara B Midnight, una atmosférica pista con sonidos etéreos y ambientales que sirve como interludio entre canciones. Throw Away Your Television, con su ritmo funky, critica la influencia negativa de los medios de comunicación en la sociedad. Muy destacable la línea de bajo funky de Flea en una canción que se asoma al rock experimental gracias al uso de la distorsión en todo el verso y el estribillo. El título Cabron se inspiró precisamente en la palabra española, y en la letra abordan el hecho de tener una relación en un barrio controlado por pandillas. Es la única pista del álbum que se reproduce de forma completamente acústica. Frusciante afirmaba que para las partes de guitarra se inspiró en la forma en que el guitarrista Martin Barre tocaba en el disco Aqualung de Jethro Tull, y las partes de Kiedis y Smith contribuyeron a darle un toque latino. Tear es una emotiva balada donde Kiedis nos expresa sentimientos de dolor y deseo de sanación. Musicalmente la canción se basa más en el teclado que en el bajo o la guitarras. On Mercury es una enérgica canción con un fulgurante ritmo y unas surrealistas letras que evocan imágenes de viajes intergalácticos. Minor Thing es todo un alegato, una oda a la vida. Con su ritmo funky la letras reflexionan sobre la naturaleza efímera de la vida y la importancia de vivir en el momento presente. Warm Tape es una canción atmosférica con elementos electrónicos y letras introspectivas que exploran temas como la autoaceptación y la transformación personal. Venice Queen es la canción que cierra el álbum. Kiedis escribió la canción sobre Gloria Scott, una famosa consejera sobre drogas que trabajaba en Cri-Help en North Hollywood, California, y que vivió en Venecia. Gloria, con su trabajo en Cri-Help, ayudó durante su vida a miles de personas a recuperarse de la adicción a las drogas. Gloria falleció de cáncer, y ella y Kiedis se hicieron amigos mientras el era adicto y se recuperaba de su adicciones.

By the Way fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número dos en la lista estadounidense Billboard 200. el disco marcó un cambio en el sonido de Red Hot Chili Peppers hacia un enfoque más melódico y experimental, alejándose del funk rock que caracterizaba sus trabajos anteriores, incorporando una variedad de estilos musicales, como el pop, el rock alternativo o el punk, lo que mostró su versatilidad y madurez como músicos. Las letras eran más introspectivas y reflexivas, abordando temas como el amor, la pérdida, la redención, la adicción y la autoaceptación. Todo esto hizo que el disco tuviera un impacto muy significativo, consolidando al grupo como uno de los más importantes, en aquel momento, de la escena del rock alternativo de la época.

1174 - Lynyrd Skynyrd - Call Me the Breeze

1174 - Lynyrd Skynyrd - Call Me the Breeze

Lynyrd Skynyrd, una icónica banda de rock sureño, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música con su distintivo sonido caracterizado por guitarras potentes y letras con raíces sureñas. Fundada en 1964 en Jacksonville, Florida, la banda alcanzó la cima de su popularidad en la década de 1970. Entre sus numerosos éxitos, "Call Me the Breeze" destaca como una joya en su repertorio.

La canción, lanzada en 1974 como parte del álbum "Second Helping", destila la esencia del rock sureño con su ritmo animado y la inconfundible voz de Ronnie Van Zant. La introducción de la guitarra de Allen Collins establece el tono enérgico, mientras que la fusión de los riffs de guitarra y el teclado crea una experiencia auditiva única.

"Call Me the Breeze" es una oda a la libertad y la independencia. La letra, escrita por J.J. Cale, narra la historia de un alma errante que no se deja atrapar por compromisos. La metáfora del viento, presente en la frase "Call me the breeze, I keep blowin' down the road," sugiere una vida nómada y sin ataduras. La canción captura el espíritu de la época y refleja la actitud despreocupada de la cultura del sur de Estados Unidos.

La habilidad distintiva de Lynyrd Skynyrd para combinar letras evocadoras con arreglos musicales magistrales se manifiesta plenamente en "Call Me the Breeze". La voz cruda y apasionada de Van Zant agrega autenticidad a la narrativa, mientras que la fusión de guitarras eléctricas y acústicas crea una textura sonora que es tan apreciada por los aficionados al rock.

La canción también destaca por su solidez compositiva y ejecución técnica. Los solos de guitarra, en particular, destacan la destreza de los guitarristas de la banda, con riffs que se entrelazan de manera fluida y memorable. La producción cuidadosa contribuye a la atemporalidad de "Call Me the Breeze", que ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo una pieza central en la narrativa del rock sureño.

En resumen, Lynyrd Skynyrd y su interpretación de "Call Me the Breeze" son testamentos duraderos del poder del rock sureño. La canción encapsula la esencia de una era y la actitud indomable de aquellos que buscan la libertad en la carretera. A medida que el tiempo avanza, la música de Lynyrd Skynyrd, y en particular "Call Me the Breeze", sigue siendo un faro que ilumina la rica tradición del rock sureño.

Daniel 

Instagram storyboy 

1173.- The Ballad of Curtis Loew - Lynyrd Skynyrd

Escrita por Allen Collins y Ronnie Van Zant, “The Ballad of Curtis Loew” fue grabada por Skynyrd y lanzada en su álbum de 1974 Second Helping, cuando una canción está en el mismo disco con "Sweet Home Alabama" (el sencillo más exitoso del grupo), "I Need You", "Don't Ask Me No questions", "Working for MCA" y "Swamp Music", y puede ser que para el amante de la música media haya pasado desapercibida, pero estamos ante una de las grandes canciones del grupo sureño. Una canción de recuerdo y celebración coescrita por Ronnie Van Zant y Allen Collins, pero claramente expresada desde la perspectiva lírica de Ronnie Van Zant de un joven que se centra en la profunda influencia del mítico Curtis Loew que ejerce su conciencia musical. Sin embargo, dentro de ese marco, la canción puede escucharse simultáneamente como un comentario filosófico y social más amplio sobre el desprecio y la amnesia inherentes a una conciencia nacional blanca y sureña blanca, una mentalidad marcada por la negativa a reconocer y celebrar el entrelazamiento entre la negritud y la música sureña.

La canción cuenta la historia de un niño (“tal vez tenía diez años”) que busca botellas de refresco vacias para poder venderlas en una tienda del país y darle el dinero a un hombre negro llamado Curtis Loew, quien lo usa para comprar el vino. Curtis bebe mientras toca canciones de blues para el niño con su vieja guitarra Dobro. En el catálogo de la espesa y agitada música pantanosa de Lynyrd Skynyrd, “The Ballad of Curtis Loew” se distingue un poco por su sonido relajado, casi quejumbroso, inicialmente formado a través de los deslizantes y alargados licks de guitarra y los tonos relativamente suaves, pero aún ásperos de Ronnie Van Zant. Los sonidos de la balada reflejan a la perfección la historia que se cuenta, aumentando suavemente en intensidad a través de cuartetas medidas que puntúan los recuerdos del niño sobre Curtis, y finalmente aterrizan en uno de los pareados más intrigantes de la canción, que sugiere la indivisibilidad del blues y la vida de Curtis Loew: "Vivió toda su vida tocando blues del hombre negro / Y el día que perdió la vida, es todo lo que tenía que perder". El coro condensa claramente el núcleo narrativo de la canción: el profundo deseo del niño de escuchar y aprender de las manos y los pies de Curtis Loew, y su crítica a aquellos que llaman a Curtis Loew “inútil” y no logran ver la brillantez de su maestría musical. Escuchar esta balada, que se ubica en el punto medio de un álbum donde encontramos su canción más reconocible “Sweet Home Alabama”.

Según Gene Odom, viejo amigo del líder y biógrafo de la banda, la canción se inspiró en los recuerdos de Van Zant cuando aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia del dueño de una tienda de comestibles con talento musical llamado Claude Hamner. Odom, que ha escrito extensamente sobre los contextos de fondo que influyen en “Curtis Loew”, señala las formas en que la canción se extiende más allá de la simple conmemoración de las influencias musicales de Hamner y Medlocke para reflejar el deseo de Van Zant de crear una combinación para rendir homenaje a los "muchos artistas talentosos de blues [que] nunca habían tenido las oportunidades que él tuvo, simplemente porque eran negros". Van Zant tenía claro que tanto las raíces del blues como la del Southern Rock estaba anclado en la cultura sonora negra, y que su balada podría servir como reprimenda para aquellos que ignoran este hecho. Un accidente aéreo en octubre de 1977 cerca de Gillsburg, Mississippi, se cobraría la vida de Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y la vocalista Cassie Gaines, junto con el piloto y el copiloto, lo que obligó a los miembros supervivientes del grupo a tomar una pausa de una década, nunca sabremos el punto de vista de Van Zant sobre esta teoría, pero escuchar atentamente la balada y examinar sus implicaciones obvias y más efímeras proporciona algunas pistas que podrían ayudarnos.

1172.- The Needle and the Spoon - Lynyrd Skynyrd

 

The Needle and the Spoon, Lynyrd Skynyrd

     Second Helping es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense Lynyrd skynyrd. Fue grabado entre junio de 1973 y enero de 1974 entre los Studio One de Doraville, Georgia y los Record Plant Studios de Los Angeles, California, bajo la producción de Al Kooper y publicado eel 15 de abril de 1974 por el sello discográfico Sound of The South, subsidiario de MCA Records. Este disco consiguió situarse en el puesto número 12 en las listas de ventas estadounidenses Billboard, llegando a conseguir ese mismo año la certificación de Oro gracias a sus ventas.

Después del éxito de su disco debut, la fama y los seguidores de Lynyrd Skynyrd crecían rápidamente, ayudados en parte a la gira de acompañamiento como teloneros de la banda The Who que estaban realizando en Estados Unidos. Sin embargo, las sesiones de preparación de Second Helping fueron bastante difíciles, con constantes discusiones y trifulcas entre el grupo y el productor neoyorquino Al Kooper. El mismo Al Kooper reconocía al respecto que "Fue una pesadilla trabajar con ellos, pero supongo que a ellos les debió suceder lo mismo".

Incluido en este álbum se encuentra la canción The Needle and the Spoon, donde Ronni Van Zant advertía sobre los peligros de las drogas duras, de las que la banda era incapaz de tomar nota debido a su consumo. La canción fue escrita por el vocalista Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins y abordaba el tema de la adicción a las drogas y sus devastadoras consecuencias. El título de la canción hace referencia a la jeringa y la cuchara, herramientas comunes asociadas con el consumo de heroína, y a través de su letra Van Zant reflexiona sobre las trampas y los peligros del abuso de sustancias, así como las luchas personales y sociales que conlleva. Musicalmente la canción presenta el característico sonido de la banda, rock sureño fusionado con elementos de blues e incluso de hard rock. El solo el guitarrista Allen Collins y su uso del pedal wah-wah en esta canción fue incluido en el puesto número 19 por la revista Guitar world en su catálogo de los mejores solos de wah de todos los tiempos.

Red Hot Chili Peppers - Californication (Mes Red Hot Chili Peppers)

En 1999, Red Hot Chili Peppers lanzó su séptimo álbum de estudio, Californication, este se convertiría en el álbum de mayor éxito del grupo a nivel internacional, vendiendo más de 15 millones de copias en todo el mundo. Líricamente, este disco ofrece una mirada crítica a muchos aspectos del estado natal del grupo, California, aunque musicalmente, presentaba menos melodías basadas en rap y, en cambio, se centraba más en las líneas de bajo y los riffs de guitarra melódicos y texturizados de John Frusciante, quien regresó al grupo después de una pausa de varios años. Frusciante se sintió incómodo con el nivel de fama que resultó después del éxito de taquilla del grupo, Blood Sugar Sex Magik, ganador del Grammy en 1991, y abandonó abruptamente Red Hot Chili Peppers durante una gira por Japón en mayo de 1992. Los guitarristas Arik Marshall y Jesse Tobias fueron contratados como temporales reemplazos antes de que Dave Navarro, formalmente de Jane's Addiction, se convirtiera en el guitarrista permanente del grupo a mediados de los noventa, incluido el álbum de 1995 One Hot Minute. A principios de 1998, Navarro dejó la banda por diferencias creativas, casi al mismo tiempo, Frusciante comenzó a recuperarse de una grave adicción a la heroína, debido en parte al apoyo del bajista Flea y finalmente fue invitado a regresar a la banda. El material para Californication fue escrito en el verano de 1998, con Frusciante y el vocalista Anthony Kiedis a la cabeza en la formulación de riffs de guitarra y contenido lírico, respectivamente. A continuación, los aspectos rítmicos del disco fueron elaborados por Flea y el baterista Chad Smith antes de que el grupo entrara al estudio y grabara con el productor Rick Rubin durante el invierno de 1998-99. Aunque Rubin había producido los dos álbumes de estudio anteriores del grupo, no fue su primera opción, ya que primero habían buscado sin éxito a David Bowie como productor.

El tema de apertura, “Around the World”, comienza con un frenesí de bajo salvaje y distorsionado de Flea antes de convertirse en un rap funk para los versos, alternando con un coro melódico, la forma en que los versos de bajo contrastan con el coro es asombrosa después de 13 años. “Parallel Universe” fue lanzado como single y su estructura está construida por un arpegio de bajo rápido y una melodía vocal lenta, lo que hace que todo suene un poco hueco sin graves reales ni guitarra hasta más tarde en un crescendo final salvaje de Frusciante. El solo final es magistral, sí, y muy influenciado por Hendrix, pero el hecho de que hayan subido tanto el volumen me distrae y, en última instancia, hace que el solo no tenga sentido. Dicho esto, algunas de las pistas más suaves del álbum son mis favoritas debido a este defecto que se repite en muchas canciones. El funk/rap/pop melódico de “Scar Tissue” es resaltada por interludios de guitarra de surf lento, fue el sencillo principal del álbum, y estuvo dieciséis semanas consecutivas en la cima de la lista Modern Rock Tracks, mientras alcanzaba su punto máximo en el Top 10 de la lista pop estadounidense, mostró a RHCP tomando una nueva dirección en la composición de canciones y centrándose por completo más en la melodía que en el ritmo. “Otherside” es el rock/pop más sencillo hasta ahora del álbum, aunque rinde un gran homenaje al rock grunge de principios de los noventa con guitarras entrecortadas y penetrantes, un riff de bajo característico y un ritmo constante de batería de Smith, esta canción sobre las batallas que enfrentan los adictos fue otro éxito menor para el grupo. Luego viene el rap funk descarado de “Get on Top”, que bien puede ser divertido en vivo pero que está un poco fuera de lugar en esta posición del álbum, Frusciante utiliza hábilmente dos acordes para acompañar la gran voz de Kiedis en los versos.

Llegamos a la canción que dio título al álbum “Californication” una canción sobre el deterioro de la sociedad, que refleja cómo el mundo se está volviendo muy superficial y plástico, muy parecido a California. Los Red Hot Chili Peppers se formaron en Hollywood y están bastante familiarizados con la peculiar naturaleza de la vida en Los Ángeles, incluye algunas referencias a la cultura pop: Kurt Cobain, el álbum Station To Station de David Bowie y Alderaan o la princesa Leia de Star Wars. “Easily” sigue como una buena y sólida canción de rock con excelentes guitarras en capas, mientras que “Porcelain” es una balada psicodélica increíblemente lenta de finales de los sesenta, una canción sobre una madre soltera alcohólica que Anthony conoció en un YMCA. Es sin duda su mejor interpretación vocal del álbum y Flea demuestra que no siempre intenta exprimir todas las notas posibles en un compás. La batería de Chad se usa con moderación en la pista, pero cuando lo hacen, conduce a los hermosos interludios de guitarra de John que hacen que la pista sea tan grandiosa. El tema cargado de retroalimentación “Emit Remmus” (“hora de verano” escrito al revés) chirría a lo largo de la introducción y los versos sobre un simple ritmo de bajo y batería, esta categorizado como uno de los peores temas del álbum por los fans. La última parte del álbum se adentra en un territorio musical más diverso, “I Like Dirt” pasa del funk rudimentario a un ritmo rápido y tampoco es una canción muy lograda, “This Velvet Glove” que es otro tema genial penalizado por una mala mezcla, el funk sigue vivo y lo han infundido con el rock melódico, y “Savior” con ritmos fuertes y penetrantes, un intento de hacer una canción alternativa y deslumbrante, usando mucha distorsión y dinámicas variables, es un gran intento y la dinámica suave todavía me deja sin aliento, pero 5 minutos fueron demasiado largos y la canción finalmente se vuelve repetitiva. “Purple Stain” es un funk/rap con muchas palabras y cánticos, con una sección de improvisación posterior que es algo competente, quedó como la canción más divertida, John regresando a su antigua técnica de guitarra que era tan funky y misteriosa, con Flea y Chad dirigiendo la canción y demostrando continuamente que no pueden ser superados como sección rítmica. Anthony ofrece una increíble interpretación vocal en la canción antes de que el resto de la banda la retome con una sesión improvisada de 90 segundos. “Right on Time” alterna extrañamente un estilo punk funks con un poco de disco, es una canción muy interesante que no supieron aprovechar ya que termina abruptamente justo cuando crees que está a punto de mejorar y eso me enfada. Y finalizamos con “Road Trippin'”, un folk acústico con ricas armonías y cuerdas sobregrabadas, que aborda por última vez el lado oscuro y sórdido de Hollywood y su cultura, es el segundo intento de los Peppers de hacer una balada en el disco, y queda bastante repetitiva y estúpida. Chad está completamente ausente, y aunque apenas hizo nada en Porcelain, cuando hizo algo añadió una dimensión completamente nueva a la canción. Las letras son trilladas y aburridas y han sido escritas innumerables veces antes, la progresión de la guitarra nunca cambia y, en total, son solo 3 1/2 minutos de aburrimiento.

 Si bien hay varias canciones que tienen problemas que le impiden ser el clásico absoluto que podría haber sido, Californication sigue siendo el esfuerzo más fuerte de la banda. Al centrarse más en su lado de rock alternativo y pop, la banda puede haber perdido algo de credibilidad entre los fanáticos del funk rock, pero desde que Frusciante se unió a la banda, esta es el área en la que se han destacado, y es genial verlos entregarse a este estilo. En el momento de su lanzamiento, era fácil cansarse de algunas de estas canciones, y eso hace que sea fácil descartar Californication como una tontería pop. Esa fue mi perspectiva durante más de 20 años, pero ahora que la reproducción en la radio finalmente se ha calmado, es más fácil apreciar cuán geniales son realmente algunas de estas canciones y cuánto la banda había perfeccionado su estilo. Como banda de funk rock, en general habían sido un poco mediocres con algunos destellos de brillantez. Como banda nostálgica de rock alternativo, no eran necesariamente originales ni únicos, pero eran geniales.

1171.- Sweet Home Alabama - Lynyrd Skynyrd

"Sweet Home Alabama" ("Alabama, dulce hogar") es la canción más famosa de la banda de rock sureño estadounidense Lynyrd Skynyrd. Vio la luz en 1974 en "Second Helping", el que fuera segundo álbum del grupo. En un primer momento, la gran polémica en la que se vio envuelta la canción fue lo que hizo que se disparara su popularidad y sus ventas, alcanzando el octavo puesto en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en su single de mayor éxito, pero a día de hoy brilla por si misma sin mayores polémicas y es todo un himno del rock de los setenta, reconocible desde el primer minuto por su efectivo riff de guitarra y su pegadizo estribillo.

La polémica vino porque se interpretó como apología del racismo la respuesta que dieron a las canciones "Southern Man" y "Alabama" de Neil Young, que criticaban la esclavitud en el Sur de Estados Unidos. Para ellos, aquellas canciones culpaban de la esclavitud a todo el mundo solo por ser nacidos en el Sur. En palabras del vocalista Ronnie Van Zandt: "Neil disparaba a todos los patos cuando la culpa era solo de unos pocos", y en la letra de la canción lanzan a Young el siguiente dardo: "He escuchado a Mr. Young cantar sobre ella (Alabama), he escuchado al viejo Neil criticarla, espero que Neil Young recuerde que un hombre del Sur no le necesita cerca de ninguna manera". Young zanjó la polémica en su autobiografía "Waging Heavy Peace" (2012), al decir que su canción "Alabama" se merecía el palo de Lynyrd Skynyrd: "No me gustan mis palabras al escucharlas. Son acusatorias y condescendientes, no bien pensadas y demasiado fáciles de malinterpretar".

Curiosamente, ninguno de los tres compositores de la canción eran originarios de Alabama. Ronnie Van Zant y Gary Rossington eran de Florida, y Ed King de California. Todo empezó con un riff de guitarra de Ed King, a partir del cual fueron escribiendo las letras y el resto de la música. Y aquí, de nuevo, no escaparon a otra polémica diferente, porque la línea vocal principal parece inspirada en el "You're Looking Fine" (1966) de los británicos The Kinks, y el famosos riff es un plagio de la canción de 1971 "Let My Song Through", del grupo norirlandés Them. En cualquier caso, lo innegable es que en la combinación de esos elementos propios o ajenos construyeron una canción tan impactante y popular que ha sido versionada por bandas y artistas tan diversos como Siniestro Total ("Miña terra galega") o Charly García y Javier Calamaro ("Sweet Home Buenos Aires") y desde 2009 el "Sweet Home Alabama" del título es el lema oficial en las matrículas de los vehículos de motor en ese estado.

1170.- Romance de Curro el Palmo - Joan Manuel Serrat

De todas las canciones de Serrat el «Romance de Curro el Palmo» es tal vez una de las más cautivadoras y tiernas. La historia que cuenta, digna de un poema de Lorca, a través de unos hexasílabos impecables, no es más que la desgracia de un hombre vulgar, alguien que se enamoró de la persona equivocada, y que ese mismo amor llevó a la tumba. El ambiente que consigue crear Serrat en la primera parte de la canción, nocturno, de fiestas y bailes, se contrapone al dolor del protagonista. La belleza de las estrofas finales no puede dejar de sorprender, porque Curro, como ya expresaría Quevedo, sigue amando más allá de la muerte, como polvo enamorado, y sigue sufriendo. Pero la historia no pasaría de ser una hermosa canción si no fuera por ese estribillo que nos hace temblar de emoción.

En 1974 se editaba esta magnífica copla en un disco titulado “Canción infantil”, su epopeya literaria no resulta excesiva cuando se entiende necesaria para el desarrollo del argumento, la pieza se inicia con una introducción-marcha que nos recuerda a los grandes clásicos, cuenta la historia entre Merceditas y un personaje popular llamado El Palmo (por ser palmero de los tablaos flamencos). Curro El Palmo sufre de amor por Merceditas y deja clara evidencia de ello en algunos versos que dicen: “Ay mi amor / que me desvela la verdad / entre tú y yo la soledad / y un manojillo de escarcha”. Curro acaba intentando olvidarla dándose a la bebida, pero el final es trágico. El Palmo muere tras saber que Merceditas se va con otro y Serrat nos lo cuenta: “Quizá fue la pena / o falta de hierro / el caso es que un día / nos tocó ir de entierro”.

Además Serrat revela un paisanaje muy concreto: una galería de personas que casi pueden verse a lo largo de los más de siete minutos de duración de la canción, todos del mundo del flamenco, una muestra de giros, expresiones e incluso gramática propios del andaluz. Por ejemplo, que el tablao de la canción sea propiedad de un tipo apodado "El Lacio" llama la atención: un hombre lacio, en andaluz, es un tipo soso, sin gracia de poco espíritu. "Alcahuete", palabra andaluza de origen árabe, sí, "alcahuete noble". ¿Se puede ser alcahuete y noble a la vez? luego está la bella sentencia con la que "Merceditas" despacha al Palmo: "Carita gitana, ¿cómo hacer buen vino de una cepa enana?". ¿Se puede tener más arte?. Serrat se recrea en estos dos personajes. Por un lado, la mujer del guardarropa, una belleza española, la imaginamos, de mediado el siglo XX, descarada y muy suya. Por otro, ese pobre cantaor, palmero de los grandes, de segunda fila y que "no hizo la mili por no dar la talla", pobre Curro. Se nos presenta el arquetipo de señorito andaluz, un médico que no es buen médico, y que su fortuna la ha conseguido gracias al contrabando, con esa imagen del Rolls Royce tan añeja. A la par, el Palmo va palmando, va muriéndose, y lo hace al son de soleares, el palo trianero del flamenco sobre el que Serrat había levantado una de sus primeras canciones y que tanto gustaba a los hermanos Machado. La pena negra andaluza, tan bien retratada por Lorca, tiene aquí su culmen: un entierro, con falsas lágrimas, con su "cajita", sus pésames y sus flores. Para culminar con una expresión también muy andaluza: se va todo de frente y luego te metes a mano derecha, suele decirse para dar una indicación a alguien. Allí, donde nos dice Serrat, sigue el Palmo, ya muerto, con un mito como Frascuelo, haciendo lo que probablemente sólo hacía bien en vida: dando palmas entre cantares por celestiales. Por cierto, se dice, se comenta que, aunque Curro El Palmo es un personaje inventado, Serrat se inspiró en el Nano de Jerez para llevarlo a la canción. 

No querría despedirme sin hacer referencia a la enorme versión que hizo Antonio Vega, tengo debilidad por él y las dos versiones rallan a una altura sublime. 

Disco de la semana 369: Payin' the Dues - The Hellcopters

 

Payin' th Dues, The Hellacopters

     Payin' the Dues es el segundo álbum de estudio de la banda sueca The Hellacopters, y el último que presenta a su guitarrista fundador Dregen antes de su salida de la banda para centrarse a tiempo completo en su otra banda, Backyard Babies. Fue grabado en febrero de 1997 en los Sunlight Studios de Esctocolmo, Suecia, bajo la producción del propio grupo, de Andrew Shit y de Tomas Skogsberg, y publicado el 1 de octubre de 1997 por el sello discográfico White Jazz Records. Fue lanzado simultáneamente tanto en CD como en vinilo, sin embargo la canción City Slang únicamente estaba disponible en la edición de vinilo. Las ediciones iniciales fueron de 2000 unidades de humo transparente y 2500 unidades de vinilo violeta. Posteriormente estuvieron disponibles dos ediciones adicionales en dos versiones diferentes de vinilo negro.

El disco obtuvo críticas positivas por parte de la prensa especializada, y la banda realizó un gira por Escandinavia para promocionar el álbum, que les llevó por Suecia, Dinamarca y Noruega. Payin' the Dues fue relanzado en Estados Unidos en octubre de 1999 con un disco adicional de pistas extras en vivo, la cuales fueron grabadas en The Starfish Room en Vancouver el 28 de mayo de 1999 y contaron con Scott Morgan como invitado especial. 

La banda había comenzado en sus inicios con un sonido que se movía entre un punk y un speed metal muy agresivos. Disco a disco y con el tiempo The Hellacopters fueron evolucionando hacia un rock and roll menos cacofónico, más clásico y más elegante, y Payin' the Dues marcó el inicio de esa transición, con un sonido y un estilo entre punk y el metal, y todo ello con una gran solvencia musical. De hecho estamos ante un álbum que apenas llega a los 30 minutos de duración, y no nos vamos a aburrir en absoluto con la descarga que nos espera. Todas las canciones están acreditadas a la banda, y vamos a poder disfrutar de temazos como You Are Nothin, Hey!, Where the Adcition o Soulseller.

Desde el primer acorde, el álbum desata una tormenta de riffs abrasadores, ritmos contundentes y melodías contagiosas que llevan a los oyentes en un viaje nostálgico a la época dorada del género. Desde el principio del álbum y hasta el final, la banda realiza toda una declaración de intenciones, con su energía implacable y su actitud desafiante. La voz ronca y poderosa del vocalista Nicke Andersson se eleva sobre la cacofonía de guitarras distorsionadas y la sección rítmica implacable, creando una sensación de urgencia palpable que se mantiene durante todo el álbum.

A lo largo de Payin' the Dues, el grupo demuestra su habilidad para fusionar influencias clásicas con un enfoque moderno y fresco. A lo largo de todo el disco canalizan la ferocidad del garage rock de los años 60, siendo capaces de añadir en otros momentos un toque de psicodelia y experimentación sónica. Otra de las cosas que hace que Payin' the Dues sea verdaderamente notable es su sinceridad y autenticidad, en un momento en que el rock comercial estaba dominado por sonidos pulidos y producciones excesivamente elaboradas, The Hellacopters optaron por abrazar la crudeza y la imperfección. Este enfoque se refleja en la producción del álbum, que captura la energía cruda y la intensidad visceral de la banda en su forma más pura.

A pesar de su lanzamiento hace más de dos décadas, su influencia se extiende mucho más allá de su país de origen, sirviendo como inspiración para una nueva generación de músicos que buscan mantener viva la llama del rock and roll. Payin' the Dues es un recordatorio de que, incluso en un mundo en constante cambio, nos queda el poder del rock and roll para emocionar, inspirar y liberar. Y una última reflexión, ante este gran trabajo uno tiene que preguntarse que hubiera pasado si esta banda en vez de sueca fuera estadounidense.

1169.- Señora azul - Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán o CRAG fue un grupo de música de los años 70 de la vertiente del pop, rock, el grupo nació en 1974 con la disolución del grupo Solera, donde se encontraba Rodrigo García y José María Guzmán, Juan Robles Cánovas había estado tocando la batería con Franklin y Adolfo Rodríguez había sido cantante de Los Íberos. Con un nombre así es difícil ocultar las influencias de Crosby, Stills, Nash & Young, al igual que ellos tenían categoría y cualidades como músicos y como cantantes, y al igual que ellos, sus personalidades chocaron provocando la disolución del supergrupo a la española. Sus primeros singles ('Sólo pienso en ti', 'Señora azul') fueron destacables y prometedores, así lo reconoció la crítica, aunque no el público. Y lo mismo sucedió con sus elepés: 'Señora azul' (1974) y 'Queridos Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán'. Sus canciones eran más elaboradas e intimistas de lo habitual en la época, y seguramente la promoción no fue la adecuada y su actitud con el público demasiado estelar.

"Señora Azul" es una pieza emblemática que forma parte del álbum homónimo lanzado en 1974, compuesto por Juan Carlos Calderón y arreglado por el propio grupo, destaca por su poesía lírica y su melodía cautivadora y presenta una narrativa enigmática que evoca imágenes sugerentes y emotivas. La letra describe a una figura femenina misteriosa, la "señora azul", que encarna la nostalgia y la melancolía, a través de metáforas poéticas y una prosa cuidadosamente elaborada, la canción invita al oyente a sumergirse en un mundo de sueños y deseos insatisfechos. La ambigüedad del texto permite interpretaciones diversas, desde la representación de un amor perdido hasta la personificación de un estado de ánimo introspectivo. José María Guzmán comentó lo siguiente en una entrevista:

“En 1974 dijeron que si era un tema contra la censura. Pues no, la letra habla de los críticos musicales, esas personas que ven los toros desde la barrera y que hacen todo lo posible por joderte la vida. Esos con un ego sin medida”. Y periodistas mal informados llegaron a decir que “apuntaba a un falangista, pero cuya bilis parece que se derramaba sobre algún ejecutivo discográfico”.

Musicalmente se distingue por su elegante armonía y su refinada instrumentación, la melodía con sus acordes suaves y su ritmo envolvente, crea una atmósfera de serenidad y contemplación, los arreglos vocales de CRAG añaden una capa de profundidad emocional a la interpretación. En el contexto de la música española de los años 70, "Señora Azul" representa una síntesis única de influencias internacionales y tradiciones locales. CRAG, junto con otros grupos de la época, contribuyó a la revitalización del pop español, incorporando elementos de rock, folk y música clásica en su obra. Este tema ha dejado una marca perdurable en la historia de la música española, siendo reconocida como una de las canciones más emblemáticas del repertorio nacional, su influencia se ha extendido más allá de España, llegando a audiencias internacionales y la canción ha sido versionada por Alejo Stivel.

1168 - Invisible - Jugo de Lucuma

1169 - Invisible - Jugo de Lucuma

Invisible, la icónica banda argentina de rock progresivo, liderada por el genial Luis Alberto Spinetta, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latinoamericana. Su segundo álbum homónimo, lanzado en 1974, es una obra maestra que encapsula la audacia y la innovación que caracterizan a Invisible, y su pista destacada, "Jugo de Lucuma", es una joya sonora que sigue resonando con fuerza en la actualidad.

"Jugo de Lucuma" se inicia con una introducción enigmática, donde la guitarra de Spinetta establece una atmósfera melancólica que sirve como puerta de entrada a un viaje musical único. La habilidad del líder para fusionar distintos estilos, desde el rock progresivo hasta la música folklórica argentina, se evidencia en cada acorde y cada cambio de ritmo. La complejidad instrumental, acompañada por la voz distintiva de Spinetta, crea un paisaje sonoro rico y dinámico.

La canción se desarrolla como una narrativa surrealista, donde las letras poéticas desafían las convenciones y permiten diversas interpretaciones. La metáfora de "Jugo de Lucuma" se convierte en un hilo conductor que atraviesa la composición, añadiendo capas de significado a la experiencia auditiva. La lucuma, una fruta tropical, se convierte en un símbolo cargado de misterio y sensorialidad, dejando a los oyentes inmersos en un universo lírico intrigante.

La progresión dinámica de la canción es uno de sus elementos más notables. Desde momentos reflexivos y etéreos hasta explosiones de energía frenética, "Jugo de Lucuma" mantiene a los oyentes cautivados en un viaje emocional. Los solos de guitarra eclécticos y los cambios de tempo inesperados revelan la maestría técnica de los músicos de Invisible, elevando la pieza a un nivel de virtuosismo musical.

La influencia de Invisible va más allá de la composición convencional, desafiando los límites del rock progresivo. La fusión de elementos de jazz y folclore argentino dentro de la estructura de la canción demuestra la versatilidad y la originalidad del grupo. "Jugo de Lucuma" se convierte así en un testimonio perdurable de la creatividad vanguardista que define la obra de Invisible.

"Jugo de Lucuma" es una obra maestra que encapsula la esencia innovadora de Invisible. La combinación de letras poéticas, paisajes sonoros cambiantes y la maestría musical de la banda establece esta canción como un hito en la evolución del rock progresivo latinoamericano. La obra de Invisible, y especialmente "Jugo de Lucuma", sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para los amantes de la música que buscan experiencias sonoras que desafíen y enriquezcan sus sentidos.

Daniel 

Instagram storyboy 

Red Hot Chili Peppers - One Hot Minute (Mes Red Hot Chili Peppers)

La banda del mes: Red Hot Chili Peppers y su álbum One Hot Minute #mesRedHotChiliPeppers

"One Hot Minute" es el sexto álbum de estudio de la icónica banda de rock alternativo Red Hot Chili Peppers, lanzado en 1995. Este álbum marcó un momento significativo en la carrera de la banda, ya que presentó al guitarrista Dave Navarro, quien se unió temporalmente al grupo durante ese período. La producción estuvo a cargo del renombrado productor musical Rick Rubin, conocido por su colaboración a lo largo del tiempo con los Chili Peppers.

Antes de profundizar en el álbum en sí, es esencial contextualizar el momento en que se lanzó "One Hot Minute". La banda venía de un gran éxito con su álbum anterior, "Blood Sugar Sex Magik" (1991), que consolidó su estatus en la escena musical. Sin embargo, a pesar del éxito, la banda experimentó cambios internos. El guitarrista John Frusciante dejó la banda debido a tensiones internas y problemas personales, lo que llevó a la llegada de Dave Navarro como su reemplazo.

"One Hot Minute" lleva la firma musical distintiva de Red Hot Chili Peppers, fusionando elementos de rock, funk y punk con letras que a menudo exploran temas como el amor, la lucha y la adicción. Este álbum, sin embargo, muestra una evolución en el sonido de la banda debido a la influencia de Navarro. La guitarra de Navarro aporta una dimensión adicional, introduciendo un tono más oscuro y experimental a la mezcla, lo que se refleja en canciones como "Warped" y "My Friends".

"Warped" Esta canción sirve como la pista de apertura del álbum y establece inmediatamente un tono enérgico y experimental. La guitarra de Navarro destaca aquí, mostrando una nueva dirección musical para la banda.

"My Friends"Una de las pistas más conocidas del álbum, "My Friends" presenta una melodía más melancólica y reflexiva. La letra, escrita por el vocalista Anthony Kiedis, aborda temas de pérdida y amistad.

"Aeroplane" Esta canción es conocida por su ritmo animado y su estribillo pegajoso. Explora la idea de mantenerse en movimiento y enfrentar los desafíos de la vida con una actitud positiva.

La recepción crítica de "One Hot Minute" fue mixta. Algunos elogiaron la experimentación y la evolución en el sonido de la banda, mientras que otros extrañaron la presencia distintiva de Frusciante. La naturaleza ecléctica del álbum lo hizo un tanto polarizador entre los fanáticos y los críticos. 

A pesar de las opiniones divididas en el momento de su lanzamiento, "One Hot Minute" ha ganado con el tiempo un estatus de culto entre los seguidores de Red Hot Chili Peppers. Las canciones del álbum todavía se interpretan en vivo en conciertos de la banda, y muchas han perdurado en la memoria de los fanáticos como parte integral de la discografía de los Chili Peppers.

"One Hot Minute" representa un capítulo único en la rica historia de Red Hot Chili Peppers. La llegada de Dave Navarro aportó una nueva dinámica al sonido de la banda, explorando territorios musicales menos convencionales. Aunque puede no haber alcanzado el mismo nivel de éxito comercial que algunos de sus álbumes anteriores, "One Hot Minute" sigue siendo una pieza fascinante en la evolución artística de los Red Hot Chili Peppers.

Daniel 

Instagram storyboy 

1167.- Don't Eat the Yellow Snow - Frank Zappa

 

Don't Eat the Yellow Snow, Frank Zappa

     Apostrophe es el sexto álbum en solitario y el decimoctavo en total del polifacético músico Frank Zappa. El material del disco fue grabado entre 1969 y 1974 entre los Electric Lady Studios de Nueva York, Bolic Sound de Inglewood, California y los Paramount Recording Studios de Hollywood, California. Fue producido por el mismo Frank Zappa y publicado el 22 de marzo de 1974 por el sello discográfico DiscReet Records. Apostrophe fue grabado tanto en formato estéreo como cuadrafónico. Este trabajo llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el mayor éxito comercial de la carrera de Zappa. Como pasó en muchos álbumes de Zappa, Apostrophe fue una mezcla de grabciones recientes con otras de archivo; La cara A de Apostrophe y el álbum Over-Nite Sensation se grabaron simultáneamente. Las canciones de la cara B proceden de varias versiones de 1972 con sobregrabaciones grabadas en 1973 y 1974, excepto Excentrifugal Forz, donde la pista de batería provino originalmente de las sesions de Hot Rats (1969), y Stinkfoot, donde la pista original de donde surgió, The Bass & Drum Song, data de las sesiones de Chunga's Revenge (1970).

Incluido en este disco se encuentra la canción que abre el mismo, Don't Eat the Yellow Snow, que llegó a ocupar el puesto 86 en las lista estadounidense Billboard Top 100. En esta canción Zappa nos relata una historia sobre el sueño de ser un bebe esquimal. Esta canción es el comienzo de una historia que continúa con las canciones que siguen, Nanook Rubs It y St. Alphonzo's Pancake Breakfast. Las tres canciones se combinan para contarnos la historia completa del anhelo de Zappa. Zappa se llama a sí mismo Nanook, nombre que proviene de una leyenda del pueblo Inuit. La leyenda es todo un homenaje a la supervivencia humana y en concreto al pueblo Inuit, reflejado en el personaje de Nanook, un simple esquimal que luchaba por sobrevivir y ganarse la vida. Zappa menciona en la historia haber tomado represalias contra un cazador de pieles en venganza por el abuso que éste había hecho contra una cría de foca. Las crías de foca fueron la causa de movimientos de celebridades a mediados de la década de 1970, junto con la difícil situación de las ballenas y la matanza de animales en general por su cotizada piel, lo que convierte esta la canción en otra brillante sátira social de Zappa.

1166 - ABBA - Waterloo

1167 - ABBA - Waterloo

"Waterloo" de ABBA es un clásico atemporal que marcó un punto de inflexión crucial en la carrera del grupo sueco. Lanzada en 1974, la canción se convirtió en la ganadora del Festival de la Canción de Eurovisión, catapultando a ABBA a la fama internacional.

La composición de "Waterloo" refleja la brillantez musical de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, los genios detrás de las pegajosas melodías de ABBA. Con una introducción de piano distintiva y acordes vibrantes, la canción cautiva desde los primeros segundos. La elección de mezclar elementos de pop, rock y música disco demostró ser revolucionaria en esa época, contribuyendo a la singularidad y la apelación duradera de la pista.

La letra de "Waterloo" narra la historia de una rendición total al amor, utilizando la famosa batalla de Waterloo como metáfora. Las referencias históricas fusionadas con el romanticismo añaden profundidad a la canción, creando una experiencia lírica única. La voz inconfundible de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad, combinada con la armonía vocal característica de ABBA, eleva aún más la calidad de la interpretación.

El aspecto eurovisivo de "Waterloo" no puede pasarse por alto. La canción fue elegida para representar a Suecia en el Festival de Eurovisión de 1974, donde obtuvo una victoria abrumadora. Este triunfo no solo consolidó la reputación de ABBA en la escena musical europea, sino que también allanó el camino para su éxito mundial posterior.

El impacto de "Waterloo" en la cultura popular es innegable. Su estribillo pegajoso y su energía contagiosa la convirtieron en un himno que trasciende generaciones. Además, la victoria en Eurovisión consolidó la posición de ABBA como un fenómeno global, abriendo puertas a una carrera que abarcaría décadas.

El legado de "Waterloo" se mantiene vivo no solo en la música, sino también en el cine y la televisión. La canción ha sido utilizada en innumerables películas, programas y comerciales, demostrando su capacidad para evocar emociones y crear atmósferas memorables.

La producción innovadora de "Waterloo" también merece reconocimiento. La mezcla de instrumentos, la estructura de la canción y la producción en general destacan la habilidad de ABBA para crear algo fresco y distintivo en un panorama musical saturado.

En resumen, "Waterloo" de ABBA no es simplemente una canción de Eurovisión; es un fenómeno cultural que encapsula la magia de la música pop. Su combinación única de elementos musicales, letras ingeniosas y un rendimiento estelar en Eurovisión han dejado una huella imborrable en la historia de la música, asegurando su lugar como un clásico eterno.

Daniel 

Instagram storyboy 

1165 - Chicago - (I've Been) Searchin' So Long

1165 - Chicago - (I've Been) Searchin' So Long

La banda Chicago ha dejado una huella imborrable en la historia de la música, fusionando con maestría el jazz y el rock en una amalgama única. Desde sus inicios en la década de 1960, Chicago ha demostrado una versatilidad excepcional, explorando diferentes estilos musicales mientras mantenía una identidad distintiva.

(I've Been) Searchin' So Long es una joya que ilustra a la perfección la riqueza musical de Chicago. Lanzada en 1974 como parte del álbum "Chicago VII", la canción se destaca por su complejidad instrumental y la cautivadora voz de Robert Lamm, líder de la banda.

La introducción de la canción nos sumerge de inmediato en una atmósfera melódica, donde las líneas de trompeta y saxofón se entrelazan con la suavidad de las cuerdas. La habilidad de Chicago para combinar elementos de jazz, pop y rock es evidente desde los primeros compases de esta composición. El saxofón de Walt Parazaider y la trompeta de Lee Loughnane aportan capas sonoras que enriquecen la experiencia auditiva.

La voz apasionada de Lamm entra en juego, llevando consigo la narrativa emotiva de la canción. La lírica habla de la búsqueda constante de amor y significado, tocando temas universales que resuenan con la audiencia. La estructura de la canción, con sus cambios dinámicos, refleja la complejidad de las emociones humanas, creando un viaje musical que va más allá de la superficie.

El momento culminante de (I've Been) Searchin' So Long se encuentra en el brillante solo de guitarra de Terry Kath. Su destreza técnica y la intensidad emocional que transmite elevan la canción a nuevas alturas. Kath demuestra por qué es considerado uno de los guitarristas más subestimados de su generación, aportando una energía que resuena a lo largo de la pista.

La sección de viento, característica distintiva de Chicago, juega un papel fundamental en la creación de la rica paleta sonora de la canción. La interacción entre los instrumentos de viento y la sección rítmica establece un equilibrio perfecto, creando un sonido que es al mismo tiempo expansivo y cohesionado.

(I've Been) Searchin' So Long es un testimonio de la capacidad de Chicago para fusionar géneros de manera innovadora, sin perder la accesibilidad melódica. La producción impecable y la habilidad técnica de cada miembro de la banda se manifiestan en esta pista, que sigue siendo un hito en su extenso catálogo.

En conclusión, la canción y la banda encapsulan la esencia del jazz-rock fusion, mostrando una maestría musical que trasciende las etiquetas. Chicago ha dejado una marca indeleble en la industria musical, y (I've Been) Searchin' So Long es un ejemplo perdurable de su genialidad creativa.

Daniel 

Instagram storyboy