0995 - Genesis - Watcher of the Skies

0995 - Genesis - Watcher of the Skies

"Watcher of the Skies": Un Viaje Épico a Través del Tiempo y el Espacio

La icónica banda británica Genesis ha dejado una huella indeleble en la historia del rock progresivo, y su canción "Watcher of the Skies" es un ejemplo magistral de su genio musical y lírico. Lanzada en 1972 como la pista de apertura de su álbum "Foxtrot", la canción cautiva a los oyentes desde los primeros acordes con su atmósfera enigmática y su narrativa única.

Con una duración de casi diez minutos, "Watcher of the Skies" es una odisea sonora que transporta a los oyentes a un viaje a través del tiempo y el espacio. La pieza comienza con una introducción etérea de sintetizador, cortesía de Tony Banks, que crea una sensación de misterio y anticipación. Luego, las percusiones de Phil Collins se unen gradualmente, estableciendo un ritmo constante pero inquietante que impulsa la canción hacia adelante.

La voz inconfundible de Peter Gabriel entra en escena, y con sus letras poéticas, lleva a los oyentes a un mundo de fantasía y ciencia ficción. La canción se basa en una narrativa que describe la llegada de una entidad cósmica antigua, "el observador de los cielos", que regresa a la Tierra después de siglos de ausencia. Las letras evocan imágenes de una civilización olvidada y un futuro incierto, fusionando el pasado, el presente y el futuro en un tapiz lírico intrincado.

La composición musical de "Watcher of the Skies" refleja la ambición creativa de Genesis. Los cambios de ritmo y dinámicas crean una sensación de tensión que se acumula a lo largo de la canción. El interplay entre las partes de teclado de Tony Banks y las guitarras de Mike Rutherford y Steve Hackett añade profundidad y textura a la pieza, mientras que la sección instrumental central lleva a los oyentes a un frenesí emocional con su explosión de energía musical.

Uno de los aspectos más memorables de "Watcher of the Skies" es su capacidad para evocar imágenes vívidas en la mente del oyente. La música y las letras se combinan para crear una experiencia auditiva que trasciende las barreras del tiempo y la realidad. A medida que la canción llega a su clímax, los elementos musicales convergen en un clímax épico, capturando la atención y la imaginación de quienes la escuchan.

En conclusión, "Watcher of the Skies" es un testimonio del ingenio artístico y la visión innovadora de Genesis. La canción no solo es una pieza de música progresiva, sino también una aventura sonora que transporta a los oyentes a un mundo de maravilla y asombro. A lo largo de sus casi diez minutos de duración, la canción teje una narrativa intrincada y emocionalmente resonante que sigue siendo tan cautivadora hoy como lo fue en su lanzamiento.

Daniel 

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0994.- Rocky Mountain High - John Denver

 

Rocky Mountain High, John Denver

     Rocky Mounain High es el sexto álbum de estudio del cantautor estadounidense John Denver. Grabado en los RCA Studios de Nueva York bajo la producción de Milton Okun, fue publicado el 15 de septiembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Este fue el primer disco del cantante en colarse en el Top 10 de ventas en Estados Unidos. La fotografía del álbum fue tomada en Slaughterhouse Falls, Rio Grande, Aspen, Colorado.

Incluido en este disco se encuentra la canción que da nombre al mismo, Rocky Mountain High, una canción de folk rock escrita por John Denver. Este tema se convirtió en una de las dos canciones oficiales del estado Colorado. La canción llegó a alcanzar el puesto número 9 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos en 1973. 

Para escribir la canción, John Denver se inspiró en su traslado a la localidad de Aspen, en Colorado tres años antes de escribirlo. El cantautor se había enamorado del estado, de hecho esto queda patente en una de las estrofas, donde hace referencia a la destrucción de la belleza de las montañas debido al turismo comercial que había en la zona. La canción fue considerada como una pieza importante de la cultura pop de la década de los años 70, llegando a convertirse en una pieza tan importante, que se convirtió en un himno oficial del estado de Colorado. 

La canción no estuvo exenta de polémica, pues un fallo legal permitió a la Comisión Federal de Comunicaciones de Estados Unidos censurar la canción, ya que consideraban que promovía el abuso de las drogas. Muchas emisoras de radio se abstuvieron de pincharla  hasta que John Denver salió y explicó públicamente que la "euforia" era su descripción inocente de la sensación de paz que encontró en las Montañas Rocosas. En 1985 John Denver tuvo que testificar en 1985 ante el congreso en las audiencias del polémico PMRC (Parents Music Resource Center), sobre su experiencia con la canción: "Obviamente, esto fue hecho por personas que nunca habían visto o estado en las Montañas Rocosas, y tampoco habían experimentado la euforia, la celebración de la vida o la alegría de vivir que uno siente cuando observa algo tan maravilloso como la lluvia de meteoritos de las Perseidas en un cielo sin luna ...noche sin nubes, cuando hay tantas estrellas que tienes una sombra de luz de estrellas, y estás acampando con tus mejores amigos, y presentándoles uno de los espectáculos de luces más espectaculares de la naturaleza por primera vez."

0993.- 20th Century Boy - T. Rex

"20th Century Boy" es una de las canciones más enérgicas y representativas de Marc Bolan y su banda de glam rock T. Rex. Publicada como single en 1973 y posteriormente incluida en el álbum "Tanx", comparte con himnos anteriores de la banda como "Children of the Revolution" (1972) la temática de la arrolladora juventud, pero en esta ocasión más abiertamente orientada al exceso y el desenfreno característicos de los años setenta, y en un tono mucho más rockero.

Salpicada de crudos y potentes riffs de guitarra, su enérgico ritmo es el marco perfecto para el desarrollo de una historia basada en el día a día de un "chico del siglo veinte" que presume de desafiar las convenciones y el status quo impuestos por una sociedad anclada en reglas que considera completamente pasadas. En lo que puede considerarse una gran oda a la rebeldía y la búsqueda de la propia identidad, el "chico del siglo veinte" de T. Rex vive la vida al máximo y lanza orgulloso su desinhibido grito de guerra contra la monotonía y lo establecido, entre guitarras distorsionadas y pura osadía "glam rock".

Su embrujo y su fuerza se han mantenido hasta nuestros días, y no son pocos los artistas que han cantado la proclama rebelde de "20th Century Boy", y entre ellos cabría destacar la revisión que los británicos Placebo, grandes revitalizadores del glam rock en los noventa y en los primeros años del nuevo milenio, realizaron para la banda sonora de la película "Velvet Goldmine" y para su álbum "Covers" (2003) un disco que comercializaron como material extra de su exitoso álbum "Sleeping with ghosts"), y que llegaron a interpretar en directo junto a David Bowie, el gran tótem del género.

0992.- Children of the Revolution - T. Rex

"Children of the Revolution" es una de las canciones más icónicas de T. Rex, la banda liderada por el extravagante y desmedido Marc Bolan, uno de los máximos representantes del glam rock de los setenta junto al gran David Bowie. Lanzada como sencillo en 1972, se convirtió rápidamente en uno de los himnos del género, que a su manera buscaba precisamente una revolución cultural y artística en aras de la libertad sexual y de género en los primeros años setenta.

Este gran hit de T. Rex comienza con un distintivo y electrizante riff de guitarra que le da a la canción un toque inconfundible, acompañando a la rotunda y rebelde letra de Marc Bolan, que culmina en la efectiva estribillo de "You won't fool the children of the revolution" ("No engañarás a los hijos de la revolución"), todo un alegato de la revolución y el cambio que aquella generación de jóvenes estaba demandando.

Combinando elementos de rock and roll clásico con guitarras distorsionadas y la casi teatral actitud "glam" de su carismático cantante, T. Rex crearon un auténtico himno de la contracultura musical y social de los setenta, una áspera píldora que pretendía derribar las convenciones arcaicas de la sociedad, para conseguir la libertad cultural, sexual y artística que demandaba toda una generación de jóvenes del momento, representados a la perfección por los "Young dudes" ("chicos jóvenes") de Mott the Hoople y Bowie o los "hijos de la revolución" de T. Rex.

0991.- Me and Mrs. Jones - Billy Paul

 

Kenny Gamble y Leon Huff fueron músicos y compositores que se conocieron mientras tocaban en la escena musical de Filadelfia a principios de los años 60. Y poco a poco fueron espesando su sonido, añadiendo cuerdas y arreglos de trompeta barrocos y efectos de guitarra psicodélicos. Junto con el genio de la producción Thom Bell, desarrollaron lo que se convirtió en el sonido soul de Filadelfia y con ese sonido crearon Philadelphia International Records que si bien no fue el primer sello que fundaron Gamble y Huff, si que fue el que consiguieron que perdurara. Comenzaron firmando un acuerdo de distribución con Clive Davis en CBS, para entonces, ya tenían su enfoque definido: escribir y producir ellos mismos, grabar todo en el mismo estudio (Sigma Sound) con el mismo grupo de músicos de estudio tremendamente talentosos (la banda que se conocería como MFSB). Todo esto venía directamente del manual de Motown, pero con su sonido aterciopelado y extravagante, Gamble y Huff aprovecharon las tendencias cambiantes, siguiendo la música pop en la dirección más suave y ornamentada en la que viajaba. Los éxitos empezaron a llegar de inmediato. En 1972, Gamble y Huff triunfaron con " Back Stabbers " de los O'Jays (alcanzó el puesto #3, a 9) y " If You Don't Know Me By Now " de Harold Melvin And The Blue Notes (también alcanzó el puesto # 3, 7). Y al final del año, Gamble y Huff obtuvieron su primer número uno con “Me And Mrs. Jones” de Billy Paul. No sería el último.

Billy Paul era un cantante veterano de discotecas casi una década mayor que Gamble o Huff. Paul, nativo de Filadelfia como Gamble y Huff, había comenzado a grabar sencillos de jazz a principios de los años cincuenta. Había tenido una carrera larga e irregular: cantaba con algunos grupos de R&B, entabló amistad con Marvin Gaye, intentó que Elvis se uniera a una banda con él cuando sirvieron juntos en el ejército en Alemania. Gamble y Huff habían lanzado un álbum de jazz en vivo de Billy Paul en 1968 en Gamble Records, uno de sus sellos anteriores a Filadelfia Internacional. Gamble y Huff iban a tomar algo todos los días al bar que estaba abajo en el edificio de oficinas de su sello, y todos los días, el mismo hombre reunía con una mujer en este bar, se sentaban juntos durante unos minutos, hablaban en voz baja y ponían algunas canciones en la máquina de discos para luego tomaban caminos separados. A Gamble y Huff se les ocurrió una historia sobre la historia de amor que imaginaban que estaba teniendo esta pareja y la convirtieron en una canción. Hay muchas canciones pop sobre la infidelidad, pero normalmente se cantan desde el punto de vista de la parte agraviada en cambio, en ese caso, el narrador de Billy Paul es el que tiene “algo” con una mujer casada. Es una especie de relación obsesiva. Se reúnen todos los días en el mismo café a la misma hora. Hablan y hacen planes, pero no pueden estar juntos, "Ambos sabemos que está mal", canta Paul, pero no parece que piense que esté mal ya que canta sobre ella con una especie de cálido anhelo y no tiene la intención de interrumpir las cosas: “Mañana nos encontraremos en el mismo lugar, a la misma hora”. Paul insinúa que él también está engañando a alguien: "Ella tiene sus propias obligaciones / Y yo también". Paul ni siquiera canta sobre sexo, simplemente canta sobre tomarse de la mano y escuchar juntos la máquina de discos, quizás ni siquiera sea una cuestión física, seguramente sea sólo emocional. Nunca juzga a sus personajes ni imagina una salida a su situación.

Musicalmente la composición es circular, mientras que la canción pop típica sigue una estructura de verso, coro, verso, coro, puente, etc., la canción realmente tiene un movimiento unidireccional que se repite. comienza con Billy Paul cantando el título de la canción, las cuerdas en cascada, estableciéndose en un delicado ritmo de 6/8, una declaración acentuada por un golpe de caja seguido de una puñalada orquestal, el ritmo se separa para convertirse en una acumulación y luego regresar al título de la canción cantanda en agonía contenida, hasta la saciedad.

Billy Paul nunca volvería a estar cerca del top 10, aunque pasó el resto de la década grabando para Philadelphia International. Un par de décadas después, demandó a Gamble y Huff por falta de derechos de autor en “Me And Mrs. Jones”, y ganó. Llegó a los 81 años, cuando el cáncer se lo llevó.

0990.- Dama, dama - Cecilia

Evangelina Sobredo vivió una infancia cargada de traslados, durante su niñez, su padre, diplomático de profesión, estuvo destinado en Gran Bretaña, Estados Unidos, Portugal y Jordania. Desde pequeña se aficionó a la música, simultaneando el español y el inglés en sus canciones y primeras composiciones a su regreso a España, estudia la carrera de Derecho en la universidad madrileña conoce al pope del folk español, Joaquín Díaz, este le pone en contacto con otros dos músicos importantes: Nacho Saenz de Tejada y Julio Seijas, que formaban parte de Nuestro Pequeño Mundo y Aguaviva respectivamente. Juntos graban un single en 1970 bajo el nombre de Expresión pero aquella aventura apenas dura unos meses. En el descanso de una actuación en la sala JJ en la que hacía coros para Canarios, toma el micrófono y canta su tema “Portraits and pictures”, la escucha Tomás Muñoz, director de la CBS, recién instalada en España y la ficha inmediatamente y cambia su nombre por el de Cecilia en honor a un tema de Simon & Garfunkel, muy en boga por aquellas fechas.

La canción "Dama, Dama" de Cecilia retrata la vida de una mujer que aparenta ser una esposa obediente y cumplidora, que se ajusta a las expectativas sociales y principios religiosos. Las letras la describen como alguien que sigue el tercer mandamiento (presumiblemente "Recuerda el día de reposo para santificarlo") y mantiene una fachada adecuada como buena madre y esposa con una educación religiosa. Sin embargo, debajo de esta apariencia bien comportada, se esconde un deseo oculto de independencia y libertad. La frase "Y si no fuera por miedo, sería la novia en la boda" sugiere que si no fuera por el miedo, ella rompería con sus circunstancias actuales y elegiría su propio camino, simbolizado por ser la novia en una boda. Esto implica que ella se siente atrapada o limitada en su matrimonio. Las letras también mencionan que ella es amante de un "vividor", que puede interpretarse como un hombre que vive a costa de los demás o lleva un estilo de vida despreocupado. Esto podría simbolizar su anhelo de una relación más apasionada y emocionante, en contraste con su papel de esposa obediente de su esposo. A lo largo de la canción, las letras la retratan como una mujer que se esfuerza por ser más que solo una esposa y madre. Se la describe como una ávida lectora y escritora, expresando su lado intelectual y su deseo de ser creativa, incluso si va en contra de las normas de la sociedad. Sin embargo, sus intereses y ambiciones pueden ser considerados anticuados o pasados de moda, resaltando las limitaciones impuestas sobre ella. Éste era un tema bastante sorprendente para la época. Contaba muy ácidamente las miserias y las alegrías de una mujer de la aristocracia de entonces, se trataba de un mundo que conocía perfectamente, ya que la carrera diplomática de su padre la había puesto de sobrados antecedentes. “Dama, dama”, al margen de una letra que bien podría formar parte de cualquier selectiva antología de poesía social del siglo XX, es una de esas sencillas canciones perfectas con los que uno se topa de tarde en tarde. El tono airado de la voz de la cantante contrata con la suave cuerda y el ritmo comedido del acompañamiento. Los arreglos de Juan Carlos Calderón también ayudan lo suyo a la brillantez de uno de los temas más conocidos de su década. Las dos canciones de este disco pequeño formaron parte del LP “Cecilia” (CBS, 1972) que consagraría a su autora.

Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones.

Funkadelic - Standing On The Verge Of Getting It On (Mes Funkadelic)

 

Standing On The verge If Getting On, Funkadelic

     Corre el año 1974, Y Funkadelic viene de tener algún que otro problema provocado en su mayoría por el abuso de las drogas. El guitarrista Tawl Ross había dejado la banda debido a una mala experiencia con el LSD. El baterista Ramon "Tiki" Fulwood al igual que el gran guitarrista Eddie Hazel consumían drogas, por lo que George Clinton había decidido suspender sus salarios para que no se gastaran el dinero consumiéndolas. El bajista Billy Bass Nelson y Eddie Hazel habían abandonado Funkadelic a finales de 1971 por disputas financieras con George Clinton, aunque Hazel siguió contribuyendo de forma esporádica en los álbumes American Eats Its Young (1972) y Cosmic Slop (1973), y en canciones de Parliament entre 1970 y 1973.

En ese ambiente nace Standing on the Verge of Getting It On, el sexto álbum de estudio de Funkadelic, disco donde regresará Eddie Hazel, quien tendrá un mayor peso en la fase creativa y composición del disco. Para esta aventura el grupo cuenta nada menos que con 15 músicos.  El disco, producido por George Clinton, es publicado el 19 de julio de 1974 por el sello discográfico Westbound Records. La portada del disco, que presenta una provocativa imagen, también contribuyó a que el álbum fuera notorio tanto por fuera como por su contenido, donde siguen con ese único y característico sonido de musica funk fusionada con soul, rock y música psicodélica.

Hay momentos, mientras escuchamos el disco, donde todo parece caótico, extravagante y psicodélico. Hace tiempo leí una reseña donde se afirmaba este disco como un desastre loco, y no puedo estar más de acuerdo, pero Clinton y los suyos lo hacen todo entro de un orden, "loco" pero con mucho sentido. Ahí radica la grandeza de un álbum que sigue combinando con una facilidad y exquisitez extraordinarias estilos musicales, y donde nos regalan algunas muy buenas jam sesions de funk rock. 

Todo este magnífico "Desastre" comienza con uno de los mejores temas del disco, Red Hot Mama, acreditado a Bernie Worrel, George Clinton y Eddie Hazel. Es todo un enérgico trallazo de funk rock que presenta unas guitarras distorsionadas y un ritmo que se nos pega al instante. La voz de Clinton lidera la canción mientas Hazel nos demuestra por qué es uno de los guitarristas más influyentes del funk. Alice in My Fantasies, acreditada a George Clinton y Eddie Hazel, es otro de los momentos más brillantes del álbum, una pista psicodélica que juega con multitud de efectos de sonidos mezclados con unas letras surrealistas. Es uno de los temas más experimentales del disco, todo un ejemplo de lo bien que puede encajar algo que por momentos parece psicótico y extravagante. I'll stay (George Clinton, Eddie Hazel), es tranquilo y agradable momento entre tanta locura y desorden lo que nos regalan los quince músicos, una conmovedora balada soul que nos demuestra la gran versatilidad de estos músicos. Sexy Ways (George Clinton, Eddie Hazel), es otra pista de funk llena de groove y sensualidad. La sección de viento y los coros cobran un gran protagonismo en esta canción. Esta canción se encarga de cerrar la cara A del disco. 

Abre la cara B Standing on the Verge of Getting It On (George Clinton, Eddie Hazel), la canción que da nombre al álbum. Una mezcla de funk crudo con unas guitarras muy funky y unas letras muy provocativas. Este tema, junto con Red Hot Mama y Alice in My Fantasies es otro de los grandes momentos del álbum. Atentos a la guitarra de un Eddie Hazel descomunal. En Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him (George Clinton, Eddie hazel) dan un sorprendente pero efectivo giro. Esta es una canción en clave de humor y con toques de hip hop que nos habla de un amigo Gay. Una canción que por aquel entonces se salía de la norma, pues en aquellos años la homofobia era reinante y mayoritaria en la música. Cierra la cara B y por tanto el disco Good Toughts, Bad Toughts (George Clinton, Eddie Hazel), Una épica y reflexiva canción con unas letras filosóficas rodeada en un ambiente psicodélico. Una experiencia auditiva única para cerrar el disco. Una curiosidad: En todas las canciones excepto en la primera, Red Hot Mama, Eddie Hazel figura en los créditos de composición con el nombre de su madre, Grace Cook. 

Stading on the Verge Of Getting It On es un caótico y psicodélico viaje musical a través de varios géneros, desde el funk más crudo, hasta la psicodelia, el rock, el hip hop o el soul entre otros. El disco tiene ese distintivo y exclusivo toque experimental que solo Funkadelic era capaz de aportar en sus trabajos, mezclar tantos estilos, darle un toque experimental, y que además todo encajara y sonara bien es algo que Funkadelic sabía hacer como pocos, y en este disco lo consiguen. El sonido P-Funk seguía evolucionando y en plena forma.

0989.- Ben - Michael Jackson

 

El 14 de Octubre de 1972, Michael Jackson fue número 1 en Billboard, una fecha para recordar pues era la primera vez que el cantante ocupa ese puesto en solitario, años mas tarde escribiría la historia sobre todo con dos de sus albums. Este primer numero 1 fue gracias a la canción “Ben”, una emotiva balada que retrata la amistad entre un niño y una rata, pero lo que esconde este single es que fue hecho originalmente para una película de terror sobre una rata sanguinaria. El filme que tiene el mismo nombre que la afamada canción es la secuela de Willard (1971). En esta película, Ben es una rata entrenada por un humano, Willard Stiles, para que actúe a su voluntad, al igual que los otros roedores que habitan en su casa. Es así como estos animales matan cuando se le ordena, pero al final se vuelven contra él. En la segunda parte de este thriller, un niño, Danny Garrison, se vuelve amigo de Ben, quien es una enorme rata. Sin embargo, se vuelve malvada y recluta a más roedores asesinos que atacan y matan a los ciudadanos de Los Ángeles. Ciertamente, una trama que se aleja de la ternura de la balada interpretada por Jackson. Si bien Ben no le fue muy bien taquilla, la canción fue un éxito superó 1.7 millones de copias solo en Estados Unidos. Con este track el joven Michael ganó un Globo de Oro a Mejor Canción y estuvo nominada a un Oscar a Mejor Canción Original en 1973. La canción de mayor éxito del segundo álbum en solitario de Michael Jackson fue "Ben" que también da título al álbum, ganó el Globo de Oro por mejor canción original y estuvo nominada para un Óscar por mejor canción original.

 

“Mi primera relación con el cine llegó cuando interpreté la canción que daba título a la película ‘Ben’ de 1972. ‘Ben’, significa muchísimo para mí. Nunca antes había hecho nada me emocionara tanto como ir al estudio a poner mi voz en el filme. Me lo pasé fenomenal”, mencionó Michael Jackson en su libro Moonwalk. Pocos fans del músico sabían realmente el trasfondo de la historia de Ben, ya que se comercializó independientemente de la película y nunca supieron que estaba dirigida a una rata… violenta y asesina. En contraste al horror descrito en la película, Ben es una tierna balada, una canción sobre la amistad, emotiva y tierna, no hay referencia alguna a los roedores: "Ellos no te ven como lo hago/ Me gustaría que lo intentaran/ Estoy seguro que lo pensarían otra vez, si tuvieran una amiga como Ben". En su libro biográfico, Jackson señalaba: "Me encanta la canción y adoro la historia". Y comparaba la trama de 'Ben' con la del filme de Steven Spielberg 'E.T., el extraterrestre', en la que él cantaba el tema Someone in the dark. Jackson explicaba: "la gente no entendió el amor del chaval por esta pequeña criatura. Él estaba moribundo, aquejado de alguna enfermedad, y su única amiga verdadera era Ben, la lideresa de las ratas de la ciudad en la que vivían. Mucha gente pensaba que la película era un poco extraña, pero yo no era uno de ellos".

0988.- Close To The Edge - Yes

 

Close To The Edge, Yes

     Close to the Edge es el quinto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Yes. Fue grabado entre mayo y junio de 1972 en los Advision Studios de Londres bajo la producción de Eddy Offord y de la propia banda, y publicado el 8 de septiembre de 1972 por el sello discográfico Atlantic Records. Este sería el último disco de la década en el que colabora el baterista original Bill Bruford, quien encontró el disco demasiado laborioso de hacer, lo que hizo que dejara la banda y se incorporara a King Crimson. Este disco se convirtió en el mayor éxito comercial del grupo en el momento de su lanzamiento, llegando a ocupar el puesto número 4 en las listas de ventas del Reino Unido y el número 3 en la lista estadounidense Billboard 200. 

Nos vamos a centrar en la canción principal del disco, Close to the Edge, de unos 18 minutos de duración y con letras inspiradas en la novela Siddhartha de Hermann Hesse. Acreditada tanto la letra como la música a los miembros Jon Anderson y Steve Howe, se convirtió en la pieza más larga escrita del grupo en aquel momento. Anderson tuvo la inspiración inicial en su habitación de hotel mientras estaban con la gira de Fragile, su anterior álbum, mientras estaba leyendo El Señor de los Anillos de JRR Tolkien y escuchaba las Sinfonías números 6 y 7 de Jean Sibelius. 

Close to the Edge ocupa toda la cara A y se compone de cuatro movimientos. Abre The Solid Time of Change (El tiempo sólido del cambio), que transcurre bajo sonidos de agua corriente, campanillas de viento y el canto de los pájaros, sonidos que son superposiciones de cintas ambientales recopiladas en su mayoría por Jon Anderson. Estos sonidos avanzan in crescendo para desembocar en una amenazadora melodía de guitarra, la cual cambia tras un repentino cambio hacia una melodía más tradicional. El segundo movimiento, Total Mass Retain (Retención de masa total), continúa con la misma melodía y estilo, aunque la parte del bajo cambia significativamente. El coro cambia a un ritmo más rápido para luego ir disminuyendo al final de la sección. Esta es la sección más corta de las cuatro que componen la canción. En I Get Up, Get Down (Me levanto, me bajo), ralentizan significativamente el tempo y disminuyen el volumen. Esta parte consta de dos conjuntos de voces: la voz principal, cantada por Anderson, y los coros, cantados por los miembros Chris Squire y Steve Howe. Finaliza la canción con el cuarto movimiento, Seasons of Man (Estaciones del hombre), donde vuelven a un ritmo rápido con una estructura lírica y musical muy similar al primer movimiento, The Solid Time of Change, pero con unos acordes exclusivamente mayores. Las partes del órgano de Rick Wakeman son muy complejas, pues crea un efecto politonal general con la parte de guitarra en un tono diferente al del teclado. El coro se canta por última vez antes de que las voces lleguen al climax de la canción en la que se reproducen los tres temas de los movimientos anteriores.

El disco de la semana 344: Estelares álbum "El Costado Izquierdo"

El disco de la semana 344: Estelares álbum "El Costado Izquierdo"

Amigos amantes de la buena música, les tengo una recomendación que no querrán perderse, Se trata del increíble álbum "El Costado Izquierdo" de la reconocida banda argentina Estelares. Si aún no han tenido el placer de escuchar a esta banda, están a punto de embarcarse en un viaje musical fascinante que les llevará por un espectro emocional único.

Estelares, originarios de la ciudad de La Plata, Argentina, han estado en la escena musical desde 1994, "El Costado Izquierdo", es una auténtica joya que merece ser descubierta. Este álbum representa una evolución en el sonido de la banda, mostrando su versatilidad y creatividad en todo su esplendor.

En el vibrante panorama musical argentino, la banda Estelares saca a la luz su sexto álbum de estudio, titulado "El Costado Izquierdo". Con un enfoque renovado en la canción pop y la habilidad lírica de Manuel Moretti su lider, este álbum promete ser un hito en la carrera de la banda y en la escena musical local. En esta reseña, exploraremos las joyas y los momentos destacados de este álbum que demuestran por qué Estelares es una fuerza creativa en la música argentina.

Explorando la Evolución de Estelares: "El Costado Izquierdo" muestra una evolución notable en el sonido de Estelares. El liderazgo de Manuel Moretti y la colaboración de talentosos músicos enriquecen este álbum con una variedad de influencias, desde el tango hasta el pop romántico. La banda demuestra que está dispuesta a experimentar y evolucionar, sin perder su esencia.

Colaboraciones Destacadas: El álbum presenta colaboraciones notables que añaden un toque especial a cada canción. Enrique Bunbury se une a la banda en la hermosa "Aleluya", mientras que Ale Sergi de Miranda aporta su voz a "Internacional". Estas colaboraciones inyectan frescura y diversidad al álbum, mostrando la versatilidad de Estelares.

Canciones que Deleitan el Oído: En "El Costado Izquierdo", encontramos una mezcla de canciones que prometen convertirse en éxitos radiales y otras que resonarán en el corazón de los fanáticos. Desde el cautivante sencillo "Doce Chicarras" hasta la emotiva balada "Islas", el álbum ofrece una experiencia auditiva variada y emocional.

Destacando las Letras: La habilidad lírica de Manuel Moretti brilla en cada canción. Sus letras profundas y poéticas exploran temas de amor, nostalgia y reflexión. Canciones como "Rimbaud" y "Necesito" son ejemplos de su destreza para contar historias a través de la música.

"El Costado Izquierdo" es un testimonio de la madurez artística de Estelares. Este álbum demuestra que la banda sigue siendo una fuerza innovadora en la música argentina, dispuesta a explorar nuevos territorios sonoros sin perder su identidad. Con colaboraciones sorprendentes y letras conmovedoras, este álbum es una joya que merece un lugar destacado en la colección de cualquier amante de la música. Estelares demuestra que la música argentina está más viva que nunca y que su legado musical continúa creciendo.

Para aquellos que buscan nuevas voces en el rock argentino, este álbum es una parada obligatoria. Estelares demuestra que la música argentina está más viva que nunca y que su legado musical continúa creciendo. Cada canción es una invitación a un viaje musical lleno de emoción y evolución, y es una recomendación que espero que todos disfruten al máximo.

Entonces, ¿qué están esperando? Asegúrense de escuchar "El Costado Izquierdo" de Estelares en su plataforma de música favorita y permitan que la música los envuelva en un mundo de sonidos exquisitos y letras profundas. No se arrepentirán de este viaje musical, y estoy seguro de que este álbum se convertirá en una parte inolvidable de su biblioteca musical. ¡Disfrútenlo y compartan la magia de Estelares con todos sus amigos!

Daniel

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0987.- All the Young Dudes - Mott the Hoople

"All the Young Dudes" (1972) entra por méritos propios en una categoría en la que están las canciones consideradas como auténticos himnos de una generación o de un estilo musical determinado, y esconde además un gran acto de generosidad por parte de su autor (David Bowie), que para ayudar a rescatar a Mott the hoople, una banda al borde de la separación a la que solo podía ya salvar un gran éxito, cedió una canción que, de haberla grabado para uno de sus discos, habría supuesto otro éxito absoluto en una carrera ya de por sí brillante.

La canción no solo relanzó la carrera de la banda, sino que con su energía desbordante y un mensaje generacional que, con el paso del tiempo, ha demostrado ser atemporal, se convirtió en uno de los grandes himnos del glam rock y en la canción más recordada del grupo. Su mensaje de búsqueda de la propia identidad durante la adolescencia, en un mundo que no siempre entiende las necesidades y sentimientos de las nuevas generaciones, va renovando su validez década tras década, ya sea en la voz de Ian Hunter, o en cada una de las interpretaciones que David Bowie hizo de su canción, que se convirtió en tema fijo de su repertorio en directo.

Musicalmente, la canción te engancha desde el primer minuto con su distintivo riff de guitarra, la intensidad de la proclama en sus estrofas, y un estribillo construido para cantar a coro en los estadios. En conjunto, estamos ante un espectacular himno que ha dejado también su influencia en la obra posterior de muchos artistas, no solo del glam rock (T. Rex), sino de grupos de décadas posteriores como Queen o Roxy Music, herederos pop de la androginia y la grandiosidad del glam rock de los años setenta.

0986.- Un beso y una flor - Nino Bravo

Cuando se habla de Nino Bravo siempre aparecen expresiones del tipo: "una de las mejores voces de la música española", "artista inigualable" o "pérdida irreparable para nuestra música". Pero esa condición tan especial del artista no viene solo dada por los hechos que acompañan a estas afirmaciones. Podríamos pensar que su característica voz contribuyó a hacer crecer su leyenda, pero esto sería más bien un dato residual, ya que encontraríamos voces similares como la de Francisco en el ámbito nacional o la de Tom Jones en el internacional, que aunque siguieron un camino diferente, podrían haber cosechado ese mismo sentimiento gracias a su torrente vocal. Pero no lo hicieron, o al menos no de una forma tan profunda. Fue un hombre de origen humilde, que creció en el mundo de la música con poca ayuda ajena. Gracias a su voz, su carrera tuvo un ascenso considerable, llegando a estar cerca de ganar algunos concursos importantes (aunque nunca llegó a hacerlo). Vendió discos en vida, pero su gran éxito vino después de la muerte. Podríamos pensar que su muerte temprana ayudó en este terreno, pero en realidad lo único que esto despertó fue su carrera comercial aún más de lo que había conseguido en vida.

“Un beso y una flor” es el tercer álbum de Nino Bravo y está considerado como el disco de su consagración definitiva, y al que la crítica, al fin, aplaudió de forma unánime reconociendo el inmenso talento del artista valenciano, con canciones como "Un beso y una flor" o "Cartas amarillas". Este éxito se cimentó en el tema que lo titula: “Un beso y una flor”, una legendaria pieza de Herrero/Armenteros y que, a día de hoy, sigue siendo la canción más escuchada de Nino Bravo. Una canción, para la que se grabó un videoclip a color en las Islas Baleares, a instancias del Ministerio de Información y Turismo. "Un Beso y Una Flor" de Nino Bravo es una canción sentimental sobre dejar atrás a un ser querido para perseguir un sueño o una vida mejor en la canción escuchamos como el narrador está dejando su tierra natal y a sus seres queridos en busca de un futuro más brillante, pero que siempre llevará consigo recuerdos de la persona que ama. La canción enfatiza la idea del amor como una luz guía y el poder de los recuerdos para sostenernos durante tiempos difíciles. El protagonista promete regresar pronto y evoca la imagen del ser amado como fuente de consuelo e inspiración durante su viaje. La línea "Serás como una luz que alumbre mi camino" refleja esta idea y sugiere que la relación perdurará incluso ante la distancia y las dificultades. La repetición del coro a lo largo de la canción refuerza la idea de la importancia de los recuerdos y el peso emocional de dejar atrás a los seres queridos. La línea "Las penas pesan en el corazón" sugiere que el protagonista está dividido entre perseguir sus sueños y el dolor de dejar atrás lo que es familiar y amado.

La fatalidad terminaría con su vida la mañana del lunes 16 de abril de 1973. Un mes antes había dado la que sería su última presentación en Valencia. Nino Bravo, su guitarrista y amigo José Juesas y otros dos acompañantes que formaban el Dúo Humo, al que artista representaba, salieron temprano de Valencia hacia Madrid. La idea era hacer un viaje relámpago de trámites y volver el martes 17 por la noche. Sin embargo, nunca llegaron. O mejor dicho, el que nunca llegó fue Nino Bravo. En una curva, el auto, un BMW 2800 L de 1970 color blanco, se salió de la ruta y volcó. Nino Bravo y los heridos fueron trasladados primero a un hospital de pueblo a ochenta kilómetros de Madrid, y luego los llevaron en ambulancia hasta la capital española. Pero la muerte llegó antes: Nino falleció antes de llegar al centro médico. Sus acompañantes solo sufrieron heridas leves.

Funkadelic - Cosmic Slop (Mes Funkadelic)

 

Lo primero que nos llama la atención al escuchar Cosmic Slop no es que el Funk sea menos palpable, a veces incluso trasciende lanzamientos anteriores, pero lo primero que nos salta es que aquí hay indicios de que el grupo quería hacer las cosas un poco diferentes. Esto es más evidente en 'March To The Witch's Castle', un viaje a la tierra prometida bellamente orquestado, asombrosamente simple y, sin embargo, evidentemente poderoso. Es como 'Maggot Brain' improvisado en seis minutos, no recortado, proporcionando suficientes giros interesantes a pesar de seguir hurgando en una línea de batería de marcha. En otros lugares se centran más en el Evangelio glorificado que mancha debajo de un puñado de sus huellas. 'The Broken Heart' y 'Can't Stand The Strain' hacen esto, con múltiples partes vocales cantando una debajo de la otra, aportando algunos elementos country desafinados que brindan una gran perspectiva y un sonido maravilloso. Cosmic Slop se puede resumir como la paradoja definitiva del canon Funkadelic, si bien la banda suena aquí más limpia que nunca, el material del tema es decididamente extraño. Otra de las características es que el álbum con la formacion más "pequeña" de la banda, después del elenco de miles de personas que aparecieron en 'America Eats Its Young', la formación aquí se limita a dos guitarristas, un bajista, un baterista y un teclista, sin lujos adicionales, salvo un arreglo de cuerdas ideado por Bernie Worrell en la hermosa balada "This Broken Heart", estamos con diferencia, ante el álbum más esquizofrénico de su discografía, ya que el R&B generalmente "seguro" (aunque empapado de una capa ácida) se yuxtapone con rugientes excursiones de funk y rock.

 

El disco comienza con "Nappy Dugout", donde se presenta al baterista original de Funkadelic, Tiki Fulwood, como invitado, y su típico estilo de ejecución de asalto funk frontal establece un ritmo inmortal aquí. En los primeros 30 segundos de esta canción, entendemos que se trata de algo nuevo, es un ritmo al estilo Meters, justo cuando el riff comienza a volverse aburrido, aprecias las complejidades, como el ritmo del bongo, luego entra un trino de armónica e introduce una nueva sensación, George no puede evitar agregar sonidos de bocinas de autos viejos para equivocarse un poco y mantener al oyente consciente del hecho de que este es el mismo George Clinton que estaba detrás de todos los clásicos. Las voces de esta canción no deben pasarse por alto. Aunque solo constan de tres palabras, "Eyyyy Nappy Dugout", se usan de tal manera que realmente añaden valor a la canción, y no solo la hacen exagerada. "You Can't Miss What You Can't Measure" es una interpretación modificada de la antigua canción de Parliaments "Heart Trouble", una improvisación de R&B tipo Motown-by-way-of-Saturn llevada por un delicioso riff de guitarra en capas, está subiendo una escalera, cuando llegas a lo alto de esa escalera, abres una puerta y entras a un grupo. Esta fiesta la organiza nada menos que el loco George Clinton, así que sabes que has venido al lugar correcto. Al entrar a la fiesta, te asalta el jolgorio, como una armonía vocal de tres partes sobre un ritmo impenetrable de batería y bajo. Mientras deambulas por la habitación encuentras puertas, al abrir cada puerta liberas a un nuevo cantante, en una puerta se esconde Gary Shider, en the Brides of Funkenstein. Después de haber liberado a todos los cantantes a la fiesta, te relajas y admiras la hermosa orquestación de estos increíbles talentos por parte de George Clinton. Las cosas se vuelven inquietantes con la espeluznante "March to the Witch's Castle", un ritmo oscuro, inquietante y lento que trata sobre la "pesadilla del reajuste" que afectó a muchos veteranos de Vietnam que regresaban a casa en esa época. La voz principal de bajo profundo de Ray Davis, que aquí suena como un predicador siniestro, convierte este inquietante paisaje sonoro musical en un terrible sermón sobre la locura de la guerra, escuchas a George predicar sus caminos pacíficos junto a la excelente guitarra de Eddie Hazel que establece un tono muy apropiado para la canción. Continua con “Let's Make It Last” donde el arreglo musical se inclina más hacia la vibra psico-rockera del estribillo, aunque esta canción conceptualmente no tiene relación con su predecesora, es una gran canción por derecho propio, tiene un ritmo como ningún otro, y la voz de Gary Shider en esta canción es simplemente increíble, sus impresionantes falsetes simplemente perfeccionan la canción y el tono wah característico de Eddie devuelve el rock a Funkadelic.

 

"Cosmic Slop" es lo más destacado de este disco, es simplemente una pieza musical increíble, nos sumerge en una atmósfera de pesadilla mientras Garry Shider canta la historia de una mujer del gueto obligada a prostituirse para mantener a sus hijos. Presentada sobre un ritmo funk duro y plagada de arrebatos espásticos en la guitarra, esta está lejos de ser una canción con mensaje sensiblero. Es una dura realidad de la vida ambientada en un ritmo macabro de funk-rock. Déjate hipnotizar por los gemidos de la guitarra de Eddie y una fascinante sección de percusión. “No Compute” ¿Qué es esto?, esto no es funk, esto no es rock, esto es... ¡esto es bueno! Vaya, lo que me doy cuenta es que George entiende que hemos escuchado suficiente funk rock y suficientes epopeyas hipnotizantes, así que nos ofrece algo completamente diferente donde nos relata el débil intento de un hombre por lograr el placer sexual. “This Broken Heart” es otra ruptura del asalto funk-rock que estamos acostumbrados a escuchar. Escucho mucha influencia de los Beatles en esta canción y George no estaría en desacuerdo. Esta canción tiene un gran estribillo que realmente hace que la canción se sienta completa, y no solo cabos sueltos atados. Tiene una gran parte de batería que se vuelve más importante más adelante en la canción. Una vez más, esta canción no es demasiado larga, realmente cuenta una historia completa y tiene un final satisfactorio. Otro gran pico en el disco es este “Thrash-a-Go Go” una vuelta con la habitual explosión de funk-rock que estamos acostumbrados a escuchar. En esta canción tenemos a George Clinton en la voz y Eddie Hazel en la guitarra, además de quien tocaba la pandereta. George raspa y canta con toda su capacidad, mientras Eddie gime y baila con otro gran solo. Esta canción sentó las bases para canciones como "Get Off Your Ass And Jam" y otros rockeros dinámicos. “Can't Stand the Strain” es muy extraña, quizás un epilogo no a la altura, pensé: "¿Qué es esto? ¿Fleetwood Mac?" Luego escuché a the Brides of Funkenstein formar equipo con Shider y Clinton para lograr excelencia vocal con grandes armonías y a George gritar "Este viejo corazón no puede soportar la tensión", supe que esta canción era realmente un clásico.

Un álbum fantástico, a veces divertido y funky, a veces completamente oscuro y sucio... Puro Funkadelic. También apareció la primera portada diseñada por Pedro Bell, el maestro de las palabras y los marcadores mágicos, cuyos extraños paisajes aparecerían en muchas portadas posteriores. Un álbum conciso, con muy pocos músicos involucrados y una lista de canciones bastante corta, con este disco, vemos una nueva cara de Funkadelic, un Funkadelic más ajustado y completo, con menos cabos sueltos y combinaciones y capas más sofisticadas. Esto no quiere decir que Funkadelic estuviera perdiendo originalidad, no, para nada. De hecho, Funkadelic, aunque lo mantuvo todo junto, realmente superó los límites con este disco. Después de todo, ¿qué tenían que perder?

0985 - Nino Bravo - Libre

0988 - Nino Bravo - Libre

Nino Bravo, un icónico cantante español de la década de 1970, dejó una huella imborrable en la música hispana con su emotiva interpretación de la canción "Libre". Esta emblemática pieza musical, lanzada en 1972 como parte de su álbum del mismo nombre, captura la esencia de la libertad y el anhelo de un futuro prometedor.

"Libre" se destaca por la emotividad de la voz de Nino Bravo y su habilidad para transmitir sentimientos profundos. La canción comienza de manera suave y apacible, pero rápidamente cobra fuerza a medida que Nino Bravo va plasmando su pasión y compromiso en cada verso. La letra, escrita por José Luis Armenteros y música compuesta por José Luis Navarro, se convierte en una oda a la libertad personal y la superación de obstáculos.

La canción aborda temas universales como el deseo de escapar de las limitaciones y las cadenas que nos atan. La voz apasionada de Nino Bravo canta sobre romper barreras y perseguir sueños, evocando una sensación de empoderamiento en quienes la escuchan. La lírica trasciende las barreras del tiempo y del idioma, resonando con personas de diferentes generaciones y culturas.

El legado de "Libre" va más allá de su éxito en las listas de éxitos. La canción se ha convertido en un himno de inspiración y valentía, recordándonos que cada uno tiene el poder de forjar su propio destino. El estilo distintivo de Nino Bravo, que combina pasión y melancolía, infunde a la canción una autenticidad que sigue siendo conmovedora décadas después de su lanzamiento.

Trágicamente, la carrera de Nino Bravo fue interrumpida por su prematura muerte en un accidente automovilístico en 1973. Sin embargo, su legado perdura en sus canciones, especialmente en "Libre", que continúa tocando los corazones y las almas de quienes la escuchan. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su impacto duradero en la música popular.

En resumen, "Libre" de Nino Bravo es mucho más que una simple canción; es un himno intemporal a la libertad y la determinación. La emotiva interpretación de Nino Bravo y la profundidad de la letra hacen que la canción sea una pieza inolvidable en la historia de la música en español, y su mensaje resuena en cada nota, recordándonos la importancia de perseguir nuestros sueños con pasión y coraje.

Daniel 

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0984.- Rubber Band - The Waterson

Originalmente, The Waterson eran los hermanos Norma, Michael (Mike) y Elaine (Lal) Waterson, con su primo segundo John Harrison. Provienen de Hull y los tres, que quedaron huérfanos desde temprano, fueron criados por su abuela, una comerciante de segunda mano. Son en parte de ascendencia gitana irlandesa. Como miles de personas, llegaron a las canciones populares gracias a un interés temprano por el jazz y el skiffle. Formaron un grupo llamado The Mariners y tocaron un rato en una cafetería. Luego, a medida que su estilo se volvió cada vez menos "emergente", más serio, decidieron iniciar un club de canciones folklóricas que se hacían llamar The Folksons antes de finalmente usar su apellido. Tenían un amplio repertorio, pero su interés permanente estaba en las canciones y costumbres de su East Yorkshire natal. La primera grabación de los Waterson fue para el sampler de Topic Records New Voices y su primer álbum, Frost and Fire , ambos de 1965. De la misma época es la película de Derrick Knights Travelling for a Living. Después de dos discos más en 1966, The Watersons y A Yorkshire Garland , Johh Harrison dejó el grupo ese mismo año y se mudó a Londres. Los Waterson se separaron en 1968, Norma se fue a trabajar como DJ en una estación de radio en las Indias Occidentales y se reunieron nuevamente cuatro años después. John es reemplazado primero por Bernie Vickers y luego por Martin Carthy, quien se unió a los Watersons reformados en 1972 y asumió un compromiso familiar permanente al casarse con Norma ese mismo año.

Mientras tanto, Mike y Lal se dedicaron a escribir canciones contemporáneas, que fueron grabadas por Bill Leader para el notable álbum Bright Phoebus (1972) con un montón de los mejores músicos de la escena folk inglesa. Inspirados por el resurgimiento del folk, llevaron su estilo de armonización con fuerza de chorro de arena hacia el sur, y su repertorio de canciones tradicionales de su Yorkshire natal demostró ser todo un éxito en las salas situadas encima de los pubs. Sin embargo, la vida como cantantes profesionales pronto se convirtió en un fastidio, y en 1968 dieron por terminado su carrera, Norma se fue al extranjero con su prometido. De vuelta en Humberside y algo desamparados, los Waterson más jóvenes sintieron una llamada musical, las visitas regulares a la hora del almuerzo del pintor y decorador Mike adquirieron una nueva intensidad cuando se dieron cuenta de que ambos estaban escribiendo canciones, algo que ninguno de los dos habría tolerado en sus días en el circuito folklórico. Mike era una mezcla idiosincrásica de rockabilly y music hall; Lal gótico acústico avinagrado y de bordes irregulares. Cuando el futuro Sr. Norma Waterson, Martin Carthy , los escuchó por primera vez, quedó impresionado. Cuando su compañera de banda Steeleye Span, Ashley Hutchings pudo escucharlos, rápidamente reunió un conjunto para ayudar a darles forma en un disco, involucrando a Carthy y a sus compañeros ex alumnos de la Fairport Convection, Richard Thompson y Dave Mattacks. Grabado durante una semana en un sótano de Cecil Sharp House , hogar de los padres tradicionales de la English Folk Dance And Song Society, representó un alejamiento abrupto de todo lo que los Waterson habían hecho.

En su lanzamiento, Bright Phoebus resultó no ser lo suficientemente folk para el público incondicional del folk, que se resistió a su distintiva composición original, a pesar de que la música sigue siendo marcadamente de raíces en su mayor parte. Mientras tanto, los oyentes convencionales pueden haber esperado erróneamente que estos 12 temas se ajustaran a los modelos intransigentemente reacios al cambio de la música tradicional gracias al pedigrí de sus autores como miembros de una de las bandas familiares folk predominantes de Gran Bretaña, The Watersons. Para ser justos, el alegre baile del abridor "Rubber Band" bien podría estar diseñado para asustar a los oyentes casuales reacios al folk; El canto salpicado de cerveza de la canción alcanza niveles de alegría que coinciden con el trío ficticio permanentemente optimista The Folksmen en la brillante sátira folk revival A Mighty Wind. Sin embargo, tan pronto como el ritmo baja y la alegría brillantemente iluminada se convierte en baladas sombrías, el album Bright Phoebus acumula una atracción irresistible e hipnótica. Una vez que dejamos de preocuparnos sobre si las canciones fueron escritas en el siglo XVII o en la década de 1970, el álbum sobresale como escaparate de dos notables talentos compositores que finalmente encontraron una salida para su propio material fuera de las reglas a menudo rígidas del circuito folk.

0983.- Whiskey In The Jar - Thin Lizzy

 

Whiskey In The Jar, Thin Lizzy

     Whisky in the Jar es una canción tradicional irlandesa ambientada en las montañas del sur de Irlanda, la cual menciona además específicamente los condados de Cork y Kerry. Esta canción tradicional relata la historia de un bandolero que después de robar a un funcionario militar es traicionado por una mujer, la cual no queda claro si es su novia o su esposa. Versiones posteriores de la canción sitúan la acción en otros condados además de los citados kerry y Cork. También hay quien ha situado el relato en el sur de Estados Unidos, en las montañas Ozarks o en los Apalaches, probablemente debido al asentamiento de irlandeses que existían en ambos lugares. Los nombres de los protagonistas de la versión también son cambiantes, así como los detalles de la traición.

La canción cobró mucha importancia cuando la banda irlandesa de folk The Dubliners la interpretó por primera vez, llegando a grabarla en tres álbumes en la década de los años 60. En Estados Unidos sería el grupo The Highwaymen quien la graba por primera vez, concretamente en 1962. Muy famosas son las versiones que realizarían más tarde The Pogues en 1990, Brian Adms en 2019, o Metallica en 1998, cuya versión les llevó a conseguir un premio Grammy en el año 2000.

De todas estas versiones destaca quizás una por encima de las demás, la realizada en 1973 por el grupo irlandés Thin Lizzy, liderado por Phil Lynott. La importancia de la versión de este grupo radica en que la matoría de las versiones posteriores son realizadas bajo los estándares empleados por el grupo de Phil Lynott. 

En 1973 Thin Lizzy saca su tercer álbum de estudio, Vagabonds of the Western World, disco que supone el último grabado por Eric Bell, y cuya portada es la primera elaborada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick, quien realizará pra el grupo unas cuantas más posteriormente. Curiosamente en este disco no aparece incluida Whiskey in the Jar, la cual fue incluida en la reedición posterior de este disco para formato CD del año 1991. 

La explicación de que no aparezca este gran éxito del grupo en ningún álbum en aquel momento es muy simple. La canción era un tema que el grupo solía tocar entre bastidores durante las giras de conciertos, por lo que son animados para que la graben, algo con lo que la banda no estaba muy de acuerdo, pues Phil Lynott consideraba Thin Lizzy una banda de rock, no de folk. Originalmente esta canción estaba destinada a salir como single ocupando la cara B, pues para la cara A habían grabado Black Boys On The Corner, la cual aparece en el segundo álbum de estudio del grupo, Shades of a Blue Orphanage. Incluyeron Whiskey in the Jar en el sencillo porque en realidad no tenían nada más que ofrecer en aquel momento. Serán los responsables de la compañía discográfica, Decca Records, quienes inviertan el orden de caras en el single, poniendo en la cara A Whiskey in the Jar, Pensaban que esta canción podría ser un potencial sencillo, no se equivocaban.

Phil Lynott no era el único miembro del grupo al que no le gustaba en demasía este tema, según Brian Downey, baterista del grupo: "En cierto modo, fue algo malo para la banda, porque nos encasilló como un grupo de folk - rock. Dimos unos pocos conciertos en el norte de Inglaterra y todo el mundo acudió esperando escuchar algo de música folk. Y claro, cuando se dieron cuenta de que éramos una banda de rock directo y conciso, muchos de ellos se acabaron marchando"... "Así que este hit nos hizo dar unos cuantos pasos atrás. También es cierto que tampoco ayudaba que tanto Phil Lynott como Eric Bell (los otros do miembros de la banda en aquel momento) estuvieran dando conciertos por su cuenta en clubs de folk irlandeses. Eso, añadido a la creencia de que Thin Lizzy tocaba música folk, nos dejo en una mala situación". 

Esta es la explicación de por qué Phil Lynott renegaba de su primer gran éxito, pues consideraba que esta canción no representaba para nada la esencia musical de la banda ni la suya propia.

Funkadelic - America Eats Its Young (Mes Funkadelic)

El artista del mes Funkadelic y su álbum America Eats Its Young #mesFunkadelic

El álbum "America Eats Its Young" de Funkadelic es una obra maestra musical que encapsula la creatividad, la diversidad y la audacia de la banda en su máxima expresión. Lanzado en 1972, este álbum doble es un viaje emocionante a través de una variedad de géneros y temas, ofreciendo una visión única de la América de la época y desafiando las convenciones musicales establecidas.

Desde su apertura con "You Hit the Nail on the Head", el álbum establece de inmediato su tono enérgico y festivo. Esta pista presenta una mezcla electrizante de funk y rock, con guitarras ardientes y ritmos contagiosos. La voz líder y las armonías respaldadas por coros brindan un dinamismo vocal distintivo que se convierte en una característica recurrente a lo largo del álbum.

A medida que avanza, el álbum se sumerge en una variedad de temas, desde cuestiones sociales y políticas hasta exploraciones psicodélicas y experimentales. Canciones como "Biological Speculation" y "Philmore" llevan a los oyentes a un territorio sonoro más abstracto, utilizando efectos y capas de sonido para crear paisajes atmosféricos. 

Una de las joyas del álbum es "Babies Makin' Babies", que aborda temas de relación y reproducción con un ritmo contagioso y letras ingeniosas. La fusión de los elementos funk y soul en esta canción muestra la habilidad de Funkadelic para crear música que invita a moverse mientras mantiene una profundidad lírica. 

"Pussy" destaca por su atmósfera hipnótica y sus elementos electrónicos. Esta pista se adentra en un territorio más psicodélico, con efectos de sonido que evocan imágenes surreales. La voz de George Clinton guía al oyente a través de esta experiencia alucinante, donde la música y la narrativa se fusionan de manera intrigante.

En "America Eats Its Young", Funkadelic también aborda temas más serios y reflexivos. "March to the Witch's Castle" y "Miss Lucifer's Love" son ejemplos de canciones que exploran la oscuridad y la ambigüedad de la sociedad. Las letras provocativas y a veces crípticas invitan a los oyentes a interpretar y reflexionar sobre el contenido.

La diversidad instrumental es un punto fuerte en todo el álbum. Desde los impresionantes solos de guitarra hasta los interludios instrumentales, Funkadelic demuestra su destreza musical y su capacidad para fusionar una variedad de influencias. La incorporación de sintetizadores y efectos electrónicos agrega una dimensión futurista y experimental a la música, mostrando cómo la banda estaba dispuesta a ir más allá de los límites convencionales.

En última instancia, "America Eats Its Young" es un testimonio atemporal de la creatividad y la innovación de Funkadelic. A través de su mezcla única de géneros, su enfoque audaz en la experimentación y su voluntad de abordar temas sociales y políticos, la banda creó un álbum que sigue siendo relevante en la actualidad. Esta obra maestra musical refleja la América de su época y establece un estándar elevado para la música que trasciende generaciones. Con su diversidad de canciones y su riqueza artística, el álbum sigue siendo un monumento perdurable a la influencia duradera de Funkadelic en la historia de la música.

Daniel 

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0982.- Un canto a Galicia - Julio Iglesias

Un canto a Galicia es la canción con la que Julio Iglesias dio el salto internacional en 1972 ya que número uno en varios países de Europa (Bélgica, Holanda, Alemania, Francia e Italia), Hispanoamérica, norte de África y Oriente Medio, una letra (mal) traducida en un mítico restaurante coruñés, su estreno mundial el día en que Ana Belén y Víctor Manuel se conocieron, una accidentada y sudorosa grabación en la que participó Pepe Domingo Castaño y, por último, un éxito mundial que hizo preguntarse a los alemanes quién era esa guapísima chica a la que ese artista tan moreno cantaba cosas tan bonitas.

Julio decía que su padre era gallego, tenia familia en Orense, me encantan las gentes de esta tierra y me gusta Galicia y por eso les canto, como un homenaje pequeño. Cuando estrenó su canción en un festival hubo una mala traducción de una palabra, al darse cuenta volvió a repetir la actuación. Además en ese festival se encontraba el cantante Asturiano Víctor Manuel que actuó delante para que diera tiempo a retocar la canción y dió la casualidad que después metieron a una artista que estaba dando sus primeros pasos en la canción melódica... Efectivamente era Ana Belen, quien estaba representando en la ciudad una obra teatral, Sabor a miel. Mientras esto acontecía el periodista Pepe Domingo Castaño que se encontraba en el lugar, ayudó a revisar letra que le habían pasado a Julio Iglesias y descubrió algún que otro error, que juntos pudieron subsanar. Así fue como el hijo del doctor Iglesias, con un traje blanco, cerró la noche musical. Subió al escenario decidido, pero se comió el último escalón. El espectacular tropezón asustó al público, pero Julio supo recuperar la compostura. Y fue aclamado tras interpretar por primera vez su nueva canción. Aún no sabía cuántas alegrías le traería.

Un tema cantado en gallego, que la discográfica no quería publicar como cabeza de disco, iba a convertirse en uno de los mayores éxitos de la carrera de Julio Iglesias, vendiendo cuatro millones de ejemplares en toda Europa, número uno en España y bombazo de proporciones universales para este himno cargado de buenas sensaciones. Un gran trabajo publicitario en la televisión y los muchos emigrantes españoles europeos hicieron el resto. 

Disco de la semana 343.- Actually - Pet Shop Boys

Pet Shop Boys es considerado por la mayoria como el grupo de synth-pop de mas exito y calidad de todos los tiempos, sus primeros álbumes forman un gran trabajo, que sirvió como fuente de inspiración para todo el sonido comercial de los 80. Además, el dúo logró alejarse del carácter demasiado exclusivista de bandas como New Order y Orchestral Maneuvers In the Dark, apuntando a un sonido totalmente accesible que evitaba los clichés disco o las armonías superficiales que se encontraban en la música comercial europea. Su obra maestra, “Actually”, sigue siendo una creación influyente que aún entretiene al oyente que desea un sonido rítmico y armónico eficiente. “Actually” no está pensado como un álbum de dance, sino que es un trabajo artístico donde expresan miedos, pecados y la idea de conciencia. Las melodías son más oscuras, más realistas y carecen de esa exuberancia de la música de club. Neil Tennant y Chris Lowe diseñan un estilo que sorprende con temas como la promiscuidad y la ambigüedad sexual, presentando el disco muy evolucionado con respecto a lo que se escuchaba en ese momento. La música es sólo un acompañamiento para una dura descripción de la decadencia urbana, concebida en un Londres lúgubre, los ritmos rápidos contornean un nerviosismo que sobrevuela las melancólicas líneas musicales. Como toda obra innovadora de los años 80, “Actually” toca tabúes y temas intocables en esos dias, dando una descripción iconoclasta de una nueva sociedad, una declaración que evidencia la afirmación de una nueva mentalidad.

Los primeros momentos de "One More Chance" forman una introducción claustrofóbica en la ciudad de neón, los ritmos de baile se acentúan por un extraño sonido vocal que sugiere una sensación de estrangulamiento. El oyente se siente destrozado por la decadencia de la ciudad y el baile se convierte en una forma de combatir la ansiedad. Quizas gran parte debido a la colaboración con Dusty Springfield, "What Have I Done To Deserve This" es una de las canciones favoritas de los seguidores, al ser más que un dúo comercial, la canción incide en el misterio creado al principio, mostrando un romance marchito cuya amargura se ve acentuada por el estribillo repetitivo la canción subraya un sentimiento melancólico que sostiene una amalgama de estilos que forman una coherencia sorprendente, gran fusión de soul, disco e incluso rap para crear una emotiva canción de gran complejidad y arreglos majestuosos. "Shopping" es una brillante sátira del consumismo marcada por una introducción de vocoder que subraya la idea de artificialidad, nos da todo lo que amamos de la música de Pet Shop Boys: los arreglos con muchos sintetizadores, los estribillos sentimentales y el lirismo con carga social. “Rent” constituye un ejercicio de profundidad musical, lleno de emoción y pasión, fusiona el tema del amor (aunque la canción trata prácticamente sobre la prostitución de alto nivel) con el espíritu de una oscura fotografía Polaroid del Londres de los 80, disfrutamos de una impresionante línea melódica, "Rent" contornea la encantadora tristeza del hedonismo como una pintura de una escena decadente con matices edificantes. Sin una consistencia creativa, "Hit Music" es un mas decepcionante un cambio demasiado brusco despues de lal sentimental "Rent", pretende ser una sátira de la música comercial, pero rápidamente pasó de moda debido a las letras cuestionables y los aburridos arreglos.

Contrariamente a la aridez de “Hit Music”, “It Couldn’t Happen Here” amplifica emocionalmente la atmósfera misteriosa, los arreglos orquestales (dirigidos por el compositor de David Lynch, Angelo Badalamenti el creador de la banda sonora de Twin Peaks) dan resonancias majestuosas a la hermosa oscuridad de la composición, es encantadora, cálida y profundamente conmovedora, y los matices crean un paisaje nocturno de ensueño. "It's A Sin" constituye el pináculo del álbum, siendo una mezcla perfecta entre temas sociales y ritmos ardientes, la canción es un resumen del estilo de Pet Shop Boys, destacando la fuerza expresiva del synth pop. Al combinar el significado metafórico con los ritmos explosivos, la canción adquiere un poder que le da a todo el álbum una dirección definida. Sin "It's a Sin", "Actually" no sería parte de la actualidad musical actual, debido a su fuerza, el oyente toma conciencia del poder del álbum ante el que estamos. "I Want To Wake Up" crea una atmósfera lúgubre que nos traslada al pesimismo, es un ejemplo de la nueva dirección del realismo pop británico, el ambiente es deprimente y desesperanzado, aderezado de una inquietante ambigüedad. "Heart", al igual que "Hit Music", no construye un gran tema, siendo parte de las peores canciones de "Actually", se la nota demasiado anclada en la música genérica de los 80, por lo que decepciona en comparación con las otras canciones. El final, "King's Cross", representa el momento más melódico, siendo una fusión entre la melancolía, aquí." Pet Shop Boys terminan el álbum con un tono elaborado que combina los puntos más fuertes de todo el trabajo, demostrando nuevamente los picos creativos de "Actually".

A pesar de algunos tropiezos conceptuales, la importancia de "Actually" se vuelve cada vez más evidente con cada escucha. Los ritmos complejos, las composiciones empáticas y el arte lírico hacen del álbum un punto de inflexión en toda la decoración pop. Esto demuestra que la música comercial puede tener inteligencia definitiva. Romántico, accesible y caótico, "Actually" resalta las cimas conceptuales del synth-pop, siendo el lanzamiento de Pet Shop Boys el que dio la combinación más lograda entre complejidad musical y atmósfera de club. "Actually" todavía inspira y encanta, siendo una exhibición fascinante de ritmos, ideas hedonistas y composiciones emotivas. "Actually", el álbum que llevó a estos británicos a la cima, un artefacto que cruzará océanos de tiempo para sonar siempre fresco, perfecto y hermoso. Mientras tanto, estaremos mareados mientras gira, hipnotizados por la impecable dicción de Neil Tennant y por la fantasía y los precisos arreglos de Chris Lowe.

0981.- You wear it well - Rod Stewart

"You Wear It Well" fue escrita por Rod Stewart y Martin Quittenton para ser incluida en el álbum "Never a dull moment" (1972), y con la idea de crear un single que repitiera el éxito cosechado el año anterior con el gran hit "Maggie May". Quizá fruto de ese objetivo tan marcado, la canción está compuesta de acordes y arreglos muy similares a los de la ya mítica canción de Stewart, pero más allá de las posibles similitudes melódicas, estamos ante una de las canciones imprescindibles del cancionero del genial cantante británico.

En cuanto al resultado, puede decirse que cumplieron el objetivo que se habían marcado, porque "You Wear It Well". El single salió publicado el 12 de agosto de 1972, obteniendo un gran éxito internacional. Llegó al nº de las listas de ventas de singles del Reino Unido, y en Estados Unidos se quedó en un más que meritorio puesto 13 del Billboard Hot 100 chart.

Para promocionar el single, Rod Stewart interpretó "You Wear It Well" en directo en el mítico programa de la BBC "Top of the Pops", reuniendo para la ocasión a The Faces al completo, con el coautor de la canción Martin Quittenton a la guitarra clásica y Dick "Tricky Dicky" Powell tocando el violón para la ocasión.