Disco de la semana 315 - Amused to death - Roger Waters

¿Qué pasaría si la humanidad estuviera condenada a un estado de entretenimiento extremo que nos alejara de las cosas importantes, y nos condenara a estar entretenidos hasta la muerte? Ese es, ni más ni menos, el argumento de "Amused to death", el tercer álbum en solitario de Roger Waters. La idea de un mono viendo todo el día la televisión y tomando decisiones a partir de ello se basó en el libro "Amusing Ourselves to Death: Public Discourse in the Age of Show Business" (1985) del crítico y académico estadounidense Neil Postman, no dista mucho de la realidad en la que hoy en día vivimos, entretenidos hasta la saciedad y no solo por la televisión, sino por Internet y los youtube, instagram, facebook, tiktok, twitter, etc.

Publicado en 1992, está considerado por muchos como el mejor disco de Roger Waters fuera de Pink Floyd, y en él tienen cabida los temas habituales y recurrentes de sus mejores obras: las críticas a la guerra, la religión, y la denuncia de la opresión y la injusticia de una sociedad marcadamente consumista. Comienza con la intro de guitarra y recitado de "The Ballad of Bill Hubbard", que incluye un sample de Alfred 'Alf' Razzell, de los Fusileros Reales, describiendo sus fallidos esfuerzos por llevar a un lugar seguro a su compañero herido William Bill Hubbard, antes de tener que abandonarle en tierra de nadie, y a continuación la ironía y la acidez contra la religión hacen acto de presencia en "What god wants, part I" ("lo que Dios quiere") y apoyado en el sonido rotundo y lacerado de la guitarra de Jeff Beck, enumera en su elaborada letra todas las cosas, buenas o malas, que ocurren en este mundo y que, según él, Dios quiere porque, de lo contrario, no ocurrirían ("Dios quiere paz, Dios quiere guerra, Dios quiere hambruna, Dios quiere grandes almacenes..."). El estribillo sentencia que "Lo que Dios quiere, Dios lo tiene", dando forma a uno de los temas clave del disco, que se repetirá en diferentes momentos del mismo, en hasta tres versiones diferentes.

En las dos partes de otra pieza clave y relevante del disco (las geniales Perfect sense, part I y Perfect Sense, part II, con la colaboración especial de la cantante Rita Coolidge) Waters continúa desgranando el concepto del disco, la influencia de los medios de comunicación y cómo afectan negativamente a nuestra vida, conduciéndonos al materialismo y al consumismo feroz ("No lo ves?, todo cobra perfecto sentido, expresado en dólares y céntimos, libras, chelines y peniques... No lo ves? Todo cobra perfecto sentido!"), que serían los principales causantes de escenas de "alemanes matando a judíos" y "judíos matando a árabes". Cargadas de sátira e ironía, incluyen la voz del comentarista deportivo Marv Albert anunciando un ataque militar en una plataforma petrolera como si de un emocionante partido de baloncesto se tratase, mientras un solemne coro repite que "Todo cobra perfecto sentido". 

Como buen disco conceptual, las canciones van hilvanando el tema y guardando relación entre ellas, como en el caso de la rockera The Bravery of being out of range ("La valentía de estar fuera del alcance" de esos medios de comunicación controladores que siguen distorsionando la realidad y los verdaderos valores), en la que la guitarra de Jeff Beck vuelve a ser predominante en una canción que es principalmente una crítica a la Guerra del Golfo. En esa atmósfera asfixiante de imágenes de sucesos, y con el mono haciendo zapping nervioso de un canal a otro, la temática tradicional antibélica de Waters se mueve como pez en el agua en el disco, en canciones como "Late Home Tonight, Part I" y "Late Home Tonight, Part II", temas de corte más acústico en los que se describe el bombardeo de Trípoli en 1986 se examina desde los diferentes puntos de vista de tres personajes diferentes (la esposa de un agricultor en Oxfordshire, un joven piloto norteamericano en su camino hacia la contienda, y una mujer en Trípoli intentando que su bebé deje de llorar. Plagadas de impactantes efectos de sonido, recuerdan estilísticamente a algunos de los momentos más "visuales" de The Wall.

Tras la lenta y oscura Too much rope, Waters despacha las partes restante de What God wants (Part II y Part III), con Charles Fleischer (la voz de Roger Rabbit), basadas en la melodía de la primera pero con un tono mucho más sombrío y apocalíptico, conforme la "muerte por entretenimiento" se va divisando cada vez más cerca en el horizonte. Don Henley tiene una aparición especial en "Watching TV" para cantar a dúo con Waters sobre las víctimas de la masacre de Tiananmen en 1989, en la única canción del disco en la que Waters parece otorgar a los medios de comunicación un rol positivo en la denuncia de las injusticias, no sin por ello liberar la consiguiente carga irónica: "Ella es la única de 50.000.000 que puede ayudarnos a ser libres... porque murió en televisión". 

"Three wishes" tiene un toque de jazz-blues que la hace totalmente distintiva respecto al resto del álbum, y como su título indica habla de una especie de genio oriental que pudiera conceder tres deseos. El protagonista desperdicia rápidamente sus tres deseos, sin percatarse de que lo que en realidad debía haber pedido era ser querido al volver a casa. "It's a miracle" es otra de las canciones lenta del disco, una especie de lamento final para lo últimos días del mundo. El milagro en realidad no existe, y la humanidad está agonizando presa de su propia avaricia y su desmedida obsesión por el entretenimiento televisivo. La tan anunciada muerte llega en "Amused to death", una fantasía futura en la que los alienígenas llegan a La Tierra, y deciden estudiar las causas por las que este planeta ha muerto. Al encontrar los esqueletos de los humanos agrupados en torno a los televisores, acaban llegando a la gran conclusión final: "La especie humana se entretuvo hasta la muerte."

El disco termina volviendo al sampleado inicial del fusilero, que parece consolarse en el hecho de que su compañero muerto haya encontrado por fin la paz. En conjunto, no es una obra asequible o de fácil escucha, pero para los amantes de los grandes discos conceptuales es una obra tan oscura como apasionante, y el único de los discos de Waters en solitario que podría sentarse sin complejos "a la mesa" de sus grandes discos con Pink Floyd y tratarles de tú a tú. Mientras tanto, y como parece que la raza humana nunca aprenderá la lección, ni hará caso a la moraleja oculta en "Amused to death", nosotros seguiremos entretenidos con nuestros móviles y nuestras tablets, atrapados en nuestras propias redes sociales y absortos con miles de aplicaciones, hasta que, dentro de unos años, los extraterrestres se sienten frente a lo poco que quede en pie, intentando resolver el misterio de nuestra extinción como planeta.

0777 - The Kinks: Strangers

0777 - The Kinks: Strangers

Strangers es una canción escrita por Dave Davies e interpretada por el grupo de rock británico The Kinks. Fue lanzado en noviembre de 1970 en el álbum LP de Kinks, Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part uno, que es mejor conocido por producir el exitoso sencillo "Lola". Strangers es una de las dos pistas escritas por Dave Davies en el álbum, la otra es "Rats". Ha dicho que la canción trata sobre un viejo amigo de la escuela que murió de una sobredosis de drogas.

Aunque nunca se lanzó como single, sigue siendo popular entre los fanáticos hasta el día de hoy, especialmente después de que se usó en la película de Wes Anderson de 2007 The Darjeeling Limited (junto con otras dos canciones del álbum escritas por Ray Davies, "This Time Tomorrow" y "Powerman").

Strangers fue interpreta y versionada por varios artistas. Una versión de la canción grabada en vivo por Norah Jones se incluyó como pista extra en la edición de lujo de su álbum de 2009 The Fall. Se lanzó una versión de Feist en el CD incluido con el DVD de su documental Look at What the Light Did Now. El dúo de folk rock independiente Wye Oak interpretó una versión de la canción en mayo de 2010 para The A.V. AV del club Serie encubierta. También ha sido versionada por el supergrupo de rock alternativo Golden Smog en su álbum Another Fine Day, la banda de indie rock Piebald, la banda de folk Crooked Fingers, el cantante punk Ben Weasel en su primer álbum en solitario Fidatevi, la banda de folk pop Lucius en la edición extendida de su álbum de 2016. álbum Good Grief, y por Black Pumas en la "Edición de lujo expandida" de 2021 de su álbum homónimo.

Daniel 

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Björk - Biophilia (Mes Björk)

Para aquellos que se perdieron despues de Homogénic, no teman, aquí está la salvación ya que en lugar de ser sutil, sintetizar conceptos para el instrumento humano, o simplemente hacer lo que quisiera sin límites, Björk debe haberse dado cuenta de que muchos de sus fans carecían de paciencia para ese tipo de cosas, para ellos creó Biophilia lo que supone un gran cambio de ritmo con respecto a sus álbumes anteriores. Musicalmente, 'Biophilia' puede ser el álbum más experimental de Björk (en el que usa instrumentos reales), por lo que 'Biophilia' es uno de los pocos álbumes que literalmente no suena como nada que hayas escuchado antes. Esto, sin embargo, hace que sea bastante difícil entenderlo al principio, ya que la estructura típica de la canción no se ve en ninguna parte de este álbum, solo un puñado de canciones tienen versos y estribillos y todo el álbum es bastante oscuro, malhumorado y deprimido.

Arranca el album con Moon y sus lentas pero hermosas cuerdas folklóricas que representan las diferentes fases de la luna, el tintineo de las arpas y el vibrante subgrave son los únicos componentes instrumentales, y ambos se manejan de manera brillante. La canción, aunque minimalista, no se vuelve repetitiva ya que las arpas pasan de instrumentos melódicos a algo rítmico, casi percusivo, y la línea de bajo ascendente se apodera de la melodía. La segunda mitad de la canción se transforma aún más por un arreglo coral brillantemente contrastante. Después del primer verso, hay un buen, largo, casi silencio, una táctica que veremos como ella repite en distintas ocasiones. Como en Debut, las canciones son engañosamente simples, hay cambios sutiles en la melodía, instancias de armonía aparentemente salidas de la nada y de alguna manera, incluso con un tema tan grandioso, lo hace cálido y personal. Esa es quizás la cualidad más resistente de la música de Björk; la humildad. Thunderbolt sale de la canción de cuna de la apertura con algunas notas sostenidas en lo que suena como un sintetizador, su voz es mucho más aguda y menos apagada en comparación con "Moon", otra vez la música se detiene, esta vez solo dura dos segundos pero regresa pero con un amigo, la Bobina de Tesla y el tono cambia bastante a una casa embrujada funky. Con cada pausa adicional, la canción parece tomar una nueva dirección y enriquecerse al mismo tiempo, definitivamente hay muchas cosas que apreciar aquí. Crystalline es la pista más accesible y está claro por qué fue el single. Al igual que  Moon , la canción enfrenta melodías plinky-plonky (esta vez proporcionadas por otro instrumento único: el gameleste) con graves profundos. Esta combinación inusual funciona bien para acentuar los ritmos inusuales de los versos, y a la canción se le da un mayor nivel de energía con sus ritmos bailables y su llamativa voz principal. Luego tenemos Cosmogony, me gustan los metales al principio, le da un toque muy real a la canción. También creo que las voces en capas suenan bien, es un momento de paz y belleza. Todas las partes de la canción se fusionan en un ambiente melodioso con la hermosa melodía de metales y los pasajes corales que a veces pasan a primer plano. El uso de baúl de viaje se suma aún más al sonido ambiental. En contraste, Dark Matter es discordante y oscura, es una idea musical interesante, pero creo que no está lo suficientemente desarrollada como para que funcione, eso, junto con su duración relativamente corta, lo convierte en un poco insignificante

Hollow con su ritmo constantemente acelerado y cambiante es una buena idea pero, una vez más, no es lo suficiente para que la canción por si brille. A pesar de su cambios , esta pista se siente sin rumbo. VIrus se desarrolla muy bien sónicamente y la belleza de su arreglo casi infantil contrasta muy bien con sus letras inquietantes, sin embargo, no es perfectaiento que apuntaba al término medio entre las canciones pop, como  Crystalline,y las pistas experimentales, pero en lugar de ser un equilibrio de ambos, se presenta como un intermedio incierto e insípido. A continuación tenemos de nuevo algunas de las mejores pistas del álbum, primero llega Sacrifice, donde habla de un hombre que lucha por confesar sus sentimientos a una mujer que le gusta y Bjork lo hace muy bien, su voz suena épica. En Mutual Core tenemos los mismos sintetizadores que se usan en Thunderbolt al principio, pero se rompen con pausas de batería para simbolizar una relación fallida con un hombre que es todo lo contrario de Sacrificio. Otra cosa que me gusta de este álbum y en particular estas dos ultimas canciones,  es la voz de Bjork, encanta a lo largo de todo el álbum, puede pasar de inquietante, a agresiva y enojada, y luego a hermosa y apasionada, le da esa sensación emocional y consistencia como en Vespertine. Como en Crystalline, combina un estribillo pop estándar (aunque pesado) con versos inusuales, rebosante de ambiente y atmósfera antes de estallar en un coro que es a la vez simbólico y pegadizo. Siento que  Mutual Core logra sintetizar las dos caras del álbum (pop y experimental) con mayor éxito que Virus y, por eso, puede que sea mejor pista. El álbum cierra con Solstice y nos da un momento mucho más tranquilo que el explosivo Mutual Core y la responsable es Bjork, sin el acompañamiento del coro por primera vez, y las arpas de gravedad ( el último instrumento único de Biophilia ) se unen para una pista inusual que cambia entre algunas melodías muy hermosas y pacíficas y teñidad de algo oscuro, casi inquietante. Es probablemente la canción más discreta aquí, pero solo por esa razón se destaca. Sin duda, también es un cierre apropiado.

El álbum nunca pierde el foco está lleno del sonido característico de Björk que todavía no me siento cómodo categorizando y, sin embargo, definitivamente es una entidad propia. Durante los últimos, parece que los artistas visuales crean un mundo de fantasía en su arte. Sin embargo, Björk hace lo contrario y solo usa el universo, el real, y de alguna manera lo trae a la Tierra. Aquí hay una canción de amor sobre un organismo microscópico, no estoy bromeando, dale una oportunidad a Björk y Biophilia. Dejate atrapar por su música, lee sobre ello, intenta entenderlo, dale sentido. Hay belleza en la ambigüedad, sin embargo, los detalles finos dan mucho más que pensar. Creo que Biophilia está muy subestimado ahora que no es tan bueno como Post, Homogenic o Vespertine, pero sigue siendo muy bueno por derecho propio y me encanta cómo se destaca por sí solo.

0776.- Apeman - The Kinks

Apeman está publicada en el álbum de 1970 titulado The Kinks Part One -Lola Verses Powerman And The Moneygoround, con este álbum, Ray decide incorporar influencias musicales más variadas de las que había tenido anteriormente, incluyendo un poco de folk y un sonido de rock más pesado, junto con los sonidos de vodevil ingleses más típicos de los últimos años. Esto conduce a una nueva madurez en el sonido Kinks y un alejamiento definitivo de su sonido sesenter, definitivamente estaban preparados para abrazar la nueva era de los setenta y tanto, el album fue un bombazo por su sencillo principal "Lola". Apeman fue una oda a la vida sencilla, y declararon que quieren "navegar lejos a una orilla lejana y hacer como un hombre-mono”. Si Ray Davies ya había tenido suficiente del mundo moderno en 1970, no podemos imaginar cómo está lidiando con estos días. Al igual que con el sencillo principal Lola, en el que Davies tuvo que abandonar una gira por los Estados Unidos y volar de regreso al Reino Unido para cambiar la letra "Coca-Cola" a "cherry cola" y evitar sanciones por los derechos reproducción en las radios sobre las marcas, en esta cancion tuvo que volver a hacerlo, volar de regreso al Reino Unido para volver a grabar la línea "la contaminación del aire me está empañando los ojos" porque su anuncio de la palabra "a-foggin'" sonaba demasiado parecido a algo... mucho menos compatible con la radio en la época. Ray Davies escribió esta canción sobre un hombre que no está contento con el mundo moderno, esta buscando escapar de los problemas causados por sus congéneres humanos, planea un viaje lejos de casa, donde pueda vivir como un "hombre mono". Escapar de la sociedad moderna es un tema que prevalece en muchas de las otras canciones de Ray Davies, tanto en solitario como con The Kinks. La canción tiene una melodía asombrosamente pegadiza, e infantilmente, declara que preferiría dejar todo atrás y vivir como un Apeman (Hombre mono) en una costa lejana. Este tema del aislamiento y el rechazo de la sociedad es algo que se ha quedado con Ray desde sus primeros días: recordemos I'm on an Island en el álbum Kinks Kontroversy. Las letras también se encuentran entre las más ingeniosas que ha escrito, otra cosa que muestra es su amor y quizás admiración por los animales que lo llevaron a él y a su hermano a una vida vegetariana.

Pero todo ese esfuerzo valió la pena, Lola Versus Powerman and the Moneygoround fue un álbum conceptual innovador en su época y, después de celebrar recientemente su 50 aniversario en noviembre del año pasado, sigue siendo un clásico hasta el día de hoy. Echa un vistazo a la interpretación ruidosa de The Kinks de "The Apeman" en Top of the Pops en 1970 a continuación. Incluso si The Kinks ya habían superado su cúspide creativa en el momento en que se grabó esta música, seguían siendo una de las mejores bandas de pop/rock y talentosos compositores de la escena británica y esta música no perdió nada de su calidad y vitalidad con el tiempo. Las canciones de este álbum, que se lanzaron como singles, permanecen en la memoria colectiva de la generación de los años 60 y 70 como parte integral de la banda sonora de su vida, incluido su humilde escriba.

0775.- Lola - The Kinks

“La conocí en un club del viejo Soho, donde bebes Champagne y te sabe a Coca-cola... Se acercó a mí y me preguntó si quería bailar, le pregunté su nombre y con voz grave me dijo Lola..." Su nombre completo, o más bien el del disco, era Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One (1970)​, la impresionante obra conceptual que The Kinks entregaron como octavo álbum de estudio. Pero todos la conocían por su nombre de pila: Lola, el título de su single más relevante y su mayor éxito desde Sunny Afternoon o el archiconocido You really got me.

Lola fue uno de los primeros temas que se grabaron para el disco, y las sesiones de grabación fueron complejas e interminables, hasta que lograron conseguir el particular sonido que estaban buscando para la canción. Lo lograron tras una visita de Ray Davies a una tienda de instrumentos musicales londinense, a la que fue buscando la guitarra Martin que quería para la canción. Allí, además de la guitarra, encontró un viejo dobro de los años 30, que combinado con la guitarra y una fuerte compresión dio como resultado el sonido tan característico del que sería su mayor hit. Lola es brillante en sonido, pero destaca además en lo audaz de la letra para la época, narrando un encuentro romántico con una chica que resulta ser un chico travestido: "Bueno, no soy idiota, pero no puedo entender por qué ella habla como un hombre, y anda como una mujer..." 

La Lola de los Kinks es el personaje más honesto y humano de todos los que pueblan el disco, el ninot que salvan de la quema y se quedan consigo: "Bueno, no soy el hombre más masculino del mundo, pero sé lo que soy, estoy satisfecho de ser un hombre y también Lola..." Y Lola se lo agradeció con un éxito descomunal como sencillo, llegando a los primeros puestos de las listas británicas y al noveno del Billboard estadounidense (en una versión en la que en la letra sustituían "Coca-Cola" por "Cherry-Cola" para evitar contenciosos con la marca de refrescos y que pudiera ser emitida en la BBC). Un tema sin duda apasionante... "Aunque, bueno, no soy el tipo más apasionado del mundo, pero cuando miré a sus ojos, casi caí por mi Lola, la-la-la-la Lola..."

0774.- I'd have you anytime - George Harrison

All Things Must Pass (1970) ("Todas las cosas deben pasar") fue publicado apenas siete meses después de la separación de The Beatles, y lo que para McCartney se convirtió en un drama, para George Harrison fue una auténtica liberación. Como si todas las cosas hubieran realmente pasado con aquella separación, el músico liberó gran parte de las canciones que, tras años bajo el yugo de no poder aportar una o dos canciones a cada álbum de los de Liverpool, tenía almacenadas en su cajón o en su cabeza entre 1968 y 1970. Una obra magna y desmedida, en la que contó con el respaldo de músicos como Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston o Klaus Voormann, y en la que liberó toda su espiritualidad y su creatividad, hasta entonces amordazadas por el gran techo de cristal que le imponían dos figuras tan poderosas como Lennon & McCartney.

Harrison tenía que cuidar una obra tan grande ya desde el comienzo, y la elegida no fue otra que I'd have you anytime, escrita junto a Bob Dylan. Precisamente, es tras conocer a Dylan en Estados Unidos, y entablar con él una gran amistad, cuando Harrison comienza su proceso creativo para All things must pass, y aunque en ese período compusieron juntos dos canciones, solamente I'd have you anytime terminó formando parte del disco. Producida por Phil Spector, fue grabada en Londres con la participación de Eric Clapton en la guitarra eléctrica, Klaus Voormann (bajo), Alan White (batería) y orquestaciones de John Barham, y en su romántica letra nos deja un claro mensaje sobre lo que el ya ex guitarrista de los Beatles nos estaba enseñando en aquel inmenso disco: "Todo lo que tengo es tuyo, todo lo que ves es mío" ¡Y qué bueno es todo en ese disco, George!

0773 - George Harrison: What is life

What Is Life es una canción del músico de rock inglés George Harrison de su álbum triple de 1970 All Things Must Pass. En muchos países, se publicó como el segundo single del álbum, en febrero de 1971, convirtiéndose en un éxito entre los diez primeros en los Estados Unidos, Canadá y otros lugares, y encabezando las listas de singles en Australia y Suiza. En el Reino Unido, What Is Life apareció como cara B de "My Sweet Lord", que fue el single más vendido allí en 1971. Los músicos de apoyo de George Harrison en la canción incluyen a Eric Clapton y todo Delaney & Bonnie y Banda Friends, con la que había estado de gira durante los últimos meses de The Beatles. George Harrison coprodujo la grabación con Phil Spector, cuya producción Wall of Sound también empleó un prominente arreglo de cuerdas de John Barham y múltiples guitarras rítmicas acústicas, tocadas por los compañeros de Apple Records de George Harrison, Badfinger.

Una melodía es un soul uptempo, What Is Life es una de varias canciones de amor de George Harrison que parecen estar dirigidas tanto a una mujer como a una deidad. George Harrison escribió la canción en 1969 y originalmente tenía la intención de que fuera una canción para que la grabara su amigo y protegido de Apple, Billy Preston. Construida alrededor de un riff de guitarra descendente, es una de las composiciones más populares de George Harrison y fue una inclusión regular en sus presentaciones en vivo. La revista Rolling Stone lo ha descrito de diversas formas como un "clásico" y una "exultante canción de rendición".

What Is Life ha aparecido en la banda sonora de largometrajes como Goodfellas (1990), Patch Adams (1998), Big Daddy (1999), Away We Go (2009), This Is 40 (2012) e Instant Family (2018). La grabación original de George Harrison se incluyó en las compilaciones The Best of George Harrison y Let It Roll, y las versiones en vivo aparecen en su álbum Live in Japan (1992) y en el documental de Martin Scorsese de 2011 George Harrison: Living in the Material World. En 1972, Olivia Newton-John tuvo un éxito en el Reino Unido con su versión de la canción. Ronnie Aldrich, The Ventures y Shawn Mullins se encuentran entre los otros artistas que han versionado la canción.

Björk - Volta (Mes Björk)

Volta es el sexto álbum de estudio de la cantante islandesa Björk, lanzado el 1 de mayo de 2007 por One Little Indian Records. Es un álbum en colaboración, donde una amplia gama de artistas colaboró ​​con Björk en el material del álbum, incluido el antiguo colaborador Mark Bell, junto con los nuevos productores Timbaland y Danja.

Una amplia gama de artistas colaboraron con Björk en material para el álbum Volta. Björk se puso en contacto por primera vez con Timbaland sobre una posible colaboración en diciembre de 2005. La primera sesión tuvo lugar en febrero de 2006 en Studio 4 en Manhattan Center Studios en la ciudad de Nueva York, poco después de que Björk visitara Banda Aceh en febrero de 2006 para ver parte del trabajo de UNICEF con los niños que estaban afectados por el tsunami, en mayo de 2005, Björk lanzó el álbum benéfico Army of Me: Remixes and Covers para ayudar al trabajo de UNICEF en la región del sudeste asiático. Las experiencias de Björk en Indonesia llevaron a la canción "Earth Intruders", originalmente una canción de diez minutos que Björk editó posteriormente para la versión del álbum Volta. Björk colaboró ​​en siete canciones en total con Timbaland. Timbaland había declarado que tenía la intención de que una de las pistas que hizo con Björk apareciera en su nuevo álbum en solitario, pero esto no se materializó. El primer single de Volta, "Earth Intruders", está coproducido por Timbaland, así como el segundo single "Innocence"; la canción del álbum "Hope" está coescrita por Timbaland. Björk ha declarado que es poco probable que las otras canciones de Timbaland se publiquen alguna vez.

Este álbum de colaboraciones tiene a Anohni, cantante principal de la banda Antony and the Johnsons, que aparece en el álbum para dos dúos: "The Dull Flame of Desire" y "My Juvenile". Las sesiones de colaboración tuvieron lugar en Jamaica. Björk también ha reunido su propia sección de metales de catorce músicos islandeses que tocan en tres pistas del álbum. Its members comprise Sylvía Hlynsdóttir, Ása Berglind Hjálmarsdóttir, Dröfn Helgadóttir, Valdís Þorkelsdóttir, Karen J. Sturlaugsson, Björk Níelsdóttir, Sigrún Jónsdóttir, Harpa Jóhannsdóttir, Vilborg Jónsdóttir, Bergrún Snæbjörnsdóttir, Erla Axelsdóttir, Særún Pálmadóttir, Lilja Valdimarsdóttir and Brynja Guðmundsdóttir.

Otros colaboradores incluyen a los bateristas estadounidenses Brian Chippendale y Chris Corsano, el kora maliense Toumani Diabaté, el conjunto congoleño Konono N°1, el pipa chino Min Xiao-Fen, el músico electrónico británico Mark Bell, el letrista islandés Sjón, programador e ingeniero Damian Taylor y el productor estonio Michael Pärt.

Volta fue etiquetado como un álbum de electropop, experimental, world y avant-pop. Estilísticamente, es un álbum distintivo y ecléctico que, si bien incorpora los esfuerzos de muchos colaboradores, toca formas de música como la música de metales, la música folclórica china, la música tribal de percusión, la música electrónica, la música folclórica maliense, la música ambiental y la música industrial. Björk optó por incorporar instrumentos de cuerda pulsada "como el océano ... pero con un sonido más sucio que cuando Björk lo hizo, por ejemplo, en Vespertine", y temáticamente, tenía la intención de que el álbum "going for something more pagan". 

Usó instrumentación de metales para casi todas las canciones del álbum, y la mayor parte de la instrumentación es cortesía de un conjunto de metales islandés compuesto exclusivamente por mujeres. Sin embargo, Björk también usó muestras de su proyecto anterior, The Music From Drawing Restraint 9, como en el caso de "Vertebræ by Vertebræ" y "Declare Independence", porque estaba interesada en saber cómo sonarían los sonidos de ese álbum de la banda sonora. en un paisaje sonoro menos ambiental o atmosférico. Para la canción "Pneumonia", que también presenta una sección de vientos independiente, se inspiró en su propia lucha contra la enfermedad y en una conmovedora visualización de la película Pan's Labyrinth.

"Earth Intruders" incorpora los esfuerzos de múltiples colaboradores, incluida la producción tribal de Timbaland y Danja, el conjunto congoleño Konono N°1 que toca likembés eléctricos y el percusionista estadounidense experimental Chris Corsano, así como un sonido de marcha unificado "squelching" que se reproduce continuamente. "Declare Independence" fue originalmente una pista instrumental del músico británico y colaborador musical frecuente Mark Bell, interpretada en sus shows en vivo ya en noviembre de 2006. Björk luego agregó su voz en la parte superior.  Presenta una producción de estilo tecno industrial ruidosa y distorsionada, similar a "Pluto" en el álbum Homogenic de Björk de 1997, y ha sido comparada con Atari Teenage Riot debido a sus guiños estilísticos al punk. La letra está dedicada a las Islas Feroe y Groenlandia.

Björk ha descrito "Wanderlust" como el corazón de Volta, y ha dicho que la canción trata sobre "el estado de buscar algo y casi saber que nunca lo vas a encontrar" y que se burla de ella. hambre de "algo nuevo". Fue lanzado en el Reino Unido el 30 de junio. Como dijo Björk en una entrevista para Harp, "Las cosas van en círculos. Wanderlust, por ejemplo, es una especie de continuidad de 'Hyperballad'".

Daniel 

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0772.- If Not For You - George Harrison

Ningún otro Beatle tenía más que ganar con su ruptura que el guitarrista George Harrison, quien en 1970 ya había dado señales de su capacidad como compositor. No había transcurrido un año de la ruptura del grupo cuando George lanzó su obra maestra: All Things Must Pass, un álbum doble con un tercer disco adicional para arrancar su carrera (lo que hace que la experiencia completa sea un asunto de álbum triple), George estaba oficialmente libre de la sombra proyectada por Lennon - McCartney . Es folk, rock, blues, pop, y George también comparte con nosotros sus puntos de vista mundanos sobre la religión, el amor, la amistad y su pelea con The Beatles. Muy pocos álbumes son una obra maestra tan singular como lo es All Things Must Pass, George derribó esa puerta cerrada con llave, y detrás de esa puerta estaba el mejor proyecto en solitario lanzado por cualquier Beatle.

Para este disco George Harrison grabó una versión de la canción de Bob Dylan 'If Not For You', Harrison y Dylan mantenian una gran amistad a finales de la década de 1960, y en 1968 colaboraron en la canción 'I'd Have You Anytime' , que se convirtió en la canción de apertura de All Things Must Pass . En 1970, Harrison también asistió a algunas de las sesiones del álbum New Morning de Dylan. En noviembre de 1970, un mes después de su publicación en New Morning, George Harrison publicó una versión de la canción en su triple álbum All Things Must Pass. 'If Not For You' fue la canción de apertura del álbum de Dylan, la versión temprana lánguida con Harrison en la guitarra se grabó el 1 de mayo de 1970 en el Estudio B de Columbia en Nueva York, la noticia de la colaboración entre Dylan y el recientemente ex Beatle causó gran entusiasmo en la prensa musical, a pesar de que Columbia Records había anunciado que ninguno de los artistas consideraba los resultados dignos de ser publicados, se cree que es la primera instancia grabada con la guitarra slide de Harrison. Evidentemente, a Harrison le gustó la canción lo suficiente como para grabar su propia interpretación basada en la primera versión de Dylan. Mientras que la de Dylan era optimista, áspera y lista, con una espontaneidad que caracterizó sus métodos de trabajo preferidos durante este tiempo, la de Harrison fue más lenta, más cuidadosamente interpretada y con una producción brillante. Situada en el álbum después de un grupo de canciones que tenían el famoso “Muro de sonido” de Phil Spector en su máximo desarrollo: 'My Sweet Lord' , 'Wah-Wah' , 'Isn't It A Pity' y 'What Is Life', este tema sirvió como un punto de ruptura perfecto, un contraste de las producciones densamente empaquetadas y las efusiones emocionales de frustración y veneración, insinuando un lado más simple de Harrison.

Figuras de los 50: Fats Domino

Su humildad, su sencillez no ayudaron a que fuera tan recordado como otros pioneros del rock and roll, pero su talento estaba muy por encima de la gran mayoría, de hecho Elvis Presley al que denominan el rey del rock, hizo su particular reconocimiento en unas declaraciones: “El rock and roll estaba aquí mucho antes de que yo llegara, nadie puede cantar esa música como los negros. Reconozcámoslo: yo no puedo cantarlo como Fats Domino lo hace", incluso llego a decir que el verdadero rey del rock and roll era Fats Domino.

De nombre Antoine Domino, nació el 26 de febrero de 1928 en New Orleans, Luisiana, en el seno de una familia criolla de habla francesa, que habían sido trabajadores de la caña de azúcar. Su afición por la música le venia de familia donde había varios miembros que sabían tocar algún tipo de instrumento, su padre era violinista, pero el más importante para Antoine fue su tío Harrison Verret, talentoso músico de jazz. En la adolescencia trabajo de mecánico, mozo de cuadra y vendedor de helados, hasta que encontró un trabajo estable en la empresa Crescent de somieres en la metrópolis de New Orleans, y le permitió dedicarse a la música a tiempo parcial, empezando a tocar en los bares nocturnos.

Sus inicios se remontan cuando en la banda de Billy Diamond, tras dejar esta banda, formo su propio frupo y empezó a tocar en el Hole In The Wall club en Desire Street, donde entablaría amistad con Dave Bartholomew, En 1949 un día apareció por el local de visita Lew Chudd, de la compañía californiana Imperial Récords, que escucho a Fats tocar “The Junker´s blues” y le propuso grabarla, pero cambiando su letra ya que hablaba implícitamente de las drogas, el tema que Fats y Dave compusieron tubo el nombre “The Fat Man”, y fue todo un éxito, con esta cancione entraria por primera vez en las lista de R&B Charts en 1950, y es considerado por muchos como el primer tema de rock & roll de la historia. En este periodo Fats empieza a definir su estilo musical, fuerte ritmo con un sonido de acompañamiento de estilo boogie woogie, al que sumaba un estilo vocal chillón de blues de bar, que con el tiempo ira haciendo más melódico. Este mismo año grabará su primer numero 1 en las listas de R&B Charts con el sencillo “Goin´ Home”, que le dará a conocer en el ámbito nacional.

En 1954 Domino repetiría número uno en reproducciones de jukebox de R&B, esto solo un presagio de lo que vendría después. En 1955 con el tema “Ain´t it a shame”, conseguiría entrar en las listas de pop. En el año 1956, llega un nuevo pelotazo “I´m in love again” tendrá un gran éxito llegando al 3 en las listas más vendidas de pop charts. El 2 de noviembre de 1956, se produjo una pelea en un concierto de Domino en Fayetteville, Carolina del Norte. La policía utilizó gases lacrimógenos para dividir a la multitud, Domino tuvo que saltar por una ventana para evitar que le pegaran; él y dos miembros de su banda resultaron levemente heridos. Durante su carrera, hubo otros cuatro disturbios importantes durante sus conciertos, "en parte debido al racismo imperante aquellos años", según su biógrafo Rick Coleman. "Pero también hay que tener en cuenta que el alcohol corría libremente en estos espectáculos". Su siguiente éxito “Blueberry hill”, era un tema de 1940 de Gene Autry que lo popularizo Glenn Miller, fue con esta cancion con la que el 18 de Noviembre de 1956 saldría en el programa de Ed Sullivan. Posteriormente llego “Blue Monday”, compuesto por Dave en 1950, en una desafortunada estancia en Kansas city, en el club nocturno Blue monday, donde al parecer sufrieron las consecuencias de una importante nevada, este tema es según él mismo el favorito de toda su carrera

El año 1959 fue un gran año para Fats, el rock and roll empezaba a tocar techo, y la estrella de muchos rockeros empezaba a declinar (o el destino se los había llevado), Domino supo mantenerse con la misma fuerza, ese año grabaría el tema “I´m ready” todo un clásico imprescindible del rock and roll. En 1960 empezaría un lento declive, su siguiente tema “Country boy”, no entro en las listas de R&B charts cosa que no había pasado en los cinco años anteriores, su actividad fue decreciendo a partir de 1963 solo haría esporádicas grabaciones, su último éxito data de 1968 y fue una versión del tema “Lady Madonna” de los Beatles, que estos afirmaron que compusieron inspirados en él. Nunca dejo la música en vivo, pero su amor incondicional por su ciudad y sus reticencias a viajar, hicieron que estas apariciones fueran cada vez más escasas, aunque nunca falta al festival de jazz de New Orleans, la última vez que fue noticia fue por el huracán Katrina que arrasaría la ciudad New Orleans, el decidio no abandonar su casa, pero tuvo que ser rescatado en helicóptero. Domino murió el 24 de octubre de 2017, en su casa en Harvey, Louisiana , a la edad de 89 años, por causas naturales.

Disco de la semana 314: By the grace of God - Hellacopters

Lanzado en 2002, By the Grace of God fue el quinto álbum de The Hellacopters, banda sueca de garage rock y hard rock formada en 1994 por Nicke Andersson (voces y guitarra), Andreas Tyrone "Dregen" Svensson (guitarra), Kenny Håkansson (bajo) y Robert Eriksson (batería). Tras el éxito de High Visibility (2000), su primer lanzamiento con una gran discográfica y el que, para muchos, es su mejor álbum, en 2002 unos cada vez más conocidos y respetados Hellacopters sacan a la luz este By the Grace of God, un disco que sigue la senda creativa y sonora de su predecesor, profundizando en esquemas de hard rock clásico y combinando las melodías de este género con los ritmos de propuestas más garajeras.

Aunque su propuesta es más comercial, las influencias de bandas como MC5 y The Stooges siguen estando presentes en algunos temas de By the Grace of God, pero en menor medida que en discos anteriores, y en su lugar lo que prevalece en el disco es un estilo de hard rock clásico de Rolling Stones o The Faces, influencias que seguirán apareciendo también en su siguiente disco Rock and roll is dead (2005). El rock áspero y acelerado de sus primeros discos evoluciona poco a poco hacia el hard rock clásico de grupos como AC/DC o Guns and Roses, y es en discos como High Visibility o By the Grace of God dónde alcanza su punto más alto, y el hasta entonces cuarteto básico empieza a incluir en estas obras más guitarras rítmicas y arreglos de piano, que visten las canciones y las hacen más asequibles.

En definitiva, By the grace of god es un disco muy recomendable por su carácter enérgico y su fácil escucha. En la parte más enérgica y electrificada estarían temas imprescindibles como el homónimo By the grace of god, que abre el disco al ritmo de unas guitarras melódicas y sureñas y un cierto toque a himno de rock de estadios, y otros temas de rock and roll cañero como All new low, Better than you, The Exorcist o la acelerada It’s Good But It Just Ain’t Right, pero el disco contiene también temas más calmados y profundos como Down On Freestreet o Rainy Days Revisited. Mención especial merece un tema tan bueno como Carry Me Home con claras influencias de Thin Lizzy, y si tenéis la suerte de haceros con la versión estadounidense o japonesa del álbum, la excelente versión del tema Big Guns del gran maestro de la guitarra blues-rock Rory Gallagher.

El título de su siguiente disco fue bastante premonitorio. "El rock and roll está muerto" nos dijeron, cuando en realidad lo que debía estaba agonizando era la propia banda, porque en 2008 se acabaron separando, aunque afortunadamente volvieron a reunirse en 2016, quién sabe si "por obra y gracia de Dios", para seguir demostrando que, en los tiempos que corren, discos como éste siguen estando muy vivos.

0771-. My Sweet Lord - George Harrison

 

My Sweet Lord,  George Harrison 

     El 27 de noviembre de 1970 George Harrison publica su tercer álbum de estudio, All Things Must Pass, un disco triple que supuso además el primer trabajo del artista después de la ruptura de The Beatles. Fue grabado entre los EMI, Trident y Apple estudios de Londres, bajo la producción del mismo artista y de Phil Spector, y publicado bajo el sello Apple Records. El álbum refleja la influencia musical que dejaron en Harrison artistas como Bob Dylan, The Band, Delaney & Bonnie o Billy Preston, y su crecimiento como artista más allá de sus andanzas con The Beatles. La producción comenzó en mayo de 1970 y se prolongó hasta octubre debido a los extensos overdubbing y mezclas que se realizaron. Entre el gran elenco de músicos que colaboraron se encontraban Ringo Starr, Gary Wright, Billy Preston, Erics Clapton, John  Barham, Badfinger, Peter Drake y miembros de Delaney & Bonnie.

Incluido en este disco se encuentra la brillante My Sweet Lord, tema que fue lanzado como sencillo y que llegó a ocupar las listas de éxitos en todo el mundo. Harrison escribió la canción en alabanza al dios hindú Krishna, y en la letra animaba a abandonar el sectarismo religioso a través de una mezcla entre los cantos Hare Krishna y la oración de los llamados Vedas, antiguos textos religiosos procedentes de la India. La canción también presenta el famoso tratamiento de sonido de Phil Spector conocido como Wall of Sound, y supuso la llegada de la técnica de guitarra slide de Harrison. El artista había quedado fascinado en su viaje a la India y esta canción es una buena muestra de ello, donde habla de las religiones orientales que allí estudió. La canción no estuvo exenta de polémica al ser el centro de un complejo proceso judicial y que le costó en 1971 a Harrison ser demandado al considerar la parte demandante que la canción sonaba demasiado parecido al éxito de The Chiffons de 1963 He's So Fine. Una demanda que se convertiría en una carga para Harrison y que hizo que se volviera más reservado sobre sus derechos para con la industria de la música. 

0770.- Oh! Sweet Nuthin - The Velvet Undreground

 "Oh! Sweet Nuthin" es la canción final de  Loaded , el último álbum importante de Velvet Underground. La cancion habla de las historias de los descontentos, el pobre Jimmy Brown, el vagabundo y deprimido Ginger Brown, su compañera de la calle Polly May y la pobre Joanna Love, que se encuentran en un flujo interminable de relaciones fallidas. Entre eso y el estribillo de "Oh, sweet nuthin'/She ain't got nothing' at all", pensarías que esta es una canción miserable, una para escuchar cuando buscas esa última pizca de motivación. para cortarte las venas. Ese sería el enfoque fácil. Más bien, "Oh! Sweet Nuthin'" es una afirmación increíblemente vital, especialmente en la sección final donde el baterista Doug Yule  reemplaza a Moe Tucker que estaba de baja por maternidad, las guitarras crecen y la percusión continúa golpeando y se construye hasta que finalmente se resuelve en una repetición de "Ella no tiene nada en absoluto", que se siente como una recompensa en lugar de un lamento. ¿Quién dice que no se puede hacer algo de la nada?

La canción se abre con un ritmo increíblemente relajado de la guitarra y un simple golpe de batería detrás, junto con algunos sutiles rellenos del bajo, la cancion decide quedarse en ese sonido increíblemente relajado y relajado a lo largo de los dos primeros versos y coros, un sonido al que le viene perfectamente a Reed, afortunadamente, Reed recupera un poco su energía a lo largo del segundo coro, al menos ofrece algún tipo de contraste. Después del segundo coro, la banda se lanza a una sección instrumental que presenta una guitarra principal junto con algunos buenos rellenos de bajo antes de que Reed regrese con otra sección vocal. Algo que debo mencionar sobre esta pista es que la canción es significativamente más larga que la típica de Velvet (Mientras que la mayoría de las canciones de la banda duran unos cuatro o cinco minutos, esta canción dura siete y medio), así que espero que la banda cambie durante la segunda mitad de la cancion, pero desafortunadamente, la banda no altera mucho el sonido de la pista durante la segunda mitad, aunque le inyecta un poco mas de energía que la primera. Además, en esta mitad aparece otro solo de guitarra solista que es mucho más impulsivo que el primero, toda la instrumentación parece conducir mucho más durante la mayor parte de esta segunda mitad en comparación con la primera, pero aun así me hubiera gustado que la banda posiblemente hubiera explorado más en lugar de simplemente alterar ligeramente lo que establecieron en la primera mitad. Sin embargo, todavía encuentro que esta pista es bastante buena y agradable, aunque creo que podrían haberla reducido unos minutos.

0769.- Rock and Roll - The Velvet Underground

"Rock 'n' Roll", escrita por Lou Reed e incluida en el disco Loaded (1970) de The Velvet Underground, relata el nacimiento del rock and roll, a través de la historia de Jenny, una niña a la que el rock and roll le acaba salvando la vida. Lou Reed se refirió después a "Rock 'n' Roll" como una canción que hablaba realmente sobre él mismo: "Si no hubiera escuchado rock and roll en la radio, no habría tenido idea de que había vida en este planeta".

La canción también aparece en The Velvet Underground Live (1969) y posteriormente en el disco en directo "Rock 'n' Roll Animal" (1974) de Lou Reed en solitario, en una generosa versión de diez minutos de duración. El título del disco es quizá un guiño a la canción y a su importancia tanto en el disco como en el cancionero del artista neoyorquino, y la banda aborda el tema con una intensidad particularmente salvaje, como corresponde a una canción que es como una bestia oscura que arrasara con todo lo que se encontrara a su paso, un auténtico Animal del Rock and Roll.

Björk - Medulla (Mes Björk)

 

Medulla, Björk

Atrás queda ya el debut a principios de los 90 de Bjork con su álbum "Debut". En 2002 y tras lanzar un recopilatorio con sus mejores canciones de la década, de 1993 a 2003, y a finales de ese año publica Family Tree, una caja que contiene seis discos compactos en los que quiere reflejar su evolución a través del tiempo, conteniendo canciones tanto de Sugarcubes como en solitario.

El 13 de agosto de 2004 Björk aparece en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Atenas, y con una audiencia de unos 3000 millones de televidentes en todo el mundo, y ante unos 11.000 participantes que allí se encuentran, estrena la canción Oceanía, la cual escribe especialmente poara este evento y que aparecerá posteriormente en su próximo trabajo, Medulla, el cual aparecería publicado el 30 de agosto de 2004. Este disco fue grabado entre los estudios Greenhouse de Islandia, los Estúdio Ilah Dos Sapos de Brasil y La hoyita Studios de España, bajo la producción de Mark Bell y la propia Björk, y publicado bajo el sello discográfico One Little Indian. 

Medulla resulta ser el trabajo más introspectivo hasta la fecha de la cantante, y para su grabación la cantante contó con la colaboración de los vocalistas Tanya Tagag Gillis, Robert Wyatt, Mike Patton (exintegrante de Faith No More), Gregory Purnhagen, y de coros islandeses y británicos. Björk decide prescindir de instrumentos de música tradicionales y apuesta por el uso de vocalistas y de beats electrónicos. La idea original de la cantante era la de poner al disco el título de Ink, en representación del aspecto de la sangre con el paso del tiempo, y de un espíritu oscuro y apasionado en contraposición a la civilización. Finalmente acabaría llamándose Medulla, término usado en latín para una esencia o sustancia, lo más íntimo y profundo de algo. El disco es considerado como el disco más político de Björk, en la lucha contra el racismo y el patriotismo estadounidense después de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001. El disco, donde todas las letras fueron escritas por la artista islandesa, se compone casi completamente de voces humanas y arreglos a capella, careciendo apenas de instrumentación alguna, y en muchas ocasiones las voces son procesadas y sampleadas. 

Las reseñas por parte de la critica especializada de este arriesgado e introspectivo trabajo fueron muy positivas, y Björk recibió dos nominaciones a los premios Grammy por este trabajo, Mejor Intepretación Vocal Pop Femenina por Oceanía y Mejor Álbum de Música Alternativa. Si las críticas fueron positivas, la respuesta de la gente también lo fueron, pues llegó a alcanzar el primer puesto en Estonia, Francia, Islandia y Bélgica, y el puesto nº 9 en las lístas británicas y el nº 14 en la famosa lista Billboard 200 de Estados Unidos. La portada del álbum fue creada por el dúo de fotógrafos de moda Inez Van Lamsweerde y Vinoodh Matadin, 

El álbum comienza con Pleasure Is All Mine, una interesante armonía vocal sobre el jadeo de una mujer, para dejar paso luego a Björk cantando unos versos acompañada por uno coro que llena el fondo con armonías resonantes que hacen que parezca que estamos en el interior de una catedral; le sigue Show Me Forgiveness, una canción cantada a capella con un efecto de ligero eco aplicado a la voz de la cantante. Un tema definido como un "Breve himno confesional"; Where Is The Line, tema que cuenta con la colaboración del artista de beatbox Rahzel. Björk envió un correo electrónico con la canción al productor Mark Bell, quien respondió con una idea, quería hacer un arreglo como el de "Brenniö Piö Vitar", una pieza coral islandesa. Según la cantante fue un duro trabajo pero mereció la pena, y también afirmaba que el tema tiene cierta alegría épica similar al de la canción Bohemian Rhapsody de Queen. En cuanto a la letra, la cantante muestra su enfado hacia su hermano pequeño por ser este codicioso y poco confiable; Vökuró es una canción donde la cantante suelta ciertas palabras y es acompañada por un coro. De este tema manifestó lo mismo que el anterior, pues según ella también tiene cierta alegría épica; turno para Öll Birtain, donde la voz de Björk se superpone varias veces. Muy aconsejable escucharla con auriculares, pues simula los efectos de un dron en el canal izquierdo, mientras que en el canal derecho aparecen otros efectos de sonido haciendo eco; Who Is It es el tema que fue lanzado como primer sencillo del disco y fue escrito por Björk durante las sesiones de grabación de su disco anterior, Vespertine (2001), aunque acabó dejando el tema fuera del mismo al entender que éste no pegaba en el disco. La versión inicial del tema se llamaba Embrace Fortress y fue escrita junto al artista Bogdan Raczynski. La canción, además de ser uno de los sencillos más exitosos de la artista, fue muy elogiada por la crítica espcializada. Submarine es el tema con el que llegamos al ecuador. El tema está influenciado por el embarazo de Björk de su hija Isadôra, y como se sintió de perezosa durante el mismo. El tema también tiene un toque de conciencia política.

Pasamos el ecuador del álbum con Desired Constellation, creada a partir de una muestra de Björk cantando la frase "I'm not sure what to do with it" de la canción Hidden Place, de su álbum anterior Vespertine (2001). En el tema la cantante se imagina a sí misma con las manos llenas de estrellas y "Las tiro sobre la mesa / hasta que aparezca la constelación deseada"; Oceania, como hemos comentado anteriormente, es el tema que estrenó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Atenas en 2004, y fue escrita desde el punto de vista del océano, del cual la cantante cree que surgió toda la vida, y detalla la evolución del ser humano, mientras es brillantemente acompañada por un coro durante la canción; Sonnets/Unrealities XI se basó en el poema "It May Not Always Be So" del poeta, pintor, ensayista, autor y dramturgo estadounidense Edward Estlin Cummings. Este tema es básicamente un sólo de canto de la artista islandesa donde se despide de un amante, mientras es acompañada por un coro islandés: Ancestors es un tema sin letra donde podemos escuchar las voces de Björk y de Tany Tagag; Mouths Cradle tiene unos curiosos efectos sonoros que podrían ser del vaciado de una botella de agua en un galón. Tiene una potente crítica política que queda patente en versos como: "Necesito un refugio para construir un altar lejos de Osamas y Bushes", en clara referencia a Osama Bin Laden y George W. Bush. Nos vamos acercando al final con Miovikudags, canción donde Björk canta en un extraño y difícil lenguaje de comprender, lo que viene a ser un galimatías, dejando paso al tema que se encarga de cerrar este introspectivo trabajo de la islandesa, Triumph Of A Heart, donde contó con la colaboración del artista de Beatbox Rahzel del grupo estadounidense The Roots, de Gregory Purnhagen y del también beatboxer japonés Dokaka. Este último tema es sin duda la canción más marchosa y animada del disco, ya que contiene elementos de pop, dance y hip-hop. También contiene arreglos orquestales de coros islandeses y londinenses. En cuanto a la letra, la cantante afirmó que la canción era una especie de celebración sobre el cuerpo humano, donde las células hacen una especie de montaña rusa, ya que suben y bajan por el cuerpo a través de la sangre y los pulmones.

0768.- Sweet Jane - The velvet Underground

Sweet Jane es una canción de la banda de rock estadounidense Velvet Underground; aparece en su cuarto álbum de estudio Loaded (1970). La canción fue escrita por Lou Reed, el líder de la banda, quien continuó incorporando la canción en presentaciones en vivo como solista.

Hay dos versiones distintas de Sweet Jane con variaciones menores, repartidas en sus primeros cuatro lanzamientos. 

El primer lanzamiento de la canción en el mes de noviembre de 1970 fue una versión grabada a principios de ese año e incluida en el álbum Loaded. En mayo de 1972, una versión en vivo grabada en agosto de 1970 apareció en Live at Max's Kansas City de Velvet Underground; versión diferente a él  lanzamiento del álbum Loaded.

En febrero de 1974, apareció una versión en vivo grabada en diciembre de 1973 en Rock 'n' Roll Animal de Reed. Con una elaborada introducción de guitarras gemelas en la versión Rock 'n' Roll Animal fue escrita por Steve Hunter e interpretada por Hunter y Dick Wagner, dos guitarristas de Detroit que luego tocarían con Alice Cooper. Cash Box dijo que "este rockero pesado" tiene una "producción sólida y un buen gancho", así como una "guitarra principal impresionante y la voz inimitable de Lou".

En septiembre de 1974, una versión en vivo de tiempo lento grabada a fines de 1969 se incluyó en 1969: The Velvet Underground Live, con una estructura de canción y letras diferentes. Cuando una versión restaurada del lanzamiento original en Loaded finalmente se presentó en Peel Slowly and See en 1995, resultó que algunas de las letras de 1969 también se había incluido originalmente en la versión Loaded, pero se eliminó en la edición final.

Daniel 

Instagram storyboy 

0767.- Wild Word - Cat Stevens

 

Wild Word, Cat Stevens 

El 23 de noviembre de 1970 Cat Stevens publica su segundo álbum de estudio, Tea for the Tillerman. El disco fue grabado, bajo la producción de Paul Samwell-Smith, entre mayo y julio de 1970 entre los Morgan, Island y Olympic Studios, todos de Londres. El disco fue publicado por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y Europa, y por el sello A&M Records para Estados Unidos y Canadá. Cat Stevens, que fue estudiante de arte, se encargó él mismo de diseñar la obra que aparece en la portada del álbum. Coincidiendo con el cincuenta aniversario de la publicación del disco, en septiembre de 2020, Cat Stevens rehízo el álbum incluyendo nuevas letras e instrumentación, cantando además con su propio yo de 22 años en la canción Fahter and Son.  

Incluido en este disco se encuentra Wild Word, tema que fue publicado como sencillo ocupando la cara A, y siendo publicado en septiembre de 1970. Stevens había tenido una relación de aproximadamente dos años con la actriz Patti D'Arbanville. Durante ese periodo el cantante escribió varias canciones sobre ella, incluyendo este tema. Stevens canta la canción como si su amor se estuviera marchando, simulando así el final de un romance. El cantante escribió la canción basándose en la búsqueda de la paz y la felicidad en un mundo loco. Sobre esta canción, Stevens afirmaba que se inspiró en acordes muy comunes en la música española, y que le dio una vuelta, surgiendo un tema que tenía que ver con la partida, la tristeza de irse y la anticipación de lo que hay más allá. La canción surgió en un momento en la vida de Stevens en la que este estaba tratando, como el mismo afirmaba, de relacionarse con su propia vida, y hablaba sobre su propia experiencia de perder el contacto con el hogar y la realidad.

0766.- Bell Bottom Blues - Derek and the Dominos

Layla and Other Assorted Love Songs  (Layla y otras canciones de amor surtidas) es la torturada carta de amor de Eric Clapton a la esposa de su amigo, George Harrison. El álbum a menudo se ha definido por la breve asociación de guitarras de Clapton y Duane Allman. Eric Clapton es uno de los mejores guitarristas de blues-rock de todos los tiempos, fue un niño prodigio musical. Cuando aún era adolescente, ya tenía seguidores incondicionales por su trabajo de guitarra de blues con The Yardbirds y John Mayall's Bluesbreakers. Pero estaba inquieto y se movía rápidamente de una banda a otra.  Clapton se convirtió en una superestrella mundial con el supergrupo de blues Cream, junto con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Sin embargo, Cream se separó después de unos tres años y Clapton se mudó a Blind Faith con Steve Winwood, Ginger Baker y Rick Grech. Sin embargo, ese grupo duró solo un año y un solo álbum. Poco después de eso, Eric se unió al grupo Delaney & Bonnie and Friends, allí conoció al teclista Bobby Whitlock, al bajista Carl Radle y al baterista Jim Gordon, quienes también formaban parte de ese conjunto. Más tarde, el grupo se unió a Clapton en Londres, donde tocaron como respaldo en el álbum All Things Must Pass de George Harrison, esa fue la chispa para que Eric formara Derek and the Dominos con sus tres compañeros. La banda comenzó a trabajar en lo que se convirtió en un álbum doble que estuvo marcado por dos eventos importantes. Primero, se grabó durante un período en el que Clapton estaba locamente enamorado de la esposa de George Harrison en ese momento, Pattie Boyd. En segundo lugar, el álbum fue producido por el legendario Tom Dowd.

Lo más destacado del álbum fue el título de la canción Layla, una efusión abrasadora y angustiada del (entonces) amor no correspondido de Clapton por Pattie. Las guitarras solistas duales de la Fender Stratocaster de Clapton y la Gibson Les Paul de Allman resaltan maravillosamente el patetismo de las letras. El single Layla ha eclipsado más o menos por completo a las otras canciones de ese álbum, sin embargo, Bell Bottom Blues es una de mis canciones favoritas, cuenta con un maravilloso trabajo de guitarra y la misma sensación de angustia desesperada que uno ve en Layla, sin embargo, el tempo en la primera mitad de Layla es rápido, mientras que Bell Bottom Blues es mucho más lento. Clapton superpone la pista con guitarras, incluidas dos partes principales entrelazadas y un solo de blues, con una famosa nota de sostenimiento. Pero es su interpretación vocal lo que es notable; no solo uno de sus mejores éxitos personales, sino uno de los mejores del rock & roll. Bobby Whitlock proporciona el sonido gospel del órgano Hammond y algunas armonías vocales desgarradoras. Carl Radle toca el bajo y la percusión adicional, mientras que Jim Gordon toca la batería.

La letra de Bell Bottom Blues también se refiere al amor de Eric por Pattie Boyd, de hecho, Patti le había pedido a Eric que le trajera un par de jeans acampanados de su última gira por Estados Unidos. “Bell Bottom Blues”, es la única canción del álbum que Clapton escribió en su totalidad, es el retrato de un hombre al borde del colapso, después del lanzamiento del disco, Clapton se hundió en la depresión y la adicción. Como recuerda Whitlock, una de las mejores bandas de rock and roll de todos los tiempos "no se separó, simplemente se disipó... Eric se encerró durante un par de años, y eso fue todo".

Björk - Vespertine (Mes Björk)

Tod@s atent@s, que hoy hablamos de sexo... con un disco que, tras años de gira y la experiencia de haber grabado Homogenic en España, Björk disfrutó grabando desde la comodidad de su casa, creando un microcosmos íntimo y sensual, en el que jugó con la sencillez y la limpieza de sonido, en contraste con la complejidad de su trabajo anterior, sin que eso le restara un ápice de intensidad a sus nuevas composiciones. De hecho, el título inicial del álbum iba a ser Domestika, existiendo incluso una canción con ese nombre, que finalmente quedo fuera del álbum, y que fue incluida como cara B del single de Pagan Poetry. A día de hoy puede considerarse un tema de culto, una auténtica expresión de sonido lo-fi que narra la historia de una mujer que quiere salir de su casa y no logra encontrar sus llaves.

¿Y por qué hablaremos de sexo vespertino en un disco tan doméstico? Porque lírica y conceptualmente, el álbum es una por momentos explícita recreación de su relación sentimental con su pareja de entonces, el artista plástico Matthew Barney. Björk quería hacer un álbum íntimo, invernal y doméstico, y la combinación de esas tres cosas es lo que hace especial a Vespertine, aunque no todas ellas nos terminen gustando. Lo íntimo puede ser delicado, y de lo doméstico sacó algunos sonidos y ritmos realmente sorprendentes, pero el invierno es sinónimo de frío, y esa frialdad es lo que siempre me ha costado digerir en la obra de la artista islandesa. En Vespertine nos encontramos instrumentos como el arpa, la celesta o el clavicordio, así como unos cuidados arreglos de instrumentos de cuerda, pero lo verdaderamente curioso son los peculiares ritmos basados en el sampleado de una extensa colección de sonidos domésticos. La experimentación sonora se completa con el ya mencionado toque intimista y erótico, y todo mezclado en la coctelera dio lugar al que muchos consideran el mejor álbum de la carrera de Björk.

El disco comienza con Hidden Place, una exaltación del universo íntimo de la pareja, con un curioso sampleado del arrastre de las cartas de una baraja. Este sonido aparece también en Cocoon, pieza en la que los susurros de la cantante convierten el inocente intimismo inicial en explícita sensualidad. Le sigue la bella y menos optimista It's Not Up to You, que refleja que no todo en casa es idílico, y que también hay que asumir con naturalidad algún que otro día malo. Undo sigue la línea sonora y sensual del disco, y tras ella llega la que para mí es la mejor canción del disco, Pagan Poetry, tema icónico sobre una novia que decide coserse el vestido nupcial a su cuerpo. Junto con Hidden Place y Coccoon, fue uno de los singles del disco.

En Frosti es el hielo siendo golpeado el sonido casero que sorprende al oyente, y casi como hilo conductor del frío que buscaba transmitir, en Aurora es el ruido de una pala retirando nieve el que sube a la palestra musical de la islandesa, que firma además casi todas las letras del disco, pero que en An Echo, a Stain se basa en la obra Crave de Sarah Kane, y en Sun in My Mouth adapta y musicaliza el poema I will wade out de E. E. Cummings. La música también viene también firmada en su mayor parte por Björk, con colaboraciones esporádicas de Thomas Knak o Sigsworth, y una de las pocas concesiones a otros artistas la encontramos en Heirloom, en la que la música corresponde casi exactamente con la canción Crabcraft de Martin Console. De hecho, muchos programas de reconocimiento de canciones devuelven como resultado "Crabcraft" al reproducirla.

Encontramos una nueva colaboración en Harm of Will, cuya letra está escrita por Harmony Korine, está supuestamente basada en su relación con el cantante de música country y actor norteamericano Will Oldham. Tras este buen tema, Björk cierra el disco con la impactante balada trip-hop que es Unison, en la que samplea al coro de la Catedral de Sao Paulo en un segmento de Viri Galilaei de Patrick Gowers. Todo un cierre épico y ceremonial para una canción final que describe el momento en que la pareja se convierte en una sola entidad tanto física como emocionalmente, y para un disco que, como prometíamos al principio, viene a demostrar que al sexo y al amor vespertinos hay pocas cosas que se les puedan comparar.

The Beta Band: The Three E.P.'s (Píldora #21)

The Beta Band es un colectivo bastante extraño, para empezar, son escoceses y son increíblemente inacesibles, dan la impresión de que viven en algún lugar de las tierras altas, deambulando ocasionalmente solo para grabar un EP o tres, prácticamente no se prodigaban en la prensa, ni siquiera para anunciar sus nuevos trabajos, parecían decididos a dejar que su música, y sólo su música hablara por ellos. Ni siquiera sabemos cuántos miembros componen la banda, ya que el folleto de este álbum no contiene información sobre la banda o las canciones (más allá de la información de derechos de autor, nombres de las pistas y agradecimientos). Sin embargo, este disco es bastante interesante por derecho propio, ya que es una colección de todas las portadas originales e ilustraciones de discos

La publicación de este trabajo es tan extraño como el grupo, no es realmente un álbum, sino (sorprendentemente) una compilación de los primeros tres lanzamientos de EP de Beta Band, reunidos en un solo lugar. Esto trae a primer plano uno de los mayores problemas de inmediato; es difícil escucharlo como un todo, y no recomendaría hacerlo. Cada tercio del álbum fue concebido como su propio EP, y en sí mismos, cada uno puede darnos una escucha diferente. En conjunto (aunque, para su crédito, ninguno de los estilos de las pistas de los EP choca demasiado), se convierte en una experiencia auditiva peligrosamente tediosa, simplemente porque las 12 pistas juntas apenas alcanzan el valor de un CD completo de música (78 minutos). La música en sí también es poco predecible, la palabra que siempre me viene a la mente para describirlo es "ecléctico", ya que contiene elementos de rock alternativo/indie en general, pero también folk, en cierta medida, y hip hop (incluidos samples), todo ello con un marcado carácter. Gran parte de la eficacia de la música se basa en la repetición, creando un efecto bastante fascinante y relajante, casi hipnótico, a veces. Me tomó mucho tiempo realmente sentarme y escucharlo más allá del gran single "Dry the Rain", especialmente el EP espacial, a menudo casi experimental, The Patty Patty Sound, pero cuando finalmente lo hice, me encantó lo que encontré. Porque afortunadamente, dada la naturaleza tenue y repetitiva de la música, Beta Band es realmente buena en lo que hace. Todas las canciones encajan en un ritmo desde el principio y se aferran a él en todo momento. El resultado son tres EP maravillosos, aunque uno de ellos demasiado largo.

0765.- Little Wing - Derek and the Dominos

 

Layla, Derek and the Dominos

     Corre el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de rock. Para tal aventura, con él a la voz y guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo y Jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después a Duane Allman y acaba invitándole a las sesiones y fichándolo para este proyecto. Cuando los estudios Criteria de Miami reciben una llamada telefónica indicando que Clapton quiere grabar allí, Duane Allman se entera e indica que le gustaría pasar y mirar si Clapton le deja. Así se gesta el fichaje de Duane, que llegaría a contribuir con la guitarra solista y slide en 11 de los 14 temas del álbum. El proyecto pasaría a llamarse Derek and The Dominos.

El grupo editaría en 1970 el único disco en su haber, Layla and Other Assorted Love Songs, disco doble que si bien no obtuvo una buena acogida en ventas si la obtuvo por parte de la crítica especializada. El disco fue grabado en los Criteria estudios de Miami entre el 26 de agosto y el 10 de septembre, y entre el 1 y 2 de octubre, bajo la producción de Tom Dowd y del propio grupo, y publicado el 9 de noviembre de 1970 por el sello discográfico Polydor Records.    

Incluida en este álbum se encuentra una brillante versión de Little Wing, canción escrita por Jimi Hendrix y grabada por él mismo en 1967 con su Jimi Hendrix Experience. Little Wing es una magnífica balada que hace referencia a una figura femenina idealizada y parecia a un ángel guardián. Los orígenes de esta canción al parecer se remontan a 1966 y la grabación de She's a Fox, una canción de R&B que presenta a Hendrix tocando el acompañamiento de guitarra con influencias de Curtis Mayfield. El desarrollo de la canción llgaría durante el Monterey Pop Festival de 1967, durante los tres día del llamado Summer of Love. Jimi Hendrix se basó en este tema en el ambiente del festival y lo enfocó desde la óptica de una niña. describió aquel ambientey sentimiento como si todos estuvieran realmente volando y de buen humor, y lo llamó Little Wing (Ala pequeña) porque pensó que podría volar.

I'm the law - Anthrax

Hoy tenemos una reseña de canción extra y especial, firmada por "DMG", uno de los amigos de 7días7notas que se ha animado a escribir en nuestro blog:

I'm the law - Anthrax

"I'm the law". Con esa frase se identificaba a Anthrax como uno de los mejores ejemplos de thrash metal allá por 1987. El single I'm the law hizo viajar a los temas de la banda al futuro post apocalíptico de Juez Dredd. En este single se aprecian dos cosas: el amor de Anthrax por los comics y la capacidad creativa de la banda.

Tiene referencias a algunos de los arcos mas importantes de Dredd de la etapa clásica, como la Guerra del Apocalipsis, o los Jueces Oscuros, ambos iconos de Dredd a día de hoy. Esta canción fue la que me introdujo a Anthrax y al Juez Dredd, todo gracias a que cierto "czarniano" la tarareaba en su moto en un gran comic. Ese comic fue de los primeros de Lobo que conseguí, en una tiendecilla de comics de segunda mano. Eso también me hizo querer saber mas sobre Dredd, y años mas tarde, decidí coleccionar sus comics, que se encuentran entre mis favoritos actualmente.

La canción es un estándar de thrash metal ochentero. Comienza con un riff clásico, pesado y que, a día de hoy, es sinónimo de Anthrax. Tienes la batería, manejada por Charlie Benante, potente y con doble bombo. La guitarra rítmica acompaña con unos riffs contundentes, con peso, compensados por riffs mas ligeros en la guitarra líder. Aquí brilla Scott Ian, sin dudarlo, acompañado de Frank Bello, que como siempre, hace un trabajo maravilloso en el bajo.

Como curiosidad, la gira del álbum Among the living (1987), en el que I'm the law aparece, empezó de manera no oficial con un corto tour japonés, y siguió con un tour donde los icónicos Metal Church hacían de teloneros. A día de hoy, esta canción y su álbum son considerados clásicos absolutos del thrash, y son esenciales a la hora de entender la evolución del metal y sus subtipos.

DMG