Fossora - Björk (Mes Björk)

Fossora - Björk #MesBjörk

Para terminar el mes de febrero vamos con otro de los álbumes de muestra artista del mes #MesBjörk.

Fossora que es el décimo álbum de estudio de la cantante y música islandesa Björk. Fue lanzado el 30 de septiembre de 2022 a través de One Little Independent Records.

El álbum se grabó principalmente durante la pandemia de COVID-19 y se centra en el tema del aislamiento, la pérdida y el dolor, principalmente por la muerte de su madre, Hildur Runa Hauksdóttir, en 2018. Comercialmente, el álbum debutó en el número 11 en la lista de álbumes del Reino Unido y en el número 100 en el Billboard 200 de EE. UU. Recibió una nominación al Mejor Álbum de Música Alternativa en la 65ª Entrega Anual de los Premios Grammy, convirtiéndose en la novena nominación consecutiva de Björk en la categoría.

Fossora se inspiró parcialmente en la muerte de la madre de Björk, Hildur Rúna Hauksdóttir; las canciones Sorrowful Soil y Ancestress tratan sobre ella, así como sobre cómo Björk lidió con su dolor. En las notas del álbum, el primero se subtitula "un elogio de Hildur Rúna", y el segundo se subtitula "un epitafio de Hildur Rúna". El álbum se conceptualizó durante los bloqueos de COVID-19 después de que Björk viajara a Islandia para grabar. De acuerdo con los temas del álbum, su título es la versión femenina no gramatical de la palabra latina para "cavador". El álbum incluye contribuciones de la cantante estadounidense Serpentwithfeet, los dos hijos de Björk, Sindri e Ísadóra, el dúo de danza indonesio Gabber Modus Operandi y el sexteto de clarinete bajo Murmuri.

Allow es una toma descartada de las sesiones del álbum anterior de Björk, Utopia, que fue reorganizado para Fossora. Para una entrevista con Jazz Monroe de Pitchfork, Björk dice que el álbum comenzó como "muy conceptual, como: '¡Este es el álbum de clarinete!' Luego, a la mitad, dije: 'A la mierda con eso'". Lo describió como un "'álbum de Islandia': a menudo desinhibido y volátil, pero también inmerso en las tradiciones corales y folclóricas del país, con cuerdas que Björk programó en su cafetería local. ." Su interés por los hongos "unificó los temas de supervivencia, muerte y meditación ecológica del disco". Ella enmarca el álbum en contraste con su Utopía anterior, siendo ese álbum "un refugio en el cielo después de su traumático divorcio" de su compañero de mucho tiempo Matthew Barney y Fossora siendo su regreso a la Tierra. Ella describe la metáfora del hongo como "algo que vive bajo tierra, pero no las raíces de los árboles. Un álbum de raíces de árboles sería bastante severo y estoico, pero los hongos son psicodélicos y aparecen en todas partes". 

El sencillo principal, Atopos, junto con su portada, se anunció el 24 de agosto.La fecha de lanzamiento se confirmó más tarde para el 6 de septiembre, y la canción se estrenó en BBC Radio 6 Music. El segundo sencillo, Ovule, fue lanzado sin ningún anuncio previo el 14 de septiembre, junto con un video musical dirigido por Nick Knight, quien también había trabajado en el video musical Pagan Poetry de Björk en 2001. El tercer sencillo, Ancestress, con el hijo de Björk, Sindri Eldon, fue lanzado el 22 de septiembre. La canción principal se lanzó como cuarto sencillo el 27 de septiembre de 2022, pero sin video musical. El video musical de Sorrowful Soil se estrenó el 2 de diciembre.

Fossora se lanzó como CD de funda digital, CD de libro de tapa dura de lujo, casete limitado y LP doble; una variante turquesa del LP exclusiva de su sitio web oficial y sello discográfico; una variante verde del LP es exclusiva de las tiendas de discos independientes; el negro estándar y otras 4 variantes de color (borgoña, lima, plata y transparente) también estaban disponibles en otros minoristas específicos.

Y con este álbum Fossora su más reciente álbum cerramos este mes con una artista considerada una de las cantantes más innovadoras de su generación.

Daniel 

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Björk - Utopia (Mes Björk)

 

Utopia,Björk

     "Resueltamente vaguardista y absolutamente hermoso", "Utopía evita en gran medida lo austero y en cambio se remonta al amor por la naturaleza de álbumes más angustiosos como Biophilia y Vespertine", "Tan idílico como su título implica, pero su mezcla de idealismo y realismo lo convierte en un éxito aún  mayor como manifiesto para el amor radicalmente abierto y como documento de próspero amor", "teatro musical completo y diferente a todo lo que Björk ha hecho hasta ahora", "Casi completamente una experiencia sensorial. Así se rendía y definía parte de la crítica al noveno álbum de estudio de la artista islandesa Björk, Utopia, un trabajo donde el epicentro del mismo es el amor, al contrario que su anterior disco, Vulnicura, el cual se centraba en la ruptura, y que estuvo marcado precisamente por la que había sufrido la artista, después de una década juntos, con el artista y cineasta Mathew Barney.

El material que compone este disco fue grabado entre 2015 y 2017, bajo la producción de la propia Björk, de la música y productora discográfica venezolana afincada en Barcelona Arca, y del productor estadounidense de música electrónica experimental Rabit en algún tema, y publicado a través de todas las plataformas digitales el 24 de noviembre de 2017 por el sello discográfico One Little Indian. Utopia llegó a alcanzar el puesto 75 en la lista estadounidense Billboard 200, el puesto 25 en las listas del Reino Unido y el puesto 48 en las listas de ventas de Japón. El resultado de tanta alabanza de público y crítica se vería recompensado con la nominación a Mejor Álbum de Música Alternativa de los premios Grammy, siendo además la octava nominación consecutiva de Björk en la categoría. 

Utopia fue descrito por Björk como su "álbum de Tinder" afirmando que se trataba de la búsqueda de estar enamorado, de pasar tiempo con la persona que amas. También comentaba que si con su anterior trabajo había hecho el infierno, ahora tocaba hacer el paraíso. Björk produjo el disco con Arca, con quien ya había colaborado en Vulnicura (2015), y con quien firma 5 de los 14 temas que componen el álbum. Björk había comenzado a trabajar en Utopia poco después de lanzar Vulnicura. De hecho, el estar tan ocupada, sería la razón por la que ni siquiera apareciera en la entrega de los Brit Awards de 2016 para recoger el premio a Artista solista femenina internacional. La portada del disco fue realizada por el artista Jesse Kanda, habitual colaborador de Arca, quien incorporó a la portada una máscara de silicona diseñada por el fabricante de máscaras James Merry.

Utopia es un  disco donde Björk pone todo su esfuerzo en mirar hacia adelante, una mirada esperanzadora hacia el futuro. Disco musicalmente denominado de Avant-garde (Vanguardia) y folktrónica (género que mezcla elementos de música folklórica y electrónica). Sobre este trabajo, la propia Björk decía que al contrario que su anterior disco, donde todo giraba en torno a la angustia, aquí cubría sus preocupaciones personales, políticas y ambientales, desde un punto de vista emocional y completamente distinto. 

La implicación de Arca en este disco va más allá que en su colaboración en Vulnicura, donde llegó cuando ya se habían escrito las canciones y realizado todos los arreglos de cuerdas, por lo que pudo trabajar desde el comienzo del mismo con la cantante islandesa. Björk quedó tan encantada de dicha colaboración que la definió como "Una conversación musical intergeneracional, transatlántica". Todo en el disco está en su sitio, perfectamente meditado y estudiado, los arreglos de cuerdas, la sección de flautas islandesas de 12 piezas con la que Björk había pasado meses grabando y ensayado, la incorporación de sintetizadores que tuvieran muchos sonidos aéreos, flautas que sonaran sintetizadas o los sonidos de los cantos de los pájaros que conectan varias de las pistas. 

Si con Vulnicura descendemos hasta lo infiernos de la amargura y la angustia, con Utopia llega la redención en forma de redescubrimiento de un amor que es aún mayor, pero de una manera espiritual, y que podemos comprobar en temas como Arisen My senses, tema que abre el disco y que fue además el tercer sencillo del mismo. Björk reveló que esta canción fue además el punto de partida de todo el disco, y la primera canción que hizo junto a Arca, una canción de la que la artista afrimaba: "La melodía es como un constelación en el cielo", "Es casi como una rebelión optimista contra la melodía narrativa normal. No hay una sola melodía. son como cinco melodías. Realmente me encantó eso". Una canción que trata, al igual que todo el disco, del redescubrimiento del amor; Blissing Me captura la inocencia, la incertidumbre y el vértigo del nuevo amor. Es una balada electrónica que habla sobre dos nerds de la música que se unen y se enamoran como resultado de intercambiar música en MP3. Nerd es una palabra del inglés empleada para designar el estereotipo de la persona de alto coeficiente intelectual, muy estudiosa, pero de escasas habilidades para la socialización; The Gate es una canción electrónica ambiental, una reflexión sobre las posibilidades del amor trascendental, tanto desde un punto de vista especulativo como enfático. La canción es considerada como una transición directa entre la angustia de su disco anterior, Vulnicura, y el esperanzador y amoroso Utopia; Body Memory, que nos relata como nuestro cuerpo puede ayudarnos a superar un trauma cuando nuestra mente y nuestras emociones están muy tocadas. Björk representa en este tema la determinación de disfrutar de la vida en lugar de revolcarse en el dolor; Courtship, donde Björk analiza los efectos secundarios emocionales de las citas en línea; o Losss, una canción que la cantante islandesa definió como una extensión de una canción de su disco Vespertine (2001), concretamente "Pagan Poetry". Esta canción fue coproducida por Rabit, quien afirmaba que era una canción que hablaba de la fuerza suprema de la fuerza de voluntad de uno mismo, de la capacidad de uno mismo de poder elegir.

Björk - Vulnicura (Mes Björk)

Lanzado en el 2015, Vulnicura puede entenderse como una continuación de Vespertine (2001), o más bien del reverso de aquella moneda, y del negativo desenlace de la relación amorosa que inspiró aquel disco. La lírica y la sensualidad de antaño dejan en Vulnicura paso al dolor de la ruptura y el desamor, volcado a lo largo de un disco en el que se dibujan paisajes musicales de desgarro y desolación emocional. Con estos ingredientes, no es de extrañar que Björk facturara uno de sus discos más impactantes, y que la acogida del público y la crítica fuera bastante positiva. Sin embargo, la artista nunca se ha sentido cómoda con este disco, llegando incluso a calificarlo como un disco "común y de manual".

Viniendo ese comentario de una artista tan diferente y alternativa como Björk, eso significa que el disco transita por patrones más ortodoxos de lo habitual, y para que nos vamos a engañar, para los que no terminábamos de cogerle el punto a sus propuestas más intrincadas y minimalistas, no es necesariamente un problema ni algo que debamos tomar en negativo. Dicho de otro modo, los discos comunes y de manual pueden ser también buenos, y Vulnicura es un disco que, al igual que sucedió con otras propuestas más ambiciosas, no deja en absoluto indiferente al oyente.

Grabado en su mayor parte con música programada a través de aplicaciones móviles e instrumentos conectados a su iPad, la "curación de heridas" (del latín vulnus cura) planeada por Björk se completó con diversos instrumentos de cuerda, que le dieron el adecuado contrapunto tradicional a la instrumentación electrónica, en lo que se entendió como un regreso a los patrones de sonido de Homogenic (1997). Esto le sirvió precisamente como "cura" para su mal de amores, concentrando sus esfuerzos en la composición de música para instrumentos de cuerda, convirtiéndose, según sus propias palabras, en "una nerd del violín y a organizar todo para quince instrumentos de cuerda y así dar un paso más allá".

En Vulnicura encontramos momentos muy destacables. Stonemilker abre el álbum con una delicada melodía, y con los instrumentos de cuerda ya presentes desde el comienzo, apoyadas en leves percusiones y arreglos electrónicos. History of Touches es uno de los pocos temas en los que la dualidad entre electrónica y cuerdas cae más del lado de los sintetizadores, destacando los efectos vocoder y de modulación de voz. Black Lake destaca especialmente por su elaborada línea de percusión, que te engancha de una manera casi hipnótica, haciendo que sus diez minutos parezcan pocos, en un tema que está entre lo mejor del álbum. Family es uno de los momentos más íntimos y oscuros del álbum, con cambios de melodía y un desgarrador violín. Igualmente recomendables son la marcadamente islandesa Notget, la colaboración con Antony Hegarty en Atom Dance, o la electrónica Quicksand, que cierra el álbum con un toque tecno, casi al más puro estilo Depeche Mode.

Björk - Biophilia (Mes Björk)

Para aquellos que se perdieron despues de Homogénic, no teman, aquí está la salvación ya que en lugar de ser sutil, sintetizar conceptos para el instrumento humano, o simplemente hacer lo que quisiera sin límites, Björk debe haberse dado cuenta de que muchos de sus fans carecían de paciencia para ese tipo de cosas, para ellos creó Biophilia lo que supone un gran cambio de ritmo con respecto a sus álbumes anteriores. Musicalmente, 'Biophilia' puede ser el álbum más experimental de Björk (en el que usa instrumentos reales), por lo que 'Biophilia' es uno de los pocos álbumes que literalmente no suena como nada que hayas escuchado antes. Esto, sin embargo, hace que sea bastante difícil entenderlo al principio, ya que la estructura típica de la canción no se ve en ninguna parte de este álbum, solo un puñado de canciones tienen versos y estribillos y todo el álbum es bastante oscuro, malhumorado y deprimido.

Arranca el album con Moon y sus lentas pero hermosas cuerdas folklóricas que representan las diferentes fases de la luna, el tintineo de las arpas y el vibrante subgrave son los únicos componentes instrumentales, y ambos se manejan de manera brillante. La canción, aunque minimalista, no se vuelve repetitiva ya que las arpas pasan de instrumentos melódicos a algo rítmico, casi percusivo, y la línea de bajo ascendente se apodera de la melodía. La segunda mitad de la canción se transforma aún más por un arreglo coral brillantemente contrastante. Después del primer verso, hay un buen, largo, casi silencio, una táctica que veremos como ella repite en distintas ocasiones. Como en Debut, las canciones son engañosamente simples, hay cambios sutiles en la melodía, instancias de armonía aparentemente salidas de la nada y de alguna manera, incluso con un tema tan grandioso, lo hace cálido y personal. Esa es quizás la cualidad más resistente de la música de Björk; la humildad. Thunderbolt sale de la canción de cuna de la apertura con algunas notas sostenidas en lo que suena como un sintetizador, su voz es mucho más aguda y menos apagada en comparación con "Moon", otra vez la música se detiene, esta vez solo dura dos segundos pero regresa pero con un amigo, la Bobina de Tesla y el tono cambia bastante a una casa embrujada funky. Con cada pausa adicional, la canción parece tomar una nueva dirección y enriquecerse al mismo tiempo, definitivamente hay muchas cosas que apreciar aquí. Crystalline es la pista más accesible y está claro por qué fue el single. Al igual que  Moon , la canción enfrenta melodías plinky-plonky (esta vez proporcionadas por otro instrumento único: el gameleste) con graves profundos. Esta combinación inusual funciona bien para acentuar los ritmos inusuales de los versos, y a la canción se le da un mayor nivel de energía con sus ritmos bailables y su llamativa voz principal. Luego tenemos Cosmogony, me gustan los metales al principio, le da un toque muy real a la canción. También creo que las voces en capas suenan bien, es un momento de paz y belleza. Todas las partes de la canción se fusionan en un ambiente melodioso con la hermosa melodía de metales y los pasajes corales que a veces pasan a primer plano. El uso de baúl de viaje se suma aún más al sonido ambiental. En contraste, Dark Matter es discordante y oscura, es una idea musical interesante, pero creo que no está lo suficientemente desarrollada como para que funcione, eso, junto con su duración relativamente corta, lo convierte en un poco insignificante

Hollow con su ritmo constantemente acelerado y cambiante es una buena idea pero, una vez más, no es lo suficiente para que la canción por si brille. A pesar de su cambios , esta pista se siente sin rumbo. VIrus se desarrolla muy bien sónicamente y la belleza de su arreglo casi infantil contrasta muy bien con sus letras inquietantes, sin embargo, no es perfectaiento que apuntaba al término medio entre las canciones pop, como  Crystalline,y las pistas experimentales, pero en lugar de ser un equilibrio de ambos, se presenta como un intermedio incierto e insípido. A continuación tenemos de nuevo algunas de las mejores pistas del álbum, primero llega Sacrifice, donde habla de un hombre que lucha por confesar sus sentimientos a una mujer que le gusta y Bjork lo hace muy bien, su voz suena épica. En Mutual Core tenemos los mismos sintetizadores que se usan en Thunderbolt al principio, pero se rompen con pausas de batería para simbolizar una relación fallida con un hombre que es todo lo contrario de Sacrificio. Otra cosa que me gusta de este álbum y en particular estas dos ultimas canciones,  es la voz de Bjork, encanta a lo largo de todo el álbum, puede pasar de inquietante, a agresiva y enojada, y luego a hermosa y apasionada, le da esa sensación emocional y consistencia como en Vespertine. Como en Crystalline, combina un estribillo pop estándar (aunque pesado) con versos inusuales, rebosante de ambiente y atmósfera antes de estallar en un coro que es a la vez simbólico y pegadizo. Siento que  Mutual Core logra sintetizar las dos caras del álbum (pop y experimental) con mayor éxito que Virus y, por eso, puede que sea mejor pista. El álbum cierra con Solstice y nos da un momento mucho más tranquilo que el explosivo Mutual Core y la responsable es Bjork, sin el acompañamiento del coro por primera vez, y las arpas de gravedad ( el último instrumento único de Biophilia ) se unen para una pista inusual que cambia entre algunas melodías muy hermosas y pacíficas y teñidad de algo oscuro, casi inquietante. Es probablemente la canción más discreta aquí, pero solo por esa razón se destaca. Sin duda, también es un cierre apropiado.

El álbum nunca pierde el foco está lleno del sonido característico de Björk que todavía no me siento cómodo categorizando y, sin embargo, definitivamente es una entidad propia. Durante los últimos, parece que los artistas visuales crean un mundo de fantasía en su arte. Sin embargo, Björk hace lo contrario y solo usa el universo, el real, y de alguna manera lo trae a la Tierra. Aquí hay una canción de amor sobre un organismo microscópico, no estoy bromeando, dale una oportunidad a Björk y Biophilia. Dejate atrapar por su música, lee sobre ello, intenta entenderlo, dale sentido. Hay belleza en la ambigüedad, sin embargo, los detalles finos dan mucho más que pensar. Creo que Biophilia está muy subestimado ahora que no es tan bueno como Post, Homogenic o Vespertine, pero sigue siendo muy bueno por derecho propio y me encanta cómo se destaca por sí solo.

Björk - Volta (Mes Björk)

Volta es el sexto álbum de estudio de la cantante islandesa Björk, lanzado el 1 de mayo de 2007 por One Little Indian Records. Es un álbum en colaboración, donde una amplia gama de artistas colaboró ​​con Björk en el material del álbum, incluido el antiguo colaborador Mark Bell, junto con los nuevos productores Timbaland y Danja.

Una amplia gama de artistas colaboraron con Björk en material para el álbum Volta. Björk se puso en contacto por primera vez con Timbaland sobre una posible colaboración en diciembre de 2005. La primera sesión tuvo lugar en febrero de 2006 en Studio 4 en Manhattan Center Studios en la ciudad de Nueva York, poco después de que Björk visitara Banda Aceh en febrero de 2006 para ver parte del trabajo de UNICEF con los niños que estaban afectados por el tsunami, en mayo de 2005, Björk lanzó el álbum benéfico Army of Me: Remixes and Covers para ayudar al trabajo de UNICEF en la región del sudeste asiático. Las experiencias de Björk en Indonesia llevaron a la canción "Earth Intruders", originalmente una canción de diez minutos que Björk editó posteriormente para la versión del álbum Volta. Björk colaboró ​​en siete canciones en total con Timbaland. Timbaland había declarado que tenía la intención de que una de las pistas que hizo con Björk apareciera en su nuevo álbum en solitario, pero esto no se materializó. El primer single de Volta, "Earth Intruders", está coproducido por Timbaland, así como el segundo single "Innocence"; la canción del álbum "Hope" está coescrita por Timbaland. Björk ha declarado que es poco probable que las otras canciones de Timbaland se publiquen alguna vez.

Este álbum de colaboraciones tiene a Anohni, cantante principal de la banda Antony and the Johnsons, que aparece en el álbum para dos dúos: "The Dull Flame of Desire" y "My Juvenile". Las sesiones de colaboración tuvieron lugar en Jamaica. Björk también ha reunido su propia sección de metales de catorce músicos islandeses que tocan en tres pistas del álbum. Its members comprise Sylvía Hlynsdóttir, Ása Berglind Hjálmarsdóttir, Dröfn Helgadóttir, Valdís Þorkelsdóttir, Karen J. Sturlaugsson, Björk Níelsdóttir, Sigrún Jónsdóttir, Harpa Jóhannsdóttir, Vilborg Jónsdóttir, Bergrún Snæbjörnsdóttir, Erla Axelsdóttir, Særún Pálmadóttir, Lilja Valdimarsdóttir and Brynja Guðmundsdóttir.

Otros colaboradores incluyen a los bateristas estadounidenses Brian Chippendale y Chris Corsano, el kora maliense Toumani Diabaté, el conjunto congoleño Konono N°1, el pipa chino Min Xiao-Fen, el músico electrónico británico Mark Bell, el letrista islandés Sjón, programador e ingeniero Damian Taylor y el productor estonio Michael Pärt.

Volta fue etiquetado como un álbum de electropop, experimental, world y avant-pop. Estilísticamente, es un álbum distintivo y ecléctico que, si bien incorpora los esfuerzos de muchos colaboradores, toca formas de música como la música de metales, la música folclórica china, la música tribal de percusión, la música electrónica, la música folclórica maliense, la música ambiental y la música industrial. Björk optó por incorporar instrumentos de cuerda pulsada "como el océano ... pero con un sonido más sucio que cuando Björk lo hizo, por ejemplo, en Vespertine", y temáticamente, tenía la intención de que el álbum "going for something more pagan". 

Usó instrumentación de metales para casi todas las canciones del álbum, y la mayor parte de la instrumentación es cortesía de un conjunto de metales islandés compuesto exclusivamente por mujeres. Sin embargo, Björk también usó muestras de su proyecto anterior, The Music From Drawing Restraint 9, como en el caso de "Vertebræ by Vertebræ" y "Declare Independence", porque estaba interesada en saber cómo sonarían los sonidos de ese álbum de la banda sonora. en un paisaje sonoro menos ambiental o atmosférico. Para la canción "Pneumonia", que también presenta una sección de vientos independiente, se inspiró en su propia lucha contra la enfermedad y en una conmovedora visualización de la película Pan's Labyrinth.

"Earth Intruders" incorpora los esfuerzos de múltiples colaboradores, incluida la producción tribal de Timbaland y Danja, el conjunto congoleño Konono N°1 que toca likembés eléctricos y el percusionista estadounidense experimental Chris Corsano, así como un sonido de marcha unificado "squelching" que se reproduce continuamente. "Declare Independence" fue originalmente una pista instrumental del músico británico y colaborador musical frecuente Mark Bell, interpretada en sus shows en vivo ya en noviembre de 2006. Björk luego agregó su voz en la parte superior.  Presenta una producción de estilo tecno industrial ruidosa y distorsionada, similar a "Pluto" en el álbum Homogenic de Björk de 1997, y ha sido comparada con Atari Teenage Riot debido a sus guiños estilísticos al punk. La letra está dedicada a las Islas Feroe y Groenlandia.

Björk ha descrito "Wanderlust" como el corazón de Volta, y ha dicho que la canción trata sobre "el estado de buscar algo y casi saber que nunca lo vas a encontrar" y que se burla de ella. hambre de "algo nuevo". Fue lanzado en el Reino Unido el 30 de junio. Como dijo Björk en una entrevista para Harp, "Las cosas van en círculos. Wanderlust, por ejemplo, es una especie de continuidad de 'Hyperballad'".

Daniel 

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Björk - Medulla (Mes Björk)

 

Medulla, Björk

Atrás queda ya el debut a principios de los 90 de Bjork con su álbum "Debut". En 2002 y tras lanzar un recopilatorio con sus mejores canciones de la década, de 1993 a 2003, y tras 6 discos de estudio, a finales de ese año publica Family Tree, una caja que contiene seis discos compactos en los que quiere reflejar su evolución a través del tiempo, conteniendo canciones tanto de Sugarcubes como en solitario.

El 13 de agosto de 2004 Björk aparece en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Atenas, y con una audiencia de unos 3000 millones de televidentes en todo el mundo, y ante unos 11.000 participantes que allí se encuentran, estrena la canción Oceanía, la cual escribe especialmente poara este evento y que aparecerá posteriormente en su próximo trabajo, Medulla, el cual aparecería publicado el 30 de agosto de 2004. Este disco, el quinto de estudio de la cantante islandesa, fue grabado entre los estudios Greenhouse de Islandia, los Estúdio Ilah Dos Sapos de Brasil y La hoyita Studios de España, bajo la producción de Mark Bell y la propia Björk, y publicado bajo el sello discográfico One Little Indian. 

Medulla resulta ser el trabajo más introspectivo hasta la fecha de la cantante, y para su grabación la cantante contó con la colaboración de los vocalistas Tanya Tagag Gillis, Robert Wyatt, Mike Patton (exintegrante de Faith No More), Gregory Purnhagen, y de coros islandeses y británicos. Björk decide prescindir de instrumentos de música tradicionales y apuesta por el uso de vocalistas y de beats electrónicos. La idea original de la cantante era la de poner al disco el título de Ink, en representación del aspecto de la sangre con el paso del tiempo, y de un espíritu oscuro y apasionado en contraposición a la civilización. Finalmente acabaría llamándose Medulla, término usado en latín para una esencia o sustancia, lo más íntimo y profundo de algo. El disco es considerado como el disco más político de Björk, en la lucha contra el racismo y el patriotismo estadounidense después de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001. El disco, donde todas las letras fueron escritas por la artista islandesa, se compone casi completamente de voces humanas y arreglos a capella, careciendo apenas de instrumentación alguna, y en muchas ocasiones las voces son procesadas y sampleadas. 

Las reseñas por parte de la critica especializada de este arriesgado e introspectivo trabajo fueron muy positivas, y Björk recibió dos nominaciones a los premios Grammy por este trabajo, Mejor Intepretación Vocal Pop Femenina por Oceanía y Mejor Álbum de Música Alternativa. Si las críticas fueron positivas, la respuesta de la gente también lo fueron, pues llegó a alcanzar el primer puesto en Estonia, Francia, Islandia y Bélgica, y el puesto nº 9 en las lístas británicas y el nº 14 en la famosa lista Billboard 200 de Estados Unidos. La portada del álbum fue creada por el dúo de fotógrafos de moda Inez Van Lamsweerde y Vinoodh Matadin, 

El álbum comienza con Pleasure Is All Mine, una interesante armonía vocal sobre el jadeo de una mujer, para dejar paso luego a Björk cantando unos versos acompañada por uno coro que llena el fondo con armonías resonantes que hacen que parezca que estamos en el interior de una catedral; le sigue Show Me Forgiveness, una canción cantada a capella con un efecto de ligero eco aplicado a la voz de la cantante. Un tema definido como un "Breve himno confesional"; Where Is The Line, tema que cuenta con la colaboración del artista de beatbox Rahzel. Björk envió un correo electrónico con la canción al productor Mark Bell, quien respondió con una idea, quería hacer un arreglo como el de "Brenniö Piö Vitar", una pieza coral islandesa. Según la cantante fue un duro trabajo pero mereció la pena, y también afirmaba que el tema tiene cierta alegría épica similar al de la canción Bohemian Rhapsody de Queen. En cuanto a la letra, la cantante muestra su enfado hacia su hermano pequeño por ser este codicioso y poco confiable; Vökuró es una canción donde la cantante suelta ciertas palabras y es acompañada por un coro. De este tema manifestó lo mismo que el anterior, pues según ella también tiene cierta alegría épica; turno para Öll Birtain, donde la voz de Björk se superpone varias veces. Muy aconsejable escucharla con auriculares, pues simula los efectos de un dron en el canal izquierdo, mientras que en el canal derecho aparecen otros efectos de sonido haciendo eco; Who Is It es el tema que fue lanzado como primer sencillo del disco y fue escrito por Björk durante las sesiones de grabación de su disco anterior, Vespertine (2001), aunque acabó dejando el tema fuera del mismo al entender que éste no pegaba en el disco. La versión inicial del tema se llamaba Embrace Fortress y fue escrita junto al artista Bogdan Raczynski. La canción, además de ser uno de los sencillos más exitosos de la artista, fue muy elogiada por la crítica espcializada. Submarine es el tema con el que llegamos al ecuador. El tema está influenciado por el embarazo de Björk de su hija Isadôra, y como se sintió de perezosa durante el mismo. El tema también tiene un toque de conciencia política.

Pasamos el ecuador del álbum con Desired Constellation, creada a partir de una muestra de Björk cantando la frase "I'm not sure what to do with it" de la canción Hidden Place, de su álbum anterior Vespertine (2001). En el tema la cantante se imagina a sí misma con las manos llenas de estrellas y "Las tiro sobre la mesa / hasta que aparezca la constelación deseada"; Oceania, como hemos comentado anteriormente, es el tema que estrenó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Atenas en 2004, y fue escrita desde el punto de vista del océano, del cual la cantante cree que surgió toda la vida, y detalla la evolución del ser humano, mientras es brillantemente acompañada por un coro durante la canción; Sonnets/Unrealities XI se basó en el poema "It May Not Always Be So" del poeta, pintor, ensayista, autor y dramturgo estadounidense Edward Estlin Cummings. Este tema es básicamente un sólo de canto de la artista islandesa donde se despide de un amante, mientras es acompañada por un coro islandés: Ancestors es un tema sin letra donde podemos escuchar las voces de Björk y de Tany Tagag; Mouths Cradle tiene unos curiosos efectos sonoros que podrían ser del vaciado de una botella de agua en un galón. Tiene una potente crítica política que queda patente en versos como: "Necesito un refugio para construir un altar lejos de Osamas y Bushes", en clara referencia a Osama Bin Laden y George W. Bush. Nos vamos acercando al final con Miovikudags, canción donde Björk canta en un extraño y difícil lenguaje de comprender, lo que viene a ser un galimatías, dejando paso al tema que se encarga de cerrar este introspectivo trabajo de la islandesa, Triumph Of A Heart, donde contó con la colaboración del artista de Beatbox Rahzel del grupo estadounidense The Roots, de Gregory Purnhagen y del también beatboxer japonés Dokaka. Este último tema es sin duda la canción más marchosa y animada del disco, ya que contiene elementos de pop, dance y hip-hop. También contiene arreglos orquestales de coros islandeses y londinenses. En cuanto a la letra, la cantante afirmó que la canción era una especie de celebración sobre el cuerpo humano, donde las células hacen una especie de montaña rusa, ya que suben y bajan por el cuerpo a través de la sangre y los pulmones.

Björk - Vespertine (Mes Björk)

Tod@s atent@s, que hoy hablamos de sexo... con un disco que, tras años de gira y la experiencia de haber grabado Homogenic en España, Björk disfrutó grabando desde la comodidad de su casa, creando un microcosmos íntimo y sensual, en el que jugó con la sencillez y la limpieza de sonido, en contraste con la complejidad de su trabajo anterior, sin que eso le restara un ápice de intensidad a sus nuevas composiciones. De hecho, el título inicial del álbum iba a ser Domestika, existiendo incluso una canción con ese nombre, que finalmente quedo fuera del álbum, y que fue incluida como cara B del single de Pagan Poetry. A día de hoy puede considerarse un tema de culto, una auténtica expresión de sonido lo-fi que narra la historia de una mujer que quiere salir de su casa y no logra encontrar sus llaves.

¿Y por qué hablaremos de sexo vespertino en un disco tan doméstico? Porque lírica y conceptualmente, el álbum es una por momentos explícita recreación de su relación sentimental con su pareja de entonces, el artista plástico Matthew Barney. Björk quería hacer un álbum íntimo, invernal y doméstico, y la combinación de esas tres cosas es lo que hace especial a Vespertine, aunque no todas ellas nos terminen gustando. Lo íntimo puede ser delicado, y de lo doméstico sacó algunos sonidos y ritmos realmente sorprendentes, pero el invierno es sinónimo de frío, y esa frialdad es lo que siempre me ha costado digerir en la obra de la artista islandesa. En Vespertine nos encontramos instrumentos como el arpa, la celesta o el clavicordio, así como unos cuidados arreglos de instrumentos de cuerda, pero lo verdaderamente curioso son los peculiares ritmos basados en el sampleado de una extensa colección de sonidos domésticos. La experimentación sonora se completa con el ya mencionado toque intimista y erótico, y todo mezclado en la coctelera dio lugar al que muchos consideran el mejor álbum de la carrera de Björk.

El disco comienza con Hidden Place, una exaltación del universo íntimo de la pareja, con un curioso sampleado del arrastre de las cartas de una baraja. Este sonido aparece también en Cocoon, pieza en la que los susurros de la cantante convierten el inocente intimismo inicial en explícita sensualidad. Le sigue la bella y menos optimista It's Not Up to You, que refleja que no todo en casa es idílico, y que también hay que asumir con naturalidad algún que otro día malo. Undo sigue la línea sonora y sensual del disco, y tras ella llega la que para mí es la mejor canción del disco, Pagan Poetry, tema icónico sobre una novia que decide coserse el vestido nupcial a su cuerpo. Junto con Hidden Place y Coccoon, fue uno de los singles del disco.

En Frosti es el hielo siendo golpeado el sonido casero que sorprende al oyente, y casi como hilo conductor del frío que buscaba transmitir, en Aurora es el ruido de una pala retirando nieve el que sube a la palestra musical de la islandesa, que firma además casi todas las letras del disco, pero que en An Echo, a Stain se basa en la obra Crave de Sarah Kane, y en Sun in My Mouth adapta y musicaliza el poema I will wade out de E. E. Cummings. La música también viene también firmada en su mayor parte por Björk, con colaboraciones esporádicas de Thomas Knak o Sigsworth, y una de las pocas concesiones a otros artistas la encontramos en Heirloom, en la que la música corresponde casi exactamente con la canción Crabcraft de Martin Console. De hecho, muchos programas de reconocimiento de canciones devuelven como resultado "Crabcraft" al reproducirla.

Encontramos una nueva colaboración en Harm of Will, cuya letra está escrita por Harmony Korine, está supuestamente basada en su relación con el cantante de música country y actor norteamericano Will Oldham. Tras este buen tema, Björk cierra el disco con la impactante balada trip-hop que es Unison, en la que samplea al coro de la Catedral de Sao Paulo en un segmento de Viri Galilaei de Patrick Gowers. Todo un cierre épico y ceremonial para una canción final que describe el momento en que la pareja se convierte en una sola entidad tanto física como emocionalmente, y para un disco que, como prometíamos al principio, viene a demostrar que al sexo y al amor vespertinos hay pocas cosas que se les puedan comparar.

Björk - Debut (Mes Björk)

 

Debut es el comienzo perfecto para Bjork, el paso en el que pasa de ser una integrante de un grupo musical en el que pasa a pasear su nombre por el mundo entero y ser ella misma la única protagonista, un camino que se inicia en este 1993 y que lo hace dejándonos un reguero de autor y un talento incomparable que le serviría para ser amada, reverenciada y respetada internacionalmente. Lo principal de este álbum es que nos encontramos a Bjork simplemente como es ella, es su esencia, su música, su arte, desprovisto de cualquier ropaje, Post puede interpretarse como esta gran mezcla de estilos y maravillas que imita la amplitud de personalidad de Bjork, Debut simplemente muestra cuán expansiva se volvería con un álbum tan ruidoso y contundente como Debut, un debut descarado, ruidoso y maravillosamente divertido que revela complejidades que tienes que mirar de cerca para disfrutar del laberinto en el que estas a punto de sumergirte.

 Human behaviour, fue el primer y en ese momento inicio una carrera en solitario muy prometedora, es un tema que nos deja una fotografía perfecta de Bjork, donde la encontramos como un individuo único ubicada en algún lugar de las grandes masas de humanos confusos. La canción no es solo una crítica de la sociedad es más una mirada irónica a la personalidad especial de Bjork, ese rechazo a la lógica, y ese impulso continuo, presente en futuros temas como Isobel y Bachelorette, de centrarse en el instinto y el corazón. La percibimos como una gran canción de baile, con coros bien colocados y una guitarra eléctrica notablemente buena de fondo, instrumento que tardaría en aparecer en el trabajo de Bjork, por lo que es interesante ver aquí lo que nos muestra. Crying se basa en un ritmo de cuatro en la base, con pequeños pulsos de percusiones metálicas y una pista de acompañamiento de bajo de piano funky. Desde una perspectiva de sonido, una vez más, esta canción se basa en una percusión fuerte que se desarrolla a lo largo de la canción hasta la mejor parte: el puente. La instrumentación similar a un piano sintético también acompaña a Bjork en el clímax. Es una de esas canciones escritas desde el punto de vista de una persona tímida y, sin embargo, es extremadamente emotiva, la forma en que canta las primeras líneas del segundo verso es particularmente adorable. En la canción descubrimos a Bjork bastante vulnerable, describiendo la grandeza de la ciudad, y las diferencias entre su hogar y Londres, y como la aflige el deseo de una conexión de amor. Debut se destaca por mostrar la vida y el amor, y Crying combina bien esos temas. 

El ritmo de baile palpitante de Venus as a Boy es instantáneamente pegadizo, los tambores indios llamados tablas se suman a ese aura de baile, y las cuerdas grabadas en Mumbai crean una maravillosa fusión de Bollywood y Londres. La voz de Bjork está llena de humor irónico y amor claro, hay un idealismo en esto, terrenal y sexual, pero todavía soñador. Bjork canta en pulsos, permitiendo que las cuerdas y las campanas le den tiempo para respirar antes de que el pulso de la instrumentación la traiga de vuelta. Me gusta cómo Bjork añade algo tangible a su amor: un planeta, una diosa del amor, y compara su amor con él. There's more to life than this, en esta canción me encanta el ritmo del club, me encanta para el baile que es esta canción, y me encanta lo perversamente que escuchamos a Bjork. Ella gime a través de algunas de sus palabras, muy íntimamente, pero me encanta el sentimiento de vida, que no se puede definir. Pero es una canción divertida, y aunque algunas personas piensan que esta es la razón por la que Debut es demasiado convencional o algo peor, están equivocados, muestra cómo es Bjork. Los coros mantienen el ritmo en movimiento y los breves interludios instrumentales muestran la experimentación melódica, una canción rebosante de diversión perversa, complejidad de múltiples capas y verdades honestas, tenemos una canción de fiesta que en realidad es anti-fiesta si nos detenemos en su letra.

Like someone in love es la versión de una canción de 1944, Bjork ejecuta esta canción a la perfección, el arpa es una excelente elección, permitiéndole expandirse fuera del camino coral original, es un instrumento que vamos a encontrar frecuentemente en Bjork, y me encanta cómo es capaz de pasar de la delicadeza coral al rasgueo casi abrasivo. Esta canción está teñida de amor, al tiempo que evita las voces cliché que pueden aparecer en una versión. Después de cuatro canciones de ritmo de baile nos encontramos esto. He escuchado algunas otras versiones de esta canción y, sinceramente, esta es mi favorita. Tal vez soy parcial, pero me da igual, percibo que Björk hace un buen trabajo al no exagerar con las voces y al mismo tiempo ofrecer una actuación emocional, eso está en el espíritu de Debut, un álbum que parece lleno de emoción y deseo y para ser una canción 'acústica' ubicada entre enormes números dance-pop, funciona sorprendentemente bien. Big time sensuality un ritmo sintético aparece al comienzo y luego se ira repitiendo a lo largo de la canción, la verdad era mejorable, menos mal que la voz distorsionada de Bjork pone un poco de orden y se las arregla ingeniosamente para introducir un poco de percusión en esta canción de baile, y la parte donde combina "Big time sensuality" con murmullos y gritos tiene un tono deslumbrante. One Day es inusual, encontramos con percusión murmurante y la voz de un bebé balbuceando al comienzo de la canción. Bjork canta en un tono optimista y pegadiza, pero se vuelve un poco tediosa después de unos minutos. Me encanta el optimismo de esta pista, de hecho, todo el álbum, pero su ejecución en esta ocasión no está a la altura, parece la banda sonora de un documental sobre la selva amazónica que verías en la escuela secundaria. Aeroplane es quizás lo más experimental en Debut, es brillante la forma en que combina instrumentos, creando casi cuatro pistas separadas que corren paralelas entre sí, pero cada una mantiene su individualidad, y su creatividad melódica. Para ello combina acordes aumentados con mayor y menor simultáneamente, conbina diferentes tonos simultáneamente, ¡y hace que SUENE BIEN! Eso muestra tanto la habilidad del artista como el talento del álbum. Comienza con un dúo de saxofones con notas de swing y batiéndose en duelo entre ellos, luego entra el vibráfono, tocando en un tono diferente, cambiando la atmósfera de la canción al instante, momento en que Bjork lleva la canción en una dirección completamente diferente, simplemente viaja a través de diferentes partes, todo está conectado, pero se puede compartimentar estrechamente en decenas de pequeñas partes, algunas repetidas, otras únicas. En cuanto a la letra, es una canción sobre el amor, algo que no se puede separar ni por la distancia ni por el tiempo. Es algo con lo que creo que todos podemos relacionarnos: el poder del corazón.

Come to me es seductora, está llena de amor cálido, no de amor frío, te envuelve con amor, menos sexual o físico, más emocional, más familiar: amor incondicional, y Bjork lo representa muy bien, con pequeños interludios en lo que suena como un piano tratado. Su interpretación vocal es maravillosa, permaneciendo en el alto amoroso y cariñoso antes de elevarse hasta un registro de soprano jubiloso. Es una canción de amor sana, y cuando Bjork dice “sabes que te adoro”, esa certeza hace la canción. Cuando dio un giro a la izquierda con Homogenic, puedo imaginar la decepción de algunos fans por haber abandonado este tipo de canción a favor de un enfoque más conflictivo. Esta canción me recuerda a acurrucarme con alguien, y ¿a quién no le encanta acurrucarse con alguien? Violently happy abruma, demasiado club, demasiado baile, llevado al máximo. Comienza con un solo vocal deformado de Bjork, y piensas que la canción va a ir en cierta dirección. Luego cambia de rumbo, trayendo bongos pegadizos, platillos y percusión. Esa idea de felicidad violenta, de exceso de vida y sobre todo de amor, es al menos ingeniosa. Hay una instrumentación pulsante que continúa una y otra vez, y la voz de Bjork es muy horizontal, apuntando siempre hacia adelante, está hecho de una manera llena de vida y diversión. Pero hay demasiada felicidad y ahora es violenta, has tomado una sobredosis de vida: Conducir coches demasiado rápido con música exultante, emborracharse demasiado, desafiar a la gente a saltar de los tejados. The Anchor Song y la vuelta del dueto de saxofones, Bjork y ellos realizan una llamada y una respuesta, que creo que funciona relativamente bien. La habilidad lírica de Bjork se destaca de sobremanera, es ella soltando un ancla, flotando en las tranquilas aguas debajo de la superficie. Pero musicalmente no es agradable, al menos no en la forma en que lo hizo el arpa en Like Someone in Love, pero tal vez esa sea la intención. The Anchor Song trata sobre el suicidio, algo que no creo que se mencione mucho sobre todo porque Debut era un álbum que sonaba muy feliz hasta este punto.

El disco de la semana 199: Björk.- Homogenic (Mes Björk)

 

Una obra maestra formal y también mi álbum favorito de Björk, aunque este último hecho honestamente me pone un poco nervioso. Homogenic es, después de todo, la gran trascendencia en una máscara operística y una "madurez" de la que nunca volvería.

Puede sonar raro pero nunca encontré este álbum particularmente difícil de digerir. Quizás para las personas que prefieren Debut o Post, pero hay algo en estas gélidas texturas electrónicas para las que la portada del álbum de Nick Knight y especialmente el título del álbum son la combinación perfecta. Este es un intento de alejarnos de la música 'humana', y me atrevería a decir que si realmente queremos mantener todo esto del 'arte' en marcha. Me he pasado, por supuesto, no es como si nos hiciéramos completamente inconscientes de la presencia de un corazón que late detrás de esta voz. Es solo que la fuente de esa voz y corazón se ha convertido en una reina intocable, mostrando sus tubos destrozados tan grandiosamente como siempre y combinando dichos tubos con una variedad de texturas electrónicas, cortesía de Mark que muelen y chisporrotean ("Jóga", "5 years", "Pluto") tan poderosamente como se desvanecen y curan ("Unravel", "Immature ", "All is full of love"). En todos los casos, el efecto es como una ópera digital psicodélica, y todo el álbum es un logro bastante impresionante., también; con la excepción de "All Neon Like", que es un poco aburrido y repetitivo con ese bucle de batería, no hay un segundo desperdiciado en este álbum.

 

Todo el mundo habla de Homogenic inspirándose en los paisajes de la Islandia natal de Björk, como señaló Alex Ross, Björk es probablemente el ciudadano de Islandia más famoso desde Leif Erikson, y aunque no pensaría que una música con tantas capas y textura electrónica podría evocar lava negra y glaciares y todo eso, ella y Bell programan estos sonidos de manera tan evocadora que probablemente asociaría esta música con tales imágenes incluso si Björk viniera de Ecuador. El todopoderoso "Jóga" es la prueba en este sentido, una verdadera balada zen para un amigo que combina un arreglo de cuerdas desmayado con una programación de batería burbujeante que se hincha hacia adentro y hacia afuera que realmente se siente como lava burbujeante, o al mismo tiempo. al menos, como bucles acelerados de olas que golpean la costa. Mucha gente dice que "Jóga" es la mejor canción de Björk de todos los tiempos pero quizás yo elegiría "Hunter" como su mejor canción, es una pieza musical deslumbrante. Desde esa primera pista, está claro que Björk ahora es una soldado-asesina con a la que no se debe joder. Aparecen señales en bucle del teclado con bucles de caja marciales recortados que se elevan y luego se desvanecen cuando las cuerdas comienzan a agitarse en la mezcla ... y luego vuelven a subir para que nuestra heroína cambie a una sección de ondulaciones vocales, alcanzando un pico con un puente de lo que suena como docenas de Björks ondulando dentro y fuera de sus propias formas.

 

"Bachelorette" es un trabajo aún más ambicioso, realmente la pieza central del álbum y sigue siendo una de las canciones más populares de Björk a pesar de que (¿por qué?). Esta es una canción GRANDE, la más grande y grandiosa del álbum, y podría haber caído con fuerza en manos inferiores, pero ella lo logra y de alguna manera logra convencerme de que va a hacerlo desde la primera línea: "Soy una fuente de sangre con forma de niña". Esta es la música de la diosa griega, tan absorbente con sus intensas cuerdas sinfónicas y los estallidos entrecortados de tambores industriales, sin mencionar esa pequeña y brillante ejecución de piano jazz que continuamente se compensa con el retumbar del piano que se retira, que es casi incomprensible que ella realmente lo hiciera. conseguir sacarlo todo. ¡Pero lo hizo! La canción suena bastante similar a "Isobel" de Post , pero esta es "Isobel" interpretada como una tormenta inminente de una diosa vengativa.

 

"Pluto" es verdaderamente agresivo y deslumbrante del álbum, extrañamente ubicado cerca del final. Me encanta, personalmente, especialmente cuando Björk comienza a aullar-gruñir en el medio de la canción para volverse cada vez más. Especialmente extraño que llegue directamente después de "Alarm Call", que es casi cosmopolita en sus vibraciones más 'optimistas' es casi como una versión Björk de un puntal, y de alguna manera hace letras incluso potencialmente vergonzosas, o ese poco absurdo de armonía de fondo donde literalmente imita una alarma al hacer 'bip-bip, bip-bip-bip- bip '- funciona. ¡Los felices 90 otra vez! ¡No me asusta en absoluto!

"All Is Full of Love" cierra el álbum como si estuviéramos literalmente trascendiendo a un plano más alto y más iluminado, flotando su melodía (y nosotros) alrededor de sus volutas de electrónica como si la melodía fuera una de esas criaturas que encontrarás en la parte inferior. de la Fosa de las Marianas que parecen una tira de gasa viva. La canción presenta uno de los mejores videos musicales jamás hechos, ¿un sintetizador apenas audible contra aleteo descendente del arpa?. Suena como una receta para el desastre. Pero la forma en que Björk habla-canta todo es bastante conmovedora, porque parece que te está transmitiendo con confianza verdades zen en susurros. todo meditativo mientras su voz se eleva y oscila de un canal a otro en un relajante descenso. Es una pieza musical tan impresionante que es fácil pasar por alto las otras canciones más suaves e íntimas del álbum que le precedieron. Pero no lo hagas. "Immature" lleva bastante bien a las últimas pistas: sintetizadores aireados y una hermosa voz dentro de otra canción electro-pop de los 90 que evoca el pitido de un automóvil vacío en un estacionamiento desierto, y el anhelo "Unravel", que al principio parece una repetición de las ideas de las dos primeras canciones, se anima con los toques inventivos de un órgano de tubos en su último medio minuto.

Tal vez sea porque Björk de los 90 es una de las pocas personas en el mundo que podría hacer una canción para abroncarte (está enojada y frustrada con los cobardes indecisos que 'no pueden manejar el amor'), eso me anima en lugar de simplemente a idolatrarla, tal vez sea porque Björk es alguien a quien desesperadamente no quiero aburrir. Tal vez sea porque la forma en que sigue cantando las palabras (arrancándolas, aplastándolas, cantando), yendo con toda su garganta y agallas, tal vez sea la programación de la batería, que suena como placas tectónicas rechinando y chocando entre sí a una hipervelocidad tartamudeante. Sea lo que sea, ese último minuto y medio de "5 años", con ese arreglo de cuerdas ascendente que va más alto, más alto, más alto, más alto y en su punto máximo, es como recorrer lentamente una ciudad futurista que por una vez no son las tierras baldías distópicas de la mayoría de la ciencia ficción, sino más bien una utopía organizada de equipos zumbantes y gaviotas chillonas; como trazar los ojos a lo largo de un árbol muy alto que acaba de comenzar a doblarse en la parte superior. O no, no lo sé. Tus imágenes pueden variar. Paisajes emocionales.