0537.- Hot Burrito n° 1 - Flying Burrito Brothers

 

Hot Burrito n° 1, Flying Burrito Brothers

     Aparece en escena la banda estadounidense de country rock The Flying Burrito Brothers. La banda, formada en 1968, debuta con su primer álbum de estudio en 1969, llamado The Gilded Palace Of Sin. El disco fue grabado ente noviembre y diciembre de 1968 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción del grupo y de Henry Lewy y Lary Marks, y publicado el 6 de febrero de 1969 bajo el sello discográfico A&M.

El disco no fue precisamente un gran éxito comercial, alcanzando únicamente el puesto 164 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, pero el trabajo del grupo, y especialmente de sus compositores principales, Gram Parsons y Chris Hillman, fusionando fuentes tradicionales folk y country con otros estilos como soul, gospel y rock psicodélico hizo que este disco fuera considerado como imprescindible en la era del rock de los años 70. Tanto es así que este álbum fue incluido por la prestigiosa revista Rolling Stone en el puesto 192 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos del año 2012, y el el puesto 462 en la lista elaborada por la misma revista en el año 2020. 

Incluido en este álbum se encuentra el tema Hot Burrito #1, compuesto por los componentes de la banda Chris Ethridge y Gram Parsons. Según Chris Hillman, Gram Parsons escribió esta canción basándose en la ruptura que sufrió con su por entonces novia, llamada Nancy, en 1968, y con quien había tenido una hija llamada Polly. aunque nunca se llegaron a casar, Nancy había tomado el apellido de Gram, Parsons. De ahí la letra, donde Gram deja claro que no puede soportar la idea de su chica en brazos de otro hombre. La canción fue escrita mientras la banda residía en la casa de Gram Parsons, ubicada en el valle de San Fernando, y conocida como Burrito Manor. A pesar de no tener mucho impacto en aquel momento tanto la canción como el álbum, el grupo pasó a convertirse rápidamente en un grupo de culto por quienes los escuchaban, incluyendo a artistas de la talla de Bob Dylan y The Rolling Stones entre otros.

0536 - Yellow Submarine - The Beatles

0536 - Yellow Submarine - The Beatles

Pocas canciones de Rock creo que han llegado a tener la repercusión de esta canción de The Beatles, quien no ha escuchado al menos una vez en la vida Yellow Submarine, quizás incluso sin saber que pertenecía a The Beatles. 

Yellow Submarine es una canción de la banda de rock británica The Beatles incluida en su álbum Revolver de 1966. También esta canción tuvo una publicación de un single, junto con Eleanor Rigby. La particularidad de esta canción es que fue escrita como una canción infantil por Paul McCartney y John Lennon, y dio lugar a una canción con la voz de Ringo Starr en el álbum.

El single de Yellow Submarine llegó al número uno en las listas de Reino Unido y en mucho de otros países europeos, como así también en Australia, Canadá y Nueva Zelanda. Ganó un premio Ivor Novello por las ventas certificadas más altas de cualquier sencillo escrito por un compositor británico y publicado en el Reino Unido en 1966. En cambio en los EE. UU., la canción alcanzó el puesto número dos en la lista Billboard Hot 100.

The Beatles produjeron Yellow Submarine durante un período caracterizado por la experimentación en el estudio de grabación. Después de grabar la pista básica y las voces a fines de mayo de 1966, realizaron una sesión para sobregrabar efectos de sonido náuticos, ambiente de fiesta y coros, recordando el trabajo anterior del productor George Martin con miembros de The Goons. Como canción novedosa junto con Eleanor Rigby, una pista desprovista de cualquier instrumentación de rock, el sencillo marcó un cambio radical para el grupo. También fue la primera vez que emitieron un sencillo en el Reino Unido que constaba de pistas de álbumes. La canción inspiró la película animada de 1968 Yellow Submarine y apareció como la pista de apertura del álbum de la banda sonora que la acompaña.

La canción en cambio en los EE. UU. tuvo una repercusión negativa, tras el lanzamiento de Yellow Submarine coincidió con las controversias en torno a los comentarios de John Lennon donde menciono que The Beatles eran "Más popular que Jesús", lo que llevó a algunas estaciones de radio a prohibir la música de The Beatles y otra de las cosas que hicieron impopulares a la banda fue la oposición pública a la guerra de Vietnam. 

La canción recibió varias interpretaciones sociales y políticas. Fue adoptado como una declaración contra la autoridad por parte de la contracultura durante las manifestaciones de la Guerra de Vietnam y también fue apropiado en acciones de huelga y otras formas de protesta.
Algunos oyentes vieron la canción como un código para las drogas, particularmente el barbitúrico Nembutal que se vendía en cápsulas amarillas, o como un símbolo de escapismo. Yellow Submarine sigue siendo la favorita de los niños y Ringo Starr la ha interpretado con frecuencia en sus giras con All Starr Band.

Daniel

Instagram Storyboy

0535.- My Cherie Amour - Stevie Wonder

 

My Cherie Amour, Stevie Wonder

     El 29 de agosto de 1969 Stevie Wonder publica bajo el sello Tamla Records (Motown) el álbum My Cherie Amour, su undécimo trabajo de estudio. El material del disco es grabado en el estudio del sello Motown, conocido como Hitsville, de Detroit en 1969, excepto el tema que da título, My Cherie Amour, que había sido grabado entre 1967 y 1968. El álbum, que se mueve entre el pop-soul y el R&B, obtuvo bastante éxito, alcanzando el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido, y el número 34 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, My Cherie Amour. Wonder escribió la canción en 1967 mientras estudiaba en la Escuela para Ciegos de Michigan, grabando una primera versión y guardándosela en su "Caja de Cintas", donde guardaba todas sus ideas para canciones. Escribió la canción para su por entonces novia Marcia y la titulo originalmente Oh My Marcia. El cantante acabaría cambiando el título de la canción por My Cherie Amour porque cuando se realizó la versión final ya no eran novios. Cuando Berry Gordy, fundador de Tamla - Motown Records, escuchó la canción pensó que la canción podía mejorarse y puso a trabajar sobre ella a los compositores del sello Henry Cosby y Silvia Moy, quienes figuran en los créditos de la canción junto a Wonder. A Silvia Moy se le ocurrió el título de la canción, una sutil combinación de inglés y francés que dió como resultado My Cherie Amour. 

Tina Turner - Private Dancer #MesTinaTurner

Solo unos años antes, nadie podría haber imaginado que esta estrella del género soul se convertiría en la mejor intérprete de las listas de éxitos pop, y lo haría sin comprometer su repertorio musical. A fines de la década de 1970, Turner se ganaba la vida a través de varias apariciones en televisión y conciertos al estilo de Las Vegas, y sus primeros álbumes en solitario reflejaron musicalmente esta estrategia. El quinto álbum en solitario de Turner desde que dejó la banda de su exmarido Ike en 1976 fue el debut de Turner para Capitol Records después de haberse quedado absurdamente sin un contrato de grabación durante varios años anteriores. Capitol records hizo un gran trabajo y cuando el álbum que tantos ejecutivos discográficos dudaban en hacer finalmente se lanzó al público, fue un gran éxito en todo el mundo. Tal vez ahora sea difícil entender lo que significó este disco en 1984: no había nada que se pareciera ni de cerca de a Tina Turner, una sobreviviente de la década de 1960, sus contemporáneos arrasaron con la música disco y otras nuevas tendencias, y aunque ellas seguía activa, estab lejos de los estudios de grabación. Fue esta lucha, la lucha constante y los conciertos agotadores lo que la mantuvo en forma, perfectamente en forma y preparada para llegar el momento adecuado, que en el camino no sucumbiera a las drogas ni al alcohol como tantas otras estrellas del rock, dice mucho de su carácter y determinación, después de todo lo que ha visto de primera mano.

Fue Roger Davis, su nuevo manager, quien planeó este espectacular "regreso" y organizó algunos conciertos de alto perfil que atrajeron la atención de los medios, el álbum en sí se grabó en solo dos semanas y se grabaron con diferentes productores e incluyeron producción europea, por lo que esa combinación de sonido moderno de vanguardia fue perfecta con el vocalismo soul de la vieja escuela de Turner. El resto es, como dicen, es historia de la musica: Turner volvió al mapa musical a lo grande y se aseguró que por el resto de su vida tendría conciertos con entradas agotadas en cualquier momento que quisiera y mas que la música, Turner se convirtió en un fenómeno social, y fue un espejo donde mirarse para muchas personas: para las mujeres de cierta edad, era la heroína que logró defenderse y lograr el éxito nuevamente en solitario, para otras ve como alguien de color de mediana edad podía llegar a la cumbre, para los críticos de rock era una leyenda del rock en su mejor momento, para los seguidores de la moda era una chica rockera con minivestidos y grandes pelucas, para los directores de cine personificaba a una mujer negra fuerte y a millones de personas en todo el mundo simplemente les encantaba verla en un escenario. Ahora está casi olvidado, pero justo después de este álbum aparecieron muchos vocalistas negros que imitaban el estilo vocal de Turner y se podían escuchar coros “Turnerizados” en todas partes, desde Billy Idol hasta Eurythmics y algún album de The Rolling Stones . Incluso Aretha Franklin logró el "regreso" siguiendo la misma fórmula de múltiples productores y su famoso dúo con Eurhytmics se grabó después de que Turner rechazara la canción. Turner nunca más volvería a tener un álbum con tanta energía, lleno de chispa y poder puro, fue esta hambre y determinación lo que hizo de Private Dancer un gran éxito y un punto culminante de su carrera en solitario.

Para el álbum se reclutaron músicos de gran nivel, el bajista y productor Rupert Hine trabajó en varias pistas de Private Dancer, comenzando con el tema de apertura "I Might Have Been Queen", la canción fue coescrita por Jamie West-Oram , guitarrista principal de The Fixx, una banda que Hine había producido recientemente con gran éxito, fue escrita específicamente para Turner y su letra refleja la creencia de Turner en la reencarnación. "What's Love Got to Do with It" es la canción más popular del álbum, debido en parte a la película posterior del mismo nombre. La entrega vocal y melódica de Turner es magistral tanto en su ascenso como en su restricción. Escrita por el guitarrista Terry Britten y Graham Lyle, la canción encabezó las listas en el verano de 1984 y marcó el momento innegable del éxito de regreso de Turner. “Show Some Respect” es otra canción escrita por Britten con un enfoque decididamente ochentero de sintetizador y funk. Una de las últimas canciones lanzadas como sencillo, esta canción se convirtió en un éxito Top 40 en 1985. Britten también produjo la siguiente canción, "I Can't Stand the Rain", una nueva versión del éxito de 1974 de Ann Peebles. La canción principal del álbum del mismo titulo, "Private dancer", fue escrita por Mark Knopfler de Dire Straits, quien escribió la canción para el álbum Love Over Gold de su banda, pero decidió que no quería cantar una canción desde una perspectiva femenina y la desechó. 

La segunda cara de Private Dancer comienza con una versión de "Let's Stay Together" de Al Green, que Turner lanzó a fines de 1983, mucho antes que el álbum. Si bien Turner se mantiene fiel al original, también agrega su toque especial a esta pista que encabezó la lista Billboard Dance. "Better Be Good to Me" es la canción más pop/rock del álbum, originalmente destinada a Pat Benatar, producida por Hine y compuesta por el equipo de Holly Knight, Mike Chapman y Nicky Chinn, la canción alcanzó el número 5 en las listas de éxitos. El álbum termina con tres grabaciones menos conocidas. “Steel Claw” fue escrita por Paul Brady y presenta una alineación similar a “Private Dancer”, con miembros de Dire Straits (sin Knopfler) y Beck agregando un solo. “Help” donde versiona con su capacidad única el clásico de The Beatles y “1984” de David Bowie que concluye el álbum como una pista electrónica que rinde homenaje durante el año real sobre el que se escribió.

Private Dancer alcanzó el Top 10 en más de una docena de países, vendió más de ocho millones de copias y ganó cuatro premios Grammy, aprovechando esta inmensa popularidad, Turner realizó una gira mundial hasta 1985, que incluyó más de 170 fechas en tres continentes.

0534.- Suspicious Minds - Elvis Presley

 

‘Suspicious Minds’ fue uno de los mayores éxitos de Elvis Presley. Se trata de una canción  interpretada en 1968 por él mismo, pero que aparece firmada con el nombre cantautor estadounidense Mark James, también conocido como Francis Zambon, su nombre original. Aunque fue Elvis Presley quien realmente llevó esta canción al éxito en el año 1969. Esta canción fue su último éxito número una y cuya versión ocupa el puesto 91 en la lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos” según la revista Rolling Stone. Unos años más tarde, en 1977, Elvis Presley fallecería, interpretando esta canción por última vez en el año 1973 en Hawaii.

 

La canción fue concebida en el año 1969, cuando Mark James, artista que ya había escrito tres canciones que se convirtieron en éxito número uno en el sur de Estados Unidos, sospechaba de los sentimientos que tenía su mujer hacia él, pero en ese entonces no sabía como demostrarlo y tampoco quería admitir que algo estaba fallando. James sintió que era un momento muy difícil para él, por lo que se entregó totalmente a la música y sus emociones, como una forma de aislarse temporalmente de su situación personal, siendo una terapia para él, que dio sus frutos. Como el artista no lograba desconectarse del todo de lo que estaba pasando en su vida, decidió escribir sus pensamientos como una forma de terapia. Una noche, mientras tocaba su guitarra usando pedales de órganos para buscar sonidos diferentes, logró llegar a una melodía muy pegadiza. El artista se emocionó mucho con el sonido que acababa de encontrar y al momento le vino la idea de colocarle como letra la que había escrito acerca de su situación personal y que posteriormente llamó ‘Suspicious Minds’. James acababa de crear una obra maestra, aunque en ese momento no lo sabía. Como quiera que ese intento no tuvo éxito comercial, la canción fue cedida a Elvis Presley, quien la grabó en una sesión del 23 de enero de 1969, entre las cuatro y las siete de la mañana. Editada como single en agosto del 69, dos meses después de la salida al mercado del disco From Elvis in Memphis del que quedó inicialmente excluida, fue mezclada en Las Vegas, donde además se incluye un fade out que cerca del cierre se transforma en su opuesto, un fade in en el que retornan los mismos tres versos que se repiten en el falso epílogo, una idea que probablemente haya estado inspirada en “Hey Jude” de los Beatles y que en este caso desmejoraba notablemente el resultado final además de complicar la difusión radial con sus cuatro minutos veinte segundos de acabado y sumó otra razón para aumentar la ira de Moman, quien también había fracasado con su reclamo de tener alguna participación en los derechos de un tema que tenía el aroma indudable del hit.

 

Esta canción trata de una relación desconfiada y perdida, así como de la necesidad de la pareja para superar sus problemas con el fin de mantener lo que durante tanto tiempo, lograron cosechar. Una canción que en Estados Unidos tuvo una gran acogida, y que a día de hoy sigue sonando como si no hubiera pasado el tiempo. Desde entonces, la canción ha sido versionada por multitud de artistas, la más famosa fue la de Elvis Presley, que logró estar en el top musical de la época, siendo uno de los mayores éxitos de la carrera del artista, y una de las últimas canciones que logró posicionar como número uno.

0533.- Son of a preacher man - Dusty Springfield

Son of a Preacher Man ("Hijo de un predicador"), incluida en el disco Dusty in Memphis de Dusty Springfield, es uno de esos temas que, pese a estar a la altura de las mejores canciones de su década, tuvo que sufrir un gran rechazo inicial, antes de convertirse en un éxito a nivel internacional. Escrito por John Hurley y Ronnie Wilkins y ofrecido en un primer momento a Aretha Franklin, fue rechazado por la gran diva estadounidense, que quizá por ser precisamente hija de un predicador, no veía con buenos ojos cantar sobre una joven que mantiene una relación amorosa secreta con el hijo del predicador de su pueblo.

Tras ese primer revés, la canción encontró acomodo en la voz de Dusty Springfield, y tras comprobar el gran resultado, la propia Aretha Franklin tuvo que admitir su error y acabó grabando su propia versión sólo dos años después, pero ya era demasiado tarde. La versión de Aretha no logró siquiera acercarse al éxito mundial que poco antes había cosechado la versión de Dusty, porque para el hijo del predicador ya solo había una mujer, y esa era Dusty Springfield.

En 1994 la canción tuvo un gran resurgimiento comercial tras ser incluida en la banda sonora de la película Pulp Fiction de Quentin Tarantino, que alcanzó ventas superiores a los dos millones de copias. Ante estas cifras, es posible que la "Reina del Soul" volviera a tirarse de los pelos, lamentando no haber sido la primera en inmortalizar aquellas líneas que entonces consideró irrespetuosas:

"El único que pudo alcanzarme

Era hijo de un predicador.

El único chico que podría enseñarme

Era hijo de un predicador."

El disco de la semana 280: Kings of Oblivion - Pink Fairies

Los primeros años de la década de los setenta en Reino Unido fueron un interesante período de transición entre el rock progresivo y psicodélico de bandas como Pink Floyd, el glam rock de David Bowie, el rock and roll de The Rolling Stones y los ecos de la separación de The Beatles, por un lado, contra el paulatino germinar del movimiento punk que estallaría definitivamente en 1977, pero que ya se atisbaba en algunas bandas, especialmente representadas por The Ramones y The Stooges al otro lado del charco.

Pink Fairies surgió en ese momento de cambio, configurando una interesante mezcla que aunaba la psicodelia pasada y los largos solos de guitarra del progresivo, con una propuesta fresca y agresiva más cercana al hard rock y al punk que estaba por llegar. La actitud del grupo iba también encaminada hacia la rebeldía del punk, acercándose a posturas anarquistas, y tocando de manera improvisada en las puertas del Festival de la Isla de Wight como contrapunto a lo que el festival de pago ofrecía de puertas para adentro.

Kings of Oblivion ("Reyes del Olvido") (1973) fue su tercer disco de estudio, tras el que se acabarían separando en 1977, para reaparecer una década después con cambios en su formación y un cuarto álbum llamado Kill 'Em and Eat 'Em (1987). Con nuevos cambios en el seno de la banda, publicaron dos discos más en años posteriores, pero ninguno de los discos posteriores a su primera separación llegó al nivel de sus tres primeros discos, de los que Kings of Oblivion, grabado con la formación de Larry Wallis (voz y guitarra), Duncan Sanderson (bajo, voz) y Russell Hunter (batería), quizá sea la mejor muestra. En el momento de su lanzamiento, fue considerado como el mejor álbum de Pink Fairies. 

El disco toma su nombre de una frase de la canción "The Bewlay Brothers" del disco Hunky Dory (1971) de David Bowie, mientras que la portada, diseñada por Edward Baker, parodia los adornos de patos voladores que tanto se habían popularizado en la Inglaterra de la época, pero convirtiéndolos en cerdos voladores, anticipándose varios años al famoso cerdo volador de la portada de Animals (1977) de Pink Floyd. Comienza con City Kids, rotundo tema de hard rock que curiosamente Wallis llegó a grabar también con Motörhead tras dejar los Fairies durante un breve período de tiempo, y unirse a la banda de Lemmy Kilmister para grabar On Parole, álbum debut de Motorhead en 1976 que terminó cancelándose y que finalmente sería publicado en 1979.

Le sigue I Wish I Was a Girl, pieza clave del disco con sus casi diez minutos de duración, en los que hay espacio para intensos solos de guitarra, que en conjunto configuran una de las canciones más melodiosas del disco, sin perder la esencia de hard rock predominante en un disco en el que las influencias de artistas como Alice Cooper son predominantes, como en When's the Fun Begin? que combina el rock pesado con el tono psicodélico de sus coros y sus apocalípticos teclados que parecen simular sirenas de emergencia anunciando un bombardeo, que acaba llegando en Chromium Plating, pieza de rotunda batería e intenso sabor psicodélico, que parece no terminar de despegar hasta el brillante solo de guitarra, que despeja todas las dudas y justifica por sí solo la existencia de este tema en el disco.

Las pulsaciones suben aún un peldaño más en Raceway, tema instrumental con uno de los riffs más acelerados del álbum, con la banda tocando con una energía que recuerda a los mejores Led Zeppelin, y derrochando fuerza y creatividad en unos espectaculares cambios de ritmo. No levantan el pie del acelerador en Chambermaid, tremendamente efectiva y con guitarras que son de nuevo brillantes y que saben a cuero, carretera y manta. Cierran el disco con Street Urchin, más rítmica y contenida, pero igualmente reforzada por energizantes solos de guitarra que, una vez más, nos hacen plantearnos la ironía del título de este gran disco, porque los Pink Fairies fueron una genuina banda de rock que hubiera merecido mayor reconocimiento y visibilidad de las que tuvieron, pero el destino quiso que quedaran desterrados a esa terrible isla que es el olvido, en la que desde el día que llegaron fueron auténticos reyes.

0532 - In the Ghetto - Elvis Presley

0532 - In the Ghetto - Elvis Presley

In the Ghetto originalmente titulada The Vicious Circle es una canción de 1969 grabada por Elvis Presley y escrita por Mac Davis. 

Fue un gran éxito lanzado en 1969 como parte del álbum de regreso de Presley, y también en el lanzamiento del sencillo "Any Day Now" en la otra cara.

La letra de la canción fue escrita por el compositor y cantante de música country Mac Davis.  

La versión grabada por Presley se toca en la tonalidad de si bemol. In the Ghetto se grabó durante la sesión de Presley en el American Sound Studio en Memphis, Tennessee.  

Fue la primera sesión de grabación creativa de Presley desde el Elvis '68 Comeback Special.  Otros éxitos grabados en esta sesión fueron "Suspicious Minds", "Kentucky Rain" y "Don't Cry Daddy".

La canción fue publicada por Gladys Music, Inc., la editorial de Elvis Presley.

La canción fue el primer éxito Top 10 de Elvis Presley en los Estados Unidos en cuatro años, alcanzando el número 3 y el número 2 en Canadá. Fue su primer éxito en el Top 10 del Reino Unido en tres años, y también alcanzó el puesto número 2. Alcanzó el número 1 en Cashbox y el número 8 en Easy Listening. Fue un éxito número uno en Alemania Occidental, Irlanda, Noruega, Australia y Nueva Zelanda.

Como un gran éxito internacional, Elvis Presley lo incluyó en su lista de canciones durante su regreso a las presentaciones en vivo en el Hotel Internacional de Las Vegas en 1969. Fue un elemento básico de sus espectáculos en las dos primeras temporadas;  sin embargo, en el tercero (agosto/septiembre de 1970), lo incluyó solo una vez, en la cena con espectáculo del 13 de agosto, para beneficio de las cámaras de Metro-Goldwyn-Mayer que filmaban el documental Elvis: That's the Way It Is.  (1970).  Esta versión comenzó sin pausa al final de otro éxito de 1969, "Don't Cry Daddy".

Daniel 

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531.- Communication Breakdown - Led Zeppelin

Communication Breakdown (Avería en la comunicación) es una de las canciones más significativas del álbum de debut de la banda inglesa de rock Led Zeppelin, publicado en 1969 con el nombre de la banda como título. La letra habla de un corte en la comunicación, pero se refiere en realidad a la dificultad del protagonista en lograr trasladarle a su amada todos los sentimientos y la excitación que ella le provoca:

En las estrofas se da rienda suelta al sentimiento ("Hey chica, hay algo que tú necesitas saber, Hey cariño quiero decirte que te quiero. Quiero tenerte entre mis brazos, nunca te voy a dejar marchar..."), pero al llegar al estribillo comprobamos que o bien no ha logrado decírselo, o sus palabras no han tenido el efecto deseado en ella (¡Avería en la comunicación, siempre es lo mismo, avería en la comunicación, me pone de los nervios!)

Más árida y rockera que otras grandes obras posteriores de Led Zeppelin, en Communication breakdown destacan por igual todos los miembros de la banda, empezando por la intensa voz de Robert Plant, continuando por las fieras guitarras de Jimmy Page y las densas líneas de bajo de John Paul Jones y terminando con la contundente batería de John Bonham. Todos juntos entregan una pieza de hard rock rabioso y atemporal, posteriormente versionada por artistas del calibre de Iron Maiden o Wolfmother.

Love Explosion - Tina Turner #mesTinaTurner

Love Explosion - Tina Turner #mesTinaTurner

En este mes de Junio seguimos con los éxitos de esta gran actriz y cantante Tina Turner, que se merecía este espacio, continuamos con su carrera discográfica con su cuarto álbum de estudio Love Explosion, que de hecho es su último álbum antes de la separación de su esposo Ike Turner.

Love Explosion es el cuarto álbum de estudio en solitario de Tina Turner, publicado a finales de 1979 por el sello EMI en Europa, Ariola Records en Alemania Occidental y United Artists Records en el Reino Unido. A principios de 1980 le siguieron Italia y Sudáfrica.

El álbum no se publicó en Estados Unidos. Fue su segundo álbum en solitario tras dejar a su marido Ike Turner y la Ike & Tina Turner Revue, sería su último álbum hasta el aclamado Private Dancer de 1984.

Love Explosion se grabó principalmente en Londres, aunque parte del álbum se grabaron en Nueva York y fue producido por uno de los principales personajes de la música disco francesa de la época, Alec R. Costandinos, que había escrito éxitos para Demis Roussos y trabajado con grupos como Love And Kisses y Cerrone, y que también apareció en la banda sonora de la película Thank God It's Friday de 1978. El álbum presenta fuertes influencias del funk y la música disco.

La lista de canciones incluye dos baladas soul, "I See Home" y "Just A Little Lovin", la primera grabada originalmente por Patti LaBelle en su álbum Tasty de 1978 y la segunda grabada originalmente por Dusty Springfield en su álbum Dusty in Memphis de 1969. 

El tema discotequero "Love Explosion" se publicó como sencillo en Australia, mientras que "Music Keeps Me Dancin" se publicó en Europa. Es la única canción que se sabe que Tina Turner ha interpretado del álbum, ya que se incluyó en su gira europea en directo a principios de año. 

Una versión a medio tiempo del clásico soul de 1972 de The O'Jays "Backstabbers" se publicó como sencillo promocional en el Reino Unido. Debido a que los sencillos y el álbum no llegaron a las listas, United Artists Records y ya que la pareja Turner se separara.

Daniel

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530.- Babe I'm Gonna Leave You - Led Zeppelin

"Babe, I'm Gonna Leave You" comienza como una pequeña y agradable pieza acústica, pero alterna entre la bondad acústica y la dureza del grupo, cabe destgacar a Plant, quien posiblemente da su mejor voz del álbum debut, y posiblemente de las mejores de toda su carrera, la emoción y el poder que se respira en la canción es realmente impresionante, simplemente ese estilo particular y es voz son solo un par de muchas razones para disfrutar del debut homónimo de Led Zeppelin aunque la cancion no sea original del grupo, es el momento de hacer un poco de historia de la misma.

Este tema aparece por primera vez en 1960, cuando Anne Bredon apareció en un programa de música folk en directo en la emisora de radio KPFA en Berkeley, California, donde interpretó "Babe I'm Gonna Leave You", esa version la escucho más tarde Joan Baez y le gustó tanto que la aprendió y la hizo suya, incluyendola en el álbum de 1962 Joan Baez in Concert en una magistral actuación en solitario con su guitarra vocal y acústica. El copropietario/productor de Vanguard Records, Maynard Solomon, comentó: "La extraña cualidad y el poder de la canción es que el narrador desea internamente exactamente lo contrario de lo que hará, y está desgarrado por la perspectiva de su partida autoimpuesta". También describe la canción como un "blues blanco", pero no identifica al compositor. Cuando más tarde se publicaron versiones en CD del álbum de Baez, Anne L. Bredon aparece como la única compositora. Debido a la popularidad de su álbum, la interpretación de Baez fue adaptada por Plebs (con miembros de Nashville Teens ), The Association, Mark Wynter o Quicksilver Messenger Service hasta que llega Led Zeppelin que la incluyen en su album debut

El guitarrista Jimmy Page escuchó la versión de Baez y comenzó a desarrollar "Babe I'm Gonna Leave You" al principio de su carrera como guitarrista de sesión. Tocó la canción para el cantante Robert Plant durante su primer encuentro en la casa de Page junto al río en Pangbourne a fines de julio de 1968. En su libro Stairway to Heaven , el gerente de la gira de Zeppelin, Richard Cole , afirma que el arreglo fue definitivo fue cuando se incluyó la parte de guitarra que finalmente apareció en el álbum; sin embargo, esto ha sido refutado por Page. En una entrevista, Page comentó: "Solía ​​tocar esta canción en los días en que me sentia en la oscuridad y refugiba en mi instrumento de seis cuerdas". Aunque basado en la versión de Baez, Led Zeppelin ideó un enfoque muy diferente, incorporan secciones de hard rock con guitarra eléctrica interpretadas por todo el grupo, duplicando así con creces la duración del original de Baez. 

Grandes Éxitos y tropiezos: Morcheeba

Grandes Éxitos y tropiezos: Morcheeba 

Voy a recorrer la historia de Morcheeba que es una banda británica que mezcla influencias de diferentes sonidos como el trip hop, rock, folk rock y downtempo.

Esta basa comenzó a mediados de 1990, y sus integrantes son los hermanos Godfrey, el DJ Paul Godfrey y el multinstrumentista Ross Godfrey se unió a ellos, Skye Edwards como vocalista, desde sus inicios. 

Este trio que estuvo junto, tras varios álbumes, en el 2003, su vocalista Skye Edwards decidió dejar la banda. 

Y en el 2005 los hermanos Godfrey de  Morcheeba grabó otro álbum junto a Daisy Martley, una vocalista que anteriormente era parte de la banda Noonday Underground, que se unió para reemplazar a Skye Edwards como vocalista. 

La voz de Slye Edwards se había vuelto una parte integral del sonido de Morcheeba, y la nueva cantante tuvo que afrontar duras críticas tanto de parte de los fanes como de los críticos de música. 

Pero la relación Daisy Martley no funcionaria y en 2009, Skye Edwards retornó la formación original de la banda, y desde entonces han lanzado dos nuevos discos con ella: Blood Like Lemonade y Head Up High.

Queda claro, que si vamos a destacar los éxitos de esta banda, nos centraremos en el intervalo de tiempo que va desde sus inicio hasta la partida de Skye Edwards por ello es fundamental conocer esa línea de tiempo, ya que Morcheeba desde sus inicios hasta 2003 se podría decir que tiene sus mejores álbumes, que ha podido conseguir una banda.

Si no has escuchado nada de ellos, te puedo recomendar, alguno de estos álbumes, donde podrás escuchar la voz de Skye Edwards, cualquiera de los álbumes entre 1996 y 2003, no te defraudarán, ya sea Who Can You Trust?, Big Calm, 

Fragments of Freedom, y Charango, la voz inconfundible de su vocalista es el corazón de Morcheeba. 

No es que Daisy Martley lo haya hecho mal, sino que los fans nunca se olvidaron de ella (Skye Edwards). Es tan así que los álbumes The Antidote, 

Dive Deep, creo que pasan desapercibido por los fans, será por ello que en 2009 retoma a la banda  Skye Edwards y la banda resurge con dos nuevos álbumes. 

En este grandes éxitos y tropiezos, Morcheeba es una clara muestra de que en una banda no siendo su vocalista el líder, tome cierta relevancia con sus fans, producto de ello, que sin su vocalista de la banda, pasará a ser nada. 

Si te apetece conocer a esta banda, sin escuchar sus primeros álbumes, que para mí son los mejores, te propongo que escuches Parts of the Process (The Very Best of Morcheeba) uno de sus mejores recopilatorios, donde no me canso de decirte que la voz de Skye Edwards lo es todo. Amigos una banda que vale la pena escuchar. 

Daniel 

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0529.- Dazed and Confused - Led Zeppelin

 

Dazed and Confused, Led Zeppelin

     En 1969 la banda británica led Zeppelin debutaba con su primer álbum de estudio de título homónimo, Led Zeppelin. El disco es grabado por la banda entre septiembre y octubre de 1968 en los Olympic Studios de Londres bajo la producción del guitarrista de la banda Jimmy Page, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records el 12 de enero de 1969 en Estados Unidos y el 31 de marzo de 1969 en Reino Unido. Este disco debut contiene una mezcla de material original elaborado en los primeros ensayos de la banda, además de remakes y arreglos de blues contemporáneo y canciones populares. Las sesiones de grabación fueron realizadas antes de que la banda consiguiera un contrato de grabación, y fueron pagadas por el guitarrista Jimmy Page y por el mánager de la banda Peter Grant. Curiosamente este álbum, cuyo éxito e influencia son ampliamente reconocidos, no obtuvo muy buenas críticas, llegando a alcanzar el puesto número 10 en las listas de ventas estadounidenses y consiguiendo la certificación de disco de oro en dicho país en julio de 1969.

Incluido en este disco debut encontramos el tema Dazed and Confused, basada en una canción acústica con el mismo título que Jimmy Page había visto interpretar al cantante de folk Jake Holmes. Cuando Page era miembro de The Yardbirds, tocaron compartiendo cartel  con Holmes en el Village Theatre de Nueva York. La versión de Holmes tata sobre una experiencia con las drogas, más concretamente sobre un viaje con ácido. The Yardbirds llegaron a tocar la canción en concierto pero nunca la grabaron una versión de estudio, llegando a interpretarla para una grabación de la BBC en marzo de 1968.  La versión de Led Zeppelin no fue acreditada a Jake Holmes porque Jimmy Page consideraba que había cambiado lo suficiente la melodía y agregado letras nuevas para así no tener ningún tipo de problema. Sin embargo, en 2010 Jake Holmes presentó una demanda sobre la citada canción, llegando a un acuerdo posterior con Jimmy Page, quien figuraba en los créditos. A partir del acuerdo, en los créditos de la canción figuraría: "Jimmy Page, inspirado por Jak Holmes".

0528 - Good Times Bad Times - Led Zeppelin

0528 - Good Times Bad Times - Led Zeppelin

Good Times Bad Times es una de las canción de la banda de rock británica Led Zeppelin, que aparece como tema de apertura en su álbum debut de 1969, Led Zeppelin I.

La canción fue uno de los primeros singles de la banda Led Zeppelin que se publicara en los Estados Unidos, donde alcanzó la lista Billboard Hot 100.

Esta canción tiene un solo de guitarra principal, interpretado por el guitarrista Jimmy Page que amplifico la salida de su guitarra Fender Telecaster a través de un altavoz Leslie para crear un efecto de remolino. Jones dice que el riff que escribió para esta canción fue el más difícil que jamás escribió.

La canción Good Times Bad Times, rara vez se tocó en vivo en los conciertos de Led Zeppelin en su totalidad se sabe que fue interpretada. 

En algunos casos en 1969 se utilizó como una introducción a Communication Breakdown, y esto se puede ver en Led Zeppelin al edición de Deluxe Edition. También apareció en forma casi completa dentro del popurrí de Communication Breakdown interpretado en el Forum de Los Ángeles el 4 de septiembre de 1970, donde incluyó un solo de bajo de Jones, existen grabaciones pirata de Led Zeppelin Live en Blueberry Hill, y varios popurríes de "Whole Lotta Love" en 1971. También fue la canción de apertura del espectáculo de reunión de Led Zeppelin en el O2 Arena de Londres el 10 de diciembre de 2007. y por por último tenemos una aparición de la versión de "Good Times Bad Times/Communication Breakdown" publicada el 15 de abril de 2014, en iTunes, es del 10 de octubre de 1969 en París, en la gira europea de otoño de 1969.

Daniel

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Tina Turner - Rough #MesTinaTurner

 

Extrañamente ignorado en el momento de su lanzamiento, este álbum fue uno de los primeros pasos que Tina Turner dio en solitario después de dejar a ya sabeis quién, Acid Queen se basó en una sabia elección de canciones, buen gusto en los arreglos y la sombra de Mr Ike aún impregnando las sesiones. El álbum no es una joya pero tampoco tiene nada malo, es cierto que es un disco muy contemporáneo y con un sonido moderno para su época, jugaba hábilmente con la imagen de tigresa, todo pasión y grandilocuencia, pero también mostraba ternura en baladas como "The Woman In A Man's World", un estilo que raramente estaba presente en su catálogo anterior.

 

Rough se divide más o menos a partes iguales entre pomposos números disco y glam-pop igualmente llamativos que no ocultan la música de la época de la que salió. El productor Bob Monaco le da al disco más o menos la misma sensación que los álbumes contemporáneos de Rod Stewart, es decir, muy uniforme, inmóvil y, finalmente, simplemente aburrido. La banad que acompaña a Tino rayan a un gran nivel, pero realmente lo fuerte de este albuym son los registros vocales de Tina, aunque no fue suficiente, mientras que "Private Dancer" estaba rodeada de nuevos maestros del euro-pop que contrastaron su fuerte voz con sintetizadores, aquí ella todavía era una artista estadounidense rockeando en la década de 1970, canciones y no consiguió incendiar las listas de éxitos, hubo otros que también grabaron discos similares en ese momento que obtuvieron un resultado similar. El gran acierto de "Rough" es que en este trabajo mostró mucha más versatilidad de la que a Turner se le permitió antes: Ike quería que se sacudiera y se balanceara y mucha gente nunca pudo hacerse la idea de que podía cantar una balada, es cierto que las canciones no son nada especiales y no fue suficiente poner todo el empeño y trabajar en cuerpo y alma en el disco (Turner siempre le dio el 100%)  pero no se vendió bien, tal vez la falta de promoción por parte de la compañía discográfica jugó un papel en esto. En comparación con los fuegos artificiales que tuvo con su exmarido, a este álbum no le falta pasión -basta con escuchar su desgarradora versión de "Funny How Time Slips Away" con su espeluznante final gospel- pero recuerdo incluso ahora que al principio escuchando, pensé que su rock-meet-blues "Night Time Is The Right Time" o la explosión de Nueva Orleans llamada "Hurricane and Earthquake" tenían mucho más sentido artístico que su propio momento Donna-Summer en "Fruits of the Night". Destaco 'Fire Down Below' como uno de esos mini-clásicos enardecedores que tienden a ser olvidados; en este número bastante común de blues-rock, Tina ofrece una gran actuación, casi podías oler y visualizar ese fuego real ardiendo abajo mientras ella escupe la letra.

 

Turner tiene una voz excelente durante todo el álbum y todavía es un placer escucharla así, con una sensación de libertad y fuego claramente audible, que mujer, es una leyenda. No es que esté tremendamente decepcionado ni nada por el estilo - Rough es solo un producto típico de su época, nada más. Ha habido mejores y peores, y de hecho, incluso cuando se compara con algunos de los álbumes 'clásicos' de los años ochenta de Tina, no es tan malo en absoluto. Es solo que con un poco más de autocontrol y refinamiento, creo que Tina podría haber entregado mucho más que un disco 'decente' como este. Por otra parte, cabe recordar que fue un momento difícil para ella: bastante hacia con conseguir un contrato discográfico, por lo que simplemente tuvo que aceptar lo que le ofrecieron. Ah, y, para que conste, el álbum tiene la mejor carátula en un álbum en solitario de Tina Turner.

0527.- Proud Mary - Creedence Clearwater Revival

 

“Proud Mary” (“Orgullosa María”) fue el primer gran éxito de Creedence Clearwater Revival, una canción que aún perdura como uno de los temas míticos del rock, escrita por John Fogerty, líder del grupo y excelente compositor, se lanzó como single el mes de enero de 1969 y fue incluida en el álbum LP “Bayou Country” de ese mismo año, alcanzando en muy pocas semanas el nº 2 en el top ten USA.

Su historia, que en principio puede parecer relacionada con una chica, hace referencia al “Mary Elizabeth”, uno de aquellos barcos a vapor con grandes ruedas de paletas destinados a navegar desde New Orleans por todo el Mississippi, de ahí lo de “rolling on the river” de su estribillo que incluso les hizo pensar en titularla “Rollin’ down the river”, aunque al final se decidieron por “Proud Mary” en homenaje al barco que traslada desde la ciudad al protagonista en busca de trabajo. La canción en si es una mezcla de rock, country, blues, e incluso gospel, el estilo característico de Creedence, con el típico riff de guitarra que aparece en muchos de sus temas y que el propio Fogerty ha reconocido estar muy influenciado por el gran guitarrista de soul y R&B Steve Cropper, famoso con su banda Booker T. & the M.G.’s y sobre todo con los legendarios The Blues Brothers: “El riff de ‘Proud Mary’ tiene una clara influencia de Steve Cropper. Pensé: ¿cómo lo tocaría con una guitarra grande?, porque era la 175 (Gibson 175) y por supuesto que el utilizaría una ´Tele’ (Fender Telecaster). Steve estaba llamado a ser el más grande guitarrista rítmico de la historia. Su estilo implicaba un montón de acordes y me atraía”. Una canción de escape, que alude a un grupo de motivos estadounidenses por excelencia: barcos fluviales, canciones de trabajo, espirituales negros, Mark Twain, "Proud Mary" fue una pista atemporal que contrastaba con el tumulto de finales de los años sesenta. Por supuesto, Fogerty no era reacio a los comentarios sociales, como lo demostrarán los tramos superiores de esta lista, pero "Proud Mary" lo encontró agregando un "estándar instantáneo" al cancionero de música folclórica estadounidense.

La canción ha pasado por la voz de Elvis Presley, pero lo que mucha gente asocia es Proud Mary con Tina Turner, que la cantó durante años y años después de hacer su primera versión en 1971, solo dos años después de salir de las manos de John Fogerty.

El disco de la semana 279: The Blues Album - Joanne Shaw Taylor

 

The Blues Album, Joanne Shaw Taylor 

     Esta semana, para la recomendación semanal nos acercamos a la localidad británica de Wednesbury, situada en West Midlands, donde nació allá por 1985 Joanne Shaw Taylor, una de los grandes estandartes en la actualidad, por derecho propio, del blues rock británico. Atrás queda ya el año 2001, cuando fue descubierta por Dave Stewart, del grupo Eurythmics, cuando contaba con apenas 16 años. Dave lo tuvo claro, y al escucharla tocar la invitó a unirse a su banda DUP para la gira por Europa en 2002.

Joanne Shaw Taylor aprendió a tocar la guitarra bien temprano, insprándose en artistas de la talla de Stevie Ray Vaughan, Albert Collins y Jimi Hendrix. Su imagen suele esar asociada a la de una Fender Telecaster, guitarra que suele usar con asiduidad, aunque también suele usar Gibson Les Paul. También ha admitido que le gusta la Fender Stratocaster, pero ésta para trabajos de guitarra rítmica. Suele usar una Telecaster, a la que llama Junior, y que adquirió a la edad de 15 años, un modelo Esquire de 1966 modifcado y que compró de segunda mano en Londres, al que se le había agregado una pastilla de mástil humbucker Fender Jazz además de la pastilla de fábrica que llevaba en el puente. También suele usar una Telecaster modelo Fender Albert Collins, la cual fue un regalo que le hizo Joe Bonamassa. 

En 2009 Joanne debutaba lanzando su primer álbum de estudio, White Sugar, bajo el sello discográfico Ruf Records. Unos 13 años después, con 8 álbumes y un EP,  la genial guitarrista británica se ha asentado en la élite musical del blues rock, y esta semana vamos a recomendar uno de sus álbumes, más concretamente su último trabajo, The Blues Album, publicado en el año 2021. The blues Album empezó a tomar forma durante la pandemia, y para este proyecto contó con la colaboración en la producción de dos gigantes de la guitarra, Joe Bonamassa y Josh Smith, que ayudan a Joane a exprimir todo su potencial con la guitarra y con la voz. 

The Blues Album es grabado en los estudios Ocean Way de Nashville, bajo la producción, como hemos comentado anteriormente, de Joe Bonamassa y Josh Smith, y publicado en 2021 bajo el sello discográfico Keeping the Blues Alive, propiedad del mismo Joe Bonamassa. Los dos productores tenían claro que había que rodear a Joanne de musicos solventes, y para ello contaron con Reese Wynans (teclados), Greg Morrow (batería), Steve MAckey (bajo), Steve Patrick (trompeta), Mark Douthit (saxo) y Barry Green (trombón). También contaron con la colaboración de Mike Farris.

El resultado es The Blues Album, compuesto por doce versiones de blues, donde se nota el gran trabajo a la producción de los dos excelsos gutarristas, y donde Joanne está a la altura dando su propio toque personal con su indudable calidad a la guitarra, y también con su áspera y elegante voz. Compone el material de este disco Stop Messin' Round, compuesta por Peter Green, y que fue grabado por primera vez por éste en 1968 e incluido en el ábum Mr. Wonderful de Fleetwwod Mac. Una versión donde destaca el buen hacer de los teclados. If That Ain't a Reason, compuesta por Little Milton y publicada en su álbum Chronicle en 1979. Podemos  apreciar el gran trabajo vocal de Joanne, muy bien escoltada por unos magníficos coros. Keep On Lovin' Me, tema escrito por Otis Rush y publicado en 1969 en su álbum This One's A Good 'Un. Tema con unos buenos arreglos de la sección de metales, y un sólo abrasivo de la guitarrista marca de la casa. La ardiente y apasionada If You've Gotta Make a Fool of Somebody, escrita por Rudy Clark y grabada por pimera vez en 1961. Sería convertida en un clásico por la gran Aretha Franklin en su grabación en 1969. Don't Go Away Mad, tema acreditado a Ry Cooder, John Hiatt, Nick Lowe, y Jim Keltner, quienes en 1992 formaron un supergrupo llamado Little Village y lanzaron un álbum de título homónimo. Este tema forma parte de este disco. En esta alegre versión Joe Bonamossa colabora aportando su toque en la guitarra y las voces. En Scraps Vignette Joanne saca a relucir todo su potencial en este breve instrumental lleno de garra y fuerza escrito por Josh Smith. Tampoco se olvida del gran Albert king en su repertorio, y el tema elegido es Can't You See What You're Doing To Me, tema que el guitarrista lanzó en fomarto single en 1970 bajo el sello discográfico Stax. Let Me Down Easy, otro tema popularizado por Little Milton y que fue compuesto por Maurice Dollison. Dollison escribió temas de éxito para artistas de la talla de Etta james, Otis Clay o Blood, Sweat & Tears entre otros. En esta versión, Joanne es capaz de inyectar, con su voz lenta y cruda, al tema un plus de emoción e intensidad. El alegre Two Time My Lovin', escrito por Kim Wilson, vocalista de The Fabulous Thunderbirds, y que fue publicado en su álbum Tuff Enuff (1986). Cierran la brillante selección de once temas de este álbum dos escritos por Don Covay, famoso compositor y cantante estadounidense de R&B, rock and roll y soul: I Don't Know What You've Got, un medio tiempo que se mueve entre el soul y el blues, y grabado y popularizado por Little Richard allá por el año 1965. Joanne cuenta en este tema con la colaboración de Mike Farris, quien agrega armonías vocales y coros; y Three Time Loser, cerrando este disco a rimo de shuffle (ritmo musical vinculado al blues y el jazz).

The Blues Album es un más que recomendable disco, surigo en una época difícil, la pandemia, para darnos ilusión y esperanza. Joanne ve convertido en realidad uno de sus sueños, trabajar con uno de sus ídolos, Joe Bonamassa, y además se suma al proyecto otro de los grandes, Josh Smith. Y la gran guitarrista sabe aprovechar esta oportunidad que se le brinda, no en vano ahora mismo es el referente, la punta de lanza del blues rock británico, un título que se ha ganado a pulso con trabajo, dedicación y esfuerzo. 

0526.- Graveyard Train - Creedence Clearwater Revival

 

Graveyard Train, CCR

     Mientras la Creedence Clearwater Revival lleva un cargado calendario para promocionar su álbum debut, paralelamente trabaja en su siguiente proyecto. Este proyecto acabará llamándose Bayou Country, que supondrá un antes y un después en la carrera del grupo, ya que será el primero de los considerados grandes discos del grupo. El disco es grabado en los RCA Studios de Los Ángeles a finales de 1968 bajo la producción del propio John Fogerty, y publicado bajo el sello discográfico Fantasy Records el 5 de enero de 1969. El disco alcanzará el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, siendo el primero de una larga lista de éxitos que abarcarán dichas listas durante los siguientes tres años.

John Fogerty, Tom Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook, los miembros de la banda, eran conscientes de que después de su primer álbum de estudio debían sacar otro buen disco para que la crítica y las ventas les acompañaran, ya que estaba en juego la  continuidad de la banda o la disolución de la misma y la vuelta a la vida normal para ganarse la vida trabajando como habían estado haciendo. Alentado por todo esto John Fogerty se puso a trabajar sin descanso y a componer lo que acabarían siendo clásicos no sólo de la banda, sino de la música rock. El resultado es la fusión de las influencias de John Fogerty, un disco que abarcará el rock, el blues y el rock sureño. El grupo, tratando de cuidar todos los detalles, se traslada a los famosos RCA Studios de Hollywood, donde los Rolling Stones habían grabado la memorable Satisfaction, y graban todos los temas en riguroso directo. Una vez grabado, John Fogerty perfeccionó todas las partes vocales y algunas partes instrumentales, añadiendo material también a éstas. El resultado no pudo ser mejor, nacía Bayou Country, el primero de los grandes discos y uno de los más influyentes de la Creedence Clearwater Revival

Incluido en este álbum se encuentra Graveyard Train, un tema donde la banda mezcla grandes dosis de experimentación e improvisación, con todo el protagonismo para los solos de guitarra y armónica y la voz de John mientras se repite la misma estructura rítmica de bajo y batería durante toda la canción. La canción tiene un estilo que nos recuerda a Howlin' Wolf, el cual era uno de los grande ídolos e influencias de la banda, y donde nos hablan del amor y la muerte, temáticas muy habituales y que solían combinarse mucho en el blues. Sobre esta canción John Fogerty relataba cómo la grabó : "Me senté para hacer esta canción cantando una partitura con notas escritas para mí. Las luces estaban apagadas y yo simplemente me senté allí, como si estuviera en mi habitación, como cuando era un niño pequeño. Ni siquiera podía ver a los otros chicos, sólo yo y el micrófono en la oscuridad. Tenía que estar evitando que mi guitarra entrara tocara y se acoplara con el micrófono vocal, y además tuve que agarrar una armónica y tocarla. Fue muy incómodo y difícil para mí.

0525 - Bootleg - Creedence Clearwater Revival

0525 - Bootleg - Creedence Clearwater Revival 

En el apogeo de Creedence Clearwater Revival esta banda edita el éxito Bootleg a principios del 69, mientras interpretan este tema muy bailable de su exitoso álbum 'Bayou Country'. 

Creedence Clearwater Revival inmediatamente después de su primer gran éxito, con el sencillo No. 2 de Billboard 'Proud Mary', muestran su nueva confianza como músicos con una reinvención de la música de raíces sureñas estadounidenses.

En realidad, podríamos engañarnos haciéndonos creer que esta banda es de Mississippi en este divertido video de la canción Bootleg, y ¿a quién no le gusta una fiesta con baile y con chicas lindas en un barco fluvial?. 

Después de un rápido delirio del video musical, con ese gran ritmo de dos acordes, entra el vocalista principal, el guitarrista principal y el compositor, John Fogerty, y lo toca genial, como el bluesman del campo rural. Fogerty es a partes iguales Huck Finn, Scotty Moore y Hank Williams con su camisa a cuadros, chaleco vaquero, botas y cabello desgreñado. Doug Clifford, el baterista, con su camisa de diente de sierra del oeste, cabello largo y barba, continúa con el tema estadounidense. 

No hay nada realmente notable aquí en cuanto a producción o efecto cinematográfico de este video musical. El significado de Bootleg es, de hecho, que estos músicos, han creado el mito, y representan un renacimiento de la música de raíces estadounidense única que impulsaran contra la marea de la psicodelia hippie y las canciones de protesta. Creedence sigue el ejemplo de Bo Diddley y el sonido de Memphis con un ritmo increíblemente simple pero contagioso. 

Esta no es una música demasiado complicada. Es sentir sobre la técnica. Y, en verdad, Creedence no es del Sur. La banda es de los suburbios de clase trabajadora de East Bay en el área de la Bahía de San Francisco en el norte de California. 

Y este video era, en realidad, una promoción filmada en un crucero por el puerto, en el Puerto de Los Ángeles, y no en un río en absoluto. 

John Fogerty no es un verdadero cowboy del Mississippi, pero sabe un par de cosas sobre la música sureña, el mito de la cultura americana y el mundo del espectáculo también. Solo mire este video Bootleg, y lo entenderán.

Daniel
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Tina Turner - Acid Queen #MesTinaTurner

Para Acid Queen (1975), su segundo álbum en solitario, Tina Turner se inspiró en su papel de Acid Queen en la película de la ópera rock Tommy de The Who, e incluyó en el disco la canción del mismo título que interpretaba en el film. El disco obtuvo críticas mixtas, y en general se valoró positivamente la interpretación vocal de Tina, y se criticó la inconsistente selección de canciones, que parecía reflejar que el proyecto no tenía un objetivo claro, o que el primer objetivo quedó incompleto y se optó después por completarlo con otras canciones del fondo de armario del proyecto paralelo Ike and Tina Turner.

Para comprobar esto, no hay más que fijarse en la composición de las dos caras. La primera es una prometedora lista de versiones de canciones rock, para arropar a la canción titular y mostrar esa faceta rockera que tan bien le fue después a la voz de Tina en sus discos de los ochenta y noventa. Comienza con Under my thumb y Let's spend the night together, versiones de temas de The Rolling Stones, antes de revisitar la ya mencionada interpretación del Acid Queen de The Who, que repiten también en la versión de Tina de su I can see for miles. La cara rockera se completa con una brillante versión del Whole Lotta Love de Led Zeppelin, y dejando en general un buen sabor de boca y ganas de más.

Sin embargo, al dar la vuelta al disco, la reina ácida se evapora incomprensiblemente, y la sombra de Ike planea sobre el proyecto, borrando del mapa toda referencia al rock lisérgico al que se rendía pleitesía en los temas anteriores. Acid Queen fue el último disco en solitario de Tina Turner antes de su separación definitiva de Ike & Tina Turner, pero al estar todavía bajo el influjo de su pareja, llama la atención que pese a ser un disco de Tina en solitario, el single de lanzamiento fuera Baby, get it on, el dúo con Ike que abre la segunda cara. El resto de temas del disco (Bootsey whitelaw, Pick me tonight y Rockin' and rollin) están también firmados por su famoso y conflictivo marido, como si hubiera irrumpido en su dormitorio para despertar a la reina de su sueño ácido, y llevarla de nuevo a los caminos del soul y el R&B.

En conjunto, y a pesar de la gran disparidad entre ambas caras, es un disco destacable que se puede entender incluso como dos interesantes EP's publicados en un solo producto, y una evidente transición entre el pasado (Ike and Tina) y el futuro que Tina empezaba ya a construirse. Habrá quién prefiera una cara antes que la otra, pero no se puede negar que cada una, a su manera y estilo, son por igual demostraciones de la energía y el derroche de una artista única, merecedora de que este mes de Junio se convierta en el #MesTinaTurner. Así que Dios salve a la Reina, en cualquiera de sus diferentes caras.

0524.- Born on the Bayou - Creedence Clearwater Revival

Born on the Bayou es una de las canciones más especiales de los estadounidenses Creedance Clearwater Revival, y la elegida para abrir su segundo álbum de estudio en 1969. Escrita por John Fogerty en el pantano que describe, transmite a la perfección el ambiente sureño y los recuerdos del calor del verano de una infancia pasada en el "Bayou" a pesar de que el autor no había estado nunca allí hasta el momento de escribir la canción.

Para escribirla, se inspiró en el estilo de canciones de Howlin' Wolf y Muddy Waters, y buscó la inspiración mirando a las paredes vacías de su apartamento, y escribió la letra sin ayudarse de su guitarra ni de ningún otro instrumento, tal y como lo haría un escritor. Pronto quedó claro que aquella letra surgida de las paredes desnudas de aquel pequeño apartamento crecería con un buen ropaje eléctrico, y se lo dieron con una guitarra Gibson ES -175 que fue la responsable de la mítica intro de la canción y de unos acordes de marcado sabor a blues rock sureño.

Curiosamente, la guitarra Gibson utilizada en Born on the Bayou fue robada del coche de Fogerty poco después de la grabación, como si el destino hubiera querido que el sonido de una canción tan mítica no pudiera nunca más intentar repetirse, o al menos no con la misma guitarra. Hay momentos que son únicos, y así se deberían quedar en nuestra memoria. Born on the Bayou es sin duda uno de ellos.

0523.- For once in my life - Stevie Wonder

For once in my life (Por una vez en mi vida) es una de las baladas más recordadas de Stevie Wonder, pese a no tratarse de un tema original del artista estadounidense. Fue grabado por primera vez por Barbara McNair, aunque se publicaría antes la versión de Jean DuShon, y posteriormente ha sido interpretado también por artistas de la talla de Diana Ross, The Four Tops o The Temptations, pero ninguna de esas versiones alcanzó la fama y el reconocimiento que consiguió la versión de Stevie Wonder de 1968.

Curiosamente, Stevie Wonder grabó la canción casi al mismo tiempo que la versión que de la misma canción hicieron The Temptations, y en aquel momento Berry Gordy, el capo de la Motown, prefirió la versión de los Temptations. Esto hizo que la versión de Wonder, mucho más rítmica y positiva, quedara archivada y sin fecha de publicación prevista, hasta que Billie Jean Brown, jefe del departamento de control de calidad de Motown, convenció a Gordy de que estaban ante un hit en potencia.

Y así era. El For once in my life de Stevie Wonder se convirtió en un enorme éxito desde su publicación en octubre de 1968, alcanzando el segundo puesto del Billboard estadounidense. Por una vez en la vida, el olfato le había fallado al normalmente infalible Berry Gordy, y a punto había estado de dejar que uno de los grandes temas de los años sesenta se llenara de telarañas en algún almacén de la discográfica. Sin desmerecer a The Temptations, eso habría sido un error imperdonable a la vista del resultado de la mágica interpretación de Stevie Wonder.

0522.- Oscillations - Silver Apples

Silver Apples fue una de esas bandas pioneras del rock protoelectrónico que surgió en los años 60 experimentales y a pesar de no ser un nombre tan reconocido como muchos otros grupos de la época, logró sembrar sus semillas en el tejido del mundo del rock, solo para encontrarlos brotando varios años después. La banda era esencialmente un dúo compuesto por Simeon Oliver Coxe III, que simplemente pasaba por The Simeon y Danny Taylor. Ambos miembros surgieron de la banda de rock The Overland Stage Electric Band, que tocaba regularmente en East Village, Nueva York, pero después de la fascinación de Simeon con un oscilador de audio de la década de 1940 que estaba tratando de incorporar a la banda, pronto se separó y trajo al baterista Danny. Taylor a lo largo del viaje. Después de algunos ajustes ingeniosos en su oscilador, el dúo se dispuso a grabar un álbum extremadamente experimental para el tiempo que siguió al gran año 67 cuando The Beatles cambiaron todas las reglas con "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club". Lanzaron su debut homónimo en Kapp Records apenas seis meses después y solo unos meses después que los otros grandes pioneros electrónicos estadounidenses, The United States of America. Donde SILVER APPLES se diferenció de los otros pioneros electrónicos de la época fue en el hecho de que no usaron efectos electrónicos como meros generadores atmosféricos envueltos en los aspectos rockeros de la música. De hecho, lo fusionaron todo con la música rock en sí, creando así algo del primer minimalismo sintetizado en un contexto de rock, como el que reverberaría en el mundo Neu!, Can y, sobre todo, Kraftwerk y, a su vez, la técnica se adelantó mucho a su tiempo y encontró su camino en toneladas de música dance de los 70 e incluso en el indie rock de los 90.

El primer trabajo de nuestros Silver Apples, grabado a primeros de 1968 y editado por el sello local Kapp en Junio de ese mismo año, lleva el mismo título de la banda y se alinea fielmente en el estilo de música electrónica de la época. Estilo que, pretendiendo transmutar al oyente hacia una nueva experiencia psíquica, intenta con sus pulsaciones una suerte de reacción interna y externa en el mismo, una amalgama de sensaciones "innerspace" y "outerspace" que le conduzcan hacia territorios de examen interior y de comunión colectiva en un cosmos alejado de su espacio más cercano. Lo que se persigue, en definitiva, es lograr que el receptor entre en trance, ese estado propiciado por un "medium" que trata de lograr efectos paranormales, mediante la repetición sistemática de un ritmo que conduzca hacia un estado controlado de tensiones casi hipnóticas.

La pista de apertura "Oscillations" establece el tono para todo el álbum a seguir. Comienza la canción con un oscilador que cambia de tono antes de que se una un maravilloso ritmo de batería de los años 60. La yuxtaposición de lo familiar con lo poco ortodoxo es lo que hace de esta una mezcla interesante, es una canción increíblemente primitiva en concepto e instrumentación, sonando casi tribales. El trabajo de abstracción absoluta para crear lo más básico con lo más avanzado es tremendo, demostrando ser una canción muy adelantada a la época, y esto lo consiguen simplemente a través de una serie de pitidos distantes, electrónica burbujeante, melodías computarizadas de la era espacial, respaldadas por un ritmo de batería vagamente sincopado y una línea de bajo funky.