jueves, 3 de febrero de 2022

0399.- Soul Man - Sam & Dave

 

Soul Man, Sam & Dave


     El 26 de octubre de 1967 el dúo de R&B Sam & Dave pubica el álbum Soul Men. El disco, de género soul, es grabado entre el 10 de agosto y el 4 de octubre bajo la producción de Isaac Hayes y David Porter, y publicado el 26 de octubre de 1967. Soul Men llegó a alcanzar un notable quinto puesto en la lista estdounidense Black Album Chart, y el puesto número 62 en la también lista estadounidense Pop Album Chart. De todos los temas incluidos en este disco encontramos Soul Man, tema al que dedicamos esta reseña y que acabarían de popularizar The Blues Brothers en 1978. 

Escrito en 1967 por David Porter e Isaac Hayes para el sello discográfico Stax, Soul Man surge a raíz de una ocurrencia de Isaac Hayes en julio de 1967 al ver en televisión las noticias sobre los famosos disturbios de la Calle 12 de Detroit, Michigan (Estados Unidos). Isaac se da cuenta que los edificios que no han sido destruidos, y que en su mayoría son propiedad de instituciones y gente afroamericana estan marcados en su fachada por la palabra "alma"David Porter escribe la letra basándose en la idea inicial de Isaac Hayes, una historia sobre la lucha de uno mismo por superar sus condiciones actuales, por salir adelante y mejorar, soy un "Soul Man" (hombre de alma), es una cuestión de orgullo.

     El tema fue grabado por el dúo Samuel "Sam" Moore y David "Dave" Prater, más conocido como Same & Dave, y publicado en septiembre de 1967 por el sello discográfico Stax. El sello Stax, para la grabación, y como solía ser habitual, puso a disposición del dúo la banda de los estudios, Booker T. And The MG's, con la particularidad que el propio Booker no pudo participar en la grabación por encontrarse en la universidad, siendo sustituido por Isaac Hayes.


     Este tema se convirtió rápidamente en aquellas fechas en el single más exitoso del sello discográfico Stax, alcanzando el puesto número 1 en la famosa lista americana Billboard Hot Black Singles,  y el puesto número 2 en Canadá y en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos. En 1968 el tema gana el premio Grammy a la mejor interpretación de grupo de Rythm & Blues vocal ó instrumental.

miércoles, 2 de febrero de 2022

0398.- What a wonderful world - Louis Armstrong


Escrita por Bob Thiele y George David Weiss, y ofrecida sin éxito a varios artistas, fue grabada finalmente por primera vez por Louis Armstrong en 1967, surgió como una proclama contra el racismo, que planteaba la necesidad de valorar de manera positiva las cosas simples de cada día, como camino hacia la convivencia y el bienestar. La versión de Armstrong no tuvo éxito en Estados Unidos en el momento del lanzamiento del sencillo, pero alcanzó el nº1 en las listas del Reino Unido.

Veinte años después, y tras ser incluida en la banda sonora de la película Good Morning, Vietnam, se convirtió en un éxito a nivel mundial, con una influencia que perdura hasta hoy, especialmente en lo que al celuloide se refiere, apareciendo en películas de la talla de Doce monos, ¿Conoces a Joe Black?, Madagascar o el documental Bowling for Columbine.

Otras versiones relevantes fueron las de Natalie Cole en 1995 (con Plácido Domingo y José Carreras), Tony Bennett (2002), Joey Ramone (2002), B.B. King (2003), Rod Stewart y Stevie Wonder (2004),  Keane (2007), Katie Melua con Eva Cassidy (2008), o la versión que se interpretó en directo durante la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Tokio 2020.

#MesTheBeatles: Please, please me - The Beatles

La cualidad más importante de este álbum es que es muy divertido de escuchar. Claro, carece de la producción elegante y la composición innovadora de los álbumes posteriores más aclamados del grupo, pero lo que le falta en pulido lo compensa con encanto y calidez. No es casualidad que algunas de las canciones más queridas de los Beatles estén en este debut. Lo que realmente distingue a este álbum de la discografía posterior de la banda es la forma en que se interpretan las canciones: como una banda. En lugar de asuntos complejos e intrincados con muchas partes deslavazadas, estas canciones se tocan en vivo, de hecho, las canciones de este disco comprenden lo que entonces era su espectáculo en el escenario, y el álbum completo (salvo algunas sobregrabaciones) se grabó en unas 13 horas.

Mucha de la energía que irradia el álbum fue porque fue grabado en un solo día, sin concesiones, siendo ellos mismos y aunque parece absolutamente imposible de creer para aquellos de nosotros que hemos vivido con música como el metal y el punk nuestra vida, este fue el álbum de estudio más ruidoso y estridente que la mayoría los británicos, habían escuchado hasta ese momento. Esto se resume en Lennon "cantando hasta quedarse ronco" en la primera toma de la canción final, su versión de "Twist and Shout", algo que estaba completamente fuera de lugar para un cantante de rock británico en ese momento. Los Beatles escribieron ocho de las catorce canciones, incluidas las cuatro originales que ya se habían lanzado en sencillos, y estas originales abarcaban toda la gama de estilos en ese momento.

  

 

De todas las canciones del álbum debut de los Beatles, "I Saw Her Standing There" es la única canción original de Lennon-McCartney que todavía se reproduce regularmente fuera de las estaciones de radio antiguas, la razón de esto puede ser que estemos ante la canción más rockera del álbum. Estábamos a principios de 1963 y por comparar escuchas Surfin' USA, que salió el mismo mes y la dinámica de esta canción, la velocidad, la energía, todo es significativamente diferente de lo que era común para ese año, y ese detalle es tan emocionante como lo fue la música rock a principios de 1963. La canción es un testimonio de John y Paul como equipo de composición, la melodía está a la altura del inmortal texto, una explosión de adrenalina pura de los gritos de Paul y el grito previo al solo al trabajo de guitarra primordialmente afectivo de George. “Misery” fue escrita por John Lennon y Paul McCartney para Helen Shapiro, una joven de 16 años que estuvo de gira con The Beatles en 1963, su representante rechazó la canción, pero otro cantante de esa gira, Kenny Lynch, la grabó, convirtiéndose en la primera persona que cantó una canción de Lennon/McCartney. El tema es muy similar a “PS I Love You” y una pista de que los Beatles aún no habían llegado al punto en el que abordarían un estilo diferente con cada canción. Pero debemos notar la diferencia en los comienzos de las dos primeras canciones: una comienza rápidamente mientras que la otra comienza más lenta, una yuxtaposición extremadamente extraña para la época. Hay un extraño contraste entre las letras relativamente pesimistas y el estado de ánimo optimista de la música, el piano descendente de George Martin es divertido, y las improvisaciones de John nos hacen saber que se trata de una parodia.

 Arthur Alexander escribió “Anna (Go to him)” y se convirtió en la única persona que escribió canciones que fueron grabadas por Bob Dylan, The Rolling Stones y The Beatles. La canción fue presentada a los disc-jockeys estadounidenses en 1963 en un sencillo con "Ask Me Why" y el disco promocional se ha convertido en un raro y muy deseado artículo de coleccionista. A John Lennon le encantaba esta canción, por eso los Beatles la grabaron. Según el historiador de los Beatles, Mark Lewisohn, John Lennon tuvo un terrible resfriado durante las grabaciones, lo que provocó su extraña voz en la canción. El subtítulo (Go to Him) es un poco confuso, ya que en las versiones de la canción de Alexander y The Beatles, cantan "Go with him". Quizás el primer momento que nos chirria en el álbum es "Chains" porque la voz principal la pone George y quizás no es la más adecuada para los sentimientos que canta "I want to tell you pretty baby/I think you're fine", reconozco que el solo de armónica al principio es muy bueno, pero en conjunto la canción me parece cursi. Aun así, la canción tiene un gran ritmo y las armonías suenan muy bien como siempre. “Boys” fue grabada originalmente por The Shirelles, un popular cuarteto vocal femenino que fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996. John Lennon era un gran admirador de The Shirelles y decidió hacer una versión, pero posiblemente no quedo como ellos esperaban, es más sencilla, sin piano, sin saxofón, con una letra ligeramente diferente. Como compensación queda en la historia como la primera actuación vocal de Ringo Star (y comenzó su tradición de cantar los números de comedia), John y Paul hacen una imitación pasable de las Shirelles en el coro. “Ask me why” es una canción de amor muy común pero lo que la hace especial es que fue en esta canción cuando John Lennon y Paul McCartney escribieron una canción juntos. Fue publicada como cara B de "Please, please me", en el primer sencillo estadounidense de los Beatles y una copia del sencillo promocional entregado a los disc-jockeys en 1964 es ahora un artículo de colección con un valor de al menos 10.000 dólares. "Please, please me" fue el segundo sencillo de los Beatles y es quizás la mejor demostración de lo rápido que crecían los Beatles. Lanzado solo un par de meses después de “Love Me Do”, está en otro planeta desde su debut en términos de escritura, arreglos e interpretación. La letra, por ejemplo, tiene un punto de vista diferente al de la canción promedio de la época, casi como si estuvieras escuchando una conversación. Y la música también es mucho mejor: los acordes son más extraños, el gancho es ciertamente más único, la interpretación es más enérgico, fue un consejo más de George Martin que quiso acelerar la balada influenciada por Roy Orbison que John tenía en mente. Todo encaja, desde la armonía vocal de una sola nota de Paul en los versos hasta el lick de guitarra previo al coro de George y una de las mejores primeras actuaciones de Ringo.


Y llegamos a “Love me Do” John Lennon y Paul McCartney escribieron este tema en 1958, cuando John tenía 17 años y Paul 16 habían escrito otras canciones antes, pero esta fue la primera que les gustó lo suficiente como para grabarla. La letra es de McCartney y la escribió pensando en la que era su novia en ese momento, Iris Caldwell. Love me do se convirtió en el primer sencillo de los Beatles y fue lanzado en Inglaterra por Parlophone Records. En 1962, los Beatles tocaban regularmente en un club de Hamburgo, Alemania. Tocaron muchas versiones de Blues de artistas estadounidenses famosos, y fue un gran problema para ellos cuando lo introdujeron en su repertorio, ya que no sabían cómo quedaría con las versiones que hacían de Little Richard y Ray Charles, inesperadamente la canción fue bien recibida y les dio mucha confianza a The Beatles, lo que los llevó a escribir e interpretar más canciones originales. Cuando la tocaron para una audición con Parlophone Records, el que estaba en la discográfica era George Martin, quien se convirtió en una figura clave en la historia de los Beatles al ayudar a dar forma a su sonido. Comenzó a jugar con la canción de inmediato, agregando la parte de la armónica. Cuando se lanzó en Inglaterra, no fue un gran éxito. El mánager de los Beatles, Brian Epstein, tenía tanta confianza en el grupo que le dio al sencillo un gran impulso de marketing al comprar un montón de copias (algunos dicen 10,000) para su tienda de discos, lo que ayudó a colocarlo en las listas de éxitos y aseguro que se hablara en la calle del grupo. Antes de la grabación para el disco, Lennon siempre cantaba la voz principal, pero cuando se agregó su parte de armónica, McCartney tuvo que cantarla porque Lennon tenía en la boca la armónica. 

Paul McCartney escribió "PS I Love You" en Hamburgo, mientras The Beatles eran la banda de la casa en The Star Club. Los Beatles interpretaron esto en su audición de Parlophone Records el 6 de junio de 1962. Se utilizó como cara B de "Love Me Do", el primer lanzamiento de los Beatles en Inglaterra. Iba a ser su primer sencillo, pero Peggy Lee había lanzado una canción con el mismo título, por lo que la compañía discográfica decidió lanzar "Love Me Do" en su lugar. "Baby It's You" es otra versión de una canción de Shirelles, esta vez de los talentosos escritores de Bacharach y David, John, como de costumbre, suena completamente desesperado en la agonía del amor: sus extensos "wha-oe" después de cada verso hacen de esta una de las mejores pistas aquí por sí mismas. Con los coros acusatorios de George y Paul de "trampa, trampa" y ese momento de silencio antes de la frase del título John Lennon afirmó que “Do you want to know a secret” se le ocurrió basándose en la melodía "I'm Wishing" que su madre solía cantarle de la película de Disney Blancanieves. Al comienzo de la canción de Disney, Blancanieves les canta a las palomas: "¿Quieres saber un secreto? ¿Prometes no contarlo? Estamos junto a un pozo de los deseos". Es quizás la canción más floja de los originales compuestos por Lennon-McCartney para el álbum ya que carece de gran parte de la innovación que se ve en otras canciones. Pero sigue siendo un signo de su versatilidad, ya que es estilísticamente diferente del resto del álbum no solo porque Harrison lo canta sino por el riff de guitarra acústica y es una de las pocas canciones de los Beatles que no canta la persona que la escribió. Lennon dijo en entrevistas de 1971 y 1980 que escribió esta canción a tiempo para su boda en agosto de 1962. La mayoría de las canciones de los Beatles fueron atribuidas a Lennon/McCartney, y mientras la banda estaba junta, rara vez discutían quién escribió realmente qué canciones, por lo que era no fue hasta después de su ruptura que Lennon reveló que él era el compositor de esta canción. "A Taste Of Honey" ha sido grabado por aproximadamente 200 artistas, a nivel internacional, incluidos The Beatles, Herb Alpert & The Tijuana Brass, Barbra Streisand, Tony Bennett, Johnny Mathis, solo por nombrar algunos. Era un tema musical de una adaptación de Broadway de una obra de teatro británica, a la que finalmente un cantante le había puesto letra para una grabación. Es quizás el mayor indicio entre las portadas de que los Beatles no se limitaron a la música rock and roll tradicional. “There´s a place” fue uno de los primeros intentos de John Lennon de escribir una canción al estilo de los grupos de chicas Motown. En esta canción, Lennon canta sobre los lugares a los que viaja con su mente y es probablemente la primera canción de los Beatles que no tiene el tema chico/chica/amor. Llegamos al cierre con otra de las joyas absolutas “Twist and shout” la canción original es de un grupo de R&B de Filadelfia llamado The Top Notes y la grabó en 1961 pero cuando salto a la fama fue en 1962 siendo un éxito para The Isley Brothers, y esta es la versión en la que se basaron los Beatles. El ingeniero Norman Smith explicó cómo surgió la versión de The Beatles: "Alguien sugirió que hicieran 'Twist and Shout' con John como vocalista principal. Pero en ese momento todos tenían dolor de garganta; habían pasado 12 horas desde que comenzamos a trabajar. John's, en particular, se había ido casi por completo, así que realmente teníamos que hacerlo bien la primera vez. John chupó un par más de Zubes (una marca de pastillas para la garganta), hizo un poco de gárgaras con leche y arrancamos la grabacion". Los Beatles usaron esto para terminar muchas de sus primeras presentaciones en vivo. Mucha gente piensa que la canción se grabó una vez, una sola vez. De hecho, hicieron dos tomas y se quedaron con la primera. John estaba totalmente hecho polvo, enfermo como un perro y se había quitado la camisa porque estaba sudando a causa de la fiebre.

Please Please Me fue el nacimiento de la banda de rock más grande que ha dado la música, sino que fue el nacimiento del "rock" en oposición al "rock and roll". Con eso quiero decir que, antes de Please Please Me, el rock and roll denotaba un estilo específico de R&B, pero la marca de rock and roll que propusieron los Beatles abarcaba mucho más que solo este estilo de música, incorporó soul, pop, Motown, musicales, aparentemente todo lo que se consideraba música popular excepto folk y country. Sin embargo, los Beatles fueron sin duda una banda de rock and roll, por la forma en que tocaban y vestían. El resultado fue que, comenzando con los primeros álbumes de los Beatles y siguiendo las ideas musicales en constante expansión de ellos, los Beach Boys, Dylan, los Rolling Stones, los Kinks, los Who, los Byrds y otras bandas de rock, se unieron a ese estilo, es el nacimiento del rock como el supragénero de música Popular.

martes, 1 de febrero de 2022

0397.- Both Sides, Now - Judy Collins

0397 - Both Sides, Now - Judy Collins

Both Sides, Now es una de las canciones más conocidas de la cantautora canadiense Joni Mitchell.

Grabada por primera vez por la artista Judy Collins, su singles producido en los Estados Unidos fue lanzado durante el año 1968, y al año siguiente se incluyó en un álbum de Mitchell Clouds. 

Desde entonces ha sido grabada por decenas de artistas, como Frank Sinatra, Glen Campbell, Willie Nelson, Gang of Youths, Herbie Hancock y la propia Mitchell, que volvió a grabar la canción con un arreglo orquestal en su álbum de 2000 Both Sides Now. Bob Dylan interpretó la canción a dúo con Mitchell cuando apareció como invitado sorpresa en su concierto en Austin, Texas, en 1976.

Poco después de que Mitchell escribiera la canción, Judy Collins grabó la primera versión comercial para su álbum Wildflowers de 1967. 

En octubre de 1968, la misma versión se lanzó como single, alcanzando el número 8 en las listas de singles de Estados Unidos. A principios de 1969 ganó un premio Grammy a la mejor interpretación folclórica El disco alcanzó el número 3 en la encuesta Easy Listening de Billboard y Both Sides, Now se ha convertido en una de las canciones emblemáticas de Judy Collins. A Mitchell no le gustó la grabación de la canción por parte de Judy Collins, a pesar de la publicidad que su éxito generó para la propia carrera de Mitchell La versión de Collins aparece como música de apertura de la comedia romántica de 2014 And So It Goes, y como música de final de la película de terror sobrenatural de 2018 Hereditary.  También aparece en el primer tráiler de Toy Story 4. La canción ocupa un lugar destacado en el final de la sexta temporada de la serie de televisión Mad Men, y señala un momento de anagnórisis entre Don Draper y su hija Sally.

Daniel 
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Grandes éxitos y tropiezos: Depeche Mode


Grandes éxitos y tropiezos: Depeche Mode

Depeche Mode, para mi unas de las bandas británicas de música electrónica más populares de la historia, y según los expertos son los padres de la música electrónica.

Pero como toda banda, ellos vivieron su esplendor y su ocaso a través de sus discos, por ello en esto que denominamos  Grandes éxitos y tropiezos, recorreremos algunos de los mayores éxitos de la banda y donde han tenido un tropiezo. 

Vamos a comenzar con uno de los mejores discos de la banda donde están sus mejores canciones. 

Violator es el séptimo álbum de estudio de la banda británica Depeche Mode, producido durante 1989-90 y publicado en marzo de 1990 por Mute en el Reino Unido, y Sire Records en los Estados Unidos

Todo lo aprendido en los años ochenta desembocó en la obra más completa de Depeche Mode, con 14 millones de copias vendidas, algo solo al alcance de los padres del rock electrónico. La sola enumeración de las canciones transmite la grandeza que tiene este disco. 'World in my eyes', 'Sweetest perfection', 'Personal Jesus', 'Halo', 'Waiting for the night', 'Enjoy the silence', 'Policy of truth', 'Blue dress' y 'Clean'.
Si no conoces nada de la banda este es un muy buen comienzo. 

Songs of Faith and Devotion es el octavo álbum del grupo inglés de música electrónica, Depeche Mode, producido durante 1992-93 y publicado en 1993.

No se puede dudar de la capacidad de Depeche Mode para adaptarse a unos noventa liderados por el grunge y el rock alternativo. 
De hecho, ya eran una banda de rock a estas alturas, sin perder un ápice de su opresiva oscuridad (y muy comparados con los U2 de 'Achtung Baby'). La nueva imagen de Dave Gahan, ya entregado a las adicciones y viviendo su propio infierno de estrella, apuntalaba canciones tan enormes como 'I feel you', 'Walking in my shoes', 'In your room', 'Mercy in you' y el gospel 'Condemnation'. 
Este su siguiente álbum es como una continuación de Violator. 

Black Celebration es el quinto álbum del grupo inglés de música electrónica, Depeche Mode (David Gahan, Andrew Fletcher, Martin Gore, Alan Wilder), producido durante 1985-86 y publicado en 1986.

Al menos cuatro canciones de 'Black celebration' siguen excitando a las masas treinta años después. Hablamos de 'Stripped', 'A question of time', 'A question of lust' y el tema titular repleto de oscura espiritualidad cercana al gospel. Además, el grupo encontró su imagen perfecta gracias a las fotografías en blanco y negro de Anton Corbijn, colaborador fijo desde entonces.
Aunque anterior a los otros dos álbumes, ya se veía el éxito, por ello si quieres conocer a esta banda de música electrónica, con sólo estos tres álbumes podrán conocerlos perfectamente. 

Delta Machine es el tredécimo álbum del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode (Andrew Fletcher, David Gahan, Martin Gore), producido durante 2012-13 y publicado en 2013.

No es el mejor de los álbumes de la banda por todo lo hecho durante años, se podría decir que contiene todo lo que se puede esperar de Depeche Mode a estas alturas pero palidecen al ser comparadas con su propio legado. Pero sus conciertos son ceremonias de nostalgia de los años de esplendor. Y son álbumes que sólo muestran o marcan una época. 

Depeche Mode, unas de las banda más importante de su de género y la cual ha alcanzado el máximo explendor el cual hemos dejado demostrado en estos cuatro álbumes, aunque el último de ellos no lo consideremos un éxito, pero de los fracasos también se aprende

Pero bueno esto es una mera percepción de un servidor, están en todo su derecho de opinar.  

Daniel 
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lunes, 31 de enero de 2022

0396.- Strange Days - The Doors

 

Strange Days, The Doors


     El 27 de septiembre de 1967 se publica, bajo el sello discográfico Elektra Records, el segundo album de estudio del grupo The Doors, Strange Days. El disco es grabado entre mayo y agosto de 1967 en los estudios Sunset Sound Recorders de Hollywood, California, bajo la producción del destacado productor estadounidense Paul A. Rothchild. El Disco alcanzó el puesto número 3 en la famosa lista de ventas estaounidense Billboard 200.

Dentro de este álbum, que abarca géneros que van desde el rock psicodélico, pasando por el acid rock y hasta el pop psicodélico, se encuentra el tema que da título al álbum, Strange Days. Para la grabación de esta canción, la voz de Jim Morrison fue procesada utilizando un sintetizador Moog, el cual fue conectado con la ayuda de Paul Beaver, pionero en el uso de este instrumento. El ingeniero del grupo en aquel momento, Bruce Botnik, que participó en el proceso, relataba como lo hicieron, "crearon una envolvente en la que podían enviar la pista de Morrison para que pudiera tocar cualquier nota en el teclado y éste procesara su voz. Luego Botnik agregó un poco de retardo y pasó todo a una repetición de cinta infinita".

Sobre la temática de la canción, el crítico de Allmusic Tom maginnis afirmaba que esta es una reflexión donde Morrison habla sobre el estado de la cultura juvenil hippie emergente en aquél momento, y como eran percibidos entonces por la sociedad dominante del momento. Según John Densmore en el libro The Doors: Unhinged, Morrison decía que se estaba destruyendo la antigua y artesanal forma de hacer música, y que deberían encontrar otro lugar. Para escribir Strange Days el grupo, al parecer, se inspiró en una visita que habían realizado a la ciudad de Nueva York.

Thin Lizzy: El final del Mes Thin Lizzy

Thin Lizzy




     Mis primeros recuerdos de Thin lizzy vienen de mi infancia, una infancia donde descubrí a mi primer gran amor musical, Gary Moore. Mi afán por conseguir todo material del guitarrista de Belfast me llevó con tiempo, esfuerzo  y dedicación (ya que por entonces no teníamos las facilidades de búsquedas e información a un sólo clic de Internet) a descubrir que habia formado parte de un grupo llamado Thin Lizzy y que incluso había grabado un disco con dicha banda. Con aquella información me fuí con la determinación del pirata que acaba de encontrar un tesoro a la busqueda de aquel disco donde había participado, un disco titulado Black Rose. Así me planté en la acogedora tienda de discos llamada Discos Lennon, ubicada en la C/ San José de Calasanz en Getafe, el lugar donde me crié. Todavía recuerdo vagamente la figura del dueño, curtido en mil batallas musicales, y cómo al preguntarle por aquel disco de Thin Lizzy fue a uno de los múltiples expositores y sacó el vinilo de Black Rose

Con la ilusión de un niño con zapatos nuevos fuí corrienddo a casa para poder escucharlo en el flamante equipo de música que con mucho esfuerzo mis padres me habían comprado. Una vez en casa me puse cómodo, me senté frente al equipo de música y procedí a disfrutar del ritual que suponía comprar un vinilo nuevo, un proceso que comenzó por sacarlo de aquella bolsa amarilla de la tienda donde en uno de los lados tenía impresa la cara de los cuatro músicos de Liverpool. Lo primero que me llamó la antención del vinilo fue la portada, que estaba ocupada por entero por una rosa negra, y en la parte inferior derecha venía la firma de su creador Jim Fitzpatrick. ¿Cómo podía ser que el disco se llamara Black Rose si la rosa de la portada era morada? Con el tiempo descubrí que debido a su especiales características, las rosas negras únicamente crecen en una parte el mundo de forma natural, ubicada en Turquía, en el distrito de Halfeti, perteneciente a la provincia de Şanlıurfa. El secreto está en el PH del agua que hay allí, y sólo adquieren el color negro durante el verano, el resto del año presentan un color rojo oscuro / morado. En la contraportada, también diseñada por Jim Fitzpatirck, en el interior de la rosa negra estaban dibujados la imagen de los cuatro músicos del grupo: Gary Moore, Scott Groham, Phil Lynott y Brian Downey.



Inmediatamente después del ritual de disfrutar de la portada y contraportada saqué el vinilo y me dispuse a ponerlo en le tocadiscos. El disco lo compré porque en él figuraba Gary Moore, y en aquella primera escucha no me pude llevar un chasco más grande, el disco no era un compendio de sólos y virtuosismo del guitarrista irlandés. Me encontré con un compendio de temazos donde Gary era sólo una de esa partes perfectamente compenetradas y engranadas. Fue amor a primera vista, ese mítico sonido de guitarras gemelas unido a esas historias que Lynott relataba con maestría y que tuvieron su punto culminante en Roisin Dubh (A rock Legend). Ese día empezó mi relación con una banda que acabaría acompañándome por siempre, ya que a día de hoy lo sigue haciendo. 

Cuando surgió la idea de dedicarle este mes de enero a la formación irlandesa me invadió nuevamente aquella sensación de antaño, la ilusión de aquel chiquillo que fue a la caza de un tesoro y que se llevó algo mucho más grande: descubrir a Thin Lizzy. Durante este mes hemos podido compartir con vosotros la historia del grupo contada a través de sus discos, desde sus inicios, donde un chiquillo irlandés de color demostró, además de un gran compositor, ser también una gran poeta y contador de historias. Lynott, acompañado de su inseparable amigo de la escuela, el baterista Brian Downey, y el guitarrista Eric Bell, iniciaba en 1969 la fulgurante carrer de una banda que sería de las primeras en lograr abrirse paso fuera de las fronteras irlandesas y marcar el camino a seguir por las que llegarían después. 



Thin Lizzy
era una de las bandas más peligrosas del planeta, no todo el mundo podía tocar en ella, tenías que estar preparado para lo bueno y lo malo. La banda consiguió un estilo propio, en directo eran de lo mejorcito del panorama rockero, una apisonadora, y su indiscutible líder, Phil lynott se erigió como uno de los mejores compositores que ha dado la historia del rock. Pero para pertenecer a Thin Lizzy también debías estar preparado para lidiar con el alcohol y las drogas. Thin Lizzy era una banda arrolladora dentro y fuera del escenario, y en 1983, sus componentes, extenuados por vivir siempre al límite dirían basta. Tan sólo tres años después de la disolución de la banda, el 4 de enero de 1986, nos dejaría su líder Phil Lynott. Pero con apenas 36 años, Lynott y sus Thin Lizzy habían dejado su impronta, quedaría para la historia su enorme legado musical, siendo nombrada como una gran influencia por artistas de la talla de Alice in Chains, Def leppard, Creed, Bruce Dickinson, Creed, Blondie, Guns & Roses, y tantos otros. En España Los Suaves siempre se declararon abiertamente grandes admiradores del grupo y de Phil Lynott.

Cuando inicié allá por el año 2018 esta aventura musical de 7dias7notas junto a mis queridos amigos Chema, Nevermind y Storyboy, y me dieron la oportunidad de estrenar el blog con la publicación del primer disco recomendado tuve claro que debía ser aquel tesoro que descubrí en aquella tienda de discos y que me abrió las puertas a esta magnífica banda. Un disco cuya rosa negra de la portada llevo tatuada en mi pecho, pues simboliza mi pasión y admiración por este noble arte llamado música.

domingo, 30 de enero de 2022

0395.- Love Me Two Times - The Doors

0395 Love Me Two Times - The Doors 

Love Me Two Times es una canción del grupo de rock estadounidense The Doors. Fue editada por primera vez en su segundo álbum de estudio, Strange Days, y posteriormente se editó con una duración de 2:37 y se publicó como segundo sencillo después de haber editado  People Are Strange de ese álbum. El sencillo alcanzó el número 25 en las listas de éxitos de Estados Unidos.

La canción Love Me Two Times se consideró un poco atrevida para su emisión en la radio, y fue prohibida en New Haven por ser demasiado controvertida, para consternación de la banda, The Doors tiene más de una canción cemsura para la época. 

Al igual que con las demás canciones de Strange Days, en las notas del álbum los autores son The Doors, al igual que en el single Love Me Two Times; la organización de derechos de ejecución ASCAP indica que los autores son los miembros individuales de The Doors.

Love Me Two Times incorpora elementos de la música barroca y ha sido clasificada como una canción de pop y de blues El guitarrista Robby Krieger declaró a Alan Paul, de Guitar World, que la idea musical de la canción procedía de un lick de una de las composiciones de Danny Kalb. El teclista de The Doors, Ray Manzarek, tocó la versión final de esta canción en un clavicordio. Ray Manzarek describió el instrumento como "un instrumento muy elegante que normalmente no se asocia con el rock and roll".

Daniel 
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Thin Lizzy: Thunder and Lightning (Mes Thin Lizzy)

 






"Renegade" fue el undécimo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa Thin Lizzy y no tuvo mucho éxito y el estilo de vida comenzó a afectar a la banda: Brian Downey fue noqueado en un bar danés y en varios miembros del grupo el problema de las drogas empeoró lo que influia enormemente en su música y aunque lucharon por encontrar nuevas ideas, Snowy White decidió dejar la banda, sin duda era un tipo muy talentoso pero no era el hombre indicado para tocar la guitarra en una de las bandas más ruidosas y peligrosas del planeta, Thin Lizzy. Los problemas de Scott Gorham y Phil Lynott con las drogas no parecían que fueran a disiparse, por lo que Gorham sugirió tomarse un descanso, pero la gerencia insistió en que la banda debería grabar un álbum más y tocar una gira más antes de tomar un descanso, tanto Lynott como Gorham estuvieron de acuerdo a pesar de estar no estar 100% convencido de esta idea, en ese momento Thin Lizzy estaba casi muerto, el guía espiritual de la banda Phil Lynott lo sabía, pero ese gran espíritu decidio no dejar morir a la banda, y trataron de darle un último empujón, reclutando al joven guitarrista John Sykes para su concierto, la banda comenzó a grabar un álbum de estudio final, saliendo en gira, para luego cancelarlo. No sé si fue la ira que brotaba dentro de la banda debido a su falta de ganas de seguir delante, o si la mera infusión de sangre nueva simplemente prendió la mecha, pero Thunder And Lightning es un poderoso album de metal, más fuerte que cualquier cosa que se les haya ocurrido en la memoria reciente (con la excepción de algunos cortes de Black Rose), es una excursión sin tonterías a grandes canciones, interpretaciones apasionadas y tal vez, solo tal vez, la mejor colección de clásicos de Lizzy hasta ahora. Si has estado siguiendo la historia hasta ahora, entenderás que no sería poca cosa para una banda con un catálogo tan aplastante.

  


Thunder and Lightning despega como el transbordador espacial, haciendo temblar tu boca y golpeando tus tímpanos con su entrega de alta velocidad y lírica frenética, no es innovador, pero ¿a quién diablos le importa? su furia te derribará, algo a lo que no estábamos acostumbrados al desvirgar un disco de los irlandeses, y ya vemos desde el principio que esto va a ser distinto… muy distinto. This is the One es otro tema con un ritmo colosal, un estribillo muy característico y un duelo de guitarras estratosférico. Llegamos a una balada espeluznante y líricamente inquietante The Sun Goes Down (nadie podría escribir letras sin esperanza con el mismo tipo de optimismo condenado que el gran Lynott) tiene un brillo metálico moderno, huele a gran canción y para ser una balada encontramos la mayor cantidad de energía que jamás se haya contenido en un trozo de vinilo de Thin Lizzy, muchas veces, a las buenas bandas les pasan cosas malas, estamos ante el típico tema de Lynott que te arranca una sonrisa seguida de una lágrima, pues hasta el final de sus días, y por mucho que estuviera ahogado en vicios y problemas, conservó siempre ese lado de niño grande que en realidad solo quería divertirse sin hacer daño a los demás. 

La grisácea Holy War cuenta con un riff pausado tremendamente original, con las guitarras girando como un molinillo sobre sí mismas, y un Phil que canta como abatido, con un tono ya imposible de disimular de desesperanza y cansancio. Te taladrara el metal de alta tecnología de Cold Sweat, en el que Sykes muestra exactamente por qué está aquí, escupiendo metralla de cuerdas pirotécnicas a cada paso, también ayuda la letra inteligente de Lynott y un riff que incrusta una calavera. Someday She Is Going To Hit Back juega con riffs progresivos/jazzy entregados bajo la presión del metal, y la verdad que queda de lujo, un esquema típicamente Lizzy, pero que, con la inclusión de los solos de Gorham-Wharton-Sykes (por ese orden) en él, le dan otra dimensión, más metálica. Baby Please Don´t Go, con la enésima exhibición de onanismo guitarrero del bueno y un crescendo de locura en la mitad, nos llevarán de nuevo al terreno por el que la banda es más recordada: El Hard de infinita calidad. Y aunque Bad Habits es un buen número en sí mismo, parece poca cosa en comparación con los otros lamentos de drogas anteriores del hombre ("It's Getting Dangerous", "Got To Give It Up"). Heart Attack te envenena con suficiente furia y dureza para compensar ese ligero paso atrás anterior.


 

Y a veces, a los grandes músicos les pasan cosas malas. Tras la muerte de Lizzy, Phil Lynott descendería aún más a la adicción a la heroína, en medio de los esfuerzos para grabar en solitario y formar una nueva banda (Grand Slam). Pero su dedicación a la autodestrucción fue demasiado para su corazón de poeta, y el 4 de enero de 1986 murió en un hospital en Dublín, Irlanda, con su madre Philomena Lynott a su lado prometiendo ayudarlo a dejar las drogas, la heroína, mezclada con los miles de litros de alcohol ingeridos a lo largo de su vida, llevaron a la tumba al inimitable Phil Lynott, un tipo como Ted Nugent reaccionó con furia contra él, ganándose el desprecio de miles de fans y de unos cuantos críticos, pero no de Philomena, la madre de Phil, que entendía que la Bestia de Detroit estaba lamentándose en voz alta por la pérdida de un talento tan enorme, que no se había sabido cuidar, ni encontrar un equilibrio en su vida, tenía 36 años…. Y había escrito su propia leyenda para la eternidad.

sábado, 29 de enero de 2022

0394.- When the music's over - The Doors


When the Music's Over es el épico tema de cierre del álbum Strange Days, segundo disco de los angelinos The Doors. Fue escrita mucho antes de que el grupo tuviera un contrato discográfico, al tiempo que algunas de las canciones más recordadas de su disco de debut, en el que finalmente no fue incluida, probablemente por falta de espacio por su larga duración (más de 11 minutos).

Jim Morrison quería que la canción fuera grabada en vivo en el estudio, sin añadir efectos o partes posteriores, pero se ausentó durante la grabación del tema, y fue sustituido por el teclista Ray Manzarek en las voces. A su regreso, el resto de miembros de la banda se negó a volver a grabarla, por lo que finalmente Morrison tuvo que grabar las voces por separado, y su voz reemplazó a la de Manzarek sobre la música de la primera grabación.

Esta larga e intensa suite se divide en cinco partes diferenciadas, empezando por la que podría denominarse "Turn Out the Lights/Dance on Fire" ("Apaga las luces / Baila en llamas"), el tramo más musical y reconocible, en la que destaca la frase central de la canción (Cuando la música se acabe, apaga las luces). Le siguen los tramos "Cancel My Subscription" (Cancela mi suscripción), "What Have They Done to the Earth?" (¿Qué le han hecho a la tierra?) y "Persian Night" (Noche persa) en los que los recitados se imponen sobre una música más minimalista y oscura.

El quinto y último tramo, "Return to the Main Themes" (Retorno a los temas principales) es un regreso a estructura musical y la letra del comienzo de la canción, y como reza su posible título, a los temas principales de la canción, que no eran otros que los mismos que, de manera recurrente, aparecían en el universo lírico de Morrison y compañía. Así, este "baile en llamas" entronca con el "enciende mi fuego" de Light my fire, y el "Cuando termine la música, apaga las luces" adquiere todo su sentido en los versos finales: "La música es tu única amiga, hasta el final", en clara referencia a The End y su verso "Esto es el final, mi único amigo, el final".

viernes, 28 de enero de 2022

0393.- People are strange - The Doors



Arrancamos el repaso al segundo disco de The Doors, con una canción bastante particular y que se convirtió con el tiempo en uno de sus grandes clásicos. Para empezar, hablemos un poco del segundo álbum de The Doors que llevaba por título Strange Days, un álbum publicado el mismo año que su debut, tan solo 9 meses después de que revolucionaran la escena musical con canciones como Break on through to the other side, Light my fire o esa obra atemporal y extraña que es The End. Lo primero que comento la crítica es que Strange Days no tenía una canción realmente grande, pero el LP simbolizó la lucha de la banda contra toda autoridad con un alter ego muy bien ejemplificado por Morrison quien se convertía en un ángel dionisiaco o un demonio según la situación de cada show en vivo. La política significaba mucho para Jim que siempre dio su opinión “políticamente no correcta” para la clase dirigente dominante de esos convulsionados años 60’, sembrando la semilla de una banda oscura, teatral y con un mensaje directo a las masas envuelto en música y poesía.

“People Are Strange” lleva a The Doors a modo de cabaret con una canción ambiental sobre esos momentos de desconexión con la humanidad que todos experimentamos de vez en cuando en etapas de crecimiento o después de aplastantes decepciones, al apelar a los marginados, los inadaptados. El 'extraño' Morrison no solo habla a los que ya están en los márgenes, sino al alma de todos aquellos que se sienten marginados por el mundo moderno, y esa es una audiencia amplia, amplia. Es un tema goyesco en su oscuridad, con caras que salen de la lluvia, fealdad, mujeres malvadas y anonimato, un himno a una generación que se sintió simplemente como carne capitalista para todo un mundo de fábricas de carne, moviéndose de caja en caja hasta su lugar de descanso final en la más silenciosa de las cajas en el suelo. Pero musicalmente es tan alegre que casi pierdes esa oscuridad por completo y se convierte en algo más, algo que abraza la oscuridad, la captura y la hace propia del oyente. La composición de la canción fue de Morrison y Krieger, Jim Morrison estaba deprimido y fue a la casa de Robby Krieger, como todo poeta o como un tipo inspirado en la poesía, Jim Morrison tuvo muchos momentos depresivos, y es en uno de estos momentos de profunda melancolía, mientras caminaba por el Laurel Canyon en Los Angeles, California, acompañado de su compañero de banda Robby Kriegger, fue el momento en el que Jim se dio cuenta de que estaba deprimido porque "si tú eres extraño, la gente es extraña". Luego escribió el resto de la letra, que trata sobre sentirse alienado. Krieger, escribió la música, hizo su solo de guitarra en una sola toma. People are stranger fue el tema que The Doors tocaron en su única aparición en Ed Sullivan Show en aquella actuación también tocaron Light My Fire, y Sullivan les dijo que nunca iban a volver a su programa Morrison cantó las líneas, "Chica, no pudimos llegar mucho más alto" que Sullivan acordó con ellos que no lo cantarían.

Disco de la semana 260: Who's Next - The Who


¿Puede realmente el éxito nacer de un fracaso? Es lo que me pregunto, mientras observo como cuatro tipos de aspecto setentero acaban de orinar sobre una especie de monolito de hormigón en mitad de un campo de Sheffield. Los cuatro tipos son Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra y sintetizadores), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería), integrantes del grupo The Who, y aparecen de esa guisa en la portada de Who's Next, su quinto álbum de estudio. El grupo venia de entregar una de sus obras magnas, la intrincada ópera rock de Tommy (1969), y se embarcó en otro megalómano proyecto llamado Lifehouse, una ópera rock futurista que planeaban grabar en vivo, interactuando con el público pero, tras muchos e infructuosos esfuerzos, lo cancelaron porque su extrema complejidad y la insatisfactoria respuesta de la audiencia, que esperaba escuchar sus éxitos, les estaba llevando al límite. En palabras de Roger Daltrey: "The Who nunca estuvieron más cerca de separarse".

Abandonado ese enfoque, y liberados de la enorme tensión que les había generado, rescataron algunas de las canciones de Lifehouse para el replanteado disco. Hasta ocho temas, de los nueve que componen el disco, fueron planeados inicialmente para el proyecto Lifehouse, y liberados en el estudio del complejo hilo argumental de aquel proyecto, pasaron a formar parte de lo que sería Who's next. Y así fue como, fracasando en el intento de hacer una nueva ópera rock en la línea de Tommy, acabaron facturando el que la mayoría consideramos el mejor disco de su carrera. Y su mayor éxito, nacido del mayor de sus fracasos.

Al no necesitar ceñirse a la estructura argumental cerrada de una ópera rock conceptual, les permitió centrarse en pulir al máximo las nuevas canciones, y eso se nota, sobre todo, en el acabado final de las mismas, especialmente en los singles, tan perfeccionados que se han convertido en auténticos hitos de la carrera de The Who. El primero de ellos, Won't get fooled again, es además el primer tema que se grabó para el disco, en el estudio móvil de los Rolling Stones, un hit de más de siete minutos en el que manejaron con maestría los sintetizadores, un recurso nada habitual en los discos más clásicos de la banda, que buscaba conscientemente un nuevo enfoque para su música.

Con la pista básica del primer tema grabada, se trasladaron a los estudios Olympic Sound Studios en Barnes, para seguir trabajando las canciones. La elegida para abrir el disco fue Baba O'Riley, el segundo single, y de nuevo destaca el magistral uso de los teclados, tejiendo una tela de araña sonora que acompaña a la perfección a los intensos ramalazos de guitarra de Townshend. Al final de la canción, poco después de que Daltrey cante la mítica frase "It's only Teenage Wasteland" (Es solo yerma tierra adolescente), que a punto estuvo de ser el título de la canción, nos sorprenden con un ecléctico violín firmados por Dave Arbus, demostrando que este disco es justo todo lo contrario, un terreno fértil de deslumbrante creatividad y maduros frutos musicales. 

Bargain comienza con la frase "Me encantaría perderme para encontrarte", de Meher Baba, por entonces gurú de Pete Townshend, al que hace también referencia el título del tema anterior (El "Riley" es por el compositor minimalista Terry Riley). En este tema vuelven a sus esquemas clásicos de rock, combinando la guitarra acústica del ritmo con los tradicionales rasgueos de Townshend. Tras dos cargas de profundidad, rebajan decibelios en Love ain't for keeping, un tema más melódico en el que la guitarra de Townshend nos lleva a terrenos más sureños y virtuosos.

My wife, escrita por John Entwistle. es la única canción que no procede del proyecto Lifehouse, y fue incluida a última hora en el disco, ya que inicialmente estaba destinada a un proyecto en solitario de su autor. Si este disco es un éxito nacido de un gran fracaso, este tema sería entonces un relleno que no sobra en absoluto, y la parte final, con varios instrumentos de metal sobre-grabados para emular una sección de vientos, constituye uno de los momentos instrumentalmente más acertados del álbum. Tras ella, cierra la cara A The song is over, con la colaboración de Nicky Hopkins al piano, e incluyendo en el final un fragmento de la intro de Pure and Easy, otro tema de Lifehouse que finalmente no fue incluido en Who's next.

La cara B abre con Gettin' in tune, la segunda colaboración de Nicky Hopkins en el disco, con una estructura musical similar a su antecesora en el inicio, pero el tema va evolucionando progresivamente y ganando en intensidad. La atmósfera de liberación y despreocupación que se generó tras abandonar el proyecto Lifehouse queda plasmada en los primeros versos: "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". Así de sencillo, sin mayores complicaciones, y sin tener que ajustarse a esquemas o guiones preconcebidos, en el que quizá sea el tema más esperanzador y positivo del álbum, como demuestra el repetido estribillo, en el que el protagonista declara abiertamente "Estoy en sintonía".

De la esperanza a la alegría solo hay un paso, apenas unos segundos de silencio en los surcos del disco, los que separan Gettin' in tune de Going Mobile, el tema más alegre del disco. La letra describe un reconfortante viaje en camioneta de un granjero escocés y su familia, pero bien podría tratarse de un guiño a una caravana que Townshend compró en 1970, con la que fue al concierto de la banda en el Festival de la Isla de Wight.​ Pese a ser un tema más ligero, son reseñables los envolventes efectos de distorsión del solo de guitarra de Townshend.

Y en el final, como toda buena ópera rock que no fue realmente, un disco de esta envergadura tenía que tener un cierre tan épico y descomunal como el que conforman Behind Blue Eyes y la ya mencionada Won't Get Fooled Again. Para la primera, una de las mejores canciones de la historia de la banda, se construyeron dos partes diferentes, en lo que supuso uno de los cambios de ritmo más brillantes del disco. En la primera parte, no aparece en ningún momento la batería, en lo que el biógrafo de la banda describió después como "el tiempo más largo que Keith Moon estuvo quieto en toda su vida".

Para el tema de cierre, el órgano y los efectos de los sintetizadores de Townshend toman con fuerza el timón de la banda, mientras Daltrey escupe proclamas que son, a la vez, anti-revolucionarias e instigadoras de la lucha en las calles. Lucharemos, pero "no nos engañarán de nuevo", porque sabemos que no servirá de nada, y que no lograremos cambiar el politizado orden establecido. Sería como pretender desintegrar un monolito de hormigón, a base de orinar sobre una de sus caras. Mas fácil sería que el éxito pudiera nacer del mayor de los fracasos, como cuando los pedazos dispersos de una obra inabarcable se convirtieron en uno de los mejores álbumes de rock de la historia.

jueves, 27 de enero de 2022

0392.- Girl, You'll Be a Woman Soon - Neil Diamond


0392: Girl, You'll Be a Woman Soon - Neil Neil Diamond

Como no recordar a Girl, You’ll Be a Woman Soon uno de los temas más sonados en la película Pulp Fiction 

Es una de las canciones icono de la década de los 90, recordando una de las escenas más famosas del cine de Tarantino. La generalidad de Uma Thurman, bailando mientras la observa un John Travolta, escenas míticas del cine, que nadie puede dejar pasar.

Girl, You’ll Be a Woman Soon es una canción escrita por Neil Diamond y que, en 1967, convirtió en un gran éxito. 

Su popularidad en cambio no es por la versión de Neil Diamond, sino que la adquirió con la versión de la banda de rock Urge Overkill que apareció en la banda sonora de la película Pulp Fiction en el año 1994.

Urge Overkill es una de tantas buenas bandas americanas que apenas llegan a Europa. Hay quien asegura que pertenecía al dandismo ya que cuidaba mucho su estética. Se hizo famosa por versionar temas de los 70. Una de esas versiones fue ‘Girl, You’ll be a Woman Soon’, que usó Quentin Tarantino en su película.

Daniel 
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miércoles, 26 de enero de 2022

Thin Lizzy: Chinatown (Mes Thin Lizzy)

La música en historias: Chinatown - Thin Lizzy #mesThinLizzy

Vamos a hablar de un disco que se podría decir, ocupa un lugar en la historia del rock, un disco que por considerar la situación de sus creadores la banda Thin Lizzy, era muy complicado que saliera publicado, considerando que se rumoreaba si disolución. 

Pero a fin de cuenta Chinatown salió publicado y se podría decir que es uno de los mejores disco de la banda.

Luego de suscitarse varios problemas en la banda, por agotamiento, tras años de abusos con las drogas y el alcohol, la banda traería novedades y una de ellas fue la incorporación de Snowy White este no sería la única novedad, también se incluyó como colaborador a un fan inglés de 17 años llamado Darren Leight Wharton, que tocaba los teclados en una banda de versiones, y que a día de hoy sigue vinculado a la banda en sus distintas reencarnaciones.

Impredecible y genial como todos los grandes artistas, Phil Lynott sorprendió a cuantos vaticinaron un disco en la línea, del pop y ecléctica, tras su debut en solitario, pero Phil Lynott tenia bien en claro que ambas eran dos carreras y dos bandas completamente diferentes, que la relajación y la variedad quedaban para Solo in Soho su disco como solista y entregó Chinatown, el disco más visceral, salvaje y punk que escribiría en toda su vida. 

Phil Lynott escogió la temática de Chinatown, según explicaba, pensando en la mano de obra barata china que en los siglos XIX y XX había emigrado a las ciudades occidentales de América para trabajar en la construcción de ferrocarriles. Los asiáticos se aislaban en sus ghettos, dando lugar a los populares barrios chinos, que el occidental siempre ha mirado con respeto y desconfianza, con la habitual mezcla de curiosidad y temor hacia lo exótico y lo desconocido. 

Phil Lynott aseguraba haber grabado el disco en el Barrio Chino de Londres, un submundo integrado en el Soho, a espaldas de Piccadilly Circus, convertido hoy día en atracción turística lleno de restaurantes donde por 7 o 8 libras tienes un menú, pero que encajaba en los planteamientos, siempre rebeldes y al margen de la ley, que guiaban la vida del poeta rockero.

El Dragón de la portada, es la mejor ilustración del habitual Jim Fitzpatrick junto a la maravillosa cubierta de Johnny the Fox, estaba lleno de significados, con sus tres garras representando los pilares sobre los que se asienta la estructuración de la mafia china Poder, Maldad y Dinero.

Y en cuanto a la música, el grupo experimenta un proceso similar al que también vivían Aerosmith aquellos días, al borde de la ruptura, con tanta droga en sus venas como nieve hay en las cumbres montañosas en Invierno, con Whitford y Perry fuera, pero grabando discos soberbios como Night in the Ruts y Rock in a Hard Place.

En Chinatown solo hay una concesión a la suavidad en la relajante canción Didn´t I, una preciosa balada con arreglo de cuerda, orquestada por el productor Tony Visconti, Hey You, taquicárdica canción de Lynott y Downey llena de cambios de ritmo, tan pronto sonando elegantes como embalados calle abajo y sin frenos. Sobre Didn´t I, decir que podría encuadrarse en un género por sí sola, es música de salón irlandesa, con un trabajo de guitarras gemelas que suena a música celestial, a fina lluvia otoñal reverdeciendo los prados de la Isla Esmeralda.

El resto muestra a un grupo enfurecido, comandado por un Lynott rugiente, que en temas como We Will be Strong entona una sensación de hastío, tristeza y enojo, inéditos hasta el momento. En esa y otras canciones no vamos a escuchar más al adolescente que se divertía, diciendo que el  haberse saltado las reglas maternas sobre la hora de llegar a casa, como hiciera en Dancing in the Moonlight. Aquel Phil Lynott ha dejado de existir. Un nuevo personaje mucho más peligroso, malherido, pero determinado a seguir en pie, y su voz, escuchada con atención y conocimiento, genera estas sensaciones.

Las guitarras dobladas, eso sí, ejerciendo como sustitutas de lo que serían los riffs entre estrofa y estrofa, en esta joya y en otras como Sweetheart, suenan a algo gratificante y conocido, a un murmullo que lleva uno siempre en su interior, y que aflora y llena de felicidad cuando te reencuentras con ello, como el golpe de la brisa en la cara al volver a la tierra natal tras una larga ausencia.

El mal carácter, propio de Phil Lynott "blandidor de botellas" , como lo llamó Mick Wall, ese al que Guns n´Roses atacaron en la incendiaria Get in the Ring, está presente en el title track, que cuenta con un solazo de guitarra de Snowy White lleno de tensión, precedido por una risita cabrona de Lynott que acongoja más que las carcajadas diabólicas que registró Gillan en el Disturbing the Priest de Black Sabbath, y un segundo punteo, de Gorham esta vez, con menos nervio, pero majestuoso. La maquinaria guitarrística seguía funcionando a la perfección, al menos en el estudio.

Atención de hecho a un tema como Having a Good Time, cuyos coros pueden confundir y hacer creer que estamos ante una canción ligera, En su segundo tramo, los dos unas guitarras que destilan azufre, que de hecho me recuerdan, solo en ese instante, al eco distorsionado, a la sensación de espacio cargado de electricidad de alto voltaje, que preside los surcos de los discos clásicos de Motörhead.

Sugar Blues suena a boogie rock asilvestrado, y es una de tantísimas perlas a descubrir en las vitrinas de ese museo, en las que se expone la mejor de las Artes, que es la música de Lizzy. En la bestial Genocide tenemos a un Phil ecologista, preocupado por las matanzas de bisontes en las llanuras de Norteamérica, y para la virulenta y agria Killer on the Loose se fijó en los crímenes de un tipo llamado Peter Sutcliffe, apodado el Asesino de Yorkshire, que asesinó a trece mujeres en la Inglaterra de finales de los 70. Lynott fue criticado por entenderse que frivolizaba sobre el asunto, lo cual no le impidió protagonizar el vídeo clip caminando por las calles de Londres envueltas en niebla, como un moderno Jack the Ripper.

Pese a todos estos logros, parece que sobre Chinatown siempre pesará esa estela negativa, esa condición de inferior, que no representa un papel relevante, que no es notorio dentro de la producción Lynott/Lizzy. Y es que grandeza llama a grandeza. Chinatown no es, en efecto, un disco notorio en la carrera de este grupo. No es notorio, y tampoco es notable. Es sobresaliente. 

Daniel 
Instagram storyboy 









0391.- Ain't No Mountain High Enough - Marvin Gaye & Tammi Terrell

 

Ain't No Mountain High Enough



     Los músicos de soul Tammi Terrell y Marvin Gaye unen fuerzas y fruto de esa unión nace el álbum United, el cual es publicado el 29 de agosto de 1967 bajo el sello discográfico Tamla Records, filial de Motown Records. El disco es producido casi por completo por el cantante, compositor y productor Harvey Fuqua y por el también músico, compositor y productor Johnny Bristol. El único tema que no fue compuesto por esta dupla fue You Got What It Takes, el cual contó con el fundador del sello Motown, Berry Gordy Jr. para la producción. United fue el primero de los tres álbumes donde Tammi Terrell y Marvin Gaye colaboraron juntos.

El álbum produjo cuatro éxitos que alcanzaron las listas estadounidenses Top 100 de Billboard, incluido el tema en el que nos vamos a centrar, Ain't No Mounain High Enough. Este tema fue grabado por el dúo entre diciembre de 1966 y febrero de 1967 en los estudios Hitsville USA de Detroit, Michigan, y lanzado como sencillo de adelanto del álbum el 20 de abril de 1967. El tema rápidamente se convirtió en un éxito, llegando a posicionarse en el puesto número 19 en las listas Billboard Pop Charts y el número 3 en las listas R&B Charts

Ain't No Mountain High Enough fue escrita por Nickolas Ashford y Valerie Simpson, quienes fueron responsables de gran parte del material grabado por Marvin Gaye y Tammi Terrell. El tema, una canción de amor romántica, bailable y despreocupada, fue escrita por el dúo antes de unirse al sello Motown. La cantante de soul británica Dusty Springfield quiso grabar la canción, pero el dúo se negó, con la esperanza que este tema les diera acceso al sello Motown Records, como así sucedería más tarde.

martes, 25 de enero de 2022

0390.- Interstellar Overdrive - Pink Floyd



Esta canción es un excelente ejemplo de los primeros días de Pink Floyd cuando el principal valedor del grupo era Syd Barrett y las canciones se movían a su dictado, fue una época en la que creaban principalmente rock psicodélico y este es un claro ejemplo, en el podemos ver los acordes largos y discordantes en la guitarra de Barrett, tempos que cambian constantemente, ritmos cambiantes y ningún tipo de letra. Interstellar Overdrive está considerado como la primera incursión de Pink Floyd en el rock espacial (junto con "Astronomy Domine"), aunque los miembros de la banda luego menospreciarían este término y renunciarían a esa etiqueta. Hay que tener en cuenta que, a pesar de la fama de la canción, su estructura larga, improvisada y de forma libre de la pieza no refleja particularmente el tipo de canciones que solía grabar el grupo.


El gancho de apertura es un riff de guitarra distorsionado y descendente tocado al unísono por la banda que no es más que el preludio para dar da paso a la improvisación, que incluye toques modales, florituras de percusión en el órgano Farfisa e interludios tranquilos. La canción gradualmente se vuelve casi sin estructura y sin tempo, puntuada solo por extraños ruidos de guitarra aunque eventualmente en algunos momentos toda la banda repite el tema principal, con un ritmo decreciente y una intensidad más deliberada hasta que finalmente termina. El riff del comienzo de la canción se originó cuando Peter Jenner intentaba tararear una canción de la que no recordaba el nombre. Barrett siguió el tarareo de Jenner con su guitarra y lo usó como base para la melodía principal de "Interstellar Overdrive". Según avanzamos por la canción puedes llegar a escuchar molestos ruidos como de 'gallina' tocados en la guitarra por un rato. Hay algunos molestos sonidos 'widgy widgy' cerca del final de la pista, un sonido que rebota de un altavoz a otro. Una canción muy novedosa y experimental, y totalmente asombrosa para la época, paso a ser uno de los números fuertes del espectáculo psicodélico que ofrecía la banda en 1967 y también todo un caballo de batalla en los primeros conciertos de Pink Floyd ya que podía durar entre 10 y 30 minutos. Sin duda todo un atrevimiento vanguardista de aquella época.


Grandes éxitos y tropiezos: Triana

 

Triana


     Esta semana en 7dias7notas hemos decidido que ocupe esta sección una de las bandas más influyentes dentro del panorama del rock progresivo español: Triana. Fue una banda con un estilo musical marcado por el rock progresivo al que añadieron y mezclaron el arte del flamenco, lo que les convirtió en una de las bandas más influyentes del género gracias a la fusión perfecta del rock progresivo y del género flamenco. El periodo de actividad de la banda dura apenas diez años, de 1974 a 1983, y su final vendrá marcado por el fallecimiento en accidente de tráfico de su componente Jesús de la Rosa Luque, principal compositor del grupo y el alma de la banda, lo que provocó la disolución de la misma. La banda formada por Jesús de la Rosa Luque, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios "Tele" además de regalarnos auténticas joyas, también nos dejó algún que otro tropiezo. Si deseas empezar a adquirir la discografía de Triana y no tienes suficiente dinero para llevarte todo, aquí intentaremos aportarte un poco de luz sobre que material puedes o no.

Estás tardando en comprarlo:



En 1975 la banda debuta con El Patio, un disco sin título que será así conocido por su ya legendaria portada de los tres componente en el interior del patio de un edificio. El Patio en su momento no tuvo muy buena acogida llegando a descatalogarse en muchas tiendas, pero con el tiempo se ha convertido por méritos propios en uno de los estandartes de la música española, una obra maestra. Y todo gracias a sus siete temas: Abre la puerta, Sé de un lugar o En el lago, donde los elementos flamencos se entremezclan a la perfección con los elementos progresivos y rockeros, y Luminosa mañana, Recuerdos de una noche, Diálogo y Todo es de color, donde el flamenco marca el tempo siempre acompañado de fondo con una gran instrumentación que encaja como un guante. Su segundo disco, Hijos del agobio, publicado en 1977, es otro disco que también debes llevarte. Un disco que sigue con la temática progresiva que su anterior trabajo y que al igual que éste, apenas tuvo promoción, pero so no le impidió vender en apenas tres meses algo más de 100.000 copias. En Hijos del agobio la poesía de Jesús de la Rosa vuelve a invadirnos entre lamentos para regalarnos temas como por ejemplo como Hijos del agobio y Rumor. Otro disco para enmarcar.  

Si te queda pasta, llévate también:



Si todavía te queda algo de dinero y el grupo ya te ha embaucado, debes llevarte también su tercer trabajo, Sombra y Luz (1979), donde el grupo continúa con la evolución de sus dos anteriores trabajos con esa forma tan particular de entender la música manteniendo los aspectos progresivos, pero con una música más oscura y experimental con más presencia de la guitarra eléctrica, e incluyendo además elementos de jazz. La poesía de Jesús de la Rosa vuelve a invadirnos para entregar un excelente álbum que cierra su etapa más progresiva. Un encuentro (1980), su cuarto álbum de estudio merece la pena aunque sólo sea por poder disfrutar de Tu frialdad, uno de los temas más emblemáticos de Triana, ya que el grupo abre una nueva etapa en la que abandona casi por completo el rock progresivo con el que se encumbra para sumergirse en temas más comerciales e improvisados.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Si apenas te queda pasta deja en el expositor Un mal sueño (1981). La banda había entrado en una crisis profesional, quien sabe si producto del agotamiento o bien por intentar cubrir las expectativas y exigencias para cubrir con el cupo de ventas. Los coqueteos con el pop rock y hasta en algún que otro tema con la música disco (Es algo tan maravilloso) evidencian el claro cambio de estilo y el abandono de la época progresiva que tan bien supieron entender y transmitir. su último trabajo, Llegó el día, publicado en 1983, ahonda más si cabe en ese cambio de tendencia en la que el grupo está abonado desde que abandonara su etapa más progresiva, un disco muy irregular donde lo único destacable sea quizás Desnuda la mañana

Nuestro TOP5

1.- Abre la puerta

2.- Tu frialdad

3.-  Sé de un lugar

4.- Hijos del agobio

5.- En el lago

lunes, 24 de enero de 2022

0389.- Astronomy Domine - Pink Floyd

Astronomy Domine, llamada inicialmente "Astronomy Domine (An Astral Chant)" (Señor de los astros, un canto astral"), fue compuesta por Syd Barrett, líder de los primeros Pink Floyd. Incluida dentro del primer álbum de la banda (The Piper at the Gates of Dawn), es junto con Interstellar Overdrive una de las piezas más "espaciales" y psicódelicas de ese aclamado álbum.

Al ambiente de rock espacial de la canción contribuye la aparición vocal de Peter Jenner (por aquel entonces mánager del grupo), nombrando a través de un megáfono los nombres de algunas de las estrellas más relevantes del firmamento, como si de un astronauta se tratase. La atmósfera espacial se completa con sonidos intermitentes, oscuras guitarras con ecos y el órgano Farfisa de Richard Wright.

Mucho se ha escrito sobre si la canción refleja más una experiencia con el LSD que un viaje por el espacio exterior, aunque el interés de Barrett por la astronomía era grande y aparecía también en otras de sus composiciones iniciales. Sea como fuere, el resultado es una de las cimas de la psicodelia y la experimentación más extrema, y una de las canciones más recordadas de los primerizos Pink Floyd, aún lejos del rock progresivo y conceptual que bordarían en discos posteriores.

domingo, 23 de enero de 2022

0388.- Laundromat Blues - Albert King


0388 Laundromat Blues - Albert King

Vamos con una canción de Sandy Jones, que ha escrito bajo el nombre de Laundromat Blues, está canción en cambio fue interpretada por el fabuloso Albert King.

Albert King nacido el 25 de abril de 1923, y fue un influyente guitarrista y cantante estadounidense de Blues. Considerado uno de los tres Reyes del Blues junto con su guitarra, Albert King junto a B.B.King y Freddie King, son estos tres reyes del blues.

Albert King en el año 1967, edito el álbum Born Under a Bad Sign que es el segundo disco de blues de Albert King publicado. Y este se convirtió en uno de los más populares e influyentes álbumes de blues de fines de la década de 1960 y ha sido reconocido con el Premio del Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Blues, y la revista Rolling Stone.

Albert King interpreta Laundromat Blues una canción escrita por Sandy Jones, y ocupa el puesto número tres de la cara B del álbum Born Under a Bad Sign. Por ello canciones como Laundromat Blues influenciara a guitarristas como Eric Clapton, Mike Bloomfield, Jimi Hendrix, y Stevie Ray Vaughan

Daniel 
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