0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan
sábado, 16 de octubre de 2021
0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan
0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan
viernes, 15 de octubre de 2021
0288: I want you - Bob Dylan
Grabada en las primeras horas de
la mañana del 10 de marzo de 1966, la canción fue la última que se grabó para
el doble álbum de Dylan, Blonde on Blonde . Fue publicado como single en junio,
poco antes del lanzamiento del álbum obteniendo un relativo éxito para el tipo
de música del cantautor al conquistar el puesto 20 en Billboard.
I Want You cuenta con Al
Kooper en el órgano, y los músicos de Nashville reunidos por el productor de
discos Bob Johnston, la parte de Al Kooper es quizás la mas interesante y
destacada de toda la canción, al mando de un órgano Lowrey, el mismo tipo
utilizado por Garth Hudson en muchas grabaciones de The Band y Dylan / The Band.
Uno de los aspectos más llamativos de la canción es que es la típica canción de
amor sobre "he decidido nacer para estar con alguien y amarle" pero
Dylan le da la vuelta, Dylan no canta sobre 'Nací para estar contigo' , sino
más bien canta sobre “No nací para perderte” . En otras palabras, el cantante
no cree en un destino mágico de cuento de hadas, pero ahora que se ha
convertido en algo grandioso, no lo va a dejar pasar fácilmente. Como muchas
canciones de Dylan, no hay un flujo narrativo claro, y como no podía ser de
otra manera contiene una letra/mensaje bastante complicado, donde encontramos hasta
tres mujeres diferentes a lo largo de la canción. Está el objeto del afecto,
por supuesto, pero también está la Reina de Picas a la que "regresa"
, y la Sirvienta de cámara a quien el narrador "no tiene miedo de
mirar" (La Reina de Espadas y la Sirvienta de Cámara podrían ser la misma
persona, no está claro). Dylan a menudo se refiere a las mujeres como
"reinas" . Lo hace en Just Like a Woman ("Queen Mary"),
Need a Woman ("Bueno, necesito una mujer para ser mi reina") y Gates
of Eden ("Reina gitana de dos ruedas").
Pero bueno, como siempre
encontramos una letra complicada donde enredarse como un loco (Un enterrador
culpable, saxofones que hablan, madres lloronas, una taza rota y, sobre todo,
¡la misteriosa Reina de Picas! ¿Una pesadilla surrealista? el aparente anhelo
del narrador por el amor es de hecho un anhelo de algo más espiritual), en esta ocasión Dylan nos brinda un tema casi Pop, pocas veces vamos a
encontrar a un Dylan tan eufórico, con el cual incluso podemos mover un rato la
cadera y menear la cabeza mientras repetimos una y otra vez I want you (Dylan),
dentro de sus canciones pesimistas y trascendentales nos está regalando un poco
de alegría, de su estilo eso sí, pero alegría
Disco de la semana 245: Ten Summoner's Tales , Sting
Cuando escucho "Ten Summoner's Tales", mi vida mejora, y si a eso añadimos que en el momento de su publicación, mi vida iba a sufrir uno de los trances más duros que se pueden tener y que lamentablemente casi todos pasamos por ello, la única explicación posible para que ocurra esto es sencilla, es una jodida obra de arte, realizada con el corazón y con notas musicales que bailan a tu alrededor y te hace caminar con otra ilusión en el cerebro, y aunque su anterior álbum, The soul cages, fue un disco enorme, de una inusitada personalidad y de esos álbums que se te meten en el interior y le dan una vuelta al alma, (de hecho antes de la publicación de ese disco, él mismo pasó por el trance que me tocaría vivir a mi meses mas tarde) este tiene la misma capacidad pero brilla más, brilla mucho más y sumidos en la desolación aun tienes un espasmo de felicidad. Ya lo adelantó el propio Sting hablando acerca del juego de palabras de su título, Summoner (invocador) / Sumner (apellido de Sting) y señalaba que el disco iba a ser una colección divertida de cuentos e historias.
El álbum se abre con un irresistible y palpitante R&B titulado “If I Ever Lose My Faith In You”, una canción cuya fuerte batería rítmica es casi hipnótica arropada por unas guitarras en capas y densos sintetizadores que le dan a esta melodía una gran cantidad de carácter y se contagia, el uso inteligente de la armónica y la pandereta proporciona textura en la mezcla y son regalos adicionales que marcan una gran diferencia en el producto final, si además se reviste con una letra como "Se podría decir que perdí mi fe en la ciencia y el progreso / se podría decir que perdí mi fe en la santa iglesia / se podría decir que perdí el sentido de la orientación / se podría decir todo esto y cosas peores… ” Toda una declaración de intenciones, se puede sobrevivir a la muerte de casi cualquier cosa, salvo a la creencia y confianza de un amor incondicional. Este tema fue el primer sencillo del álbum. Continuamos con algo asi como un spaghetti western “Love is Stronger Than Justice (The Munificent Seven)” podría haber quedado ridícula pero el compás de 7/8 que consigue le da a la canción un delicioso toque de jazz, atentos a la batería porque aquí se hace la dueña de todo y ese final con piano le da otra dimensión a la canción. “El amor es más fuerte que la justicia / El amor es más espeso que la sangre / El amor es más fuerte que la justicia / El amor es un gran gordo río en sangre” “Fields of Gold” admito que tengo una debilidad en mi corazón por la nostalgia romántica y ese tema es sin duda de los que más me han tocado, es cálida y poéticamente romántica, la canción es ideal para un alma que todavía tiene por delante largas y oscuras noches, un órgano y un tambor lento se suman al poder de la canción y Sting expone un corazón herido mientras canta: "Me recordarás cuando el viento del oeste se mueva / Sobre los campos de cebada / Olvidarás el sol en sus celos cielo / Mientras caminamos en campos de oro ".
Ojo a la sensación de
jazz / funk que él y su banda hicieron para “Heavy Cloud No Rain”, una divertida observación de la frustración
humana en sus diversas formas, la guitarra de Miller se desliza como una víbora
en una misión de malas intenciones y tanto el órgano como la armónica
contribuyen en gran medida a la atmósfera fresca y turbia de la cancion. "She's Too Good For Me" solo
dos minutos y medio para una canción que empieza con un ritmo estruendoso y
endiablado como si no pudiéramos permanecer en paz ni un solo segundo, pero
justo cuando crees que Sting se está volviendo loco, lanza un cuarteto de
cuerdas de jazz a mitad de camino que resalta su sentido inteligente y uso del
humor. Se trata de una pareja que no tiene nada en común más que una vida
sexual excepcional juntos, pero eso es suficiente para que él aguante sus quejas,
es sin duda una de las canciones mas extrañas del principio de su discografía. "Seven Days", es una canción con
una percusión esbelta y ajustada, el ingenio de Sting se muestra una vez más,
mientras el protagonista de la historia debe luchar contra un rival por la mano
de la chica que ama. “El hecho de que
mida un metro ochenta / podría infundir miedo en otros hombres / pero no en mí,
la pulga poderosa / pregunta si soy un ratón o un hombre / el espejo chirrió /
huí corriendo”, otra canción que juega con complicados e inesperados
cambios de ritmo.
jueves, 14 de octubre de 2021
0287: Visions of Johanna - Bob Dylan
Visions of Johanna fue escrita por Bob Dylan para su álbum de 1966 Blonde on Blonde. La crítica especializada la considera una de las letras más inspiradas del músico estadounidense, una canción de amor compleja y un poema extremadamente inspirado, hasta el punto de que poetas ingleses de la talla de Sir Andrew Motion la cataloguen como la mejor letra de canción jamás escrita.
Antes de que la versión final quedara registrada en el disco. Dylan la interpretó en directo por primera vez en diciembre de 1965 en el Berkeley Community Theatre con Joan Baez entre el público asistente. Tras la actuación, Baez declaró estar segura de que la letra de aquella canción nueva se refería a ella. Sin embargo, Dylan vivía por entonces con su novia Sara en el Chelsea Hotel de Nueva York, y los versos hablan de dos mujeres diferentes, una carnal (Louise) y otra espiritual y por tanto inalcanzable (Johanna). Ambas son el objeto de deseo de un Dylan cabizbajo y solitario.
Dylan grabó una versión primeriza de la canción, titulada provisionalmente "Freeze out", a finales de 1965 en el estudio de CBS en Nueva York, y con la ayuda de la banda de acompañamiento The Hawks. Con la llegada del nuevo año, las sesiones de grabación del disco se trasladaron a Nashville, y allí decidió intentar de nuevo pulir una canción con la que no terminaba de sentirse satisfecho, hasta conseguir la versión que finalmente acabaría formando parte de Blonde on Blonde, uno de sus discos más celebrados. Gran parte de la culpa de su éxito la tuvo Visions of Johanna, una de las cimas creativas del genial trovador de Minnesotta.
miércoles, 13 de octubre de 2021
0286 Rainy Day Women # 12 & 35 - Bob Dylan
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Rainy Day Women #12 & 35, Bob Dylan |
El 16 de mayo de 1966, Bob Dylan bajo el sello discográfico Columbia Records, publica su séptimo disco de estudio, Blonde on Blonde. Las sesiones de grabación, realizadas entre el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York y los columbia Music Row Studios de Nashville, se prolongan desde el 5 de octubre de 1965 hasta el 10 de marzo de 1966, y cuentan con el respaldo de un gran número de músicos, entre los que se encuentran los miembros de la banda The Hawks, la cual se convertirá en The Band cuatro años después.
Este disco, uno de los primeros dobles de la historia de la música moderna, completó la trilogía que Dylan había comenzado con Bringing It All Back Home (1965) y Highway 61 Revisited (1965). Gran parte de la crítica catalogó Blonde On Blonde como uno de los mejore álbumes de rock de todos los tiempos, y consiguió además buenas cifras en las listas de ventas, alcanzado el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard 200, donde consiguió la doblecertificación de platino, y el puesto número 3 en la lista UK Abums Chart del Reino Unido.
El tema que abre este disco es Rainy Day Women # 12 & 35, compuesta por Dylan y lanzada inicialmente como sencillo en abril de 1966. La canción alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos y el 7 en Reino Unido. Curiosamente el título de la canción no aparece en la letra, es la única del álbum que incluye una banda de instrumentos de viento, y generó debate por su controvertido estribillo "Everyboy must get stoned! ("Todo el mundo debe estar colocado").
La canción fue prohibida en muchas emisoras de radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido al boom de las llamadas "canciones sobre drogas", aunque hay otras interpretaciones sobre la canción. Unas dicen que trata sobre las turbulentas relaciones de Dylan con las mujeres, otros mantienen que resalta lo absurdo de las críticas sobre las referencias a las drogas en la música rock de la época, incluso hay quien dice que es un tema en pro del Movimiento por los derechos Civiles.
En cualquier caso, Dylan siempre insistió en que nunca escribió ni escribiría una canción sobre drogas. En una entrevista hecha al artista por la revista Rolling Stone en 2012, se le preguntó sobre las personas que interpretaban esta canción sobre como drogarse, y Dylan contestó que esas eran personas que no estaban familiarizadas con el "Libro de los Hechos". Dicho libro pertenece al Evangelio de Lucas y contiene un relato de lapidación donde una persona recibe la sentencia tras dar un discurso que nada va a importar a las autoridades diga lo que diga. Esto se ha relacionado a menudo con lo que Dylan sentía por sus críticos, quienes le iban a criticar siempre sin importar lo que hiciera.
martes, 12 de octubre de 2021
Un país, un artista: Días de Blues - Uruguay
Días de Blues |
En esta ocasión nuestros amigos y seguidores, a través de sus votos, han querido que sea un artista del país de Uruguay el que sea reseñado. El escogido por 7dias7notas en esta ocasión es uno de los primeros, y gran precursor del hard rock en el país sudamericano, aunque también tocaban estilos como el blues y el rock. Con todos vosotros Días de Blues.
Días de Blues es una banda de blues, rock y hard rock que nace en Montevideo, Uruguay en 1972. Sus tres integrantes, Jorge Barral (bajo, guitarra y voz), Daniel Bertolone (guitarra y voz) y jorge Graf (batería), provenían del grupo Opus Alfa, banda de blues y blues rock surgida en 1970, y que incialmente se dedicaba a realizar versiones en inglés de artistas sajones como Jimi hendrix o Keef Hartley Band entre otros, aunque posteriormente se concentraron en crear sus propio sonido con letras en castellano.
Días de blues se presenta por primera vez ante el público el 18 de junio de 1972 en el Teatro Solís de Montevideo, compartiendo escenario con el cantante, músico y compositor argentino Litto Nebbia, considerado uno de los fundadores del rock argentino. Los más de mil espectadores presentes despiden al grupo de Montevideo entre ovaciones y aplausos. Un mes después, concretamente el 4 de julio de 1972 el grupo debuta con un concierto propio, en el Teatro Nuevo Stella de Montevideo. Dicho concierto es crucial para la historia de la música en Uruguay, pues está considerado como uno de los primeros recitales de hard rock llevados a cabo en Uruguay, suponiendo un gran avance en cuanto a la innovación musical, y también en cuanto a la amplificación del sonido. En aquel memorable concierto además de otros temas, algunos inéditos hasta la fecha, y todos propios, tocan las ocho canciones que formarán parte posteriormente de su primer álbum de estudio.
La innovadora propuesta de Días de Blues, hacen que el grupo se asiente y gane popularidad rápidamente, tocando en la Biblioteca Nacional y en un gran festival en el Velódromo de Montevideo, llegando a tocar incluso, con gran éxito, en el Festival BAROCK de Argentina el 27 de octubre de 1972. Gracias a su éxito en argentina, su primer disco de estudio será grabado allí a través del sello discográfico Trova.
El disco debut de Días de Blues,de título homónimo, se graba en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires bajo la producción de Carlos Píriz, y es editado a principios de 1973. La excelente ilustración de la carátula de la edición uruguaya fue realizada por el dibujante, caricaturista y viñetista uruguayo Celmar Poumé, la cual no fue tenida en cuenta en la edición argentina. El grupo sufrirá cambios debido al deterioro de la situación política de Uruguay en 1973, la cual desembocaría en un golpe de Estado. Jorge Barral emigra a España y Daniel Bertolone hace lo mismo pero con destino a Australia. Jorge Graf asume el mando y decide seguir adelante con el proyecto con diferentes músicos. En esa época pasan por el puesto de bajista Angel Armagno y Gustavo "Mamut" Muñoz, mientras que por el puesto de la guitarrista pasan Freddy Ramos y Daniel Henestrosa.
A mediados de los 70, Jorge Graf emigra a Italia, regresando a Urguay en la década de los años 80. En 1987 decide formar con un gran conglomerado de músicos un proyecto al que llama Rómulo Bogalle y la Banda de Días de Blues. Esta llamada big band se basa en un estilo con raíces de blues pero más orientada hacia el candombe, ya que contaba a además de la batería de Graf, con una sección completa de tambores. El candombe es una manifestación cultural de origen afrouruguayo, basada en la fusión de rasgos musicales, religiosos y de danza de las diversas tribus africanas presentes en el Río de la Plata en la época colonial. La última reencarnación de Días de Blues se produce entre 1991 y 1992 y cuenta con los guitarristas "Palito" Elissalde, Luis Firpo y Lulo Higgs, Jorge Graf a la batería, Gerardo Babuglia al bajo y Heber Píriz a los mandos vocales. Dicha formación realiza una grabación en vivo en el Teatro Stella de Montevideo los días 13 y 14 de noviembre de 1991, la cual será editada por el sello dsicográfico Sondor bajo el título "En vivo-Grabación Digital".
Días de Blues además de constituirse en sus inicios como el power trío más importante del país en aquel momento, se ha convertido con el tiempo en un grupo de culto, y su primer disco, Días de Blues, ha sido reeditado en multitud de ocasiones en países como Italia y Alemania. Además, a lo largo de los años, el grupo ha influenciado a multitud de bandas de rock de Uruguay.
0285.- Sweet bitter love - Aretha Franklin
Sea bueno, sea excelente, nos vemos en la obligación moral, cultural y casi natural de detenernos en cada uno de los albums de estudio de Aretha Franklin, en este caso llega a nuestras páginas el momento de Soul Sister. Lo primero que advertimos que es un disco más para Columbia, discográfica que la maltrato y que quiso hacer de ella lo que no era y que no supo explotar todo el potencial que tenía… afortunadamente este sería el penúltimo álbum que grabaría para ellos, y como el proyecto estaba agotado este álbum es en cierta manera hasta incomprensible para el fan que sin ser de la generación de Aretha bucea y bucea en su discografía, no entendemos que pretendían hacer, ¿quizás reproducir el éxito de Ray Charles con Georgia on My Mind?, pero que sentido tiene ¿Ol 'Man Rivero Swanee? El hecho de que la voz de Franklin sea fresca y poderosa solo hace que todo el ejercicio sea extraño: ¿no notaron que aquello no pegaba nada?
Dentro de los temas incluidos hay uno que particularmente destaco y del que vamos a hablar, es Sweet Bitter Love, una canción escrita por Van McCoy que la cantante ha grabado en nada menos que tres ocasiones distintas, seguramente la mas espectacular sea la de 1985 que publicó en el álbum Who's Zoomin 'Who y donde la voz de Aretha está más calmada, más lenta y suave y el piano toma aún más protagonismo, la versión de 1966 quizás sea demasiado rápida y, aunque la voz de Aretha es sublime, tengo la sensación que parte de la emoción que la canción tiene, se perdía de alguna manera en el tempo rápido que le habían impuesto, por favor, que torpeza de los responsables de Columbia, ya que 2007 salió a la luz otra grabación en el álbum Rare & Unreleased Recordings, una demo donde batería, bajo y desde luego piano acompañan a la voz, que es todo en esa versión, el dolor se puede cortar escuchando su voz, dolor y tristeza como esta canción que habla del final del amor, de la despedida cuando aún quedan muchos rescoldos de la persona amada dentro de ti mismo y que pasa a convertirse en un dulce amargo amor.
lunes, 11 de octubre de 2021
0284 Strangers In The Night - Frank Sinatra
domingo, 10 de octubre de 2021
Making Movies - Dire Straits (Mes Dire Straits)
Me encanta este álbum, siempre he sido un hombre de los ochenta, si bien el exceso de sintetizadores llega a agobiarme, pero es la década cuando descubrí la música y si bien a principio de la década mi empanada me seguía transitando por el mundo de Enrique y Ana o de Parchis, ya sonaban ecos en mi mente de 9 años a rock and roll, a música adulta hasta que llego Thriller y la cabeza literalmente me explotó y mi vida cambió. Lo cierto es que los Dire Straits entraron en mi vida como el cielo, azul, con esa portada de Brothers in arms, y no es fácil entender en la tercera década del siglo XXI que recuperar música más allá de lo que sonaba en las radios del momento era harto difícil… método, ir a comprarte el disco, pega máxima, la paga de uno niño de 12 años daba para dos bolsas de pipas y una mora de golosina, pero todos hemos tenido amigos, y de esos amigos alguno tenia un hermano mayor, y entrar en su casa te abría un mundo de posibilidades…. Todo este camino recorrido para decir que Making Movies no ha sido un disco que escuchara con el nacimiento de mi música, es la realidad, no es de los que mas quiero, pero tampoco estoy subyugado emocionalmente a él, así que vamos a navegar por sus siete pistas.
Skateaway es la canción más floja de la cara A, pero
todo es relativo, es una canción dinámica, rápida y viva, Llevada en un tren
infernal, endiabladamente funky, Knopfler cuenta la historia de esta chica, una
patinadora QUE Sobrevive haciendo trabajos esporádicos que no son muy
emocionantes, y solo se desahoga patinando a toda velocidad mientras escucha
Rock'N'Roll para escapar de su mediocridad diaria. La construcción de la pieza
es más sencilla, Knopfler distorsiona el tema, pero mantiene el tempo enérgico.
pero está tan bien elaborado y es tan sincero que me lleva directo a mi lugar
musical feliz. Expresso Love es maravillosamente enérgetica, cariñosa,
romántica, todo lo que siempre quise pero el clima es más oscuro, evocando a
una prostituta, el ritmo agotador de su trabajo, el ambiente turbio en el que
vive, el torrente de emociones contradictorias que la asalta día a día. La
guitarra ruge, ronca, áspera. El solo es un soplo en este polvo acre, con
intensa melancolía.
0283 Out of time - The Rolling Stones
sábado, 9 de octubre de 2021
0282: Uptight, Stevie Wonder
Uptight (Everything's Alright) de Stevie Wonder salió publicado como sencillo en 1965 y fue también incluida en el álbum Up-Tight de 1966. El chico de oro de Tamla Motown no defraudó y entregó una de sus canciones más populares, y el público y la crítica lo auparon a lo más alto (alcanzó el primer puesto del Billboard estadounidense, puesto que mantuvo durante cinco semanas, y fue nominada como mejor canción R&B y mejor interpretación R&B en los Grammys).
Uptight fue el espaldarazo definitivo de Wonder, que como (ya no tan niño) prodigio en ese momento generaba dudas en Motown, por el cambio que estaba sufriendo en la voz y por haber cosechado apenas un par de éxitos menores en las listas, corría incluso el riesgo de que prescindieran de sus servicios en la discográfica. Sin embargo, las nuevas y más maduras tonalidades de su voz encajaron a la perfección con una línea instrumental que el propio Wonder había compuesto inspirándose en los riffs de los Rolling Stones, con los que acababa de compartir gira.
El equipo de compositores de la Motown se apresuró a completar la letra de una canción de la que Wonder solo tenía la frase "Todo está bien, tenso". La versión definitiva, en la que un joven sin apenas recursos corteja a una chica rica e intenta que ella le valore y vea más allá de su pobreza, no estaba escrita en Braille el día de la grabación, por lo que Silvia Moy, una de las compositoras de la canción, actuó de apuntadora y le fue cantando las frases durante la grabación. Como no podía ser de otra manera, y más si hablamos de un tipo que se apellida Maravilla, Stevie Wonder no perdió en ningún momento el ritmo ni se equivocó al repetir las frases que Silvia le apuntaba, completando con éxito una grabación histórica.
Canciones que nos emocionan: Smokestack Lightning - Howlin' Wolf
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Smokestack Lightning, Hwlin' Wolf |
En 1959 se publica el álbum debut del cantante, armonicista y guitarrista de blues Howlin' wolf, Moanin 'in the Moonlight. El disco es un compendio de grabaciones que el artista había realizado entre 1951 y 1959 para el sello Chess Records, que decide compilar las grabciones y lanzarlas en un disco. Recientemente, en el año 2020, Rolling Stone ubicó éste álbum en el puest número 447 de "Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos".
Incluido en éste álbum debut se encuentra Smokestack Lightning, uno de los temas más poulares e influyentes de Howlin' Wolf, tema que se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos del blues. El tema fue escrito y compuesto por Howlin' Wolf, apareciendo en los créditos con su nombre real, Chester Burnett.
Smokestack Lightning se basa en canciones de blues anteriores, y Howlin' Wolf ya la había interpretado de una forma u otra a principios de la década de los años 30, cuando actuaba con el músico Charley Patton en pequeñas comunidades alrededor del Delta. El tema se basa en temas de blues anteriores, como Big Road Blues de Tommy Johnson, Stop and Listen Blues de los Mississippi Sheiks y Morning Going Down de Charley Patton.
Howlin' Wolf se inspiró para grabar la canción mirando trenes en la noche, solía sentarse en el campo y ver pasar los trenes, viendo salir chispas de las chimeneas de los mismos. En 1951 Howlin' ya había grabdo la canción con el nombre de Crying at Daybreak. Habría que esperar hasta 1956 cuando graba el tema por primera vez como Smokestack Lightning. El tema sería grabado en Chicago en los estudios del sello Chess y publicado posteriormente como sencillo ese mismo año, 1956.
viernes, 8 de octubre de 2021
0281 Kicks - Paul Revere & The Raiders
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Kicks, Paul Revere & The Raiders |
El 6 de mayo de 1966 se publica, bajo el sello discográfico Columbia Records, el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense Paul Revere & The Raiders, bajo el título Midnight Ride. Dicho trabajo fue producido por el compositor, cantante y productor de discos Terry Melcher, figura my importante que jugó un papel decisivo en la configuración y desarrollo del llamado Sonido de California. Este disco llegó a alcanzar el puesto número 9 en la lista estadounidense U. S. Billboard 200, consiguiendo además la certificación de disco de oro en 1967.
Kicks, considerado como uno de los primeros temas antidrogas, fue compuesto y lanzado en una etapa en la que la temática hippie, la pro-experimentación y los temas contraculturales estaban ganando popularidad en la radio en Estados Unidos. En el tema, Mark Lindsay, la vocalista del grupo, le dice a una chica que las drogas no llenarán el vacío que hay dentro de ella. En una época donde la proliferación de las drogas era emergente, la juventud lo único que quería oír era otro sermón en contra de las drogas. Sin embargo, Kicks ganó popularidad entre dicha juventud, pues más que un sermón sonaba como una honesta preocupación de un amigo.
Disco de la semana 244: Lola vs Powerman & Themoneygoround, The Kinks

“La conocí en un club del viejo Soho, donde bebes Champagne y te sabe a Coca-cola... Se acercó a mí y me preguntó si quería bailar, le pregunté su nombre y con voz grave me dijo Lola..." Su nombre completo, o más bien el del disco, era Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One, la impresionante obra conceptual que The Kinks entregaron como octavo álbum de estudio. Pero todos la conocían por su nombre de pila: Lola, el título de su single más relevante y su mayor éxito desde Sunny Afternoon o el archiconocido You really got me.
"No soy el tipo más fuerte del mundo, pero cuando me abrazó casi me rompe la columna. Oh mi Lola... Realmente, ese es el efecto que la fuerza satírica del disco ejerce contra las diferentes disciplinas del mundillo musical del momento, una auténtica patada en la espalda de una industria discográfica plagada de personajes oscuros y venenosas serpientes de diferentes colores: Ejecutivos y contables, críticos y periodistas, editores y sindicatos. Canción a canción, ninguno de ellos escapa a la afilada sátira y la crítica mordaz de los hermanos Davies y compañía.
Grabado en 1970 en los Estudios Morgan en Willesden (Londres), el disco se beneficio de la inclusión en sus filas del teclista John Gosling, y de la libertad creativa que suponía grabar en un estudio independiente. La sensación de trabajar sin barreras impregnó desde el principio el sonido de las primeras grabaciones, entre las que estaban ya temas como Powerman, Got to be free o la propia Lola, y fruto de ello el disco es un gran despliegue de estilos, principalmente el rock, el folk y los característicos toques de music hall británico, que tan bien se presta a la ironía y la sátira de las letras de The Kinks.
El disco arranca en una sorprendente línea folk, con una breve introducción de voz, banjo y guitarra del Got to be free que cerrará el disco, abruptamente interrumpida por el rotundo riff de The Contenders, la primera de las gemas eléctricas del disco, aunque combine en sus cambios con tramos más pausados y acústicos. En esa línea acústica y sosegada va también Strangers, con cierto toque a The Band, mientras que en Denmark Street, diatriba sobre los editores de discos, aparecen los primeros guiños de teclado barroco y ambiente de music hall. La balada Get back in the line es una visión satírica sobre el papel del responsable del sindicato, que decide quien trabaja y quién debe "volver a la fila" de la oficina de empleo, y la última canción de un brillante bloque que funciona como eficaz ágape previo al suculento banquete que está por venir con Lola, el hit estelar del disco y merecedora de un capítulo aparte.


Por si sola ya es brillante y atemporal, pero en el contexto del álbum su significado y su valía crecen de manera exponencial. En un disco plagado de personajes oscuros y cruelmente satirizados, la Lola de los Kinks es el personaje más honesto y humano de todos, el ninot que los Kinks salvan de la quema y se quedan consigo: "Bueno, no soy el hombre más masculino del mundo, pero sé lo que soy, estoy satisfecho de ser un hombre y también Lola..." Y Lola se lo agradeció con un éxito descomunal como sencillo, llegando a los primeros puestos de las listas británicas y al noveno del Billboard estadounidense (en una versión en la que en la letra sustituían "Coca-Cola" por "Cherry-Cola" para evitar contenciosos con la marca de refrescos y que pudiera ser emitida en la BBC).
La crítica sibilina del disco sigue su curso en la divertida y enérgica Top of the Pops, sobre los programas de actuaciones musicales de la época, la prensa y la manera en la que convertían canciones en éxitos. Después le llega el turno de pasar por la guillotina verbal a los contables y directivos de las discográficas en The Moneygoround, segundo tema en clave de cabaret y music hall, antes de regalarnos uno de los momentos álgidos del disco en This Time Tomorrow. Una melancólica revisión de la vida del músico en la carretera, a medio camino entre acústica y eléctrica, con brillantes armonías vocales y un mensaje de desorientación y desarraigo que, como buen disco conceptual, encadenan con la temática del siguiente tema, la nostálgica balada A long way from home (Muy lejos de casa).

jueves, 7 de octubre de 2021
0280: Under my thumb - The Rolling Stones
Vamos a detenernos en el cuarto
tema del álbum Aftermath (cuarto album de estudio de The Rolling Stones en la versión Inglesa) aunque si bien esta canción
nunca salió como single en la carrera de The Rolling Stones, lo cierto es que
es un tema que tanto el público como los propios integrantes del grupo tienen
una gran estima y una enorme presencia en todas sus giras y ha estado presente
en varias de las recopilaciones que han publicado del grupo.
Under my thumb está firmada por el
duo Jagger-Richards, si bien es de sobra conocido que la gran parte de la canción
esta creada por Mick Jagger. A primera vista es una canción tranquila para lo
que nos tenían acostumbrados, parte de la culpa la tiene el bajo de Bill Wyman
que suena en un tono distorsionado y la incorporación de una marimba
(instrumento de percusión compuesto por un conjunto de láminas de madera muy
popular en America Central) con la que comienza la canción. El origen de la canción
se remonta a cuando Jagger contaba con 19 años y siendo estudiante conoció a Chrissie
Shrimpton, hermana pequeña de Jane Shrimpton, la primera top model, el icono de la Swinging London, era una oportunidad de
hacerse conocer, y quedo perdidamente enamorado de aquella chica y por aquel
mundo en el que ella vivía, Jagger y Shrimpton vivieron una relación tormentosa
entre canciones de amor, infidelidades y peleas, pero con el paso del tiempo se
cambiaron las tornas en la relación, ahora Jagger no estaba en boca de todos
por ser el novio de ella, ahora tenía sus portadas y sus grupos de fans que le seguían
por todo lado y le entregaban todo lo que querían, la historia había cambiado y
si antes Jagger iba detrás de ella como un perrito, ahora era ella la que
literalmente tenía que andar varios pasos por detrás de él, «Under My Thumb» (
bajo mi pulgar) es, según el mismo Jagger, un himno caricaturizado que compuso
por la libertad emocional que sentía en el momento que él era consciente que tenía
el control…. Pero la euforia hizo que todo se le fuera de la mano, empezando
por la letra, una letra donde llega a humillar y caricaturizar a la persona que
has querido, llamándola perro que se retuerce, o dulce mascota y que provocó el
rechazo de gran parte de la sociedad ya que degradaba la figura de la mujer.
Jagger lo ha negado por activa y por pasiva, en 1984 declaró al respecto: “La
idea inicial era contar que era yo quien estaba bajo su control; ella me tenía
en sus manos y yo estaba feliz de poder voltear los papeles”…. el único
objetivo del tema era celebrar el haber ganado el control de su relación después
de varios años de dominación por parte de Schrimpton: “Era mi respuesta
hacia una mujer que había sido sumamente exigente y dura conmigo”.
Pero esta canción no está solo ligada a esta polémica, sino que tiene
otra, fruto de la casualidad y que ha marcado a aquella generación con unos
sucesos que prácticamente cerraron la época del “Love & Peace”. Nos
trasladamos al 6 de diciembre de 1969, y viajamos a Altamont, donde se
realizaba un festival de música en el norte de California, en ese festival los
Rolling Stones iban a cerrar su gira por Estados Unidos, en un concierto que
sería el equivalente de Woodstock en la costa oeste. Todo iba mal hasta el
punto que Grateful Dead habían renunciado a tocar y se habían ido del lugar preocupados
por su seguridad cuando se enteraron de que uno de los Hells Angels (banda
violenta de motoristas) había dejado inconsciente al cantante de Jefferson Airplane,
Marty Balin, en una pelea cuerpo a cuerpo durante la actuación de su banda.
Durante la actuación deThe Rolling
Stones, un Hells Angel de 21 años llamado Alan Passaro apuñaló a un joven de 18
años que empuñaba un arma llamado Meredith Hunter y le mató a escasos metros
del escenario donde estaba Mick Jagger que en este momento estaba interpretando
"Under My Thumb". Todo el episodio sale reflejado en la película Gimme
Shelter.
Un país, un artista: Okean Elzy - Ucrania
Formada en la ciudad de Lviv en 1994, la banda Okean Elzy ha reunido seguidores en toda Ucrania y más allá de sus fronteras con música y letras que resuenan con la audiencia de la banda. Los cinco miembros de Okean Elzy son Slava Vakarchuk (voz, compositor), Denis Glinin (batería), Denis Dudko (bajo), Milos Jelic (teclados, arreglos) y Vladimir Opsenica (guitarra) y sus álbumes de estudio incluyen Tamde nas nema ( 1998), Yan a nebi buv (2000), Model (2001), Supersymetriya (2003), Gloria (2005), Mira (2007), Dolce Vita (2010) y Zemlya (2013).
Su primer concierto tuvo lugar frente al Teatro de la ópera de Lviv el 14 de enero de 1995. Poco después de esa aparición lanzaron una cinta de demostración llamada 'DEMO 94-95'. En 1995 también participaron por primera vez en los dos festivales de música ucranianos más grandes de ese momento: Chervona Ruta y Melodiya, también participaron en Es, un proyecto personal del músico de Lviv Oleg Sook, donde interpretó la canción Hace mucho tiempo. La fama va creciendo y Okean Elzy actua en el mismo escenario que la legendaria banda Deep Purple en un festival de música europeo en 1996. En septiembre de 1998 lanzan un video musical de su canción Tam de nas nema y se convirtieron en la primera banda de Ucrania en emitir su video en MTV-Rusia y en el canal de televisión musical francés MCM. Hoy en día, los videos musicales de la banda son populares en varios canales de música de televisión. A finales de 1998, se publica el álbum debut de la banda, Tam de nas nema, fue bien recibido y llamó la atención del público amante de la música.A partir de mayo de 1999, Okean Elzy se convirtió en una presencia habitual en los festivales de música, pasando de ser una banda telonera a ser cabezas de cartel. A principios de 1999, Okean Elzy comenzó a trabajar en su segundo álbum. Ya na nebi buv ("Yo estaba en el cielo") y en mayo, el grupo decidió intentar expandir su música en Rusia dando su primer concierto fue en el festival Maxidrom donde había miles de personas que ya conocían sus canciones, y muchas las cantaban. El tercer álbum de estudio de la banda, Model , fue lanzado en 2001 y Okean Elzy se convirtió en el nuevo rostro de Pepsi Cola en Ucrania con la llegada del nuevo milenio con su tercer disco comenzaron una gran gira por Ucrania llamada "Ask For More" y en agosto comenzaron a trabajar en su cuarto álbum: Supersymetriya ("Supersimetría") álbum que finalmente fue lanzado en 2003 y motivo para realizar la gira más grande que se había conocido hasta entonces de un grupo local de Ucrania. El 22 de septiembre de 2005, Okean Elzy lanzó su nuevo álbum, GLORIA y en septiembre de 2005, Vakarchuk se convirtió en el Embajador de buena voluntad e inició una campaña conjunta con OIM y Fundación MTV Europa para la promoción de la cultura y lideró un gran proyecto social para propagar la lectura como un proceso natural. La idea general de este proyecto es llamar la atención de los jóvenes sobre los libros y ayudar a combatir el analfabetismo. En 2007 publicamn Mipa y ya en 2103 lanzan Земля - La tierra un álbum con ecos a U2. Su último trabajo es de 2016 y lleva por título Без меж - Sin límites.
La música de la banda se inspiró
principalmente en los Beatles, Queen, Pink Floyd, los Rolling Stones y Jim
Morrison. La cantante Zemfira tiene un lugar de amigo en el grupo, la canción
"Етюд" ("Estudio") fue dedicada a esta diva del rock ruso.
Los diferentes estilos musicales (pop, rock, jazz, folk y blues) forman una
mezcla musical donde todos pueden encontrar su espacio, el líder del grupo está
interesado en el budismo y la cultura japonesa, lo que agrega un poco de
exotismo a su música. Como, por ejemplo, el video musical y la canción
"Друг" ("Amigo") están llenos de signos de la cultura
asiática. En los textos de Okean Elzy se habla de sentimientos, de la vida
cotidiana, de la gloria, de la nostalgia… Vakartchouk, autor de la mayoría de
los textos, encuentra su inspiración en los libros de Murakami, Yukio Mishima y
Serguiy Jadan, escritor ucraniano contemporáneo. Las cuestiones filosóficas,
actuales, sociales y existenciales dejan su eco en las canciones de Okean Elzy,
pero no solo es arte, la ciencia tiene su espacio ya que tras una clase en la universidad
de Super-simetría de electrones en un campo magnético, dio origen a la canción
“Susy” y su disco “Super-simetría”. ¿Es solo una coincidencia o la ciencia se
ha incrustado en el trabajo musical?, incluso el cine encuentra su lugar en su música
(el nombre de su álbum "Dolce Vita" es tomado de la película del
director Federico Fellini ").
miércoles, 6 de octubre de 2021
0279: Mother's Little Helper - The Rolling Stones
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Mother's little Helper, The Rolling Stones |
El cuarto álbum de estudio de los británicos The Rolling Stones, titulado Aftermath, aparece pulicado, bajo el sello discogŕafico Decca Records el 15 de abril de 1966 en Reino Unido, y el 20 de julio de 1966 en Estados Unidos. Es el primer discco de la banda donde todas la composiciones están realizadas por Keith Richards y Mick Jagger, consolidando la calidad artística y creativa de la banda. También fue el primer disco grabado por la banda enteramente en Estados Unidos, concretamente en los RCA Studios de California, y su primer trabajo lanzado en estéreo.
Nos vamos a centrar en la edición publicada para Reino Unido, pues en ésta se incluye el tema Mother's Little Helper, el cual no está en la edición estadounidense, aunque se lanzó en dicho país como sencillo en julio de 1966, alcanzando el puesto 8 en la lista Billboard Hot 100. El tema fue compuesto por Keith Richards y Mick jagger.
La canción trata sobre la adicción a las drogas, concretamente a los ansiolíticos que solían ser recetados a las amas de casa, y los potenciales peligros a la sobredosis y drogadicción. Jagger nos relata la historia de una ama de casa que suele abusar de los ansiolíticos que le recetan para pasar el día. Jagger afirmaba que solía inspirarse en las cossas cotidianas que solían suceder a su alrededor, cosas sobre la vida cotidiana en las que solía fijarse. También afirmaba que había gente que pensaba que él era adicto, pues solía cantar siempe sobre temas relacionados con las drogas, y que esta gente estaba tan preocupada en pensar que este problema únicamente lo tenían las estrellas de rock, sin llegar a pensar que era un problema tan común que también lo tenía la gente mayor, no sólo los jóvenes.
En cuanto a la música del tema, está basado en acordes folk y contiene riffs con toques orientales. El singular sonido oriental, donde parece sonar un sitar que realmente no utilizan, fue logrado por Brian Jones, quien hace slide tocando la guitarra eléctrica de doce cuerdas y toca la tanpura (instrumento de doce cuerdas que proviene de la India y que se utiliza para mantener sonidos zumbantes constantes), y Keith Richards, quien hace también slide tocando una segunda guitarra de doce cuerdas. Otra curiosidad: Mick Jagger canta con Keith Richards en la voz de acompañamiento, una mezcla inédita hasta ese momento que da más repercusión e importancia a Richards en la voces.
Comnuniqué - Dire Straits (Mes Dire Straits)
martes, 5 de octubre de 2021
0278: Paint it black - The Rolling Stones

"Veo una puerta roja y quiero pintarla de negro... Ya no hay más colores, quiero que todos se conviertan en negro". Así empieza Paint it Black, uno de los mayores éxitos de los Rolling Stones, publicada como sencillo en 1966 e incluida en la versión estadounidense del disco Aftermath (en la versión inglesa fue sustituida por Mother's little helper). Compuesta por la dupla Jagger & Richards, llegó al número uno de las listas tanto de Estados Unidos como del Reino Unido.
La letra es un brillante ejercicio metafórico, con el color negro como protagonista, explotando la marcada asociación que ese color tiene con el luto ("Veo una hilera de carros, y todos están pintados de negro, con flores y mi amor...
Ambos nunca volverán"), la depresión y la falta de esperanza ("Tengo que girar la cabeza,
hasta que mi oscuridad se haya ido"). Temas todos inspirados en el libro Ulises de James Joyce, que trata igualmente sobre la oscuridad emocional y la desesperación ("Simplemente sucede todos los días, miro dentro de mi y veo que mi corazón es negro").
En el aspecto musical, es imposible no destacar la fuerza de la batería de Charlie Watts en la entrada y a lo largo de todo el tema, el sonido pesado del bajo de Bill Wyman, y los sutiles matices de la melodía de sitar de Brian Jones, que atravesaba un período de interés por los instrumentos orientales y la música de Marruecos, al tiempo que empezaba a desencantarse con su rol en la banda y el poco espacio que le dejaban las figuras emergentes de Jagger y Richards, que cada vez sujetaban con más firmeza el timón creativo de la banda. Todos ellos dieron, a una generación que viviría la oscuridad de una guerra, un desgarrador canto al que abrazarse con fuerza.
lunes, 4 de octubre de 2021
0277: La Bohème - Charles Aznavour
La Bohème es una canción escrita por Jacques Plante y Charles Aznavour. Fue grabada por primera vez por en 1966. Esta es una de las camiones más popular del artista Charles Aznavour así como uno de los temas básicos de la lengua francesa.
En los show el cantante la cantaba con un pañuelo blanco en la mano. Hay quienes dicen que el pañuelo significaba la juventud perdida de la que habla la canción. Otros que la usa a modo de paleta de pintor y le servía para acompañar con gestos su interpretación del artista bohemio.
La Bohème es un canto de nostalgia al pasado, a un tiempo duro para los artistas pero no por ello menos feliz. Los apuros económicos se solventaban con ingenio y mucha ilusión. Como hemos dicho esta canción nunca ha faltado en los recitales de Charles Aznavour y, el artista ha llegado a grabar versiones del tema en italiano, inglés, alemán y español.
Charles Aznavour escribió más de mil temas. Vendió más de cien millones de discos.
Cuentan que, en su juventud, Edith Piaf le propuso un trabajo. ¿Qué he de hacer con usted?, preguntó Charles Aznavour. Y ella contestó: "Serás mi acompañante, mi chófer, mi compañero de borracheras". Charles Aznavour aceptó en el acto.
Fue de los pocos hombres del séquito de aquel Gorrión de París que no se acostó con ella: "Yo la admiraba desde muy joven. Estuve enamorada de ella ocho días. Que no fuera amante suyo me permitió en cambio ser muy amigo suyo. La amistad dura más que el amor. Tampoco fui amante de Juliette Greco. Ni de ninguna otra mujer de mi mismo oficio".
Daniel
Instagram storyboy
domingo, 3 de octubre de 2021
Dire Straits - Dire Straits (Mes Dire Straits)
Dire Straits, Dire Straits |
Acabado el mes de septiembre, despedimos al genio de las seis cuerdas Rory Gallagher, del cual hemos disfrutado enormemente, desgranando gran parte de su obra. Pero comienza un nuevo mes, octubre, y no nos queda más remedio que dejar volar al irlandés y dar la bienvenida al artista que nos acompañará durante todo el mes de octubre. la llamada "Banda de rock británica más grande de los 80", que ha sido capaz de vender más de cien millones de copias de sus disco en todo el mundo, convirtiéndola en uno de los grupos/artistas más vendidos del mundo. Bienvenidos al #MesDireStraits.
La banda se forma en el año 1977 de la mano de los hermanos Mark (guitarra y voz) y David Knopfler (guitarra y coros), oriundos de Newcastle, al noreste de Inglaterra, y los amigos John Illsley (bajo y coros) Pick Withers (batería), de Leicester, al este de Midlands. De los cuatro músicos, Withers tenía una amplia experiencia en el negocio, pues llevaba ya 10 años en el negocio de la música ejerciendo como baterista de sesión, y había formado parte del grupo Spring, grabando un álbum de estudio en 1971. Por aquél entonces, Mark trabaja como profesor de inglés, Illsley cursa estudios, y David ejerce como trabajador social. Mark y Withers habían coincidido unos años antes, en 1973, tocando en un grupo de que se dedicaba a tocar rock por los pubs, llamado Brewers Drop.
Es en 1976 cuando Mark decide formar una banda llamada Café Racers para tocar en pubs y escuelas cercanas al colegio donde imparte clases. Por aquel entonces, David, tras unas semanas alojado en casa de Mark, se muda a vivir en Farrer House, un bloque de apartamentos al sudeste de Londres, donde comparte piso con el bajista Illsley. Una mañana, Illsley, al regresar al piso después de estar fuera toda la noche, se encuentra a Mark durmiendo en el salón. Sería allí donde se conocen y una noche, el bajista de Café Racers, se encontraba enfermo, por lo que Mark le pidió a Illsley que le sustituyera. Era el comienzo de una larga y duradera colaboración. Illsley y Mark se dan cuenta de que a pesar de tener una buena reputación con Café Racers tocando en pequeños locales, tienen un limitado futuro.
Por todo ello, en abril de 1977, Mark se muda a vivir al piso de Illsley y David. Mientras mantiene su puesto como profesor de inglés, Ilslley trabaja en una tienda de discos, y David trabaja como trabajador social. Los tres se dedican en su tiempo libre a componer y ensayar en el piso, y animados, deciden entonces formar una banda, aunque les falta un baterista. Mark lo tiene claro, piensa enseguida en Pick Withers, con quien ya ha coincidido. La llegada de Withers, con su exeriencia, le da al grupo lo que necesita para crecer en sus aspiraciones. Desde el comienzo, Mark ya destaca como un excelente músico y compositor, sumado a su gran personalidad y autoexigencia por crear una banda con un estilo propio.
Comienzan tocando bajo el nombre Café Racers, con el que debutan tocando composiciones propias y covers, y se estrenan en directo en julio de 1977 tocando en un concierto punk en la explanda que hay detrás del bloque de apartamentos donde viven. De hecho, para tocar tienen que tomar la electricidad del piso dode viven. A este concierto le siguen más pequeños conciertos e interminables ensayos que les dan para pagar el alquiler del equipo de sonido y poco más. El nombre Café Racers no convence al grupo, por lo que deciden cambiarlo, y será un amigo de Withers el que les propone adoptar el nombre de Dire Straits, en alusión a su penosa situación económica (en castellano significa "graves problemas" o "problemas económicos").
El 27 de julio de 1977, y tras reunir unas 120 libras esterlinas, el grupo consigue pagarse la grabación de una maqueta. Las canciones grabadas en dicha maqueta son Wild West End, Down to the Waterline, Water of Love, Sacred Loving y su mítico Sultans of Swing. La maqueta acaba en manos del reputado crítico musical Charlie Gillet, conocido de John Illsley, y decide emitirla el 31 de julio de 1977 en el programa Honky Tonk, el cual presenta por aquel entonces en la BBC Radio London. Aquella retransmisión no acaba desapercibida, y el 9 de diciembre de 1977 firman un contrato exclusivo con el sello discográfico Vertigo Records, subsidiario de Phonogram Records.
El grupo graba entre el 13 de febrero y el 5 de marzo de 1978 en los Basing Street Studios de Londres el material que formará parte de su primer álbum de estudio, de título homónimo, Dire Straits. Un material escrito y arreglado completamente por Mark Kopfler. El 7 de octubre de 1978 el disco es publicado a nivel internacional por Vertigo Records, en Estados Unidos por Warner Bros. Records y en Canadá por Mercury Records. El grupo no puede tener un estreno mejor, pues el disco alcanza el puesto número 1 en Alemania, Australia y Francia, el número 2 en Estados Unidos y el número 5 en Reino Unido. Tanto en Estados Unidos como en Reino Unido el álbum consigue la certificación de doble platino gracias a sus ventas.
Entramos en materia y abre la cara A Down to the Waterline, uno de los temas incluidos en la maqueta de demostración. Un tema lleno de energía y garra donde Mark nos habla de una breve cita sexual. Para escribir la canción, Mark se inspiró en un breve romance que tuvo en su juventud. Water of Love, otra de la canciones incluidas en aquella primera maqueta del grupo. Fue el segundo tema del disco lanzado como sencillo, alcanzando buenas cifras en las listas australianas y de los Países Bajos. Es otro de los temas donde Mark nos habla de las relaciones, en este caso es una relación infeliz. Hay una vertiente que cree que la escribió inspirándose en la ruptura de su matrimonio. El guitarrista comentaba sobre este tema que lo había escrito porque estaba harto, sentía que su vida no iba hacia ningún lado y el futuro que se le presentaba era largo y sombrío. En Setting Me Up, Mark nos habla de una relación caótica y desordenada, y lo hace desde una inteligente perspectiva, mezclando el humor y la amargura. Un tema rockabilly que contiene un solo con un toque country marca de la casa del artista. La lenta y tierna Six Blade Knife, donde la sensibilidad de la guitarra y la voz de Mark tienen todo el protagonismo, y es la antesala del último tema que cierra la cara A, Southbound Again, del que se afirma se inspiró en una historia de amor del guitarrista que salió mal, y él entonces decidió dejar su casa de Newcastle para buscar fama y fortuna en la capital. Por aquel entonces, Mark estuvo trabajando como reportero en un periódico de Leeds, donde se graduó en la universidad de dicha ciudad, y posteriormente se mudó a Londres, donde consiguió un puesto como profesor en una universidad de Loughton, Essex.
Comenzamos la cara B con uno de los grandes temas de siempre de la banda, Sultans of Swing, primer sencillo del álbum y otro de los temas grabados en aquella bendita maqueta de demostración de la banda. La canción trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo van a escuchar música y se divierten. Están ahí por la música que escuchan y no les importa la imagen que pueda tener la banda. Mark tuvo la idea de la canción a ver una actuación de una mediocre banda en un vació pub de Londres. Cuenta la historia que el guitarrista se encontraba en Ipswich y la noche era lluviosa. Entonces entró en un pub donde un grupo estaba tocando para la escasa clientela que había en el lugar. Al acabar la actuación el cantante de la banda dijo a los presentes: "buenas noches y gracias, somos los Sultanes del swing". Aquello le hizo gracia a Mark, pues obviamente aquellos muchachos, con su aspecto cansado, apariencia desaliñada y sus jerseys, no parecían ni de lejos a unos Sultanes del Swing. Mark compuso la canción en una guitarra National Steel, y en un principio le pareció aburrida, hasta que compró su primera Fender, una Stratocaster del 61, en 1977 y la tocó con esa guitarra. La canción cobró vida al instante. In the Gallery, tema que compuso como tributo a su amigo y artista de Leeds Harry Phillips, quien murió en 1976, dos años antes del lanzamiento de este disco debut. Después de graduarse en la Universidad de Leeds se mudó a Londres, y mientras estuvo allí pasó mucho tiempo en West End, como se conoce al área urbana incluida en la ciudad de Westminster. Un día visitó una galería de arte situada en Shaftesbury Avenue, y lo que allí vió no le impresionó nada en absoluto, de hecho aquel arte le pareció ridículo. Para él todo aquello era una gran estafa que estaba siendo subvencionada con dinero público, mientras artistas genuinos y de verdad como Harry Phillips pasaban completamente desapercibidos y eran ignorados. El área de West End también le sirvió para inspirarse en los dos últimos temas del disco, Wild West End, otra de las incluidas en la famosa maqueta y lugar del que disfrutaba paseando siempre con la mirada puesta en las atractivas mujeres que por allí transitaban, y Lions, inspirada en las figuras de los leones situados en Trafalgar Square, esculpidas por Sir Edward Landseer en 1868, y que son una de las grandes atracciones turísticas de la ciudad desde entonces.
El álbum Dire Straits supuso un gran debut para la banda, con un sonido donde se entremezclan rock, folk y música country, y con unas letras inteligentes e ingeniosas que ponen de manifiesto no sólo la calidad de la banda y de Mark Knpfler como guitarrista, también la gran calidad que atesoraba éste como compositor, y que iba a seguir demostrando en sus siguientes trabajos.