1055.- No Quarter - Led Zeppelin

Espesas y humeantes columnas de niebla se arrastran a lo largo de una masa de colinas verdes, envolviendo el campo en un gris cegador. Al principio no hay nada. Pero entonces, de repente, un cuerno de guerra resuena a través de las nubes turbias, un ruido tan fuerte que las briznas de hierba comienzan a temblar con la oscilación de las ondas sonoras. Poco después, estos temblores dan paso a un estruendo de la tierra mientras una estampida de soldados acorazados inunda las colinas, espadas y mazas en mano. Esta es la imagen que evocan los primeros 30 segundos de “No Quarter”, el séptimo tema de Houses of the Holy. Cuesta creer por un momento que las cosas hayan progresado de esta manera, no hace más que una canción, Led Zeppelin dejaba al oyente igualmente perplejo y divertido (sin mencionar furioso en algunos casos) con su extraña D'Yer Mak'er a ritmo de reggae. Pasar al frío paisaje previo a la batalla de “No Quarter” puede parecer un movimiento extraño después de una pista de Zeppelin tan poco característica, pero, a decir verdad, realmente no existe una forma adecuada de realizar la transición a una canción como “No Quarter”, incluso si la banda hubiera colocado un rockero a toda velocidad como “Black Dog” antes de este corte, todavía habría una inevitable sensación de presentimiento con las notas iniciales de esta canción. El poder de “No Quarter” aún no ha flaqueado 40 años después de su lanzamiento al público. Es sin duda una de las obras maestras compositivas de Zeppelin.

“Los vientos de Thor soplan fríos”, entona Plant. Como sucesor espiritual de “La batalla de Evermore” de Zoso , “No Quarter” desplaza el discurso sobre la guerra del ámbito de las referencias de JRR Tolkien a una discusión filosófica sobre la naturaleza de la violencia. Los ejércitos de esta canción “eligen el camino por donde nadie va”, la inversión que hace Plant del aforismo bíblico sobre la puerta estrecha es un movimiento extremadamente bueno y amenazador en este caso, este camino es tan misterioso como el mensaje que llevan los soldados "vestidos de acero que es brillante y verdadero", Plant insiste en que "llevan noticias que deben difundirse", pero nunca se hace explícito cuál es esta noticia, lo único que queda claro en la letra es que estos soldados, sean quienes sean, "no tendrán cuartel". Como se describe en la canción, estos soldados, también llamados “perros de la fatalidad”, son una fuerza omnipresente e implacable, una fuerza que la naturaleza nunca podría contener. El mundo de “No Quarter” es uno donde la violencia ha llegado a su punto sin retorno, un hecho reflejado en la música, en lugar de quedar atrapado en riffs brutales o arreglos febriles, Zeppelin deja que el ambiente establezca el escenario. No tiene sentido intentar luchar contra los soldados que han abandonado la rendición. Cuando concluye, se revela como uno de los momentos decisivos de Led Zeppelin como banda, incluso después de terminar su carrera con un album relativamente más débil (aunque, que se sepa: In Through the Out Door es increíble ), aun así lograron no dar cuartel en vivo, aunque estuvieran arrugados y envejecidos. “No Quarter” es emblemático de la banda que Led Zeppelin siempre ha sido: innovador, pesado y, quizás lo más importante, intransigente. A medida que el heavy metal comenzó a surgir del mismo lodo primordial que forjó el hard rock a principios de los años 70, fueron canciones como “No Quarter” las que proporcionaron un vínculo clave con la evolución del género. Los mundos del rock y el metal serían muy diferentes hoy en día si no fuera por este sonoro grito de batalla.

Filosofía barata y zapatos de goma - #mesCharlyGarcia

Pocos artistas han tenido tanta influencia en el rock nacional argentino como Charly García, un artista tan irreverente como pionero, características que vuelca a raudales en "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), una de las obras maestras de su amplia discografía. A lo largo del álbum, Charly García despliega generosamente su atrevida genialidad con las letras y su gusto por la fusión de géneros musicales a priori tan alejados como el tango y el rock, entre muchos otros.

El disco abre con "Demoliendo Hoteles", un enérgico y visceral tema de estridentes teclados y crudas guitarras, con el que el excéntrico músico argentino da una genial muestra del caos multicolor que va a desplegar a lo largo del disco. La fiesta lírica y sonora continua sin descanso en "Filosofía Barata y Zapatos de Goma", la canción que da nombre al álbum, en la que Charly García critica abierta y sarcásticamente los ridículos mensajes que a menudo inundan los medios de comunicación, incitándonos al consumismo material más salvaje y absurdo. A través de ácidas metáforas, el músico se despacha en una crítica social afilada y contundente

"Ojos de Video Tape" aborda terrenos mucho más introspectivos, y en ese tránsito la música se vuelve también más profunda y rica en instrumentación y atmósferas, en un canto a la pérdida de la inocencia y la transformación que lleva a la madurez personal, salpicado de guiños cinematográficos y referencias a la cultura pop popular. Un tema así contrasta con temas como "El Aguante", con un tono completamente diferente y un ritmo enérgico y pegadizo que invita al baile, y que incorpora elementos más cercanos a la cumbia y la música tropical que al rock. La letra pone la guinda de este desenfadado y divertido tema, describiendo "El aguante" que hay que tener ante las diferentes adversidades y desafíos que podemos encontrarnos a lo largo de la vida.

"Viernes 3 AM" es una nueva vuelta a los temas de profunda sensibilidad lírica, un tema de suave cadencia con el que García se decanta, en esta ocasión, por los ambientes claroscuros y la melancolía y la soledad que acompañan normalmente a esa hora de la madrugada. La profundidad del piano y de la voz de García, acompañados por una suave guitarra, nos sumergen a la perfección en la atmósfera taciturna de esta emotiva canción. Poco dura la calma y la tristeza, porque en "No Me Dejan Salir" el sarcasmo y la ironía vuelven a desbordarse sin remedio. La canción recupera el tono enérgico de canciones anteriores, siguiendo la marcada línea synth-pop que tan popular fue en los noventa.

"Total Interferencia" quizá sea, musicalmente hablando, una de las canciones más atrevidas y experimental, marcada por la vibrante percusión y la omnipresente guitarra eléctrica, mientras que con "Mr. Jones" es la destreza lírica la que vuelve a ponerse en primer plano, con letras que reflexionan sobre la búsqueda de la propia identidad, sobre una capa musical de rock de toda la vida. Un tema clásico que precede al cierre del disco, "Me Volví a Enamorar", una vuelta a la emotividad y la profundidad, con una balada aparentemente sencilla que, lejos de perjudicarla, la convierte en una pieza directa y sincera, con la que cerrar el caótico y brillante rompecabezas de "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" en todo lo alto y con todas las esperanzas renovadas en el éxito de la búsqueda del amor.

Para tratarse aparentemente de un mero tratado de "Filosofía barata", hecho de materiales tan poco valorados como los que se emplean en hacer unos poco glamourosos "zapatos de goma", este disco es uno de los más valorados del rock nacional argentino, y ha sido una clara influencia para muchos músicos argentinos, que quizá encontraron en este puñado de grandes canciones "El aguante" y la energía necesarias para no desfallecer y seguir "demoliendo hoteles" y haciendo kilómetros en una furgoneta, para intentar ver cumplido el cada vez más lejano y utópico sueño de poder vivir haciendo rock and roll.

1054 - David Bowie - Lady grinning soul

1055 - David Bowie - Lady grinning soul

"Lady Grinning Soul" es una canción de la legendaria figura musical David Bowie, lanzada en su álbum "Aladdin Sane" en 1973. Esta canción a menudo se pasa por alto en la vasta discografía de David Bowie, pero posee una belleza melódica que merece ser apreciada.

La canción se destaca por su composición única y evocadora. Su inicio suave y misterioso, con un piano melódico y sensual, establece un tono que es inmediatamente cautivador. La voz de David Bowie es suave y emotiva, llevando a los oyentes a un viaje introspectivo. La letra, aunque enigmática, parece hablar de la fascinación por una mujer enigmática, con versos que exudan un aura de misterio y deseo.

La instrumentación de la canción es exquisita. El piano de Mike Garson es el corazón de la melodía, creando una atmósfera de elegancia y sofisticación. La guitarra de Mick Ronson aporta matices adicionales, y la sección rítmica proporciona un pulso constante que impulsa la canción hacia adelante. La fusión de estos elementos musicales crea una sinergia emocional que es inconfundiblemente David Bowie.

"Aladdin Sane" en su conjunto fue un álbum que exploró la dualidad y la transformación, y "Lady Grinning Soul" no es una excepción. La canción representa una amalgama de lo mundano y lo esotérico, creando una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio.

En resumen, "Lady Grinning Soul" es una joya subestimada en el vasto catálogo de David Bowie. Su cautivante melodía, letras misteriosas y ejecución magistral la convierten en una muestra del talento artístico de David Bowie. Esta canción es un recordatorio de que su influencia en la música va mucho más allá de su reconocimiento y que su capacidad para crear música atemporal es innegable.

Daniel

Instagram Storyboy

1053.- D'yer Mak'er - Led Zeppelin

"D'yer Mak'er" es una de las canciones más eclécticas y sorprendentes de "Houses of the Holy" (1973), meritorio disco de Led Zeppelin que ha vivido un poco a la sombra de sus discos más reconocidos (los que sacaron numerados como "I", "II", "III" y especialmente el que todos conocemos como "IV" aunque no tuviera un título claro y definido), pero que encierra joyas de la talla de esta canción, un brillante ejemplo de la amplia paleta de registros de la banda, que aquí se atrevió a fusionar los elementos más distintivos del reggae y del rock, logrando un sonido experimental y sorprendente.

El tono general de "D'yer Mak'er" es relajado, pero la canción te atrapa inmediatamente con el contagioso ritmo reggae de la guitarra de Jimmy Page y el brillante trabajo de John Bonham con la batería, tejiendo entre ambos la base para un viaje sonoro de lo más inesperado, que bien podría definirse como la canción más sorprendente del repertorio de Led Zeppelin.

La letra de la canción juega con la pronunciación de la frase "Did you make her" ("¿La hiciste?"), llevando al extremo la contracción de las palabras ("D'yer Mak'er"), y la voz de Robert Plant se adapta sorprendentemente bien a un ritmo reggae en las antípodas de los registros normales de la banda, más cercanos habitualmente al hard rock y al blues rock. El valor de lanzarse a este tipo de experimentación, y la agradable sorpresa que supone el resultado, hacen de "D'yer Mak'er" una pieza de culto y un ejemplo de audacia musical que merece, por derecho propio, un puesto entre los mejores temas de los Zeppelin.

1052.- The Rain Song - Led Zeppelin

"The Rain Song" es una de las gemas más brillantes del disco "Houses of the Holy" lanzado por Led Zeppelin en 1973. Escrita por el guitarrista Jimmy Page y el vocalista Robert Plant, "The Rain Song" es un torrente de belleza melódica que comienza con unos brillantes acordes acústicos de la mano de la guitarra de Page, que construye el delicado lienzo musical sobre el que la voz de Plant va llenando de color esta famosa canción sobre la lluvia, en realidad una metáfora sobre la complejidad de los sentimientos.

La poética y reflexiva letra profundiza sobre la búsqueda del amor, como método de supervivencia ante las tormentas emocionales de la vida, en una canción en la que la lluvia, en muchas ocasiones asociada con la melancolía y la tristeza, es por el contrario un símbolo de liberación y de crecimiento personal y emocional. Esa evolución y crecimiento se traslada también a la estructura melódica de la canción, que va creciendo en intensidad conforme va avanzando hacia su clímax, con la incorporación gradual de los teclados y de las diferentes capas de guitarra eléctrica.

La producción de la canción es detallista y exquisita, permitiendo que cada instrumento tenga su espacio y encaje a la perfección con el resto, solapándose y entrelazándose en una mezcla brillante y armoniosa que, a día de hoy, sigue sonando con la misma intensidad y fuerza que en el momento de su publicación, y que es un fiel testimonio del virtuosismo y el cuidado que Led Zeppelin puso en la construcción de cada una de las piezas de su intensa discografía.

1051.- De alguna manera - Luis Eduardo Aute

Hijo de Amparo Gutiérrez-Répide, filipina de ascendencia española, y Gumersindo Aute Junquera, español que trabajaba allí en una compañía tabaquera. Cuando tenía ocho años se trasladó junto a su familia a España. Primero vivió en Barcelona, pero a los pocos meses se asentó en Madrid, donde residió desde entonces. Muy influenciado por las composiciones de Georges Brassens y Jacques Brel, como asimismo del norteamericano Bob Dylan, a su vuelta a España, mediada la década de los sesenta, comenzó a componer sus propias baladas, con letras que pueden juzgarse como surrealistas. En principio no se atrevía a cantarlas y cedió algunas, como “Rosas en el mar” y “Aleluya número 1”, que grabó Massiel. Esta última terminó también por cantarla él mismo (el norteamericano Ed Ames hizo una versión que alcanzó el puesto número siete en las listas de éxitos en los Estados Unidos) junto a otras como “Don Ramón”, “Made in Spain” y “Rojo sobre negro”, con las que inició su propia discografía de cantautor, contratado por la RCA española, en 1967. En los años siguientes, aún no muy convencido de su futuro como cantante, compuso para Mari Trini y Patxi Andión, entre otros artistas, considerados también cantautores, que empezaban su prometedora carrera. Ya en la década de los setenta fue cuando su casa de discos, algunos amigos y críticos lo alentaron para que se dedicara en pleno a actuar. Con el apoyo del grupo Suburbano continuó, ya en los años ochenta, una fructífera etapa que, aun con los inevitables altibajos en la vida de todo creador, se mantenía en los primeros años del nuevo siglo, tras cuatro decenios como autor.

Rito (Canciones de amor y muerte) es el tercer álbum de estudio del cantautor español Luis Eduardo Aute. Contiene algunas de las composiciones  más famosas de su repertorio, que con el tiempo Aute ha ido reversionado tanto en discos en vivo como de estudio. Fue publicado en 1973 por el sello Ariola (82.189-I). Con él da inicio a la trilogía “Canciones de amor y muerte”, que incluye además los discos Espuma (Canciones eróticas, 1974) y Sarcófago (Canciones de muerte, 1976). Todos los temas pertenecen en letra y música a Luis Eduardo Aute. Arreglos y dirección musical de Carlos Montero.

Con “De alguna manera” en dos minutos, la poesía guía a la música. Es algo muy extraño, son las palabras las que te conducen hacia el siguiente acorde sin que te des cuenta, una vez que juntas las sílabas todo fluye de un modo casi mágico. "De alguna manera" de Luis Eduardo Aute es una canción de amor sincera y melancólica que explora los temas del anhelo, la pérdida y la dificultad de seguir adelante después de una relación pasada. La canción describe la lucha del cantante por olvidar y dejar ir a su antiguo amante. La imaginería utilizada en las letras también intensifica las emociones expresadas en la canción, la mención de las noches y el intento de besar el aire significa el anhelo y la desesperación por la intimidad y el deseo de recrear el pasado. En general, "De alguna manera" refleja la complejidad de las emociones que acompañan el dejar ir y el difícil proceso de curación después de una ruptura. La canción captura el sentido de anhelo, arrepentimiento y eventual aceptación que se experimenta con frecuencia en estas situaciones. Este tema había conocido muy poco tiempo antes una gran interpretación y un notable éxito en la voz de Rosa León. Aute no quiso sacarla en single para no entorpecer o establecer comparaciones con Rosa, pero la incluye plena de sentimiento en este LP.

Disco de la semana 353: Mezzanine - Massive Attack

Mezzanine es una obra maestra grotescamente hermosa. Un álbum tan empapado de decadencia urbana, estética noir y una atmósfera sucia te hace sentir sucio e insignificante mientras lo escuchas. Pero dentro de ese disgusto e insignificancia se encuentra el disfrute y algunas bellezas ocultas dentro del paisaje sonoro distópico que crea Massive Attack. Sintetizadores, samples y guitarras vibrantes y vibrantes se disparan en lo profundo de la mezcla mientras ritmos boom-bap y downtempo avanzan hacia una ciudad ciberpunk plagada de pobreza, crimen y corrupción. Poblado por gente de mala vida, delincuentes, adictos, matones, prostitutas, trabajadores apáticos y sus jefes hambrientos de poder. Los bajos, tremendamente gruesos y carnosos, realzan todo lo demás y le dan al álbum un toque amenazador. A partir de todo esto se crea una especie de ambiente y, hombre, es jodidamente embriagador escucharlo.

Angel es una forma de iniciar el disco de forma monstruosa, 6 minutos que entra en juego con un fondo zumbido y algunos sonidos que suenan como si hubieran sido sacados directamente de una película de terror. El canto comienza después de aproximadamente un minuto y puede sonar reconfortante en el ambiente oscuro, pero el fondo simplemente continúa. El cambio de velocidad progresivo cerca de la mitad de la pista agrega suspenso mientras esperas que se produzca la resolución. La línea de bajo es genial y la voz de Horace Andy no podría encajar mejor. En esta pista también se utilizan algunas muestras de batería realmente interesantes. Angel es fácilmente una de las pistas más pesadas de este álbum y crea un gran ambiente para todo lo que está por venir. Los sonidos espeluznantes siguen llegando en la siguiente pista, Risingson, al principio aparece cierta semejanza con un aullido y las voces se activan temprano, de hecho, las voces se ejecutan en esta pista, con algunos sonidos de sintetizador interesantes detrás de ellas. El ritmo suave es, por supuesto, como el de la mayoría de los otros temas de Massive Attack y no decepciona, esta pista es mucho más relajada que Angel y suena mucho más a trip hop tradicional, tengo una debilidad por el scratching, del cual esta pista tiene algunos fragmentos aquí y allá. Definitivamente establece un tono urbano oscuro muy agradable. 

Probablemente una de las pistas de Massive Attack más populares y reconocibles viene a continuación, Teardrop, es un buen cambio de ritmo con respecto a las dos pistas anteriores que eran sumamente oscuras, el ritmo se siente más ligero, uno de los pocos temas que no invoca directamente la oscuridad, esto es aún más claro cuando el piano entra en acción y la melodía es impresionante. Elizabeth Fraser canta esta canción y su voz es simplemente maravillosa. Su apariencia por sí sola hace de esta canción una de las mejores de este álbum. La producción limpia de la que hablaba también brilla aquí, este álbum es definitivamente lo opuesto a lo crudo. Inertia Creeps contrasta fuertemente con la pista anterior. El principio suena bastante inocente, pero todo se vuelve progresivamente más oscuro con bastante rapidez, los tambores que suenan ritualmente combinados con los sintetizadores y el canto susurrante más oscuro hacen que el ambiente se sienta casi claustrofóbico. También siento que debo señalar que esta canción dura casi 6 minutos, lo cual es un poco largo para una pista tan redundante como esta. No es una canción terrible, ni tampoco la mejor. Todo comienza a apagarse nuevamente con la introducción de Exchange, una pista muy lenta y relajada que utiliza muchos instrumentos y sonidos diferentes, es un buen cambio de ritmo dado el contexto del álbum, pero no es una canción que personalmente disfrute demasiado. Sin embargo, marca una disminución notable en la oscuridad del álbum, y las pistas que le siguen tienden a sentirse más suavizadas, en su mayor parte. Un pequeño y agradable interludio instrumental.

Dissolved Girl no es tan oscuro como algunas de sus pistas predecesoras, pero tampoco es lo que llamaríamos relajante, es una buena pista intermedia que aporta algunos sonidos nuevos y hace un buen uso de la guitarra y la transición entre sonidos, una pista muy tranquila en la que puedes simplemente sentarte y disfrutar del viaje. Los fragmentos de guitarra incluidos son los mejores que encuentra en este álbum, es indescriptible lo bien que encajan, todo encaja como un rompecabezas. Y me deja boquiabierto después de cada escucha. El estado de ánimo y la atmósfera que transmite esta pista no tienen comparación, es perfecto. Después de un gran tema, en mi opinión, llega un tema bastante decepcionante. Man Next Door tiene un ritmo bastante poco interesante (en comparación con los demás) y algunas voces demasiado repetitivas además. No creo que encaje bien en el álbum, dado el contexto de las otras canciones. Sin embargo, encuentro que Black Milk es una canción absolutamente hermosa, es, con diferencia, la canción más relajante del álbum y la melodía es preciosa, el piano y las campanas actúan como un gran tono para el ritmo bastante simple del fondo y todo armoniza muy bien, tiene un ritmo muy sólido y también aparecen algunas voces femeninas realmente etéreas le dan a la pista un carácter extra. Probablemente también sea una de las canciones más edificantes. 

La antepenúltima pista es la versión, Mezzanine , y es la última de las pistas verdaderamente oscuras del álbum. Una vez más, Massive Attack usa un ritmo simple pero le saca mucho provecho. Los zumbidos, las voces oscuras y el eco de la batería, junto con el subgrave, hacen que esta pista se sienta sucia y espeluznante. Los sonidos se vuelven más frecuentes a medida que avanza la pista y comienzan a combinarse en algo verdaderamente sexy. También vale la pena mencionar que Daddy G podría tener una de mis voces favoritas en este álbum. Da tanto miedo que al principio me desconcertó un poco. Esta pista termina volviéndose bastante caótica cuando termina, con todo tipo de sonidos sucios. El álbum llega a su fin con una pista bastante larga de 8 minutos, Group Four, sin embargo, esta pista hace un buen trabajo al mantenerte entretenido en todo momento. El ritmo es suave y por primera vez se mezclan voces femeninas y masculinas en la misma canción. La pista se mantiene aproximadamente al mismo ritmo hasta que comienza a ocurrir un gran cambio alrededor de los 5 minutos. Aproximadamente 5 minutos después, la pista te toma por sorpresa y te da pistas de esta increíble muestra de Pink Floyd que complica mucho las cosas. Es un gran tema y probablemente el más representativo de lo que es Mezzanine. El ritmo nunca disminuye y se vuelve progresivamente más rápido hasta llegar a su fin en los últimos 30 segundos aproximadamente. Pero espera, ¿cuál es este último track? Suena muy familiar... y (Intercambio) ha hecho una devolución. La única diferencia es que se han añadido algunas letras repetitivas; todo lo demás sigue igual que antes. Encuentro esta canción completamente innecesaria y siento que el álbum habría sido mucho mejor si hubiera terminado con el gigantesco Grupo Cuatro. 

Mezzanine de Massive Attack es un álbum de trip-hop simplemente impresionante creado por los propios creadores del género. Es lo mejor de todos sus esfuerzos y será difícil superarlo. Este es uno de los mejores álbumes que existen, no sólo del trip-hop, sino de la música en general. Si necesita cumplir una fantasía oscura pero aún así mantenerse al tanto de la realidad con un alivio refrescante, no busque más que Mezzanine.

1050.- Over the Hills and Far Away - Led Zeppelin

 

Over the Hills and Far Away, Led Zeppelin

     Houses of the Holy es el quinto álbum de estudio de la banda británica Led Zeppelin. Fue el primero en romper con la tradición del grupo de tener en el título el nombre del grupo. Fue grabado entre enero y agosto de 1972 en el estudio móvil del los Rolling Stones, y en los Olympic Studios de Londres y los Lady Studios de Nueva York. Contó con la producción del guitarrista de la banda Jimmy Page, y fue publicado por el sello discográfico Atlantic Records en 28 de marzo de 1973. Este disco marcó un cierto distanciamiento con la corriente blusera del grupo de sus anteriores trabajos, apostando por otros estilos como el reggae o el funk. De la mezcla del álbum se encargó en productor Eddie Kramer. La recepción, por parte de la crítica, del álbum en un principio fue bastante moderada, aunque posteriormente ha sido aclamado e incluido en carias listas de los mejores álbumes de la historia del rock. Comercialmente si fue un éxito desde el principio, llegando al puesto número 1 en países como Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y Australia, además de muy buenas cifras en el resto de Europa y en Japón. 

Incluido en este disco se encuentra el tema Over the Hills and Far Away, compuesta inicialmente por Jimmy Page durante su estancia en la cabaña de Bron-Yr-Aur en Gales en el año 1970. Durante la introducción podemos escuchar una suave guitarra acústica de seis cuerdas tocada por page, que luego se entrelaza con el sonido de una guitarra de doce cuerdas, y seguidamente irrumpe la voz de Plant seguida del bajo de John Paul Jones y la batería de John Bonham, que siguen el ritmo de la canción ya a todo ritmo. La canción se llamó en un primer momento Many Many Times como muy bien aparece acreditado en la web de la banda, y evolucionó a partir de la canción White Summer de The Yairdbirds. Para la música, Jimmy Page se inspiró en su ascendencia celta, y a Robert Plant se le ocurrieron pistas de acompañamiento y luego las letras. Para dichas letras, Plant se inspiró en el libro de J.R.R. Tolkien El Hobbit y en el poema también de Tolkien Over Old Hills and Far Away, donde se describen las aventuras que emprenden los Hobbits. Esta canción también fue una de las pocas que el grupo editó como sencillo en Estados Unidos.

1049.- Ol' 55 - Tom Waits

Norteamérica, principios de los 70, la revolución musical se hace evidente y comienza a fraguarse la idea de convertir este género en el gran negocio del siglo, la industria se agiganta, el rock se magnifica, y la explosión de egos obliga a escenarios cada vez más grandilocuentes; el marketing allana el camino y detalles como la iluminación o el vestuario pasan a convertirse en conceptos clave. La música se viste de diversión y el sector muestra su cara más amable, es, para muchos, el momento de brillar. Mientras, al otro lado de los focos, alguien se detiene para echar la vista atrás: suburbios, jazz, madrugada… y una voz: Tom Waits. El canto de la otra América. Pesimismo, sueldos bajos, y grandes dosis de alcohol; baladas de crímenes y relatos de miseria cotidiana. Alejado del glamur y las grandes giras Waits retrata lo que nadie quiere ver, y en lo más profundo del lado oscuro del sueño americano, su discurso se vuelve a un tiempo incómodo y necesario.

Para hacer esta reseña puedo hablar simplemente de la voz de Tom en esta canción. .. ¡Excelente! Quiero decir, el estilo grave se convirtió en su forma de cantar, pero aquí encontramos un buena voz emotiva y limpia, nunca por encima del rango medio, pero aún así, su timbre seguía siendo único. Podría haber tenido una carrera profesional perfecta con este estilo vocal, una de las muchas melódicas pop agridulces de Closing Time marca un estilo que le podia haber perpetuado, me resulta extraño que no lamente su rápido cambio de voz después de los primeros álbumes, tal vez porque ya alcanzó el potencial de ese estilo vocal inicial en su increíble debut titulado Closing Times. Nos adentramos en Ol'55, una preciosa historia de amor, el relato de alguien que conduce mientras recuerda las horas que acaba de pasar junto a la persona a la que ama, tal vez muchos conozcáis esta canción gracias a Eagles, quienes la incluyeron en su tercer álbum de estudio («On the Border», 1974), una versión que nunca fue del agrado de su autor. La melodía, la letra (melancólica, anhelante, poéticas, pero nunca exagerada), el ritmo relajado, todo se junta en una de las composiciones más hermosas que he escuchado. Es terrenal, impulsado por un ritmo lento de piano rock (o jazz) y suaves armonías vocales que construyen un coro profundamente arraigado alrededor de la voz de Tom (su interpretación es maravillosa, muy lejos del gruñido teatralmente oscuro que había escuchado en Swordfishtrombones). La letra logra un equilibrio increíble entre la poética dylanesca ("feelin' so saint") y una narración honesta en un taburete de bar a la Springsteen ("autos y camiones de la autopista"), y deja una imagen poderosa en mi mente incluso con muy poco escenario concreto. La música americana rara vez es tan escasa y al mismo tiempo tan poderosa, con pequeños efectos folk que entran y salen de los arreglos y con un coro profundamente pegadizo que nunca se permite ser simple (una evasión que reside enteramente en la interpretación, como lo demuestra la versión de los Eagles que no logra replicar la cadencia de Tom o la energía de su banda). Ol' 55 es una obra maestra llena de humo, una de esas raras canciones que te cambia desde la primera vez que la escuchas. Tom Waits podría haber terminado su carrera aquí mismo, en su sencillo debut, el que abre su primer álbum, y aún ser recordado durante lo que nos quede de vida. El debut de Waits contiene la mayor parte de las semillas de lo que estaba por venir con esta mezcla maravillosa de soul, jazz, country y fragmentos de folk e instrumentación cruda, existen discos igual de buenos que «Closing Time» (1973) de Tom Waits, pero no mejores…

Charly García - Cómo conseguir chicas (Mes Charly García)

 

En 1989, Charly García presentó al mundo Cómo conseguir chicas, su quinto álbum de estudio. El álbum fue hecho a partir de canciones sueltas que no habían encontrado destino fijo o que habían sido concebidas para Sui Generis o La Máquina de Hacer Pájaros. Considerado por la crítica como una nota al pie en la discografía del músico argentino, se supo ganar un lugar en el podio de las rarezas y los lugares de culto. Los fanáticos lo celebran por lo que es: una joya extraña que, desde su sugerente tapa, seduce y desconcierta. El rol central de la mujer se puede ver en la tapa del disco: una joven con el pelo largo que mira fijo al espectador. Sus ojos celestes se vuelven joyas hipnóticas que reclaman atención, mientras sus labios rojos se pierden entre pétalos naranjas y amarillos. Hay un arreglo floral que compite por la atención en la foto, pero la mujer pareciera ser la única flor que importa. Ella podría ser la protagonista de una pintura del Renacimiento, pero también se asemeja a una modelo de alguna publicidad de cosméticos o perfumes. La imagen, entre el misterio y la ironía, coquetea con la idea de vender algo: cómo conseguir chicas, primera misión para los hombres del rock and roll. Tanto los carteles de calle que anunciaba la gira de conciertos como el tour book de la gira 89 mostraba a los músicos de la banda de Charly vestidos, maquillados y peinados como mujeres al lado de una Hilda Lizarazu impecable que vestía la misma ropa y un Charly al frente luciendo chaleco primaveral y camisa blanca ostentando un ramo de flores en las manos. Las fotos fueron hechas por Alejandro Kuropatwa. Un hito que se hizo realidad en esta gira fue su presentación en el Ritz de New York el 18 de marzo de 1990.

El álbum comienza con “No toquen” una estampida de canción, los ruegos desaforados de Charly son marcados por los parches de Samalea y el solo de guitarra hipnótico que imprime su autor, un tema casi power para hacernos olvidar del (excelente) Pop del disco anterior, ya tenemos servido un gran inicio de disco. El tema refleja la importancia de la individualidad, la protección de pertenencias y los límites personales, y la resistencia a la influencia o intrusión externa, refleja el deseo de Charly García de mantener el control sobre su expresión artística y su espacio personal. Sigue “Zoca Cola” con aires de bossa nova que envuelve la dulce melodía de los teclados, uno en especial que lleva el ritmo de todo el tema, y la categoría de Charly aportando los elegantes acordes desde su guitarra acústica, el repetido instrumental del final agrega una sensación de melancolía e introspección y captura las emociones conmovedoras del anhelo, las oportunidades perdidas y la naturaleza agridulce del amor no correspondido. El Re Menor arrastrado presenta “Fanky”, un clásico de Charly y uno de los riffs más reconocibles del Rock Argentino, parece celebrar la idea de disfrutar la vida y no dejar que la negatividad y la duda se interpongan en el camino. El coro enfatiza este sentimiento al afirmar: "No voy a parar, no tengo dudas / No voy a descender, déjalo subir". Esto puede interpretarse como un mantra para perseverar y prosperar sin importar los obstáculos. El violín de L. Shankar nos abre la puerta de la misteriosa, algo tensa y finalmente dulce “No me verás en el subte”, mucha presencia de teclados y aires orientales para una gran composición en forma de suite. Una historia divertida y disparatada nos propone “Ella es bailarina” con el protagonismo de una bailarina, un maestro, un policía y un sacerdote. Charly y Samalea se hacen cargo de todo lo que se escucha. Palmas, coros y un solo con sonido de saxo un canción de la época de "La máquina de hacer pájaros" nos sirve un rock acelerado pero inofensivo, con aires festivos cierra el lado uno del disco

 

El lado 2 abre con “Anhedonia”, con clima inicial de playa nos transporta a un lugar que Charly va describiendo con figuras y sensaciones. Empieza con una batería programada y promediando el tercer minuto arremete con todo la batería de Mario Serra llevando la melodía a un clima más espeso y fuerte.  “Suicida” es un tema bastante Pop de Charly pero esta vez no logra atraparme, es simplemente aceptable se nota bastante que es un descarte de otro álbum, canción de medio tiempo con tono alegre y ligero aire de samba brasilera que acompaña la denuncia urbana de la letra. “Fantasy” es extremadamente Pop pero sin perder la dignidad y que sea pop no signignifica que sea mala, al revés es bastante buena, enorme solo de Garcia López tocando las notas justas con  impecable calidad. Conmovedores teclados que marcan el in crescendo de esta obra respaldada por los arreglos clásicos, corales y el compás de Fernando Samalea. “A punto de caer” (la única canción del disco en la que Charly comparte autoría) tiene una cadencia al estilo de Zoca Cola. Resaltan el bajo de Lupano y las guitarras acústicas de Charly. Dan ganas de escuchar un poco más del solo de guitarra aportado por el ex Manal y La Pesada Claudio Gabis.

 

Un disco hecho con sobras de otros discos, se nota bastante. Es el disco ochentoso de Charly que menos canciones memorables tiene, pero tiene un gran plus que lo salva de ser malo: la producción. La batería suena excelente, el bajo esta vivo y la voz esta muy bien mezclada. Siempre es un buen momento para volver a prestarle atención y redescubrir esta perla marca Garcia.

1048.- Apache - The Incredible Bongo Band

The Incredible bongo Band fue un proyecto creado por el ejecutivo de MGM Michael Viener y creado íntegramente por músicos de sesión que buscaban tocar en su tiempo libre. El conjunto lanzó 2 álbumes en su breve existencia antes de caer en las grietas del rock de los 70. La historia de la banda es muy corta, fue creada en 1972 por Michael Viner, el productor y ejecutivo de la MGM Records. En aquellos años Michael era productor de Pride, un subsello de la MGM. Mientras se rodaba la película El monstruo de dos cabezas, Viner, reunió a algunos músicos para grabar dos temas que serían la banda sonora, “Bongo Rock” y “Bongolia”, estos temas fueron grabados en un LP y después a un disco completo ya que tuvieron una fama que no esperaban.

La grabación de "Apache" de 1973 de The Incredible Bongo Band se ha convertido en la versión más famosa de la canción, pero no fue la primera. La melodía fue compuesta por Jerry Lordan y lanzada inicialmente por el grupo británico The Shadows en 1960. En su concepción original, la melodía era un instrumental de rock melancólico, obviamente destinado a evocar, como sugiere el título, el paisaje abierto del oeste americano, centrado en una guitarra solista vibrante y reverberante, el sonido escaso de la canción anticipó las famosas bandas sonoras de spaghetti western de Ennio Morricone de finales de la década. La grabación de The Shadows ascendió a la cima de la lista de singles del Reino Unido, donde permaneció durante cinco semanas. Como era de esperar, dado el éxito inmediato de la canción como característica de guitarra, siguieron varias versiones: de Bert Weedon, Jorgen Ingmann (un músico de jazz danés, cuya interpretación llegó al número 2 en los EE. UU. en el Billbaord Hot 100), The Ventures y Davie Allen y The Arrows. En la versión de The Arrows, la sensación de la canción se había transformado, de un polvoriento instrumental occidental a un estridente escaparate de guitarra surf. Puede ser difícil imaginar que una canción que no fue lanzada como uno de los sencillos de su álbum y que no logró ubicarse en el Hot 100 se convierta en una de las más influyentes en la música popular estadounidense, la grabación de Michael Viner de "Apache" con el Incredible Bongo Band ciertamente cumple esa premisa. Es parte integral de la arquitectura inicial del hip-hop formando parte de un disco que DJ Kool Herc, uno de los padres fundadores del género, que tocaba con frecuencia en sus fiestas de barrio de mediados de los 70 en el Bronx, un corte versionado por innumerables artistas con su memorable pausa de batería extendida puede ser una de las texturas sonoras más escuchadas que pocas personas pueden identificar por su nombre. No es de extrañar, entonces, por qué el periodista Will Hermes, citando a Herc, proclamó el corte "el himno nacional del hip-hip" en un artículo del New York Times de 2006 que conmemoraba la reedición del disco.

1047.- In Every Dream Home a Heartache - Roxy Music

 

In Every Dream Home a Heartache, Roxy Music

     For Your Pleasure es el segundo álbum de estudio del grupo de rock inglés Roxy Music. Este disco fue el último que contó con la colaboración del sintetizador del especialista de sonido Brian Eno. Fue grabado durante el mes de febrero de 1973 en los AIR Studios de Londres, fue producido por Chris Thomas, John Anthony y el propio grupo, y publicado el 23 de marzo de 1973 por los sellos discográficos Island Records y Warner Bros. Records.

El grupo pudo pasar más tiempo trabajando en el estudio, y eso se traduce en un potente material de canciones de Bryan Ferry combinado con una producción más elaborada, como es el caso de la canción que nos ocupa, In Every Home a Heartache, escrita por Bryan Ferry. En esta canción, Ferry le canta a su fantástico amante, que resulta ser un muñeco hinchable, el cual flotará muy bien en su nueva piscina de la nueva casa señorial que acaba de comprar. Estamos ante un siniestro monólogo, el cual resulta ser una crítica de la opulencia y la abundancia. En el LP original la canción era la última de la cara A y parecía desvanecerse en el ritmo final para finalmente volver a sonar. Esta canción se convirtió en una de las más icónicas y populares del catáolgo de Roxy Music, y según el propio Bryan Ferry, se inspiró en el collage del artista bvritánico Richard Hamilton llamado "Just what is it that today's homes so different, so appealing?" (Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes y tan atractivos?), creado en 1956. Este collage está considerado como una de las primeras obras del arte pop. Bryan Ferry recibió clases de bellas artes en la Universidad de Newcastle de la mano de Richard Hamilton, y este artista llegó a definir al propio Bryan Ferry como su "mayor creación".

Charly García - Piano Bar (Mes Charly García)

Piano bar, Charly García

     Piano Bar es un álbum icónico en la carrera del músico argentino Charly García, uno de los músicos más influyentes en la historia del rock en español. Con este disco, Charly marcó un punto de inflexión en su carrera y en la música latina en general. Es su tercer álbum de estudio en solitario, grabado en los estudios ION de Buenos Aires y mezclado en los Lady Studios de Nueva York durante 1984. Contó con la producción de Joe Blaney y de Charly García, y fue publicado el 22 de septiembre de 1984 por el sello discográfico Universal Music Group. La revista Rolling Stone llegó a colocar este disco en el puesto número 12 de su lista de los mejores discos del rock argentino, lo que nos da una idea de su impacto.

En 1984, Charly García ya se había forjado una solida carrera como músico y compositor, tanto en solitario como en bandas como Sui Generis y Serú Girán. En Piano Bar apostó por un enfoque más introspectivo y maduro, hecho que marcó un cambio en su estilo musical, alejándose del rock más convencional y acercándose a sonidos más experimentales y unas letras más poéticas. 

Estamos ante un disco que se mueve entre el pop rock y el new wave, y que tiene además una marcada influencia de la música clásica con el piano como protagonista principal del álbum, ya que se convierte en el eje principal en muchas de las canciones. Charly, a través del piano nos hará disfrutar de un disco donde fusiona elementos del rock, con el new wave, la música clásica o el jazz, creando un sonido único y distintivo. La letras también son muy destacables, pues el artista decidió explorar temas tan profundos como la soledad, la alienación o la nostalgia. Eso sí, estas letras a menudo son enigmáticas y poéticas, lo que dejará espacio a que hagamos nuestras propias interpretaciones. Estamos ante un estilo lírico que consiguió atraer a una audiencia más madura y crítica.

Todo esto podremos disfrutarlo en temas como Demoliendo hoteles, compuesta e interpretada enteramente por Charly García. Una canción que fue catalogada por la revista Rolling Stone y la MTV en el puesto número 16 de las mejores canciones de la historia del rock argentino. Charly escribió la canción dentro del marco político de la caída de la dictadura militar en Argentina (1976 - 1983). La democracia se había instalado el 10 de diciembre de 193 bajo la presidencia de Raul Alfonsín, pero dicha presidencia parecía débil y amenazada por las injusticias militares y sociales exacerbadas durante la dictadura. Sobre esta situación y escenario político en su país, escribió la canción Charly; Promesas sobre el bidet, otra de las canciones más destacadas de la obra de Charly. El músico se dirige a otra persona pidiéndole que "por favor, no haga promesas sobre el bidet", que "no le abra más los sobres y que no beba más y que no llore". Charly comentaba en una entrevista como se originó la letra de la canción. En aquel momento estaba viviendo las secuelas del famoso escándalo que protagonizó durante un recital en Córdoba (Argentina), al haberse bajado los pantalones y mostrar sus genitales, por lo que tenía abierto un proceso judicial. Cuando se realizó la entrevista, para el reportaje había que sacar unas fotos, y Charly decidió quitarse la ropa y realizar toda la sesión fotográfica desnudo. Al llegar a la redacción, el director y propietario de la editorial de la revista, decidió publicar una de las fotos, en la que Charly estaba desnudo sentado en el inodoro. El músico posteriormente se arrepintió e intentó frenar la publicación, fruto de su preocupación de como podía afectar esto a su procedimiento judicial ya abierto. No consiguió frenar su publicación. Charly escribió esta canción partiendo de esta anécdota; No se va a llamar mi amor, canción que se caracteriza por el inicio con una guitarra acústica saturada que da paso a un grito de Charly. El músico escribió la canción en el momento que caía la
última dictadura militar en Argentina (1076 - 1983).

Luis Alberto Spinetta y Charly García

A esta situación se refiere la letra de la canción. La canción inicialmente se iba a llamar "Mi amor", pero en esa época la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (Sadaic) no permitía que existieran dos canciones con el mismo título, por lo que finalmente se llamó "No se va a llamar mi amor"; o Total interferencia, escrita por Charly García junto a otro de los grandes referentes de la música argentina, Luis Alberto Spinetta. En el verano de 1984 Charly alquiló una propiedad en Buenos Aires por la que pasaron numerosos artistas a visitarlo. Uno de ellos fue Spinetta, con quien Charly mantenía una gran relación desde 1980, cuando ambos compartieron escenario con sus respectivas bandas, Spinetta con Jade y Charly con Serú Girán. Durante aquellas visitas, Charly propuso a Spinetta escribir una canción juntos, y se sentó al piano mientras Spinetta producía y dictaba los acordes del tema. Fue curioso aquello, pues Spimetta sugería la estructura y las partes, y eso era raro, pues Charly no se solía dejar dirigir por nadie. El resultado fue este brillante tema, el primero acreditado a esta gran dupla. 

La influencia de Piano Bar en la música latina y en la carrera de Charly es innegable. Se ha convertido por derecho propio en un clásico y ha sido citado como inspiración por numerosos artistas a lo largo de los años. La experimentación lírica y musical de Charly en este trabajo se convirtió en un referente para las futuras generaciones de músicos. Está claro que marcó un antes y un después en la música en español. Su mezcla de rock con música clásica, y sus poéticas y complejas letras lo convierten en una joya en la discografía del músico argentino.

1046 - Tom Waits - I Hope That I Don't Fall in Love with You

1050 - Tom Waits - I Hope That I Don't Fall in Love with You

"I Hope That I Don't Fall in Love with You" es una canción melancólica y emotiva del icónico cantautor estadounidense Tom Waits. La pista, incluida en su álbum debut "Closing Time" lanzado en 1973, es un verdadero testimonio de la habilidad de Tom Waits para contar historias a través de la música y la letra.

La canción presenta una atmósfera íntima y reflexiva, marcada por un suave piano y una voz rasposa y distintiva de Tom Waits. La narrativa de la canción gira en torno a un encuentro casual en un bar, donde el protagonista comparte conversación y bebidas con una persona atractiva. A medida que avanza la canción, el cantante expresa su deseo de evitar enamorarse de esta persona, sabiendo que puede llevar a un corazón roto. Esta narración se lleva a cabo con una sinceridad cruda y vulnerabilidad, características que son representativas del estilo lírico de Tom Waits.

La instrumentación sencilla y la interpretación apasionada de Tom Waits hacen que la canción sea conmovedora y fácil de conectar. La voz de Tom Waits, áspera pero llena de emoción, agrega profundidad y autenticidad a la canción, haciéndola sentir como una conversación íntima con el oyente.

"I Hope That I Don't Fall in Love with You" es un recordatorio de la habilidad de Tom Waits para crear canciones que cuentan historias universales de amor, deseo y la inevitabilidad de la vulnerabilidad humana. La canción ha resistido la prueba del tiempo y continúa siendo una de las joyas más queridas en el vasto catálogo de Tom Waits, una balada atemporal que sigue resonando en los corazones de sus oyentes.

Daniel

Instagram Storyboy

1045.- Long train running - The Doobie Brothers

"Long Train Running" fue grabada por la banda estadounidense The Doobie Brothers e incluida en su álbum "The Captain and me" (1973), y al ser publicada en single se convirtió casi al instante en uno de los hits más reconocidos de la banda, entrando en el top ten de la prestigiosa lista de ventas estadounidense del Billboard Hot 100, llegando hasta un meritorio octavo puesto.

Escrita por Tom Johnston, uno de los miembros de la banda, La melodía surgió de una improvisación que los Doobie Brothers realizaron en directo varios años antes de que la canción finalmente se grabara. Por aquel entonces, el título provisional de la canción era "Rosie Pig Moseley" y posteriormente fue conocida también como "Osborn". Para Johnston", aquella improvisación no era más que una cantinela de bar sin mucho recorrido, pero el productor Teddy Templeman le convenció de que escribiera una letra, porque aquella composición tenía realmente algo que podía funcionar.

Muchos conoceréis la canción por la versión que, en 1991, realizaron las chicas del grupo británico de pop y dance Bananarama, o incluso por la remezcla de la canción que, a rebufo del éxito de la versión de éstas, realizaron dos años después los propios Doobie Brothers, que logró un nuevo éxito al alcanzar el nº7 en las listas de ventas del Rein Unido y buenas ventas en muchos otros países.

Canciones que no soporto: Ace of Spades - Motörhead

 

Ace of Spades, Motörhead

     Después de una larga temporada, en 7dias7notas hemos decidido repescar la polémica sección "Canciones que no soporto". En este nueva temporada vamos a comenzar con una de las bandas más influyentes, por derecho propio, del heavy metal, speed metal y hard rock, Motörhead. Vaya por delante, como siempre decimos, que esta sección en absoluto pretende criticar la calidad de los temas en cuestión, simplemente son puntos de vista, temas que por unos u otros motivos, muchas veces ajenos a los grupos, no acaban de gustar, o simplemente nos han llegado a cansar.

El tema de las etiquetas nunca fue con la banda de Lemmy Kilmister, de hecho le molestaba que etiquetaran a la banda de otra forma que no fuera rock and roll. Sobre esto, el músico afirmaba: "Me gustan Iron Maiden y Saxon del nuevo movimiento, y eso es todo, de verdad... Llegamos demasiado tarde para el primer movimiento de metal y temprano para el siguiente... Motörhead no encaja en ninguna categoría, realmente. No somos puramente heavy metal, porque somo una banda de rock and roll, que ya nadie sabe cómo comercializar". Que gran razón tenía.

En 1980 se publica el cuarto álbum de estudio de la banda, Ace of Spades, lanzado en octubre de 1980 a través del sello discográfico Bronze Records. Se conviertirá en el mayor éxito comercial de la banda, llegando a alcanzar el puesto número 4 en las listas de ventas del Reino Unido. La canción que da nombre al título, Ace of spades, todo un trallazo, fue lanzada como sencillo y llegó a alcanzar el puesto número 15 en la lista de sencillos del Reino Unido. La canción comienza con una introducción de bajo saturado interpretada por Lemmy, y para la letra usó juegos de palabras y metáforas de juegosde azar, principalmente de cartas y dardos. Ace of Spades es como se conoce y llama a la mano del hombre muerto, ya que era la mano de cartas que tenía Wild Bill Hancock, cuyo nombre real era James Butler Hancock, cuando le mataron a tiros. Hancock, además de explorador, aventurero y pistolero, fue un famoso jugador y sheriff estadounidense que fue asesinado durante una partida de póquer el 2 de agosto de 1876. Dicha mano está compuesta por ases y ochos, incluido el as de espadas.

Ace of Spades es todo un señor tema, el problema que tengo con él es el siguiente: Motörhead, después de haberse ganado de largo una gran reputación, y después de haber publicado 23 álbumes de estudio, 16 en directo, y haber vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo, parece que únicamente exista para las ondas por Ace of Spades. Es muy difícil escuchar en las ondas otra canción que no esa ésta. En cierto modo comparto la opinión de Lemmy, quien llegó a admitir que estaba harto de esta canción, pero siempre la mantuvo en el setlist de los conciertos porque según él: "Si yo fuera a un concierto de Little Richard, esperaría escuchar Long Tall Sally". Motörhead es mucho más que Ace of Spades, muchísimo más...

Disco de la semana 352 - The Ballad of Darren - Blur

Cuando una banda regresa tras muchos años de inactividad o separación, es habitual que el disco que traigan debajo del brazo sea una mirada al pasado, en un intento de reverdecer los laureles de discos anteriores y ya muy lejanos. El gran valor de "The Ballad of Darren" (2023) es precisamente que, en el regreso de Blur tras los 8 años transcurridos desde "The Magic Whip" (2015), que a su vez fue también un retorno tras los doce años que lo separaban de "Think Tank" (2003), no busca replicar los esquemas del pasado. Muy al contrario, el nuevo disco de Albarn y compañía es un honesto y valiente ejercicio de presentación del momento vital de unos músicos que lo han vivido casi todo y que, con el paso de los años, tienen otras cosas que ofrecer.

Lo primero que nos encontramos al abrir el disco es la portada, que inevitablemente recuerda al disco "The Great Escape" (1995) por la temática común de mar y deportes acuáticos, pero mientras que los personajes de aquella portada estaban disfrutando de lo que parecían unas despreocupadas vacaciones, el "Darren" que suponemos protagoniza la portada actual está nadando solo en una piscina, mientras al fondo, en el mar, parece avecinarse una gris tormenta. Y de eso va esta singular "balada" convertida en disco, de la exploración de las complejas consecuencias de la "tormenta" emocional que supone toda ruptura sentimental. Aunque el protagonista sea "Darren" (el guardaespaldas de Damon Albarn) es el propio Damon el que, como responsable de la mayor parte de las letras de la banda, se sincera abiertamente y deja que sus emociones y pensamientos empapen de melancolía y belleza a las canciones del disco.

El álbum arranca con la suave intro de piano de "The Ballad", a la que le sigue la cada vez más cálida y profunda voz de Damon Albarn, en un medio tiempo que ya nos deja claro que hay heridas que curar, pero lo hace sin caer en la monotonía ni en una excesiva tristeza, reciclando una composición que Damon Albarn tenía inconclusa y que ya aparecía, a grandes trazos, con el título de "Half a Song" ("Media canción") en su colección de demos "Demo Crazy" (2003). Aquí, la acaba y la mejora, dándole un toque más sombrío y melancólico que nos recuerda al mejor Scott Walker y a alguno de los muchos "Bowies". 

Tras este brillante comienzo, "St. Charles Square" no termina de convencer del todo, y no porque no sea una excelente canción (de hecho, es una de las elegidas como single), pero quizá sea la única canción que sí se plantea repetir la fórmula del éxito pasado, convirtiéndose en una isla extraña de energía y distorsión en mitad del melancólico mar que reina en el disco. Sería injusto no valorarla individualmente, porque al hacerlo vemos que es un claro hit marca de la casa, plagado de los característicos ramalazos de la guitarra de Graham Coxon, que recuerdan al "It's no game" de David Bowie, pero dentro de un disco como éste, corta abruptamente la dinámica de melancolía y delicados arreglos de la obra en su conjunto.

Tras este pequeño "sobresalto", llega una de las mejores canciones del disco y de toda la discografía de Blur, la aritmética y a la vez intensa "Barbaric", una joya de pop melódico y maduro con un estribillo antológico, del que es imposible no hacer mención al reseñar este tema, no solo por lo pegadizo del mismo, sino por la manera tan madura en la que afronta el tema de la ruptura sentimental, desde la tristeza y la añoranza, consciente de que es a dónde la vida les ha llevado a los dos, y lejos de cualquier atisbo de rencor o despecho: "Hemos perdido el sentimiento que pensamos que nunca perderíamos, ¿A dónde vamos ahora? ¿Y a qué precio? El sentimiento que pensamos que nunca perderíamos... Y es una barbaridad" .

No es una joya aislada, porque a continuación llega "Russian Strings" similar en brillo y si cabe aún más profunda en lírica y letra, expresando como ha encarado la separación: "Volé a Belgrado, me alojé en un hotel, ahogándome...". La guitarra de Graham Coxon brilla aquí sin estridencias ni distorsiones, al servicio de la canción y no por encima de ella, logrando un resultado realmente brillante, y especialmente apreciable cuando queda desnuda en los acordes finales de la canción. Con el eco del bello sonido de las notas de la guitarra, "The Everglades" nos pilla ya entregados a estos Blur maduros y profesionales. Con cierto toque acústico y unos bellos arreglos de cuerdas, la canción se inspira en la sobriedad y la profundidad de la música y las letras de Leonard Cohen.

"The Narcissist" es la siguiente joya en salir a la palestra, y la única razón por la que no nos sorprende tanto es porque fue el tema primer tema de "The Ballad of Darren" que se dio a conocer en radios y redes sociales, un redondo tema pop que no pierde el sentimiento de otros temas más calmados del disco. Le sigue "Goodbye Albert", un tema en el que los teclados y la guitarra recuerdan a canciones del pasado de la banda, pero de nuevo aportando un tono más triste de lo habitual y unas letras que son todo un ejercicio de nostalgia de tiempos pasados.

"Far away Island" habría encajado a la perfección en los discos de Damon con "The Good the Bad and the Queen" o más aún en en su trabajo en solitario "The nearer the fountain, the more pure the stream flows" (2021), y es una deliciosa pieza a ritmo de vals sobre el desarraigo y la nostalgia del que mira hacia atrás y contempla lo lejos que está del que un día fue. Algo más luminosa es "Avalon", que va creciendo de la balada al rock suave y melódico, apoyada en una destacable sección de vientos y en las notas del piano de Damon Albarn, omnipresente en la mayor parte del disco. 

No queremos que llegue el final, pero enfrentarnos a ese sentimiento es más dulce con una canción como "The heights", una balada-himno a la altura de los clásicos "To the End" o "This is a low", con un excelente trabajo de batería de Dave Rowntree y un inesperado cierre que recuerda a la caótica orquesta de "A day in the life" de The Beatles. ¿Qué más se puede pedir? Que no tarden otros ocho años en entregar una obra de estas proporciones, un disco intenso y honesto con el que nos han salvado un 2023 que musicalmente estaba resultando anodino y bochornoso, y del que hemos podido refrescarnos gracias a Darren y la soledad de su piscina, conscientes de que, por más que pase el tiempo, Blur sigue despertándonos un sentimiento que pensamos que un día perderíamos. Lo siguen haciendo, y es una barbaridad.

1044.- Ooh la la - Faces

 

Ooh la la, Faces

     Ooh La La es el cuarto y último álbum de la banda inglesa Faces, grabado entre septiembre de 1972 y genero de 1973 bajo la producción de Glyn Johns, y publicado en marzo de 1973 por el sello discográfico Warner Bros. Records. 

A finales de 1972, y tras los éxitos comerciales que estaban teniendo los álbumes en solitario de Rod Stewart, se había producido un distanciamiento entre el grupo y el vocalista. Los demás componentes del grupo sentían frustración por la falta de reconocimiento por parte del público ya que sentían que eran percibidos como la banda de acompañamiento de Rod Stewart más que como grupo. Por otro lado Rod Stewart se encontraba absorbido por su creciente popularidad y esto hizo que incluso se perdiera las dos primeras semanas de las sesiones de grabación de este último álbum. El productor Glyn Johns fue capaz de mantener cierta cohesión en el grupo mientras trabajaban en las sesiones de grabación a pesar de las continuas tensiones entre los miembros de la banda. Todo esto acabaría desembocando, primero, en el abandono de Ronnie Lane poco después de este álbum, y finalmente, tras una edición del directo Coast to Coast: Overture and Begineers con muy pobres resultados en 1974, y tras alguna que otra grabación para un intento de nuevo álbum, el grupo acabaría finalizando sus andanzas en 1975. 

Incluido en este último álbum de estudio se encuentra el tema que da título al disco, Ooh La La, compuesta por los miembros Ronnie Lane y Ronnie Wood. De las voces en esta canción se encargó Ronnie Wood, toda una rareza. Fueron grabadas dos versiones más, una con voces de Lane y otra con voces de Stewart, pero como ninguno quedó satisfecho con el resultado, al final fue utilizada la versión de Wood. Wood nos describe con su voz el diálogo entre un abuelo y su nieto. En este diálogo el abuelo advierte a su nieto sobre los peligros de las relaciones con las mujeres. 

Ronnie Lane posteriormente grabaría su propia versión poco después de dejar Faces en 1973: La canción presentaba unas letras ligeramente modificadas de la versión original con Faces. Dicha versión nunca fue lanzada mientras Lane vivía, pero sí fue interpretada por el músico en conciertos y programas de radio a lo largo de su carrera hasta que se retiró del negocio de la música en 1993 por problemas de salud. Rod Stewart hizo una versión también la canción en 1998 en su álbum de 1998 When We Were the New Boys como homenaje a Ronnie Lane, quien había fallecido en 1997.

1043.- International Feel - Todd Rundgren

 

International Feel, Todd Rundgren

     A Wizar, a True Star es el cuarto álbum de estudio del músico estadounidense Todd Rundgren. Este trabajo fue concenbido entre 1972 y 1973 enntre los Secret Sound Studio de Nueva York y los Advantage Studios, estos últimos sede de una única grabación, Just One Victory. El disco fue producido enteramente por Rundgren, y publicado el 2 de marzo de 1973 por el sello discografico Bearsville Records. Este cuarto trabajo marcó una desviacón de su anterior disco, Something/Anything (1972), con una menor dependencia de canciones de pop sencillas, lo que contribuyó a un avance en post de la experimentación con drogas psicodélicas y su comprensión según el artista de "como eran la múscia y el sonido en mi entorno interno, y cuán diferentes eran de la múscia de había estado escuchando y haciendo".

Tras su lanzamiento el álbum obtuvo muchos alogios por parte de la crítica, pero esto no acompañó con el tema de las ventas, pues llegó a alcanzar un modesto puesto 86 en las listas de ventas de Estados Unidos, lo que se tradujo según Rundgren en "la pérdida de aproximadamente la mitad de mi audiencia en ese momento". Aunque se negó que el disco fuera conceptual, fue concebido como un "plan de Vuelo", con todas las pistas perfectamente acopladas unas con otras, comenzado con un estado de ánimo caótico y terminando con un popurri de sus canciones favoritas. 

La primera cara del álbum se titula "The International Feel (in 8), donde se encuentra el tema International Feel. Sus temas giran radicalmente entre diferentes estados sde ánimo musicales. Nos encontramos ante un álbum donde canciones y melodías flotan dentro y fuera de una neblina post-psicodélica, y es precisamente donde se mueve International Feel, una canción conocida por su estilo psicodélico y experimental. Es una pista instrumental que combina elementos de rock progresivo y pop psicodélico, y es notable por el uso de sintetizadores y efectos de snido creativos. La canción contribuye al ambiente único y ecléctico del álbum en su conjunto. Dicho álbum es considerado uno de los trabajos más vanguardistas de Rundgren.

1042.- Breathe - Pink Floyd

 

Pink Floyd es un nombre que se ha convertido en sinónimo de música rock y composiciones legendarias. La banda ha dejado una huella imborrable en el panorama musical con su trabajo innovador en el género del psico-rock, entre los muchos temas fascinantes de Pink Floyd, 'Breathe' se destaca como una de las piezas musicales más definitorias e inspiradoras jamás producidas. Lanzado como parte del icónico álbum de Pink Floyd 'Dark Side of the Moon', 'Breathe' no sólo cautiva con su hipnótica melodía sino que también contiene un profundo mensaje escondido en su letra. A primera vista, puede parecer que 'Breathe' se trata simplemente de relajarse y respirar profundamente, sin embargo, la letra de la canción tiene un significado mucho más profundo, uno que aborda las complejidades de la vida y la psique humana. La letra insta al oyente a tomarse un momento para reducir la velocidad y apreciar la belleza que lo rodea: la naturaleza, el arte e incluso las pequeñas cosas de la vida., implora al oyente que reconozca lo que realmente importa y se aferre a ello en medio del caos de la vida moderna. La canción reconoce las dificultades de la existencia y nos anima a dejar de lado las cosas que nos pesan y nos causan dolor, es un mensaje que suena muy actual ya que vivimos en un mundo donde estamos constantemente bombardeados por las noticias, las redes sociales y las interminables responsabilidades laborales, tomarse un momento para respirar puede ser el acto más radical de autocuidado.

Por supuesto, no podemos olvidarnos de la brillantez musical de 'Breathe'. Los acordes iniciales de la canción son inmediatamente reconocibles y se han convertido en sinónimo del sonido único de Pink Floyd. El tempo lento y constante de la batería y el bajo nos guían suavemente hacia la inquietante melodía de la canción. Es difícil describir el impacto emocional de 'Breathe', la canción crea una atmósfera de ensueño que resulta a la vez reconfortante y desorientadora, la voz de Gilmour combina perfectamente con la instrumentación de otro mundo, transmitiendo simultáneamente una sensación de anhelo y serenidad. 'Breathe' resume todo lo que representa Pink Floyd: paisajes sonoros innovadores, letras que invitan a la reflexión y un atractivo atemporal. El mensaje de la canción es uno que necesitamos ahora más que nunca: un recordatorio para tomarnos un momento para respirar y apreciar la belleza del mundo que nos rodea, por eso no es de extrañar que 'Breathe' siga siendo uno de los temas más queridos y duraderos de Pink Floyd, el mensaje universal de la canción y su inquietante melodía han solidificado su lugar como una pieza icónica de la historia de la música rock.