1011.- Walk On The Wild Side - Lou Reed

 

Walk On The Wild side, Lou Reed

     Transformer es el segundo álbum estudio del artista estadounidense Lou Reed. Dicho trabajo fue grabado en agosto de 1972 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Mick Ronson y de David Bowie, y publicado el 5 de noviembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Aunque su primer álbum tuvo cierto éxito, sería con Transformer cuando le llegaría el verdadero éxito, ya que este trabajo se convertirá con el tiempo en todo un himno del glam rock. Al igual que su primer disco, Transformer contiene canciones que Reed había compuesto mientras estaba en la formación Velvet Underground. Mick Ronson y David Bowie apostaron por producir Transformer ya que ambos habían sido influenciados por el trabajo de Reed en Velvet Underground. Bowie llegó a incluir notas en la portada de su disco Hunky Dory que hacían referencia al grupo de Reed, y  Mick Ronson, además de coproductor, colaboró en el disco como arreglista y músico de sesión tocando varios instrumentos.

Incluido en este álbum se encuentra todo un himno atemporal donde Reed nos habla de ese Nueva York del que nadie se atreve a hablar. Ese Nueva York al que los travestis se dirigían en busca de algo de fortuna y acababan ejerciendo la prostitución, todo un paseo por el lado salvaje de la ciudad. La canción no puede ser otra que  Walk On he Wild Side, Cada verso de la canción introduce un nuevo personaje, están Holly Woodlawn, Candy Darling, Joe Dallesandro, Jackie Curtis y Joe Campbell. Todos los personajes, al igual que Reed,  son compinches de la fábrica de Andy Warhol. Reed sentía empatía por todos estos personajes de la canción ya que el mismo estuvo luchando con su sexualidad durante la mayor parte de su vida. Sus padres incluso intentaron "curar" su homosexualidad cuando era joven. Según el propio Reed, fue la novela de Nelson Algren de 1956, A Walk on the Wild Side, la que le inspiró para crear la canción, y mientras avanzaba en la composición fue incorporando personajes de su propia vida. La canción también puede ser una alusión a la película Walk on th Wild Side de 1962, de Mack David y Elmer Bernstein, basada en la novela de Algren. 

Lo que está claro es que la canción no es solo uno de los buques insignia de Reed, es todo un himno generacional y atemporal que toca temas por entonces tabú como el de las personas transgénero, las drogas, la prostitución masculina o el sexo oral.

Black Sabbath - Master of Reallity. (Mes Black Sabbath)

El artista del mes: Black Sabbath - Master of Reallity #MesBlackSabbath

"Master of Reality": Un Viaje Profundo a la Oscuridad Musical de Black Sabbath

Black Sabbath, la banda que prácticamente inventó el heavy metal, alcanzó su punto culminante en 1971 con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, "Master of Reality". Este álbum no solo marcó un hito en la evolución del género musical, sino que también consolidó la posición de la banda como uno de los actos más influyentes en la historia del rock.

El álbum se abre con "Sweet Leaf", una canción que se ha convertido en un himno del rock, gracias a su inolvidable riff de guitarra y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. La canción es un tributo al amor de la banda por la marihuana y establece inmediatamente la atmósfera psicodélica y pesada que dominará el álbum.

Lo que hace que "Master of Reality" sea verdaderamente especial es su sonido distintivo y su capacidad para explorar la oscuridad de manera musical. El uso de afinaciones de guitarra más bajas, especialmente en canciones como "Children of the Grave" y "After Forever", añade un peso adicional a las canciones, creando un aura de poder y misterio. Tony Iommi, el guitarrista de la banda, merece un reconocimiento especial por su habilidad para crear riffs que son al mismo tiempo pesados y melódicos.

La oscuridad de "Master of Reality" se manifiesta no solo en la música, sino también en las letras. "Lord of this World" y "Solitude" exploran temas de desesperación y alienación, mientras que "Into the Void" ofrece una visión sombría del futuro de la humanidad. Las letras de Black Sabbath en este álbum son introspectivas y a menudo pesimistas, lo que les dio una autenticidad y profundidad que resuenan con muchas generaciones de fans.

La estructura del álbum también es notable. Con solo ocho canciones, es relativamente corto en comparación con otros álbumes de la época. Sin embargo, esto juega a su favor, ya que cada canción tiene la oportunidad de brillar por sí misma. El equilibrio entre pistas pesadas y más suaves, como "Embryo" y "Orchid", muestra la versatilidad de la banda y su capacidad para crear una experiencia auditiva dinámica.

Una de las características más interesantes de "Master of Reality" es su producción. La banda optó por un enfoque más crudo y sin pulir en comparación con su álbum anterior, "Paranoid". Esto le da al álbum una sensación de autenticidad y una conexión directa con la energía en bruto de la música. Las guitarras suenan sucias y poderosas, la batería de Bill Ward es primitiva pero efectiva, y el bajo de Geezer Butler proporciona una base sólida para todo el conjunto.

La portada del álbum también es icónica, con su diseño minimalista y el logo de la banda. Este enfoque simple se suma a la atmósfera misteriosa y siniestra del álbum, sugiriendo que lo que te espera dentro es un viaje a lo desconocido.

En retrospectiva, "Master of Reality" no solo es un hito en la carrera de Black Sabbath, sino que también dejó una huella indeleble en la historia del rock y del metal. Su influencia se puede sentir en innumerables bandas posteriores que han adoptado el sonido pesado y oscuro que Black Sabbath perfeccionó en este álbum. Desde Metallica hasta Nirvana, la sombra de "Master of Reality" se extiende sobre la música que vino después.

En conclusión, "Master of Reality" de Black Sabbath es un álbum que merece ser celebrado y revisitado una y otra vez. Su combinación de letras sombrías, riffs de guitarra poderosos y atmósfera única lo convierten en una obra maestra del heavy metal y un testimonio del talento y la creatividad de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Si eres un amante del rock y el metal, este álbum es esencial en tu colección musical y sigue siendo tan impactante hoy como lo fue hace más de cuatro décadas.

Daniel

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1010.- You Turn Me On I’m a Radio - Joni Mitchell

Joni Mitchell es una de las intérpretes más veneradas e influyentes de su tiempo, pero su prodigiosa producción contiene muy pocos éxitos en las listas, en gran parte porque no escribió canciones del gusto popular aunque tiene varios álbumes clásicos en su haber y quizás sea mejor conocida por su melancólica obra maestra Blue , seguramente uno de los mejores álbumes de cantautores en una época repleta de ellos, pero un año después, escribió y grabó el subestimado For the Roses, una mirada íntima y poética a la desaparición de una pareja de celebridades, décadas antes de que Internet hiciera tan transparentes los altibajos de tales relaciones.

You Turn Me On, I'm a Radio' nació por el interés de su discografica por conseguir un éxito y, si bien carece de estribillo o ganchos obvios, la tematica de la canción que habla sobre locutores y emisoras de radio, lo que la ayudó a obtener una gran difusión. El tema se incluiría en el álbum For The Roses de Mitchell de 1972 y fue lanzado como el primer sencillo del LP y fue el primer gran éxito de Mitchell, alcanzando el puesto 25 en el Billboard Hot 100 y entre los diez primeros en su Canadá natal. Con una duración ordenada de 2:40, contiene una introducción de 19 segundos, lo que les da a los locutores mucho tiempo para hablar sobre la canción (¡y mencionar ese increíble título que tanto les gustaría) la canción cumplió su objetivo y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Mitchell en Estados Unidos como artista. Había llegado a las listas como compositora, con la versión de Judy Collins de "Both Sides Now" en el puesto número 8 en 1968 y la versión de Crosby, Stills, Nash & Young de "Woodstock" alcanzando el puesto 11 en 1970. Graham Nash, David Crosby y Neil Young participaron en las sesiones de la canción, pero en el lanzamiento final solo se utilizó una parte de armónica de Graham Nash. La letra de la canción es una metáfora en la que la narradora se compara con la radio de un automóvil y una estación de radio, con la esperanza de complacer a su oyente La estación siempre está ahí para servirle y, aunque no siempre tenga una señal clara, sabe lo que usted quiere escuchar, esta emisora de radio también podría verse como otra metáfora de una persona que también busca agradar. Vale la pena indicar que la canción se parece a "You've Got a Friend", una canción que recientemente había sido un éxito número uno para James Taylor (de quien algunos escritores han sugerido que es la persona a la que se dirige este tema) 

Disco de la semana 347 - Favourite worst nightmare - Arctic Monkeys

¿Es Favourite Worst Nightmare (2007) el "mejor medio disco" inglés de los 2000, o es solo la "peor pesadilla favorita" de mi familia?

Para contestar a tan existencial pregunta, tengo que remontarme a un disco de la semana anterior. Hace ya muchas lunas, recomendé en esta sección el álbum "Whatever people say I am, that's what I'm not" (2006), el glorioso disco de debut de los Arctic Monkeys. Tanto me gustó al escucharlo por primera vez, que comencé a buscar el resto de su discografía, y me cuidé mucho de hacerlo cronológicamente, para poder vivir la evolución musical de la banda a través de sus trabajos. No estuve solo en esa búsqueda y descubrimiento, y cuando en el cd del coche empezó a sonar "Brianstorm", el furioso y vertiginoso primer single, y la pieza con la que abre Favourite Worst Nightmare, mi mujer y mis hijos fueron también testigos de aquella tremenda tormenta sonora. Tras escucharlo entero, comenzó una pauta que se ha repetido hasta la saciedad en todos y cada uno de los viajes familiares, en los que llevar el segundo disco de estudio de los Arctic Monkeys en la guantera ha sido un requisito imprescindible.

La pauta consiste en escuchar del tirón las cinco primeras canciones del disco: La ya mencionada "Brianstorm", su gemela en intensidad "Teddy Picker" (un himno en toda regla y una auténtica lección magistral sobre como combinar melodía y ritmos de afiladas guitarras y baterías desatadas), la no menos vibrante "D Is For Dangerous" (tremendo tema que podría haberse llamado directamente Favourite Worst Nightmare y dar nombre al disco, ya que incluye la frase que le da título en el estribillo), la más experimental y pseudo-funk "Balaclava" (en la que el bajo de Nick O'Malley destaca por encima incluso del brillante ejercicio de sus compañeros), y "Fluorescent Adolescent", un medio tiempo brillante y pegadizo, que en mi opinión es la mejor canción del disco y una de mis favoritas de la banda.

A veces pienso en que la mal llamada "pesadilla" habría sido uno de mis grandes sueños cumplidos (el de encontrar alguno de esos escasos discos que son perfectos de principio a fin), si la segunda parte del álbum hubiera sido como el torrente sonoro y creativo de esas cinco primeras canciones, pero el segundo tramo de lo que, hasta ese momento, es un tren a toda velocidad, tiene vagones que siempre acabamos desenganchando. Es lo que ocurre con "Only Ones Who Know", balada minimalista e inoportuna que rompe la atmósfera del disco e interrumpe el subidón de adrenalina al que los Monkeys te llevan en los temas anteriores. Tras saltar ese tema, el jurado popular de mis viajes en coche indulta siempre a "Do Me A Favour", que comienza tranquila y va creciendo progresivamente, con cambios de ritmo y dos partes muy diferenciadas, y que sin llegar al nivel de las "big five" del arranque del disco, entra sobrada en la Q3 de un álbum que, por lo general, transcurre a velocidad de bólido de Fórmula 1.

Tras ese indulto esporádico e intermedio, el resto del disco intenta emular la intensidad de los primeros temas y la actitud de los hits del primer disco, pero la sensación al escuchar "This House Is A Circus", "If You Were There, Beware", "The Bad Thing" o "Old Yellow Bricks" es que la chispa ya no es la misma, motivo por el cuál de "Do Me A Favour" saltamos casi siempre a la canción que cierra el disco, la sublime y crepuscular "505" (con la colaboración en la guitarra de Miles Kane, con quién Turner fundaría su grupo paralelo "The Last Shadow Puppets"). "505" es la séptima elegida para la gloria, de un disco que llegó al primer puesto de las listas de ventas de Reino Unido, y del que todos sus temas entraron en el Top 200 del UK Singles Chart, siendo "Brianstorm" (puesto nº 2), "Fluorescent Adolescent" (puesto nº 60) y "505" (puesto nº 74) los más exitosos.

En conjunto, lo que más impresiona del segundo disco de los Arctic Monkeys, quizá sea el talento y el derroche musical de un grupo de adolescentes que aún estaban superando el acné juvenil, comandados por el desparpajo de la voz de su líder Alex Turner, las afiladas guitarras del propio Turner y Jamie Cook, el efectivo bajo de Nick O'Malley y, sobre todo, el descomunal trabajo de batería de Matt Helders. Entre todos, consiguen mezclar de manera brillante garage-rock, brit-pop, rock alternativo y post-punk, soltando ramalazos de punzantes guitarras sin perder con ello el gusto por la melodía, los cambios de ritmo y los estribillos efectivos. Algo así debió pensar mi hijo mayor cuando, al dejarle elegir en mi lugar el disco de la semana, optó sin dudarlo por Favourite Worst Nightmare. Para un "adolescente en plena fluorescencia", la respuesta a la pregunta que abría esta reseña era muy clara: Es el "mejor medio disco" que ha escuchado, y una "peor pesadilla favorita" imprescindible en cualquier viaje.

1009.- Mama Weer All Crazee Now - Slade

 

Mama Weer All Crazee Now, Slade

     Slayed? es el tercer álbum de estudio del grupo británico, pionero del glam rock, Slade. Fue grabado bajo la producción de Chas Chandler, y publicado en noviembre de 1972 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista nada menos que 34 semanas. También se convirtió en el disco más exitoso del grupo en Estados Unidos de la década de los 70, llegando a alcanzar el puesto 69 en dicho país y permaneciendo durate 26 semanas. En el año 2001fue incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir, y en el año 2010 la revista especializada Classic Rock consideró Salyed? como un "clásico esencial", incluyendo además que la grandeza y majestuosidad de este disco residía en las baladas melancólicas.

Incluido en este álbum se encuentra Mama Weer All Crazee Now, lanzada como sencillo principal del álbum. La canción llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de sencillos del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista durante diez semanas. Esta fue la primera canción que el bajista Jim Lea escribía por su cuenta, siendo la letra escrita por Noddy Holder, quien se inspiró al ver el escenario después de un concierto en Londres y observando el estado en el que habían quedado los asientos, al borde del destrozo. Entonces pensó que todos debían haber estado como locos aquella noche, lo que le sirvió de inspiración. La canción se tituló originalmente My My We're All Crazy Now, el cual fue cambiado por su mánager Chas Chandler, y el error ortográfico intencional que aparece se convirtió en una marca registrada del grupo, mucho antes incluso de que Prince hiciera algo similar.

1008.- Reelin' in The Years - Steely Dan

 

Reelin' In The Years

     En noviembre de 1972 la banda de rock estadounidense Steely Dan lanza su álbum debut, Can't Buy a Thrill. El disco es grabado en los estudios The Village Recorder de Los Angeles, California, bajo la producción de Gary Katz, y publicado en agosto de 1972 bajo el sello discográfico ABC Records. Está considerado uno de los discos más eclécticos de la banda, merced a su mezcla de sonidos que abarcan, soft rock, folk rock, jazz-rock y pop, y a unas letras muy filosóficas. El disco alcanzó un notable éxito comercial, llegando a alcanzar el puesto número 17 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Este disco es el único que presenta a David Palmer como vocalista, ya que fue reclutado después de que Donald Fagen expresara su preocupación a la hora de cantar en directo. Fagen fue convencido posteriormente para que asumiera el papel de vocalista principal en los siguientes discos. Estamos ante un disco con aroma a suave rock en el que se entremezclan otros elementos como el mambo, el swing, el jazz y los elementos latinos. En cuanto al título del álbum, es una referencia a la primera línea de la canción de Bob Dylan It Takes a Lot to Laugh, It takes a Train to Cry. La portada del disco presenta un fotomontaje realizado por Robert Lockart que incluye una imagen de una fila de prostottas paradas en una zona de Rouen, Francia, esperando clientes. Esta portada fue prohibida en España y sustituida por una fotografía de la banda tocando en concierto. 

Incluido en este álbum se encuentra Reelin' in the Years, que fue lanzada como segundo sencillo del disco. La canción llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 15 en las listas de Canadá. La canción nos habla sobre recordar momentos con una novia y también trata de una ruptura romántica. Curiosamente, este tema está dentro del estilo de canciones más populares de la banda, pero de las que menos gustaban a la banda, que la consideraban como una canción tonta pero eficaz. 

Steely Dan era conocido por su meticuloso trabajo con el sonido, cada nota debía ser perfecta. Esta canción a veces a sido criticada precisamente por eso, por incluir música convencional de los 70 demasiado pulida. El sólo de guitarra fue grabado por el músico de sesión Elliot Randall, que no era miembro del grupo y que había pasado por el estudio por invitación de Skunk Baxter mientras estaban grabando. Acabó tocando el solo de guitarra y fue grabado en una sola toma. La mezcla cuadrafónica de esta  canción tiene rellenos de guitarra solista adicionales de Elliot Randall que no se escucha en la versión estéreo de dos canales. En 1999, en la revista Classic Rock, el guitarrista Jimmy Page llegó a catologar el solo de Randall como su solo favorito de todos los tiempos.

1007.- Dirty Work - Steely Dan

"Dirty Work", incluida en "Can't Buy a Thrill" (1972), el disco de debut de la banda de rock y jazz fusión Steely Dan, es una elegante y melodiosa canción que destaca por sus efectivas armonías vocales, sobre una melancólica base musical de guitarras acústicas y órgano.

La voz principal corre a cargo de David Palmer, vocalista invitado para la ocasión, que aporta a la canción la calidez y emoción necesarias. Liderados por Donald Fagen y Walter Becker, Steely Dan siempre se caracterizaron por las armoniosas y suaves voces con las que arreglaban sus canciones, y "Dirty Work" no es una excepción a esa regla. 

Aunque a primera vista pueda parecer simplemente una balada suave, "Dirty Work" es una muestra de la capacidad de la banda de escribir canciones que son al mismo tiempo accesibles y emocionalmente profundas. Las letras hablan de un desengaño amoroso, y el protagonista se refiere a la traición de su pareja recordando los "trabajos sucios" que ha realizado a sus espaldas. El mensaje supura tristeza y desamor, pero la interpretación vocal y la melodía suavizan el conjunto y le dan un tono agridulce que se convertiría después en una seña de identidad en muchas otras canciones de Steely Dan.

Black Sabbath - Black Sabbath. (Mes Black Sabbath)

¿Fue el 13 de febrero de 1970 la fecha en la que nació el heavy metal? Antes de esa fecha, grupos como Led Zeppelin o Deep Purple habían bebido del blues y de esquemas clásicos para crear un rock eléctrico de gran intensidad y complejos desarrollos instrumentales, pero en la fecha antes comentada se publicó un disco que cambiaría el paisaje sonoro reinante hasta el momento: el álbum debut de Black Sabbath.

El disco "Black Sabbath" no solo abrió la puerta a un nuevo género musical marcado por una mayor oscuridad y dureza de sonido con respecto a bandas y conceptos anteriores, sino que lanzó internacionalmente a Black Sabbath como uno de los grupos más influyentes e icónicos del género recién creado y de la historia del rock en general. Formados en Birmingham en 1968, los Black Sabbath se componían de Tony Iommi (guitarra eléctrica), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y el carismático Ozzy Osbourne como vocalista.

El disco comienza con la canción que da título tanto al álbum como a la banda, la inquietante "Black Sabbath" y su célebre introducción conocida como el "Trítono del diablo", un icónico riff de guitarra que al instante se convirtió en referencia para los seguidores de la banda y del naciente heavy metal en general. Sombría y misteriosa, la canción describe a una figura oscura y siniestra, en un tono y una atmósfera lúgubres que predominarán a lo largo de las ocho canciones del álbum. Casi tan oscura es "The Wizard", pero aquí la banda da rienda suelta a un mayor derroche de destreza instrumental, y la inclusión de una hipnótica armónica la convierte en una pieza destacada y distintiva. El mago del título no es otro que Gandalf, el personaje de "El Señor de los Anillos", aportando al disco ese toque de fantasía épica y medieval que tan habitual sería después en el género del heavy metal.

Igualmente inquietante es "Behind the Wall of Sleep", con una marcada línea de bajo y una intensa interpretación vocal, y añadiendo para la ocasión un cierto aire psicodélico. La oscuridad sigue reinando en los surcos con "N.I.B.", en la que de nuevo es el potente bajo el que marca el camino hacia las sombras. Ozzy Osbourne pone aquí voz a un Lucifer enamorado, mientras la aportación de la guitarra eléctrica de Tony Iommi hace que la canción roce la categoría de obra maestra.

Tras tanta oscuridad, una canción como "Evil Woman" es, por su sonido más abierto y de blues rock, un resquicio de luz colándose entre los barrotes de una lúgubre mazmorra. Se trata de una versión de un tema de la banda británica Crow, pero encaja igualmente en el conjunto del disco. La luz que ha dejado entrar el blues no se disipa en el siguiente corte, "Sleeping Village", pieza instrumental que trae consigo inesperados aires frescos y melódicos, y que funciona como efectivo interludio antes de la de la gran pieza final.

Un disco tan oscuro solo podía terminar con una gran coda final. "Warning" es una gran versión extendida de la canción "Retaliation" de Aynsley Dunbar, plagada para la ocasión de largos solos de guitarra que la dotan de una intensidad y una energía enormes. Es una muestra más de la influencia del blues rock en el género, pero con un tratamiento totalmente diferente al de los anteriormente mencionados Led Zeppelin o Deep Purple, que tocaban con las cortinas descorridas, mientras que los Black Sabbath lo hicieron desde lo más profundo de un oscuro sótano, en el que reinan la oscuridad y la crudeza más opresivas.

1006.- Sweet Surrender - Tim Buckley

Greetings from L.A. es una oda al desmoronamiento cínico en Los Ángeles post-hippie, y las intensas lecturas de sus letras encapsuladas, a menudo inmaculadas, logran superar la escasa producción y los deslices en la aceleración del ritmo, por raros que sean. Una síntesis perfecta entre lo social y lo personal, la mentira y la verdad absoluta, el sexo y la desesperación, el vals de la guitarra acústica y los shakedowns de órgano y conga. Sin mencionar la inminente proposición edípica del hecho de que la palabra "¡mamá!" aparece al menos cien veces en este mismo disco. Lástima que la mayor parte de la comunidad indie nunca reconocerá esto como lo que es y seguirá aferrándose a a la dulce juventud de Tim, o, Dios no lo quiera, a su hijo. Después de todo, muchas personas consideran que muchos temas como la revolución sexual y California son demasiado abstractos e inadecuados para una existencia con gafas y suéteres, en cuanto a los demás, desahoguen su sexo sin sentido, esta es la herramienta elegida por el señor Tim Buckley y mas si se encuenta acompañado de el guitarrista de Cokefiend, Joe Falsia, un verdadero genio, déjame decirte que las guitarras de "Hong Kong Bar" en realidad respiran una fusión inaudita de folk, blues y boogie rock (piensa en esta última frase), y "Sweet Surrender". serpentea de manera tan inteligente y, al mismo tiempo, tan apasionada que está completamente más allá de toda descripción: un número de crooner ampliado más allá de toda medida, mezclado con ritmos latinos y adoración a la tecnología de los 70 sintetizada, y estas son las dos pistas que no son funk.

Y esta ultima canción, Sweet Surrender es la que vamos a destacar, vo tenía un amigo que sabía mucho de música, especialmente jazz, blues, música clásica y material para depresivos (Radiohead, Muse, etc.) y Tim Buckley. Un día voy a su casa y al cruzar el umbral de su puerta escucho los cánticos de música suave con una voz que me congela directamente. Por supuesto, con la curiosidad que tengo, le pregunté qué era, me dice el color y luego le digo que me acaba de matar, una vez más. ¡¡¡Me presentó a TIM BUCKLEY, nada menos que al Sr. Tim Buckley!!!. La canción que sonaba era Sweet Surrender. Se me erizaron los pelos de los brazos, provocando escalofríos por todo el cuerpo, y no voy a exagerar al decir que se me llenaron los ojos de lágrimas y lloré. ¡Era la segunda vez que me pasaba esto desde Nina Simone! Era magnífico ! Yo, fanático del punk, del hard metal, de los pogos y de otras agitaciones preadolescentes, allí descubrí otra naturaleza escondida en mí. Emocionalidad a través de la calma musical, la trascendencia vocal. Esta canción es LA canción, el asesino sin nombre que debes haber escuchado al menos una vez en tu vida, sentado tranquilamente, con los ojos cerrados o con los ojos mirando al frente y durante los 6'50 de la canción, la película de tu vida. Pasa, tus recuerdos resurgen, tu sensibilidad está al límite, la nostalgia llama a la puerta de tu corteza. Sensación única, sensación abrumadora. Experiencia única.

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

1005 - Black Sabbath - Wheels of confusion

Black Sabbath, una de las bandas icónicas del heavy metal, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Su canción "Wheels of Confusion", proveniente de su álbum de 1972 titulado "Vol. 4", captura la esencia cruda y poderosa de su sonido característico.

La canción comienza con una introducción lenta y ominosa, creada por los riffs de guitarra de Tony Iommi y la voz distintiva de Ozzy Osbourne. Estos elementos establecen una atmósfera pesada que se adentra en los rincones más oscuros de la psique humana. A medida que la canción avanza, la batería de Bill Ward y el bajo de Geezer Butler se unen, creando una base rítmica que impulsa la canción hacia adelante con una intensidad implacable.

La letra de "Wheels of Confusion" aborda temas existenciales y de confusión mental, reflejando el estado de ánimo introspectivo y reflexivo que a menudo caracteriza a las canciones de Black Sabbath. Las letras exploran la lucha interna, el caos y la incertidumbre en el camino de la vida, y cómo estas "Wheels of Confusion" pueden hacer que uno se sienta atrapado y perdido. A pesar de la oscuridad en las letras, la canción también ofrece un sentido de catarsis a través de su intensidad y pasión musical.

La habilidad de Black Sabbath para combinar letras introspectivas con una instrumentación poderosa es evidente en "Wheels of Confusion". Los cambios de ritmo y las progresiones de acordes capturan la montaña rusa emocional que la canción intenta retratar. Desde momentos de calma y reflexión hasta explosiones de furia musical, la canción evoca una amplia gama de emociones en su audiencia.

"Wheels of Confusion" es un testimonio del legado duradero de Black Sabbath en la música. Su capacidad para explorar temas profundos y oscuros, al mismo tiempo que entregan un sonido que se convirtió en el molde para el género del heavy metal, es lo que hace que esta canción y la banda en su conjunto sean tan influyentes. A lo largo de los años, la canción ha mantenido su relevancia y sigue siendo un recordatorio de la maestría musical y lírica de Black Sabbath.

En resumen, "Wheels of Confusion" de Black Sabbath es una pieza musical que captura la esencia del heavy metal y la habilidad de la banda para explorar la psicología humana a través de su música. Con sus letras profundas, combinadas con una instrumentación intensa, la canción continúa dejando una impresión perdurable en la mente de los oyentes, llevándolos a un viaje emocional a través de las ruedas de la confusión.

Daniel 

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1004.- Changes Black Sabbath

 

Changes, Black  Sabbath

     Vol. 4 es el cuarto álbum de estudio de Black Sabbath. El grupo fue grabado en mayo de 1972 en los Record Plant Studios de Los Angeles, bajo la producción de Patrick Meehan y del propio grupo, y publicado en septiembre de 1972 por el sello discográfico Vertigo Records. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. 

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler. 

Aunque la mayor parte del disco conserva el característico estilo pesado de la banda, en alguna canción muestran un lado más sensible, como en Changes, escrita por Tony Iommi (música) y Geezer Butler (letra), una balada de piano con mellotron.La canción se inspiró en la rupura que el baterista Bill Ward había sufrido con su primera esposa. Iommi aprendió a tocar el solo el piano después de encontrar uno en el salón de baile de una mansión de Bel-Air que el grupo había alquilado. En aquel salón fue donde compuso Changes. Según Ozzy Osbourne: "Tony simplemente se sentó al piano y se le ocurrió esta hermosa melodía... Yo me puse a tararear una melodía exagerada y Geezer escribió estas letras desgarradoras sobre la ruptura que Bill Ward estaba pasando con su esposa". Changes es una rareza dentro de la obra de Black Sabbath, pues no incluye ni guitarra ni batería.

1003.- Snowblind- Black Sabbath

 

Snowblind, Black sabbath

     En mayo  de 1972 el grupo británico Black Sabbath se encierra en los Record Plant Studios de Los Angeles para grabar Vol. 4, que supondrá su cuarto álbum de estudio. Este disco fue el primero no producido por Roger Bain, recayendo tal tarea en Patrick Meehan y en el propio grupo. La función de producción de Meehan, quien entonces era mánager de la banda, fue mínima, y aunque figuraba también el grupo, quien asumió realmente las tareas de producción fue el guitarrista Tony Iommi. Fue publicado en septiembre de 1972 por el ello discográfico Vertigo Records.

La grabación estuvo repleta de problemas, la mayor parte de ellos por el abuso de drogas. Habitualmente el grupo solía recibir en el estudio altavoces llenos de cocaína, lo que da una idea de como eran las sesiones de grabación. La portada del disco presenta una fotografía monocromática de Ozzy Osbourne con las manos levantadas haciendo el signo de la paz. Dicha foto fue tomada por Keith Macmillan durante un concierto del grupo en el Ayuntamiento de Birmingham en enero de 1972. El disco alcanzó en menos de un mes el disco de oro, y fue el cuarto lanzamiento consecutivo en conseguir vender más de un millón de copias en Estados Unidos. Toda la música fue escrita por el grupo, y las letras por Geezer Butler.

 Incluido en este disco se encuentra Snowblind, que es una clara referencia de labanda a la cocaína, la droga que la banda más consumía por aquel entonces. En las notas el grupo hace un juego de palabras agradeciendo a "la gran COKE-cola Company", otra clara alusión a dicha sustancia. La banda quería que este tema fuera el título del álbum, pero la compañía discográfica se negó por razones obvias. Según Ozzy Osbourne: "Snowblind fue uno de los mejores álbumes de Black Sabbath, aunque la compañía no nos permitió conservar el título... porque en aquellos días la cocaína era un gran problema y no querían la molestia de una controversia. No discutíamos".

El disco de semana 346: Electric Pentagram - Lovebites

 

Electric Pentagram, Lovebites

     En esta ocasión viajamos a Japón para escuchar el trabajo que catapultó fuera de dicho país al grupo de power metal Lovebites. Este grupo se formó en 2016 y actualmente está compuesto por cinco mujeres, Haruna (batería), Midori (guitarra y voces), Miyako (guitarra, teclado y voces), Asami (vocalista), y Fami (bajista), que llegó en 2021 para sustituir a la bajista Miho. Lovebites se forma en Tokio en 2106, cuando Destrose, el grupo en el que se encuentran Miho y Haruna, se disuelve. Deciden las dos reclutar a la guitarrista Midori y a otra guitarrista y tecladista de apoyo, Miyako. que más tarde será miembro de pleno derecho. Después las cuatro deciden fichar a la vocalista Asami basándose en una demo que esta había realizado. Para el nombre de la banda, el grupo se inspiró en una canción del grupo Halestorm, llamada precisamente Lovebites.

rupo debuta en mayo de 2017 con el EP The Lovebites EP. Realmente era una demo para conseguir atraer a algún sello discográfico, pero al sello Victor Entertainment le gustó tanto que decidió publicarlo como EP. Ese mismo año la banda debuta con su primer disco de larga duración, Awakening From Abyss, publicado en Japón, y América el 25 de octubre de 2017, y dos días después en el Reino Unido. Gracias a este trabajo, a finales de año el grupo ya está dando conciertos fuera de Japón. En diciembre de 2018 el grupo lanza su segundo álbum de estudio, Clockwork Inmortality, publicado por el sello discográfico Victor Entertainment. El grupo sigue con con un sonido dedicado al power metal, pero influenciado por el NWOBHM (Nueva ola de heavy Metal británico). El disco es lanzado en Japón, Europa, Nueva Zelanda y Australia, y consigue ir expandiendo el sonido y el nombre del grupo en el extranjero. Pero no será hasta la publicación de su tercer álbum de estudio, Electric Pentagram, cuando el grupo de el verdadero salto internacional haciéndose un nombre fuera de Japón.

Las influencias de la banda pasan por el sonido de la vieja escuela NWOBHM, el hard rock o  el heavy metal Así por ejemplo, las influencias de Miho pasan por bandas como Iron Maiden, Pantera, Mötely Crüe, y Anthrax. Haruna siempre ha nombrado como una de sus grandes influencias Helloween y su álbum Master of the Rings. Los guitarristas que han influenciado en el estilo de Midori, según ella, han sido, Kiko Loureiro, Nuno Bettencourt o Yngwie Malmsteen entre otros. Las influencias de Miyako pasan por clásicos como Deep Purple o Rainbow, y por grupos más actuales como Polyphia y sus dos guitarristas, Timothy Henson y scott LePage. Sin embargo las influencias de la vocalista Asami vienen del R&B y la música soul, y llegó a estudiar cuando se mudó con 16 años jazz y danza hip - hop. 

Toda esta mezcla de géneros han influenciado en el sonido Lovebites, que contiene influencias del hard rock clásico, del heavy metal y el power metal clásico de finales de los años 80 y 90 mezclado con el power metal más actual y que podemos  comprobar en su tercer álbum de estudio, Electric Pentagram, el recomendado para la ocasión. Este disco fue publicado el 29 de enero de 2020 por el sello discográfico Victor Entertainment en Japón y dos días después en Estados Unidos por el sello discográfico JPU Records. Llegó a alcanzar un meritorio decimosegundo puesto en la lista japonesa Billboard Japan. 

El grupo había estado muy ocupado durante la primera mitad del año 2019, pues la gira japonesa de su segundo álbum de estudio había comenzado en enero de ese año. La preproducción de Electric Pentagram comenzó precisamente durante la gira de su segundo disco, Clockwork Inmortality. Miyako, compositora de la música de la mitad de los temas, comentaba al respecto que había estado escribiendo canciones desde finales de 2018 hasta marzo de 2019, y luego trabajó en los arreglos de marzo a mayo, comenzando a grabar en junio de 2019. Las restantes canciones fueron escritas entre Miho, Midoi y Asami, contando con la colaboración de la tecladista Mao, del grupo Light Bringer. Durante la referida gira de 2019,despues de los conciertos, la bajita Miho y la vocalista Asami se quedaban en las habitaciones de los hoteles escribiendo las letras de las canciones. 

El título del álbum, Electric Pentagram, significa que Lovebites está "protegiendo el heavy metal", ya que los pentagramas también se asocian a los amuletos utilizados para la protección, y los cinco puntos del pentagrama representan a las cinco miembros del grupo. Había cierto miedo entre algún que otro sector de los seguidores de la banda porque su popularidad iba en aumento y temían que el estilo de la banda cambiara y se volvieran hacia el pop, algo que el grupo se encargó de desmentir, seguirían el camino del metal. Para la portada del álbum, donde aparece un lobo y un pentagrama, Lovebites recurrió al dúo de artistas españoles, David López Gómez y Carlos Vicente León a través de su empresa The EasyRabbit CreArtions. El disco
sería publicado en enero de 2020 por el sello discográfico Victor Entertainment.

Comienza el álbum con Thunder Vengeance, caracterizado por su potente riff. Miho creó el riff después de ver a Slayer en el Download Festival Japan el 21 de 2019. Holy War es la única canción donde está acreditada toda la banda en la composición de la letras. El grupo se inspiró en el grupo brasileño Angra para escribir esta canción, y en los solos de su ex guitarrista Kiko Loureiro. Golden Destination fue escrita en honor y para honrar el metal británico, una de las grandes influencias de la banda. Un tema con ciertos toques de AOR y que nos recuerda por momentos mucho a una de las grandes precursoras del power metal, Halloween. Raise Some Hell, con su toque de hard rock, se inspiró en el grupo Halestorm. Las letras del grupo generalmente son bastante serias y la banda quería hacer una canción con letras menos serias. Después de la descarga de Today Is the Day, le llega el turno a When Destinies Align, con la que llegamos al ecuador del disco, una pista descrita por la propia banda como speed metal melódico. Asami escribió la letra sobre las cinco componentes del grupo. La música fue escrita por Miyako, que había titulado originalmente la canción Lovebites, quería usar el nombre de la banda para titular alguna canción que merecise tal honor. Finalmente acabó cambiándose el título.

A Frozen serenade surgió como un apuesta personal de Asami, la cantante quería una "triste balada de invierno". La cantante quería incluir una guitarra acústica en este tema, aún sabiendo que es más difícil que la guitarra eléctrica en el sentido de que se notaría el más mínimo error, algo que no llegó a suceder, pues el resultado es más que notable. Dancing With The Devil es la primera canción donde Midori aparece como compositora de la banda, escribiendo la letra con Asami. Mientras que la música fue escrita por Mao y la propia Midori. En realidad esta canción había sido escrita para su álbum anterior, pero esta no encajaba. Para ser incluida en este tercer álbum se reelaboraron los riffs y los arreglos de guitarra. La canción Sign of Deliverance en realidad había sido escrita a principios de 2018 y el grupo la había estado tocando en directo desde julio de 2019, cuando no tenía ni siquiera título. La canción se caracteriza porque sus dos guitarristas, Miyako y Midori tocan realzando la técnica del Tapping, Miyako quería precisamente una canción donde las dos guitarristas tocaran utilizando dicha técnica. Set The World Fire, con su toque de trash metal, es una de las canciones más potentes del álbum, mientras que The Unbroken, según Miho, fue la canción más difícil del disco, tanto por sus arreglos como a la hora de grabarla. Cierra este notable disco con Swan song. Miyako, para escribir la música, combinó elementos de sus clásicos favoritos, Revolutionary Étude (Estudio Revolucionario) de Frédéric Chopin, y New World Symphony (Sinfonía del Nuevo Mundo) de Antonín Dvorák. Posteriormente Asami escribió las letras de forma que estas coincidieran y transcurrieran a la par que el estado de ánimo de la canción. La formación clásica de Asami le hizo pensar en el El lago de los cisnes, y basándose en el tema agregó un coro de acompañamiento similar a una ópera, y también agregó un piano, el cual representa en su parte final la muerte del cisne.

Electric Pentagram es un disco más que recomendable, pues además de su gran evolución con respecto a trabajos anteriores, el grupo muestra una solidez, una compenetración y una técnica increíbles, y una gran madurez en la composición de las canciones.

1002.- The Cisco Kid - War

War fue una banda conocida por su capacidad de combinar diferentes géneros musicales a la perfección. Los miembros de la banda procedían de diversos orígenes y etnias, incluidos afroamericanos, latinos y nativos americanos. Esta diversidad se reflejó en la música que crearon. La música de War era una fusión de rock, jazz, funk, latín y R&B. Sus canciones a menudo incluían letras en español u otros idiomas, lo que hacía que su música fuera accesible a una amplia audiencia aunque procedían de diferentes barrios de Los Ángeles y sus alrededores con orígenes dispares y edades diferentes, los músicos encontraron un hilo común de interés en la creación musical. "Mezclamos y mezclamos todo, incluso la música de mariachi", recordó el teclista de War, Lonnie Jordan. “Tocábamos blues constantemente. Intentábamos imitar lo que oímos, pero salió otra cosa”. Influenciados por la diversidad racial de los jóvenes músicos, también se combinaron elementos de soul, jazz, reggae y rock and roll convencional para crear una mezcla auditiva que definió el sonido distintivo de War. Después de una serie de nombres, incluidos los Creators, los Romeos y Nightshift, en 1969 en Hollywood, un productor discográfico los captó y les presentó a la superestrella británica Eric Burdon, quien recientemente se había separado de los Animals. Nightshift cambió su nombre a War y respaldó a Eric en el sencillo de MGM Records de 1970, "Spill the Wine", que indujo a la ensoñación y vendió millones de copias. . Además, la música de War no se trataba sólo de entretenimiento. Fue un reflejo de los tiempos y de las cuestiones sociales y políticas del momento. El mensaje de unidad y aceptación de War se adelantó a su tiempo y su música sirvió como vehículo para el cambio social.

 “The Cisco Kid”, publicada en 1973, fue el mayor éxito de War y cuenta la historia de un personaje icónico del oeste americano. Cisco Kid era un personaje de una serie de películas del oeste estadounidense que apareció por primera vez en 1914. El personaje fue creado por O. Henry, el seudónimo de William Sydney Porter, y luego se adaptó a cómics, películas y programas de televisión. Cisco Kid era conocido por su encanto, ingenio y sentido del humor. Siempre estuvo dispuesto a ayudar a los necesitados y sus aventuras a menudo transcurrieron en un contexto de injusticia y corrupción. En 1972, los productores de un nuevo programa de televisión, "The Cisco Kid", se acercaron a War y le pidieron a la banda que escribiera e interpretara el tema principal. War aceptó la oferta y “The Cisco Kid” se convirtió en un éxito instantáneo. La canción alcanzó el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 100 y permaneció allí durante dos semanas. Sigue siendo una de las canciones más reconocibles del catálogo de War. El ritmo alegre de la canción y el estribillo pegadizo hacen que sea fácil bailar, pero la música también tiene un significado más profundo. La canción fue lanzada en 1973, una época en la que Estados Unidos enfrentaba agitación social y política. La música de War fue un reflejo de estos tiempos, y The Cisco Kid no fue la excepción. En esencia, The Cisco Kid es una canción de esperanza y unidad. Reúne a las personas, independientemente de su raza, etnia o estatus socioeconómico. El mensaje de la canción es simple: todos somos parte de la misma familia humana y debemos amarnos y respetarnos unos a otros.

1001.- You are the sunshine of my life - Stevie Wonder

Lanzada en 1972 dentro del álbum "Talking Book", "You Are the Sunshine of My Life" ("Eres el sol de mi vida") es una de las canciones más románticas de la carrera de Stevie Wonder, todo una declaración de amor arropada en suaves arreglos y un cálido ritmo de piano acompañando a la prodigiosa y apasionada voz del gran músico estadounidense, que regala a los oídos y los corazones de los oyentes una pieza melódica y cautivadora.

La canción es una optimista celebración del amor, y de la alegría y la felicidad de tener a la persona amada a tu lado, a priori un tema tan simple y tantas veces repetido, pero que en "You Are the Sunshine of My Life" está tratado con una belleza instrumental y lírica de lo más sencillas y, paradójicamente, de lo más impactantes. La imprescindible y característica armónica, tan presente en muchas de las grandes canciones de Stevie Wonder hace aquí también su aparición estelar, y el tema se completa con unos suaves coros que son el complemento perfecto para la voz principal.

Su mensaje es tan sencillo y, a la vez, tan universal, que la canción no ha quedado relegada al olvido ni ha sufrido las consecuencias del paso del tiempo como otras canciones de Wonder, sonando hoy en día con la misma vigencia e intensidad que antaño. Al fin y al cabo, el sol sigue saliendo cada día, y el sentimiento que produce tener a la persona adecuada a tu lado sigue siendo el mismo.

1000.- Superstition - Stevie Wonder

"Superstition" es, probablemente, la canción más icónica del músico estadounidense Stevie Wonder. Fue el gran single de su disco de 1972 "Talking Book". Considerada una de las grandes obras maestras del funk y el soul, su increíble ritmo de teclado, que tendría casi la categoría de "riff icónico", y su potente ritmo de acompañamiento con una batería y un bajo sensacionales, impresionan de principio a fin de la canción, y provocan que, para cuando la voz de Stevie Wonder entra en escena, estemos ya entregados a una canción legendaria.

Wonder le aporta además una interpretación vocal intensa y apasionada, alejada de la suavidad melódica de otras grandes piezas de su repertorio, y con una letra que explora la idea de la influencia negativa de la superstición en nuestro comportamiento y en las decisiones que tomamos en nuestras vidas, introduciendo una capa de crítica social al defender la importancia de mantenerse firme y no dejarse llevar por creencias falsas o irracionales que nos distraen de los problemas reales.

La inclusión de una sección de vientos es la guinda perfecta para terminar de darle el efectivo toque funk a la pieza y elevarla hasta la categoría de obra memorable, que tras su lanzamiento se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales y de crítica de la carrera de Stevie Wonder, y que a lo largo de las décadas ha sido versionada y sobre todo, sampleada hasta la saciedad por un buen número de artistas, atrapados por el embrujo y la adictiva cadencia de su mágico ritmo de teclado. ¿Embrujo? ¿Magia? No seamos supersticiosos, es mucho más evidente hablar, directamente de "obra maestra".

Funkadelic - The Electric Spanking of War Babies (Mes Funkadelic)

El artista del mes Funkadelic y su álbum The Electric Spanking of War Babies #mesFunkadelic

El álbum "The Electric Spanking of War Babies" de Funkadelic es un fascinante capítulo en la trayectoria de la banda, marcando su regreso a la escena musical en 1981 con una mezcla única de funk, rock y elementos electrónicos. Con su distintiva fusión de géneros y letras provocativas, este álbum ofrece una experiencia auditiva emocionante y a menudo subversiva.

El álbum se inicia con la pista homónima "Electric Spanking of War Babies", que establece un tono enérgico y rítmico desde el principio. Con ritmos pulsantes y guitarras vibrantes, la canción encapsula la habilidad de Funkadelic para combinar elementos de rock y funk en una mezcla electrizante. La voz característica de George Clinton agrega una capa adicional de personalidad, mientras que las letras crípticas y provocativas invitan a los oyentes a adentrarse en la narrativa.

"Shockwaves" continúa con una energía contundente, impulsada por sus ritmos contagiosos y las capas de sintetizadores. La canción muestra la habilidad de la banda para abrazar influencias electrónicas, creando un ambiente futurista y experimental que se suma a la paleta sonora del álbum. La voz de Clinton, llena de carisma y entrega, sigue siendo un punto focal que guía a los oyentes a través de las diferentes pistas.

Canciones como "Funky Kind (Gonna Knock It Down)" y "Electro-Cuties" mantienen el ritmo en alto con su combinación de ritmos funk y elementos de rock. Las letras juguetonas y a veces provocativas son un recordatorio del enfoque audaz de Funkadelic en la música y la expresión lírica. Estas pistas también destacan por sus arreglos instrumentales intrincados y su capacidad para mantener a los oyentes moviéndose.

El álbum se toma un momento para explorar territorios más serenos y melódicos con "Icka Prick" y "The Blender". Estas pistas muestran un lado más suave y melódico de Funkadelic, revelando su versatilidad y capacidad para crear ambientes cambiantes dentro del álbum. La voz suave y melancólica en "Icka Prick" contrasta con la instrumentación más estratificada de "The Blender", que crea una sensación de inmersión sonora.

Una de las pistas destacadas del álbum es "One of Those Summers", que presenta una mezcla de nostalgia y reflexión. Con su tono más melódico y letras que capturan la esencia de la época, la canción ofrece una mirada introspectiva sobre la vida y el paso del tiempo. La voz emotiva de Clinton agrega profundidad emocional a la pista, creando una conexión con los oyentes.

En "The Electric Spanking of War Babies", Funkadelic logra un equilibrio hábil entre la experimentación y la accesibilidad. La combinación de influencias musicales y la mezcla de elementos electrónicos con el funk y el rock demuestran la evolución constante de la banda. Las letras enigmáticas y a veces provocativas complementan la narrativa sonora, invitando a los oyentes a desentrañar el significado detrás de la música.

En resumen, "The Electric Spanking of War Babies" es un álbum audaz y ecléctico que muestra la capacidad de Funkadelic para desafiar las convenciones musicales y fusionar géneros de manera única. A través de su mezcla de funk, rock y elementos electrónicos, la banda crea un paisaje sonoro en constante cambio que invita a la reflexión y al movimiento. Este álbum demuestra que, a pesar de los años transcurridos desde su fundación, Funkadelic seguía siendo una fuerza creativa e innovadora en la música.

Daniel 

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0999 - Stevie Wonder - You and I

0999 - Stevie Wonder - You and I

Stevie Wonder, un prodigio musical venerado por su innovación y talento, ha dejado una marca indeleble en la industria. Nacido como Stevland Hardaway Judkins en 1950, su ceguera desde la infancia no fue obstáculo para convertirse en un ícono de la música. Conocido por su habilidad multifacética como cantante, compositor, productor e instrumentalista, Stevie Wonder ha demostrado su versatilidad a lo largo de su extensa carrera.

Una de las gemas dentro de su discografía es la canción "You and I", lanzada en 1972 como parte del álbum "Talking Book". Esta canción encarna la esencia de Stevie Wonder: letras profundas, arreglos musicales ricos y una voz distintiva que transmite emociones palpables. "You and I" es un himno atemporal de amor y conexión. La canción resuena con la intimidad y la vulnerabilidad, elementos que caracterizan muchas de las creaciones de Stevie Wonder.

En "You and I", Stevie Wonder nos guía a través de una serenata emotiva. La canción comienza con un piano suave y una melodía delicada que establece una sensación de calidez. La voz de Wonder entra con su distintivo timbre, transmitiendo ternura mientras expresa sus sentimientos hacia la persona amada. La lírica, sencilla pero evocadora, pinta un retrato de amor genuino y duradero. Wonder canta sobre compartir momentos y sueños, creando un aura de romanticismo que ha resonado con generaciones de oyentes.

Los arreglos musicales en "You and I" son un testimonio del virtuosismo de Stevie Wonder como músico. Su habilidad para fusionar elementos de soul, R&B y pop resulta en una melodía exquisita que cautiva los sentidos. Los coros enriquecen la canción, añadiendo profundidad y coro a la expresión de sus emociones. El puente instrumental, típico de muchas canciones de Stevie Wonder, muestra su destreza con la armónica, un instrumento que él domina con maestría.

"You and I" también destaca por su producción cuidadosa. Stevie Wonder siempre ha sido un innovador en el estudio de grabación, experimentando con tecnología y sonidos para crear un ambiente único. La canción logra capturar la esencia del amor íntimo al combinar la emotividad lírica con una instrumentación excepcional y una producción meticulosa.

En resumen, "You and I" de Stevie Wonder trasciende el tiempo como un himno atemporal al amor. A través de su voz inconfundible, su talento instrumental y sus arreglos magistrales, Stevie Wonder nos lleva en un viaje emocional que perdura a lo largo de las décadas. La canción es un recordatorio conmovedor de la capacidad de la música para conectar profundamente con las experiencias humanas, y Stevie Wonder sigue siendo un faro resplandeciente en el panorama musical.

Daniel 

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0998 - Stevie Wonder - I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)

0998 - Stevie Wonder - I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)

Stevie Wonder, una leyenda musical ciega desde la infancia, ha dejado una huella indeleble en la industria con su talento versátil y su habilidad para fusionar géneros. Su canción "I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" es un ejemplo conmovedor de su genio creativo. 

Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Talking Book", la canción destaca por su emotiva letra y la impresionante interpretación vocal de Wonder. La canción se adentra en el terreno del amor y la esperanza, retratando la convicción de que el amor verdadero es eterno y transformador. La voz apasionada de Stevie Wonder transmite una sensación de sinceridad que llega directo al corazón de los oyentes.

La pista es una amalgama de diversos elementos musicales, que es una característica distintiva de la música de Stevie Wonder. Mezcla su característico estilo de soul con elementos de pop y balada, creando una experiencia auditiva que trasciende los límites de un solo género. La instrumentación es rica y armoniosa, con arreglos cuidadosamente elaborados que respaldan la emotiva narrativa de la canción.

"I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" no solo es una canción sobre el amor romántico, sino que también toca temas más profundos y universales sobre la esperanza y la fe en algo más grande que uno mismo. La letra habla de la confianza en que el amor tiene el poder de transformar vidas y superar obstáculos, creando una conexión significativa con los oyentes que pueden relacionarse con estos sentimientos.

La canción ha perdurado en el tiempo, convirtiéndose en un clásico atemporal en el repertorio de Stevie Wonder. Su impacto trasciende generaciones y continúa resonando con audiencias de todas las edades. La emotividad de la canción y la autenticidad de la interpretación de Stevie Wonder le otorgan una calidad atemporal que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento.

En resumen, Stevie Wonder y su canción "I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" son testigos del profundo impacto que un artista visionario puede tener en la música. A través de su mezcla única de géneros, letras conmovedoras y voz apasionada, Wonder logra crear una experiencia musical que toca los corazones y las almas de los oyentes, recordándonos el poder duradero del amor y la esperanza.

Daniel 

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0997.- I'm Still In Love With You - Al Green

 

I'm Still In Love With You, Al Green

     I'm Still In Love With You es el quinto álbum de estudio del cantante estadounidense de soul y gospel Al Green. Este trabajo fue grabado en los Royal Recording Studios de Memphis, Tennessee, bajo la producción del trompetista, director de orquesta, productor y arreglista de soul, R&B, rock and roll, pop y funk estadounidense Willie Mitchell, y publicado en octubre de 1972 por el sello discográfico Hi Records. Al Green consiguió con este disco alcanzar el puesto número cuatro en la lista estadounidense Billboard 200, y el número uno en la lista de los mejores álbumes de R&B / Hip Hop, también de dicho país. En su autobiografía editada en el año 2000, Al Green afirmaba sobre la llamativa portada del disco: "Con mi jersey de cuello alto blanco, mi zapatos blancos de charol con tacones y un sólo toque de diamantes y oro, era tan genial, y además teniendo el control sobre la música en esta versión".

Incluido en este disco se encuentra el tema que da título al mismo, I'm Still In Love With You, acreditada al propio Al Green junto con Al Jackson Jr. y el productor Willie Mitchell. Fue lanzada como sencillo promocional del disco ocupando la cara A, y acompañada en la cara B por Old Time Lovin'. El sencillo llegó a alcanzar el puesto número 1 de la lista estadounidense Hot Soul Singles en agosto de 1972 durante do semanas, y el puesto número 3 en la lista de sencillos Billboard Hot 100. Esta canción ha conseguido vender con el tiempo más de un millón de copias y está considerada como una de las más exitosas, influyentes y populares de Al Green. Estamos ante una romántica confirmación del amor que ha sido bastante versionada, siendo una de las más destacables la realizada por el músico británico Seal en su álbum Soul de 2008.

0996 - Miles Davis - On the corner

0996 - Miles Davis - On the corner

Miles Davis, un ícono indiscutible del jazz, sigue cautivando a oyentes de todas las generaciones con su innovadora obra "On the Corner". Lanzada en 1972 como parte del álbum homónimo, esta canción encarna la vanguardia y la audacia que caracterizaban a Miles Davis.

En "On the Corner", Miles Davis se aventura audazmente en terrenos desconocidos, fusionando el jazz con elementos del funk, rock y música electrónica, lo que en su momento generó controversia y desconcierto entre los puristas del jazz. La canción se caracteriza por su estructura en capas, donde se superponen grooves rítmicos y líneas melódicas que se entrecruzan de manera caótica y, sin embargo, cohesiva. La incorporación de sintetizadores y efectos electrónicos, considerados arriesgados en ese momento, aporta una textura única y una sensación futurista a la música.

La innovación de "On the Corner" radica en su enfoque repetitivo y hipnótico, que refleja la influencia de la música minimalista y las tendencias vanguardistas de la época. Esta elección estilística permite a Davis explorar las posibilidades de la improvisación, convirtiendo la canción en una plataforma para la expresión individual de los músicos. Los solos de trompeta de Davis son destellos de genialidad, donde su característico sonido melancólico se entrelaza con la frenética energía de la música de fondo.

La pieza evoca una atmósfera urbana y frenética, como si fuera una banda sonora de la vida en la ciudad. Los ritmos infecciosos y las capas de sonido en constante cambio reflejan la agitación y el ritmo acelerado de la vida moderna. Es como si Miles Davis hubiera capturado la esencia misma de la ciudad en su música, transformando los sonidos y el caos en una forma de arte sonora.

Aunque inicialmente incomprendida, "On the Corner" ha resistido el paso del tiempo y ha ganado reconocimiento como una obra maestra de la experimentación musical. Su influencia se extiende a lo largo de géneros y generaciones, inspirando a músicos de diversas disciplinas a abrazar la exploración y la innovación en su propio trabajo.

En conclusión, "On the Corner" es un testimonio del genio creativo de Miles Davis y su disposición a desafiar las convenciones artísticas. La canción sigue siendo un monumento al poder de la experimentación y la audacia en la música, y una ventana a la mente de un músico legendario que nunca temió explorar lo desconocido.

Daniel 

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One nation under a groove - #mesFunkadelic

Tras diez años entregando increíbles discos de colorido funk que llegaban únicamente a un privilegiado y reducido número de seguidores, "One nation under a groove" fue el disco que catapultó a Funkadelic a las grandes ligas del mainstream, con una tan perfecta como original combinación de funk, rock, pop, and R&B.

Era su décimo álbum de estudio, que contaba con la novedad de la llegada de Walter “Junie” Morrison, que colaboró en todo el proceso compositivo del disco. No fue la única incorporación al grupo, ya que para cubrir la sensible baja de Eddie Hazel ficharon al por entonces "chico prodigio" Mike Hampton, que evolucionó su particular sonido de guitarra hacia una explosiva mezcla entre los registros de su antecesor y los del gran Jimi Hendrix, convirtiéndose con ello en una de las sensaciones del momento en el mundillo de la guitarra y el funk.

El disco comienza con el tema titular y el single más potente del disco, "One Nation Under a Groove", una intensa pieza funk de más de siete minutos de duración que es una de las mejores composiciones de Funkadelic, y la canción más "accesible" del disco, creada a partir de una pegadiza línea de bajo y palmas sustituyendo al rol de la batería. El conjunto rítmico se completa con campanas tubulares, metales creados con sintetizadores y riffs de guitarra, mientras múltiples voces van apareciendo a lo largo de una canción que es una auténtica obra maestra de creatividad funk.

Aún reconociendo que la canción principal está por encima del resto del disco, eso no le quita relevancia e interés a temas tan geniales como "Groovallegiance", en un tono más relajado pero igualmente pegadiza, o la rockera Who Says A Funk Band Can't Play Rock Music, en la que sacan pecho mezclando el funk con el sonido de Jimi Hendrix, completando una primera cara de disco sin desperdicio.

La segunda cara abre con "Promentalshitbackwashpsychosis Enema Squad (The Doo Doo Chasers)" la canción más larga del disco, no solo por la longitud de su título, sino por sus 11 minutos de duración. A pesar de poseer un ritmo groove bastante pegadizo, la enmarañada estructura vocal, compuesta de múltiples voces diferentes, complica excesivamente la escucha y deja la sensación de haberse beneficiado de una mayor brevedad, algo que Funkadelic consiguen mejor en las otras dos canciones que completan la cara B: Tanto "Into You" como "Cholly (Funk Getting Ready To Roll!)" son piezas más accesibles y con una duración mucho más ajustada.

Con todas sus genialidades y excesos, es innegable que "One nation under a groove" fue, y sigue siendo, el álbum más exitoso de la imprevisible banda liderada por George Clinton, llegando a alcanzar el primer puesto del Billboard en la modalidad de discos de R&B/Hip-Hop y el 16 del Billboard 200. Más allá de las ventas cosechadas, es junto a "Maggot Brain" el álbum de Funkadelic más elogiado por la crítica especializada, que lo calificó como un disco de funk sorprendentemente cercano al rock progresivo, una mezcla tan inclasificable y mágica que podríamos llamar "soul funk progresivo", que combinaría las bases más clásicas del funk con la música de Hendrix, Sly & The Family Stone y un sinfín de otras variadas influencias, todas ellas genialmente combinadas en la gran coctelera de "One nation under a groove".

El disco de la semana 345: Captain Beyond - Captain Beyond

 

Captain Bewyond

     Para la recomendación de esta semana traemos una formación estadounidense que a pesar de las contínuas disputas y los problemas internos, nos regalaron buenos momentos, como el disco recomendado para la ocasión.

Captain Beyond es un grupo estadounidense que se formó en Los Angeles allá por el año 1971. El grupo original estaba formado por el ex vocalista de Deep Purple Rod Evans, el ex baterista de Johnny Winter Bobby Caldwell, el ex guitarrista de Iron Butterfly Larry Reindhardt y el ex bajista también de Iron Butterfly Lee Dorman. El grupo fue capaz de desarrollar un estilo propio, muy ecléctico, uniendo elementos propios de hard rock, rock progresivo, jazz fusión y del llamado space rock. 

Ya desde sus inicios el grupo tenía problemas bastantes importantes, pues Evans, Reindhardt y Dorman arrastraban disputas legales con sus anteriores bandas, Deep Purple y Iron Butterfly, unido a una disputa sobre el estilo musical del fundado Captain Beyond, con su sello discográfico, Capricorn Records. Y por si esto fuera poco, hay que sumarle los constantes problemas entre los mismos miembros del grupo, Rod Evans estuvo entrando y saliendo varias veces, hasta que en 1973 acabó saliendo definitivamente de la banda después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio. A estos cuatro componentes fundadores habría que sumar un quinto, el teclista Lewie Gold, que acabaría marchándose por motivos personales antes de grabar el primer disco de la banda.

Nos vamos a centrar en la recomendación, su álbum debut, de título homónimo, Captain Beyond, grabado durante 1972 en los Sunset Sound Recorders estudios de Hollywood, bajo la producción del grupo y publicado ese mismo año por el sello discográfico Capricorn Records, famoso por tener entre sus filas a los míticos The Allman Brothers Band. De hecho, el álbum estaba dedicado a la memoria de Duane Allman, con quien el baterista Bobby Caldwell, había tocado de manera informal. La portada del álbum fue diseñada por el artista e ilustrador Josh Garnett, y presentaba un diseño muy psicodélico con elementos abstractos. En Estados Unidos la portada incluía ilustraciones en 3-D. 

La mayor parte del álbum consta de tres bloques de canciones interconectadas entre sí. El rpimer bloque comienza con "Dancing Madly Blackwards (On a Sea Of Air)" y termina con "Myopic Void". El segundo bloque comienza con "Thousand Days Of Yesterdays (intro)" y termina con "Thousand Days Of Yesterdays (Time Since Come And Gone)". El tercer y último bloque comienza con "I Can't Feel Nothin' (part 1)" y termina con la última canción del disco, "I Can't Feel Nothin' (part 2)". Toda la composición del álbum es atribuida y acreditada a Rod Evans y Bobby Cladwell, aunque todas las canciones fueron escritas por todos los componentes, pero ni Reindhardt ni Dorman pudieron figurar en los créditos por razones legales derivadas de su paso por su anterior grupo.

Estamos ante un álbum diferente, pues es una rareza entre los discos de hard rock, ya que contiene una amplia gama de influencias, incluida la música latina, el jazz, o el space rock, y todo con el rock progresivo como hilo conductor. El disco va fluyendo incluso con varios tipos de compás dentro de una misma canción, al más puro estilo de The Moody Blues, y las canciones fluyen sin ningún espacio entre unas y otras. Líricamente, el álbum explora temas del mundo exterior y los significados de la existencia, haciendo referencias a la luna, el mar, el sol, la guerra o la muerte, lo que nos da la sensación de estar realizando un viaje por el espacio en un cohete con destino desconocido. El álbum, a medida que avanza, crece y crece, merced a unas letras de fantasía, unos compases salvajes y una interpretación muy compenetrada entre los componentes del grupo. La forma en la que las canciones están secuenciadas no nos deja tiempo para recobrar el aliento. 

Este disco debut es considerado todo un clásico del rock progresivo y del hard rock de la época gracias a la magistral fusión de estilos donde tienen cabida el rock progresivo, psicodélico, jazz o la música latina. Presenta unas composiciones musicales muy complejas y elaboradas que incluyen experimentación con el sonido, cambios de tempo, y unas estructuras inusuales. Los miembros del grupo eran muy talentosos y así lo demuestran a la hora de ejecutar los temas. 

Captain Beyond es un claro ejemplo de creatividad, donde las canciones brillan por los cambios de tempo, la fusión, las letras poéticas, la experimentación, y la mezcla de secciones suaves y melódicas con momentos más pesados y dinámicos. El grupo demuestra su gran versatilidad para crear piezas complejas y crear una atmósfera progresiva, logrando juntar todo para que funcione como una única obra cohesionada entre sí. Todo esto hace que el álbum debut de Captain Beyond sea considerado como un clásico atemporal, muy apreciado por los amantes del rock progresivo y del hard rock. 

Desafortunadamente, la formación original, debido a sus problemas internos, no duró mucho tiempo, y la banda experimentó varios cambios de miembros durante los años siguientes. A pesar de esto, lograron lanzar varios discos a lo largo e los años, pero ninguno como su debut, Captain Beyond, considerado por derecho propio como un disco de culto.