0700.- Child in time - Deep Purple

Cuando el rock progresivo y el heavy metal se combinan con una increíble interpretación vocal, y la banda se deja llevar durante diez excelsos minutos, entonces estamos hablando de Deep Purple y su tema "Child in Time", la primera canción compuesta por la segunda formación del grupo, inspirada en la muerte del padre del violinista David LaFlamme durante la Guerra Fría, e incluida en su álbum "In Rock" de 1970 (aunque una versión inicial aparecía ya, un año antes, en su disco Concerto for Group and Orchestra).

Child in time Comienza con un dramático y oscuro solo de órgano Hammond de John Lord, al que acompaña una ligera batería y, sobre todo, el lamento vocal de Ian Gillan, que va creciendo hasta explotar en notas increíblemente altas, tanto que desgraciadamente, desde 2002, y con la voz del cantante desgastada con la edad, la canción ha desaparecido de su repertorio en directo, por temor a no llegar a los registros vocales que la canción exige. De todas las versiones en directo, es especialmente famosa la interpretación de Child in time en el mítico concierto de Made in Japan (1972), considerado uno de los mejores discos en directo de todos los tiempos, y en el que este tema se iba a una duración todavía mayor.

En la segunda parte de la canción se produce el clímax instrumental de la banda al completo, con un riff inspirado en los violines del tema "Bombay Calling", una canción de la banda It's a Beautiful Day, y un excelso solo de guitarra de Ritchie Blackmore que acaba en un final abrupto y repentino, dando paso a la coda final, que es un retorno a la estructura dramática del principio de la canción. Pese a los cambios de ritmo tan pronunciados, es el conjunto lo que realmente se convierte en una experiencia sonora impresionante, que recomendamos escuchar del tirón, a máximo volumen, y en algún lugar de la casa al que nada ni nadie pueda acceder con distracciones exteriores.

0699-. Flight Of The Rat - Deep Purple

 

Flight Of The Rat, Deep Purple

     Deep Purple In Rock es uno de los álbumes más icónicos de de la mítica banda británica Deep Purple, que además servía de presentación para la formación denominada Mark II, pues al guitarrista Ritchie Blackmore, al tecladista John Lord y al baterista Ian Paice se sumaban el bajista Roger Glover y el cantante Ian Gillan.

El álbum se comenzó a grabar en 1969. La compañía que se encargaba de la edición de sus trabajos en Estados Unidos, Tetragrammaton Records estaba al borde de la bancarrota y no pudo promocionar el disco en dicho país, por lo que finalmente la todopoderosa Warner Bros compraría Tetragrammaton Records y además pagaría todas las deudas acumuladas que el grupo había contraído, lo que dió al grupo la tranquilidad necesaria para poder grabar el álbum, el cuál finalizaron en abril de 1970. Warner Bros fue la encargada de publicarlo en Estados Unidos y Harvest Records fue la compañía encargada de publicarla en el Reino Unido. Para la grabación del álbum utilizaron los estudios IBC , De Lane Lea y Abbey Road en función de su disponibilidad. Desde la tranquilidad que daba poder centrarse únicamente en el aspecto musical, el trabajo de la banda dió como fruto uno de sus mejores trabajos, el cual se vió refrendado tanto en las ventas cómo en las alabanzas de la crítica especializada de la época. el disco tenía siete auténticos trallazos para un disco redondo redondo.

Para la portada del álbum trabajaron sobre la idea del entonces uno de los gerentes del grupo, Tony Edwards. En dicha portada aparece el famoso Monte Rushmore enclavado en la localidad de Keystone (Dakota del sur, Estados Unidos), con los rostros de los miembros del grupo sustituyendo a los presidentes, de forma que de izquierda a derecha Gillan sustituye a George Washington, Blackmore a Thomas Jefferson, Lord a Theodore Roosevelt, Glover a Abraham Lincoln, y cómo son sólo cuatro los presidentes que aparecen en el monte, Paice simplemente aparece cómo un quinto busto a la derecha de Glover.

Incluido en este álbum podemos disfrutar de Flight of the Rat, el cual aparece acreditado, como solía ser habitual en esa época, a los cinco componentes de la banda.El tema comenzó como una broma, pues en un momento dado, mientras se encontraban trabajando en el disco, alguien hizo referencia al tema clásico Flight of the Bumblebee (El vuelo del moscardón) de Nikolái Rimski-Kórsakov y entonces John Lord empezó a realizar improvisaciones y variaciones sobre este tema. Es un tema en contra de las drogas, pues el término The Rat hace referencia al hábito y consumo de drogas.

0698.- White Mountain - Genesis

 "Trespass" es el segundo álbum de estudio de larga duración de la banda británica de pop/rock y rock progresivo Genesis. El álbum fue lanzado a través de "Charisma Records" en octubre de 1970. Es el sucesor de "From Genesis to Revelation" de 1969 y presenta un cambio de formación ya que el predecesor como baterista Jonathan Silver ha sido reemplazado por John Mayhew. El álbum debut no le había dado mucho éxito a Génesis, y querían expandir su sonido y ser más creativos, incorporando elementos de la música clásica y folk a su sonido pop/rock central. Como resultado, "Trespass" es el primer álbum de rock progresivo en la discografía de Génesis. Uno de los grandes activos del sonido de la banda es la voz, las letras y la entrega de Peter Gabriel. Hay algo mágico en la forma en que es capaz de contar una historia mientras canta. Su función es un rol combinado de narrador y cantante, y mientras otros lo han hecho tanto antes como después, y algunos también lo han hecho bien, Gabriel es un personaje único. Solo escuche cómo cuenta la historia de la épica batalla entre los dos lobos (Fang y One-Eye) en "White Mountain". Personalmente, sé que desaparezco en la tierra de los cuentos de hadas cada vez que Gabriel abre la boca y canta. Esto es pura magia de audio…

White Mountain es una delicada selección de notas de guitarra acústica dual, los instrumentos de viento en esta canción tienen un sabor medieval y la introducción de guitarra principal recuerda a Angus Young de AC/DC, por su técnica y sonido en "Thunderstruck"... en otras palabras. “White Mountain” es un cuento de hadas, relatando la historia de un lobo solitario que desafió las normas sagradas de su sociedad y pagó un precio terrible por ello. Todo esto enmarcado por música de persecución frenética y los característicos pasajes de guitarra de 12 cuerdas entrelazados y resonantes que tanto les gustaban a los fanáticos de Genesis. Peter Gabriel también comienza a experimentar procesando su voz con un efecto escalofriante (cuando recita las "leyes de los hermanos") y su inquietante silbido combinado con un órgano lúgubre hacia el final. Me encanta el melotrón de la introducción. Probablemente solo soy yo, pero creo que esta canción podría ser versionada por The Mars Volta y encajar perfectamente en Frances the Mute. Gran trabajo de guitarra de Anthony Phillips y Mike Rutherford, especialmente en las secciones acústicas. Buen trabajo de bajo a lo largo de Mike Rutherford. Lo único que me molesta de esta canción son los versos rápidos, John Mayhew toca una sensación de reproducción aleatoria mientras que la línea de órgano de Tony Bank son corcheas rectas. El final me recuerda al primer corte instrumental de The Cinema Show.

0697-. All Right Now - Free

 

All Right Now, Free

     Free fue una banda británica fundada en 1968, y compuesta originalmente por Paul Rodgers (Voz, guitarra y teclados), Paul Kossoff (Guitarra), Andy Fraser (Bajo y teclados), y Simon Kirke (Batería). Este grupo se convirtió en una influyente banda dentro del panorama británico rockero, y sólo los problemas internos impidieron que esta banda perdurase más en el tiempo y se hiciera más grande, como varios de sus integrantes reconocerían posteriormente. Dejaron tras de sí 6 discos de estudio, siendo con el tercero Fire and Water, editado en 1970, con el que consiguieron despuntar, consiguiendo todo un éxito de ventas con su clásico tema All Right Now.

Fire and Water fue grabado entre enero y junio de 1970 en los Island Studios y Trident Studios, ambos en Londres, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 26 de junio de 1970 por el sello discográfico Island. El álbum fue todo un éxito, alcanzando el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido, llegando a alcanzar un notable éxito también en Estados Unidos, donde ocupó el puesto 17 en las listas de ventas del país. Dicho éxito les sirvió para actuar siendo uno de los cabezas de cartel del Festival de las Isla de Wight en 1970.

Incluido en el disco se encuentra All Right Now, tema que supuso de largo, el mayor éxito del álbum, y de toda la carrera del grupo británico. La canción fue lanzada como sencillo con antelación al álbum, concretamente el 15 de mayo de 1970, llegando a alcanzar el puesto número 2 en la lista de sencillos del Reino Unido y el puesto número 4 en la lista de sencillos Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Llegó a alcanzar además el puesto número 1 en más de 20 países, y a finales de 1989 ya había sido reconocido por ASCAP (Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores) por obtener más de 1.000.000 de reproducciones en las emisoras de radio de Estados Unidos.

La canción fue escrita por el vocalista Paul Rodgers y el bajista Andy Fraser en el edificio de estudiantes de Durham, perteneciente a la Universidad de Durham capital del condado de Durham, situada al noreste de Inglaterra. Según el baterista Simon Kirke, All Right Now surgió después un mal concierto en la localidad de Durham. El repertorio del grupo se nutría en aquel momento principalmente de canciones de blues de ritmo lento y medio, lo cual estaba bien si eras un estudiante sentado en silencio y asintiendo con la cabeza. Al terminar el show en Durham, los aplausos se habían acabado antes de que Simon Kirke se hubiera bajado siquiera de la batería. Una vez en el camerino, se dieron cuenta de la necesidad de tener una canción con un ritmo más vivo, algo más potente para cerrar los conciertos. De repente la inspiración le llegó al bajista Andy Fraser y comenzó a saltar cantando All Right Now. La canción no les llevó más de 10 minutos escribirla.

0696.- ABC - Jackson 5

ABC es uno de los grandes éxitos de los Jackson 5, el grupo de Michael Jackson y sus hermanos, que hasta que no se convirtieron en The Jacksons, con la salida de Motown en 1976, no lograron la plena autonomía musical con la que poder demostrar sus talentos. Hasta entonces, las canciones del grupo eran en su mayoría obras de compositores en nómina de la todopoderosa Motown, y salvo por la voz del talentoso y joven Michael, el resto de instrumentos fueron grabados por músicos de sesión de la compañía.

Con mayor o menor peso del resto del grupo, lo incontestable es que la canción se convirtió al instante en un gran éxito, desbancando al Let it be de The Beatles de lo más alto del Billboard estadounidense en 1970, y siendo además nº1 de la lista de singles de soul durante cuatro semanas consecutivas. La canción dio además título al segundo álbum de la banda, lo cual da una idea de la importancia que este tema tenía ne el objetivo de Motown y los Jackson 5 de mantener el éxito de las primeras publicaciones del grupo.

La letra compara el momento de aprender lo que es el amor, con el aprendizaje de las letras del alfabeto o las notas musicales, así que es un buen guiño para todos los que sentimos un amor especial por la música, y nos dedicamos además a combinar las letras del alfabeto para contar cuánto nos gusta. Es lo que hacemos a diario en 7días7notas, para que la buena música siga saliendo a la luz. Como debieron hacerlo los músicos que participaron en la grabación de este tema, y que en su momento no fueron acreditados, hasta un año después. Así que cerramos el repaso a ABC mencionando a David T. Walker, Louis Shelton y Don Peake (guitarras), Wilton Felder (bajo), Gene Pello (batería), Freddie Perren (teclados) Sandra Crouch (tambourine) y un músico desconocido al que nunca se le pudo reconocer su labor con los bongos de esta gran canción.

The King of Limbs - #MesRadiohead

 

The King of Limbs, Radiohead

     El 14 de febrero de 2011 Radiohead informaba a través de su página web del nombre de su nuevo trabajo, The King of Limbs, el cual podría ser descargado en menos de una semana a través de la web. Cuatro días después aparecía en la página oficial del grupo el vídeo del tema Lotus Flower, uno de los temas del nuevo álbum. El 28 de marzo salía el disco en versión CD y vinilo. El 16 de abril lanzaba el sencillo Supercollider/The Butcher, dos temas que habían sido concebidas durante las sesiones de The King of Limbs, y que finalmente no fueron incluidas. Los archivos digitales de ambas canciones fueron puestas sin coste alguno a disposición de todos aquellos que habían adquirido el álbum. Pero además, el 6 de junio de 2011 la banda anunciaba el lanzamiento de una serie de remezclas de canciones de The King of Limbs, realizadas por varios artistas, en vinilos de 12 pulgadas y de naturaleza limitada, que se irían editando de forma eventual en varias tandas a lo largo de aquel verano.

Este fue el ambicioso proyecto ideado por la banda inglesa de rock alternativo para su octavo álbum de estudio, donde la banda vuelve a experimentar con los sonidos, explorando ritmos y texturas más tranquilas y calmadas que en sus anteriores trabajos, utilizando mucho las técnica del looping (consistente en uno o varios samples sincronizados que ocupan generalmente uno o varios compases musicales exactos y son grabados o reproducidos enlazados en secuencia una y otra vez dando sensación de continuidad) y del sampling (muestra de sonido grabado en cualquier soporte para reutilizarla posteriormente como un instrumento musical o una diferente grabación de sonido). 

Las versiones The King of Limbs en formato físico fueron publicados por la discográfica Ticker Tape en Estados Unidos, por la discográfica Hostess Entertainment en Japón y por la discográfica XL en el Reino Unido. Aunque hubo todo tipo de opiniones, el disco recibió por lo general críticas bastante positivas por parte de la crítica especializada, siendo nominado el disco para cinco categorías en los Premios Grammy, incluyendo la de mejor álbum alternativo. En febrero de 2012, la banda culminaba con la que sería su primera gira norteamericana en 4 años, incluyendo además de Estados Unidos, Canadá y México. Una gira que se vería empañada por el trágico suceso en el Downsview Park de Toronto, Canadá, el 16 de junio de 2012. Una hora antes de que se abrieran las puertas, el techo del escenario se derrumbó, causando la muerte del técnico de percusión de la banda Scott Johnson e hiriendo a otros tres miembros del equipo técnico del grupo. El grupo rendiría homenaje a Johnson y a su equipo técnico en el primer concierto tras el derrumbe, el cual tuvo lugar en julio en Nimes, Francia. 

La experimentación con los loopings y sampleados es evidente en temas como Bloom, Tom Yorke se inspiró en un programa de televisión de historia de la BBC para escribir este tema; Morning Mr. Magpie, la cual había sido titulada antes Morning M'Lud y Good Morning Mr. Magpie. Este tema había sido estrenado durante una retransmisión web en 2002 en formato de balada acústica, y Yorke se propuso que la canción estuviera incluida en todos los discos de la banda desde entonces; y Lotus Flower, tema que significó el primer sencillo del álbum. La flor de loto es una planta perenne acuática, y es la flor nacional de India y Vietnam. Desde la antigüedad ha sido un símbolo divino en las tradiciones asiáticas que representan la virtud de la pureza sexual, y en la literatura clásica de muchas culturas asiáticas. El loto era usado a menudo en verso como una alegoría de los tributos femeninos ideales. 

También encontramos espacio para temas con un formato más sencillo, en concreto dos baladas que harán que nos estremezcamos, Codex, una inquietante balda a piano donde Yorke nos invita ha sumergirnos en "un lago claro", prometiendo que "nadie sale lastimado". La parte donde entra la sección de cuerdas interpretada por The London Telefilmonic Orchestra es sencillamente magistral; y Give Up The Ghost, la otra balada del álbum, con unos coros femeninos brutales que se complementan con un magnífico Tom Yorke. Este tema fue tocado por primera vez en un concierto benéfico llamado Green Party, y que Tom Yorke dio en solitario en febrero de 2010. En Separator también tienen espacio para el amor, aunque con unas letras más que crípticas, donde parecen hablar sobre una fantasía o un sueño sobre un/a amante que fue real.

The King of Limbs, con una duración de poco más de 37 minutos, se convertía en el álbum más corto de la banda hasta la fecha, y con las letras del último tema, Separator que venían a decir cosas como "Si crees que es el final estás equivocado", parecían dar a entender que habría una segunda parte del álbum. Al final no fue así, pues tardarían unos cinco años en sacar su siguiente trabajo, el último hasta la fecha, A moon Shaped Pool. Pero eso es otra historia...

0695 - The Jackson 5 - The love you save

0695 - The Jackson 5 - The love you save

The Love You Save es una canción grabada por Jackson 5 para Motown Records. Fue lanzado como sencillo el 13 de mayo de 1970 y ocupó el puesto número uno en la lista de sencillos de soul en los EE. UU. durante seis semanas y el puesto número uno en la lista de sencillos Billboard Hot 100 durante dos semanas, desde el 27 de junio. al 4 de julio de 1970. En la lista de los 40 principales del Reino Unido, alcanzó el puesto número 7 en agosto de 1970. 

La canción es el tercero de los cuatro números uno de los Jackson 5, que produjeron en fila, los otros éxitos fueron "I Want You Atrás", "ABC" y "I'll Be There". Billboard clasificó la canción en el número 16 del ranking de año 1970, un lugar por detrás de "ABC" de los Jackson 5.

The Love You Save presenta las voces secundarias de Jermaine Jackson cantando junto a Michael en el final "¡Stop! The love you save may be your own", junto a Marlon, Tito y Jackie. La letra de la canción presenta a Michael y Jermaine advirtiendo a una chica que se "¡detenga!", Porque "¡el amor que salvas puede ser el tuyo!" La letra también es inusual debido a las referencias históricas, según su letra, la niña estaba debajo del manzano con "Isaac" que es una referencia a Isaac Newton; sintió electricidad con "Benjie" que es una referencia a Benjamin Franklin; "Alexander" por referencia a Alexander Graham Bell, que la llamó y "hizo sonar sus campanadas"; y "Cristóbal" y por último una referencia a Cristóbal Colón "descubrió" que estaba "muy adelantada a su tiempo".

La exclamación de apertura, "¡Alto!", y los pisotones que complementan el ritmo durante la última parte de la canción son alusiones al sencillo número uno de Motown de 1965 de las Supremes, "¡Alto! En el nombre del amor". Otros afirman que Bobby Taylor, quien produjo el primer álbum de los Jackson 5 en Motown y fue el cantante principal de Bobby Taylor & the Vancouvers, descubrió a los Jackson 5 y llamó la atención de Berry Gordy sobre ellos. Taylor los había guiado a través de su primer par de éxitos en Los Ángeles, pero Gordy según Taylor, sintió que el material era demasiado adulto dada la edad de los artistas, y como el resto de los primeros éxitos de Jackson 5, The Love You Save fue escrito y producido en Detroit por The Corporation, un equipo integrado por el jefe de Motown, Berry Gordy, Freddie Perren, Alphonzo Mizell y Deke Richards, y grabado en Los Ángeles, lejos del antiguo estudio de Motown en Hitsville USA en Detroit, Michigan.

The Love You Save fue el segundo sencillo del segundo álbum de Jackson 5, ABC. La canción fue remezclada por DJ Cassidy para el lanzamiento de 2009 The Remix Suite.

Daniel 

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The Mekons - Fear and Whiskey Píldora #12

The Mekons es una banda británica de post-punk creada a finales de los 70’s formada por estudiantes de la universidad de Leeds, con raíces del post-punk y sin ningún ánimo económico que promulgaban que cualquiera podía pertenecer a la banda y tocar su estilo musical. El colectivo Mekons se entregaron sin condiciones a la solidaridad y la creatividad, mientras la paranoia de la Guerra Fría y el capitalismo voraz estaban arruinando el mundo, ellos ponían música en sus cassetes, bebían, gritaban para que su flujo creativo fluyera. Probablemente querían que el mundo supiera que aquí estaban, que habían creado un grupo musical marginal en un momento horrible de la historia, pero no se imaginaban que los aburridos críticos de rock se abalanzarían sobre el álbum y lo definirían como un nuevo clásico.

El disco Fear and Whiskey es mencionado por muchos como el nacimiento del “alt country”, (mezcla de música folk, bluegrass, rock & roll, rockabilly, música acústica, honky tonk o punk rock), no tenemos la certeza de que sea así, pero si estamos ante un post punk notablemente único, especialmente en el Reino Unido. "Chivlary" es un tema folk agradable, aunque bastante anodino, pero contiene la gran letra de que le da al álbum su título ("Salí tarde la otra noche / El miedo y el whisky me mantuvieron en marcha / Juro que alguien me abrazó fuerte / Pero ahora no hay forma de saberlo"). "Trouble Down South" comenzó como un experimento de voz y teclado en 1982, destaca la paranoia, conseguida con un violín y un coro y crean una de las canciones más ominosas y desgarradoras jamás grabadas contra la guerra, el cantante Ken Lite canta y recita una triste narración sobre un pueblo indefenso amenazado por bombardeos aéreos. "Darkness and Doubt" es otro escaparate de Greenalgh, que comienza con una guitarra country 'n' western (el sonido de un caballo paseando), seguida de una extraña apertura: "La habitación estaba llena de luces intermitentes / Hablaron en lenguas alli) / La oscuridad y la duda me persiguen”. "Country" es sucia y apasionante, una diatriba asustada que se enfrenta al país de origen de Mekons con un claro mensaje "No estoy listo para esto / No estoy listo para esto / Una y otra vez, realmente no estoy listo en absoluto”. ¿Listo para qué? los poderes fácticos eran imparables en su destrucción de la democracia y la decencia humana. Mecánicos borrachos, violín efervescente, guitarras 'tocadas', sección rítmica jovial como si estuviera bajo los efectos de los tranquilizantes, y voces masculinas/femeninas tan humanas que dicen la verdad al poder y cuentan que la última noche fue un fracaso total, más pasión que exactitud, cánticos contra el mundo tal como existe, y esperanzas para el futuro. Un álbum sobre bombas y corazones rotos, miedo y whisky, The Mekons nunca sienten autocompasión, y siempre están listos para unirse a la lucha contra las imposiciones autoritarias y todos los que nos quieren gobernar, un álbum que en 2022 es necesario de nuevo, tal vez incluso más.

0694.- The long and winding road - The Beatles

Si hay que elegir una canción que personifica el triste final de The Beatles, sin duda 'The Long and Winding Road' es esa canción. Escrita por Paul McCartney en 1968 cuando las tensiones en el grupo comenzaban a llegar a un punto crítico, es fundamentalmente una canción triste donde destaca el genio de McCartney para escribir canciones. Para crearla se refugio en su High Park Farm en Kintyre, inspirado por la tranquila belleza de la costa oeste de Escocia y con su héroe Ray Charles en mente. Ha dicho que, cuando la escribió, se sentía "enloquecido y tropezado", un mejor giro de frase que cualquier cosa que escribiría en la canción. Sobre el papel, es una canción sobre la disolución de una relación romántica. Y tal vez eso es en parte lo que hizo que McCartney escribiera la canción; después de todo, estaba terminando una relación y comenzando otra. Pero el metatexto, la historia que todos deben haber entendido cuando escucharon la canción, es que los Beatles se estaban alejando unos de otros y que la canción era la reacción de McCartney a lo que estaba sucediendo, los desacuerdos sobre quién iba a manejar el grupo aumentaron las tensiones y la desconfianza, Paul McCartney estaba pensando en la figura de su futuro suegro, Lee Eastman, mientras que John Lennon estaba a favor de Allen Klein, veterano de la compañía discográfica de Nueva York y gerente de los Rolling Stones. Ringo Starr y George Harrison se pusieron del lado de Lennon y, para aumentar la frustración de McCartney, Klein le dio las cintas de 'Let it Be' al productor estadounidense Phil Spector, quien agregó cuerdas y un coro a Long and Winding Road. McCartney sintió que su idea de volver a lo básico había sido completamente saboteada. No sería una exageración decir que Paul detestaba la versión de Phil Spector de 'The Long and Winding Road' y dijo que no había aprobado la mezcla, pero esa es la que terminó en el álbum 'Let It Be'. Antes de su lanzamiento en abril de 1970, un furioso McCartney había enviado una carta al entonces gerente Allen Klein de Apple Corps Ltd objetando el uso de cuerdas, trompetas y el coro en "su" canción, pero fue en vano. George Martin se puso del lado de las objeciones de McCartney alegando que las mezclas de Spector se habían hecho sin su conocimiento o participación. La 'alteración' de 'The Long and Winding Road' de Spector fue en realidad una de las seis razones citadas por McCartney en la audiencia de disolución de The Beatles en el Tribunal Superior.

La canción en sí, que provocó tantas discusiones, es una balada simple pero inspirada que evoca lo inalcanzable, el camino que nunca se llega al final. La voz de McCartney es inquietante y melancólica y es como si supiera que este era literalmente el final de The Beatles, no tiene un coro tradicional como tal y el tema de apertura se repite a lo largo, es obvio que McCartney quería que siguiera siendo una balada simplificada, pero las cosas se le escaparon de control. Los críticos de la época tampoco quedaron impresionados, se burlaron del uso de orquestación de Spector, un crítico de la revista Rolling Stone afirmó que 'Long and Winding Road' era prácticamente imposible de escuchar debido a la producción de Spector. Cuando escuchas la versión simplificada de 'The Long and Winding Road' que se lanzó en 2003 en 'Let It Be... Naked' la voz de McCartney es verdaderamente magnífica. 'The Long and Winding Road' se convirtió en el último número 1 de The Beatles en los EE. UU. (su vigésimo), estableciendo un nuevo récord de Billboard. Desde entonces, Paul McCartney ha vuelto a grabar la canción muchas veces sin orquestación y es una característica habitual de sus conciertos 'en vivo', es como si estuviera tratando de exorcizar al fantasma de Phil Spector. entonces, Paul McCartney ha vuelto a grabar la canción muchas veces sin orquestación y es una característica habitual de sus conciertos 'en vivo'; es como si estuviera tratando de exorcizar al fantasma de Phil Spector. 

El disco de la semana 303: Ozric tentacles: Erpland

 A mediados de la década de 1980, había una nueva escena musical floreciente que salía de las zonas rurales de Inglaterra. Vivían el "ideal hippie" de un estilo de vida libre de responsabilidades, y que incluía muchos conciertos de música gratuitos. En el frente de la música, muchos de los grupos fueron influenciados por el relativamente desconocido grupo británico Here and Now, que mantuvo firmemente la idea de que la música debería ser libre. Para sobrevivir, las distintas bandas comenzaron a hacer casetes de producción propia que se intercambiaban y vendían en los distintos conciertos. Como suele ser el caso con movimientos como estos, muchos se cansaron del estilo de vida y siguieron adelante, y las propias bandas empezaron a consolidarse, y así las bandas más serias y talentosas llegaron a un nivel más profesional. Así como Metallica representó el movimiento thrash del Área de la Bahía, Ozric Tentacles se convirtió en el ícono de la escena Festival Psych del Reino Unido. Personalmente, no tenía idea de que esto estaba sucediendo en la década de 1980. "Erpland" fue mi introducción a la banda, tras mencionarlo una persona muy cercana a los componentes del blog, que puso el desafío en la mesa y nos retó a escucharlo y hacer disco de la semana y le toco al que menos familiarizado está con este estilo de musica, osea a mi. Lo primero que quiero decir es que para mis oídos, Ozric Tentacles es una banda en la que es muy fácil entrar, además te deja bastante satisfecho, tiene un sonido agradable al instante, pero a la vez también resulta duro como una roca.

"Eternal Wheel" es como una pieza de Jean Michel Jarre interpretada por una banda de rock, aunque más "ácida" y bastante más orientada al movimiento progresivo, se ha convertido en una de mis canciones favoritas de Ozric, comienza con una introducción de sintetizador en bucle a la que pronto se unen líneas de guitarra y bajo, después de un poco de improvisación caótica, pronto avanza a una sección completamente sumergida en un teclado relajante y hace que te sientas muy espiritual, como si estuvieras bajo una mística cascada japonesa. Este es el tipo de música que me hace amar estar vivo.  "Toltec Spring" se destapa como su tema más recurrente, compuesto de una textura cuasi-ambiental y cuasi-étnica. "Tidal Convergence" pillo cosas de King Crimson (la estructura intrincada) y  de Hawkwind(the space-rock) en su estilo y llevó su música a un nuevo nivel. "Mysticum Arabicola" es una especie de progresivo del Medio Oriente al que quizas lastra los nueve minutos que hace que se prolongue demasiado. "Crackerblocks" profundizó en las texturas de la nueva era, y puede ser una delgada línea entre un tapiz brillante y un aburrido fondo de pantalla de sonido. 

Han transcurrido bastantes minutos y no llevamos ni la mitad, a esta altura ya tienes que estar gozando a tope y pensando en lo que te queda, y una de esas cosas es "The Throbbe" otra delicatessen progresiva del Medio Oriente con tintes electrónicos, cuyo mejor activo es su ritmo desolado. "Erpland" realmente no ofrece nada nuevo, y podría decirse que es el progresivo de los 70 más tradicional del grupo, esencialmente es una canción progresiva de manual. "Snakepit" es uno de sus mejores temas, su estructura poligonal oriental funcionó muy bien con tan solo tres minutos. Todo se fue a la basura con el reggae prog-pop "Iscence", la verdad que te deja descolocado y no le encuentras muchos sentido, como despedida de nuevo diez minutos de canción en "A Gift Of Wings" lo cierto es que no ofrece nada nuevo aparte de una interpretación del kosmische-rock de los 70 a través de una visión más étnica. si no estáis dispuestos a escuchar el disco entero y si tuviera que recomendar una pista de este álbum, y quizás recomendar una pista de toda su discografía, sería la apertura del álbum 'Eternal Wheel'. Tiene todos los elementos de una gran composición de Ozric: el ambiente psicodélico, las progresiones alucinantes y los feroces clímax de la guitarra principal.

Unos 20 años después de "Erpland" nada ha cambiado, Ozric tiene más de una docena más de lanzamientos en estudio y en vivo y tras escuchar bastantes de sus temas posteriores llegas fácilmente a la conclusión de que no ha habido progresión, ni experimentación con otros sonidos, instrumentación e ideas, por eso se acuñó el "Ozricitis" que ahora se aplica a otras bandas que siguen un camino similar. Pero tampoco es del todo justo, ya que cada álbum, cuando se escucha solo, posee una calidad única. La clave para escuchar a Ozric Tentacles es no escuchar muchos de sus álbumes a la vez. Tome uno, degústalo con el tiempo, espere algunas semanas o meses y luego haga lo mismo con un álbum diferente.

0693-. Get Back - The Beatles

 

Get Back, The Beatles

     El 8 de mayo de 1970 el mítico cuarteto de Liverpool, The Beatles, publica su duodécimo álbum de estudio, Let It Be, el cual supondría el último debido a su separación. El disco es grabado entre febrero de 1968 y enero de 1969, y entre enero y abril de 1970, en los estudios Apple, EMI y Twickenham, todos situados en Londres, bajo la producción de Phil Spector, y publicado por la compañía discográfica Apple Records.

A pesar de haberse grabado en su mayoría a comienzos de 1969, es considerado el último trabajo del grupo puesto que fue lanzado después de Abbey Road, que fue publicado en septiembre de 1969. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus anteriores discos ya venían teniendo unas relaciones más que tensas entre ellos. No obstante, a pesar del ambiente en el que fue concebido, es considerado como uno de los mejores álbumes de la historia de la música, a pesar incluso de que no gozó de la adeptación de la crítica en aquel momento. 

Incluido en este disco se encuentra el corte Get Back, escrito principalmente por Paul McCartney pero acreditado finalmente al dúo Lennon / McCarteny. Como sencillo, lanzado el 11 de abril de 1969, alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Estados unidos, Alemania Federal, Australia y México, siendo el único sencillo (junto con el lado B Dont't Let Me Down) donde comparten créditos con otros artistas (Billy Preston).

Las primeras versiones de la canción incluían la línea "No me gustan los paquistaníes". La canción comenzó como un comentario sobre la inmigración, diciéndole a la gente que "regresara" a sus propios países. Estaba destinada a burlarse de los defensores anti inmigrantes de Gran Bretaña. Paul McCarteny acabaría pensándoselo mejor al final y suavizó la letra de la canción. Get back iba a ser en un principio el título del álbum y de un documental sobre como harían el álbum. El grupo había dejado de hacer giras en 1968 debido al agotamiento, pero reavivaron su pasión por las actuaciones en vivo después de filmar la película promocional Hey Jude en septiembre de 1968. Get Back fue la canción que más cerca estuvo de captar el espíritu de un álbum que querían concebir como si se tratara de un directo, pero el disco acabó convirtiéndose en algo completamente diferente. Se le pidió a Glyn Johns, que diseñara y ensamblara las sesiones a partir de lo que en realidad eran cintas de ensayo. Después de ensamblar el álbum, se editaba el documental Let It Be a partir de la película del grupo ensayando en el estudio y tocando en la famosa azotea de Apple Records. Phil Spector, que había trabajado en la canción Instant Karma, fue contratado para producir el álbum Get Back, que acabaría siendo titulado Let It Be.

Álbum In Rainbows en el artista del #MesRadiohead

Álbum In Rainbows en el artista del #MesRadiohead

In Rainbows es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Radiohead. Fue autoeditado por la banda el 10 de octubre de 2007 como un álbum digital donde los fans podrían descarga las canciones, luego la banda hizo un lanzamiento de álbum a nivel internacional a través de XL Recordings y en América del Norte a través de TBD Records. Fue el primer lanzamiento de Radiohead después de que terminara su contrato de grabación con EMI con su álbum Hail to the Thief.

In Rainbows incorpora elementos de art rock, rock experimental, art pop, y electrónica. La pista de apertura, 15 Step, presenta un ritmo de palmas inspirado en Fuck the Pain Away de Peaches. Radiohead grabó los aplausos de un grupo de niños de Matrix Music School & Arts Center en Oxford; cuando los aplausos resultaron "no lo suficientemente buenos", grabaron a los niños vitoreando en su lugar.

Bodysnatchers, que Yorke describió como una combinación de Wolfmother, Neu! y dodgy hippy rock, se grabó cuando estaba en un período de "manía hiperactiva". En All I Need, Jonny Greenwood quería capturar el ruido blanco generado por una banda tocando a todo volumen en una habitación, algo que nunca ocurre en el estudio. Su solución fue hacer que una sección de cuerdas tocara cada nota de la escala, cubriendo las frecuencias.

Radiohead grabó una versión de Nude durante las sesiones de OK Computer, pero la descartó; esta versión presentaba un órgano Hammond, una sensación "más directa" y letras diferentes. Para In Rainbows , Colin Greenwood escribió una nueva línea de bajo para la canción, que Godrich dijo que "la transformó de algo muy directo a algo que tenía mucho más flujo rítmico". Reckoner se desarrolló mientras Radiohead trabajaba en otra canción, Feeling Pulled Apart by Horses. Presenta el falsete de Yorke, percusión "escarchada y sonora", una línea de guitarra "serpenteante", piano y un arreglo de cuerdas de Jonny Greenwood. Yorke lo describió como "una canción de amor... más o menos".

Yorke describió el proceso de composición de Videotape como una "agonía absoluta" y dijo que "pasó por todos los parámetros posibles". Inicialmente quería que fuera una "pista de trance post-rave", similar a la música de Surgeon, y Jonny Greenwood estaba "obsesionado" con cambiar el comienzo de la barra. Radiohead interpretó un arreglo de rock más convencional en la gira de 2006, con la batería de Selway llegando al clímax. Para el álbum, Godrich y Greenwood redujeron la canción a una balada de piano minimalista, con percusión de una caja de ritmos.

Daniel 

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0692 - The Beatles - Let it be

0692 - The Beatles - Let it be

Let It Be es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles, lanzada el 6 de marzo de 1970 como sencillo y en una mezcla alternativa como la canción principal de su álbum Let It Be. Fue escrita y cantada por Paul McCartney y acreditada a la asociación Lennon-McCartney. La versión single de la canción, producida por George Martin, presenta un solo de guitarra más suave y la sección orquestal mezclada en voz baja, en comparación con la versión del álbum, producida por Phil Spector, que presenta un solo de guitarra más agresivo y las secciones orquestales mezcladas en voz más alta.

McCartney dijo que tuvo la idea de Let It Be después de haber tenido un sueño sobre su madre durante el tenso período que rodeaba las sesiones de The Beatles ("The White Album") en 1968. Mary Patricia McCartney murió de cáncer en 1956, cuando tenía catorce años. Al ensayar la canción con The Beatles en enero de 1969, en lugar de la letra de "Mother Mary", McCartney ocasionalmente cantaba "Brother Malcolm", una referencia al asistente de The Beatles, Mal Evans. McCartney dijo más tarde: "Fue genial volver a visitarla. Me sentí muy bendecido de tener ese sueño. Eso me llevó a escribir 'Let It Be'". En una entrevista posterior, dijo sobre el sueño. que su madre le había dicho: "Todo estará bien, simplemente déjalo estar". Cuando se le preguntó si la frase "Madre María" en la canción se refería a María, madre de Jesús, McCartney generalmente respondió que los oyentes pueden interpreten la canción como quieran.

El single usó las mismas fotografías de portada que el álbum Let It Be y fue lanzado originalmente el 6 de marzo de 1970, respaldado por "You Know My Name (Look Up the Number)", con un crédito de producción de George Martin. Esta versión incluye orquestación y coros doblados el 4 de enero de 1970, bajo la supervisión de Martin y McCartney, con coros que incluían la única contribución conocida de Linda McCartney a una canción de The Beatles. Fue durante esta misma sesión que Harrison grabó el segundo solo de guitarra sobregrabado. En un momento dado, la intención era que los dos solos sobregrabados tocaran juntos. Esta idea se abandonó para la mezcla final del single, y solo se utilizó el solo del 30 de abril, aunque la sobregrabación del 4 de enero se puede escuchar débilmente durante el verso final. Martin mezcló la orquestación muy bajo en esta versión.

La mezcla del single hizo su debut en el álbum recopilatorio de The Beatles de 1967-1970. Las ediciones originales muestran erróneamente el tiempo de ejecución de 4:01 (del álbum Let It Be), y no el tiempo de ejecución de la versión single de 3:52. Esta versión también se incluyó en 20 Greatest Hits, Past Masters Volume 2 y 1.

El álbum Let It Be  de 1972 de Melodiya fue el primer lanzamiento de The Beatles en la Unión Soviética. El álbum de vinilo de 3 pistas y 7 pulgadas, también incluía "Across the Universe" y "I Me Mine".

Daniel 

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0691.- Across the Universe - The Beatles

Across the Universe hizo en su 40 aniversario honor a su título, y viajó "A través del Universo" el 5 de febrero de 2008, a las 00:00 UTC, en una transmisión de la NASA en dirección a la estrella Polaris, a 431 años luz de la Tierra, desde el DSN's Madrid Deep Space Communication Complex, en las afueras de Madrid. Casi treinta años antes, el que escribe estas líneas era solo un crío cuando en la radio escuchó por primera vez la que, desde entonces, es su canción favorita de The Beatles.

Compuesta por John Lennon en 1968, y acreditada como siempre al dúo Lennon-McCartney, antes de ser incluida en el disco Let it be (1970) apareció en un álbum benéfico titulado No One's Gonna Change Our World (1969). Tras una discusión con Cintia Powell, a Lennon le vino a la cabeza la frase "pools of sorrow, waves of joy" ("estanques de pena, olas de alegría"), y a partir de ahí construyó la canción, que poco después acabaría grabando con The Beatles en una única ocasión, aunque a partir de esa única grabación se editaran después dos versiones de la canción, con elementos añadidos que hacían que parecieran diferentes.

Lennon no estaba muy seguro de la grabación original, por lo que estuvo guardada en un cajón hasta 1969, cuando fue incluida en No One's Gonna Change Our World con el añadido de sonidos de pájaros. Los Beatles trabajaron con ella prescindiendo de los pájaros y acelerando la canción un semitono, hasta que el productor Phil Spector la ralentizó de nuevo, incluso por debajo de la velocidad original, para añadirle un coro y una orquesta. La versión original, tal y como la grabaron los "Fab Four", se encuentra en el disco Let It Be... Naked (2003), una reedición en la que McCartney eliminó los añadidos de Spector, intentando recuperar el alma del proyecto original de Let it be, pensado como una vuelta a los orígenes de los cuatro Beatles, en un disco "desnudo" de arreglos y añadidos. No en vano, el primer título del disco iba a ser Get Back ("Vuelve atrás"). El bueno de Macca no sabía que esa vuelta iba a ser en realidad un camino sin retorno, como si una gran explosión cósmica los hubiera lanzado a cada uno en una dirección, a toda velocidad, a través del Universo.

0690 - De Carton Piedra - Joan Manuel Serrat

0690 - De Carton Piedra - Joan Manuel Serrat

Vamos con una canción del año 1970, esta canción fue escrita por Joan Manuel Serrat y se titula De cartón piedra la letra de la canción contaba la historia de un hombre que se enamoraba de un maniquí. 

La ficción a veces es tan brutal y salvaje que se convierte en realidad. Y esta historia que canta Joan Manuel Serrat dicen que ocurrió en Hermosillo un pueblo a mediados de la década de los ochenta.

La canción trata de las historias de amor que están en el consciente colectivo de las personas, donde mayormente terminan en tragedia. 

Un hombre tal cual la letra de la canción de Joan Manuel Serrat fue durante varios todos los días a ver a su amada, a una tienda de novias, ella inanimada, parecía responder a las atenciones prestadas por su pretendiente.

Con su rostro inanimado, sus ojos de color y su eterna expresión de sobriedad, todos los días la visitaba con rigor militar a su escaparate, ataviada con su vestido de novia, y se quedaba ahí, observando, platicando, compartiendo sus intimidades en un diálogo que era la manifestación más nítida de que el amor es inexplicable.

Las canciones saben interpretar y contar estas historias maravillosas

Daniel 

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Hail to the thief - #MesRadiohead

Seguimos con el #MesRadiohead, y yo en concreto con mi particular cruzada de escucha de un grupo al que nunca le he llegado a encontrar los atributos por los tanta gente les venera. Más allá del excelso OK Computer (1997) y de cosas sueltas, nunca he pensado que la cosa fuera para tanto. Y al enfrentarme al #MesRadiohead y escuchar Amnesiac (2001) me encontré con un disco que era mucho mejor de lo que me esperaba, así que he afrontado la escucha de Hail to the Thief (2003), el tercer disco de Radiohead que he escuchado entero, con mucha mejor actitud y una mente mucho más abierta, y me ha sorprendido gratamente que en este disco se acercaran de nuevo al rock, y que las guitarras vuelvan a estar más presentes que en discos anteriores, más experimentales y electrónicos.

Se nota que Hail to the Thief es un disco de un grupo consolidado, que ha exprimido una productiva etapa de experimentación y que aun regresando a algunos patrones de un pasado más guitarrero, sigue mirando hacia adelante, cuidando al máximo la producción de sus discos y planteando una propuesta diferente a las anteriores. Dado mi desconocimiento general sobre su trayectoria, no juzgaré este disco en comparación con otros del pasado, prefiero hacerlo como si fuera el primer y único disco de una banda que acabo de conocer, y si lo hago así, debo decir que el arranque de 2+2=5 es más que prometedor. La combinación de sonidos electrónicos con guitarras, y los acertados cambios de ritmo, la sitúan directamente en lo más alto. Dicen que este tema, junto con Go To Sleep tienen un sonido y planteamiento más cercanos  a los de sus dos primeros discos, y eso me hace pensar que, quizá, tenga que escucharlos.

Leo entonces que esos discos no son los más valorados de la banda, y de nuevo no entiendo nada, por lo que decido de nuevo abstraerme y seguir escuchando. Sit down, Stand up pasa sin hacer mucho ruido y sin captar mi atención, y la que sí que consigue captarla es la bella Sail To The Moon, que me recuerda a ese otro gran tema que es Subterranean Homesick Alien de, como no, mi venerado OK Computer. Perdón, dije que no iba a comparar, así que sigamos avanzando. Backdrifts vuelve a la electrónica que se suponía habían dejado algo de lado en esta obra, y la mencionada Go to Sleep mantiene mi interés por el disco, que no decae durante la escucha de Where I end and you begin y su poderosa línea de bajo.

We suck young blood no termina de despegar, demasiado quejumbrosa y minimalista, es el tipo de canciones de Radiohead que me disuaden de escuchar discos enteros. Perdón de nuevo si con esto hiero la sensibilidad de los que valoran la sensibilidad de este tipo de canciones tan intimistas y experimentales. Para gustos los colores, y yo no vuelvo a encontrar los que más me gustan hasta que, tras un nuevo episodio de fría electrónica en The Gloaming, me topo con la enorme There There. ¡Así sí, Thom Yorke y compañía! Puede que esté ante la mejor canción del disco, pero como aún me quedan otras cinco, voy a ser prudente y a esperar al resto. Y cuál será mi sorpresa, cuando en I will encuentro un tema dramático e intenso, que al parecer quedó fuera de Amnesiac. Se les olvidaría, claro, pero afortunadamente la acabaron repescando, porque es tan breve y tan desnuda, y con un ejercicio vocal tan cuidado, que junto a 2+2=5 pasa a formar parte del podio de este disco.

A punch at the wedding es otro tema asequible y directo, sin excesivas tristuras o minimalismos, y en este punto ya me decanto definitivamente por las canciones de guitarra de esta banda, por encima de los flirteos electrónicos que tanto gustan a la mayor parte de sus seguidores. Como minoría absoluta, le pongo un notable a este tema. Y otro a Myxomatosis, el tema más duro del disco. Scatterbrain recupera la línea de There There y A punch... con un toque más melancólico pero no por eso menos llevadero, y la gran sorpresa llega con A wolf at the door, con versos que incluso diría que tienen cierto toque a Beck o a Red Hot Chili Peppers (sin pasarse, pero queda curioso, en un tema intenso y que actúa de gran cierre). Y para acabar este singular "cuento del lobo", incumplo de nuevo mi promesa de no compararlo con los otros dos discos que he escuchado de ellos, pero lo hago para decir que me parece que Hail to the Thief, estando en un escalón por debajo de Amnesiac, y dos por debajo de OK Computer, es en conjunto un gran disco.

Y ahí llega mi gran duda... Si he escuchado tres discos de Radiohead, y en todos he encontrado cosas buenas... ¿Tendrán razón los que tan desproporcionadamente les veneran y les consideran la banda más grande del planeta? Mucho me temo que sigo sin estar de acuerdo, pero tendré que escuchar un cuarto disco, para salir de dudas. ¿Cuál me recomendáis?

0689.- Fiesta - Joan Manuel Serrat

En 1970 Joan Manuel Serrat publica su sexto álbum, nunca ha quedado claro porque porque este disco se le llama: "Mi Niñez", quizás por eso entre los fans es conocido como el álbum blanco y en la portada no aparece ningún titulo, en el lomo del disco tampoco, únicamente: "Joan Manuel Serrat", no se si el catalán lo tituló así o el apelativo responde a que coincide con el primer tema del disco...no lo sé. Siento una especial afinidad con este disco, además de ser uno de los Lps mas vendidos del artista, se trata de un disco que, a diferencia de otros de aquella primera época, no contaba con textos prestados por otros geniales poetas de la lengua de Cervantes, y todas las coplas están escritas por ese poeta que en nada debe envidiar a otros genios como Miguel Hernández o Machado y que se llama Joan Manuel. Además el álbum cuenta el trabajo en la dirección musical y los arreglos de Ricard Miralles, una labor absolutamente magistral, lo que hace que este disco suponga un salto incuestionable en el apartado musical, dando continuidad a la excelente labor ya realizada en el homenaje a Antonio Machado. El salto cualitativo respecto a su anterior trabajo en este idioma es considerable ya que nos encontramos a un Serrat mucho más maduro y seguro de sí mismo.

En la canción "Fiesta", Serrat utiliza la fiesta de la noche de San Juan Bautista como excusa para presentar una feroz crítica a la sociedad tradicionalista española a la que, aunque sea en forma indirecta, atribuye las represiones, desigualdades y arbitrariedades de la España franquista. Serrat hace esta crítica acompañando la voz de muchos, por lo que se asume que parte de la sociedad española de la época no "estaba" en esta situación, aunque sí la mayoría. Serrat no parece estar describiendo una fiesta sino una caracterización de la sociedad española de los años 40, 50, 60... Sin embargo, el hecho de haber elegido para la descripción una fiesta religiosa, marca la relevancia que, por lo menos en ese entonces, tenía la iglesia católica en la vida de muchísimos españoles. La contraposición entre lo religioso y lo profano se da en numerosos pasajes: la rima de "Dios en la alturas" con "recogieron las basuras" expresado además en forma inmediata, sin una pausa, el regreso del cura a sus misas, marcando la hipocresía de su permanencia en la fiesta hasta la salida del sol y además borracho... esta ambigüedad está enfocada al terreno de lo social. Serrat despliega una cascada de imágenes simbólicas en las que cada cosa tiene varios significados, imposibles de abarcar, la "fiesta" es el ámbito, entonces, en el que las miserias sociales (más que las humanas) dejan paso a la honestidad, y, por qué no, también al desenfreno. Se comparte todo: la comida y la pareja (mujer y galán), o el "gabán" en la versión inicial, por parte de "gentes de cien mil raleas". Compartir la pareja tiene un sentido directo en el baile, sin embargo podría ser también una crítica a la doble moral, aceptada en aquel entonces por muchos y admitida por nadie. Grande Maestro Serrat que nos deja una cancion ejemplo de unificación de las clases sociales para al final volver a la hipocresía con la que viven habitualmente.

0688.- Wigwam - Bob Dylan

 

Self Portrait es lo que a la gente le gusta llamar un álbum de Bob Dylan de "nivel experto". Con esto quiero decir que, bajo ninguna circunstancia, debe ser el primer disco que alguien que quiere acercarse a Dylan y su música debe escuchar, algo de conocimiento de los antecedentes e influencias personales e históricas de Dylan tampoco vendrrian mal. Los dos últimos discos de Dylan de los años 60 fueron al menos intentos un tanto deliberados de deshacerse de parte de su estatus de "portavoz de una generación" un San Benito que le habían colgado en la primera mitad de la década, cada disco fue un cambio más radical que el anterior, cuya culminación es Self Portrait. Dicho esto, es un trabajo que está lejos de ser perfecto, nos encontramos una mezcolanza, a veces es demasiado hinchada y desigual que no hace necesariamente a Dylan mejor artista pero si es el álbum que finalmente le dio espacio para respirar y volver a ser humano. Aún así, incluso si escuchamos Self Portrait sin concoer todas estas capas de significado oculto, sigue siendo un placer ya que se siente que Dylan nos ofrece una mirada generosa al santuario interior de su proceso creativo, el álbum flota con relativa brisa y ciertamente no es lo peor que puedes escuchar durante una perezosa tarde de domingo.

Y dentro de ese álbum con 24 pistas, casi casi al final encontramos este Wigwam Y así a Wigwam, una canción realmente encantadora, una canción de la que realmente quieres tener letras de Dylan, y sin embargo, nos atormenta con solo cantar la melodía. Creo que el único objetico que tenía Dylan era atormentar (o si lo prefiere, mandar a la mierda) a quienes le exigen que haga más canciones como Blonde y Highway 61. Para mí, él dice que esto podría tener que ver con cualquier cosa que tenga que ver con nuestros tiempos difíciles, contrastando nuestras preocupaciones con nuestros momentos más ligeros, pero no te estoy dando eso, porque eso te hace la vida demasiado fácil. No tengo que darte la letra que quieres, dice Dylan, no tengo que darte las interpretaciones perfectas de mis canciones clásicas, no tengo que darte nada en absoluto, si quiero, puedo tomarme un descanso y simplemente cantar melodías. Admitámoslo, no intenta ser nada que no es, básicamente actúa como el equivalente musical de extender un cálido apretón de manos con una gran sonrisa en la cara. Ese tipo de franqueza refrescante es el tipo de cosa que no obtienes en la carrera de Dylan en general, y solo a trompicones en este álbum en particular, y es un sonido bienvenido a medida que el álbum finalmente llega a su fin (es más de 60 minutos). El final de Wigwam es inesperado, pero también lo es el comienzo, escúchalo de nuevo y escucha el gruñido del bajo después de que entren las guitarras. Viene y va y viene y va. Sospecho que el 99% de las personas que han escuchado esta pieza ni siquiera lo han notado, pero reprodúzcalo de nuevo y escúchelo, hay algo extraño, algo que acecha debajo, esto no es solo una melodía bonita estamos antes su retrato histórico: una vida que pasa a la deriva. Lo mejor que puedo decir sobre esta canción es que probablemente suene mejor si estás afuera en tu porche, con una hielera llena de cerveza con hielo, mirando una puesta de sol realmente hermosa. Eso es algo bastante bueno para decir sobre una canción, ¿no crees?.

 

Jorge Drexler – Eco Píldora #11

No es la música típica de cualquier cantautor a solas con su guitarra, ni las letras típicas de amor. Aparte de la guitarra tenemos unos sonidos eléctricos que le dan un toque modernetea acompañado por el aspecto metafísico de algunas de las letras. La voz de Drexler es como una niña si la comparamos a las de Ricardo Arjona o Joaquín Sabina, pero esto no es una pega, sólo una peculiaridad. Estamos ante un álbum que todo oído hispano debe disfrutar alguna vez. Drexler ganó el Oscar por la canción principal con Al otro lado del río, de la película Diarios de motocicleta, una melodía muy suave y tranquila, del género folk alternativo, su voz canta en las notas altas de una manera nostálgica y de esperanza para el futuro y en las bajas es muy fluida, como la característica del agua. Destaca también La Milonga del moro judío, una de mis canciones favoritas de Jorge Drexler, que aprovecha para reflexionar sobre la importancia de la tolerancia hacia la diversidad y de esta manera sentirnos parte de la gran familia de la humanidad. Con Eco, Jorge Drexler nos entrega una colección de canciones Pop hábilmente escritas y arregladas, para cantar mientras conduces por la ciudad, es Pop pero ese Pop es moderno, déjate embaucar por su voz suave pero expresiva, su articulación clara, con ese encantador acento uruguayo/argentino.

El disco de la semana 302 - Re - Café Tacvba

El disco de la semana 302 - Re - Café Tacvba

Buscando que recomendar esta semana, he encontrado en mi haber, un disco de una banda Mexicana que muchos recuerdos me traen, y sobre todo, toda una revelación para ese momento donde la descubrí. 

Estamos hablando de la banda mexicana Café Tacvba, y uno de sus álbumes que para mi ha lanzado a la fama a esta banda, estamos hablando del álbum Re que es su segundo álbum de estudio de la banda mexicana Café Tacvba, y este fue lanzado en el año 1994. 

Este álbum fue producido junto Gustavo Santaolalla y grabado en Los Ángeles, California y Cuernavaca, Morelos. Como hemos dicho esta considerado su mejor material de estudio. Para este disco Café Tacvba contó con la participación de otros artistas como Luis Conte y Alejandro Flores. Rubén Albarrán, vocalista del grupo, es acreditado en este disco como "Cosme".

La banda experimenta con diversos géneros musicales, desde la música regional mexicana, como el trío, el huapango, la música norteña y banda, hasta otros tan diversos como el punk, el heavy metal, el funk, el grunge, el mambo, el samba brasileño y el ska jamaicano, el álbum fue recibido muy bien por la critica del genero musical tanto de México como de Estados Unidos, logrando llegar a vender casi medio millón de copias del álbum. 

Las canciones que le dan forma a Re como hemos dicho tiene una gran variedad de instrumentación e incorporación de diversos estilos musicales en una misma canción pero sin perder el tono uniforme del álbum. La banda quiso poner en valor y reconocer las diferencias culturales de un México diverso a través de lo cíclico del sonido.

Veremos a través de sus canciones, el sentido ecléctico de la propuesta del álbum que propone la banda, y esto se muestra en su primera canción que da inicio al álbum, El aparato, instrumentada por sonidos autóctonos y electrónicos y que cuenta una historia paranormal protagonizada por un tal Pablo.

La Ingrata, una parodia a la música norteña, en una especie de polka-ska, y que fue el máximo hit del álbum. la banda declarara en 2017 que no volvería a tocarla para evitar habla de darle dos balazos a una mujer. seguimos con el sencillo El ciclón, canción funk llevada por clavinet que hace eco a Billy Preston y su letra es quizás la que mejor grafica y resume el concepto de Re.​ 

El borrego es un estrambótico punk-metal industrial, que recuerda algo a Ministry, y su letra ironiza en primera persona la escualidez de la identidad y la ambigüedad ideológica, la banda pone como tributo a bandas de Rock Mexicano, como La Lupita y Maldita Vecindad. Continuamos con una de las que más destacada canciones del álbum, que es Esa noche, un canción con características de bolero y que en el arte del álbum aparece dedicado a Chavela Vargas.

24 Horas es una historia de amor desenfadada, pero cruzada por los ajetreos de la vida moderna en las grandes ciudades, el realismo mágico hace su presencia con Ixtepec cuyo remate sintoniza con el concepto circular del álbum la vida es un ciclo.

Trópico de cáncer es la canción más política del álbum, cuya letra crítica al llamado 'progreso', a la industria petrolera, y con un ritmo que oscila entre el bossanova y el sonido industrial. Le sigue la historia de amor enclaustrada de El metro, canción que hace mención de distintas estaciones del metro de la Ciudad de México. Otra alegoría de las grandes ciudades.

El Fin de la Infancia es una pieza que utiliza instrumentos metálicos de viento a manera de banda sinaloense, a manera de quebradita pero con una energía ska-punk. Luego del desenfreno bailable de la anterior canción, viene la picardía de Madrugal, un bolero breve y exquisito cuya letra encierra mucho humor. 

Pez es una canción que trata sobre las turbulentas sensaciones de un pez al asifixiarse tras ser atrapado por "algún ser" y sacarlo de su medio, luego continua la canción Verde muy corta, y es muy triste e industrial.

La negrita es una especie de fábula, a ritmo de samba, que habla de una mujer retornando dichosa a su terruño tras peregrinar en busca de una supuesta mejor vida; una alegoría de la migración. Le sigue El Tlatoani del barrio tiene un sonido completamente mestizo y cuenta la historia de cómo se conocieron los padres de Rubén Albarrán su vocalista (o "Cosme" como se hace llamar en este álbum, una particularidad del su vocalista, ha tomado diferentes seudónimos en su carrera musical).

Las flores es otro de los éxitos del álbum y aunque insinúa al comienzo una especie de ritmo llanero, desemboca rápidamente en un colorido ska psicodélico. Luego viene la sublevación de La pinta, que toma del aura grunge de la época, y cuya letra contrasta un acento español con mexicanismos. Para luego irrumpir El baile y el salón, otra canción de amor que resalta del álbum y una muy querida por los seguidores del grupo; de suave estilo pop de los setenta y con su característico coro Paparupapa eu eo. Luego de lleno entra después la impresionante fusión de mambo y bossanova de El puñal y el corazón, donde la letra personifica el orgullo herido de un hombre despechado. El álbum Re cierra de manera sublime con El balcón, cuya letra es un microcuento de amor entre dos esclavos, narrado en primera persona, pero su sonido recuerda más bien al jazz y al swing de los años 1940.

Un álbum del Rock Mexicano que recomiendo no dejar pasar de largo, más de una sorpresa te llevaras. 

Daniel 

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0687-. The Devil's Triangle - King Crimson

 

The Devil's Triangle, King Crimson

     Después de la gira por Estado Unidos en 1969, Ian McDonald y Michael Giles abandonan King Crimson, camino que seguiría unos meses después Greg Lake. Esto deja a Robert Fripp como único miembro que queda en la banda, quien tiene que asumir el papel de tocar teclados y guitarra a partir de entonces. Es entonces cuando un desconocido Elton John es fichado para que se ocupe de cantar en las sesiones de grabación del siguiente álbum, In the Wake of Poseidon, pero Fripp se lo piensa mejor y finalente descarta su fichaje.

Al final Greg Lake acepta cantar en las grabaciones, pero negociando recibir como parte del pago el equipo de megafonía de King Crimson. Esa negociación le llevaría a grabar todas menos una de las pistas del disco, Cadence of Cascade, que sería cantada por el antiguo compañero de escuela de Fripp, Gordon Haskell. Para la grabación de este disco Fripp también contaría con la colaboración de Peter Giles (bajo), Michale Giles (batería), Mel Collins (saxofón y flauta) y Keith Tippett (piano). 

El disco es grabado entre enero y abril de 1970 en los Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción de Robet Fripp y Peter Sinfield, y publicado el 15 de mayo de 1970 por el sello discográfico Atlantic Records. Incluido en este disco se encuentra The Devil's Triangle, una adaptación de una pieza ajena, titulada Mars: Bringer of war, la cual fue compuesta por Gustav Holst, un compositor, arreglista y profesor británico, y que forma parte de The Planets (los Planetas), siendo el primer de los siete movimientos de dicha composición del artista. The Planets fue compuesta por Holst entre 1914 y 1917. La naturaleza innovadora de la música, y en especial de este pieza de Holst, provocó cierta hostilidad inicial entre una sección de la crítica del momento, pero la suite pronto se popularizó y a día de hoy sigue siendo muy influyente y ampliamente interpretada. No es extraño que Ian Mcdonald y Robert Fripp se inspiraran en dicha composición para componer The Devil's Triangle, un tema de casi doce minutos dividido en tres partes, Merday Morn, Hand of Sceiron y Garden of Wurm. Realmente, Ian Mcdonald sólo constaría acreditado en la primera parte de la pieza, Merday Morn. 

0686: Maybe I'm amazed - Paul McCartney

El álbum McCartney (1970) recibió en general malas críticas en el momento de su salida al mercado, quizá perjudicado por la atmósfera de disputa que Paul McCartney vivía con el resto de The Beatles, y durante mucho tiempo tanto los críticos como sus excompañeros solo tuvieron buenas para algunas pocas canciones del disco, en especial para Maybe I'm Amazed, el tema más completo y más elaborado de una grabación, en general, bastante casera y minimalista.

Aunque por decisión de McCartney no hubo ningún single de promoción del disco, Maybe I'm Amazed es, de facto, el sencillo estrella de aquel álbum, porque fue emitido en numerosas radios estadounidenses. Su compañero George Harrison la describió como "genial" junto a That Would Be Something, mostrando escaso interés en el resto del disco.

Fue una de las últimas canciones en ser grabadas para McCartney, cuando salió de su retiro en su granja escocesa, y regresó a los estudios de Abbey Road para dar los últimos toques a los temas ya grabados. Así, el 22 de febrero de 1970 grabó allí los que probablemente sean los dos mejores temas del disco: Every Night y Maybe I'm Amazed, una balada dedicada a Linda e interpretada al piano que se encuentra a la altura de los mejores temas de la carrera de McCartney tanto en solitario como con The Beatles. Ambas siguen hoy mostrando las dotes para la melodía del genial músico de Liverpool.