0662 - Cecilia - Simon & Garfunkel

0662 - Cecilia - Simon & Garfunkel

Cecilia es una canción del dúo musical estadounidense Simon & Garfunkel. Fue lanzado en abril de 1970 como el tercer sencillo del quinto álbum de estudio del grupo, Bridge over Troubled Water (1970). 

Escrita por Paul Simon, los orígenes de la canción se encuentran en una fiesta nocturna, en la que el dúo y sus amigos comenzaron a tocar la banca de un piano. Grabaron el sonido con una grabadora, empleando reverberación y haciendo coincidir el ritmo creado por la máquina. Más tarde, Simon escribió la línea de guitarra y la letra de la canción sobre el tema de un amante en el que no se puede confiar.

Simon ha sugerido que la Cecilia del título se refiere a Santa Cecilia, patrona de la música en la tradición católica, y por lo tanto la canción podría referirse a la frustración de la inspiración fugaz en la composición de canciones, los caprichos de la fama musical o en un sentido más amplio. sentir el absurdo de la cultura pop.

La canción generalmente se interpreta como un lamento por un amante caprichoso que causa angustia y júbilo al cantante. Santa Cecilia se menciona en otra canción de Paul Simon, "The Coast" (de su álbum de 1990 The Rhythm of the Saints): "Una familia de músicos se refugió para pasar la noche en la pequeña iglesia del puerto de Santa Cecilia".

La canción fue un sencillo de éxito en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Hot 100. En el Cash Box Top 100, alcanzó el número uno.

A Cecilia también le fue bien en Canadá, Alemania, los Países Bajos y España, donde alcanzó el número dos, y también en Suiza y Bélgica, donde alcanzó el puesto número tres, aunque no llegó a las listas del Reino Unido, donde fue  lanzado como sencillo unos seis meses después del álbum.  Ha sido objeto de numerosas versiones, sobre todo por parte del cantante Suggs, cuya versión contó con el dúo de ragga Louchie Lou & Michie One y alcanzó el número cuatro en el Reino Unido en 1996.

Daniel 

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0661-. The Boxer - Simon & Garfunkel

 

The Boxer, Simon & Garfunkel

     El 26 de enro de 1970 se publicaba Bridge Over Troubled Water, el quinto y último álbum de estudio del dúo de fol rock estadounidense Simon & Garfunkel. El disco fue realizado durante el mes de noviembre de 1968, donde se grabaron 2 pistas, y durante el mes de noviembre de 1969 donde se grabaron el resto de pistas, entre los Columbia Studio B y E de Nueva York y los CBS Columbia Square de Los Ángeles, ambos propiedad de Columbia Records, quien lanzaría el álbum al mercado. El disco fue producido por el dúo Simon & Garfunkel y por el ingeniero y productor estadounidense Roy Halee.

Simon & Garfunkel, con la ayuda del productor Roy Halee, siguieron el patrón musical de su LP Bookends, apostando por un disco más ambicioso y abandonando en parte su tradicional estilo para incorporar elementos de rock, R&B, gospel, jazz, world music, pop entre otros géneros.

Incluido en éste último trabjo del dúo se encuentra The Boxer, una balada folclórica escrita por Paul Simon, quien ya había escrito parte de la misma en 1968. El tema además de ser publicada en Bridge Over Troubled Water fue lanzado como sencillo en marzo de 1969. La grabación del tema se convirtió quizás en en la más larga y dura del grupo, pues duró más de 100 horas y se llevó a cabo en varios lugares. La segunda parte principal fue grabada en Nashville, en los Columbia Studios enre el 6 y el 8 de diciembre de 1968, la tercera parte final y los metales fueron grabados dentro de la Capilla de St. Paul en la Universidad de Columbia, y las cuerdas en los Columbia Studios. Simon & Grafunkel fueron de los primeros músicos en utilizar grabación de 16 pistas, pero como sólo había dos grabadoras de 8 pistas disponibles, ambas tenían que sincronizarse muy bien de forma manual para producir el sonido de forma correcta y clara. Simon encontró inspiración para esta canción en la Biblia, la cual solía leer a veces en los hoteles. La frases Workman's Wages (salario del trabajador) y Seeking out the poorer quarters (buscar los barrios más pobres) provienen de pasajes de la misma. 

Sobre The Boxer, Paul Simon llegó a afirmar que escribió esta canción cuando los críticos criticaban duramente su música: él era "The Boxer" (El Boxeador). Simon afirmaba que la canción trataba sobre él, y que pasaron unos dos o tres años antes de que la gente se diera cuenta de que eran simplemente dos tipos de Queens que solían cantar rock and roll, y que no eran cantantes puramente de folk.

0660.- El cóndor pasa - Simon and Garfunkel

El cóndor pasa fue en origen una zarzuela peruana escrita por Daniel Alomía Robles en 1913, con libreto en prosa de Julio Baudouin (firmando bajo el pseudónimo de Julio De La Paz). La letra original describe la vida de Frank, un joven que trabaja en un asentamiento minero en los andes peruanos, que no acepta los abusos a los que los mineros son sometidos. “Algo me dice que la vida no es así” se dice a sí mismo. Al final de la obra, la aparición de un cóndor, tras muchos años sin avistar ninguno, es interpretada por los mineros como un presagio de una vida en libertad.

Paul Simon escuchó por primera vez una versión de la melodía de El cóndor pasa en una actuación de "Los Incas" en un teatro de París, en 1965. Simon conectó con los miembros de la banda, llegando a irse de gira con ellos y a producirles su primer álbum publicado en Estados Unidos, y les pidió permiso para usar aquel tema que tanto le había gustado, y que por error consideraban una canción tradicional peruana. Así fue como, en 1970, Simon and Garfunkel grabaron una versión del tema de Los Incas, con el título de El Cóndor Pasa (If I Could) que incluía nuevas letras en inglés y la versión instrumental de Los Incas como base.

La canción aparece en el disco Bridge Over Troubled Water (1970), y el single fue uno de los mayores éxitos del famoso dúo, alcanzando el puesto 18 del Billboard. Debido al error de haberla considerado una canción tradicional y no una zarzuela, Daniel Alomía Robles no aparecía en los créditos de la canción de Simon and Garfunkel, motivo por el que el hijo del compositor interpuso una demanda por derechos de autor, que acabó ganando en un caso judicial de lo más amistoso, porque él era consciente de que la omisión era fruto de un malentendido, y Simon lo asumió con amabilidad y comprensión.

Lo más curioso del caso es que la zarzuela fue escrita para orquesta de cámara y no para instrumentos andinos, pero la versión de Los Incas y, en especial, la de Simon and Garfunkel, han hecho que El Cóndor Pasa permanezca en el recuerdo popular con ese aire de canción tradicional que tanto nos emociona al escucharla, en una nueva vida que quizá un cóndor anunció en algún momento, con su paso majestuoso por encima de las montañas.

Bob Dylan - The Times They Are A-Changin’ #Píldora 7

The Times They Are A-Changin’ esta lleno de sangre hirviendo, crítica las deficiencias de la sociedad y señala con el dedo directamente a una clase dominante injusta que simplemente esta afilando sus cuchillos para el festín industrial militar que están a punto de desatar en el mundo. En 1963 el Sr. Zimmerman estaba experimentando mucha presión indirecta por parte de sus colegas de música folk (y también de la compañía discográfica) que querían que presentara un verdadero álbum de canciones de protesta. y lo que entregó fue su primer álbum compuesto únicamente por canciones originales, y en donde vemos que Dylan esta preparado para todo, no es un álbum tan brillante como el anterior, ya que probablemente adolece de homogeneidad y lo tiñe de un aspecto oscuro que no habíamos visto hasta entonces, el humor de su debut se ha desparecido, ya no hay canciones de amor despreocupadas, aqui solo hay un conjunto de canciones crudas y brillantemente observadas sobre el ambiente tenso en el que Dylan estaba rodeado en los años sesenta.

La letra de 'The Times They Are A-Changin' es excelente y la melodia se convirtió en bandera de un movimiento empeñado en cambiar el mundo para mejor, es un comienzo simple aunque conmovedor del viaje que uno emprende con este álbum. En Girl from the North Country la guitarra es más fina, más cansada, la voz humilde y distante se hace eco del sentimiento lírico de navegar a través de ese océano solitario de alguien a quien amas de verdad, amantes de la larga distancia, prepárense para llorar dulcemente en sus almohadas. The Balad of Hollis Brown es oscura y demoledora hasta la médula, cuenta la historia de un granjero de Dakota del Sur que, abrumado por la desesperación de la pobreza, mata a su esposa, a sus hijos y luego a sí mismo, una canción muy dura y deprimente. Otras destacada es With God on Our Side, de alguna manera es una secuela de Masters of War, criticando la actitud de mente cerrada y desinteresada de la sociedad humana, relacionada con quién tiene el derecho último (en contexto 'Dios') de su lado. Only a Pawn in Their Game advierte sobre los antecedentes de racismo de las élites blancas ricas en los EE. UU., que llevaron al asesinato del activista de derechos civiles Medgar Evers. Dolorosa, honesta y descorazonadora. When the Ship Comes In es una pequeña cancioncilla áspera llena de hermosas imágenes construidas alrededor de la llegada de un barco como metáfora de la victoria, presumiblemente una victoria del movimiento de derechos civiles. Con el disco a punto de acabarse, pasamos a una canción tan trágica como asombrosa, 'La saqué de un periódico y cambié la letra', dijo Bob Dylan sobre esta historia de racismo e injusticia a manos de Billy Zatzinger, un hombre que quitó a una persona de raza negra, de la que habla la canción The Lonesome Death of Hattie Carroll y solo cumplió 6 meses por su crimen, su villanía fue apropiadamente inmortalizada por Dylan. Podiamos seguir mencionando mas canciones pero nos quedamos aqui, si te gustan sus álbumes optimistas, te ofrece varios en su discografía, pero si te apetece algo un poco más sombrío, Dylan lo hace aquí muy bien, puede que resulte un album demasiado serio, y tal vez no haya envejecido tan bien como algunos de sus mejores trabajos, pero sigue siendo una obra genial de Dylan.

Disco de la semana 298: Grand Prix - Teenage Fanclub

Seguro que conocéis o incluso formáis parte de alguno de esos "clubes de lectura" que se forman de manera informal entre amigos o compañeros de trabajo. El proceso es sencillo y sin un gran coste, basta con crear un grupo de Whatsapp y que cada uno recomiende cada cierto tiempo un libro que los demás deberán leer y comentar. Esa fue la idea de la que partió el "club de escucha" Sound and Vision, el grupo que creamos para compartir, escuchar y comentar discos, y que a su vez desembocó en lo que hoy es 7días7notas cuando uno de nosotros dijo: "¿Y si creamos un blog en el que comentar los discos que recomendamos cada semana en Sound and Vision?

Así es como he conocido recientemente a los Teenage Fanclub, banda escocesa formada en 1989 y de gran popularidad en los años 90, y su disco Grand Prix. La recomendación de este viernes pasado me ha llevado a descubrir una banda y un disco de gran calidad, una perla escondida en los mares del no siempre bien valorado power pop. ¿Y cómo es que cometí la torpeza de no conocerles en su momento? Pues porque en aquella época yo solo le hacía ojitos a Prince, Guns and Roses, Blur y Oasis, y ya me vale la tontería, porque al documentarme para esta reseña descubrí que estos últimos llegaron a decir en la época en que salió este disco que Teenage Fanclub eran "la mejor banda del mundo" aclarando a continuación que lo eran "después de nosotros, claro".

Grand Prix no es su obra cumbre, ese honor hay que dejárselo a Bandwagonesque (1991), pero al abrigo del brit pop de mediados de los noventa, con éste su quinto álbum de estudio alcanzaron su mayor éxito comercial y la repercusión mediática que la banda merecía. La fórmula de Grand Prix es tan clara como efectiva: guitarras suaves y rítmicas, efectivos estribillos y armonías vocales que recuerdan a los Byrds o a los Beach Boys, y el típico sonido ligero de las bandas de surf rock de la costa oeste norteamericana, conformado un puñado de notables canciones, entre las que se encuentran algunas de las composiciones más brillantes del grupo, como Sparky’s Dream, con una efectiva intro de guitarra de slide blues, Neil Jung, una de las mejores canciones del disco y de la banda en general, o la delicada balada Tears, todas ellas dotadas de una cuidada producción e intensas melodías, que apoyaban unas letras generalmente sencillas e inofensivas.

El arranque del disco es estelar con About you, la ya mencionada Sparky’s Dream y la bella melodía pop de Mellow Doubt, dando el genial pistoletazo de salida de un álbum consistente y bien producido. Las perlas van cayendo una tras otra y pasando por la línea de meta de este Grand Prix, joyas sin desperdicio como Verosimilitude, la también mencionada Neil Jung, quizá el punto más alto del álbum, los quilates de Going places, la melancolía de Say No o la belleza de la "beatleliana" I'll Make It Clear mantienen el nivel del arranque y hacen que el tiempo pase volando, llegando al final del disco sin que apenas te des cuenta.

Al llegar a la meta, nos encontramos el que quizás sea el único pero que se nos ocurre ponerle a esta obra, que no es otro que la inclusión del extraño experimento de Hardcore / Ballad con el que cierra el disco, mezclando en la misma pista un inicio de rock intenso con un súbito corte al que sigue un tramo final de balada desnuda de guitarra acústica y voz. El guitarreo inicial queda forzado y la mezcla resulta innecesaria e incómoda, pero es quizá el único lunar digno de mención en un disco compacto y sin fisuras visibles. Es solo un tropezón en el último momento, quizá provocado por la distracción de ver ya la bandera a cuadros ondeando en el horizonte, marcando la llegada triunfal de Teenage Fanclub al panorama musical de los noventa, pisando el acelerador en su particular Grand Prix.

0659.- Bridge Over Troubled Water - Simon and Garfunkel

"Bridge Over Troubled Water" no solo es una melodía histórica que demuestra perfectamente el poder de la voz humana, sino que también canaliza algo profundamente espiritual más allá de la naturaleza de su melodía. La mayoría de las otras canciones sobre la amistad y el sacrificio por los demás son insoportablemente empalagosas y a menudo se ven envueltas en tanto fervor nacionalista que se contaminan con los mismos espíritus de intolerancia y odio que profesan disipar (ver "God Bless the USA". "). No le ocurre a "Bridge Over Troubled Water". esta canción tiene la inteligencia y la calidez para reconocer que, mientras que otros tienen una autonomía tal que deseamos respetarlos y no ahogar sus búsquedas de autodescubrimiento, todavía tenemos un placer innato en ayudar a los demás cuando ellos no pueden hacerlo por sí mismos. Dejemos que los cínicos pseudo-filosóficos adoradores de Nietzsche lo denuncien como una debilidad: en algún momento, uno debe aceptar algunos postulados sobre el universo, y elijo aceptar este. "Bridge Over Troubled Water"habla del deseo de la gente de hacer el bien, y es por eso que se ha convertido en el estándar de referencia para los músicos de las tradiciones del jazz, la música clásica, el folk y el teatro musical. Es un monolito musical que está tan perfectamente elaborado como escrito, interpretado y grabado: una de las mejores canciones pop de todos los tiempos. Y es que es increíble, lo primero que te llama la atención es esa construcción lenta durante las primeras cuatro quintas partes, realmente es bellísima, con la voz suave y divina de Garfunkel como núcleo de la canción. El único acompañamiento para esta sección más suave es el piano de Larry Knechtel, que transmite tanta emoción y melancolía a través de su melodía. Para ser honesto, el comienzo del clímax también es fantástico, con esas cuerdas suaves y armonizadas entre el dúo titular. También hay algunos tambores que golpean maravillosamente, tipificando la efusión de sentimientos. Simplemente va un poco demasiado lejos cuando las cuerdas realmente toman el control.

A pesar de una carrera sólida y larga detrás de ellos, y una discografía repleta de múltiples éxitos en las listas de éxitos, "Bridge Over Troubled Water" se destaca como uno de los momentos emblemáticos de Simon & Garfunkel, como uno de los más importantes, sin olvidar que es una de las canciones más reelaboradas (en Jazz, Pop, Classic, lo que sea) que considerando que el duo estaba a punto de desmoronarse tiene un mérito aún mayor. No sé si Simon se dio cuenta de lo enorme que iba a ser esta canción, pero la letra, la melodía y la producción encajan perfectamente. El “niño tenor del coro” encarnado en Garfunkel le da a "Bridge Over Troubled Water" una lectura similar a la de una iglesia, que se vuelve aún más creíble gracias a la interpretación del piano de Larry Knetchel. La canción es extremadamente inspiradora y su sentimiento sobre la necesidad de un verdadero amigo en tiempos difíciles tiene una calidad universal.

0658.- Todo tiene su fin - Los Modulos

 

Los Módulos fueron capaces de reunir en un mismo grupo el pop comercial de los 60 con la música progresiva que era lo que iba a estar en boga en los años 70, así que estamos ante el último gran grupo de los 60 o el primer supergrupo de los 70, no debe extrañarnos, por tanto, que los seguidores del pop español los consideren un grupo pop y los amantes de la música progresiva lo reivindiquen continuamente como uno de los suyos. Lo que parece quedar claro, etiquetas aparte, es que Módulos fue un grupo de gran calidad y estuvo formado por cuatro de los mejores músicos y compositores de su tiempo. Pero a pesar de este cartel, Los Módulos no fue un grupo de unos jóvenes que querían dedicarse al mundo de la música, sino que fue un grupo apoyado desde el principio por una potente casa discográfica. Los Módulos surgen en el Madrid del año 1969, cuando el cantante y guitarrista Pepe Robles (José Robles Martínez, nacido en 1948), quien también se ocupaba de tocar los bongos y de interpretar los instrumentos de viento, como la flauta o el oboe, fue requerido por el productor del sello Hispavox, Rafael Trabuchelli, impresionado por su talento cuando puntualmente formó parte de la banda Los Angeles, para liderar un nuevo conjunto musical. Trabuchelli  apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos, conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzabal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz). Poco antes del verano del 69 aparece un primer single con “Ya no me Quieres / “Recuerdos” (Hispavox, 1969), el disco se vende bien, está varias semanas en el top 20. Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. Al final de la grabación Trabuchelli les comenta que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente una nueva canción. Cuando Pepe Robles va a registrar a Autores la nueva canción, se encuentra con que ya ha sido registrada por Reyzabal en solitario. Eso va a producir reclamaciones y pleitos entre ambos músicos. La SGAE toma la decisión salomónica de que aparezca firmada por ambos, aunque Reyzabal siempre reivindicó la autoría en solitario.

El tema en cuestión es “Todo tiene su fin”, seguramente una de las tres mejores baladas del pop español de todos los tiempos. Pura caricia sonora. La cosa se inicia con un órgano eclesiástico al que se une un coro plañidero cargado de eco. La voz destila calidad a cada nota y una complicada línea del bajo la subraya. Un breve solo de guitarra distorsionada que se repite dos veces y un continuo sube y baja en la densidad instrumental que consigue una tensión y reclama la contínua atención del oyente con un final de nuevo con el órgano catedralicio en plena ebullición acompañado por redoble de platos. A destacar la aparición de un par de trompas en el clímax del tema para reforzar al órgano. La letra es un canto a una ruptura amorosa considerada como liberación de una relación en la que se ha dado mucho más de lo recibido. En ella se señala que, aunque el protagonista sigue queriendo a su amante, el alivio obtenido con la separación compensa el dolor. Por favor escuchen esta canción en su versión original. Nunca serán cuatro minutos perdidos, tras escuchar la canción, volverás a tener esperanza, que la realidad existe, y una luz errante ilumina tu habitación. Ya nada importa, déjate llevar como el viento al humo.

Lenny Kravitz "5" - #Mes Lenny Kravitz

Da la sensación de que las críticas nunca han sido del todo benévolas con la música de Lenny Kravitz. Si grababa en analógico, le acusaban de ser demasiado retro y de copiar a los grandes de los 70, y cuando dio el salto a lo digital con este su quinto álbum, le acusaron de querer subirse al carro de la modernidad, cuando el cambio no supuso perder ni un ápice de su particular estilo, y "5" (1998) dejó para la posteridad un buen puñado de singles de éxito, y la sensación de que con aquel disco Lenny había dado un salto hacia la categoría de superestrella llena estadios.

Pero ni con esas. Demasiado irregular, he leído en algún sitio, y os prometo que le he buscado las irregularidades concienzudamente, y lo que he encontrado es una colección de temas de rock, soul y funk con la combinación justa entre su sonido clásico y unos leves y bien escogidos toques electrónicos aquí y allá, para darle al disco un aire mucho más moderno y actual que cualquier cosa que hubiera hecho antes. Eso no me impide reconocer que, como todos los discos, tiene canciones de las que yo habría prescindido, en concreto del innecesario y repetitivo instrumental Straight cold player y algún tema de la parte central del disco (Take time hace especialmente pesada la escucha de esa parte del álbum).

Y ya puestos, habría sido genial que el extra de American Woman, incluido en una reedición del disco menos de un año después, hubiera sido de la partida desde el principio, pero una cosa es pedir más, y otra muy diferente es negar que este disco es uno de los más relevantes de la carrera de Lenny Kravitz, con sus imperfecciones, pero con toda la carga explosiva de temas como el arranque de funk aeroespacial de Live, la fuerza de Supersoulfighter o el ritmo pegadizo y electrónico de Black Velveteen, otro de los singles más destacados del disco.

En contra de mi defensa de "5" podrán decir que no soy objetivo al respecto, y que me dejo llevar por lo que este disco supuso para mí en un momento concreto de mi vida. Y no les faltará razón, pero eso es algo que nos ha sucedido a todos con algunos discos, mejores o peores, que sonaron en el momento justo en el que tenían que sonar. Reconozco que "5" fue la banda sonora de mi primer viaje en pareja (destino Salamanca), y que I belong to you y otras canciones de este disco estaban en la mayor parte de los cassettes que grababa con las canciones que consideraba "nuestras", pero como podéis imaginar, ninguno de aquellos cassettes tuvieron influencia mediática alguna en que Fly Away, la más rockera de las canciones del álbum, fuera número 1 de ventas y se convirtiera desde entonces en una canción imprescindible en sus conciertos, a la altura de hits pasados como Always on the run o Are you gonna go my way.

Otros singles de éxito fueron canciones que formaron también parte de aquella selección de temas más melódicos y calmados que formaron aquel ya desaparecido cassette: If You Can’t Say No, Thinking of You... junto con otros temas que por no ser singles no eran menos relevantes: Little Girl’s Eyes, You’re My Flavor y Can We Find a Reason compartían todos cierto aire cadencioso y crepuscular, cerrando con estilo y elegancia uno de esos discos a los que se cuelga la etiqueta de imperfectos, pero que revitalizó la carrera de Lenny Kravitz en el momento justo, y que al mismo tiempo, fue la banda sonora de mi vida en un momento muy concreto y relevante.

Curiosidades de la vida, tuve la oportunidad de pedirle un autógrafo cuando vino a España durante la gira del disco, en una anécdota en la FNAC de Callao que ya conté en el artículo de presentación del #Mes Lenny Kravitz. Quizá eso haga también más subjetiva mi defensa de este disco. No lo sé, pero cuando leo sobre las críticas que recibió por parte de algunos medios especializados, me dan ganas de buscar mi copia de "5" en la que guardo como oro en paño su firma, para grabarles un cassette con sus mejores temas, y hacérsela llegar junto a una postal de la Catedral de Salamanca. Si con eso no logro hacerles cambiar de opinión, tendré que plantearme escucharlo de nuevo, para seguirle buscando imperfecciones, hasta lograr entender que tienen los discos actuales (no quiero nombrar a nadie) que no tenga más y mejor cualquier disco de Lenny Kravitz o, al menos, cualquiera desde el primero hasta el "5".

0657 - Almost in Love - Elvis Presley

0657 - Almost in Love - Elvis Presley

Almost in Love es una canción grabada por Elvis Presley como parte de la banda sonora de su película de 1968 Live a Little, Love a Little. Luiz Bonfa había lanzado previamente una versión instrumental de esta melodía en 1966 llamada "Moonlight in Rio".

En septiembre de 1968 fue lanzado en un sencillo con la canción "A Little Less Conversation" en el otro lado. Su primer lanzamiento en un álbum fue como la canción principal del álbum económico de Elvis Presley, Almost in Love que apopto su nombre en noviembre de 1970.

 El 1 de diciembre de 1970, el sencillo compuesto por "Almost in Love" y "A Little Less Conversation" fue relanzado como parte de la Serie Gold Standard de RCA Victor junto con otros 9 sencillos de Elvis Presley.

La canción está acreditada a Luiz Bonfá y Randy Starr. Presley sólo la grabó el 7 de marzo de 1968.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Beck

Nueva edición de "Grandes éxitos y tropiezos", en esta ocasión desgranamos la trayectoria de Beck, autor de varios discos tan geniales como irreverentes, pero que en la búsqueda del cambio y de nuevos horizontes también ha dado algún que otro mal paso en su ya extensa y variada discografía. Así que si vas a una tienda de discos en busca de algún álbum del artista angelino, éstas son nuestras recomendaciones:

Estás tardando en comprarlo:

Odelay (1996), irresistible ya desde el riff inicial de Devils Haircut, su single más reconocible, y uno de los mayores éxitos de Beck. Estamos ante un disco que es un auténtico derroche de creatividad y variedad estilística, con cambios constantes de ritmo y estilo que hacen imposible poder encasillarlo en un género. Country, blues, rock, hip hop y otros muchos estilos se combinan en un puzzle multicolor y atípico que te atrapa con cada escucha, y que no ha perdido ni un ápice de su fuerza y su descaro con el paso de los años.

En esta misma sección incluiría también el disco Sea Change (2002), no solo por la calidad que atesoran sus canciones, sino por el increíble cambio estilístico que supone con respecto a Odelay y otras obras de Beck. Tras una ruptura sentimental, el músico californiano se torna reflexivo y profundo, en un disco sosegado y equilibrado en el que destacan los arreglos de cuerda y los ambientes acústicos, arropando a un Beck que canta como un crooner con el corazón abatido.

Si te queda pasta, también puedes llevarte:

Mellow Gold (1994) Quizá haya otros discos en esta categoría que, en conjunto, sean mejores que éste, pero aquí ya se intuía el camino que condujo hacia Odelay, en las imposibles mezclas de estilos en las que tenían cabida tanto el pop como el rap, el folk, mezclados en una dinámica de sonido low-fi y con un single que es historia del post-grunge de los noventa: Loser. ¿Y cuáles son esos discos que, seguramente, son mejores en conjunto que éste Mellow Gold? Pues en nuestra opinión serían tanto Modern Guilt (2008), que podría denominarse como el álbum psicodélico de Beck, como Mutations (1998), otro ejemplo de lo que el californiano es capaz de facturar cuando se muestra contenido y se acerca al pop elegante y calmado, aunque tenga también tramos en los que la cabra tira al monte y saca su abanico de referencias del country y hasta de la bossa nova (Tropicalia)

Vuelve a dejarlo en el expositor:

En este apartado haremos una referencia general a todos sus discos anteriores a Mellow gold, porque el genio del artista angelino no había encontrado aun el cauce adecuado, y es poco o ninguno el interés de discos como Golden Feelings (1993), Stereopathetic Soulmanure (1994) o One Foot in the Grave (1994), seguramente en ese orden. Y de su obra más reciente, discos como The information (2006) o Morning Phase (2014) son también, en cierta manera, tropiezos que palidecen ante sus grandes obras y ante otras publicaciones de la misma época.

Por último, si hablamos de canciones, con una obra tan extensa habrá listas y gustos para todos los colores. Estas son nuestras cinco canciones top:

1. Loser

2. Devil's Haircut

3. Lost cause

4. The golden age

5. Tropicalia

0656.- Octopus - Syd Barrett

Octopus, grabada originalmente con el título de Clowns and Jugglers, y conocida también por la mención que en su letra hace al disco en el que se incluye (The Madcap Laughs) es una de las canciones más reconocibles de Syd Barrett, que en 1970 grabó su primer disco en solitario tras su compleja salida de Pink Floyd en 1968, asumida por el resto de miembros como necesaria por sus problemas de salud mental, lo cual no impidió que tanto David Gilmour como Roger Waters se implicaran en su proyecto en solitario en tareas de composición, interpretación y producción de los temas. Fue precisamente Gilmour quién, al escuchar la letra de la canción, sugirió que The Madcap Laughs fuera el título del álbum

Según el propio Barrett: "Llevé eso en mi cabeza durante unos seis meses antes de escribirlo, así que tal vez por eso salió tan bien (...) Es como una combinación infalible de letras, en realidad, y luego el coro entra y cambia el tempo, pero mantiene todo unido". Los cambios de "tempo" que menciona son la línea predominante de ésta y otras canciones del disco, ya que su deteriorado estado mental hacía bastante complicado al resto de músicos seguirle y mantener la armonía y el tiempo de las canciones, haciendo de The Madcap Laughs un disco difícil, extraño y peculiar, cuyas sesiones tuvieron que interrumpirse temporalmente para que Barrett ingresara en un hospital psiquiátrico.

Octopus es famosa por tratarse de la única canción de Syd Barrett en solitario que fue publicada como single. Fue lanzada el 14 de noviembre de 1969, dos meses antes del lanzamiento del disco The Madcap Laughs. David Gilmour se encargó de la producción, además de interpretar el bajo y la batería durante la grabación de la canción, en un respetuoso y protector segundo plano que dejó a Barrett al mando de la voz y de las guitarras eléctricas y acústicas de una de sus obras más personales y representativas. Bendita locura, cuando producía canciones como ésta, y maldita en todo el sufrimiento que le acarreó en casi todo lo demás.

0655-. Uncle John's Band - Grateful Dead

 

Uncle John's Band, Grateful Dead

     El 14 de junio de 1970 la banda estadounidense de rock Grateful Dead publica su cuarto álbum de estudio, Workingman's Dead. El disco es grabado en febrero de 1979 en los Pacific High Recording estudios de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo y de Bob Matthews y Betty Cantor, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros. En este disco el grupo abandona la experimentación psicodélica de sus anteriores trabajos para centrarse en un sonido más americano, basado en el folk rock, roots rock, blues rock y country rock.

Cuando Workingman's Dead fue publicado, los lectores de la revista Rolling Stone lo votaron como el mejor álbum de 1970, seguido de DéjàVu de Still, Crosby, Nash y Young, y Moondance de Van Morrison. 

Incluido en éste disco se encuentra Uncle John's Band, compuesta por el guitarrista de la banda Jerry Garcia y por el letrista Robert Hunter. Este tema, con unas armonías y texturas vocales que cobran vida propia, fue lanzado como sencillo promocional del álbum. El estilo de la canción es un relajado arreglo de bluegrass y folk con guitarra acústica con unas geniales armonías vocales. La canción se convirtió en una de las más conocidas de la banda y fue incluida en dentro de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll del Salón de la fama del rock and roll. En 2001 fue incluida en el puesto número 321 en la lista de proyectos de Canciones del siglo.

0654.- Both sides now - Joni Mitchell

Cuando se trata del mundo de los artistas, no hay nadie más misterioso y enigmático que Joni Mitchell. Su vida ha dado algunos giros extraños, ha tenido una buena cantidad de problemas y ha salido del otro lado satisfecha de dónde s encontraba. Es una lástima que los fans la abandonaran desde el principio, porque esta cantante es una de las más talentosas en el negocio hoy en día. No hay una lista que no la incluya como una de las diez mejores artistas femeninas de los últimos cincuenta años, y dudo que no caiga en la mayoría de las listas de las diez mejores sin importar el género. El alcance y el volumen de su material nunca terminan, y la profundidad de su personalidad se desarrolla para siempre... en resumen, Joni es el contrapunto femenino del Sr. Dylan. Joni pagó sus cuotas, tocando en cafeterías y clubes pequeños donde en realidad se pasaban un sombrero cada pocas canciones; cobrar con calderilla, volver a casa después de una actuación, sentarse a fumar un cigarro, contar las noches que tardan antes de acostarse... era un ritual, todos los artistas lo hacían en aquellos tiempos. Y para salir a la ciudad, o a una fiesta después de un espectáculo, significaba cargar con una bolsa de hombro, o bolsillos llenos de monedas sueltas, monedas de diez centavos, cinco centavos y centavos. Algunos artistas en realidad ganaron más dinero al ser insultados con centavos que los buenos actos con monedas de diez centavos y veinticinco centavos.

El magnífico "Both Sides, Now", es quizas uno de sus canciones mas populares, y es quizas una de las canciones mas accesibles de la cantante, es una versión menos majestuosa que la de Judy Collins, pero mucho más íntima y emotiva, de ninguna manera es su mejor composición, pero resume los estados de ánimo y pensamientos de la cantante, es un error pensar que solo escribió sobre experiencias hippies. sigue siendo mi canción favorita de ella por varias razones, aqui tenemos el trabajo de alguien en contacto consigo misma de una manera que pocos artistas traducen en una cancion, carece de la atmósfera helada y ligeramente sombría que hace que sea una experiencia tan resonante e inquietante, y carece de diversidad y experimentación. Todo aqui es muy seco aquí, con los acompañamientos instrumentales adicionales eliminados y la reverberación eliminada por completo para dejar a Joni allí, sola con su guitarra. Es algo íntimo y verdaderamente personal. Joni produce hermosos sonidos con su voz y su guitarra, y están construidas con solidez y cuidado, muy pocas cosas exigen tu atención en la forma en que esta canion lo hace sin esfuerzo.

Circus - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

Circus, Lenny Kravitz

Después de tocar el cielo con Are You Gonna Go My Way, el primer disco en meterse entre los 20 primeros álbumes de la famosa lista estadounidense Billboard 200, y de lograr que fuera todo un éxito también fuera de las fronteras de dicho país, Lenny Kravitz tenía la difícil tarea de superar, o al menos igualar el éxito alcanzado en su siguiente álbum. Así nació Circus, un álbum considerado por la crítica como uno de sus más flojos. Puede que tuviera que ver con esa percepción una de las temáticas que el artista abordaba en el disco, donde afirmaba que el rock había muerto, y que en esa época, durante la grabación del álbum, el estado de salud de su madre le tenía preocupado, la cual acabaría falleciendo unos tres meses después del lanzamiento de Circus, concretamente el 2 de diciembre de 1995 a la edad de 66 años y a consecuencia de un cáncer de mama.

Circus fue grabado entre los estudios Chateau Des Conde, Francia, los estudios Compass Point de Nassau, Bahamas y los Waterfront Studios de Hokoben, Nueva Jersey (Estados Unidos) bajo la producción del mismo Lenny Kravitz, y publicado el 2 de septiembre de 1995 por el sello discográfico Virgin Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y el segundo puesto en las listas de ventas del Reino Unidos, además de alcanzar muy buenas cifras con la certificación de disco de oro en Argentina, Francia, Países Bajos, Nueva Zelanda, España, Suiza, y los mencionados Estados Unidos y Reino Unido, y disco de platino en Japón. Como hemos comentado anteriormente, y a pesar de las buenas cifras obtenidas en ventas, fue considerado por la crítica como uno de sus trabajos más flojos.

En Circus, Kravitz abandona la fórmula y revitalizado sonido funk rock y soul rock de principios de los años 70 que utilizara en sus anteriores discos y que tan buenos resultados le había dado, para moverse entre temas que se mueven entre la delgada línea del pop y el rock con un ligero toque psicodélico.

Kravitz manifestó en su momento que la creación del disco resultó ser para él un proceso muy tedioso. El preocupante estado de salud de su madre, unido a la tristeza e infidelidad que sentía también con el mercado de la música tuvieron mucho que ver con el resultado. En Circus aborda la temática del estilo de vida de las estrellas de rock, como podemos comprobar en temas como Rock and Roll is Dead, una canción que según Kravitz fue malinterpretada, ya que afirmaba que "Mucha gente no escucha la letra. Hay muchas canciones mías que tratan sobre la espiritualidad y sobre Dios, y supongo que al escuchar el estribillo de Rock and Roll is Dead no cavaron ni entendieron de que estaba hablando en realidad. No se molestaron en escuchar los veros para saber de lo que estaba hablando en verdad, sobre la superficialidad de la música, de como la imagen se estaba anteponiendo a la música, al talento y el arte. También habla de personas que sienten que tienen que vivir ese estilo de vida estereotipado para poder ser una estrella de rock. Es como, oye, sé tú mismo, no tienes que inyectarte heroína y actuar de cierta manera para ser un músico de rock and roll, se trata de la música". Como curiosidad, y en respuesta a esta canción, Prince lanzó la canción Rock and Roll Is Alive (and it lives in Minneapolis) como cara B de su sencillo Gold

Circus, el segundo sencillo del álbum que además da título al mismo. Un tema donde Kravitz define como un circo toda la industria que rodea al rock and roll, gerentes, fans, banqueros, inversionistas, y cada vez cuesta más ser uno mismo; o Can't Get You Off My Mind, tema donde nos habla de la vida del artista solo en una carretera solitaria. Kravitz manifestaba sobre la canción que "Esa letra no era un pastiche, salió de mi de forma natural, al igual que todas mis letras. No analizo la composición de las canciones, simplemente escribo", "Cuando estás mucho de gira como yo, la vida es una carretera solitaria, y me sentí solo en la carretera". Lenny Kravitz también aborda el tema de la fe y la religión en canciones como Gold Is Love, y The Resurrection.

Puede que Circus sea su trabajo más flojo, puede que sus coqueteos y escarceos con el pop rock y el pop psicodélico nos de cierta pereza, pero si le damos un oportunidad y prestamos atención a las composiciones, el disco nos resultará mucho más interesante de lo que a primera vista pueda parecer.

David Crosby - If I Could Only Remember My Name #Píldora 6

 

Crosby, Stills, Nash & Young, lanzaron sus propios lanzamientos en solitario, Neil Young lanzó After The Gold Rush, Stephen Stills lanzó su álbum homónimo y Graham Nash lanzó Songs For Beginners, Crosby el álbum en el que su totalidad un lamento a su novia de toda la vida. Crosby había sufrido recientemente la pérdida de su novia en un accidente automovilístico y él mismo estaba sucumbiendo a la bebida y las drogas, por lo que no estaba exactamente en un buen momento durante la creación de este disco. Etiquetado por algunos como "Hippy drippy drive", el álbum tiene una honestidad ingenua, una maestría musical brillante, magníficas armonías, grandes canciones, una dimensión social/política y una atmósfera general que te transporta a un lugar extraño. Nos entregamos a un disco increíblemente relajante, pero en ningún momento feliz, son canciones nerviosas e inestables de un tipo que no está satisfecho con lo que está pasando a su alrededor. Uno tras otro los temas suenan como si uno estuviera mirando a través de un catalejo en blanco y negro, sin saber quiénes son las personas, pero apreciándolas y sintiendo en carne propia sus lamentos. Esta música representa a una generación, un movimiento social y un estado de ánimo, que incluye Flower Power, Psychedelia, Woodstock, Social Awareness e Enlightenment, fue el único Renacimiento que experimentó el pueblo estadounidense en su toda la historia.

El acompañamiento instrumental cuenta con intensas improvisaciones de guitarra de fondo, interpretadas a menudo por más de un guitarrista al mismo tiempo, da otra dimensión a esta música compleja y de múltiples capas. Me gustaría hacer hincapié en dos bellezas, la acústica "Traction In The Rain", especialmente cuando ese riff de guitarra descendente de dos acordes entra en acción y domina la canción, y “Laughing", que seguramente debe figurar entre los mejores trabajos de cualquiera de una banda de rock, una canción rica y maravillosa, con una letra filosófica y perspicaz sobre una melodía soberbia y flotante que se basa en la simple frase “Me equivoqué”, explotando en tres palabras todas las esperanzas y sueños de la Generación del Amor. Music is love también es una pista increíble... genial fusión phycadelic jazz boost y acid fusion de gran altura, no es lo que esperaríamos , pero es igualmente fascinante. Siempre pensé erróneamente en el Sr. Crosby como el miembro menos talentoso y nunca se me pasó por la cabeza determe en sus trabajos en solitario, pero después de escuchar "If I Could Only Remember My Name" descubro que es absolutamente brillante.

0653-. April - Deep Purple

 

April, Deep Purple

     La primera formación del grupo Deep Purple, más conocida como Mark I, lanza en junio de 1969 bajo el sello discogáfico Tetragrammaton Records en Estados Unidos, en junio de 1969, Harvest/EMI en Reino Unido en noviembre de 1969, y Polydor en Canadá y Japón, su tercer disco de estudio, titulado Deep Purple. El disco es grabado en los De Lane Studios de Londres entre los meses de enero y marzo de 1969. El sonido se va endureciendo acercandose más hacia el hard rock, producto del peso que Blackmore ya va ganando en el grupo, quien va imponiendo sus ideas sobre el sonido que la banda debe tener. El sello discográfico Tetragrammaton esaba arruinado, lo que sumado a la elección en Estados Unidos del tema Emmaretta, el cual pasó inadvertido, y la escasa promoción del disco, hicieron que en estados Unidos pasase inadvertido. En Reino Unido, el disco fue presentado en Septiembre de 1969, y si tenía alguna posibilidad de triunfar, estás fueron arruinadas por el anuncio de la banda del concierto con la Royal Philarmonic Orchestra. Estos hechos desencadenarían el final de la formación Mark I y el comienzo de la época dorada del grupo de la mano de la formación Mark II.

Incluido en este álbum se encuentra April, una bella canción acreditada a Ritchie Blackmore y John Lord. Esta canción, como su título indica, trata sobre el mes de abril. La primera sección es interpretada únicamente por Lord y Blackmore; Lord toca el piano y el órgano y Blackmore toca las guitarras eléctrica y acústicas. La segunda sección está orquestada por Lord, y utiliza flautas, clarinetes, una sección de cuerdas y otros instrumentos; y la tercera sección tiene voces agregadas. La canción, según la banda era un reflejo de lo que debeía ser el mes de abril, un mes hermoso pero a la vez triste.

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

OK! Amigos esta semena vamos con un cantautor argentino, y con unos de sus álbumes que se titula, Por favor, perdón y gracias este es el decimotercer álbum de estudio del cantautor argentino León Gieco.

Y fue publicado en el año 2005 por el sello EMI y producido por León Gieco y Luis Gurevich. 

El álbum cuenta con invitados como Jimmy Johnson, Gustavo Santaolalla, Rubén Albarrán, David Kemper, Gustavo Cordera, Dean Parks, Andrés Ciro Martínez, Daniel Melingo, entre otros.

Este disco fue lanzado tras cuatro años después de Bandidos rurales y es, probablemente, el álbum más polémico de León Gieco, en donde critica al sistema y la tragedia donde en una sala de conciertos en Buenos Aires llamada Cromañón murieron más de un centenar de jóvenes. 

Tras estos problemas, el artista tuvo que enfrentar demandas judiciales por la polémica canción Un minuto sobre la tragedia de Cromañón, esta cancion tuvo que ser retirado del álbum a partir de su segunda edición, tras las quejas de los familiares de las víctimas, pero no sólo la canción Un Minuto trajo polémica al artista, sino Santa Tejerina, sobre el caso de Romina Tejerina, una joven que mató a su hijo recién nacido al ser fruto de una violación y habérsele denegado el aborto, por ello de lo polémico del álbum. 

Pero nada termina ahí, Leon Gieco apuesta fuerte desde la primera canción del álbum titulada Yo soy Juan hace referencia a la historia de Juan Cabandié Alfonsín, nieto recuperado n.° 77 por las Abuelas de Plaza de Mayo en 2003. La canción menciona su nacimiento en el ex Centro Clandestino de Detención ex ESMA, donde funcionaba una maternidad clandestina durante última dictadura militar en la Argentina.

El álbum también incluye el clásico tema El ángel de la bicicleta, que cuenta la historia de Claudio "Pocho" Leprati, quien fue asesinado por la policía de la ciudad de Rosario durante la crisis y protestas de diciembre de 2001 por evitar que la policía baleara un comedor infantil de un barrio pobre.

Pero lo cierto es que tras estas historias, León Gieco ha puesto a la luz algo que saben hacer muy bien los cantautores, que es dar vida etarnas a la historia, y León Gieco sabe muy bien hacer eso. 

Por favor, perdón y gracias, reúne a otros artistas que lo acompañan, y logran transformar sonidos como el flockore, la murga y el tanto, sonidos tran presentes en la cultura popular Argentina que son mezclados con el rock, el hard Rock y el folk rock, una verdadera muestra de fusión de estilos, se pueden escuchar en este álbum. 

Ya lo hemos dicho, muchas veces, el rock argentino nació como una manera de crítica a una sociedad, y en este álbum no ha perdido la esencia de las décadas 70s y 80s de levantar la voz. Y con esa voz levantada León Gieco nos cuenta la historia en sus canciones. Así que los ánimo a escuchar esas historias. 

Daniel 

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0652.- Give peace a chance - John Lennon

Give Peace a Chance ("Dadle una oportunidad a la paz") surgió de una respuesta de John Lennon a uno de los reporteros que cubrían la famosa protesta en la cama de un hotel de Nueva York junto a Yoko Ono. Cuando el periodista le preguntó qué intentaba conseguir, Lennon contestó "Todo lo que estamos diciendo es: dadle una oportunidad a la paz". La espontánea frase le gustó y se le quedó grabada en la cabeza, y la cantó varias veces mientras estuvo en aquella cama, y poco después alquiló una grabadora de 8 pistas y la grabó el 1 de junio de 1969 en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal (Canadá), en la segunda de sus "encamadas de protesta".

En la grabación, Lennon tocó la guitarra acústica junto a Tommy Smothers, (de los Smothers Brothers), y varios invitados, entre los que estaba la hija de 5 años de Yoko Ono, tocaron panderetas e hicieron coros. En el último verso de la canción, Lennon se refiere a algunos de los colaboradores de la canción, junto a otras celebridades que no estuvieron presentes ("John and Yoko, Timmy Leary, Rosemary, Tommy Smothers, Bob Dylan, Tommy Cooper, Derek Taylor, Norman Mailer, Allen Ginsberg y Hare Krishna").

La grabación resultante se publicó como sencillo, acreditado a la Plastic Ono Band, con la canción de Yoko Ono "Remember love" en la cara B. Desde su publicación, fue considerada todo un símbolo de paz y de canción protesta, por lo que ha sido posteriormente versionada e interpretada en todo tipo de manifestaciones antibélicas, así como en películas de cine, documentales y festivales protesta. Su mensaje pacifista sigue vigente en nuestros días, aunque las guerras recientes nos demuestren que seguimos sin hacerle mucho caso a esta canción. Y no será por que el mensaje de la letra fuera demasiado críptico, todo lo que nos decía Lennon era que le diéramos una oportunidad a la paz...

0651.- You Can't Always Get What You Want - The Rolling Stones

 

Let It Bleed fue un álbum se publicó en un momento de cierta inestabilidad en el grupo, con Brian Jones tocando en algunas canciones y su reemplazo, Mick Taylor en otras, en realidad fue un álbum que Mick Jagger y Keith Richards quisieron que existiera en medio del caos típico de una banda. El tumulto y la confusión son evidentes a lo largo del álbum, comenzando con el apocalíptico "Gimme Shelter" y continuando con temas feroces y tensos como "Live With Me", "Midnight Rambler" y "Monkey Man". La pista de cierre, "You Can't Always Get What You Want", trata de darle sentido a todo, y resultó algo más ambivalente pero no menos himno que esas otras canciones. La canción se sumó al final de una década en la que gran parte del idealismo de la generación más joven había terminado en frustración y desilusión. Mick Jagger fue el escritor principal de la canción, y si, estaba tratando de resumir el espíritu de la época, es innegable que "You Can't Always Get What You Want" se aprovechó de la misma línea que otras canciones de fin de década como "Bridge Over Troubled Water" o "Let It Be" en el sentido de que sirvió como una especie de bálsamo para los heridos. corazones y almas. Jagger pone a su narrador en una serie de situaciones mundanas que de alguna manera derivan hacia lo surrealista. En una recepción de la sociedad, conoce a una mujer que espera conseguir drogas con un ineficaz "hombre suelto" atado a su lado. Hablando de ineficaces, la multitud en la manifestación prometiendo, "vamos a ventilar nuestra frustración/ Si no lo hacemos, vamos a quemar un fusible de 50 amperios" no se dan cuenta de lo poco que cambiará su histrionismo en última instancia. En el tercer verso, Jagger, al hacer un recado para que alguien "llene su receta", se encuentra con "Sr. Jimmy”, quien parece ser una víctima del exceso de la década: “Y, hombre, se veía bastante enfermo”. Después de compartir un refresco, el narrador le canta una canción y recibe la respuesta críptica.

 

“You Can't Always Get What You Want” podría haberse interpretado de una manera mucho más melancólica. Pero la música, en todo caso, se esfuerza por elevarse cada vez más a medida que avanza, especialmente en una pausa que presenta los rellenos de piano gospel de Kooper que conducen al regreso del coro, como testifica Jagger con algunos gritos y gritos. A la gente no se le pasó por alto que el hombre que una vez cantó "(I Can't Get No) Satisfaction" ahora había llegado a la conclusión de que "No siempre puedes obtener lo que quieres". Cuando Jagger se enfrentó a esto, hizo referencia a la perspectiva diferente en la letra como la clave, en el momento del lanzamiento de la canción. “Lo mismo me pasa a mí. Estoy diciendo lo mismo que cuando dije: 'No puedo obtener ninguna satisfacción', solo que lo articulé de manera diferente”. Articulado de manera diferente y bastante conmovedora de hecho. “You Can't Always Get You Want” sigue siendo la canción de The Rolling Stones que con mayor probabilidad brindará consuelo cuando sus objetivos superen su alcance.

 

0650.- Gimme Shelter - The Rolling Stones

Gimme Shelter ("Dame Refugio") es un trabajo conjunto de Mick Jagger (que compuso la letra) y Keith Richards (autor de la música). Este último fue quién comenzó la creación del tema, componiendo la melodía de guitarra con la que comienza el tema en un período en el que estaba solo en Londres, mientras su novia Anita Pallenberg y su compañero Mick Jagger rodaban la película Performance.

La canción, una de las más populares de la banda, e imprescindible en todos sus conciertos, es un medio tiempo rockero y de apocalíptica letra antibelicista y antiviolencia, que se beneficia además de la épica interpretación vocal de la cantante de soul y gospel Merry Clayton, como contrapunto a la voz principal de Jagger, que reflejó en la canción la difícil época que en Estados Unidos, y en el mundo en general, se estaba viviendo, con la oposición a la guerra de Vietnam como telón de fondo, y con noticias sobre la represión de las manifestaciones en su contra poblando cada día los noticiarios.

Esa fue la inspiración principal para Gimme Shelter, y para la mayor parte del disco Let It Bleed, del que Gimme Shelter era la canción de arranque y una de sus piezas fundamentales. Paradójicamente, esta canción nunca fue publicada como sencillo, lo que no impidió que esta historia en la que la guerra, los asesinatos y las violaciones están desgraciadamente "a un solo tiro de distancia", se convirtiera en un gran éxito de la banda y pasara a formar parte del exclusivo grupo de himnos imprescindibles para los fans de los Rolling Stones, que en cada concierto esperan ansiosos el momento en el que las notas iniciales de la guitarra de Richards les abran de nuevo la puerta de ese cálido e intenso refugio que es Gimme Shelter.

Are You Gonna Go My Way - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

Are You Gonna Go My Way - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

Mes Lenny Kravitz, vamos con uno de sus álbumes, el primero Are You Gonna Go My Way que es el primer sencillo lanzado por el músico estadounidense Lenny Kravitz, y será su tercer álbum de estudio, la canción Are You Gonna Go My Way fue escrito por Lenny Kravitz y Craig Ross, que dio nombre al álbum del artista. 

Como comentamos Are You Gonna Go My Way es el tercer álbum de estudio del cantante estadounidense Lenny Kravitz, lanzado el 9 de marzo de 1993 por Virgin Records. Fue grabado en Waterfront Studios, Hoboken, Nueva Jersey, por Henry Hirsch. 

Se convirtió en el primer álbum de Kravitz entre los 20 primeros en el Billboard 200 de los Estados Unidos y su primer álbum número uno tanto en Australia como en el Reino Unido, logrando un éxito mundial que ayudó a establecer su popularidad como intérprete.

El sencillo ha sido versionado por numerosos artistas, como Metallica, en un popurrí de "MTV Hits" en los MTV Music Video Awards de 2003, Tom Jones para la banda sonora de Jerky Boys, Robbie Williams en el álbum Reload de Jones de 1999 y Mel B en su sección solista de la gira Spice Girls 2007 Reunion Tour. La banda serbia de hard rock Cactus Jack grabó una versión de su álbum de versiones en vivo DisCover en 2002. Una versión remezclada se reproduce como tema de apertura en Gran Turismo 3: A-spec. Adam Lambert hizo una versión de la canción en noviembre de 2012 en su recorrido por Sudáfrica.

En cambio el álbum tuvo una buena acogida por parte de los fans y críticos musicales y todavía se considera uno de los mejores trabajos de Kravitz.

Musicalmente, contenía canciones inspiradas en artistas de rock clásico como Jimi Hendrix, John Lennon, Curtis Mayfield, Sly and Robbie y Prince, y la aportación de Craig Ross que aportó guitarras adicionales al álbum. 

La canción que dio nombre al álbum tuvo un video para acompañar la canción, dirigido por el cineasta estadounidense Mark Romanek. Consistía en Kravitz y su banda tocando en una gran arena circular, con tres balcones escalonados alejados del centro, llenos de gente bailando. Por encima de la banda y los bailarines, el diseñador de iluminación, el director Michael Keeling creó un candelabro de 983 tubos de luz incandescentes cilíndricos de 23 cm (diseñados originalmente para uso en acuarios) que se podían aumentar y atenuar para crear patrones de luz. Cindy Blackman aparece en la batería en el video musical, aunque no actuó en la grabación de estudio que se reproduce en la pista de audio del video.

Are You Gonna Go My Way se lanzó como un sencillo solo para transmisión al aire en los EE. UU. Y, por lo tanto, no era elegible para figurar en el Billboard Hot 100, pero alcanzó el número uno como Album Rock y el número dos en Modern. 

También alcanzó el top 5 en el Reino Unido, alcanzando el puesto número cuatro. Sigue siendo el sencillo más exitoso de Lenny Kravitz en Australia, donde alcanzó el puesto número uno durante seis semanas entre abril y mayo de 1993. Are You Gonna Go My Way es el único sencillo certificado Diamante en Brasil, con más de 500.000 descargas.

En cambio el álbum Are You Gonna Go My Way ha tenido mucho éxito no solo en los Estados Unidos, sino también en todo el mundo, particularmente en los principales mercados de Europa y América del Sur. Alcanzó el número 12 en el Billboard 200 y el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y la lista de álbumes de Australia. Hasta marzo de 2008, el álbum vendió 2,2 millones de unidades en Estados Unidos.

Daniel

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0649 - Let It Bleed - The Rolling Stones

0649 - Let It Bleed -  The Rolling Stones

Let It Bleed es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. Fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards y aparece en el álbum de 1969 del mismo nombre, el primer ejemplo de una canción principal de The Rolling Stones. Fue lanzado como single en Japón en febrero de 1970.

La canción comienza con una pieza deslizante y rápidamente pasa a un solo de guitarra acústica antes de que se unan el bajo, la batería y el piano, respectivamente. El arpa automática de Wyman se puede escuchar un poco débilmente durante el primer verso con sonidos de 'ping' notables, pero es mayormente inaudible en toda la pista. 

La letra incluye una serie de referencias sexuales y de drogas, incluida una invitación a "coca y simpatía", una referencia a una "enfermera drogadicta" y las sugerencias de Jagger de que todos necesitamos a alguien para "sangrarnos", "cremarnos" y "corrernos". sobre" ellos. Sin embargo, para el crítico de Allmusic Richie Unterberger, la canción trata principalmente sobre la "dependencia emocional", con Jagger dispuesto a aceptar un compañero que quiera apoyarse "en él para obtener apoyo emocional".

Unterberger también afirma que "Let It Bleed" puede ser "la mejor ilustración" de la forma en que The Rolling Stones hacen que "un enfoque ligeramente descuidado funcione para ellos en lugar de en su contra". También elogia la voz de Jagger, afirmando que la canción representa "una de sus mejores voces, con un enfoque sumamente perezoso que parece ser cariñoso y burlón al mismo tiempo".

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Siniestro total

 

Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Siniestro total. En 1981, cuatro amigos -Julián Hernández, Alberto Torrado, Miguel Costas y Germán Coppini- deciden formar un grupo de música que años más tarde sería reconocido como uno de los pioneros del movimiento ‘punk’ en España, desde su primer álbum “¿Cuándo se come aquí?”, editado en 1982, la banda ha sufrido diversos cambios en su formación, hasta llegar a la formación actual. Además de sus ya decenas de álbumes oficiales publicados en España, Portugal, México, Argentina Chile, etc, Siniestro Total ha colaborado con Álex de la Iglesia en las bandas sonoras de las películas "El día de la bestia" y "800 balas". Siniestro total es la historia de una banda de currantes de la música con más de 30 años de exitosa carrera en el rock nacional.

 

Estás tardando en comprarlo: ¿Cuando se come aqui?

Estamos ante un disco magistral, a pesar de no ofrecer filosofía profunda ni desarrollar conceptos que hagan pensar, tiene algo por lo que muchos matarían: diversión sin límite y adicción desmedida. Porque, como también hay ratos en los que simplemente queremos pasarlo bien con la música, este disco reivindica su lugar en tu estantería. Se le puede achacar que es de mal gusto, irreverente, vulgar, absurdo... Sí ¿y no es maravilloso? Y lo es porque podemos disfrutar en nuestro idioma de los patrones del punk británico a cinco años de su irrupción. Por supuesto había que darle el toque hispano. ¿Panderetas, muñeiras?..... Nada de eso. Un humor muy sui generis, un cachondeo "descerebrado" que puede surgir del no tener qué contar. De acuerdo, pero también hace falta ingenio y mala leche para cantar cosas como "Matar jipis en las Cíes", "las tetas de mi novia tienen cáncer de mama", "los esqueletos no tienen pilila" o incluso tirarse por el post-punk más "oscuro" con "Nocilla, ¡qué merendilla!". versos que hoy son imposibles. Conservadurismo, mojigatismo, no lo sé. Dejando a un lado lo políticamente incorrecto de los temas (o no) hay que alabar el disco. Y es que ha habido pocos en este país tan punkarras y tan directos. Sin la ira antisistema de Eskorbuto, tampoco renuncian a la crítica política (a su manera) como en esa "Fuera las manos chinas del Vietnam socialista".

 

Si te queda pasta, llévate también: Bailare sobre tu tumba

Todo un clásico en la carrera de los vigueses, cuarto LP de su discografía, un álbum editado en el año 1985, primero con Xavier Soto a las guitarras, un disco donde continuaron virando, con muchas precauciones, eso sí, su sonido, a favor de un Hard Rock algo más denso en comparación con su Punk Rock ácido e hiper simple de sus dos primeros álbumes. Los gallegos continuaban incidiendo en sus letras y en sus mensajes transgresores, sin demasiado trasfondo, metiendo la directa en todos sus mensajes, eso sí, como decía anteriormente, con mayor madurez en sus postulados musicales, con las guitarras algo más protagonistas.  La cara A nos dejaba algunos de los grandes imprescindibles de su carrera, como el tan aclamado "Bailaré Sobre Tu Tumba", tema título, o los algo más escondidos "Demasiado Lejos" o "¿Qué Tal Homosexual?", mientras que en la cara B aparecían un puñado de versiones de temas míticos del Blues Rock británico, como "Can't Get Enough" de Bad Company o "Emilio Cao" de The Kinks, interpretados en vivo y siempre entendidos bajo la personal perspectiva de los gallegos. Punk/Rock desde Galicia que acabó marcando a una generación.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor: Policlinico nacional

Con este disco confirman que el nuevo libro de ruta de la banda son el blues y el rhythm and blues. Lo cierto es que a pesar de momentos de lucidez como la delirante “España se droga” con unos brillantes arreglos de cuerda -“No señor está usted equivocado / no me inyecto hachís ni bebo caballo / nada con exceso rima con mesura / la droga dura, lo que dura, dura”- estamos ante un trabajo bastante irregular. En cortes como “Depende” se acercan al hard rock sin chispa y en otros como “Volanteiro cabrón” -en gallego- o “El regreso del hijo del zombie Paco” consiguen robarnos más de una sonrisa pero falta fuelle. Tras dejarnos claro que “Sólo los estúpidos tienen la conciencia tranquila” y que son “Jóvenes, vírgenes y castos” -pero les invaden “pensamientos puros y duros / como nuestra anatomía / y no puedo dejar de fornicar”- llegan los saxos de Jorge Beltrán y los aires sureños de “Doctor Juan”. Los pildorazos cargados de energía vienen después con “Y yo me callo” y “Respeten nuestro dolor”, y la melancolía y los guiños a Cangas de Narcea -Constante, el propietario del mítico bar Kwai de Madrid era oriundo de allí- con “Melancólico (¡miserere!)”.

0648-. Monkey Man - The Rolling Stones

Monkey Man, The Rolling Stones

 

     El 5 de diciembre de 1969 es lanzado al mercado Let It Bleed, el octavo álbum de estudio del grupobritánico The Rolling Stones. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado bajo el sello discográfico Decca Records para el mercado británico y europeo y los sellos London Records y ABKCO Records para el mercado estadounidense. El disco alcanzó el puesto número tres en la lista Billboard de álbumes pop de Estados Unidos, mientras que en Reino Unido alcanzó el puesto número 1.

Le It Bleed marcó el incio de la etapa de Mick Taylor en el grupo en sustitución del también guitarrista y fundador del grupo Brian Jones. Jones falleció durante la grabación del álbum, un mes después de dejar de ser miembro del grupo. Participó únicamente en dos canciones del disco, al igual que Taylor.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Monkey Man, escrito por Mick Jagger y Keith Richards como homenaje al artista pop italiano Mario Schifano, a quien conocieron en el set de su película Umano Non Umano! (Humano, no Humano!) de 1969. La canción fue grabada en los Olympic Studios de Londres en el mes de abril de 1969, la introducción de la canción cuenta con el sonido de un vibráfono, bajo y guitarra, así como piano. Richards tocó el riff de la guitarra principal, así como el solo de guitarra slide, Jagger proporcionó la voz, el productor Jimmy Miller tocó la pandereta, Nicky Hopkins el piano, Charlie Watts la batería y Bill Wyman el vibráfono y el bajo. El vibráfono de Wyman fue mezclado en el canal izquierdo junto con el piano de Hopkins. Escuchando la canción, las letras parecen no tener mucho sentido, hay quien especuló que la canción trataba sobre la heroína o sobre un mal viaje con ácido.

0647.- I want you back - Jackson 5

I Want You Back ("Quiero que vuelvas"), que formaba parte del disco de debut de The Jackson 5 con Motown (Diana Ross Presents The Jackson 5, 1969) fue el primero de una larga serie de éxitos del grupo de Michael Jackson y sus hermanos.

La canción se publicó como single con la versión del tema de Smokey Robinson & the Miracles Who's Lovin' You en la cara B, y se convirtió en un éxito inmediato que alcanzaría la primera posición de la lista de singles Billboard Hot 100 en enero de 1970. Hasta la fecha, se han vendido más de seis millones de copias de I want you back en todo el mundo, tanto en formato físico como en descargas digitales, y la revista Rolling Stone la situó en el puesto 12 de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos, y el noveno de la lista de las 100 mejores canciones pop.

La voz de un Michael Jackson de tan solo 11 años destaca absolutamente en ambos temas, I want you back es un auténtico hit de pop rotundo y pegadizo, y la versión del tema de Robinson es sencillamente perfecta. Para Michael Jackson era solo el principio de una exitosa carrera, primero como The Jackson 5, después como The Jacksons, y por último en solitario con discos de la talla de Thriller o Bad, pero ya desde pequeño impartía auténticas masterclass de como cantar.​