Circus - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

Circus, Lenny Kravitz

Después de tocar el cielo con Are You Gonna Go My Way, el primer disco en meterse entre los 20 primeros álbumes de la famosa lista estadounidense Billboard 200, y de lograr que fuera todo un éxito también fuera de las fronteras de dicho país, Lenny Kravitz tenía la difícil tarea de superar, o al menos igualar el éxito alcanzado en su siguiente álbum. Así nació Circus, un álbum considerado por la crítica como uno de sus más flojos. Puede que tuviera que ver con esa percepción una de las temáticas que el artista abordaba en el disco, donde afirmaba que el rock había muerto, y que en esa época, durante la grabación del álbum, el estado de salud de su madre le tenía preocupado, la cual acabaría falleciendo unos tres meses después del lanzamiento de Circus, concretamente el 2 de diciembre de 1995 a la edad de 66 años y a consecuencia de un cáncer de mama.

Circus fue grabado entre los estudios Chateau Des Conde, Francia, los estudios Compass Point de Nassau, Bahamas y los Waterfront Studios de Hokoben, Nueva Jersey (Estados Unidos) bajo la producción del mismo Lenny Kravitz, y publicado el 2 de septiembre de 1995 por el sello discográfico Virgin Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y el segundo puesto en las listas de ventas del Reino Unidos, además de alcanzar muy buenas cifras con la certificación de disco de oro en Argentina, Francia, Países Bajos, Nueva Zelanda, España, Suiza, y los mencionados Estados Unidos y Reino Unido, y disco de platino en Japón. Como hemos comentado anteriormente, y a pesar de las buenas cifras obtenidas en ventas, fue considerado por la crítica como uno de sus trabajos más flojos.

En Circus, Kravitz abandona la fórmula y revitalizado sonido funk rock y soul rock de principios de los años 70 que utilizara en sus anteriores discos y que tan buenos resultados le había dado, para moverse entre temas que se mueven entre la delgada línea del pop y el rock con un ligero toque psicodélico.

Kravitz manifestó en su momento que la creación del disco resultó ser para él un proceso muy tedioso. El preocupante estado de salud de su madre, unido a la tristeza e infidelidad que sentía también con el mercado de la música tuvieron mucho que ver con el resultado. En Circus aborda la temática del estilo de vida de las estrellas de rock, como podemos comprobar en temas como Rock and Roll is Dead, una canción que según Kravitz fue malinterpretada, ya que afirmaba que "Mucha gente no escucha la letra. Hay muchas canciones mías que tratan sobre la espiritualidad y sobre Dios, y supongo que al escuchar el estribillo de Rock and Roll is Dead no cavaron ni entendieron de que estaba hablando en realidad. No se molestaron en escuchar los veros para saber de lo que estaba hablando en verdad, sobre la superficialidad de la música, de como la imagen se estaba anteponiendo a la música, al talento y el arte. También habla de personas que sienten que tienen que vivir ese estilo de vida estereotipado para poder ser una estrella de rock. Es como, oye, sé tú mismo, no tienes que inyectarte heroína y actuar de cierta manera para ser un músico de rock and roll, se trata de la música". Como curiosidad, y en respuesta a esta canción, Prince lanzó la canción Rock and Roll Is Alive (and it lives in Minneapolis) como cara B de su sencillo Gold

Circus, el segundo sencillo del álbum que además da título al mismo. Un tema donde Kravitz define como un circo toda la industria que rodea al rock and roll, gerentes, fans, banqueros, inversionistas, y cada vez cuesta más ser uno mismo; o Can't Get You Off My Mind, tema donde nos habla de la vida del artista solo en una carretera solitaria. Kravitz manifestaba sobre la canción que "Esa letra no era un pastiche, salió de mi de forma natural, al igual que todas mis letras. No analizo la composición de las canciones, simplemente escribo", "Cuando estás mucho de gira como yo, la vida es una carretera solitaria, y me sentí solo en la carretera". Lenny Kravitz también aborda el tema de la fe y la religión en canciones como Gold Is Love, y The Resurrection.

Puede que Circus sea su trabajo más flojo, puede que sus coqueteos y escarceos con el pop rock y el pop psicodélico nos de cierta pereza, pero si le damos un oportunidad y prestamos atención a las composiciones, el disco nos resultará mucho más interesante de lo que a primera vista pueda parecer.

David Crosby - If I Could Only Remember My Name #Píldora 6

 

Crosby, Stills, Nash & Young, lanzaron sus propios lanzamientos en solitario, Neil Young lanzó After The Gold Rush, Stephen Stills lanzó su álbum homónimo y Graham Nash lanzó Songs For Beginners, Crosby el álbum en el que su totalidad un lamento a su novia de toda la vida. Crosby había sufrido recientemente la pérdida de su novia en un accidente automovilístico y él mismo estaba sucumbiendo a la bebida y las drogas, por lo que no estaba exactamente en un buen momento durante la creación de este disco. Etiquetado por algunos como "Hippy drippy drive", el álbum tiene una honestidad ingenua, una maestría musical brillante, magníficas armonías, grandes canciones, una dimensión social/política y una atmósfera general que te transporta a un lugar extraño. Nos entregamos a un disco increíblemente relajante, pero en ningún momento feliz, son canciones nerviosas e inestables de un tipo que no está satisfecho con lo que está pasando a su alrededor. Uno tras otro los temas suenan como si uno estuviera mirando a través de un catalejo en blanco y negro, sin saber quiénes son las personas, pero apreciándolas y sintiendo en carne propia sus lamentos. Esta música representa a una generación, un movimiento social y un estado de ánimo, que incluye Flower Power, Psychedelia, Woodstock, Social Awareness e Enlightenment, fue el único Renacimiento que experimentó el pueblo estadounidense en su toda la historia.

El acompañamiento instrumental cuenta con intensas improvisaciones de guitarra de fondo, interpretadas a menudo por más de un guitarrista al mismo tiempo, da otra dimensión a esta música compleja y de múltiples capas. Me gustaría hacer hincapié en dos bellezas, la acústica "Traction In The Rain", especialmente cuando ese riff de guitarra descendente de dos acordes entra en acción y domina la canción, y “Laughing", que seguramente debe figurar entre los mejores trabajos de cualquiera de una banda de rock, una canción rica y maravillosa, con una letra filosófica y perspicaz sobre una melodía soberbia y flotante que se basa en la simple frase “Me equivoqué”, explotando en tres palabras todas las esperanzas y sueños de la Generación del Amor. Music is love también es una pista increíble... genial fusión phycadelic jazz boost y acid fusion de gran altura, no es lo que esperaríamos , pero es igualmente fascinante. Siempre pensé erróneamente en el Sr. Crosby como el miembro menos talentoso y nunca se me pasó por la cabeza determe en sus trabajos en solitario, pero después de escuchar "If I Could Only Remember My Name" descubro que es absolutamente brillante.

0653-. April - Deep Purple

 

April, Deep Purple

     La primera formación del grupo Deep Purple, más conocida como Mark I, lanza en junio de 1969 bajo el sello discogáfico Tetragrammaton Records en Estados Unidos, en junio de 1969, Harvest/EMI en Reino Unido en noviembre de 1969, y Polydor en Canadá y Japón, su tercer disco de estudio, titulado Deep Purple. El disco es grabado en los De Lane Studios de Londres entre los meses de enero y marzo de 1969. El sonido se va endureciendo acercandose más hacia el hard rock, producto del peso que Blackmore ya va ganando en el grupo, quien va imponiendo sus ideas sobre el sonido que la banda debe tener. El sello discográfico Tetragrammaton esaba arruinado, lo que sumado a la elección en Estados Unidos del tema Emmaretta, el cual pasó inadvertido, y la escasa promoción del disco, hicieron que en estados Unidos pasase inadvertido. En Reino Unido, el disco fue presentado en Septiembre de 1969, y si tenía alguna posibilidad de triunfar, estás fueron arruinadas por el anuncio de la banda del concierto con la Royal Philarmonic Orchestra. Estos hechos desencadenarían el final de la formación Mark I y el comienzo de la época dorada del grupo de la mano de la formación Mark II.

Incluido en este álbum se encuentra April, una bella canción acreditada a Ritchie Blackmore y John Lord. Esta canción, como su título indica, trata sobre el mes de abril. La primera sección es interpretada únicamente por Lord y Blackmore; Lord toca el piano y el órgano y Blackmore toca las guitarras eléctrica y acústicas. La segunda sección está orquestada por Lord, y utiliza flautas, clarinetes, una sección de cuerdas y otros instrumentos; y la tercera sección tiene voces agregadas. La canción, según la banda era un reflejo de lo que debeía ser el mes de abril, un mes hermoso pero a la vez triste.

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

El disco de la semana 297: Por favor, perdón y gracias - León Gieco

OK! Amigos esta semena vamos con un cantautor argentino, y con unos de sus álbumes que se titula, Por favor, perdón y gracias este es el decimotercer álbum de estudio del cantautor argentino León Gieco.

Y fue publicado en el año 2005 por el sello EMI y producido por León Gieco y Luis Gurevich. 

El álbum cuenta con invitados como Jimmy Johnson, Gustavo Santaolalla, Rubén Albarrán, David Kemper, Gustavo Cordera, Dean Parks, Andrés Ciro Martínez, Daniel Melingo, entre otros.

Este disco fue lanzado tras cuatro años después de Bandidos rurales y es, probablemente, el álbum más polémico de León Gieco, en donde critica al sistema y la tragedia donde en una sala de conciertos en Buenos Aires llamada Cromañón murieron más de un centenar de jóvenes. 

Tras estos problemas, el artista tuvo que enfrentar demandas judiciales por la polémica canción Un minuto sobre la tragedia de Cromañón, esta cancion tuvo que ser retirado del álbum a partir de su segunda edición, tras las quejas de los familiares de las víctimas, pero no sólo la canción Un Minuto trajo polémica al artista, sino Santa Tejerina, sobre el caso de Romina Tejerina, una joven que mató a su hijo recién nacido al ser fruto de una violación y habérsele denegado el aborto, por ello de lo polémico del álbum. 

Pero nada termina ahí, Leon Gieco apuesta fuerte desde la primera canción del álbum titulada Yo soy Juan hace referencia a la historia de Juan Cabandié Alfonsín, nieto recuperado n.° 77 por las Abuelas de Plaza de Mayo en 2003. La canción menciona su nacimiento en el ex Centro Clandestino de Detención ex ESMA, donde funcionaba una maternidad clandestina durante última dictadura militar en la Argentina.

El álbum también incluye el clásico tema El ángel de la bicicleta, que cuenta la historia de Claudio "Pocho" Leprati, quien fue asesinado por la policía de la ciudad de Rosario durante la crisis y protestas de diciembre de 2001 por evitar que la policía baleara un comedor infantil de un barrio pobre.

Pero lo cierto es que tras estas historias, León Gieco ha puesto a la luz algo que saben hacer muy bien los cantautores, que es dar vida etarnas a la historia, y León Gieco sabe muy bien hacer eso. 

Por favor, perdón y gracias, reúne a otros artistas que lo acompañan, y logran transformar sonidos como el flockore, la murga y el tanto, sonidos tran presentes en la cultura popular Argentina que son mezclados con el rock, el hard Rock y el folk rock, una verdadera muestra de fusión de estilos, se pueden escuchar en este álbum. 

Ya lo hemos dicho, muchas veces, el rock argentino nació como una manera de crítica a una sociedad, y en este álbum no ha perdido la esencia de las décadas 70s y 80s de levantar la voz. Y con esa voz levantada León Gieco nos cuenta la historia en sus canciones. Así que los ánimo a escuchar esas historias. 

Daniel 

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0652.- Give peace a chance - John Lennon

Give Peace a Chance ("Dadle una oportunidad a la paz") surgió de una respuesta de John Lennon a uno de los reporteros que cubrían la famosa protesta en la cama de un hotel de Nueva York junto a Yoko Ono. Cuando el periodista le preguntó qué intentaba conseguir, Lennon contestó "Todo lo que estamos diciendo es: dadle una oportunidad a la paz". La espontánea frase le gustó y se le quedó grabada en la cabeza, y la cantó varias veces mientras estuvo en aquella cama, y poco después alquiló una grabadora de 8 pistas y la grabó el 1 de junio de 1969 en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal (Canadá), en la segunda de sus "encamadas de protesta".

En la grabación, Lennon tocó la guitarra acústica junto a Tommy Smothers, (de los Smothers Brothers), y varios invitados, entre los que estaba la hija de 5 años de Yoko Ono, tocaron panderetas e hicieron coros. En el último verso de la canción, Lennon se refiere a algunos de los colaboradores de la canción, junto a otras celebridades que no estuvieron presentes ("John and Yoko, Timmy Leary, Rosemary, Tommy Smothers, Bob Dylan, Tommy Cooper, Derek Taylor, Norman Mailer, Allen Ginsberg y Hare Krishna").

La grabación resultante se publicó como sencillo, acreditado a la Plastic Ono Band, con la canción de Yoko Ono "Remember love" en la cara B. Desde su publicación, fue considerada todo un símbolo de paz y de canción protesta, por lo que ha sido posteriormente versionada e interpretada en todo tipo de manifestaciones antibélicas, así como en películas de cine, documentales y festivales protesta. Su mensaje pacifista sigue vigente en nuestros días, aunque las guerras recientes nos demuestren que seguimos sin hacerle mucho caso a esta canción. Y no será por que el mensaje de la letra fuera demasiado críptico, todo lo que nos decía Lennon era que le diéramos una oportunidad a la paz...

0651.- You Can't Always Get What You Want - The Rolling Stones

 

Let It Bleed fue un álbum se publicó en un momento de cierta inestabilidad en el grupo, con Brian Jones tocando en algunas canciones y su reemplazo, Mick Taylor en otras, en realidad fue un álbum que Mick Jagger y Keith Richards quisieron que existiera en medio del caos típico de una banda. El tumulto y la confusión son evidentes a lo largo del álbum, comenzando con el apocalíptico "Gimme Shelter" y continuando con temas feroces y tensos como "Live With Me", "Midnight Rambler" y "Monkey Man". La pista de cierre, "You Can't Always Get What You Want", trata de darle sentido a todo, y resultó algo más ambivalente pero no menos himno que esas otras canciones. La canción se sumó al final de una década en la que gran parte del idealismo de la generación más joven había terminado en frustración y desilusión. Mick Jagger fue el escritor principal de la canción, y si, estaba tratando de resumir el espíritu de la época, es innegable que "You Can't Always Get What You Want" se aprovechó de la misma línea que otras canciones de fin de década como "Bridge Over Troubled Water" o "Let It Be" en el sentido de que sirvió como una especie de bálsamo para los heridos. corazones y almas. Jagger pone a su narrador en una serie de situaciones mundanas que de alguna manera derivan hacia lo surrealista. En una recepción de la sociedad, conoce a una mujer que espera conseguir drogas con un ineficaz "hombre suelto" atado a su lado. Hablando de ineficaces, la multitud en la manifestación prometiendo, "vamos a ventilar nuestra frustración/ Si no lo hacemos, vamos a quemar un fusible de 50 amperios" no se dan cuenta de lo poco que cambiará su histrionismo en última instancia. En el tercer verso, Jagger, al hacer un recado para que alguien "llene su receta", se encuentra con "Sr. Jimmy”, quien parece ser una víctima del exceso de la década: “Y, hombre, se veía bastante enfermo”. Después de compartir un refresco, el narrador le canta una canción y recibe la respuesta críptica.

 

“You Can't Always Get What You Want” podría haberse interpretado de una manera mucho más melancólica. Pero la música, en todo caso, se esfuerza por elevarse cada vez más a medida que avanza, especialmente en una pausa que presenta los rellenos de piano gospel de Kooper que conducen al regreso del coro, como testifica Jagger con algunos gritos y gritos. A la gente no se le pasó por alto que el hombre que una vez cantó "(I Can't Get No) Satisfaction" ahora había llegado a la conclusión de que "No siempre puedes obtener lo que quieres". Cuando Jagger se enfrentó a esto, hizo referencia a la perspectiva diferente en la letra como la clave, en el momento del lanzamiento de la canción. “Lo mismo me pasa a mí. Estoy diciendo lo mismo que cuando dije: 'No puedo obtener ninguna satisfacción', solo que lo articulé de manera diferente”. Articulado de manera diferente y bastante conmovedora de hecho. “You Can't Always Get You Want” sigue siendo la canción de The Rolling Stones que con mayor probabilidad brindará consuelo cuando sus objetivos superen su alcance.

 

0650.- Gimme Shelter - The Rolling Stones

Gimme Shelter ("Dame Refugio") es un trabajo conjunto de Mick Jagger (que compuso la letra) y Keith Richards (autor de la música). Este último fue quién comenzó la creación del tema, componiendo la melodía de guitarra con la que comienza el tema en un período en el que estaba solo en Londres, mientras su novia Anita Pallenberg y su compañero Mick Jagger rodaban la película Performance.

La canción, una de las más populares de la banda, e imprescindible en todos sus conciertos, es un medio tiempo rockero y de apocalíptica letra antibelicista y antiviolencia, que se beneficia además de la épica interpretación vocal de la cantante de soul y gospel Merry Clayton, como contrapunto a la voz principal de Jagger, que reflejó en la canción la difícil época que en Estados Unidos, y en el mundo en general, se estaba viviendo, con la oposición a la guerra de Vietnam como telón de fondo, y con noticias sobre la represión de las manifestaciones en su contra poblando cada día los noticiarios.

Esa fue la inspiración principal para Gimme Shelter, y para la mayor parte del disco Let It Bleed, del que Gimme Shelter era la canción de arranque y una de sus piezas fundamentales. Paradójicamente, esta canción nunca fue publicada como sencillo, lo que no impidió que esta historia en la que la guerra, los asesinatos y las violaciones están desgraciadamente "a un solo tiro de distancia", se convirtiera en un gran éxito de la banda y pasara a formar parte del exclusivo grupo de himnos imprescindibles para los fans de los Rolling Stones, que en cada concierto esperan ansiosos el momento en el que las notas iniciales de la guitarra de Richards les abran de nuevo la puerta de ese cálido e intenso refugio que es Gimme Shelter.

Are You Gonna Go My Way - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

Are You Gonna Go My Way - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

Mes Lenny Kravitz, vamos con uno de sus álbumes, el primero Are You Gonna Go My Way que es el primer sencillo lanzado por el músico estadounidense Lenny Kravitz, y será su tercer álbum de estudio, la canción Are You Gonna Go My Way fue escrito por Lenny Kravitz y Craig Ross, que dio nombre al álbum del artista. 

Como comentamos Are You Gonna Go My Way es el tercer álbum de estudio del cantante estadounidense Lenny Kravitz, lanzado el 9 de marzo de 1993 por Virgin Records. Fue grabado en Waterfront Studios, Hoboken, Nueva Jersey, por Henry Hirsch. 

Se convirtió en el primer álbum de Kravitz entre los 20 primeros en el Billboard 200 de los Estados Unidos y su primer álbum número uno tanto en Australia como en el Reino Unido, logrando un éxito mundial que ayudó a establecer su popularidad como intérprete.

El sencillo ha sido versionado por numerosos artistas, como Metallica, en un popurrí de "MTV Hits" en los MTV Music Video Awards de 2003, Tom Jones para la banda sonora de Jerky Boys, Robbie Williams en el álbum Reload de Jones de 1999 y Mel B en su sección solista de la gira Spice Girls 2007 Reunion Tour. La banda serbia de hard rock Cactus Jack grabó una versión de su álbum de versiones en vivo DisCover en 2002. Una versión remezclada se reproduce como tema de apertura en Gran Turismo 3: A-spec. Adam Lambert hizo una versión de la canción en noviembre de 2012 en su recorrido por Sudáfrica.

En cambio el álbum tuvo una buena acogida por parte de los fans y críticos musicales y todavía se considera uno de los mejores trabajos de Kravitz.

Musicalmente, contenía canciones inspiradas en artistas de rock clásico como Jimi Hendrix, John Lennon, Curtis Mayfield, Sly and Robbie y Prince, y la aportación de Craig Ross que aportó guitarras adicionales al álbum. 

La canción que dio nombre al álbum tuvo un video para acompañar la canción, dirigido por el cineasta estadounidense Mark Romanek. Consistía en Kravitz y su banda tocando en una gran arena circular, con tres balcones escalonados alejados del centro, llenos de gente bailando. Por encima de la banda y los bailarines, el diseñador de iluminación, el director Michael Keeling creó un candelabro de 983 tubos de luz incandescentes cilíndricos de 23 cm (diseñados originalmente para uso en acuarios) que se podían aumentar y atenuar para crear patrones de luz. Cindy Blackman aparece en la batería en el video musical, aunque no actuó en la grabación de estudio que se reproduce en la pista de audio del video.

Are You Gonna Go My Way se lanzó como un sencillo solo para transmisión al aire en los EE. UU. Y, por lo tanto, no era elegible para figurar en el Billboard Hot 100, pero alcanzó el número uno como Album Rock y el número dos en Modern. 

También alcanzó el top 5 en el Reino Unido, alcanzando el puesto número cuatro. Sigue siendo el sencillo más exitoso de Lenny Kravitz en Australia, donde alcanzó el puesto número uno durante seis semanas entre abril y mayo de 1993. Are You Gonna Go My Way es el único sencillo certificado Diamante en Brasil, con más de 500.000 descargas.

En cambio el álbum Are You Gonna Go My Way ha tenido mucho éxito no solo en los Estados Unidos, sino también en todo el mundo, particularmente en los principales mercados de Europa y América del Sur. Alcanzó el número 12 en el Billboard 200 y el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y la lista de álbumes de Australia. Hasta marzo de 2008, el álbum vendió 2,2 millones de unidades en Estados Unidos.

Daniel

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0649 - Let It Bleed - The Rolling Stones

0649 - Let It Bleed -  The Rolling Stones

Let It Bleed es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. Fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards y aparece en el álbum de 1969 del mismo nombre, el primer ejemplo de una canción principal de The Rolling Stones. Fue lanzado como single en Japón en febrero de 1970.

La canción comienza con una pieza deslizante y rápidamente pasa a un solo de guitarra acústica antes de que se unan el bajo, la batería y el piano, respectivamente. El arpa automática de Wyman se puede escuchar un poco débilmente durante el primer verso con sonidos de 'ping' notables, pero es mayormente inaudible en toda la pista. 

La letra incluye una serie de referencias sexuales y de drogas, incluida una invitación a "coca y simpatía", una referencia a una "enfermera drogadicta" y las sugerencias de Jagger de que todos necesitamos a alguien para "sangrarnos", "cremarnos" y "corrernos". sobre" ellos. Sin embargo, para el crítico de Allmusic Richie Unterberger, la canción trata principalmente sobre la "dependencia emocional", con Jagger dispuesto a aceptar un compañero que quiera apoyarse "en él para obtener apoyo emocional".

Unterberger también afirma que "Let It Bleed" puede ser "la mejor ilustración" de la forma en que The Rolling Stones hacen que "un enfoque ligeramente descuidado funcione para ellos en lugar de en su contra". También elogia la voz de Jagger, afirmando que la canción representa "una de sus mejores voces, con un enfoque sumamente perezoso que parece ser cariñoso y burlón al mismo tiempo".

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Siniestro total

 

Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Siniestro total. En 1981, cuatro amigos -Julián Hernández, Alberto Torrado, Miguel Costas y Germán Coppini- deciden formar un grupo de música que años más tarde sería reconocido como uno de los pioneros del movimiento ‘punk’ en España, desde su primer álbum “¿Cuándo se come aquí?”, editado en 1982, la banda ha sufrido diversos cambios en su formación, hasta llegar a la formación actual. Además de sus ya decenas de álbumes oficiales publicados en España, Portugal, México, Argentina Chile, etc, Siniestro Total ha colaborado con Álex de la Iglesia en las bandas sonoras de las películas "El día de la bestia" y "800 balas". Siniestro total es la historia de una banda de currantes de la música con más de 30 años de exitosa carrera en el rock nacional.

 

Estás tardando en comprarlo: ¿Cuando se come aqui?

Estamos ante un disco magistral, a pesar de no ofrecer filosofía profunda ni desarrollar conceptos que hagan pensar, tiene algo por lo que muchos matarían: diversión sin límite y adicción desmedida. Porque, como también hay ratos en los que simplemente queremos pasarlo bien con la música, este disco reivindica su lugar en tu estantería. Se le puede achacar que es de mal gusto, irreverente, vulgar, absurdo... Sí ¿y no es maravilloso? Y lo es porque podemos disfrutar en nuestro idioma de los patrones del punk británico a cinco años de su irrupción. Por supuesto había que darle el toque hispano. ¿Panderetas, muñeiras?..... Nada de eso. Un humor muy sui generis, un cachondeo "descerebrado" que puede surgir del no tener qué contar. De acuerdo, pero también hace falta ingenio y mala leche para cantar cosas como "Matar jipis en las Cíes", "las tetas de mi novia tienen cáncer de mama", "los esqueletos no tienen pilila" o incluso tirarse por el post-punk más "oscuro" con "Nocilla, ¡qué merendilla!". versos que hoy son imposibles. Conservadurismo, mojigatismo, no lo sé. Dejando a un lado lo políticamente incorrecto de los temas (o no) hay que alabar el disco. Y es que ha habido pocos en este país tan punkarras y tan directos. Sin la ira antisistema de Eskorbuto, tampoco renuncian a la crítica política (a su manera) como en esa "Fuera las manos chinas del Vietnam socialista".

 

Si te queda pasta, llévate también: Bailare sobre tu tumba

Todo un clásico en la carrera de los vigueses, cuarto LP de su discografía, un álbum editado en el año 1985, primero con Xavier Soto a las guitarras, un disco donde continuaron virando, con muchas precauciones, eso sí, su sonido, a favor de un Hard Rock algo más denso en comparación con su Punk Rock ácido e hiper simple de sus dos primeros álbumes. Los gallegos continuaban incidiendo en sus letras y en sus mensajes transgresores, sin demasiado trasfondo, metiendo la directa en todos sus mensajes, eso sí, como decía anteriormente, con mayor madurez en sus postulados musicales, con las guitarras algo más protagonistas.  La cara A nos dejaba algunos de los grandes imprescindibles de su carrera, como el tan aclamado "Bailaré Sobre Tu Tumba", tema título, o los algo más escondidos "Demasiado Lejos" o "¿Qué Tal Homosexual?", mientras que en la cara B aparecían un puñado de versiones de temas míticos del Blues Rock británico, como "Can't Get Enough" de Bad Company o "Emilio Cao" de The Kinks, interpretados en vivo y siempre entendidos bajo la personal perspectiva de los gallegos. Punk/Rock desde Galicia que acabó marcando a una generación.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor: Policlinico nacional

Con este disco confirman que el nuevo libro de ruta de la banda son el blues y el rhythm and blues. Lo cierto es que a pesar de momentos de lucidez como la delirante “España se droga” con unos brillantes arreglos de cuerda -“No señor está usted equivocado / no me inyecto hachís ni bebo caballo / nada con exceso rima con mesura / la droga dura, lo que dura, dura”- estamos ante un trabajo bastante irregular. En cortes como “Depende” se acercan al hard rock sin chispa y en otros como “Volanteiro cabrón” -en gallego- o “El regreso del hijo del zombie Paco” consiguen robarnos más de una sonrisa pero falta fuelle. Tras dejarnos claro que “Sólo los estúpidos tienen la conciencia tranquila” y que son “Jóvenes, vírgenes y castos” -pero les invaden “pensamientos puros y duros / como nuestra anatomía / y no puedo dejar de fornicar”- llegan los saxos de Jorge Beltrán y los aires sureños de “Doctor Juan”. Los pildorazos cargados de energía vienen después con “Y yo me callo” y “Respeten nuestro dolor”, y la melancolía y los guiños a Cangas de Narcea -Constante, el propietario del mítico bar Kwai de Madrid era oriundo de allí- con “Melancólico (¡miserere!)”.

0648-. Monkey Man - The Rolling Stones

Monkey Man, The Rolling Stones

 

     El 5 de diciembre de 1969 es lanzado al mercado Let It Bleed, el octavo álbum de estudio del grupobritánico The Rolling Stones. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado bajo el sello discográfico Decca Records para el mercado británico y europeo y los sellos London Records y ABKCO Records para el mercado estadounidense. El disco alcanzó el puesto número tres en la lista Billboard de álbumes pop de Estados Unidos, mientras que en Reino Unido alcanzó el puesto número 1.

Le It Bleed marcó el incio de la etapa de Mick Taylor en el grupo en sustitución del también guitarrista y fundador del grupo Brian Jones. Jones falleció durante la grabación del álbum, un mes después de dejar de ser miembro del grupo. Participó únicamente en dos canciones del disco, al igual que Taylor.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Monkey Man, escrito por Mick Jagger y Keith Richards como homenaje al artista pop italiano Mario Schifano, a quien conocieron en el set de su película Umano Non Umano! (Humano, no Humano!) de 1969. La canción fue grabada en los Olympic Studios de Londres en el mes de abril de 1969, la introducción de la canción cuenta con el sonido de un vibráfono, bajo y guitarra, así como piano. Richards tocó el riff de la guitarra principal, así como el solo de guitarra slide, Jagger proporcionó la voz, el productor Jimmy Miller tocó la pandereta, Nicky Hopkins el piano, Charlie Watts la batería y Bill Wyman el vibráfono y el bajo. El vibráfono de Wyman fue mezclado en el canal izquierdo junto con el piano de Hopkins. Escuchando la canción, las letras parecen no tener mucho sentido, hay quien especuló que la canción trataba sobre la heroína o sobre un mal viaje con ácido.

0647.- I want you back - Jackson 5

I Want You Back ("Quiero que vuelvas"), que formaba parte del disco de debut de The Jackson 5 con Motown (Diana Ross Presents The Jackson 5, 1969) fue el primero de una larga serie de éxitos del grupo de Michael Jackson y sus hermanos.

La canción se publicó como single con la versión del tema de Smokey Robinson & the Miracles Who's Lovin' You en la cara B, y se convirtió en un éxito inmediato que alcanzaría la primera posición de la lista de singles Billboard Hot 100 en enero de 1970. Hasta la fecha, se han vendido más de seis millones de copias de I want you back en todo el mundo, tanto en formato físico como en descargas digitales, y la revista Rolling Stone la situó en el puesto 12 de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos, y el noveno de la lista de las 100 mejores canciones pop.

La voz de un Michael Jackson de tan solo 11 años destaca absolutamente en ambos temas, I want you back es un auténtico hit de pop rotundo y pegadizo, y la versión del tema de Robinson es sencillamente perfecta. Para Michael Jackson era solo el principio de una exitosa carrera, primero como The Jackson 5, después como The Jacksons, y por último en solitario con discos de la talla de Thriller o Bad, pero ya desde pequeño impartía auténticas masterclass de como cantar.​

Mama said - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

 

Lenny Kravitz tiene un talento increíble, puede escribir canciones, al menos muchas melodías atractivas y algún riff extraño, y sus letras son pasables y, a veces, mejores que eso. Y, como es bien sabido, toca la mayoría de los instrumentos en estos primeros discos. Es un gran cantante. Él es el productor, lo arregla todo (por supuesto) e incluso reclama crédito o co-crédito por los arreglos de cuerdas y metales. (¿Los escribió o los tarareó? De cualquier manera, aún más evidencia de talento). No se puede negar que tiene talento. La razón por la que Kravitz tuvo tanto éxito comercial en comparación con los otros revivalistas del rock clásico de su época, por ejemplo, es porque es un buen compositor. Si quitas las canciones, tienes a un tipo que podría haberse revolcado en la oscuridad o que tuvo que terminar como un músico de sesión conocido solo por los obsesivos con la música. Y eso es porque esta música que está haciendo en 1990 o 1991 está completamente fuera de sintonía con la época: no suena prácticamente en nada como el rock o el R&B de la época, excepto cuando se parece más a Prince. (Y eso no sucede tanto en este disco). En cambio, se dedica servilmente a la música de principios de los 70 (y finales de los 60 hasta cierto punto). Esta música suena mejor que muchas de esas cosas porque los valores de producción mejoraron enormemente en los años intermedios y porque Kravitz tiene un talento increíble. Pero sigue siendo nostalgia, nostalgia efectiva pero básicamente pura nostalgia.

 

Iniciamos esta obra tan innovadora con el precioso tema “Fields Of Joy”, una de las pocas composiciones de este excelso álbum cuya lírica y música no han sido compuestas íntegramente por Lenny Kravitz, en un sonido de melodía acariciante acompañado de un riff de guitarra folk-acústica, que muy rápidamente da un giro con un cable de alimentación eléctrica y con el solo eléctrico de Slash . No muchos lo saben, pero esta canción es una versión de una canción de "New York Rock and Roll Ensemble" de su álbum "Roll Over", que fue lanzado en 1971.  A continuación un tema “Always On The Run”, compuesto por el famoso guitarrista británico-estadounidense Slash (Guns N´ Roses) y el propio Lenny Kravitz, pasaremos de la serenidad a la intensidad rockera más urbana dentro de un espíritu cosmopolita que se mueve entre nuestras aspiraciones personales para no perdernos en la vanguardia, y la salvaje evolución del entorno que está redefiniendo constantemente nuestro mundo posmoderno. La canción está escrita sobre la madre de Kravitz, la actriz Roxie Roker e incluye la frase "Mama Said" (el nombre del álbum) que se repite a lo largo de la canción. El famoso riff de guitarra al estilo Zepp-Drix de Slash con las trompetas funky de Sly Stone produce una fusión sorprendente y animada.

"Stand by My Woman" fue la primera canción y solo causó un ruido mediático moderado, un tema con una clara influencia de John Lennon, una canción con una serena belleza de la reflexión donde aparecerá melódicamente engalanada con la esencia del arrepentimiento. "It Ain't Over 'Til It's Over" sigue siendo un excelente número de soul retro: funciona, porque la canción en sí es muy buena, debajo del remolino de los arreglos de cuerdas de los años 70 y el pulso del bajo está Lenny aferrándose a la esperanza de poder resucitar a un amor moribundo. Cuando escuché la canción, el amor sobre el que pensé que estaba escribiendo ya había terminado. Pensé que debería haber enterrado la melodía en lugar de desarrollarla como lo había hecho. Al escucharlo ahora, me doy cuenta de que las ideas que tenía para la canción son geniales, desde el redoble de tambores de apertura hasta el sitar (todas tocadas por Kravitz). La seducción llegará con el tema “More Than Anything In This World”, una de las más brillantes y talentosas joyas artísticas pertenecientes a esta obra maestra incomparable. Como fruto final de su eclecticismo creativo, dentro de esta dinámica sonora a través del constante cambio en los estilos musicales, la vibrante calidez regresará a nuestro espíritu en el tema “What Goes Around Comes Around”, con un final instrumental englobado dentro del jazz que es toda una delicia escuchar.

 

“The Difference Is Why” como otro de los momentos emocionalmente más profundos e intensos del álbum, esta exquisita composición irá meciéndonos delicadamente hasta dejarnos en la orilla de la contundente canción “Stop Draggin´ Around”, con la fuerza y la pasión tratando de abrirse paso en la jungla urbana, si anhelabas un poco de Jimi Hendrix , entonces escucha el riff y el sonido de la guitarra en la canción, así como la producción psicodélica al estilo de Eddie Kramer que nos lleva directamente a 1968. “Flowers For Zoë”, as una preciosa composición dedicada a su hija, nos adentraremos en un terreno sonoro influenciado por las corrientes musicales de la década de los setenta y de la psicodelia, siendo la versión del tema “Fields Of Joy (Reprise)”, la muestra más clara de esta reactualización de un estilo que aún continuará hipnotizando nuestra mente por su fascinante atracción sonora. A continuación, la excelsa canción “All I Ever Wanted”,marca otro giro que Kravitz tomó en Mama Said. Por supuesto que sabes que estaba en las nubes trabajando con el hijo de su ídolo John Lennon, pero la parte de piano de Sean no es más que acordes minimalistas con un poco de manipulación en los coros. La canción es más un escaparate de la impresionante versatilidad vocal de Lenny, donde pasa de un falsete alto a gritos de dolor y viceversa. Este gran tema tiene una continuacion emociona con el blues disperso de "When The Morning Turns To Light", un número alucinante contra la heroína con un sabroso solo de guitarra de Kravitz justo en el medio .“What The Fuck Are We Saying?”es otra delicatessen musical para ser degustada a medianoche mientras paseas por las calles de tu ciudad que, iluminadas por luces de neón, te permiten observar la locura humana en la cual estamos metidos hasta el cuello.  Finalmente, “Butterfly” pondrá el cierre a esta admirable obra musical a través del melódico sonido de la guitarra acompañada por la voz de Lenny Kravitz, ofreciéndonos estos últimos instantes de luz. Un glorioso álbum que el paso del tiempo ha convertido en preciada obra de arte dentro del mundo de la música.

 Conceptualmente, “Mama Said” es una auténtica delicia musical donde el funk, la psicodelia, el rock, y el soul, han sido armoniosamente integrados en composiciones espectaculares que te dejan irremediablemente entregado al inconfundible sonido Lenny Kravitz. Una delicatessen musical donde el talento creativo, unido a la cuidada estética visual del artista, se convirtieron en rotundo éxito comercial en todo el mundo con más tres millones de discos vendidos, y cuyos ecos sonoros, con Lenny Kravitz interpretando estos temas en directo, aún perduran en la memoria de muchos melómanos que asistimos a los conciertos de sus giras oficiales. Así de grandioso y espectacular se presentará el álbum “Mama Said” para los cultos lectores de Lux Atenea que aún no lo conozcan en su totalidad, y, a quienes ya conozcan estos temas, si la lectura de esta reseña les incita a una nueva audición del álbum, mi objetivo cultural estará sobradamente cumplido.

El disco de la semana 296.- The resistance - Muse

 

El álbum comienza con Uprising, sin duda alguna una canción que se te pega al cerebro, con acordes de guitarra tenues pero útiles que mantienen el ritmo, tiene exactamente lo que hace que una canción de Muse sea un éxito: un gancho pegadizo, un ritmo contagioso y algunas características de bajo difusas, el problema es que termina siendo una canción de manual, de esas que "sabemos que a la gente le gustará esta canción, así que vamos a atraerlos", funciona como algo seguro para abrir el disco y lo saben ya que estamos con una canción que tiene una misión: enganchar a los oyentes de pop/rock convencionales. La segunda pista, "Resistance", continúa la misión, aunque con una estructura diferente, un piano y acordes mucho más trabajados, de los sencillos extraídos de este álbum, "Resistance" es sin duda mi favorita. En lugar de este grito hueco de otra revolución genérica, podemos vislumbrar las mentes de personas reales afectadas por el gobierno opresivo ficticio de Muse en la forma de amor prohibido, contiene una de mis partes de piano favoritas de Muse. El rock épico del estadio es tan evidente en la canción, que cada sección se hace más y más grande hasta el clímax increíblemente exagerado. Las voces agrupadas son muy de Queen, que es algo de lo que este álbum abusa, pero en esta ocasión, esas voces encajan con la sensación masiva que da la canción. “Undisclosed Desires” es una pista que está marcada por la polémica, el hecho de que suene como una canción pop enajenó a los viejos fans de Muse, pero aunque Muse ha hecho canciones pop antes, esta es una canción electropop, con sintetizadores y caja de ritmos y letras de bad love y todo. Pero con todos los disgustos por la premisa de la canción, en realidad es una canción pop bastante buena. El gancho del sintetizador es bastante decente, y el coro es lo suficientemente pegadizo como para justificar la reproducción de radio, el problema no es solo que parece fuera de lugar, el problema real es que Muse a menudo siente que quiere tocar todos los palos a la vez, y eso no es bueno para el material del álbum. United States of Eurasia se centra casi por completo en los coros grandilocuentes, ruidosos y teatrales, que hacen una excelente ensalada con el sintetizador y teclado. Es un cliché decirlo en este punto, pero esta canción emite grandes vibraciones de Queen, particularmente hacia el final, con sus influencias de ópera rock desgastadas. Aparte de los coros, los versos son clásicos de Muse, proporcionan un contrapeso a la intensidad del tema. La parte del cierre es exagerada y lleva la canción a un clímax intenso, aunque está demasiado sobreproducida. Las comparaciones de Queen son definitivas con las voces agrupadas finales antes de la selección de Nocturne Ops 9 No 2 de Chopin, que se titula Daño colateral, posiblemente debido a los aviones que vuelan de fondo mientras los niños entran en pánico. "Guiding Light" , es intencionalmente un guiño al rock de estadio, con una letra sobre una relación complicada, sin embargo, no pude evitar sentir que faltaba algo, la mezcla de alguna manera se sentía... vacía, es quizás una de las pistas mas flojas del album, algo parecido pasa con Unnatural Selection podría tener el dudoso honor de ser la canción más pesada del álbum, los diferentes movimientos en la canción nos traen a la memoria canciones como Dark Shines o incluso Citizen Erased, sin embargo, no es tan complejo o épico como esas canciones, también podemos descubrir influencias de arte/rock progresivo que aparecen en "Eurasia".. Hay dos líneas vocales que me llaman la atención, "se reirán mientras nos ven gatear" y "contrarrestan esta conmoción", la canción compara la injusticia de la sociedad con una cruel selección natural ( "selección antinatural", como dicen ellos).

 

MK ULTRA, es una de las mejores canciones de Muse y es casi la culminación de todo lo bueno de ellos. La forma de tocar la guitarra de Bellamy a menudo es atacada por los puristas de la guitarra diciendo que no es lo suficientemente bueno como para ser elogiado, pero es difícil encontrar un riff tan bueno como el primero, aunque se basa en un tiempo de 4/4, juega entre series de 3 y 4, saltando escalas arriba y abajo antes de resolverse de manera épica. También involucra algunos de sus mejores usos de las cuerdas, por ejemplo la parte del violín. La percusión de Howard también es excelente, logrando uno de mis rellenos favoritos justo antes del segundo estribillo.  Las letras “ridículas” de Bellamy están en su mejor momento aquí, y aunque no estoy de acuerdo con su basura de conspiración, siendo honestos encajan con la música perfectamente. La conspiracion la llevó Muse lo llevó aún más lejos, sugiriendo que, a través del lavado de cerebro inducido por las drogas, el gobierno opresor podría borrar la historia de la mente de las personas y rehacer el mundo como mejor les parezca. Escuchar “I Belong To You” después del contundente final de “MK Ultra” es un poco extraño, pero, aunque fuera de lugar, es una canción pop bastante decente, está basada en el piano, a diferencia de “Undisclosed Desires”, lo que significa que me gusta más, pero los coros cursis y las letras nuevamente la matan. La interrupción innecesaria al azar en el canto francés es un poco extraña, y aunque hay que elogiar a Bellamy por siquiera pensar en ello en primer lugar, es un poco autoindulgente y estúpido, pero disfruto la lenta construcción del coro. La sección donde Matt canta en francés de la ópera Samson and Delilah es épica, la pronunciación francesa de Matt es muy extraña y es una transición extraña para esta canción, aunque la letra traducida encaja con la canción.

 

Ahora nos dirigimos a la parte más polémica de The Resistance. The Exogenesis Suite es la historia del viaje de un hombre para comenzar una nueva vida en un nuevo planeta. En general, creo que logran los sonidos más épicos de Muse. Exogenesis: Symphony Part 1 es la parte más débil de la suite para mí, la canción abre con oleadas de cuerdas que intentan ser épicas pero suenan vacías, los arpegios simples que tocan tampoco mejoran las cosas y las voces aireadas que ofrece Matt en esta canción también son muy aburridas. En Exogenesis: Symphony Part 2 encontramos junto a Butterflies and Hurricanes, el mejor piano que Matt toca en cualquier álbum de Muse, su interpretación del piano en esta canción es bastante emocionante para cualquier amante del instrumento y la tranquila sección central de la canción es muy premonitoria cuando el protagonista deja la Tierra para encontrar un nuevo planeta para comenzar un nuevo futuro. Exogenesis: Symphony Part 3 puede ser una de mis canciones favoritas de Muse, es tan hermosa la forma que Matt canta "Empecemos de nuevo", de una manera que muestra arrepentimiento y tristeza, las cuerdas acentúan las voces agrupadas al estilo Queen hacia el final de la canción.

 

El odio que recibe este álbum es bastante impactante pero también comprensible. Este álbum introdujo muchos clichés y sonidos no deseados en el repertorio de Muse que dañarían álbumes como The 2nd Law y Drones, con lo que puedo estar de acuerdo. Pero creo que sonaron mejor cuando Muse lo hizo por primera vez aquí. Definitivamente no amo este álbum tanto como cuando era joven, pero sigo pensando que es un buen álbum de Muse. No es lo mejor, pero sí lo más singular, y tiene más aciertos que errores.

0646-. Matty Groves - Fairport Convention

 

Matty Groves, Fairport Convention 

     En diciembre de 1969, la banda británica de folk rock Fairport Convention publica su cuarto álbum de estudio, Liege & Lief. El disco es grabado en los estudios Sound Techniques de Londres durante los días 16, 19, 22, 29 de octubre y el 1 de noviembre de 1969, bajo la producción del productor discográfico y escritor estadounidense Joe Boyd, y publicado en diciembre de 1969 por el sello discográfico Island Records en Reino Unido, y el por sello discográfico A&M Records en Estados Unidos.

Liege & Lief suponía el cuarto álbum de estudio de la banda y el tercero publicado durante el año 1969, mostrando la frenética actividad del grupo en aquella época. En Reino Unido consiguió alcanzar el puesto número 17 en las lista UK Album Chart del Reino Unido. Hay quien considera este disco como el primer gran álbum de "folk rock británico", pero de lo que no hay duda es que fue de los primeros. 

Incluida en este cuarto disco de estudio se encuentra el tema Matty Groves, un tema tradicional inglés originario al parecer del norte de Inglaterra. También conocido como Little Musgrave and Lady Barnard o Little Musgrave, relata una cita adúltera entre un joven y una mujer noble que termina cuando el esposo de la mujer descubre el engaño y mata a los dos. Esta canción existe con muchas variantes en la letra y con varios nombres. 

La letra de la canción relata como Little Muegrave va a la iglesia y allí ve a la esposa de Lord Barnard, la dama más hermosa del lugar, y se cuenta de que ella también se siente atraída por él. Ella lo invita a pasar la noche con ella y él acepta cuando le dice que su esposo estará fuera de casa. Un sirviente de la casa de Lord Barnard escucha la conversación y va a buscar a Lord Barnard para contarle como Little   Musgrave va a estar en la cama con su esposa. Lord Barnard y sus hombres cabalgan hasta su casa, donde sorprende a los dos amantes en la cama. Fairport Convention, para la grabación de su versión electrificada de Matty Goves, se inspiraron en la melodía de la canción folclórica tradicional de los Apalaches Shady Grove, dando como resultado esta versión híbrida resultante de los dos temas tradicionales.

0645-. Grantchester Meadows - Pink Floyd

 

Grantchester Meadows, Pink Floyd

     El 7 de noviembre de 1969 Pink Floyd, compuesto por David Gilmour, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright, publica su cuarto álbum de estudio, Ummagumma. El disco es un doble álbum, donde el primer disco contiene grabaciones en vivo de conciertos dados por la banda en el Mothers Club de Birminghan y el College of Commerce de Manchester los días 27 de abril y 2 de mayo de 1969, mientras que el segundo disco contiene composiciones en solitario de cada miembro de la banda, grabadas en los estudios EMI de Londres. El disco se mueve entre el rock espacial, psicodélico y experimental, y fue producido por el propio grupo y por Norman Smith.

Incluido en este doble álbum se encuentra Grantchester Meadows, compuesta por Roger Waters, el cual comienza con un sonidos electrónicos emulando durante todo el tema el gorgojeo de una alondra mientras la voz de Roger Waters, acompañada de una guitarra acústica relata: “Vete, nocturno gélido viento, no es este tu dominio, en el cielo se deja escuchar el canto de un pájaro, susurros de nublada mañana, y sonidos gentiles, silencio mortal que yace todo entorno". La canción se caracteriza por el uso de efectos estéreo y paneo de sonido para crear ilusión de espacio y profundidad, pudiendo disfrutar de dichos efectos sobre todo si se escucha con auriculares.

La letra describe una escena pastoral y onírica en las praderas de Grantchester, Cambridgegeshire (Inglaterra). En este lugar fue donde el miembro del grupo David Gilmour se crió y donde además vivió el exmiembro Sid Barrett. Este tipo de balada de corte pastoral era típico del enfoque compositivo que Roger Waters daba a sus composiciones a finales de los años sesenta y principio de los años setenta, algo que continuaría en en su primer álbum fuera de Pink Floyd y después en el tema If de Atom Heart Mother ya con Pink Floyd.

0644.- Jorge Ben - País Tropical

Jorge Duílio Lima Meneses, más conocido como Jorge Ben Jor (Río de Janeiro, 22 de marzo de 1945) es un músico brasileño. Su estilo característico incluye samba, funk, rock, pop, maracatu, bossa nova, rap y samba-rock con letras que combinan humor y sátira. Incluye muchas veces temas místicos y/o esotéricos como los referentes a la alquimia en sus canciones. Tuvo su primer pandeiro a los trece años de edad y, dos años después, ya cantaba en el coro de una iglesia, pero quería ser jugador de fútbol, llegando a integrar el equipo infanto-juvenil del Clube de Regatas do Flamengo. También participaba como tocador de pandeiro en blocos de carnaval. A los dieciocho, su madre le obsequió una guitarra y comenzó a hacer presentaciones en fiestas y boates. Y fue en una de esas boates que su carrera comenzó: en 1963, se subió al palco y cantó "Más Que Nada" para una pequeña platea, en la que se encontraba un ejecutivo de la discográfica Philips. Una semana después, era lanzado el primer disco de Jorge Ben. Su ritmo híbrido le trajo algunos problemas al inicio, cuando la música brasileña estaba dividida entre la Jovem Guarda y el samba tradicional, de letras engajadas.

El fenómeno de la música de vanguardia de la década de 1960 no se limitó a los Estados Unidos y Gran Bretaña. Los elementos del pop y el rock occidentales, y el sonido/la estética de la psicodelia, reverberaron en todo el mundo, recogiendo sonidos, instrumentos y firmas de tiempo locales. El paisaje musical resultante merece una escucha más atenta, ya sea en Turquía, Tailandia, Nigeria o Alemania. En Brasil, el movimiento tropicália vio la síntesis de bossa nova (en sí misma una mezcla de jazz y samba), rock, música psicodélica y música afrobrasileña. Una de las figuras más importantes del tropicalismo es Jorge Ben Jor, quien lanzó este álbum homónimo en 1969. Es más denso que un bosque, tan animado como Carnivale y apropiadamente colorido. la guitarra de Ben viene en ráfagas extravagantes (como el flamenco, si eso no es anacrónico); pero es su voz única y de amplio alcance la que se roba el espectáculo. La voz de Ben es tan evocadora como parece, casi hasta el punto del melodrama, y ​​varía de una pista a otra. Si bien el cantautor Ben es central en este álbum (de ahí su nombre en el título), está lejos de ser un esfuerzo en solitario. El Trío Mocotó, una banda de percusión y canto de tres integrantes, brinda buena compañía y armonías vibrantes en cada canción. También se presentan arreglos orquestales, rematando este gran album.

Dentro de ester album encontramos 'País Tropical' es una de las canciones más conocidas de Jorge Ben, su alternativa al himno nacional de Brasil. Una fanfarria festiva en formato de llamada y respuesta, donde Ben canta al doble para seguir el ritmo de los cuernos. Inflexiones largas, suaves y fáciles. La diversión nunca se detiene, ya que se tapa la nariz e interpola la dictadura militar contemporánea hacia el final.

0643.- Wild Eyed Boy From Freecloud - David Bowie

 

“Wild Eyed Boy From Freecloud” es otra de las canciones tibetanas de David Bowie, completando un ciclo que comenzó en Silly Boy Blue y evolucionó hasta convertirse en medio mito Karma Man y ahora termina como una fábula, digna de un un cuento para dormir o un espectáculo de marionetas. Originalmente la cara B del sencillo 'Space Oddity' , David Bowie volvió a grabar 'Wild Eyed Boy From Freecloud' durante las sesiones de su segundo álbum homónimo. Wild Eyed Boy From Freecloud, es tambien una de las primeras composiciones oscuras de Bowie. El niño está condenado a muerte, esperando la soga del verdugo al amanecer por el 'crimen' de la locura. Desconocido para la gente del pueblo, el niño comparte una simbiosis mágica con las montañas circundantes, y el pueblo se reduce a escombros cuando el niño muere, es un joven incorrupto en la naturaleza , cuya existencia ofende a los mundanos que viven miserablemente en la aldea, el niño se resigna a la muerte. “Freecloud” combina la sensibilidad teatral de Bowie con sus inclinaciones populares recientes, el resultado es una extraña combinación de teatralidad y naturalismo, la letra va desde los detalles cuidadosamente observados de los versos iniciales hasta el yo al estilo Streisand. Toda la canción es un catálogo de influencias: la puesta en escena de una noche antes de un ahorcamiento está fuera de Child Ballads , el sentido de la retribución divina impuesta sobre una ciudad maldita proviene de " Pirate Jenny " de Brecht/Weill.” y la elevación de la letra que describe la montaña (“donde el águila no se atreve a volar”, etc.) tiene un poco de Tolkien. ("Freecloud" era la canción de Bowie favorita de Tolkien-head Marc Bolan).

 

La canción está construida como una pirámide invertida, comenzando con dos largos versos descriptivos, cada uno de 11 versos sin rima ni métrica real; el patrón finalmente se rompe cuando Bowie entra en el puente, que, lleno de rimas y lleno de notas prolongadas, es un alivio para el oído. La canción desciende en espiral cada vez más rápido, primero con una especie de estribillo (aplausos, el título finalmente cantado), luego un par de versos turbulentos que contienen la destrucción del pueblo dentro de ellos y termina con una tranquila coda de 10 compases, el niño se abre camino para liberarse de los escombros mientras reaparece el patrón de guitarra de la introducción, lo que sugiere que el ciclo comenzará de nuevo, aquí o en otro lugar. El arreglo orquestal tiene una presencia abrumadora: comienza con el volumen alto y va hacia arriba, de modo que el caos de los últimos versos carece de la fuerza dramática que debería tener, casi todas las líneas que canta Bowie están acompañadas por un golpe de cuerdas, un estallido de metales, punteos de arpa o golpes de tímpano.

 

Una fuente de inspiración parece haber sido una traducción de 1962 del libro de Jean-Marc Gaspard Itard The Wild Boy of Aveyron , que Bowie leyó a principios de 1969. El libro era un relato de un niño salvaje francés conocido como Víctor de Aveyron, que fue descubierto siendo un joven adolescente a principios del siglo XIX. Itard fue un médico que efectivamente adoptó a Víctor, estudiando y escribiendo sobre su progreso.

Let Love Rule - Lenny Kravitz #MesLennyKravitz

 

Let Love Rule, Lenny Kravitz

     Lenny Kravitz en sus inicios se lanza en busca del éxito musical bajo el sobrenombre de Romeo Blue, y con un look a lo Prince, dada su gran admiración por el artista de Minneapolis. Pero ninguna discográfica se fija en el trabajo del artista, todas le decían que su música no era lo suficientemente blanca o suficientemente negra. Decide entonces abandonar el look Prince y busca inspiración en grandes artistas rockeros  y músicos de los años 70, como Led Zeppelin, Queen, Jimi Hendrix, Stevie Wonder, Curtis Mayfield o Kiss entre otros.

Es durante ese giro musical cuando Kravitz se lanza a la caza de una discorgáfica, consiguiendo que se fijen en él Warner Bros, Elektra, Geffen, Capitol y Virgin. Será esta útlima, Virgin Records, la que se lleve el gato al agua y  publique primer álbum de estudio, Let Love Rule, todo un pelotazo que alcanzará el puesto número uno en numerosas listas de éxitos, iniciando así una más que prometedora carrera. 

Let Love Rule es una acertada combinación de rock y funk con un ambiente de los años 60. Si bien es cierto que en Estados Unidos el disco consiguió un éxito moderado, fuera del país se convirtió en todo un éxito, especialmente en Europa. Tras su contundente debut discográfico, Kravitz recibe numerosas ofertas, primero para gira de clubes, y posteriormente como telonero de Tom Petty & the Heratbreaker, Bob Dylan y David Bowie. Kravitz, que había tocado prácticamente todos los instrumentos en la grabación de Let Love Rule, tuvo que armar rápidamente una banda de gira para poder tocar en directo.

Let Love Rule es una combinación de funk rock, hard rock y soul psicodélico, y fue grabado entre 1988 y 1989 bajo la producción del mismo Lenny Kravitz. El disco fue publicado el 6 de septiembre de 1989 bajo el sello discográfico Virgin Records. Encontramos, entre otros, temas como el que da título al álbum, Let Love Rule,  todo un canto al amor. Cuando apareció la canción, Kravitz llegó a declarar que al principio todos decían que esta canción era una basura. ¿Acaso estaría bien cantar sobre el diablo o sobre violar niños? Se había perdido el concepto de cantar sobre el amor. El amor tenía que ser el resultado final de cada situación. La por entonces esposa de Lenny Kravitz, Lisa Bonet, dirigió y apareció en el vídeo musical de este tema; La psicodélica I Build This Garden For Us, que supuso el segundo sencillo lanzado del disco; Mr. Cab Driver, tercer sencillo del álbum, escrita por Kravitz después de tener un altercado con un taxista. A pesar de ser una canción contra el racismo y la discriminación, fue escrita por el artista con mucho sentido del humor. Kravitz relataba el incidente así: "Todo surge de un día que intenté llegar al estudio para grabar. Estaba grabando en Hooken, Nueva Jersey. En ese momento yo estaba parado en la esquina de West Broadway y Broome tratando de tomar un taxi, y llegué tarde al estudio. Después de pedir cerca de 20 taxis para que parasen, finalmente uno se detuvo ante mí, me subí y le dije adonde iba, y el me echó del taxi. Y al final del todo estábamos peleando en el taxi, y ya sabes, me estaba llamando "nigger", y realmente se salió de control. Fue horrible. Entonces volví a mi loft porque no podía llegar al estudio. Estaba enojado en ese momento. Acababa de estar en nuna pelea en medio de la calle sobre un taxi amarillo, y escribí Mr. Cab Driver. Trata sobre el racismo y demás, pero está escrito con sentido del humor".; Fear, la letra de esta canción fue escrita por su esposa de entonces, Lisa Bonet, quien además coescribió la letra de otra canción del álbum, Rosemary, una deliciosa balada. Fear es un tema con un sonido muy funky donde Kravitz nos habla de la ruina urbana. Durante la grabación de esta canción, Kravitz se lastimó la córnea de uno de sus ojos al romperse y volar una baqueta mientras tacaba la batería. Un tema que por momentos me trae a la mente el famoso sonido blaixplotation. El artista sólo fue a urgencias una vez terminada de grabar la canción. La psicodélica Freedom Train, con una excelente combinación entre el funk y el rock psicodélico de finales de los años 70, la preciosa balada de corte soul My Precious Love, con un acertadísimo saxo, o Blues for Sister Someone, uno de los temas más contundentes del álbum gracias a ese repetitivo riff de guitarra que te va atrapando y enganchando.

Let Love Rule suponía un excelente álbum de presentación para Lenny Kravitz, un artista que seguiría dando que hablar durante los siguientes 30 años, hasta día de hoy, pues el genial artista de Nueva York a día de hoy todavía sigue en la brecha.

0642-. Memory of A Free Festival - David Bowie

 

Memory Of A Free Festival, David Bowie

     El 7 de noviembre de 1969 salía publicado el segundo álbum de estudio de David Bowie, conocido como Space Oddity. El disco fue grabado entre junio y septiembre de 1969 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción del gran Tony Visconti, y publicado originalmente el 7 de noviembre de 1969 por el sello discográfico Philips para el Reino Unido bajo el título David Bowie, y por el sello Mercury para Estados Unidos bajo el título Man of Words / Man of Music, siendo relanzado en 1972 por RCA Records con el título actual, Space Oddity. Es uno de los grandes álbumes de Bowie, y surgió como punto de inflexión en la carrera del artista, que hizo la transición de un músico inspirado en el cabaret y la vanguardia a un músico con un sonido hippie / folk.

Incluido en este gran disco se encuentra Memory of A Free festival, un tema donde Bowie quiso inmortalizar, mediante una melodía liviana, alucinante y nostálgica, un festival en que había colaborado. El 16 de agosto de 1969, un joven David Bowie subió al escenario en el festival que se llevó a cabo en el Croydon Road Recreational Ground de la localidad de Beckenham, Inglaterra. Bowie había ayudado a organizar el festival con la esperanza de recaudar fondos para el Laboratorio de Artes de Beckenham. Aquel festival fue un evento muy concurrido y pacífico, con una gran variedad de ofertas musicales, y con vendedores de comida típica, donde la por entonces novia de Bowie cocinaba hamburguesas en un típico carrito de comida rápida. Como curiosidad, apuntar que en aquel festival David Bowie regaló a los  presentes una versión reggae de la mítica Space Oddity.

0641.- David Bowie - Letter to Hermione

Esta es la carta de amor de Bowie a una antigua novia, Hermione Farthingale, su primer amor verdadero, una joven que estudió ballet clásico y participó como bailarina en las películas; Inspector Clouseau (1968), La Carga de la Brigada Ligera (1968), El gran vals (1972), sólo por poner algunos ejemplos. Bowie se enamoró perdidamente de la actriz, bailarina y modelo durante una relación de 12 meses antes de llegar a lo grande, y se quedó desconsolado cuando ella lo dejó. La pareja se conoció en enero de 1968, en el plató de la obra de la BBC The Pistol Shot, que ambos protagonizaban, y pasaron solo unas semanas antes de que él se mudara con ella a South Kensington, Londres. Se dijo que el padre abogado de Hermione estaba decepcionado de que su hija de 19 años se estableciera en casa con el chico de clase trabajadora de Brixton. Como cualquier pareja joven que comienza junta, el dinero escaseaba y la pareja luchaba para llegar a fin de mes. Hermione dice: “Nos enamoramos, nos llevó unos cinco minutos como máximo. Era un muchacho, parecía ridículamente joven, aparentaba unos ocho años. De hecho, cuando salimos por primera vez con él, me molestó un poco y tuve que recordarme constantemente que en realidad tenía 21 años.

 "Letter to Hermione" no es solo una canción triste de ruptura, es una canción de ruptura realmente triste. Marc Spitz, el último biógrafo de Bowie, llama a la canción "quejumbrosa y literal", Nicholas Pegg la llama "dolorosamente íntima". Aquí, por fin, creemos que Bowie se quitó la máscara; aquí está el verdadero Bowie, derramando su corazón acompañado de una guitarra, tanto que la canción debería haber sido acreditada a David Jones. Es comprensible, porque Bowie sigue siendo una criatura tan desconocida que cualquier grieta visible en la pared vale la pena salir. Pero, ¿consideramos algo como “Letter to Hermione” una canción de Bowie esencial y “dolorosamente íntima” principalmente porque creemos que es verdad? ¿No es suficiente su belleza formal, la tierna melodía de los versos, el barrido de la guitarra de Bowie?. Porque la canción no es para nada un diario en bruto, sino que tiene tanto artificio y destreza como “Space Oddity”: está estructurada pulcramente con una introducción y un final de guitarra en espejo que encierran tres estrofas (la primera detalla lo desolada que es “Bowie”), el segundo nota los rumores que está recibiendo sobre cómo le está yendo a “Hermione”, y el tercero especula sobre su nuevo amante y su felicidad). En medio de cada verso, Bowie, con una confianza desesperada, sugiere que "Hermione" lo extraña ("Lloras un poco en la oscuridad") y responde con una breve línea de cuatro sílabas ("bueno, yo también"). Y como señala James Perone, dado que la canción es una "letra", descarta los estándares típicos de las "canciones de amor", evitando, en su mayor parte, los ganchos melódicos cortos en favor de frases largas y serpenteantes.