Grandes éxitos y tropiezos: The Doors

 

En 7días7notas abrimos en esta ocasión las puertas de la sección de Grandes éxitos y tropiezos a The Doors. Es difícil equivocarse en la compra de un disco de Morrison & Cía, porque todos sus discos tienen cosas interesantes, y al atravesar las puertas de la percepción nunca se encontraron escalones en los que tropezar de manera ostentosa. Sin embargo, esas mismas puertas pueden también conduciros por caminos que, no teniendo la etiqueta de equivocados, si que pueden llevaros a lugares que no fueran los esperados. Así que, sin más demora, vamos de nuevo a la imaginaria y vieja tienda de discos de segunda mano en la que esta sección comenzó, a buscar discos de The Doors ¿Qué discos suyos deberíamos comprar? ¿Cuáles deberíamos evitar?:

Estás tardando en comprarlo:

Los seis discos de The Doors publicados en vida de Jim Morrison son realmente grandes discos, pero si hay uno que destaca por encima del resto es precisamente The Doors (1967), disco debut en el que estaban canciones de la talla de Break on Through (to the other side), Light my fire o The End, pero no nos quedaríamos tranquilos si no mencionáramos también aquí discos como Morrison Hotel (1970), un disco en el que apostaron por un sonido más pesado y rockero en temas de la talla de Roadhouse Blues, Peace Frog o Waiting for the sun, entre otras. No se queda atrás tampoco el brillante ejercicio de blues ebrio y taciturno del disco L.A Woman (1971), combinando la brillantez de piezas oscuras y decadentes (Cars hiss by my window, Hyacinth House) con algunos de los mejores temas de su carrera (L.A Woman, Riders on the storm)

Si te queda pasta, llévate también: 

Si os queda presupuesto, el siguiente disco al que tendríais que hincar el diente sería Waiting for the Sun (1968). La adicción al alcohol de Morrison avanzaba a marchas forzadas, al tiempo que aumentaba también el número de seguidores de la banda, gracias a temas tan rotundos como Hello, I love you o The Unknown Soldier. También incluye la canción Not to Touch the Earth, en realidad un extracto de una larga pieza conceptual llamada The Celebration of the Lizard, disponible en alguna de las últimas reediciones especiales del disco, y en el directo Absolutely Live. Y si el dinero sobrante os deja aún más margen, entonces sería el momento adecuado para incluir en el pack el disco Strange Days (1968), el siempre difícil segundo disco, que contiene joyas de la talla de People are strange, Moonlight Mile o, especialmente, When the music is over. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Pensando en la estructura de este artículo, el disco elegido para la tarjeta roja era The Soft Parade (1969), pero estaríamos siendo unos árbitros demasiado rigurosos, porque aunque palidece en la comparación con sus otros cinco hermanos, no deja de ser un buen disco al que, siendo justos, dejaríamos seguir jugando con una amonestación verbal o una tarjeta amarilla. Si lo dejáis de nuevo en el expositor, os estaríais perdiendo canciones como Touch me, Shaman`s Blues o, sobre todo, el tema que le da título, un auténtico desfile de color y larga duración en el que manejan con maestría los cambios de ritmo, la psicodelia y la bohemia descarada en la que vivía inmerso su carismático cantante. Y como, al perdonar a este disco, dejaríamos huérfana esta sección, mencionaremos en su lugar dos de los tres álbumes que los miembros restantes de The Doors sacaron tras la muerte de Jim Morrison.  Decíamos, al principio, que algunas puertas llevaban a caminos inesperados, y tanto Other Voices como el posterior Full Circle dejan la sensación de haber dejado pasar la parada en la que los miembros supervivientes deberían haberse bajado del autobús, haciendo caso al compañero caído, cuando cantaba aquello de "Esto es el final".

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1- Break on through

2- Light my fire

3- Riders on the storm

4- L.A Woman

5- The End

0327.- Black is black - Los bravos

 

El grupo nace de la fusión de dos formaciones, Los Sonor aportaron al guitarrita Antonio Martínez y al teclista Manolo Fernández, y Mike & The runaways aportó al carismático cantante Michael Volker Kogel, más conocido como Mike Kennedy, el bajista Miguel Vicens y el batería Pablo Sanllehí. Columbia se fija en ellos y los lanzó como Los Nuevos Sonor, pero ese nombre no tenia gancho y pronto decidieron cambiarlo. Para ello, a raíz del lanzamiento del que sería su primer single organizaron un concurso para que los fans les bautizaran, aunque en realidad el nombre ya estaba decidido de antemano, Manolo Díaz fue su ideólogo y a todos les gustó: Los Bravos, sonaba y se escribía de igual modo en diferentes idiomas, un par de actuaciones con fuerte carga mediática apoyados por Los 40 principales, hizo que pronto estuvieran en boca de todos hasta el punto de que la discográfica inglesa Decca tuvo un encuentro con ellos. La entrevista no fue fructífera, pero pudieron conseguir que al menos grabaran algunos temas de su repertorio, para ello viajaron a Londres, pero solo grabaron Mike en la voz y el resto del grupo en los coros. Los instrumentos fueron tocados por músicos profesionales del sindicato inglés ya que era una práctica habitual en la época. El resultado tuvo un éxito inesperado, “Black is black” y aunque el éxito internacional fue efímero, ya que los siguientes singles apenas tuvieron repercusión, el mercado nacional seguía rendidos al grupo, especialmente con singles como Los chicos con las chicas, que dio pie a protagonizar diversas películas, hasta que la fatalidad se cruzó en su camino. El 29 de abril de 1968 fue un día inolvidable para el bajista Miguel Vicens, contrajo matrimonio en la iglesia de San Juan de Malta de Palma con Norma Perriman, una encantadora joven británica. Al enlace acudió el grupo al completo, y tras el banquete, Manolo Fernández, teclista del grupo, emprendió, con su esposa Loti Beatriz Rey (con quien se había casado recientemente y de la que esperaba su primer hijo) el camino hacía el hotel de Valldemossa en el que se hospedaban, conduciendo su propio descapotable, pero la tragedia les sorprendió en el trayecto, al tratar de esquivar a un camión en una curva sufrieron un accidente brutal e irreparable. Ella falleció en el acto y él resultó con heridas leves. Aquello desencadenó una depresión brutal que provoco que semanas después Manolo Fernandez se suicidara. Era el principio del fin, poco después Mike Kennedy abandono el grupo con la intención de iniciar una carrera en solitario y aunque buscaron buenos sustitutos el éxito, al nivel que habían conseguido, no volvió a aparecer.

 

“Black is black” fue la canción que le dio fama a Los Bravos, un tema compuesto por Tony Hayes y Steve Wadey, al que arregla Ivor Raymonde, que grabado con músicos londinenses de estudio (se rumorea que entre ellos Jymmy Page que luego formó con Led Zeppelin), editado por Los Bravos y que Alain Milhaud convirtió en un éxito mundial. Fue el primer éxito español en las listas internacionales (Nº 2 en el Reino Unido y Nº 4 en las Billboard USA) y el primer grupo español que traspasaba fronteras. Se cuenta que una de las razones de su triunfo en USA se debió a que hubo bastantes oyentes, sobre todo durante las primeras semanas, que creyeron que el tema estaba interpretado por Gene Pitney, famoso cantante, cuya voz era muy parecida a la de Mike Kennedy, vocalista de la banda. Hay que reconocer que el tema está muy conseguido, empezando por ese arranque, un ritmo de batería y bajo al que se une una guitarra, el teclado y una sección de viento, a esa altura ya estamos moviendo el esqueleto, cuando aparece la particular voz de Mike y termina de poner lo que faltaba a la melodía.

0326: A quick one while he's away - The Who

 
A Quick One, While He's Away, del disco A Quick One (1966) de The Who, es una suite de seis partes diferenciadas, que marca el inicio de un estilo en la composición de Pete Townshend que se alejaría de los esquemas standard de canción de los sesenta, para adentrarse con éxito en estructuras más complejas, que culminarían en elaborados discos conceptuales (Quadrophenia) e intensas óperas rock (Tommy).

Los 9 épicos minutos de A Quick One, While He's Away son precisamente eso, un adelanto en clave de mini ópera, de lo que después vendría con Tommy. La canción narra la historia de una mujer sin nombre, que vive en la añoranza del amor de su vida (Her man's gone), ausente durante mucho tiempo (Crying Town). La mujer acaba sucumbiendo a la presión de su círculo cercano, que la empuja a conocer a otras personas (We have a Remedy), y mantiene una relación con un maquinista ferroviario llamado Ivor (Ivor the Engine Driver). Transcurrido un año, su amor regresa inesperadamente (Soon be Home), y la mujer le confiesa su infidelidad. A estas alturas, no creo que sea "spoiler" contaros que, al final de esta historia épica y cambiante (You are Forgiven), ella obtiene el perdón de su amado.

Una historia de lírica intensa, que en lo musical es un generoso despliegue de recursos y cambios, que abarcan desde una introducción a capella, interpretada por los cuatro miembros de la banda, pasando por un tramo en el que Roger Daltrey cede el testigo de la voz cantante al bajista John Entwistle o una sección en la que aparece un armónico coro, hasta llegar a la última parte en la que es Pete Townshend el que canta el esperado perdón, mientras el resto de la banda repite la palabra chelo, en una broma que incluyeron tras serles negada la aparición de una sección de cuerda para ese último tramo de la canción. Para recordarle al productor que su negativa había dejado incompleta la canción, repitieron de manera irónica el nombre del instrumento en los momentos en los que debería haber sonado.

0325 Tell it like it is - Aaron Neville

0325 Tell it like it is - Aaron Neville

Tell It Like It Is es una canción escrita por George Davis y Lee Diamond y originalmente grabada y publicada en 1966 por Aaron Neville. Y recientemente en el año 2010, la canción ocupó el puesto 391 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, nunca es tarde para ingresar en una lista, y menos en la de la revista Rolling Stone.

En 1966, Aaron Neville grabó y publicó la versión original de Tell It Like It Is en su álbum también titulado Tell It Like It Is bajo el sello discográfico Par-Lo Records. En noviembre de 1966, el tema se publicó como un sencillo que alcanzó el número 2 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos a principios de 1967 (detrás de "I'm a Believer" de los Monkees) y el número 1 de la lista Hot R&B/Hip-Hop Songs de Estados Unidos.  

La grabación original contó con un grupo de músicos incluía la participación de George Davis en los arreglos y tocando el saxofón barítono, Emory Humphrey-Thompson (Umar Shariff) en la trompeta, Deacon John en la guitarra, Alvin "Red" Tyler en el saxofón tenor, Willie Tee en el piano y June Gardner en la batería.

Daniel 

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La música en historias: Kiss me, Kiss me, Kiss me - #MesTheCure

 

Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me es una amalgama de diferentes estilos y enfoques de composición, es como una mezcla heterogénea de Cure. Hay trozos de Alt-Rock, New Wave, Goth Rock, Synthpop e incluso algunas influencias de Funk y Dream Pop. Todas esas ideas pueden sonar como una receta para un desastre, pero Kiss Me se las arregla para mantenerse bastante arriba durante la mayor parte de su tiempo de ejecución. Estamos ante una oda maníaca a la pasión humana, con secuencias prolongadas de instrumentación onírica para calmar los párpados cerrados en un momento, luego canciones fuertes, ardientes y chillonas para encender el corazón y hacer que la sangre bombee.

 

El disco 1 es probablemente el mejor de los dos aquí para mí, aunque solo por poco. A pesar de ser un disco centrado en atmósferas maravillosas y composición pop, The Kiss abre el álbum con una muestra gótica intensa y deslumbrante de las habilidades de la guitarra en el álbum, donde los riffs simplemente gritan y chillan a lo largo de toda la canción sobre el bajo casi industrial de Gallup y el de Smith. carcajadas. Y luego el álbum tiene la audacia de saltar a Catch, una canción bellamente orquestada y soñadora. Y contra todo pronóstico, funciona muy bien. Torture es densamente agradable y vuelve a oscilar en el estado de amor tranquilo de "If Only Tonight We could Sleep", su encorvado deformado acompañado de una instrumentación de cuerdas de estilo asiático para darle una sensación exótica y onírica, otra pasada instrumental extendida para someter al oyente a un sueño profundo mucho antes de que surja cualquier voz entrecortada. para después trasladarte a la pura diversión en Why Cant I Be You. Todo mientras Smith aporta acentos de una sección de trompeta compleja de vez en cuando. Esto es algo que a Smith le gusta hacer muy a menudo, y aunque a veces puede ser como untar lápiz labial a un cerdo, aquí agrega mucha diversión a cada canción que está tocando, y Smith afortunadamente es parco con sus usos. "How Beautiful You Are", una canción que vuelve a traer un amor más apasionado yuxtapuesto al odio apasionado. La sensación surrealista pantanosa-lenta de "The Snakepit" serpentea tintineando en el estridente y estridente "Hey You !!!",

 

El disco 2 puede que no sea tan consistentemente bueno, pero comienza con dos de las canciones más increíbles que jamás hayan grabado. Just Like Heaven transmite una alegria tan pura que es difícil explicar el subidon que te mete y después And All I Want, una pieza de synthpop tan perfectamente contagiosa con la perfecta adicción de capas de guitarras ásperas. Soñadora y perdida "One More Time", de nuevo con una apertura instrumental alargada, suspira y casi llora de fragilidad. "Like Cockatoos" ahoga y borra el sueño anterior con una sensación acuosa, chapoteando, lo que lleva al saxofón aullante en "Icing Sugar" casi enteramente instrumental. La última parte del disco dos, ve el resurgimiento de un Smith más maníaco, especialmente enojado y odioso. La canción final "Fight" parece terminar en una especie de dolor emocional ardiente, lamentándose de que "a veces duele solo respirar, y luego parece que no queda nadie y lo único que quieres es dormir". donde un Smith especialmente enojado y odioso dice "eres como una babosa en el suelo, eres inútil y feo e inútil y feo, y tiemblo y tiemblo cuando pienso en cómo me haces odiar ... quiero destrozarte en pedazos ".

En general, este es un álbum pop casi perfecto. Es una pena que lo que hizo que esto fuera tan popular, el aspecto de doble LP, sea lo único que me decepcione. Pero todavía hay muchas de las mejores canciones pop de los 80 aquí.

Disco de la semana 250: Are you experienced? - The Jimi Hendrix Experience

Siendo solo un crío, mientras en la radio o en un equipo de música sonaba un tema de cualquiera de los grandes guitarristas del momento (Van Halen, Gary Moore, Steve Vai, etc) siempre me llamó la atención que, inevitablemente, en las conversaciones siempre salía la coletilla de "es muy bueno, pero como Jimi Hendrix no hay otro". Tanto tuve que escucharlo, que fue también inevitable que, en cuanto pude hacerme con un disco suyo, me lanzara a la "experiencia" de comprobar que era lo que aquel guitarrista, compositor y cantante estadounidense había ofrecido a propios y extraños, para que todos coincidieran en otorgarle el cetro dorado del rey de los guitarristas, a pesar de que su carrera profesional duró solo cuatro años.

Jimi Hendrix comenzó a tocar la guitarra a los 15 años. Su padre intentó que su hijo tocara la guitarra como los diestros, ya que el uso de la mano izquierda se asociaba con el diablo, y a los niños zurdos les obligaban a "corregirse" en la escuela. Aquella absurda práctica permaneció vigente hasta mis tiempos de colegial por lo que, como zurdo "corregido", sentí todavía más empatía e interés por la cabeza visible de The Jimi Hendrix Experience, y del disco con el que decidí descubrirle: Are you experienced? (1967). Se trataba de su álbum de debut, que tuvo versiones diferentes en Reino Unido y Estados Unidos. Afortunadamente, la que llegó a mis manos fue la versión estadounidense, ya que en el Reino Unido aún mantenían la costumbre de no incluir en los discos las canciones publicadas como single, y no habría sido la misma experiencia sin canciones como Hey Joe, Purple Haze o The Wind Cries Mary, temas clave de su discografía que llegaron al Top 10 del Reino Unido como sencillos.

Are You Experienced fue producido por Chas Chandler (bajista de The Animals) y se grabó entre los meses de octubre de 1966 y abril de 1967, a lo largo de dieciséis sesiones de grabación en tres estudios diferentes de Londres. Hey Joe fue el primer single publicado (con Stone Free en la cara B), y también la primera de las canciones que se grabaron. La banda encontró tiempo entre actuaciones para juntarse en los estudios De Lane Lea y abordar un tema acreditado a Billy Roberts en 1962, pero que para muchos se basa en una canción tradicional de las Montañas Apalaches. La versión de Hendrix, además de tener a Noel Redding al bajo y a Mitch Mitchell a la batería, contó con el apoyo vocal del grupo The Breakaways. Con la primera canción, comenzaron también los primeros conflictos entre Hendrix y el productor. Cuando éste le pidió que bajase el volumen de su amplificador, Hendrix amenazó incluso con abandonar Inglaterra, pero Chandler se mantuvo firme y le entregó el pasaporte para que se fuera, y entonces Hendrix se echó a reír diciendo: "OK, has visto mi farol"

Love or Confusion, con influencias orientales, fue uno de los temas que se grabaron en los estudios de CBS, porque Chandler buscaba una mayor calidad de sonido que la que habían conseguido con Hey Joe y los temas de De Lane Lea. De aquella nueva tanda de grabaciones salieron también Foxy Lady (Con toques de heavy metal, grabada en una sola toma salvo algunos overdubs, e inspirada en Heather Taylor, que después se casaría con Roger Daltrey de los Who) y Third Stone from the Sun (tema de spoken word en clave rock y con tramos cercanos al jazz, sobre un extraterrestre que, tras evaluar a los seres humanos, decide que la única solución es su completa destrucción). La gran cantidad de guitarras Marshall que Hendrix empleó para estas grabaciones y el nivel de ruido que generaban, fueron toda una experiencia para los tímpanos de los ingenieros de sonido del estudio.

​Tras desavenencias con el dueño del estudio de CBS, decidieron volver a los estudios De Lane Lea, dónde empezaron a trabajar en nuevos temas, que finalmente pulirían en los estudios Olympic, donde de nuevo el alto volumen de la guitarra de Hendrix generó problemas, esta vez con el vecindario. De aquellas sesiones saldría el segundo sencillo Purple Haze, el tema que abre la edición estadounidense del disco.​ La complejidad y extravagancia de sus arreglos, y los múltiples efectos de guitarra con los que experimentaron, hicieron de este tema una de las cimas creativas de la carrera de Hendrix, y una de sus canciones más celebradas y reconocibles, pero para la época se trataba de un sonido tan novedoso como extraño, lo que motivó que al enviar la cinta para la remasterización, tuvieran que indicar en el embalaje que la distorsión allí grabada era deliberada y no debía ser corregida. A menudo se relaciona la letra de la canción con un viaje psicodélico, pero Hendrix por entonces no había probado aún el LSD, y el propio autor dijo haberse basado en un sueño y en una historia de ciencia ficción sobre un rayo mortal de color púrpura.

Ya entrados en enero de 1967, grabaron The Wind Cries Mary, la gran balada del disco, compuesta después de una discusión con su novia, Kathy Mary Etchingham. Tiene ecos de Curtis Mayfield y del folk de Bob Dylan. La canción, que sería su tercer single, es todo un ejercicio de overdubbing, mezclando hasta cinco guitarras en lo que finalmente parece ser una sola. El presupuesto iba menguando, por lo que salvo los overdubbings de guitarra, el resto del tema es una única y primera toma. En esas mismas fechas, grabaron Fire, un tema al más puro estilo soul-funk, a partir de una versión en directo.​ De vuelta una vez más a De Lane Lea, grabaron Manic Depression y I don't live today, uno de los primeros temas en los que Hendrix juega con el feedback y su característico efecto de guitarra wah wah, combinados con una letra oscura que contrasta con la luminosidad tribal de su ritmo.

Después llegarían Highway Chile (que junto a Stone Free y 51st Anniversary acabarían siendo incluidas como temas extras en una edición posterior), May This Be Love (la otra balada del disco junto a The Wind Cries Mary) y Are You Experienced?, la pieza psicodélica y post moderna​ que dió nombre a un disco en el que la diversidad de estilos es la nota predominante, combinando de manera brillante y novedosa hard rock, folk, psicodelia, free jazz, blues y R&B, en una mezcla cruda y directa que tiene como hilo conductor las distorsionadas guitarras de Hendrix.

La relevancia de Are you experienced? es tal, que es uno de los discos incluidos en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por su enorme valor histórico y cultural. La revista Rolling Stone la situó en el puesto nº 15 de la lista de 500 mejores álbumes de todos los tiempos, e incluyó además cuatro de las canciones entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos (Purple Haze, Foxy Lady, Hey Joe y The Wind Cries Mary). ¿Y cuál fue mi veredicto tras aquella primera escucha? Mi opinión no es muy relevante, solo diré que coincide con la que de Horst Schmaltze, el ejecutivo de la discográfica Polydor al que Chandler entregó el disco, temeroso de cual fuera a ser su reacción ante una obra tan psicodélica y arriesgada. Horst escuchó el disco sin decir una palabra. Al finalizar la segunda cara, simplemente dijo: "Esto es genial. Es lo mejor que he escuchado jamás".

0324: Un sorbito de champagne - Los Brincos

 

Estamos ante la última gran canción de Los Brincos antes de que Juan y Junior dejaran la banda en 1966, tan bien les iban las cosas a Los Brincos que la noticia de su separación fue una bomba. Nadie se esperaba algo así. Los que conocían bien al cuarteto sabían que existían diferencias entre sus miembros, pero el gran público no estaba al tanto de nada, la crisis final de Los Brincos sucedió de forma muy rápida, no corrían buenos vientos entre los componentes de Los Brincos, porque existen entre ellos muchas divergencias. Se reprocha al grupo poca decisión para relanzar su carrera internacional, había un parte de integrantes que opinaban que los Brincos tienen que salir fuera, con todas sus consecuencias, a eso se suma que 'A mí con ésas', el último sencillo del conjunto supone un descenso en la capacidad de creación del cuarteto. Aun así Los Brincos habian conseguido entrar en el número treinta de las listas francesas y tienen grabadas, desde hace un año, una enorme cantidad de canciones. Pero el grupo se separó a finales de octubre del 66, las críticas crecieron tras su actuación en el festival de Benidorm de aquel verano, a raíz de lo cual Juan Pardo y Junior decidieron retomar las riendas del grupo a espaldas de su líder, Fernando Arbex. La maniobra fracasó, pues Arbex tenía registrada la marca Brincos, pero lo tenían decidido, sus carreras estaban fuera del grupo por las desavenencias con Fernando Arbex, e iban a formar el dúo Juan y Júnior, con la intención de conquistar el mercado internacional. Pero solo obtienen algunos éxitos y no de la dimensión de los que habían conseguido con Los Brincos ('Tres días', 'Anduriña', 'Nada', 'Bajo el sol'). Antes de separarse, Los Brincos rehacen la formación, Juan y Junior son sustituidos por Vicente Ramírez y Ricky Morales (hermano de Júnior). Más tarde, otro de los hermanos Morales, Miguel también estará con Los Brincos. Pero estos cambios despistan a las fans y las dividen. En los años setenta llega la separación. Fernando Arbex se dedica a la composición y a la producción. Organiza un grupo, Barrabás, que obtiene, por fin, un cierto éxito en las listas americanas. Los principales elepés del grupo son 'Los Brincos' (1966), 'Contrabando' (1968), 'Mundo, demonio y carne' (1970).baterista y líder del conjunto. Triste historia y final para el primer gran grupo del rock Español.

 

Un sorbito de champagne fue quizás su ultimo canto de cisne, una balada romántica, en la que se canta a un amor pasado difícil de olvidar. Un sorbito de champagne, canción que nunca se publicó en un LP, se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo y se situó en lo más alto de las listas de ventas del país. ​Fue número uno de la lista de Los 40 Principales la semana del 25 de julio de 1966. Se trata del segundo número uno de la lista en la historia, tras Monday, Monday y el primero de la historia en lengua castellana.

0323: Sunny Afternoon - The Kinks

Sunny Afternoon, incluida en el disco Face to face de The Kinks, es una canción hermanada en temática con el Taxman de The Beatles, denunciando los altos niveles de impuestos aplicados por el gobierno británico de la época. A diferencia del toque rockero y áspero de la canción de los de Liverpool, la canción de The Kinks da un giro hacia el music hall y el cabaret, una línea de progresión en la que profundizarían después en sus discos conceptuales más reconocidos (The Village Green Preservation Society, Arthur y, en menor medida, Lola vs. Powerman).

La canción nace en un momento en el que Ray Davies afrontaba una enfermedad pasajera. La sensación de sentirse mal y estar encerrado en casa sin hacer nada le llevó a escribir la letra, sobre un aristócrata en decadencia que se había peleado con su novia tras una noche de borrachera. La grabación del tema fluyó de manera rápida y sencilla, cuando el bajista empezó a tocar unos breves y divertidos ritmos clásicos, y Nicky Hopkins, que estaba tocando el piano en esa sesión, le siguió el juego al mando de las teclas, generando el embrión de lo que sería la desenfadada atmósfera musical de la versión definitiva.

El decadente y alcohólico aristócrata no estaba, a pesar de todo, exento de carisma. Lanzado como single el 3 de junio de 1966, Sunny Afternoon alcanzó el nº 1 de la listas de singles del Reino Unido y de Irlanda en poco más de un mes. En Estados Unidos no llegó tan alto, quedándose en un honroso puesto 14 del Billboard Hot 100. No está nada mal para la historia de un tipo sin horizonte ni esperanza, sumergido en el mar de la pereza en una tarde soleada.

0322 For What It's Worth - Buffalo Springfield

 

For What It's Worth, Buffallo Springfield

     El 5 de diciembre de 1966 la banda de rock canadiense - estadounidense Buffalo Springfield, formada por Stephen Stills (voz, guitarra, teclados), Neil Young (voz, armónica, guitarra, piano), Richie Furay (voz, guitarra rítmica), Bruce Palmer (bajo) y Dewey Martin (batería), publica su álbum debut de título homónimo, Buffalo Springfield. El disco es grabado bajo la producción de Charles Greene y Brian Stone entre los Gold Star Studios de Los Angeles, California y los Columbia Recording Studio en Holliwood, California. El disco es publicado por el sello discográfico Atco Records y llega a alcanzar el puesto número 80 en la lista estadounidense Billboard Top Pop Albums.

En marzo de 1967 se lanza una reedición del álbum donde se incluye la canción For What It's Worth, la cual había sido lanzada como sencillo por Atco Records el 23 de diciembre de 1966. La canción es grabada en los estudios Columbia Square de Hollywood, y logra posicionarse en el puesto número 7 en la lista Billboard Hot 100, por lo que se decide incluirla en dicha reedición del disco debut de la banda. 

La canción fue escrita por Stephen Stills, quien el mismo relata que se basó para escribirla en los disturbios del toque de queda ocurridos en Sunset Strip en West Hollywood, California, en noviembre de 1966. La canción, en pro de la contracultura, trata de reuniones de jóvenes que protestaban contra las leyes de toque de queda y el cierre de la discoteca Pandora's Box de West Hollywood. Stills no se encontraba allí cuando cerraron dicha discoteca, pero se enteró porque sus compañeros del grupo se lo contaron. Stills tenía en en mente escribir una canción sobre la situación de los niños en el sudeste asiático y de como la situación se desmoronaba. Pero aquel día según bajaba  caminando a Sunset desde su casa, y observó como una gran multitud de jóvenes habían organizado un funeral a modo de protesta frente al Pandora's Box por el cierre del mismo y contra las leyes del toque de queda. Luego observó como la policía antidisturbios se posicionaba al otro lado de la calle con sus cascos y sus escudos frente a un gran número de jóvenes que se encontraban de pie en la calle, de forma pacífica, sin realizar ningún tipo de acción violenta. Sin embargo, aunque aquellas manifestaciones habían surgido de forma pacífica, acabaron surgiendo problemas.  Fue entonces cuando Stills se preguntó "¿Por qué están haciendo esto?", por lo que decidió que la canción original que tenía en mente sería For What It's Worth, y trataría sobre estos sucesos en West Hollywood.

Los sucesos en los que Stills se basó para escribir la canción se sitúan a mediados de 1966, los residentes y las empresas locales de West Hollywood se habían quejado y presionado a las autoridades del condado por la forma en que los jóvenes iban a los clubes de música de la zona, ya que causaban grandes congestiones de tráfico y molestias de ruído a altas horas de la noche. Las autoridades decidieron entonces aprobar unas estrictas leyes que incluían el toque de queda en la zona a partir de las 10 de la noche. La multitud de jóvenes, que únicamente querían disfrutar de la música, sintieron que esas restrictivas nuevas leyes infringían sus derechos civiles.

0321: Yo soy aquel - Raphael

 

Nació el 5 de mayo de 1943 en Linares, Jaén, su nombre, Miguel Rafael Martos Sánchez todos le conocemos como Raphael. Con su familia, se mudó a Madrid con tan solo nueve meses de edad y empezó su carrera como cantante a los tres años, recibiendo el sobrenombre del “Ruiseñor de Linares” y “El divo de Linares”. Un año después se unió a un coro infantil y a los nueve años fue reconocido como la mejor voz infantil de Europa en un concurso de Salzburgo, Austria. Raphael empezó su carrera profesional cómo cantante con el sello discográfico Philips. Para distinguirse asimismo adoptó la grafía «ph» del nombre de la compañía y se «bautizó» como «Raphael». En 1962 ganó tres primeros premios del Festival Internacional de la Canción de Benidorm con las canciones Llevan, Inmensidad y Tu conciencia.

 

Yo soy aquel es una canción compuesta por Manuel Alejandro que interpretaba Raphael y fue con la que representó a RTVE en el Festival de la Canción de Eurovisión 1966. La canción alcanzó la séptima posición entre 14 participantes, habiendo recibido nueve puntos (5 de Portugal, 3 del Reino Unido y 1 de Yugoslavia). Su puesto no desmerece el éxito y popularidad que tuvo la canción durante aquel año, de hecho, fue el disco más vendido en España en 1966 en cifras absolutas, y es que esta canción de amor rasgado, hay que sumarle su gran presencia vestido de negro, su forma de retorcerse ante el micrófono girando la mano como quien desenrosca una bombilla eran motivos suficientes para calar en la sociedad de aquel momento

 

Puede resultar muchas cosas, pero lo que es indudable es su calidad vocal, unida a una gran capacidad histriónica y expresiva, han sabido conquistar al público de todo el mundo hispano por más de cuatro décadas y no solo al hispano, fue numero uno en Japon con el tema con el tema Escandalo, pero antes, el 25 de octubre de 1970 se presenta en el famoso "Show de Ed Sullivan", de la cadena televisiva estadounidense CBS, cantando en vivo en español, inglés e italiano, volviendo a aparecer en el mismo a los pocos meses. En 1967 cantó en el Madison Square Garden de Nueva York de la mano de Brian Epstein (manager de Los Beatles). Actuó en los teatros más importantes, como el Carnegie Hall de Nueva York, el Opera House de Sydney, el Bolshoi y el Rossia de Moscú, el Olympia de París, el Palladium de Londres, se puede decir que tras su paso por Eurovision Raphael fue la primera estrella española global. Pronto fue conocido en Italia, Francia, Alemania, Japón o Australia. . Y siempre será recordado con lo de Yo soy aquel que cada noche te persigue…., su canción más emblemática al igual que El tamborilero lo es de los especiales televisivos de Navidad.

 

La música en historias: The Head On The Door - #MesTheCure

 

The Head On The Door, The Cure

     En 1985 The Cure, formada en ese momento por Robert Smith (voz, guitarra, teclados), Simon Gallup (bajo), Lol Tolhurst (teclados), Porl Thompson (guitarra, teclados) y Boris Williams (batería, percusión), lanzan el sexto álbum de la banda, The Head on the Door, siendo el primer disco donde se presenta la banda como un quinteto. El álbum está marcado por el regreso a la banda de Simon Gallup. El guitarrista Porl Thompson, quien había tocado teclados y saxofón durante la gira anterior, llamada The Top, se convierte aquí en miembro oficial.

El disco es grabado en los estudios Angel Recording de Londres bajo la producción del líder de la banda Robert Smith y de David M. Allen, y publicado el 26 de agosto de 1985 por el sello discográfico Fiction en Reino Unido y por el sello Elektra en Estados Unidos. El álbum supone el primer gran éxito comercial de la banda y el espaldarazo definitivo hacia la fama, alcanzando el puesto número 75 en las listas de Estados Unidos, alcanzó además el Top 20 en numerosos países, y consiguió la certificación de oro en Estados Unidos, Reino Unido y Francia. 

En este disco Robert Smith, quien compone y escribe todas la canciones, da una nueva dirección musical a la banda, buscando un equilibrio entre el sonido más triste y oscuro de la banda con un sonido más comercial y bailable de estilo pop, mostrando la capacidad del cantante de usar ritmos más pop y bailables para expresar sus sentimientos de angustia. 

Para la composición de los temas que componen el álbum, Robert declaró haberse inspirado en los discos Kaleidoscope de Siouxsie & The Banshees y Dare de Human League. Robert tenía clara la dirección de su nuevo trabajo, quería un disco ecléctico con diferentes estilos, sonidos y estados de ánimo. 

El álbum abre con el que fue el primer sencillo del disco, In Between Days, convirtiéndose en un gran éxito internacional, siendo la  primera canción de la banda que conseguía meterse en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, y consiguiendo grandes cifras en Europa. Un tema donde las optimistas guitarras y el riff del sintetizador contrastan con unas letras que reflejan envejecimiento, pérdida y miedo. Tema que es un fiel reflejo del genial equilibrio de Robert para transmitir sentimientos tristes a través de pegadizas y algres melodías. Le sigue Kyoto Song, tema con un fuerte toque japonés, que refleja la idea de Robert de incorporar otros sabores internacionales, y que se verá reforzada con el aire flamenco de la guitarra en el tema The Blood. En Six Different Ways el cantante utilizó la línea de piano que había usado anteriormente para el sencillo Swimming Horses de Siouxsie & The Banshees. Cierra la cara A The Push, tema que presenta una geniales letras de corte psicodélico acompañadas por unas geniales guitarras.

Comienza la cara B con The Baby Screams, tema con una excelente línea de bajo donde Gallup se luce, y que precede a otro de los grande temas de siempre de la banda, Close To Me, un tema que curiosamente no tenían claro que fuera a ser definitivamente de la partida de álbum. No fue hasta que se puso Robert a grabarla y realizar las tareas de producción cuando sintió ese sonido claustrofóbico que cobró vida y que le hizo cambiar de opinión. Además de la versión para el disco se lanzaron dos versiones más, una extendida de 12" y otra más simple de 7". La versión del disco no contiene una parte incluida de la sección de metales que sí tienen las otras, que fue adaptada de una melodía tradicional, "La marcha fúnebre de Nueva Orleans". A Night Likes This, temazo de corte oscuro, uno de los puntos álgidos del disco donde Robert Smith nos regala uno de sus mejores lamentos escoltado por unas repetitivas guitarras que logran crear el ambiente, y que contiene además un brutal sólo de saxofón realizado a cargo de Ron Howe. Screw, quizás el tema más flojo del disc y que precede al último de esta cara y que se encarga de cerrar por tanto el álbum, Sinking, apostando por un sonido muy pesado del sintetizador, y donde Robert Smith juega con unas letras de corte introspectivo y muy oscuras. 

The Head On The Door es uno de los mejores trabajos de The Cure, y pone de manifiesto la habilidad de su líder, Robert Smith, para combinar esa oscuridad que rodea el aura de la banda con ritmos más frescos y alegres.

Grandes éxitos y tropiezos: El ultimo de la fila

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta cuarta visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hemos pensado en meter producto nacional, vamos en busca de alguno de los 7 discos de estudio de El último de la fila, el grupo Barcelones compuesto por Manolo Garcia y Quimi Portet que en la década que fue de 1985 – 1995 hicieron las delicias de muchos amantes de la música con sus ritmos rockeros con toques de tradición sureña.

 

Estás tardando en comprarlo:

“Como la cabeza al sombrero” (1988), sin duda el disco con el que llegaron a todos los rincones y a todas las emisoras del país, el reto lo tenían ahí delante y lo superaron con creces, tras sus dos primeros discos “Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana” y “Enemigos de lo ajeno” realizados cuando aún estaban buscando su lugar en la industria y un sonido que les desmarcaran del resto de grupos, un avispado manager vio que había material suficiente para dar una vuelta al sonido que estaban desarrollando, y en 1987 sacaron una especie de álbum recopilatorio donde les daban una nueva dimensión a su producto retocando los temas que ya habían editado. Aquel disco pegó fuerte, y tenían que confirmarlo, y su nueva entrega llegó en 1988 “Como la cabeza al sombrero” un auténtico crisol de sonido y sobre todo de sentimientos, canciones escupidas desde el corazón, increíblemente bien producido para los cánones de la época, es el disco en que las letras de Manolo y Quimi rayan a mayor altura, alcanzan un nuevo nivel sobre todo en “En los árboles” o en “Ya no danzo al son de los tambores”, que tienen influencias del romancero español y de las historias de marineros y piratas, respectivamente. De las melodías ¿qué se puede decir?, todas las canciones fueron hits potenciales y cada una con su esencia, ¿Cómo no estremecerte con los aires arábigos de “Sara”? ¿Y esa especie de rock-jazz que es “A veces si enciende”? ¿No te resulta imposible ponerte festivo con los acordes de “Piedra Redonda”? ¿Y el casi rock tenso de “Como la cabeza al sombrero” con ciertas reminiscencias a Joaquin Sabina?..... pero, sobre todo, el añorante dramatismo en el que te mete el ritmo en “Llanto de Pasión”.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Metidos en la rueda del éxito tras su último disco, hicieron un trabajo bastante estimable en “Nuevo pequeño catálogo de seres y estares” (1990), donde hacen un álbum lujoso y desbordante que se opone a la sobriedad registrada en “Como la Cabeza al Sombrero” y al que, en aquel tiempo, dobló en ventas. Teclados y sintetizadores pueblan un disco en el que vuelven a enchufar las guitarras después de una obra de corte más acústico como fue su anterior álbum, es cierto que pudieran caer en lo comercial, temas como “Cuando el mar te tenga” la cúspide en sus obras de radioformulas tiene un tufillo que echa para atrás, pero como contrapartida como no disfrutar de esa declaración de intenciones de “Músico Loco” o de la espiritualidad de “En mi pecho”, el dramatismo urbano y actual donde no existe la magia de “Barrio Triste” o la mística heroica de “Sucedió en la antigüedad”.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

“La rebelión de los hombres rana” (1995) es un absoluto despropósito, si eres muy fan de ellos, aun podrás encontrar ecos de su sonido, de su sensibilidad en temas como “Sin llaves” o “Uva de la vieja parra” pero su esencia ha desaparecido, la poesía es forzada. Después de esta aventura, los integrantes tomarán caminos separados y eventualmente volverán a juntarse para grabar versiones más añejas de algunas canciones, aunque con resultados menores. Para quienes los recordamos por los años mozos, la discografía de los barceloneses es esencial y cada uno de sus entregas es una parte de nuestra vida, solo por eso, La rebelión de los hombres rana es un punto final que se deja escuchar, sin más. Si estas buceando en ellos por primera vez… Huye de este disco.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.      Llanto de pasión

2.      Son cuatro días

3.      Ya no danzo al son de los tambores

4.      Músico loco

5.      Mar antiguo

0320 7 and 7 Is - Love

 

0320 7 and 7 Is - Love 

7 and 7 Is es una canción escrita por Arthur Lee y grabada por su banda Love el 17 y 20 de junio de 1966 en Sunset Sound Recorders en Hollywood, fue producida por Jac Holzman y diseñada por Bruce Botnick

La canción fue lanzada como la cara A del single de Elektra en julio de 1966. La cara B era "No Fourteen", una toma de las grabaciones anteriores de la banda, "7 and 7 Is", que entró en la lista Billboard Pop Singles el 30 de julio. 1966, alcanzó el puesto 33 durante una carrera de diez semanas y se convirtió en el sencillo de mayor éxito de la banda. La grabación también apareció en el segundo álbum de la banda.

Al describir cómo compuso la canción, Arthur Lee dijo: "Estaba viviendo en Sunset y me desperté temprano una mañana,toda la banda estaba dormida, fui al baño y escribí esas palabras. las canciones solían venir a mí justo antes del amanecer, las escuchaba en sueños, pero si no me levantaba y las escribía o si no tenía una grabadora para tararear". 

En una entrevista de 1989, Arthur Lee declaró que él mismo le enseñó a Alban Pfisterer cómo interpretar el papel, y que el disco final presentaba a Alban Pfisterer en lo que se ha descrito como un "coqueteo", la canción culmina en una explosión apocalíptica - el supuesto sonido de una bomba atómica - antes de una conclusión pacífica, en forma de blues, que luego se desvanece aunque muchos oyentes pensaron que la explosión al final de la canción era una unidad de reverberación que se estaba pateando, fue (según el ingeniero Bruce Botnick en el libro "Forever Changes"), en realidad, esos efectos son tomado de un registro de efectos de sonido. 

Él especuló que era una grabación de un disparo ralentizado, para presentaciones en vivo, la explosión fue reproducido pateando una unidad de reverberación, el crítico musical Robert Christgau llamó a la canción un rockero perfecto. 

Daniel
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0319 You're Gonna Miss Me . 13th Floor Elevators

 

You are Gonna Miss Me, 13th Floor Elevators

     Turno para la banda de rock psicodélico de Austin, Texas (Estados Unidos), 13th Floor Elevators, formada y liderada por el vocalista y guitarrista Roky Erickson. Esta considerada como  la primera banda que se refirió a su música como rock psicodélico. En 1966 la banda debuta con su primer álbum: The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, haciendo referencia ya en el título a su sonido psicodélico. El disco es grabado en los Sumet Sound Studios de Dallas, Texas, publicado el 17 de octubre de 1966 bajo el sello discográfico International Artist, y producido por el productor y ejecutivo discográfico Lelan Rogers.

El sonido de la banda incluye elementos de psicodelia, hard rock, garage rock, folk y blues. Incluido en este álbum debut encontramos el que supuso a la postre el gran éxito del grupo, You're Gonna Miss Me. El tema fue lanzado como sencillo en enero de 1966 por el sello discográfico Contact Records y alcanzó un más que meritorio puesto número 55 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos a pesar de una mala gestión y distribución por parte del sello discográfico. 

Para la grabación del tema se uso el instrumento casero conocido como jarra instrumental, y durante todo el proceso de grabación la banda estuvo bajo los efectos del ácido, la droga alucinógena. La canción, compuesta por Roky Erickson, trata sobre una mujer que tras su separación está haciendo daño al cantante, pero él se jacta de que al final ella "le va a a extrañar y echar de menos" cuando pase tiempo de su separación. Un significado alternativo hace referencia a las ausencias prolongadas lejos de su familia del compositor Roky. El compositor reconoció en su momento que hubo tres canciones que influyeron en la composición de la canción, I Don't Mind de James Brown, Early in the Morning, y la grabación menos conocida   de Muddy Waters, You're Gonna Miss Me.

0318 Good Vibrations - The Beach Boys

0318 Good Vibrations - The Beach Boys 

Good Vibrations es una canción del año 1966 del grupo de rock estadounidense The Beach Boys, la cual fue compuesta por Brian Wilson y su letra es de Mike Love. 

Se publicó como sencillo en octubre de 1966 y fue un éxito comercial, encabezando las listas de éxitos en varios países, y sobre todos en los Estados Unidos y el Reino Unido.

Caracterizado por sus complejo sonido,  fue el sencillo más costoso jamás grabado por la banda. Por ello Good Vibrations fue ampliamente reconocida como una de las mejores y más importantes obras de la era del rock.

Good Vibrations determinó una nueva forma de crear música, en lugar de canciones enteras con estructuras sintácticas claras a gran escala, el autor  se limitó a grabar fragmentos cortos e intercambiables. Mediante el método de empalme de cintas, cada fragmento podía ensamblarse en una secuencia lineal, lo que permitía producir posteriormente cualquier número de estructuras más grandes y estados de ánimo divergentes Este fue el mismo enfoque modular utilizado durante las sesiones para Smile y Smiley Smile. 

La producción de Good Vibrations abarcó más de una docena de sesiones de grabación en cuatro estudios diferentes de Hollywood, en una época en la que la mayoría de los singles pop se solían grabar en uno o dos días. 

Se dice que se utilizaron más de 90 horas de cinta magnética, con un presupuesto final estimado en decenas de miles de dólares, lo que lo convierte en el single más costoso grabado hasta la fecha. 

Una estimación de los gastos generales de producción es de entre 50.000 y 75.000 dólares (equivalente a 400.000 y 600.000 dólares en 2020), En comparación, la totalidad de Pet Sounds había costado 70.000 dólares (560.000 dólares), en sí mismo un coste inusualmente alto para un álbum. 

Daniel 

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The Top - The Cure #MesTheCure

 

Pornography fue un hito absoluto, tanto para el grupo como para el panorama musical, y eso había pasado factura, después de dos años largos The Cure finalmente volvió para lanzar su tan esperado siguiente disco, la banda volvia a ofrecernos un nuevo trabajo o más bien, sería más exacto decir que su líder siempre presente y el único que ha permanecido siempre en el grupo, Robert Smith, volvia a dar el callo. Y era algo maravilloso tener de nuevo un LP con el nombre de The Cure, pero esto es poco más que un álbum de Cure solo de nombre, en palabras de Smith, el "álbum en solitario que nunca hice, es responsabilidad mia” asi podemos encontrar algo de la música más brutal, fea, amarga, enojada, maníaca e intransigente de The Cure que la banda (¿Robert Smith?) había hecho. El álbum es complicado, os advertimos desde aquí, y mas si no eres un fan absoluto de los chicos de Crawley, quizás puedas encontrar refugio en The Caterpillar una canción de amor extraña y caprichosa, pero también delicada y bonita, aunque surrealista, esta canción no debería haber sido una gran sorpresa, por supuesto, para aquellos que habían escuchado The Glove's Blue Sunshine y / o las canciones posteriores de 1983 Cure, con las que  comparte su fantasía psicodélica y distorsión de modismos populares. Su extraordinaria introducción, que comienza con una nota de piano baja con altas disonancias chirriantes en el mismo instrumento. Pero esta canción es totalmente inusual en The Top en su conjunto, y desafortunadamente esto en sí mismo es el defecto fundamental del álbum.

Abre el álbum "Shake Dog Shake" un tema bastante bueno, abriendo el álbum y que nos regala una buena cantidad de energía, estamos ante una de las canciones más ruidosas y angustiosas, que desarrolla una inquietud en tu mente a base de golpes y reverberación en la voz de Robert Smith, sin darte cuenta eres testigo del desconcertante estado psicótico de Robert, el psicópata cargado de graves, una combinación perfecta para la alarmante filantropía y el auto-disgusto, una rareza muy jodida, y sin embargo, es un éxito tan grande que han continuado incluyendala en sus conciertos desde que vio la luz. “Bird Mad Girl” es más moderada y melancólica hasta el punto que puede resultar más interesante en todos los aspectos, ya que recibimos y agradecemos un poco más de calidez y melodía, con una línea de bajo alegre, casi bailable, un atractivo riff de guitarra acústica rasgueada, contramelodías de teclado, el ramalazo más pop y brillante que podremos encontrar en este álbum. “Wailing Wall” transmite esta sensación de oscuridad y sufrimiento, es un punto culminante en el album, con su ominoso pero hipnótico tamborileo, sirenas de teclado y melodías grandiosas y claramente moriscas que se desvanecen desde la breve y brumosa introducción, evocando un estado de ánimo de misticismo fatal pero magistral. Podemos estar ante uno sus ritmos más inventivos hasta la fecha, al convertirse en un ominoso zumbido de ruidos inescrutables, que la vuelve aún más enigmática. “Give Me It” representa la ruptura definitiva y el grito desesperado de ayuda de Smith y una liberación de su tormento: lo más cerca que se acerca este álbum a la veloz energía punk de la era de los Three Imaginary Boys, pero mucho más frenético, neurótico, intenso y paranoico que cualquier otra cosa de aquel período, con sus gritos, remolinos nauseabundos de guitarra, tambores frenéticos, coros vocales que se gritan más que se cantan y un saxofón estridente que de vez en cuando emerge entre todo el estruendo. “Dressing up” es extraña, es darte de bruces con The Cure en modo synthpop, no es que sea de sus mejores canciones pero agrada el oído después de la tormenta anterior y se desliza dulcemente en teclados gomosos, flautas falsas y un Smith que suena a hada.

 

 

La segunda cara empieza con el único single oficial que sacaron del disco “The Caterpillar”, uno de sus experimentos pop más entrañables e ingeniosos, y también para el que escribe, la mejor canción del disco. Caprichosa y hermosa, la canción nos entrega un pop psicológico de la manera en que solo The Cure puede hacerlo, esa melodía tan cursi solo podría ser ellos y salirle tan bien, añade una intro totalmente fuera de lugar de pianos en cascada, tambores silenciados y violines disonantes. Llegamos a “Piggy in the Mirror”, Robert continúa con sus intentos de expandir su rango vocal, pero sinceramente, la jugada no le sale muy bien, no logra nada, es la primera y única canción que realmente quedas con la sensación de que sobra, por lo que no vamos a ahondar más en ella. “The Empty World”, es flojita pero en cambio es agradablemente pegadiza, con una letra engañosamente oscura, como tantas veces en The Cure, la voz triste de Robert es acompañada por una melodía de flauta folclórica irónicamente optimista sobre un ritmo militar. 

“Bananafishbones” nos da la oportunidad en reparar en la inquietante forma en que utiliza principalmente los registros externos, combinando una floritura de armónica introductoria, un riff de órgano agudo dominante, una línea de guitarra eléctrica y más coros de falsete, con una parte de teclado grave y retumbante aderezado con una batería que suena ligeramente borracha pero resulta, el motico de incluirla quizás sea un ligero guiño al período gótico de The Cure. Cerramos con “The Top”, que contiene una atmósfera pesada, la voz de Robert se llena de pavor y un ritmo lento y melancólico nos va envolviendo, y un mensaje sobre su loca vida inducida por las drogas o la confusión de la banda que se desmorona. Una canción de libro de The Cure por si acaso pensábamos desviarnos.

0317: Green Green Grass of Home - Tom Jones

Green, Green Grass of Home es un tema country escrito por Claude "Curly" Putman Jr., que fue grabado por Johnny Darrell por primera vez en 1965. Obtuvo cierta popularidad ese mismo año en una versión de Porter Waggoner, e incluso fue grabada por Jerry Lee Lewis para su disco Country Songs for City Folks, pero fue la versión de Tom Jones en 1966 la que pasó a la posteridad. Impresionado por la escucha de la canción de Jerry Lee Lewis, decidió grabarla y alcanzó con ella el nº1 de las listas del Reino Unido, dónde permaneció durante siete semanas.

La letra describe la vuelta de un hombre al hogar de la infancia, al que no había vuelto desde mucho tiempo atrás, y el reencuentro con sus padres y su amor de juventud, que le reciben emocionados en la estación de tren. La canción narra después un paseo con su amada hasta "el viejo roble en el que jugaba", sintiendo la emoción del contacto con "la hierba verde, verde del hogar". De repente, todo parece ser un sueño, del que despierta entre "cuatro paredes grises" de la celda de la prisión en la que se encuentra recluido.

La vida real es, en contraposición al sueño, una auténtica pesadilla, porque el hombre despierta justo el día programado para su ejecución, a la que asiste con tristeza y amargura su padre, que regresará después a casa, "a la sombra de ese viejo roble, para recostarle bajo la verde y verde hierba del hogar".

0316: Gimme Some Lovin' - The Spencer Davis Group

Capitaneados por los hermanos Winwood (Steve y Muff) y con la inestimable colaboración de Spencer Davis quien daba nombre al grupo porque entre todos los componentes decidieron que él fuera la cabeza visible del grupo ya que era el único que disfrutaba dando entrevistas, The Spencer Davis Group fue una banda británica formada en Birmingham fundada en 1963 y que en su corta carrera publicaron cuatro Lp’s el ultimo días antes de que su principal valedor, Steve Winwood decidiera abandonar este proyecto para embarcarse en Traffic, y si bien el grupo sigio adelante con cambios de componentes, su época gloriosa la podemos enmarcar cuando Winwood permaneció en el grupo.

 

Gimme Some Lovin' fue escrita por Steven Winwood a la edad de 17 años, y cuentan entre risas y asombro que la hizo en tan solo 10 minutos, dicen que las mejores canciones casi se escriben ellas mismas. Roy Orbison afirmó que Oh, Pretty Woman le llevó media hora. A Tony Iommi se le ocurrió el riff de Paranoid mientras el resto de Black Sabbath estaban almorzando. Keith Richards supuestamente soñó (I Can't Get No) Satisfacción en una habitación de hotel de Florida. Windwood había nacido para esto y estaba tocado por la magia… Dame algo de amor, gritaban, este tema es una gota de agua fría que te sacude la mente, dispuesta a refrescarte, arrastrándose como un hielo que recorre tu cuerpo, su sonido logrará que olvides el calor y se extravíen en sus acordes. Arranca con un punteo de bajo, constante y desafiante, la batería entra sin grandes aspavientos, pero manteniendo un ritmo imprescindible. Entonces es cuando llega el Hammond, haciendo acto de presencia Steve Winwood con vigor y descubriéndonos la melodía que tantas veces hemos escuchado, notas que han resonado en nuestros cerebros en un sinfín de ocasiones…. Y cuando todos están a tope, confirmando que tienes delante un verdadero temazo, entra en escena la voz de Spencer Davis, posee nervio, elegancia y un registro propio que pocos pueden presumir de ellos. No es poco que en aquellos turbulentos años sesenta londinenses Gimme Some Lovin´ llega al número 2 de las listas británicas y al siete en los Estados Unidos, sufriendo, como era habitual para la época, una edición distinta a cada lado del Atlántico: más reposada la de aquí, mucho más desbocada la de allí. El regusto negroide de la canción no es ni mucho menos casual ya que, como la mayoría de músicos británicos, el Spencer Davis Group bebía en las fuentes de la música negra americana de la que recibía más que influencia e inspiración, de hecho el riff básico de la canción estaba basado en el tema (Ain't That) a Lot of Love de un cantante y compositor negro llamado Homer Banks que años más tarde escribió cosas para los Staple Singers y Elvis Costello, pero que no vio ni un penique de su aportación a uno de hits más importantes del “British Rhythm & Blues”. La canción ha sido multitud de veces versionada, y ha aparecido en multitud de películas, la disfrutamos en la BSO de “Días de Trueno” (Tony Scott, 1990), o con los Blues Brothers en “Granujas a todo ritmo” (John Landis, 1980). Pero además es protagonista de escenas claves como en Slepeers o Nothing Hill, está claro que es una canción que ha calado muy profundo.

Disco de la semana 249: 2112 - Rush

 

2112, Rush

     El 1 de abril de 1976 los candienses Alex Lifeson (guitarra), Geddy Lee (voz, bajo, teclados) y Neal Peart (batería), o lo que es lo mismo, el grupo Rush, publican su cuarto album de estudio, 2112, para mí una de sus operas primas. El álbum es grabado en lo estudios Toronto sound de Toronto, Canadá, bajo la producción del propio grupo y del británico Terry Brown. El disco llega a alcanzar un más que notable quinto puesto en las listas de ventas candienses. Y en Estados Unidos llega a alcanzar el puesto número 61 en la lista Billboard Top Lps & Tape, consiguiendo además la certificación de oro en dicho país. Pero para el grupo llegar hasta aquí no iba a ser fácil, ni mucho menos...

El grupo ha editado ya tres discos de estudio y tiene serios problemas financieros, de hecho, su sello discografico, Mercury Records, quiere dejarlos abandonados a su suerte. Sin embargo, el mánager de la banda Ray Danniels consigue que la discográfica les de una última oportunidad y les concede la grabación de otro álbum, pero a cambio les exige que graben para éste un material más comercial y accesible. Lejos de arrugarse, Lifeson, Lee y Peart deciden que esa última oportunidad sea para reafimarse y seguir evolucionando con su sonido pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. 

Abre la cara A del álbum, 2112, tema que con sus poco más de 20 minuos es el único corte de esta cara. Estamos ante una auténtica joya, no sólo del disco, también de toda la discografía del grupo canadiense. La letra del tema está basada en a novela Himno del novelista judio-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos relata una historia ambientada en la ciudad imaginaria de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que resien en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuenta simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum. La canción, como si de una suite se tratase, está dividida en siete partes: Obertura, la introducción al año 2112 que comienza con la letra "y los humildes heredarán la terra...", referencia a los pasajes de Libro de salmos 37:11 y San Mateo 5:5; Los Templos de Syrinx, que trata de los templos y los sacerdotes que los habitan; Decubrimiento, que relata el decubrimiento por parte de un hombre de un antiguo artilugio que en realidad es una guitarra; Presentación; que relata como presenta este antiguo artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino, el de la música; Oráculo, donde el hombre vuelve a la cueva de la que salió y durmiendo sueña con que el Oráculo o raza mayor lo lleva de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; Soliloquio, el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y su única esperanza de evadirse de este control es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y Gran Final, que deja paso al cierre del tema con un gran final instrumental. En defintiva: más de 20 minutos de puro éxtasis progresivo.

Abre la cara B A Passage To Bangkok, canción que habla sobre la marihuana, Como Lifeson afirmaría más tarde, es un pequeño y divertido viaje por todos los lugares del mundo donde se cultiva la mejor "hierba": Bogotá, Acapulco, Marruecos, Bangkok, Katmandú o Nepal. Para el título de la cancion Neal Peart se basó en la novela A Passage To India de E. M. Forster. The Twilight Zone, el baterista Neal Peart era un gran fan de la serie de televisión The Twilight Zone, y se basó en dos episodios de dicha serie para ecribir la canción, el episodio 28 de la temporada 2, que se desarrolla en un restaurante y que se centra en el tolerante contador de tres ojos, y el episodio 30 de la temporad 5, que trata sobre una pareja que se va de fiesta y se emborracha y al día siguiente despiertan en una casa vacía y al mirar hacia arriba ven a un niño gigante que les guiña ojo. Se han convertido en los juguetes del pequeño niño. Lessons, aunque Neal Peart es el responsable de la mayoría de las letras desde su llegada, esta es una de las únicas canciones escritas y compuestas únicamente por el guitarrista Lifeson. Turno para la romantica balada Tears, tema con el que la banda quería dotar al disco de más variedad y profundidad. Esta es la pimera canción donde el grupo incorporaráel sonido de un Mellotron. Cierra la cara B y por tanto el disco Something For Nothing, tema que explora las ideas de la libertad y el libre albedrío. Para escribir la letra Neal Peart se inspiró en unos grafitis que vió en una pared cuando se dirigía de camino a un concierto al Shrine Auditorium en Los Angeles. Dichos grafitis contenían frases como "Freedom ins't for free" (La libertad no es gratis), y decidió adaptarlo para la canción.

Al igual que en la suite de más de veinte minutos que abre el disco, los chicos de Rush decidieron no seguir las imposiciones de los Sacerdotes de la discográfica y gracias a su empeño y rebeldía nos regalaron esta joya de disco llamada 2112.

0315 Lilac Wine - Nina Simone

 

Lilac Wine, Nina Simone

     El 16 de septiembre de 1966 se publica el sexto álbum de estudio de la gran Nina Simone, bajo el título Wild Is The Wind. El disco es publicado por el sello Philips Records y consiste en una compilación de varias grabaciones que se habían realizado entre 1964 y 1965 para álbumes anteriores y que se habían quedado fuera. El disco fue producido por el compositor y arreglista estadounidense Hal Mooney. En el año 2020 la revista Rolling Stone la situó en el puesto número 12 de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone", fue calificado como el quinto mejor álbum de la década por Pitchfork, y también fue incluido en los "101 álbumes de Robert Dimery que debes escuchar antes de morir".

Incluido en este álbum se encuentra la canción Lilac Wine, compuesta y escrita por el conocido compositor y escritor estadounidense de Broadway de los años 30 James Shelton en 1950. La letra nos cuenta la angustia de perder a un amante y tener como único consuelo el vino hecho de un árbol de lilas, centrándose en el felíz olvido que se logra al caer bajo los efectos del vino. La canción fue inspirada a partir de una situación que aparece en la novela de 1925 Sorrow in Sunlight, del novelista inglés Ronald Firbank, en la que el personaje principal, Miami Mouth, aparece en una fiesta ofreciendo "un vino ligero, lila, dulce y embriagador".

La canción, además de Nina Simone, también ha sido grabada por multitud de artistas, incluidos Eartha Kitt, Helen Merrill, Katie Melua, Jeff Buckley, Clare Maguire, Jeff Beck, John Legend, Miley Cyrus y The Cinematic Orchesta entre otros, pero la única versión que obtuvo un auténtico éxito fue la realizada por Elkie Brooks en 1978.