0138: Till There Was You - The Beatles

 

Till There Was You, The Beatles

     Till There Was You es un tema compuesto por Meredith Willson, famoso flautista, compositor, director, arreglista musical, director de orquesta, dramaturgo y autor estadounidense, y fue grabado por The Beatles e incluido en su segundo álbum de estudio para el Reino Unido, With The Beatles, y en en su disco Meet The Beatles en 1964 para Estados Unidos. El tema fue escrito originalmente por Meredith Wilson para su famoso musical de 1957 The Music Man. 

El tema fue grabado por el grupo en sendas sesiones de grabación efectuadas los días 18 y 30 de junio de 1963 en los EMI Studios de Londres. La versión de los Beatles es interpretada por Paul McCartney, y es acompañado por George Harrison y John Lennon en un duelo de guitarras acústicas tocadas en un estilo español sobre un ritmo de bossa nova imprimido por Ringo Starr. 

El grupo había cantado Till There Was You como parte de su fallida audición para la discográfica Decca Records en Londres el 1 de enero de 1962. El tema fue uno de los cinco, concretamente el segundo, que el grupo interpretó en su primera aparación para el famoso programa de televisión de Estados Unidos Ed Sullivan Show, el 9 de febrero de 1964. El fenómeno de la Beatlemanía acababa de llegar a Estados Unidos, y este era el único de los cinco temas que no era por entonces uno de sus éxitos. Incluyeron el tema, dentro de una estrategia, para atraer a una audiencia mayor que en ese momento estaba sintonizando y viendo el programa. 

La viuda de Meredith Willson, el compositor de Till There Was You, declaró sobre este tema, que le habían reportado muchísimos más ingresos a la herencia de su marido, las regalías de la grabación de los Beatles que la grabación original incluida en The Music Man. 

Un pais, un artista: Lituania - Alina Orlova

Alina es de ascendencia polaca (padre) y rusa (madre). Su padre, un polaco lituano, nació en Lituania y su madre en Voronezh. Más tarde, sus familias se trasladaron a Kazajstán y vivieron en la misma casa. Después del matrimonio se trasladaron a Lituania, a la ciudad de Visaginas que daba servicio a la central nuclear de Ignalina, donde el padre de Alina fue a trabajar. La ciudad tenía una población predominantemente rusa, la familia de Alina hablaba ruso, pero Alina y su hermano fueron enviados a la única escuela de habla lituana de la ciudad. Cuando se le preguntó sobre su origen étnico (en 2010), Alina dijo que definitivamente no se sentía lituana o rusa, pero que su mentalidad era definitivamente báltica. En su infancia fue a una escuela musical especial y tocaba el piano.

Orlova compone sus propias canciones y realiza versiones de versiones de otros músicos. Por lo general, actúa en tres idiomas: lituano, ruso e inglés. La fama de Orlova precedió a su primer álbum de estudio cuando recibió un premio de música alternativa A.LT en su país de origen, mientras que al mismo tiempo también fue nombrada "Revelacion del año 2006". Su canción Nesvarbu fue votada por los lectores de la popular revista juvenil lituana Pravda como el mejor debut del año.

El primer album de Alina no es oficial, "publicado" en 2005 es simplemente una serie de demos, acytuaciones y versiones en vivo de sus canciones. Ya en 2008 salió a la venta Laukinis Šuo Dingo el primer álbum de estudio de la cantante lituana. El título del álbum está tomado de la obra homónima de Ruvim Fraerman, pero el título contiene un juego de palabras: su traducción exacta del lituano es "The Wild Dog is Lost" (mientras que el título del libro de Fraerman sería más correcto para escribir en lituano como Laukinis šuo dingas). La mayoría de las composiciones del álbum se interpretan en lituano, pero la cantante cantó dos canciones en ruso (Sleep and Tired Sun) y varias en inglés (Twinkle, Twinkle Little Star; Love Song; Transatlantic Love) en él Orlova escribe los poemas más maravillosos, tuvo la suerte de nacer con una hermosa voz. "Laukinis šuo dingo" es un álbum imperfecto, algo ingenuo, pero sorprendentemente tierno y conmovedor, lleno de una especie de tristeza frágil y ligera, como una despedida del verano o de la infancia. 

En 2010 publica Mutabor y se basa en el cuento de Wilhelm Hauff "La historia de la cigüeña califa". "Mutabor" es un hechizo mágico mediante el cual una persona puede convertirse en cualquier animal. Alina Orlova comenta el título del álbum de la siguiente manera: “Me gustan las transformaciones, esta es una forma de perder la paciencia. Siempre hay transformaciones en la vida, esto es movimiento ".El álbum se presentó el 9 de septiembre en el club Cosmonaut de San Petersburgo y el 10 de septiembre en la Casa Central de Artistas de Moscú. Presenta una composición más madura y arreglos más sofisticados y profesionales. Donde en "Laukinis šuo dingo" solo hay un piano desnudo, solo ocasionalmente acompañado por violines estridentes, aquí hay arreglos de estudio completos; Aparecen tambores (en "Laukinis" presentado solo en forma de un loop de batería sin pretensiones pero inesperado en "Slepynes"), Orlova (o su productor) no desdeña los efectos especiales electrónicos - como resultado, las comparaciones se vuelven inevitables no solo con Tori Amos y Regina Spektor, pero y con, por ejemplo, Bjork o Kate Bush y realzado por letras surrealistas y una dirección general de fantasía freak-folk. El sabor "eslavo" se ha desvanecido y casi ha desaparecido; por el contrario, el álbum salió con un sentimiento muy "europeo" parece que podría ser un album procedente de Francia o Suecia. En una palabra, si "Laukinis šuo dingo" es la actuación amateur de una chica tan dulce, conmovedora por su ingenuidad e imperfección, entonces "Mutabor" es una obra completamente pensada y profesional. ¿Es esto bueno o malo, y la música de Alinina ha perdido algo de su encanto, junto con esa espontaneidad tan ingenua? No lo sé. Pero el disco es bastante decente.

En 2015 publica 88, en este álbum, la música pop electrónica ha reemplazado el sonido acústico habitual. El álbum incluye diez canciones completamente nuevas en tres idiomas: inglés, lituano y ruso, y Alina hizo la portada ella misma. "88" es un número que simboliza el año de nacimiento de Alina y el doble infinito. En el tercer disco, la chica empezó a sonar más de moda, y, sin embargo, Alina, tal vez, no encaja realmente en este sistema en bucle; tal vez sea más un sentido "bjork": hágalo usted mismo, su propia personalidad como el prisma principal de la creatividad, etc. solo que esta personalidad es bastante común, por supuesto, agradable, dulce, probablemente llena de méritos, pero aún así bastante predecible, y esta eterna pregunta incómoda: ¿puede la música ser simplemente acariciar melodiosamente tus oídos y engrosar tu cerebro? 

Amanecer publicado en 2018 estuvo acompañado de un largo período preparatorio. “Mi nuevo álbum es el punto. Con ellos quiero cerrar mi "ciclo juvenil", que me lleva desde hace una década. - dice Alina. - Siento que este período ha pasado. Tienes que hacer algo nuevo. O hazlo de otra manera. O de alguna manera cambiar tu vida por completo ".

0137: All my loving - The Beatles

Incluida en el álbum "With the Beatles" de 1963, All My Loving es una composición inicial de Paul McCartney (al parecer se le ocurrió mientras se estaba afeitando, y trabajó después al piano la melodía que se le había ocurrido), que por el acuerdo entre los dos grandes compositores principales de The Beatles, y la colaboración posterior de John Lennon en el desarrollo de la versión final de la canción, apareció firmada por Lennon & McCartney como el resto de canciones de uno u otro para el grupo.

El propio John Lennon comentó en una entrevista que "por desgracia, Paul escribió All my Loving". El motivo de la desgracia de Lennon era que la canción le pareció muy buena, pero se consoló aportando ideas y partes de guitarra a la composición de McCartney.

Durante la grabación del tema en los estudios de Abbey Road, que requirió de hasta once tomas hasta dar con la versión definitiva de la canción, George Harrison aportó el solo de guitarra, y John Lennon las líneas de fondo de guitarra rítmica, a un tema que McCartney imaginó inicialmente en clave country-western, pero que vio la luz finalmente con un sonido más asequible para el gran público, y jugando con el concepto de "carta canción" que ya los Beatles habían utilizado en "P.S. I love you".

0136: It Won't Be Long - The Beatles

 

It Won't Be Long, The Beatles

     El 22 de noviembre de 1963 The Beatles publican para el Reino Unido su segundo álbum de estudio, With The Beatles. Dicho disco supone un avance tanto en la producción del disco como en las capacidades musicales y vocales de los chicos de Liverpool.

Incluido en el álbum se encuentra It Won't Be Long, tema compuesto por John Lennon, y acreditado como era habitual al propio Lennon y a McCartney. El tema es grabado en una sesión de grabación que se efectuó en dos partes, una por la mañana y otra por la tarde, efectuada por el grupo el 30 de julio de 1963 en los EMI Studios de Londres. 

John Lennon, en la letra, realiza un juego de palabras entre be long (mucho tiempo) y belong (pertenecer). En el tema ya se empiezan a incluir marcas de la casa del grupo, como la llamada y respuesta en forma de "yeah-yeah", y los riffs de guitarra escalonados. 

En una entrevista concedida por John Lennon para la revista Playboy en 1980, afirmó sobre esta canción, que después de que un crítico musical del London Times comentara que It Won't Be Long incluía "cadencias eólicas", la popularidad del tema había aumentado, ya que atrajo a un grupo de público inteligente. También afirmaba que hasta ese día, todavía no sabía lo que era una cadencia eólica. El eólico es también como se conoce a la escala menor natural.

La música en historias: Burn - #MesDeepPurple

 

La música en historias: Burn - #MesDeepPurple

La banda Deep Purple estaba en lo más alto de su carrea, cuando los ánimos internos no eran los mejores, lo que desencadeno que Ian Gillan y Roger Glover dejaran la banda, así que la banda se quedaría con dos perdidas y una de ellas su vocalista.

Esto abría una pregunta, como continuar luego de los éxitos de In Rock, Machine Head y Made in Japan, los integrantes que seguirían en la banda, Ian Paice (batería), Jon Lord (teclados) y Ritchie Blackmore (guitarra), deciden unir a la banda a David Coverdale (quien luego formaría la banda Whitesnake) y a Glenn Hughes (bajista).

Con una banda renovada, el nuevo quintero se puso a grabar a fines de 1973, que estuvieran a la altura de todos los álbumes que ya eran un mito para la banda.

Los nuevos integrantes de la banda sumarian al estilo hard rock de Deep Purple, voces más blues de David Coverdale, y el soul de Glenn Hurghes, estos nuevos estilos harían corto circuito en la creación de un nuevo disco, pero Deep Purple lograría en noviembre de 1973 acabar con ochos canciones que finalmente se editarían en febrero 1974, y saldría a la luz el álbum Burn.

Burn se convertiría en el octavo álbum de la banda británica, y el primer tema del álbum será Burn tema que dio nombre al álbum, un tema rapidísimo en un riff de guitarra épico y duro, donde los vocalistas cambian voces, la batería suena con fuerza, comenzar con un tema así, hace un muy bueno inicio de álbum que da gusto escuchar.

La banda avanza con un funk en su segundo tema Might just take your life, que salió como un single ese mismo año, donde se destaca la voz y los estribillos de la canción, vuelve el toque funk que se mezcla en el tema Lay down, stay down, volviendo a tener el ritmo de la primera canción de álbum, la parte central del tema con el piano, el ritmo y las voces, sumando las voces de Glenn y David, convierte a uno de los temas favoritos de la banda en posteriores giras.

El álbum Burn pasa a tener palabras mayores con Sail away, donde encontramos la participación de David Coverdale con su guitarra hipnótica, mantiene toda la línea del Deep Purple anterior a David y Glenn, recoge los sonidos de blues y hard rock que te hacen mover la cabeza, un solo de guitarra sintetizada, un solo final con slide, todo eso hace que sea un tema soberbio.

You fool no one vuelve una batería rítmica junto al bajo, con un ritmo potente y complejo, las veces de Hughes y Backmore, interpretan a medias este comienzo del lado B de disco.

What´s goin´on here, le falta un poco de punch a lo que veníamos escuchando en las primeras canciones, pero no creo que sea mala, sino que el resto de las canciones del tema muestras la enormidad del álbum, Lord se destaca al piano, la guitarra de Ritchie aporta un toque diferente y Glenn avanza con su voz y estilo.

Mistreated, otro tema muy potente del disco, aunque tema lento y con fuerza sobre la que brilla la voz de Coverdale y fabuloso trabajo de Blackmore, toda la banda en este tema aborda muy bien su papel, las versiones en directo se alargaba todo lo necesario que fuera y lo pidiera el público.

El disco cierra con un tema instrumental A 200, donde se lucen los estilos de Jon Lord con sus teclados y sintetizadores.

Deep Purple re editara el álbum en su 30 aniversario, e incluirá el remix de sus canciones y Coronarias Redig del single que editaron con Might just take your life.

Daniel
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0135: Surfin' Bird - The Trashmen

 

Surfin' Bird, The Trashmen

     Lo primero que me viene a la mente cuando escucho Surfin' Bird es el momento de la película La Chaqueta Metálica en el cual un grupo de periodistas filma a marines de Estados Unidos poco después de una batalla mientras suena este tema de fondo.

En 1962, el grupo de surf rok The Trashmen, compuesto por Tony Andreason (voz y guitarra solista), Dal Winslow (voz y guitarra rítmica), Bob Reed (bajo) y Steve Wahrer (batería), publica Surfin' Bird, su disco debut y uno de los más exitosos de la banda gracias al tema que lleva el título del disco, Surfin' Bird.

Surfin' Bird está basado en la combinación de los coros de dos clásicos temas de R&B del grupo de doo-wop The Rivingtons, Papa-Oom-Mow-Mow y The Birds the Word. La canción fue ideada por el baterista Steve Wahrer, y combinaba magistralmente el surf rock con el novedoso y creciente R&B. 

Cuando el tema se convirtió en todo un éxito, The Rivingtons consiguieron obtener los créditos en la composición de la canción, ya que se basaba en dos temas suyos, lo que les reportó grandes beneficios financieros. Sin embargo, los componentes de la banda The Trahsmen aseguraban que escucharon temas de los Rivingtons a través de versiones interpretadas por un grupo de Wisconsin llamado Sorenson Brothers, e insistían en que Surfin' Bird era una grabación original. 

Curiosamente, The Trashmen era originaria de Minneapolis, una zona que poco o nada tenía que ver con el surf rock. La banda se había sentido atraída por el sol y el sonido de California durante un viaje por carretera que habían hecho hasta allí, y decidieron incorporarlo cuando regresaron a casa. 

Las 5 canciones de Deep Purple

Deep  Purple

Todavía recuerdo como si fuera ayer aquel día de mi infancia en el que mi amigo Raul se presentó con aquel cassette doble que traía bajo el brazo y me presentó a Deep Purple. Aunque aquella primera toma de contacto con aquella música me pareció horrible. A día de hoy todavía le estoy y le estaré eternamente agradecido por darme a conocer a aquel horrible grupo.

También recuerdo como si fuera ayer la primera vez que los conseguí ver en directo el 30 de junio de 1994 en el antiguo Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. en aquella ocasión Ritchie Blackmore había abandonado la formación y Gillan, Lord, Paice y Glover recurrieron a un jovencísimo Joe Satriani, Memorable. El 4 de septiembre de 1996 repetiría la experiencia de ver a mis queridos Deep Purple, esta vez sería en el marco de las fiestas de la localidad de Mostoles (Madrid), donde por el módico precio de 1000 pesetas pude disfrutar de ellos. En esta ocasión la formación estaba compuesta por Gillan, Paice, Glover, Lord y el guitarrista Steve Morse, magnífico guitarrista recién fichado por el grupo y que ha día de hoy sigue dando caña en la banda. Otro concierto memorable.

Con ellos pasé mi adolescencia, crecí y  me hice adulto, han estado en mis penurias y también en mis alegrías, y de hecho es un grupo que sigue acompañándome a día de hoy allá donde voy, no en vano, como he comentado anteriormente, este grupo forma parte de la banda sonora de mi vida. 

Desde 7dias7notas os damos las gracias a todos los que habéis aportado vuestro granito de arena en la elección de las 5 canciones de este grupo, pues sin vosotros no sería posible. Y ya, sin más dilación, Con todos vosotros las 5 canciones de Deep Purple:

     

En quinto lugar con 47 puntos encontramos Strange Kind of Woman, editado en el quinto álbum de estudio de la banda, Fireball en 1971. Este sería el primer disco que Deep Purple situaría en la listas de éxitos británicas. Strange Kind of Woman fue editada como el primer sencillo del grupo y alcanzó el puesto número 8 en las listas británicas UK Charts. La composición del tema está atribuido a los cinco componentes del grupo, Gillan, Glover, Paice, Lord y Blackmore, y el tema hace referencia a un amigo de la banda que tras estar cortejando un tiempo a una mujer que ejercía la prostitución consiguió casarse con ella, pero tres días después de la boda ella falleció. El tema fue escrito por el grupo bajo presión, pues después de haber sacado a la luz el sencillo Black Night en 1970 y que este fuera un éxito, necesitaban seguir en esa línea para mantenerse en lo alto.

Sobre la composición del tema, éste fue compuesto en una casa llamada The Hermitage en el condado de Devon el cuál está situado al suroeste de Inglaterra. Roger Glover durante una entrevista a la revista Metal Hammer en junio de 1988 aseguró que la grabación del tema fue una locura debido a que esa fue una etapa muy loca en el seno del grupo y se dedicaban a realizar sesiones de espiritismo y que además hubo apraciones. Durante los años 70 era habitual que al interpretar el tema en directo Blackmore y Gillan regalaran al público un memorable duelo Guitarra/Voz como el que podemos disfrutar en su disco en directo Made In Japan por ejemplo.

En cuarto lugar con 59 puntos Burn, del álbum titulado también Burn, grabado en Montreux (Suiza) en noviembre de 1973 con el estudio móvil de los Rolling Stones y publicado en febrero de 1974. En éste disco la formación estaba compuesta por David Coverdale (vocalista), Glenn Hughes (bajista y vocalista), Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería) y John Lord (teclados). Como curiosidad sobre el álbum Burn, éste fue de los primeros que fue anunciado por televisión. Con la incorporación de Coverdale y Hughes se nota la influencia de estos y el disco Burn incorpora sonidos y elmentos funk y soul. El tema Burn en cuestión es un auténtico trallazo con unos riffs muy potentes y contundentes y donde Paice está soberbio a la batería. La autoría del tema está atribuida a los cinco componentes de la banda.

La melodía de la canción está inspirada en el tema de los Gershwin Brothers Fascinating Rythm. El tema trata de una mujer misteriosa y hechizante que llega a la ciudad y empieza a advertir a todo el mundo que el final se acerca, la gente no la cree y además se ríe de ella, hasta que la mujer pronuncia la palabra Burn y la ciudad empieza a ser destruida por las llamas que la mujer lanza contra la ciudad. Podría parecer que la letra está compuesta por Ritchie Blackmore, el cuál sentía fascinación por el ocultismo, la brujería y la edad media, pero no, en este caso el grupo dió un cassette con los temas en los que habían estado trabajando y mandaron al recién fichado (y desconocido entonces para el público) David Coverdale a Inglaterra para que trabajara junto con Glenn Hughes en la letra de Burn.

Este tema también se convirtió en el tema de apertura del grupo en los conciertos desde 1974 hasta 1976.

En tercer lugar con 79 puntos Smoke on the Water, perteneciente a su sexto álbum de estudio Machine Head, grabado en un hotel abandonado, el Grand Hotel de Montreux (Suiza) en diciembre de 1971 y publicado en marzo de 1972. Tema que contiene uno de los riffs más famosos de la historia de Rock. La composición del tema está atribuido a todos los componentes, Gillan, Blackmore, Paice, Lord y Glover. El tema trata el el conocido suceso que ocurrió en el Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971 durante un concierto que Frank Zappa estaba dando allí y donde los miembros de Deep Purple estaban presentes, y estaban allí presentes porque además justo después del concierto de  Frank el grupo tenía programado grabar allí su álbum Machine Head. Los miembros del grupo relatan como una persona que se encontraba sentada justo detrás de Ian Gillan lanzó dos bengalas que impactaron en una de las esquinas del recinto en la parte superior y rápidamente comenzó a prender todo el lugar, también recuerdan como Frank Zappa detuvo inmediatamente el concierto y tanto él como los componentes de la banda estuvieron ayudando a que todo el mundo saliera consiguiendo que la gente lo hiciera de manera organizada, evitando así que ocurriera un desastre aún mayor. Los miembros de Deep Purple al salir de allí estuvieron observando el incendio desde un restaurante cercano desde donde también podían divisar como una capa de humo cubría completamente el lago Leman, más conocido como el lago de Ginebra. Esto le dio una idea al grupo y mientras Roger Glover ideaba el título del tema Ian Gillan se ocupaba de escribir la letra. 

Al no poder grabar allí, el grupo se trasladó al Grand Hotel de Montreux y grabaron allí el álbum Machine Head usando el estudio móvil de los Rolling Stones. Allí nació el tema Smoke on The Water, un tema que fue grabado entre el 6 de diciembre y el 21 de diciembre de 1971 y que relataba los sucesos que acontecieron en el Casino de Montreux apenas unos día antes. El riff de guitarra fue ideado por Ritchie Blackmore. A Ritchie le gustaba mucho la música renacentista y un día viendo un documental de la BBC sobre las Esposas de Enrique VIII se le ocurrió el riff. Dicho riff  está grabado en una escala modal medieval y fue grabado con una guitarra Fender Stratocaster. El grupo jamás pensó que este tema fuera a convertirse en un éxito, de hecho este tema se popularizó un año después de su publicación cuando salió editado como sencillo en el mercado estadounidense.

En segundo lugar con 102 puntos Child in Time, publicado en el cuarto álbum de estudio de la banda, In Rock en junio de 1970. Tema que ya reseñamos en 7dias7notas cuando hablamos del disco In Rock de Deep Purple. Cómo ya comenté en aquel momento John Lord solía tocar en su teclado el tema Bombay Calling del grupo Its A Beautiful Day, los demás, Gillan, Blackmore, Paice y Glover pensaron que éste era un tema sobre el que podrían trabajar, después de unos cuantos arreglos surgiría Child in Time, un tema que quería reflejar el estado de ánimo que había en ese momento en la sociedad, por eso escogieron la temática de la Guerra Fría. 

Sobre éste tema siempre se ha especulado que en el directo Made in Japan, publicado en diciembre de 1972, durante su interpretación se escucha lo que parece ser un disparo, el grupo siempre ha desmentido que allí se produjera disparo alguno y que lo que realmente suena en la grabación es el sonido producido por los teclados de John Lord. 

Y la clara ganadora elegida por vosotros con 136 puntos es Highway Star, incluida en su sexto álbum de estudio Machine Head, publicado en marzo de 1972. anteriormente ya comenté que éste disco fue grabado en el Grand Hotel de Montreux, en Suiza, ya que la intención del grupo de grabarlo en el Casino de Montreux se fue al traste al arder éste por completo el 4 de diciembre de 1971.

La composición del tema está atribuida a sus cinco componentes, Gillan, Glover, Lord, Blackmore y Paice, y habla del amor de un hombre por su coche de gran potencia, un coche que no tiene rival y que puede con cualquier otro que se le ponga por delante. El tema fue ideado exactamente el 13 de septiembre de 1971 cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) donde tenían su siguiente concierto, su canción de apertura en los directos por entonces era Speed King y ya estaban un poco cansados de tocarla, así que se pusieron manos a la obra y se sacaron de la manga Highway Star, y esa misma noche en Portsmouth la tocaron en directo. El tema fue evolucionando en sus directos hasta que fue grabado definitivamente para Machine Head en diciembre de 1971. 

Hay quien considera este tema como el primer tema de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que resultó de la fusión del hardcore punk y el NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico), un género donde dos de sus máximos exponentes son Motorhead y Metallica. El sólo de teclado de John Lord está inspirado en Bach y Gillan suele improvisar en los conciertos la letra del tema. 

 6- Lazy 43 p

 7- Hush 37 p

 8- Black Night 26 p

 9- Perfect Strangers 22 p

10- Mistreated 21 p

11- Space Trucking 17 p

12- Soldier of fortune 13 p

13- When a Blind Man Cries 13 p

14- Knocking at Your Back Door 12p 

15- Stormbringer 10 p

16- Fireball 8 p

17- Rat Bat Blue 8 p

18- You Fool no One 8 p

19- The Mule 7 p

20- Demons Eye 6 p

21- Woman From Tokio 6 p

22- A Gypsy's Kiss

23- Sometimes I Feel Like Screaming 5 p

24- Holy man 4 p

25- Help 4 p

26- Lady Double Dealer 4 p

27- Living Wreck 4 p

28- Mandrake Root 4 p

29- Maybe I'm a Leo 4 p

30- Painter 4 p

31- Shield 4 p

32 Bloodshucker 3 p

33- Flight of a Rat 3 p

34- Hard Loving Man 3 p

35- Kentucky Woman 3 p

36- Love Don't mean a Thing 3 p

37- Speed King 3 p

38- Anthem 2 p

39- Anya 2 p

40- Coming Home 2p 

41- Mary Long 2 p

42- Picture of Home 2 p

43- Sail Away 2 p

44- Under a Gun 2 p

45- Gettin' Tighter 1 p

46- Lady Luck 1 p

47- Place in the Line 1 p

48- Wasted Sunsets 1 p

49- You Keep a Moving 1 p

0134: Surfer girl - The Beach Boys

Nos enfrentamos al tercer álbum del grupo The Beach Boys que iba a empezar a marcar las características del grupo y su pieza fundamental, salvo dos temas tradicionales, Brian Wilson compone todas las canciones del disco (rarísimo en 1963, los Beatles también lo harían con “A hard day’s night” un año después, pero era muy poco habitual), pero, además produce el disco. Con 21 años tiene absoluto control sobre su obra, caso único en la época. ”Brian es los Beach Boys, nosotros somos sus mensajeros”, dijo Dennis tiempo después.

El disco se abre con la excelsa Surfer Girl, una canción de una belleza increíble que se eleva aún más por las extraordinarias armonías del grupo, la voz de Brian y el arpa tocada por la hermana de Mike, un clásico imprescindible dentro de la discografía del grupo, y una osadía, cuando todos el mundo demandaba hits para que la juventud surfer de California la cantara y disfrutara, Wilson, ni corto ni perezoso ofrece una balada en un movimiento de maestro que marca un atrevimiento relevante y una ambición distinta y ya casi desatada de Brian Wilson por darle una personalidad a la banda basada en la belleza melódica. Wilson pasó de cantar 'Cuckoo clock' en su primer álbum de forma no tan pulida y como excepción a cantar tres canciones en su segundo álbum 'Surfin' USA', transformándose en segundo vocalista de la banda de forma más clara exhibiendo un estilo vocal será directamente excelente, así 'Surfer girl' completa el circulo y sitúa de forma completa al Brian Wilson que veremos crecer de aquí en adelante como el líder absoluto del grupo. Este tema también es de su sola autoría y cumple con todos los requisitos estilísticos y melódicos para definir y resolver un estilo propio para el grupo, las armonías del final son de otro planeta e invitan al escuchante a reconocer a Wilson como un cantante excepcional que se está tomando el protagonismo de la banda.

Wilson ha declarado a lo largo de los años que fue la primera canción que compuso, era tanto su amor por la música que nunca estaba lejos de un piano, pero en realidad como declaro más tarde, escribió la canción mientras conducía en dirección a un puesto de perritos, de repente la melodía se le metió en la cabeza y la dibujo por completo sin la ayuda de un instrumento, me la canté a mí mismo, ni siquiera la canté en voz alta en el auto. Cuando llegué a casa ese día, terminé la canción, escribí el puente, armé las armonías y la llamé 'Surfer Girl'. Más tarde confesaría que para crear la melodía se inspiró en "When You Wish Upon A Star", de la película de Disney Pinocho. A pesar de que es una canción de amor y sobre una chica, Wilson nunca ha confesado en quien se inspiró para realizar el tema, todos sospechamos que fue en su novia por aquel entonces Judy, pero él ha dejado claro una y otra vez que está dedicada a todas las chicas surfistas que disfrutan encima de la tabla.

Disco de la semana 225: Definitely Maybe - Oasis

En la fría y gris Manchester de finales de los ochenta, unos adolescentes hermanos Gallagher ven pasar el día a día en un humilde barrio obrero, sin saber muy bien que rumbo tomar en la vida. El mayor (Noel) convence al pequeño (Liam) para ir a ver un concierto de los Stone Roses. Ellos no lo saben, pero con esa decisión sin importancia acababan de sembrar la semilla para la creación de Oasis. Noel (el instigador) quedó impresionado con la destreza de John Squire a la guitarra, pero lo curioso es que Liam (el reacio) vuelve del concierto absolutamente fascinado por la manera en la que Ian Brown se manejaba en el escenario, y completamente decidido a montar un grupo.

Noel no tarda en enrolarse en un grupo llamado The Inspiral Carpets, con los que se sube a la furgoneta y se marcha de gira por los pubs de toda Inglaterra, mientras Liam sigue nadando en la monotonía del deprimido barrio de Manchester, solo mitigada por las visitas al estadio del Manchester City, por entonces el equipo pobre de la ciudad. Sobrevive con el subsidio de desempleo, y cuando puede no pierde la ocasión de ir a rayar los coches de los jugadores del Manchester United, hasta que encuentra por fin la ocupación que estaba buscando, y se hace vocalista de un grupo local llamado The Rain, que para no coincidir con otro grupo del mismo nombre cambian al poco tiempo su nombre por el de Oasis.

Cuando Noel regresa de la gira de los Inspiral Carpets, acude a ver el primer concierto del grupo de su hermano, y según sus propias declaraciones: "Les dije que lo que hacían era una mierda, pero que Liam valía como frontman de la banda". Noel se ofrece entonces a escribirles canciones, y no tarda en pasar a formar parte de la primera formación de Oasis, definitivamente comandada por los dos hermanos Gallagher. Definitivamente, o quizás, tal y como reza el título del que sería su primer y mejor disco, en su momento el álbum de debut de un grupo inglés más impactante desde el Nevermind the Bollocks de los Sex Pistols, con el que además comparte algunas similitudes, como que antes de la publicación del disco ya se rodaran muchas de las canciones en el circuito de conciertos local, y se publicaran varios singles que después formarían parte del disco.

Es el caso, por ejemplo, de Live Forever, la canción que Noel interpretó para el resto como ejemplo de lo que podía aportar si le incluían en el grupo, o Columbia, rotundo tema interpretado ya en el primer concierto de Oasis en el que tocaron juntos los dos hermanos, antes de meterse a un local de ensayo a preparar el resto de canciones del disco. En aquel local de ensayo, empiezan a pulir temas como Rock and Roll Star (el primer fogonazo con el que abrirá el disco), o Up in the sky, temas que pronto formaran también parte de las primeras actuaciones en el circuito de pubs de Manchester, y de la maqueta que grabaron de aquellas primeras sesiones, que incluía  temas como Bring it on down, Married with children o Digsy's dinner. Todos ellos serían parte de lo que después sería Definitely Maybe, una vez conseguido su primer contrato discográfico con el sello Creation.

Con el flamante contrato bajo el brazo, la banda vuelve al local de ensayo y genera nuevos temas como Cigarettes & Alcohol y Shakermaker. Las melodías van surgiendo, pero les cuesta encontrar las letras adecuadas para las nuevas canciones, y para ello contaron con la inesperada ayuda de Elsa, el perro del ingeniero de sonido, que tenía problemas estomacales y no paraba de soltar unos terribles pedos, como si se hubiera tragado un tubo de Alka-Seltzer. Eso les dio las primeras frases de Supersonic, el primer sencillo y uno de los temas estrellas del disco (Conozco a una chica llamada Elsa, adicta al Alka-Seltzer")

El segundo sencillo fue Shakermaker, que nació con polémica por su parecido con el tema "I'd like to teach the world to sing" de los New Seekers para un anuncio de Coca-Cola. De hecho, Noel coló en la letra el slogan de aquel anuncio de veinte años atrás ("Me gustaría comprarle al mundo una Coke") y se negó a modificarla, a riesgo de perder los royalties en una posible denuncia. A este single le siguió Live Forever, convirtiéndose al instante en una de las canciones más relevantes del grupo. Y aún hubo cuerda para otro single más, Cigarettes & Alcohol, y para la publicación de Whatever, otro gran éxito que finalmente no formó parte del disco, salvo en algunas ediciones especiales en las que se le incluía en un disco sencillo adicional dentro del álbum.

Definitely Maybe fue un rotundo éxito de crítica y ventas, y un chorro de aire fresco para el underground británico, en una era dominada por el grunge procedente de Estados Unidos. La crítica elogió la energía y fortaleza del álbum, que combinaba brillantes estructuras melódicas con una producción que saturaba las múltiples guitarras hasta crear un consistente muro de sonido, basado en una acelerada amalgama de rock, pop, punk y psicodelia. La actitud y las inflexiones en la voz de Liam recordaban, una vez más, al Johnny Rotten de Nevermind the Bollocks, al tiempo que se basaban en su admirado Lennon.

En conjunto, un disco directo, valiente e intenso, con guitarras más pesadas que las de otros grupos relevantes de la época como Blur o Suede, y con menos ínfulas artísticas. Dónde otros se esmeraban en pintar sobre lienzo, los Gallagher derribaban la puerta y lo salpicaban todo, repartiendo brochazos a diestro y siniestro, a golpes de guitarra, melodías pegadizas y potentes coros de estadio, que no tardaron en desatar la locura mediática alrededor del disco, alimentada además por el descaro y la chulería de las declaraciones de los díscolos hermanos, que arremetían verbalmente contra todo lo que se les pusiera por delante, en una actitud que les encumbró y, a la vez, les acabaría condenando, porque acabó siendo más ruidosa que las propias canciones, y cuando en discos posteriores rebajaron la intensidad y el brillo de sus propuestas, tenían ya demasiados enemigos esperando a machacarles.

A día de hoy, ambos han desarrollado una correcta trayectoria en solitario, aunque nunca a la altura de Definitely Maybe o What's the Story (Morning glory), sus dos discos clave. Algo esperable, porque ya sabíamos que, fuera de un Oasis, lo que nos espera es una larga travesía por el desierto, hasta el día en que dos hermanos se sienten frente a un par de cervezas y arreglen sus diferencias definitivamente. O sólo quizás.

0133: You'll never walk alone - Gerry & The Peacemakers

 

Poco imaginaban Richard Rodgers y Oscar Hammerstein cuando compusieron You'll Never Walk Alone (Nunca caminarás solo) para el musical Carousel, que se estrenaría en Broadway en 1945, que aquella canción se convertiría en un himno de la camaradería y la fidelidad a unos colores en el ámbito futbolístico, en una asociación tan potente como la del "We are the Champions" con las celebraciones de los campeones en cualquier disciplina deportiva. 

Esto sucedió con la versión lanzada en 1963 por Gerry and the Pacemakers, grupo de Liverpool que tenía como manager al "beatle" Brian Epstein. De hecho, la canción fue producida por George Martin (productor de The Beatles) grabada en los mismísimos estudios de Abbey Road en los que sus "paisanos" de Liverpool grabaron todos sus grandes éxitos.​ El tema ya era de por sí potente, como lo demuestra el número 1 alcanzado en las listas de ventas del Reino Unido, pero lo mejor estaba aún por llegar, y de nuevo ni manager ni productor, ni los propios Gerry and the Pacemakers imaginarían seguramente la dimensión que este tema iba a alcanzar​.

Ese mismo año, los hinchas del Liverpool la incluyeron entre sus cánticos en el estadio de Anfield, convirtiéndose muy pronto en el himno del club, hasta el punto de ser interpretada por todo el público en los momentos previos de cada partido, con la canción de Gerry and the Pacemakers de fondo. Otros equipos siguieron después el mismo camino del Liverpool en este particular "apadrinamiento" de la canción, siendo el más destacado el caso del Celtic de Glasgow, dónde la relevancia y significado de la canción han llegado a calar tanto como en Liverpool.

Por último, y en la línea de lo sucedido en España con el "Resistiré" del Dúo Dinámico, en 2020 el You'll Never Walk Alone de Gerry and the Pacemakers fue emitida simultáneamente por más de 160 emisoras de radio europeas, como símbolo de hermanamiento y resistencia ante la situación de confinamiento provocada por la Covid-19, para darnos a todos la esperanza y la confianza en que, como dice la letra de la canción, pase lo que pase "Nunca caminarás solo".

0132: Skylark - Aretha Franklin

 

Laughing on the Outside no es ni mucho menos de los mejores discos de la gran diva Aretha Franklin, sin embargo una vez mas ralla a un nivel muy alto, el quinto disco de la artista, se publico nuevamente en Columbia, la discográfica dispuesta a no arriesgar y a crear unos albums muy agradables de escuchar sin reparar en el potencial artístico de Aretha, pero como no podía ser de otra manera el recital que da es sublime una mujer de 21 años estaba descolocando y retocando clásicos a su estilo voz con una claridad inaudita. Dentro de todo lo que nos regala, puedo destacar el tema Skylark, cancion de 1941 con letra de Johnny Mercer y música de Hoagy Carmichael, un tema con una dificultad vocal que salva perfectamente Lady Soul y es que durante los apenas tres minutos que dura la cancion las distintas tonalidades que le da a su voz te llevan del cero al infinito, y su voz se eleva hasta el cielo como el pájaro al que canta en la canción. Mucho nos tendría que dar a la música y a los amantes de la misma la cantante, pero nos resulta muy interesante detenernos en esas primeras obras, que si bien no tienen la fama y la admiración que sus trabajos más conocidos, sí que nos brindan la oportunidad de descubrir en sus años más jóvenes a una de las voces más importantes de la historia, tomar el vuelo con este Skylark y que no es detenga nadie en el cielo, la voz de Aretha es lo único que necesitamos para volar.

Deep Purple - Made in Japan (Mes Deep Purple)

 

Made in Japan, Deep Purple

     En dicembre de 1972 se publica, bajo el sello discográfico Purple Records, el primer álbum en directo de Deep Purple, Made in Japan. En Estados Unidos se publica posteriormente, en abril de 1973. El disco se convertirá en uno de los mejores directos publicados de la historia del rock. Made in Japan, considerado como una de las biblias del rock, curiosamente no se grabó en el entorno más adecuado, pues las relaciones entre los componentes del grupo no eran las más idóneas.

Deep Purple ya había grabado alguna actuación en vivo, pero siempre en plan promocional para escuchar en algún que otro programa de radio. El grupo nunca había quedado contento con la calidad de aquellas grabaciones, pues consideraba que la calidad y técnica de un estudio no podía ser superada por una grabación en directo. Este hecho había frenado a la compañía discográfica, aún sabiendo que un diecto se vendería muy fácilmente, y más teniendo en cuenta que precisamente el fuerte de Deep Purple eran sus potentes directos. 

Fue la división de la compañía en Japón la que insistió en grabar un álbum en directo durante la primera gira por el país nipón de la formación Mark II (Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Ian Paice, John Lord y Roger Glover). Tras la imposición de la compañía, el grupo se lleva para producirlo al genio Martin Birch, que graba las sesiones en un magnetófono de bobina de 8 pistas para luego llevarse las cintas a Inglaterra y mezclarlas allí. Lo cierto es que el grupo no tenía demasiada ilusión ni interés en grabar ese directo. Valga como detalle que los únicos componentes que se presentaron en las sesiones de mezcla, fueron Glover y Paice, siendo ellos los responsables de la selección del material del directo. A todo esto hay que sumarle las tensas relaciones que había ya en el seno de un grupo en descomposición, pues Gillan y Blackmore ya ni se hablaban y sólamente coincidían en el escenario y lo imprescindible. Lo que no se esperaba la banda, es que un trabajo que costó 3.000 dólares fuera a conseguir a las dos semanas el Disco de Platino. 

El material extraído para el directo sale de las tres fechas que el grupo da en el país, los días 15, 16 y 1 de agosto de 1972, dos conciertos en el Koseinenkin Hall de Osaka, y la restante en el Budokan Hall de Tokio. El disco, incialmente iba a ser destinado al mercado japonés, pero se acabó editando a nivel mundial. 

Abre la cara A del primer disco Highway Star, extraído del concierto de Osaka el 16 de agosto de 1972. El tema pertenece al sexto disco de estudio, Machine Head (1972). Este mítico tema fue ideado el 13 de septiembre de 1971, cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) para dar un concierto. Estaban ya cansados de tocar su tema de apertura Speed King, y se sacaron de la manga ese tema para abrir los conciertos. Hay quien considera este tema como el primero de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que surgió de la fusión del hardcore punk y el NWOHBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico). El otro tema que cubre esta cara A es el mítico Child in Time, extraído también de la actuación de Osaka en 16 de agosto. el tema pertenece a su cuarto álbum de estudio, In Rock (1970). John Lord solía tocar en su teclado un tema del grupo It's A Beautiful Day llamado Bombay Calling. Los demás pensaron que este era un tema sobre el que podían trabajar, así que se puesieron manos a la obra, y depués de unos cuantos arreglos aquí y allá nació esta maravillosa canción. el tema quería reflejar el estado de ánimo que había en ese momento en la sociedad, por eso la temática de la canción fue la Guerra Fría. 

Smoke on the Water, extraído de la actuación de Osaka el 16 de agosto, se encarga de abrir la cara B del primer disco. Perteneciente a su sexto disco de estudio, Machine Head (1972), la canción nos relata los sucesos acontecidos en el Casino de Montreux, el 4 de diciembre de 1971, durante un concierto de Frank Zappa, y que desembocaron en el incendio del casino. Los miembros del grupo, que tenían programado grabar allí su disco Machine Head, habían asistido a ver el concierto de Zappa. Durante el concierto, alguien que se encontraba justo detrás de Ian Gillan, lanzó una o dos de bengalas (unos dicen que una, y otros que dos) que impactaron en la parte superior de una de las esquinas del recinto, el cual comenzó a arder rápidamente. Frank Zappa detuvo inmmediatamene el conicerto, y junto con su banda, estuvo ayudando a que todo el mundo saliera de manera organizada, evitando así que ocurriera un desatre mucho mayor. Lo miembros de Deep Purple, al salir del casino, estuvieron obesevando el incendio desde un restaurante cercano desde donde también podían divisar como una capa de humo cubría completamente el lago Leman, más conocido como lago Ginebra. Esto le dió una ideal al grupo, y minetras Roger Glover ideaba el título del tema, Ian Gillan escribía la letra, y Ritchie Blackmore ideaba uno de los riffs (con aires clásicos y renacentistas) más famosos de la historia del rock. Es cerrada la cara B del primer disco por The Mule, estraída de la actuación en Tokio el 17 de agosto. Incluida en el quinto disco de estudio de la banda, Fireball (1971), es el tema donde Ian Paice desplega todas sus cualidades a la batería, marcándose un sólo antológico. Curiosamente, el sólo de batería, ideado para la version de estudio, no pudo ser grabado debido a un error que hizo que casi la mitad de las pistas de audio de batería fueran borrardas mientras se grababa la canción para la versión del disco Fireball.

La cara A del segundo disco comienza con Strange Kind of Woman, extraído de la actuación de Osaka el 16 de agosto. A quién no se le ha puesto el pelo de punta escuchando el ya mítico duelo de la voz de Gillan con la guitarra de Blackmore en el escenario, y eso que no se podían ni ver ya. El tema fue lanzado como sencillo de adelanto del disco Fireball (1971). El tema en un pirncipio iba a llamarse Prostitute, pero el grupo decidió cambiarlo para así vitar porblemas con la censura. El otro tema que ocupa esta cara es Lazy, extraído de la actuación de Osaka el 17 de agosto. Incluido en el sexto álbum de estudio de la banda, Machine head (1972), al contener una intro saturada del órgano Hammond de Lord, seguida de un riff de guitarra de Blackmore, y luego un intercambio de sólos entre los dos, éste era un tema ideal para las improvisaciones en directo. En esta versión del directo, Blackmore, en el sólo de guitarra interpreta el tema Swedish Rhapsody, del compositor, director y violinista sueco Hugo Alfvén, y Lord, en la introducción interpreta con los telcados el riff del tema C Jam Blues, un etándar de jazz compuesto en 1942 por Duke Ellington.

El único tema que ocupa la cara B del segundo disco, y que cierra uno de los mejores directos publicados de la historia del rock es Space Truckin, extraído de la actuación en Osaka el 16 de agosto. El tema, que apenas sobrepasa los cuatro minutos y medio en la versión de estudio de Machine Head (1972), en el directo se estira hasta los casi 20 minutos. El tema nos habla del espacio y de un viaje salvaje a traves del mismo. El tema surgió a raíz de un riff que Blackmore llevó al estudio. Dicho riff estaba basado en el tema musical del programa de televisión Batman, compuesto por el trompetista, compositor y arreglista de jazz estadounidense Neal Hefti. 

Como hemos comentado, las relaciones internas del grupo estaban al borde de la ruptura, como así sucedió poco después, pero esto no impidió que nos reglaran un directo épico, imprescindible y memorable. 

0131: Blue Velvet - Bobby Vinton

 

Escrita y compuesta por Bernie Wayne y Lee Morris en 1950, "Blue Velvet” fue uno de los primeros éxitos de Tony Bennett que la interpreto en 1951. Desde entonces, la canción ha sido pieza de muchos intérpretes, despues de la versión de Tony Bennet, Blue Velvet fue grabada por los Clovers para su álbum del mismo nombre y publicada en 1955 a través de Atlantic Records pero nosotros nos vamos a detener en la versión de 1963 que hizo Bobby Vinton y que alcanzó el no. 1.

El nacimiento de la canción se produjo cuando en la visita a unos amigos en Richmond, Virginia, el compositor Bernie Wayne se hospedó en el Jefferson Hotel, y fue la visión de una mujer en una fiesta celebrada en el Jefferson lo que inspiró a Wayne a escribir la letra de "Blue Velvet".  Y llegamos a la interpretación más exitosa la publicada por Bobby Vinton en 1963, llegando al numero 1 en el  Billboard  Hot 100 donde se mantuvo durante las siguientes dos semanas. Stanley Robert "Bobby" Vinton, Jr. es un cantante y compositor estadounidense. En los círculos de la música pop, se hizo conocido como "El príncipe polaco de Poch", ya que su música rinde homenaje a su herencia polaca. Conocido por su voz angelical en las canciones de amor, la cancion "Blue Velvet", la interpret por casualidad, todo vino porque decidió grabar un álbum de canciones "Blue" ("Blue Moon", "Blue Hawaii", "Am I Blue", etc.). Mientras estaba comprando partituras en Nashville, Vinton recibió un regalo del editor Al Gallico. La canción encajaba muy bien con el proyecto de Vinton,

La canción apareció en la banda sonora de Blue Velvet, película dirigida por David Lynch, que si bien constaba de una banda sonora instrumental realizada por Angelo Badalamenti que crea un ambiente totalmente oscuro, aunque también aparecen canciones de los años 60 entre las que se incluyen este Blue Velvet o In dreams de Roy Orbison. Cuando rodaba en 1986 'Blue velvet', a Lynch se le puso en las narices que quería la canción de Vinton en la banda sonora. "Demasiado caro", le dijo Dino de Laurentiis. Bueno, pues para eso tenía Lynch a Angelo Badalamenti, que se marcó una cuasicopia instrumental. Luego se invitó a Bobby al estudio para regrabar las voces, y adiós a los leoninos derechos de autor. Problema: resultó que Vinton, ya cincuentón, era incapaz de llegar a los agudos, así que Baladamenti tuvo que bajar todo un par de tonos. Se repitieron y repitieron tomas, pero entonces Lynch empezó a torcer el morro: aquel no era el terciopelo azul que él quería (y lo quería para envolver la noche). De Laurentiis no dudó. Se imaginó una nueva catarata de neuras del director y cortó por lo sano: aflojó la pasta por la versión original y a correr.

Así fue como quedaron indisolublemente unidos uno de los cantantes más inocentes de los 60 y uno de los cineastas más culpables de la Historia: culpable de trastornarnos a todos con sus insoportables sueños, culpable de crear un increíble y penetrante universo onírico, culpable de inventarse un cine abstracto -por algo empezó pintando- que lo mismo atrae que cabrea.

Un país, un artista: Líbano - Mashrou' Leila

 

Mashrou' Leila

     Es en la Universidad Ameriana de Beirut, Líbano, en 2008, donde lo que empieza como una jam session para liberar el estrés provocado por las clases y la inestabilidad política, acaba conviriténdose en una de las mejores bandas de rock indie, rock alternativo y pop del país libanés, Mashrou' Leila.

Son el vioinista Haig Papazian, el guitarrista Andre Chedid, y el pianista Omaya Malaeb, quienes cansados por el panorama político del país y el estrés que suponen las clases, quienes deciden organizar en la facultad una jam session en enero de 2008. A la invitación que realizan los tres músicos respondieron doce personas. De aquella sesión saldrán los siete componentes que conformarán Mashrou' Leila, Hamed Sinno, Haig Papazian, Omaya Malaeb, Andre Chedid, Carl Gerges, Firas Abu-Fakeher e Ibrahim Badr. La primera vez que el grupo toca en directo es precisamente en la facultad, resultando ser el único grupo que toca de los que tocaron en aquella ocasión que interpretaba música compuesta por ellos mismos.

El grupo pasa de tocar en la facultad, a hacerlo en pequeñas salas, con lo que se va asentando dentro del circuito de la música alternativa y empiezan a tener éxito y ganar reputación. El grupo sigue consolidandose y toca por primera vez ese mismo año en el festival de música que celebra cada año el Ayuntamiento de Beirut, la Fête de la musique. Aquel concierto genera cierta polémica, pues Mashrou' Leila resultan ser un grupo rompedor, con unas letras atrevidas y críticas sobre la sociedad libanesa, los amores fallidos, las sexualidad y la política, algo nada frecuente de ver en un país como el Líbano.

Al grupo le gusta la ambigüedad, pues el nombre del grupo en castellano se puede traducir como Proyecto Nocturno o El Proyecto de Leila. En una de sus primeras entrevistas el grupo manifestó, en lo que parecía ser una broma, que el objetivo era recaudar dinero para una niña llamada Layla, nomre muy habitual en el Líbano. Según su página oficial de Facebook, Mashrou' Leila significa Proyecto Nocturno, y se llamaron así porque sus jam sessions solían durar toda la noche.

Con cuatro álbumes publicado hasta la fecha, Mashrou' Leila (2009), El Hal Romancy (20011), Raasük (2013) y Ibn El Leil (2015), el grupo se caracteriza por los temas de sus canciones y las letras satíricas, que reflejan las diversas facetas y los muchos defectos de la sociedad libanesa. También suelen reflejar desde un punto de vista crítico, los problemas de vivir en Beirut y suelen usar sin complejo alguno palabras malsonantes en sus canciones. Ya en su primer álbum se destaparon por el ingenio con el que trataban temas como el desamor, la guerra, la política, la seguridad, los crímenes políticos, el materialismo, la inmigración, y la homosexualiad, una fórmula que a día de hoy siguen explotando y por la que han sido vetados en países como Jordania, donde les vetaron y llegaron a cancelar dos conciertos durante 2016 debido a las presiones de los parlamentarios y clérigos ultraconservadores del país; Egipto, donde se produjeron numerosos arrestos después de que ondeara la bandera del colectivo LGTBI en una de sus actuaciones en 2017; e Incluso en su país, Líbano, donde se han encontrado con cancelaciones de conciertos suyos y se han encontrado con numerosas trabas por parte de ciertos sectores de la sociedad musulmana y también de la cristiana.

En definitiva, Mashrou' Leila, que actualmente está compuesto por Hamed Sinno, Haig Papazian, Carl Gerges y Firas Abu-Fakher, son un más que recomendable grupo que no te dejará indiferente. Como ellos mismos defienden, son simplemente cuatro hombres del Líbano de diferentes religiones a los que unió su amor por la música, y con sus canciones tratan abogan por la libertad de expresión y una sociedad abierta y tolerante frente a quienes quieren criminalizar a todos aquellos que no piensan como ellos.

0130: Busted - Ray Charles

 

Busted, Ray Charles

     En julio de 1963 Ray Charles publicaba el disco Ingredients In A Recipe Of Soul. El material que componía el álbum fue grabado entre febrero de 1960 y abril de 1963, y publicado por el sello discográfico ABC. El disco fue producido por el productor, director de orquesta y arreglista estadounidense Sid Feller, que colaboró durante su carrera en cientos de canciones de Ray Charles, incuida Georgia On My Mind. Ray Charles sabía de la importancia de Sid del que llegó a afirmar. "Si a mí me llaman genio, entonces Sid Feller es Einstein".

Incluido en este álbum se encuentra el tema Busted, el cual fue escrito por el prolífico y legendario compositor estadounidense Harlan Howard, que cuenta con una carrera que comprende más de seis décadas principalmente centrada en la música country. De hecho, este tema fue grabado también ese mismo años por Johnny Cash. La versión de Cash alcanzó un notable éxito, pero sería la de Ray Charles la que alcanzara cotas más altas realiando una versión soul de este tema. 

El tema nos habla desde la perspectiva de un granjero que se encuetra en apuros económicos y necesita dinero para seguir saliendo a flote. Trata de pedir dinero prestado pero nadie puede dárselo, pues están en la misma situación que él. Incluso se dirige a pedirle ayuda a su hermano, pero éste iba a acudir a él también para pedirle ayuda, pues está en la misma situación que él. Al final, el granjero, resignado, asume que se mudará con su familia a otro lugar en busca de una vida mejor. El tema gano un premio Grammy en 1963 a la mejor canción de R&B.

0129: Master Of War - Bob Dylan

 

Master Of War, Bb Dylan

     En el segundo álbum de estudio de Bob Dylan, The Freewheelin'n Bob Dylan, publicado en mayo de 1963, se encuentra el tema Master of War, un tema antibelicista que aabaría acarreando más de un disgusto al genial artista estadounidense.

Master of War es un alegato antibelicista donde refleja el inconformismo y la preocupación de los jóvenes estadounidenses de la época por el desarme nuclear. La canción fue grabada en las sesiones del 23 de abril de 1963 en el Studio A de los Columbia Studio Recordings de Nueva York bajo la producción de John H. Hammond.

El tema, del género folk-protesta, es una adaptación de la canción folk tradicional estadounidense Nottamun Town, que cuenta con los arreglos y la melodía de la cantante Jean Ritchie, y a la que Dylan pondría la letra. Dylan quiso que Ritchie fuera incluida en los créditos de la autoría del tema, sin embargo los abogados de Dylan arreglaron el asunto pagandole la cantidad de 5000 $ para saldar posibles reclamaciones futuras. 

El tema es una canción protesta donde Dylan criticaba a los líderes políticos estadounidenses, donde señalaba amargamente con el dedo a los "maestros" ocultos que fabriaban guerras para obtener ganacias y beneficios. Según Dylan, no era una canción contra la guerra, más bien era una crítica de a quien iba dirigida la guerra y el por qué dicha guerra se había convertido en un acto inútil en vez de en un eficaz medio de defensa. También afirmaba que hasta ese momento, nunca había escrito algo así, no cantaba canciones donde la gente falleciera, pero no pudo evitar hacerlo con ésta.