0805 - John Prine - Angel from Montgomery

0805 - John Prine - Angel from Montgomery

Angel from Montgomery es una canción escrita por el artista John Prine, que apareció originalmente en su álbum homónimo de 1971, John Prine. La canción ha sido versionada extensamente por varios artistas, entre ellos Carly Simon en 1972, y usada para una serie de televisión de Netflix Orzak.

John Prine escribió Angel from Montgomery después de que un amigo le sugiriera escribir "otra canción sobre personas mayores", refiriéndose a la canción de Prine "Hello in There". Aunque Prine había "dicho todo lo que quería sobre las personas mayores en 'Hello in There'", estaba intrigado por la idea de "una canción sobre una mujer de mediana edad que se siente mayor de lo que es... eventualmente tenía esta imagen muy vívida de esta mujer de pie sobre el agua para lavar platos con jabón en las manos... Quería salir de su casa y de su matrimonio y todo. Solo quería que viniera un ángel para sacarla de todo esto. " Prine cree que probablemente se sintió atraído por Montgomery como escenario de la canción en virtud de ser fanático de Hank Williams, quien tenía vínculos con esa ciudad.

Ángel de Montgomery fue el título original del guión de Cherie Bennett y Jeff Gottesfeld que se convirtió en la película de 2006 Broken Bridges. El escenario del guión de Montgomery se cambió al ficticio Armor Springs en la película.

La canción se usa en la película ¿Quién bombardeó a Judi Bari? También la canta Marc Menchaca, en el último episodio de la serie Ozark. En 2021, ocupó el puesto 350 en la lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" de Rolling Stone.

Daniel 

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0804.- Stoney End - Barbra Streisand

Estamos ante un album muy importante en la carrera de Barbra Streisand, este fue el momento cuando dio el paso a la música pop y dejó atrás Broadway. Streisand habia tenido un enorme éxito en la década anterior en el escenario y en musicales, pero en los albores de la década de 1970 y Woodstock a su alrededor, abandonó de forma muy inteligente los musicales y centró su interés en compositores contemporáneos, cantautores como Joni Mitchell, Gordon Lightfoot y Laura Nyro. Cuando Barbra Streisand grabó el material para su decimotercer álbum de estudio, Barbra Joan Streisand de 1971 , tenía 29 años, aunque era contemporánea de íconos del rock como Bob Dylan, John Lennon y Paul McCartney, parecía más una refugiada de una época pasada. Aunque tenía poco más de 20 años, sonaba más como sus mayores musicales (Tony Bennett, Ella Fitzgerald o Frank Sinatra). Personalmente, no creo que haya dejado los musicales completamente atrás y su corazón siempre estuvo en los compositores con clase de épocas pasadas, pero el tiempo había cambiado, así que quería hacer algo más cercano a su generación. Musicalmente, es interesante notar cómo cambió su enfoque: mientras que en su debut cantó y estaba más cerca de la vieja escuela de Judy Garland y Ethel Merman (a menudo con giros cómicos), aquí bajó el tono y comenzó a sonar como la conocemos hoy, una cantante de baladas amigable con voz muy clara, tranquila y algo distante.

El album Stoney End es recordado por la exitosa canción principal, que tenia el mismo titulo. Stoney End fue escrita por la brillante cantautora Laura Nyro, y fue una maravillosa introducción a una "nueva" Barbra Streisand, una que pudo sintonizar su voz con la producción de rock-pop de California de Richard Perry. La composición tenía un ritmo constante en el que Streisand tenía que cantar distinto, había influencias gospel en ella que Nyro trajo de su interés por la música negra. (La amiga cercana y colaboradora Patti LaBelle una vez describió a Nyro como una " hermana”.) Perry, que trabajó con artistas como Harry Nilsson, Leo Sayer y Ringo Starr, pareció obtener una actuación de Streisand que no sonó rígida ni poco convincente. “Stoney End” se convertiría en el único éxito de rock de Barbra, y es muy apreciada por sus fans 50 años después, pero cuando llegó el momento de grabarlo, Barbra, recuerda Perry, se derrumbó en el estudio. “No puedo hacer esto”, exclamó. “Esta no soy yo… ¡Simplemente no lo siento!” Perry escribe: "Stoney End" fue la tercera canción que grabamos esa noche, y sin duda el mayor esfuerzo para ella artísticamente... Todas las primeras tomas de Barbra en el estudio fueron pura magia, escuchar esa voz cantando estas canciones, pero en el momento en que nos quedamos con la toma definitiva  de "Stoney End", sentí como si un rayo me atravesara. Lo juro, se me pusieron los pelos de punta. Fue uno de los sentimientos más increíbles que he tenido en el estudio”. “Mientras escuchábamos la reproducción, Barbra se inclinó y me susurró al oído: “Tú tenías razón y yo estaba equivocado. Pero es bueno estar equivocado”. Fue un momento que recordaré por el resto de mi vida”. 

Laura Nyro escribió “Stoney End” cuando era una adolescente. ¿Qué decía Nyro en la canción? “La canción cuenta la historia de una mujer que ha pasado la noche con un hombre cuya pasión sexual confundió con amor. Él la ha dejado, y ahora ella se siente culpable, anhela el consuelo de su madre y poder empezar de nuevo. El 'Stoney End' puede referirse al castigo bíblico por tener relaciones sexuales fuera del matrimonio, tal vez un regreso a las faldas de su madre, o tal vez una muerte por las drogas para acabar con su dolor y furia. O puede ser solo una metáfora del camino rocoso que ahora tendrá que recorrer como madre soltera”.

Scorpions - Lovedrive (Mes Scorpions)

 

Estamos antes el sexto trabajo de la banda, a priori la partida de Uli Jon Roth debía haber sido un gran handicap para los Scorpions, Roth aportó un enfoque similar al de Hendrix con su guitarra hipnótica y, aunque su voz dejaba mucho que desear, escribió algunas canciones brillantes y su forma de tocar la guitarra fue lo más destacado de los álbumes Vigin Killer y Taken By Force, además de ser una gran presencia en el Tokyo Tapes doble disco en directo, pero Scorpions no estaban preocupados, un cambio en el sello discográfico de RCA a EMI Harvest y un cambio de dirección ayudado por la incorporación del guitarrista Matthias Jabs permitió que la música de Scorpions se volviera más compacta, y los álbumes que siguieron sin duda se volverían más consistentes con un borde distintivo de hard rock/metal. Los recién formados Scorpions eliminaron todas las influencias del rock psicodélico, el krautrock y el blues y se convirtieron en una banda pura de hard rock. Su sexto álbum de estudio, "Lovedrive", se grabó en 2 meses y se lanzó en febrero de 1979, la decisión de convertirse en una banda de hard rock fue la correcta, porque "Lovedrive" se convirtió en su álbum más exitoso en 1979 y conquistaron el mercado de Estados Unidos con los álbumes posteriores "Blackout" y "Love at First Sting" que los convirtieron en estrellas de todo el mundo, pero este álbum fue la piedra angular de este éxito mundial. Lovedrive también fue el álbum que vio la introducción de baladas en el repertorio de Scorpions un movimiento muy inteligente, esa mezcla entre rápido y furioso y deliciosamente lento es simplemente irresistible. Este modus operandi continuó con gran éxito con álbumes posteriores como Blackout  o Love at First Sting.

 

El álbum comienza con la letra positiva y seria de "Loving You Sunday Morning", impulsada por la primera participación de Mathias Jabs como guitarra principal, todo fluye maravillosamente bien para abrir el álbum de una manera genial, el nivel de intensidad no es tan alto, pero esta canción suena bastante fuerte, los ritmos suaves y pegadizos mezclados con una fuerte complejidad instrumental se fusionan de una manera única, Klaus no podría haber hecho un mejor trabajo, mostrando una gran habilidad de falsete. Esta es la forma correcta de atraer y enganchar al público a un disco. A esto le sigue el duro rock y la irónica relación lírica de "Another Piece of Meat", una de las canciones favoritas de los fans desde su lanzamiento, no solo por el maravilloso rango vocal de Klaus, sino también por el ritmo acelerado que golpea la canción, mientras que el hijo pródigo que regresa, Michael Schenker, y brilla en la cima con su solo para la canción, y Mathias lanza sus lamidas de plomo en todo momento. Una cancion que te lanza un golpe de metal rápido uno tras otro. 

"Always Somewhere" es una canción que, por cualquier otra banda en cualquier otro álbum, podría destrozar el disco, siguiendo los pasos de una canción tan estridente, si esto no se hubiera manejado a la perfección, habría que más de uno desechara la escucha tras tal aberración, sin embargo, estos son los Scorpions y, sorprendentemente, parece encajar perfectamente, es imposible no dejarse llevar por cambios tan peculiares en el estado de ánimo y el género de la canción. Y es que en el fondo es el truco del álbum, cada pieza del rompecabezas parecía encajar en cada sección. El instrumental "Coast to Coast" es la canción del disco, simplemente me encanta esta pieza musical, una obra simple y básica, ¡pero qué sonido tan fantástico! La batería de 2/4 con el bajo trabajando al lado, permitiendo que las guitarras hagan sus cosas por encima de esto. Para mí, está siempre ha sido una pista edificante, un cambio de humor, en toda su simplicidad pero marcado con sus intrincadas piezas de guitarra. Un ganador.

 

La cara dos del álbum comienza de nuevo con los elementos más pesados ​​y estridentes de "I Can't Get Enough", una vuelta a los viejos tiempos para hacer que te levantaras y volvieras el vinilo.  Y luego, tal es la alegría de este álbum, que ni siquiera puedes sentir que el disfrute se desvanece cuando notas por primera vez el completo reggae-ness de "Is There Anybody There?" De hecho, te mueves dentro y a través de la canción como si fuera algo de lo más normal en un álbum basado en las raíces del hard rock y el heavy metal de los 70 tener una canción con tanto sabor a reggae. La increíble voz de Klaus es la estrella del espectáculo. Después surge el regreso optimista de ese mágico sonido pesado de Scorpions en la canción principal "Lovedrive", impulsado por ese magnífico ritmo de batería y ese pesado riff de guitarra rítmica que fluye de la guitarra de Rudolf, y complementado por los protagonistas de Mathias y Michael. Impresionantes riffs, simplemente geniales, simplemente una gran canción. La canción de cierre, "Holiday", regresa a la tranquila mitad melódica del sonido de Scorpions, dominada en la primera mitad por la increíble armonía vocal de Klaus sobre la guitarra acústica, antes de que la banda entre en la mitad de la canción para resaltar la plenitud de la canción. En la casa de campo que teníamos había un disco que sonaba una y otra vez, Gold Ballads, y muchas veces se quedaban en bucle en las dos primeras canciones, abría el EP la mítica Still Loving you, sonaba a continuación Holiday, y la pandilla debatía que canción gustaba más…… Yo siempre lo tuve claro, tiene Holiday un poder de evocación fascinante, y más con 15 años que no tienes ni idea de lo que te están contando.

 

Para concluir, la sensación me deja es que es un álbum bastante asombroso, dados los cambios y vueltas que da la música, o como diríamos en castizo, pasa del frio al calor, del lado pesado al lado reflexivo sin inmutarse, y, sin embargo, nada de eso suena fuera de lugar, como suele decirse de los álbumes de las bandas de power metal de finales del siglo pasado y principios de este siglo. Scorpions es una banda que tiene sus dos caras, y especialmente en Lovedrive se fusionan como una mezcla perfecta.

0803.- L'Aguila Negra - María del Mar Bonet

 

Nacida en la Isla de Mallorca donde desde niña empezó a aprender canciones populares de las Islas Baleares. Maria del Mar llega a Barcelona en 1967 y empieza a cantar con "Els Setze Jutges", un importante grupo de cantautores catalanes. Luego realiza sus varias actuaciones y graba su primer EP con cuatro canciones populares de Menorca. En aquellos años la canción catalana no había consolidado su identidad y coherencia, ni había iniciado la fase de depuración necesaria que la iba a conducir a una crisis y posterior resurgimiento. En aquel momento y con una infinidad de intérpretes, sobresale y brillaba con luz propia Maria del Mar que componía sus propias canciones en las que reflejaba con total espontaneidad el sentimiento de su tierra. Al año siguiente, la censura del régimen franquista prohíbe cantar una de sus canciones más populares "Què volen aquesta gent". A principios de los años 70 inicia sus primeras actuaciones en el extranjero.

El 28 de mayo de 1970 la cantante francesa Monique Andrée Serf lanzó al mercado su nuevo disco. Era el undécimo de la cantante y, como todos los anteriores, también estaba firmado con el nombre que la identificó artísticamente: Barbara . El disco llevaba el nombre de una de las piezas que contenía el álbum y que se convertiría en referencia en su discografía: “El aigle noir”, es decir, “L'Aguila Negra”. Ella dice que encontró en una cómoda un texto escrito unos años antes, a raíz de un sueño en el que vio un águila descendiendo sobre ella, se sentó al piano y compuso la música para este texto, inspirándose en una sonata de Beethoven. En mayo 2015, según una encuesta de BVA, es nombrada la tercera canción favorita de los franceses detrás de Mistral ganadora de Renaud y Ne me quitte pas de Jacques Brel. La canción ha sido ampliamente versionada, pero una de las primeras que lo hizo fue Maria del Mar Bonet, el director de Bocaccio Records, Alain Milhaud fue quien enseñó la canción a la cantante mallorquina y le propuso cantarla. “A mí me gustó cantarla y Delfí Abella hizo una adaptación preciosa al catalán”, explicaba hace unos años Maria del Mar Bonet. La cantante se presentó en septiembre de 1971 en un sencillo. Enseguida "El águila negra" adquirió una gran popularidad en la versión catalana, tanto que la situó en el número 1 en todo el Estado. A partir de ese momento le llegaron gran cantidad de propuestas que invitan a la cantante mallorquina a cantar en otros idiomas como el castellano o el francés, que Bonet rechazó de forma contundente. La idea de Milhaud era convertirla en una cantante de éxito internacional similar al que tenía Nana Mouskouri . Al final, Bonettuvo que pagar por poder abandonar la compañía discográfica con la que tenía contrato, Bocaccio Records, para poder seguir cantando el repertorio que le apetecía. El pintor Joan Miró le ayudó a salir del callejón sin salida haciendo la portada para su siguiente disco basado principalmente en poemas de Bartomeu Rosselló-Pòrcel. Bonet ganaria el Disco de Oro, lo que implicó la consolidación de la cantante como una de las mejores voces del Estado español.

0802.- Halleluwah - Can

Aunque Can nunca tuvo más que seguidores de culto durante su carrera, la banda alemana sería reconocida años mas tarde como la banda de rock de vanguardia líder que surgió de la década de 1970, siempre ignorando las tendencias de la música pop contemporánea, Can deseaba explorar otras áreas de la música rompiendo los conceptos tradicionales sobre el rock and roll. Al describir el sonido del grupo, los historiadores del rock a menudo nombraron a Frank Zappa o Velvet Underground como los contemporáneos más cercanos de Can, pero también notaron que, en contraste con estos artistas, Can creó un estilo de música mucho más serio e inaccesible. "En lugar de grabar canciones pop ajustadas o sátiras, Can experimentó con el ruido, los sintetizadores, la música no tradicional, las técnicas de cortar y pegar y, lo que es más importante, la música electrónica; cada álbum marcó un importante paso adelante con respecto al álbum anterior, investigando nuevos territorios que otras bandas de rock no estaban interesados en explorar". Al final de su carrera, Can, cuyos miembros principales incluían a Irmin Schmidt, Jaki Liebezeit, Michael Karoli y Holger Czukay, había producido algunos de los ejemplos más admirados de rock experimental jamás registrados. La música innovadora y desafiante del grupo influiría más tarde en bandas como Public Image Limited, The Fall, Einsturzende Neubauten y muchas otras.

Su segundo álbum, Tago Mago es como una invitacion a un extraño culto, en lugar de abofetearte con un mundo nuevo y extraño, te empuja suavemente mientras seduce tu libre albedrío para subirte a la montaña rusa que no quieres subir. Para crear una experiencia como TAGO MAGO se requirió el equipo de músicos, editores y productores más dedicado que estaba disponible en 1971 porque el alcance de los sonidos y estilos en este álbum está fuera del tiempo. La canción más larga y definitivamente la más funky del álbum es Halleluwah . Si tienes la oportunidad de leer las letras hazlo, son un verdadero viaje, esta canción es un auténtico maratón de escucha, pero merece la pena, 18 minutos y medio de puro éxtasis musical. En el estado de ánimo adecuado, esta canción es toda una experiencia, no dejes que los tambores pesados y repetitivos te desanimen, definitivamente hay mucho más en esta canción. Las guitarras están tan subutilizadas en estos días que Can sabía cómo usar guitarras. Esta canción se divide en un número de jazz lounge durante un rato (alrededor de las 4:40) y luego vuelve al sonido principal, hay un gran uso de sintetizadores, muy inquietante a veces, cada miembro hace su parte a la perfección, y todo encaja a la perfección. Esta canción es muy moderna y suena muy "genial", los tambores simplemente nunca paran, el bajo de Holger es el pegamento que mantiene unido a este, tan conmovedor. Una excelente canción, y el mejor ejemplo del espíritu del "Colectivo Can".

Scorpions - Taken By Force (Mes Scorpions)

Taken By Force - #MesScorpions 

En el mes de Scorpions vamos con el álbum número cinco de estudio de la banda.

Taken By Force es el álbum que marca un periodo clásico en la carrera de la banda Scorpions, y también la salida del grupo de Uli Roth. 

La decisión Uli Roth de dejar la banda,  era firme y la salida de Uli Roth de la banda no únicamente tenía motivos obvios como el desgaste de las relaciones entre los músicos, sino la toma de conciencia por parte de Schenker y Meine respecto a la nueva dirección que tomaria el grupo. 

Taken By Force es un álbum que hay que escuchar, todas sus canciones son perfectas, y si no lo ves así, creo que deberías volver a escuchar. 

Si vamos en orden Pictured Life es una de las canciones que demuestran la transición del nuevo sonido de Scorpions clásico al sonido de los años dorados. 

Otra de las canciones, fundamentales del álbum es Steamrock Fever desempeña un papel crucial en este proceso de cambio de la banda, de su etapa tradicional con aquello, que también iba ser muy grande, que todavía estaba por llegar.

We'll Burn the Sky otro temazo Top-10 de las canciones de la banda y sin margen de error una de las performances más increíblemente sentidas y profundas de Meine a lo largo de toda su carrera, que no es poco. Con letras de Monika Dannemann, We'll Burn the Sky representa fácilmente todo lo que hace de Scorpions uno de los mayores exponentes de la música Rock de todos los tiempos y es que aquí no hablamos tan solo de enormes guitarras, una sección rítmica perfectamente cohesionada, una perfecta orquestación o una prodigiosa voz que eriza los pelos, sino sencillamente de magia. Magia que únicamente unos pocos pueden ser capaces de reproducir. 

Con I’ve Got to Be Free volvemos a contemplar la cara más salvaje de Uli Roth, al punto que a ese otro Meine más descarado y visceral. Excelente rock y sublimes armonías, a continuación. Dos canciones que sin ningún problema pueden incluirse entre los temas más selectos de la banda.

The Riot of Your Time nos muestra por enésima de todo que Meine dominando su instrumento. Exactamente igual como patinan y deslizan las notas que expulsa de su guitarra en el fraseo inicial de la inmortal The Sails of Charon, que gracias a un riff de aire pseudo-arabesco, por decir una tontería, convierte a este tema en uno de los mayores estandartes del sonido de Scorpions de los 70’s. No existe margen posible al error; para aquellos que conozcan los estilos de uno y de otro, bastará sólo la mitad de un nanosegundo para certificar que un temazo como este, únicamente podía salir de la pluma de Roth. Indiscutiblemente, estamos hablando de uno de los momentos más inspirados en la carrera de la banda. De eso no tengo la menor duda.

Your Light, de nuevo con la firma del genio de Düsseldorf, y los calificativos se agotan para describir los niveles de talento, calidad y feeling de un guitarrista, que si bien no alcanza al nivel de Hendrix, no puede más que ser reconocido como uno de sus pupilos más aventajados. Descomunal Uli Roth con su sencillez en el estilo y al mismo tiempo con ese carácter tan desbordante y pasional.

Vamos enfilando las últimas vueltas en torno al plato y lo hacemos revisando otro clásico básico indispensable y de verdadero culto entre los fans de la banda. El tema en cuestión no es otro que ‘He's A Woman / She's A Man’ con un Rudy Schenker explendido al frente y el resto de la banda siguiendo sus pasos, sin temor alguno a agarrar con fuerza el cetro que ya por entonces ostentaban como leyendas eternas del Rock.

Este álbum cierra con otra de las grandes y olvidadas canciones interminable de estos magos sajones. Born to Touch Your Feelings es la canción que cierra el álbum, extendiéndose por casi ocho minutos y en plan balada. 

Llegamos de este modo al fin del álbum un clásico setenteros de Scorpions y decimos una vez más, por si no ha quedado claro, que aquí no sólo estamos en frente de uno de los mejores trabajos de la banda, sino también con uno de los mayores logros del género de la década de los setenta, que no olvidemos, que es aquella en la que el Hard Rock reinó por lo alto y como nunca jamás ha vuelto a hacerlo. 

Daniel
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0801-. Love Story (Where Do I Begin?) - Andy Williams

 

Love Story, Andy Williams

     Entra en escena uno de esos temas que podríamos catalogar como icónico, de esos que sin su presencia no podría entenderse la historia de la música en el cine. Nos referimos al tema central de la película de amor Love Story. Love Story (Where Do I Begin?) es una canción popular publicada en 1970 por Francis Lai y letras de Carl Sigman. La canción original se convirtió en el tema instrumental de la película de amor Love Story. Después Andy Williams la grabaría con una nueva letra. El tema grabado por Andy Williams sería publicado en enero de 1971 bajo el sencillo Columbia Records.

La partitura de Love Story fue escrita por Francis Lai, y la compañía de la película, Paramount, creyó que la canción que se escuchó en los créditos iniciales y finales, que se tituló Thema From Love Story, necesitaba letra. Fue al letrista Carl Sigman a quien se le pidió que proporcionara una letra para ​la canción, por lo que recibió una sipnosis del guión y la partitura principal de la música. El conjunto inicial de letras que escribió Carl Sigman refleja la trama la trama desde la perspectiva del protagonista masculino, quien describe a una mujer que entra en su vida y luego de repente se va. El ejecutivo de Paramount, llamado Robert Evans, pensó que la letra inicial que Carl había escrito era deprimente, por lo que exigió una nueva reescritura, lo que en un principio molestó a Carl, quien quería negarse en rotundo. Sería al día siguiente, cuando de forma más calmada, decidió ponerse y reescribir la letra. 

En un principio, sería publicada la grabación instrumental, Theme From Love Story, concretamente el 25 de diciembre de 1970, antes de que la película se estrenara, dejando para unas semanas después la versión de Andy Williams, lanzadada el 15 de enero de 1971. Al parecer esto fue intencionado, pues consideraban que solo la versión instrumental debía salir al mercado antes que la película, y que la versión vocal debía retrasarse hasta varias semanas después del estreno de la película para que el tanto el tema como la imagen de la película fueran calando entre la audiencia.

0800 - Lucia - Joan Manuel Serrat

0800 - Lucia - Joan Manuel Serrat

Lucía es una canción del cantautor español Joan Manuel Serrat grabada en 1971. Esta canción fue incluida en el álbum Mediterráneo.

La canción es un poema al amor perdido e imposible de olvidar. Describe con melancolía  Joan Manuel Serrat un sentimiento que ha quedado para siempre en la memoria. La letra de la canción Lucía, tiene la forma de una carta, escrita con intensidad, pero sin certeza alguna de que llegue a su destinataria, quizás las que más nos gustan de Joan Manuel. 

El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él. Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

Muchas veces le han preguntado a Joan Manuel Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles. 

Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando.

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor. 

El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».

Daniel 

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Figuras de los 60: The Mamas & the Papas

Los miembros originales de The mamas and the papas estaban formados por John Phillips, voz y guitarra; Michelle Phillips, voz; Denny Doherty, voz; Cass Elliott voz, juntos consiguieron un gran éxito con sus relajadas canciones folk-rock que personificaban la generación del amor de finales de la década de 1960 y llenaron las ondas de radio con su música. Su primer éxito, "California Dreamin'", fue lanzado en 1966, y en dos años, la banda nos ofreció una docena de éxitos que fueron reflejados en las listas de éxitos. Su sonido único fue una de las fusiones más exitosas de la música folk y rock hasta la fecha, y publicaron sencillos y álbumes de oro con ventas millonarias. Como se indicó en The Harmony Illustrated Encyclopedia of Rock, el grupo "combinó melodías fuertes y memorables con armonías vocales de altísimo nivel y un sonido folk-rock distintivo". Las grabaciones de Mamas and the Papas fueron especialmente exuberantes, con elaborados arreglos de cuerdas y una amplia orquestación. A pesar de que asociamos al grupo con la escena musical de California, Mamas and the Papas nutrió su talento musical en la escena folclórica del Greenwich Village de la ciudad de Nueva York. John Phillips, comenzó su camino en un grupo de canción popular llamado Journeymen que fue popular en los círculos populares y lanzó tres álbumes en Capitol Records. Holly Michelle Gilliam, que había conocido a Phillips en el club Hungry I de San Francisco, se unió al grupo como cantante después de llegar a Nueva York con la esperanza de conseguir trabajo como modelo. La relación entre Phillips y Gilliam se estabilizó y la pareja se casó en 1962, Gilliam cambió su nombre a Michelle Phillips. A ellos se unió el canadiense Doherty que se inició en la música en Halifax Three en Nueva Escocia y que hizo dos álbumes para el sello Epic, Denny encajaba perfectamente en el estilo, actuaron juntos en varios conciertos y tuvieron cierta popularidad haciéndose un hueco en la escena musical. Sin embargo, donde quiera que fueran, Denny siempre estaba hablando por teléfono con la misteriosa Cass Elliot y cuando Michelle y John preguntaban por ella, él decía: "Ella es mi mejor amiga", así que un día Denny les presentó a su amiga, fue una noche, justo cuando el trío probó una nueva droga, LSD, hubo un toque en la puerta, y fue cuando Michelle abrió la puerta, cuando se encontró a Cass, con un suéter rosa de angora, una pequeña minifalda blanca plisada, botas gogo a juego, pestañas postizas y el cabello alborotado, desde aquel momento Cass se unio a esas tres personas y disfrutaban de la vida. Fue en unas vacaciones cuando Cass suplicó entrar en el grupo, John dijo que su voz no alcanzaba la nota correcta, pero un día, una tubería de plomo se cayó y golpeó a Cass en la cabeza, ella quedó inconsciente y sufrió una conmoción cerebral leve, y unos días más tarde, cuando empezaron a cantar de nuevo, Cass tenía la nota perfecta, fue entonces cuando formo parte del grupo.

Aunque Mamas and the Papas grabaron "Go Where You Wanna Go" con la intención de ser el sencillo de debut, Adler decidió que "California Dreamin'" debería ser su primera exposición al público. Escrita por John y Michelle Phillips, California Dreamin llevó al grupo directo al exito, convirtiéndose en una especie de himno para los hippies de California. Tras ese exito grabaron su primer álbum, "If You Can Believe Your Eyes and Ears” que tuvo una buena aceptación. Cuando el grupo entró al estudio para grabar su segundo álbum, las canciones de John Phillips comenzaron a dominar las grabaciones del grupo, en ese momento la excepcional armonía musical del grupo contrastaba con el tenso matrimonio de John y Michelle, que en 1966 comenzaba a desmoronarse y llevaría a la disolución del matrimonio. Michelle se fue a vivir sola, al igual que Cass, mientras que John y Denny se convirtieron en compañeros de cuarto, afirman que era una forma de vigilarse el uno al otro, para saber que el otro no estaria con Michelle. Cada miembro tenía sus propios problemas, Cass se estaba distanciando del grupo y estaba saliendo con personas que buscaban aprovecharse de ella, tenía una casa en Laurel Canyon, y todos los días estaba llena de gente, poetas, músicos, escritores y pintores, mientras tanto, el dia a dia de John navegaba a la deriva y su vida se limitaba a un gran abuso de drogas. Tenía una buena colección de arte, autos lujosos y miles de dólares y todo estaba disminuyendo lentamente por culpa de las drogas mientras Denny se estaba sumergiendo en alcohol mientras trataba de sacar a Michelle de su vida, y el problema de Michelle eran los hombres. Salía con Gene Clark y durante un concierto le tiraba besos en primera fila, así que John se volvió loco y dijo que ya no podía trabajar con Michelle y que él o Michelle debían dejar el grupo. Entonces, obviamente, Cass y Denny firmaron una carta que decía que Michelle fuera despedida y que era reemplazada por Jill Gibson que en ese momento era la novia de Lou Adler y se parecía a Michelle. Así que estuvieron de gira con Jill como la nueva integrante durante unos 3 meses hasta que la presión de Denny y Cass derrumbó a John y se dio cuenta de que necesitaban a Michelle de vuelta.

En abril del 67' Mama Cass tuvo una niña, Owen Vanessa, nunca reveló quién era el padre. John y Michelle trataron de hacer que su matrimonio funcionara, pero el abuso excesivo de drogas de John se interpuso entre él y su música y él y su familia. El grupo que alguna vez fue una familia muy unida, se convirtió en casi extraños. John siempre escribía sobre ese viejo sentimiento de familia, y como estaba roto". Cass en este punto se preguntó qué estaba haciendo todavía en el grupo, tenía un hijo y quería cuidar de sí misma, y eso significaba cuidar su carrera, también estaba empezando a sumergirse en las drogas para adelgazar y escapar de la soledad. De alguna manera, John y Lou Adler encontraron la energía y la creatividad para organizar el Monterey Pop Festival. Esta sería la última actuación de Mamas and Papas. Dunhill sacó Dream A Little Dream of Me como un solo de Mama Cass, y ella salió con su primer disco en solitario. Denny, John y Michelle también intentaron ir solos, pero sin ningun éxito. Dunhill obligó al grupo a grabar un álbum más en 71 llamado "People Like Us". John y Michelle tuvieron una hija, Chynna, y se separaron definitivamente. Denny lanzó dos álbumes en solitario y en los últimos años dejó el alcohol. En julio de 1974, Cass actuó dos semanas en el Paladium de Londres y lo remató con una ovación de pie. Estaba diciendo que su carrera iba a despegar, cuando el 29 de julio fue encontrada muerta en su apartamento. Los informes inicialmente dijeron que se atragantó con un sándwich de jamón porque encontraron un sándwich a medio comer junto a su cama, esta información se dio para acallar los rumores ya que los informes decían que la muerte fue a causa de las drogas. Sin embargo, cuando se realizó la autopsia, quedó claro que Cass Elliot murió de insuficiencia cardíaca. El 2 de agosto de 1974, las Mamas and Papas se reunieron para enterrar a uno de los suyos, la pérdida que sentían era insoportable, Cass viviría en los corazones de aquellos que la amaron.

La música de Mamas and Papas es legendaria y es más que un recuerdo. Las nuevas generaciones escucharán esta música y escucharán su increíble historia. Su música y su legado nunca morirán.

El disco de la semana 318: Selected Ambient Works 85-92 - Aphex Twin

 

“Música de ritmo para una cosmópolis vacía en invierno”. Lo primero que tenemos que tener en cuenta es que Selected es una palabra crucial aquí. Si esperas poder reproducir este disco de adelante hacia atrás y hacer que fluya y fluya como si fuera un álbum en forma de LP de rock olvídalo. Lo primero que sentirás es que las primeras pistas en bucle se sentirán demasiado largas y simples otras de ellas son realmente demasiado pequeños. Navega por los temas que te gustan en ese momento o deja que funcione como ambiente, porque la palabra 'ambient' es igualmente crucial. No se equivoque: los ritmos de batería y las diferentes texturas de percusión son las únicas cosas que podrían oscurecer el estado de esta música como fondo ambiental/sueño/cualquier otra cosa para la que use su música ambiental. No sé bien donde empezó la música electrónica, ¿son cosas de los 70? ¿Podría ser el material atmosférico de Tangerine Dream, las diversas aventuras de Kraftwerk, incluso el Synth-Pop temprano? La década de los 80 realmente puso el pie en el suelo y decidió que la electrónica se asociaría con los clubes y cosas por el estilo, sí, pero antes de eso no había necesariamente una conexión tan innata.

Como mi primera incursión en su trabajo, esto naturalmente es un shock, como la mayoría de las personas de mi edad, solo lo conocía por dos canciones y ninguno de esos sonidos se parece en nada (el primero es una pesadilla de festival de ruido glitch con voces de nivel de metal extremo, y el segundo es un conjunto de funk electrónico espeluznante).  Lo más difícil para mí es tratar de descifrar el lado revolucionario que aparentemente tiene esto, no lo pongo en duda exactamente, sino por mi escasa experiencia con la electrónica. Viendo las fechas que tiene el titulo nos situamos cuando la música House explotaba en todo el mundo, aunque en la Gran Bretaña natal de Jame, esto significaba Acid House en particular, cuyos rastros emergen en varios puntos. Entonces, ¿qué hace que James sea especial? ¿Importa siquiera? Francamente, mi falta de conocimiento y experiencia en el género significa que probablemente soy incapaz de responder a la primera y no estoy seguro de que realmente importe. Si algo es realmente "especial" aquí es que este tipo de canciones realmente se están esculpiendo en pedazos, y que de hecho se pueden escuchar en muchos contextos. Dejando a un lado la importancia histórica de este disco para la(s) escena(s) house/rave/acid, (cómo reinició la música house hacia una etérea extramundanidad que podría funcionar de igual manera en el salón de tu casa como en la pista de baile) os confieso que simplemente nunca escuché cualquier disco de house o 'IDM' que reúna la atmósfera que hace este. Una vez más, es música urbana fría y nocturna, que evoca la sensación de deambular por una ciudad donde no hay nadie en las calles y, sin embargo, de vez en cuando se ilumina todo un piso de un rascacielos. Es música madura y de su época en muchos sentidos, que toma el punto contemporáneo y retrocede a las viejas formas sin retroceder a los viejos sonidos, y en marcado contraste con los Depeche Modes del mundo, esto no es absolutamente en ningún sentido material nacido de un formato pop o rock. Pero dejando todo eso a un lado, cuando la música comienza a sonar verdaderamente como un pequeño y maravilloso mundo sonoro esculpido, como pequeñas dimensiones de bolsillo, y logras distraerte en ellas durante 4 a 7 minutos más o menos, aunque esto venga en diferentes sabores, sabes que merece la pena.

Deteniéndonos en el disco creo que su mejor momento es cuando va en una de dos las direcciones, hay canciones aquí que tienen una neblina atractiva, por lo general algún tipo de melodía de fondo brillante que se transmite mientras que elementos más rítmicos aparecen en la parte delantera. Temas como Ixtal, Tha, Pulsewidth y Heliosphan. Estos son probablemente el sonido "principal", informando al front-end y definiendo la mayor parte del back-end, aquí está la batalla principal del disco. Cuando este sonido funciona, hace maravillas, formando el alma de la experiencia, la vibración hipnótica de ensueño, pero con la cabeza asintiendo de las cosas se construye en la parte posterior de esto. Hay un tipo de sonido más raro aquí que, sinceramente, solo aparece dos veces, con Green Calx y Hedphelym. el sonido empieza a girar hacia un lugar menos utópico, aunque no menos onírico, aquí los sueños dejan de brillar... o tal vez lo hagan, pero en el sentido de una luz negra. Esta es esa dimensión más oscura y extraña, la parte que recuerda que es la música de la noche. De ninguna manera estas pistas dan miedo o lo que sea, pero son bastante interesantes. 

El disco empieza con el fantástico Xtal, inmediatamente, las reverberaciones del tamaño de un almacén que impregnan este disco congelarán al oyente hasta los huesos antes de que lo arrullen con una hermosa línea de sintetizador, voces femeninas frígidas y ritmos de batería. Me encanta la progresión de este track e incluso los acordes barrocos que asoman en el fondo del corte. Las cosas se ponen un poco más tensas en Tha , que tiene este patrón de batería rígido que bordea la pista, sin romperse nunca. Nuevamente, creo que 'frío' es un buen descriptor aquí, aunque las voces enterradas en húmedo son más cálidas, ya que le dan a la pista algo de textura. Pulsowith muestra la influencia estaba tomando en la música Acid House con su estilo extremadamente divertido y bailable, otra canción en la que la progresión de la estructura es realmente agradable. A continuación tenemos Ageispolis , que me ha gustado bastante. me encanta el ambiente funky y cómo se mezcla con los drones del cielo y los sonidos del mar. “¡” es más un interludio que cualquier otra cosa, suena celestial, pero también creo que es completamente innecesario. Green Calx es probablemente uno de los cortes más abrasivos pero bailables y con más influencia ácid, así como el sonido metálico, creo que los golpes de batería de estilo techno se vuelven un poco tontos ahora en 2022. Si hay alguna pista de este disco que puede ser como una droga de entrada, es Heliosphan, esta canción es a la vez accesible y épica, me encantan los ritmos de batería breakbeat en este corte, así como los sintetizadores y melodías similares a órganos que ascienden y descienden simultáneamente. We Are the Music Makes con la muestra vocal de Gene Wilder es pura genialidad, así como la forma en que esta pista crece a medida que avanza. Schottkey 7th Path podría funcionar como una banda sonora de terror con lo tensa que es. Ptolomeo también captará los oídos de los oyentes, ya que tiene un ritmo realmente pesado y pegadizo, aun así, hay vibraciones relajantes que esta pista también emite. Si eres un fanático de la textura, Hedphelym tiene mucho, ya que esta pista suena como si estuviera literalmente en una cueva, los efectos de reverberación son envolventes. Delphiumes es una pista que siempre me ha parecido victoriosa y optimista, es un gran penúltimo corte. Me gusta cómo las melodías y la batería aparecen y desaparecen a lo largo de la canción. Finalmente, Actium es un fantástico tema para el cierre, me encanta el ritmo, así como las claves y los cambios de ritmo

Si eres nuevo en Aphex Twin y no sabes por dónde empezar, por supuesto escucha Selected Ambient Works 85-92 primero. Es una excelente introducción al oficio de Aphex Twin y, al mismo tiempo, es una obra singular en su discografía. No hay nada más parecido. El álbum hace eco y tiene una cualidad casi borrosa, pero su ambiente y tono son fríos y celestiales. Puede haber algunos momentos aquí y allá que no creo que hayan pasado bien, o que hayan envejecido mal a lo largo de los años, pero este también es un álbum que tienes que hacerlo parte de tu colección.

0799 - Mediterráneo - Joan Manuel Serrat

Son muchas las teorías que, durante años, intentaron establecer el momento en el que Joan Manuel Serrat pudo haber compuesto Mediterráneo, la canción que muchos consideran la mejor canción de la historia de la música popular en España. Se dijo que la había escribió en 1970 durante su encierro voluntario, junto a otro artistas, en el Monasterio de Montserrat, en protesta por el Proceso de Burgos. Otras teorías situaron su concepción entre agosto y noviembre de 1970, durante un período en el que Serrat viajó por diferentes lugares de España. Finalmente, en 2014 el propio artista, durante una entrevista para el diario El País, comentó haberla escrito durante su período de exilio en México, echando de menos el mar y la tierra que le vio nacer.

Incluida en el disco Mediterráneo (1971), es un canto alegre e intenso al mar y a la vida en la costa, salpicado de referencias autobiográficas ("...Tengo alma de marinero, qué le voy a hacer, si yo nací en el Mediterráneo..."), recuerdos de su propia infancia ("Quizás porque mi niñez sigue jugando en tu playa... ...) y sentimientos de añoranza ("...llevo tu luz y tu olor por dondequiera que vaya...). El descriptivo viaje termina en una declaración de fidelidad eterna a la tierra, manifestando su deseo de, llegado el fatídico momento, ser enterrado junto al mar ("Y a mí enterradme sin duelo entre la playa y el cielo..."), en una estructura en la que quizá pudo basarse la posterior "Pongamos que hablo de Madrid" de su compañero y amigo Joaquín Sabina ("Cuando la muerte venga a visitarme, que me lleven al Sur dónde nací...").

Lo realmente meritorio de una canción así es que, siendo un mensaje tan local y específico, la profundidad y el sentimiento que transmite la letra haya sido capaz de hacer de su Mediterráneo el de todos nosotros, haciendo que nos emocionemos por igual con cada escucha, aunque muchos de nosotros solo veamos el mar en vacaciones, y nuestra infancia sea más de secano y de edificios grises con antenas, y nuestros "atardeceres rojos" no se reflejaran nunca en las cristalinas aguas de ese idílico Mediterráneo que nadie ha retratado mejor que Joan Manuel Serrat en esta mítica canción.

0798 - Whiskey woman - Flamin' Groovies

0798 - Whiskey woman - Flamin' Groovies

The Flamin' Groovies, banda de rock estadounidense formada en 1965. El grupo musical nunca tuvo ningún éxito, pero era una banda de culto muy popular e influyente.

La banda primero se llamó The Chosen Few y luego The Lost and Found. Los miembros entonces consistían en Roy Alan Loney en la voz, Tim Lynch en la guitarra, George Alexander en el bajo, Cyril Jordan en la guitarra y Ron Greco en la batería. La banda se disolvió temporalmente en 1967 y resurgió ese mismo año como Flamin' Groovies. Ron Greco luego había sido reemplazado por Danny Mihm. Fue este conjunto de músicos quienes grabaron los primeros cuatro álbumes del grupo, los últimos tres de los cuales se consideran sus mejores álbumes. Loney dejó el grupo en 1971 tras desacuerdos con Cyril Jordan. Fue reemplazado por Chris Wilson. La banda fue, junto con MC5 y The Stooges, la fuente de inspiración de muchas bandas de punk y new wave a finales de los 70.

La canción Whiskey Woman, es la última canción del álbum Teenage Head, La canción Whiskey Woman fue escrita por Cyril Jordan y Roy Loney y fue lanzada por primera vez por The Flamin' Groovies en 1971, cuenta la historia de un hombre que le escribe o llama a su amante Whiskey Woman, que da nombre a la canción.

Daniel
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Scorpions - Virgin Killer (Mes Scorpions)

Nueva parada en el recorrido por el #MesScorpions, en esta ocasión para hablar del disco Virgin Killer (1976), el cuarto álbum de estudio de la banda alemana. Aunque el proceso de grabación fue similar al de su predecesor In Trance (1975), para Virgin Killer contaron con más medios y con una grabadora de 32 pistas, que les permitió añadir más capas de sonido y mejorar sensiblemente la producción de los temas. Esto hizo que el disco tuviera mayor repercusión que otras entregas anteriores, dando por fin el salto a ser conocidos más allá de las fronteras de Alemania, y comenzando a expandir por Europa su efectiva mezcla de hard rock y heavy metal. Siguiendo la línea ya marcada en In Trance, nada queda ya en las canciones de Scorpions de sus orígenes psicodélicos, y como ya hicieron en aquel disco, las canciones de Virgin Killer son nuevamente cortas y directas, repitiendo la fórmula con la que, ahora sí, lograrían visibilidad internacional.

El álbum comienza con Pictured Life, escrita por Schenker y dotada de una letra críptica y de aires místicos. Todo lo contrario que Catch Your Train, de letra más sencilla sobre ganarse la vida trabajando duramente día a día. Lo más destacable de la canción es, realmente, el excelso solo de guitarra, que paradójicamente, es lo que Schenker trabajó más duramente. Después hay espacio para las baladas rockeras (In your park) y pegadizas piezas de efectivo hard rock con toques sureños (Backstage Queen) hasta llegar a uno de los momentos cumbres del disco con Virgin Killer, la composición de Roth con la que se bautizó al álbum, un poderoso heavy rock de afiladas guitarras, inspirado en la manera de componer canciones de Kiss, compañeros durante la gira de In Trance.

Roth se inspiró en la manera de tocar la guitarra de Jimi Hendrix para la creación de Hell Cat, pero él mismo reconoció después que el resultado, aunque de algún modo innovador para Scorpions, no llegó a alcanzar el nivel de las composiciones del genio Hendrix. Tras este fallido intento, la última canción de Schenker para el disco (Crying days) remonta el vuelo con su aire oscuro y taciturno, en una de las piezas más complejas y profundas del disco. La oscuridad y la melancolía están también presentes, aunque en menor medida, en el último tramo del álbum, en dos canciones firmadas por Roth. Polar Nights va en la línea que ya había explorado en Hell Cat, pero con mejores resultados, y Yellow Raven cierra el disco de manera brillante y ensoñadora.

Virgin Killer tuvo que lidiar en su lanzamiento con la fuerte polémica generada por su portada, en la que aparecía una niña desnuda, con un efecto de vidrio quebrado cubriendo sus partes íntimas. El objetivo era que la portada generara revuelo y ayudara a incrementar las ventas del disco, pero claramente se pasaron de frenada, y en la mayor parte de los países la consideraron de mal gusto e inmoral, llegando en muchos casos a cambiar la portada por una foto de la banda, o a tapar la portada original con un plástico negro. En la mayor parte de las reediciones posteriores, se optó por la portada "alternativa" en la que aparecía la banda, desterrando el concepto original para no generar nuevas polémicas, mientras la ya casi desaparecida portada original ha sido incluida en muchas listas de "las peores portadas de todos los tiempos".

Polémicas aparte, el contenido de Virgin Killer fue alabado desde el principio como un gran disco de heavy metal, una impactante muestra de lo que Scorpions eran capaces de dar, y abrió el camino sonoro que emprenderían desde entonces, varios años antes de la llegada de los grandes éxitos comerciales de la banda. Una pena que los ecos de sus brillantes canciones fueran rápidamente apagados por el ruido generado por la desafortunada portada, que probablemente consiguió el efecto contrario al deseado, enterrando uno de sus mejores discos de los setenta entre una maraña de escándalos y protestas. No me negaréis que el destino tuvo su punto de ironía, porque fue la "asesina virgen" la que acabó matando a este disco.

0797.- Music is love - David Crosby

Cofundador de los Byrds, cofundador de Crosby, Stills & Nash (& Young), productor del primer álbum de Joni Mitchell, David Crosby es un ícono del rock de los años 60 y 70, pero nunca tuvo un sencillo de éxito con ninguna canción, principalmente porque la música de Crosby puramente destilada pasó por encima de todos y nadie se paró a disfrútarla. En cambio, lo vieron principalmente como un agitador político y un drogadicto e, injustamente, un bufón a pesar de que tenía el sentido más exquisitamente refinado de armonía avanzada que cualquier músico de rock y esa no era la manera de tener éxitos pop. Su voz era versátil, podía cantar con un tono fuerte y áspero, como en "Almost Cut My Hair", o con una entonación perfecta y pura digna de un niño de coro (su versión de la antigua canción francesa "Orleans"), o con un estilo conversacional graciosamente casual “Laughing”, y sorprendentemente, ni los malos hábitos ni la edad dañaron su “instrumento”, el único cambio en el timbre de Crosby fue una leve dificultad en la dicción. Crosby, un genio egoísta y autoritario, ya había sido expulsado de The Byrds, en 1969, su novia de toda la vida, Christine Hinton, murió en un accidente automovilístico. La tendencia de Crosby hacia la automedicación se disparó y perdió la cabeza con la heroína y la cocaína. Sin embargo, en 1971 hizo lo que considero uno de los mejores álbumes estadounidenses de la década, su debut en solitario If Only I Could Remember My Name. Etiquetado por algunos como "Hippy drippy drive", el álbum tiene una honestidad ingenua, una maestría musical brillante, magníficas armonías, grandes canciones, una dimensión social/política y una atmósfera general que te transporta a un lugar extraño. Nos entregamos a un disco increíblemente relajante, pero en ningún momento feliz, son canciones nerviosas e inestables de un tipo que no está satisfecho con lo que está pasando a su alrededor. Uno tras otro los temas suenan como si uno estuviera mirando a través de un catalejo en blanco y negro, sin saber quiénes son las personas, pero apreciándolas y sintiendo en carne propia sus lamentos. Esta música representa a una generación, un movimiento social y un estado de ánimo, que incluye Flower Power, Psychedelia, Woodstock, Social Awareness e Enlightenment, fue el único Renacimiento que experimentó el pueblo estadounidense en su toda la historia.

La primera pista y el sencillo fue este hito titulado Music is Love, con Neil Young y coescrito por él y Graham Nash, la canción consigue mantener la esencia indestilada de la era hippy que ya se había desvanecido, es una mermelada con poca o ninguna estructura, por eso mola tanto. Según el ingeniero de estudio Stephen Barncard, quien documentó las sesiones de grabación, la canción provino de una "cinta de registro", o una grabación no oficial de los músicos tratando de orientarse, que se tradujo en un sentimiento hermoso, de hecho, es una elección curiosa abrir el album con un rasgueo suave a lo largo de la introducción de guitarra acústica, que marca el comienzo de la pista y una letra muy repetida "Todos dicen que la música es amor". Líricamente, no sucede mucho más hasta alrededor de los 2 minutos y 50 segundos, cuando la letra cambia a "Pon tus colores, corre, ven a ver que todos dicen que la música es gratis", un comentario sobre los deseos de los fans en aquellos momentos que solicitaban que los festivales fueran gratuitos.

0796 - Yours Is No Disgrace - Yes

0796 - Yours Is No Disgrace - Yes

Yours Is No Disgrace es una canción de la banda inglesa de rock progresivo Yes, que apareció por primera vez como la canción de apertura de su álbum de 1971 The Yes Album. Fue escrito por los cinco miembros de la banda: Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe, Tony Kaye y Bill Bruford. 

La canción también se lanzó como single en algunos países de Europa continental como Italia y los Países Bajos. En Italia, la canción se dividió entre el lado A y el lado B. En los Países Bajos fue lanzado como maxi single, respaldado por Your Move y Sweet Dreams.

La canción ha sido tocada por la banda en sus shows en vivo. También ha aparecido en muchos álbumes recopilatorios y en vivo, incluidos Yessongs, Classic Yes y Yesstory.

La canción de apertura de The Yes Album, Yours Is No Disgrace, dura casi diez minutos. Según el crítico de Allmusic Dave Thompson, la duración y la complejidad de Yours Is No Disgrace probaron que Yes volviera con este estilo en sus próximos álbumes, sobre todo "And You and I", aunque afirma el critico que "en el momento del lanzamiento de Yours Is No Disgrace, fue único, y, escuchado de forma aislada hoy, sigue siéndolo".

La canción comienza con una introducción entrecortada, que crea tensión de inmediato. El riff principal de la introducción fue aportado por Jon Anderson, y fue objeto de una discusión en la banda ya que algunos de los otros miembros pensaron que era demasiado derivado del tema musical de la serie de televisión Bonanza. A esto le siguen los riffs de guitarra de Howe, que han sido descritos por varios críticos como alegres y amenazantes. Howe construyó las partes de guitarra usando sobregrabaciones, lo cual fue una nueva experiencia para él. Howe declaró que creó "un solo 'estudioizado' porque estaba compuesto por diferentes secciones. Me convertí en tres guitarristas". el chisporroteo del jazz-rock".

El autor Dave Simonelli comenta que el "patrón de acordes relacionado irregular pero simple" que toca Howe se desarrolla de una manera análoga a una sinfonía. El crítico de Village Voice, Robert Christgau, también elogia la interpretación de Howe en la canción.

Howe ha declarado que su solo de guitarra en la canción es uno de sus favoritos porque fue la primera vez que pudo sobregrabar sus partes de esa manera. Tony Kaye estaba en contra de la idea de usar cualquier tipo de sintetizador fuera del estudio, por lo que los primeros videos en vivo no muestran a Moog, y Jon Anderson se vio obligado a manejar las partes de Kaye en el sintetizador de pedal de bajo Dewtron "Mister Bassman". Más tarde, cuando Rick Wakeman se unió a la banda, se hizo cargo del riff principal de MiniMoog durante las presentaciones en vivo. Según el biógrafo de Yes, Chris Welch, las voces de Anderson y Squire "exudan una sensación de optimismo como si todas las batallas pasadas finalmente hubieran terminado y nada pudiera detener la odisea musical de la banda".

Daniel
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0795-. Yes - I've Seen All Good People

I've Seen All Good People, Yes

     El 19 de febrero de 1971 se publica el tercer álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Yes, titulado The Yes Album. El disco fue el primero en presentar al guitarrista Steve Howe, quien había reemplazado a Peter Banks en 1970. El disco fue producido por el propio grupo y por el productor e ingeniero inglés Eddie Offord, y publicado bajo el sello discográfico Atlantic Records.

Yes había grabado dos álbumes anteriores para Atlantic Records y ninguno había tenido éxito comercial por lo que la discográfica estaba considerando seriamente abandonarlos. Este tercer álbum obtendría un gran éxito de crítica y también comercial, llegando a alcanzar el puesto número 4 en Reino Unido y el número 40 en las listas de ventas de Estados Unidos. 

Incluido en este disco se encuentra el tema I've Seen All Good People, escrita por Jon Anderson y Chris Squire. El tema tiene una duración de casi 7 minutos y está dividido en dos partes, Your Move, escrita por Jon Anderson, que fue lanzado como sencillo alcanzando el puesto número 40 en Estados Unidos, y All Good People, escrita por Chris Squire. El tema es todo un alegato contra la guerra, y según Jon Anderson "La canción trata sobre la iniciación de uno mismo en la idea de que hay más vida que la guerra y la lucha dentro de las religiones y  cosas así", "...la música es el eje de todo. No solo es Yes, es la música la que une a las personas como ninguna otra energía a ese nivel".  También comentaaba sobre la primera parte Jon Anderson que estaba usando el juego de ajedrez en esta canción como una metáfora de los desafíos espirituales de la vida. "La vida es un juego de situaciones colocadas estratégicamente que se presentan, y tienes que aprender a vivir y trabajar con ellas". La frase "Send an instant comment to me, inital it with loving care" (Envíame un comentario instantáneo, pon tus iniciales con cariño) hace referencia a la canción Instant Karma, que había sido escrita y grabada por John Lennon un año antes, en 1970. No olvidemos que The Beatles fueron una gran influencia para Yes, que ya habían hecho una versión de un tema suyo, Every Little Thing, en su primer disco de estudio, llamado Yes.

Scorpions - In Trance (Mes Scorpions)

 

In Trance, Scorpions

Entrado el mes de marzo toca despedir a la genial cantante y compositora islandesa Björk y dar la bienvenida al artista que nos va a acompañar todo este mes. Banda fundada en Hannover en 1965 a la que no le llegaría el éxito hasta casi una década después con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio, In Trance. Desde entonces y hasta la fecha no han abandonado dicho éxito, el cual que dura ya casi 40 años. Nos estamos refiriendo, por si no lo habéis adivinado ya, a la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions.

Como en toda banda que se precie, los inicios no fueron fáciles. A pesar de haber surgido en 1965, no sería hasta octubre de 1971, con el apoyo del sello discográfico Brain, cuando se trasladan a Hamburgo y en tan sólo una semana graban su primer álbum de estudio, Lonesome Crow, el cual salió a la venta en febrero de 1972. El disco fue una mezcla de ritmos pesados y ritmos psicodélicos, y apenas consiguió repercusión, vendiendo apenas unas 10.000 copias. Tras varias aventuras, el grupo consigue un contrato con RCA Records para grabar cinco álbumes. Así, en 1974 publican su segundo álbum de estudio, Fly to the Rainbow, publicado el 1 de noviembre de 1974, un disco donde el grupo ya se va encaminando hacia el hard rock más claramente, pero manteniendo todavía detalles psicodélicos de sus primer disco.

Para que esta banda, sobrada de calidad, de el salto hacia la internacionalidad se dará un hecho fundamental, la llegada del productor Dieter Dieks, conocido como el sexto hombre de la banda. En un concierto en Essen, alemania, el grupo conoce a Dieter, a quien le gustó mucho como Scorpions se había ganado al público en aquel concierto. Dieter seguro del potencial de la banda, y que en su exitosa y larga trayectoria había trabajado con artistas de Krautrock y rock progresivo, pero no de hard rock, decide apostar por ellos y firmar un acuerdo para producir sus siguientes álbumes. La banda, consciente de la inexperiencia en el género hard rock de Dieter, decide apostar también por él. No podría salir mejor aquella alianza, la cual se prolongará hasta 1988. Comenzaba a macerarse el camino al éxito y la internacionalización con su siguiente trabajo, In Trance, un disco que ayudó a establecer la característica combinación de hard rock y heavy metal que se convertiría en el santo y seña de la banda germana. El enfoque de Dieter en el sonido del grupo será determinante para que el grupo se convierta ese año en el líder en ventas en Japón con In Trance, lo que les abrirá las puertas para tocar por primera vez en otros países como Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Suiza, además de telonear a Kiss en algunos de sus conciertos de su primera gira por Europa. 

In Trance es grabado durante el año 1975 en los estudios propiedad de Dieter Dieks, los Dierks Studios de la localidad de Stommel, en Colonia, Alemania, bajo la producción del productor alemán y publicado el 17 de septiembre de 1975 por el sello discográfico RCA Records. La agrupación está formada en aquel momento por Kalus Meine (voz), Uli Jon Roth (guitarra líder, coros y voz), Rudolph Schenker (guitarra rítimica y coros), Francis Buchholz (bajo y coros) y Ruddy Lenners (batería). La voz principal corrió a cargo de Klaus Meine en todos los temas excepto en Dark Lady y Sun in My Hand, donde la voz la puso Uli Jon Roth. Como hemos comentado anteriormente, la banda empieza a acortar la duración de las canciones en este disco, y a dejar atrás las influencias del rock psicodélico para centrarse en un sonido más orientado hacia el hard rock. La grabación se realizó durante el verano de 1975 por un periodo de tres semanas. Según Uli Jon Roth todo el material se registró en unos diez días, primero comenzaron con la sección rítmica, luego las voces y al final las guitarras. Lo que molestó a Uli fue el hecho de tener muy poco tiempo para trabajar con las guitarras, ya que tanto estas como en las partes rítmicas apenas se emplearon dos días. Diter Dierks resultó ser muy perfeccionista y aplicado, y le gustaba que todo estuviera perfecto y en su sitio. De hecho fue él quien sugirió acortar la duración de los temas y eliminar las influencias de rock psicodélico de sus anteriores trabajos con el fin de potenciar la carrera del grupo en los mercados internacionales.

La portada fue creada por el estudio CoDesign/Dirichs, y la tipografía empleada proviene de un cartel de la película de ciencia ficción Rollerball de 1975. La imagen principal fue tomada por el fotógrafo Michael Von Gimbut y muestra a una modelo sobre la Fender Stratocaster de Uli Jon Roth mostrando además parte de su seno derecho. Este último y pequeño detalle de la portada generó bastante controversia en algunos mercados, sobre todo el estadounidense, que se echaron las manos a la cabeza, por lo que posteriormente se oscureció el seno con manchas negras. Sobre esta polémica Uli afirmaba que aquello fue horrible, "La idea fue del discográfico, pero no nos opusimos. Eso sí, la culpa fue de nosotros. Estas portadas fueron probablemente lo más vergonzoso en lo que he participado". La calidad de la banda, unida a las ideas y sugerencias del productor Dieter, consiguieron potenciar al grupo fuera del mercado alemán, consiguiendo ser el trabajo del sello RCA Records más vendido en Japón ese mismo año. Posteriormente llegarían a alcanzar un Disco de Oro por vender más de 500.000 copias a nivel mundial. La banda acababa de despegar a nivel internacional.

El disco abre con Dark Lady y Uli Jon haciéndose cargo de la voz principal. Es sin dudad uno de los temas más potentes y metaleros del álbum y nació en una espeice de jam session. La introducción tiene unos efectos de guitarras de Uli Jon experimentando con su amplificador y su pedal wah-wah. La canción fue escrita por Uli Jon, y a pesar de tratarse de una cantante enamorada y solitaria, según el guitarrista, no tenía ningún mensaje en especial, únicamente estaba disfrutando "del ritmo boogie, con la conducción de la doble armonía de arpegios" Le sigue el tema que da título al disco, In Trance, un interesante tema acreditado a Schenker y Meine  que trata sobre el control de los excesos físicos y mentales. Rudolph Schenker comentaba que el tema podría relacionarse con el alcoholismo y contiene un solo de guitarra que refleja el estado de ánimo en la canción. Life's Like a River, es una power ballad que trata temas místicos como la mortalidad, la soledad y la trascendencia. El tema está acreditado a Schenker, Roth y Corinna Fortmann, esta última por entonces esposa de Dieter Dierks, quien colaboró como letrista en el tema. La introducción contiene el llamado sonido de twin guitars o guitarras gemelas, pero Roth no quedó muy contento con el resultado y no se pudo cambiar pues apenas quedaba tiempo ya. Esta es una de las canciones donde colabora con la banda el tecladista Achim Kirschning. Top of the Bill, acreditada Schenker y Meine, un poderoso y roquero tema que contiene unas armonías vocales muy contundentes. El grupo germano se demostraba así mismo con este tema que eran capaces de escribir buenos temas de hard rock, enérgicos y pesados. Cierra la cara A Living and Dying, escrita por Schenker y Meine, es un tema que trata sobre la soledad y contiene uno coros más que destacables.

Abre la cara B la trepidante Robot Man, acreditada a Schenker y Meine. En esta canción Uli Jon Roth vuelve a experimentar con su amplificador y su pedal wah wah para hacer un tema con un rollo muy punky. También se atreven con Evening Wind, un oscuro blues donde Roth vuelve a demostrar su destreza con las seis cuerdas. Le sigue Sun in My Hand, un tema que sigue el mismo rollo blusero que el tema anterior. Es el otro tema, junto a Dark Lady donde se encarga Uli Jon Roth de las tareas vocales. Contiene un solo de guitarra muy metalero que tiene un cierto aire celta. Nos vamos acercando al final de este más que interesante álbum con dos temas, Loging for Fire, un refinado tema de corte pop blues que contiene una interesante línea de bajo, y Nigh Lights, compuesta por Roth mientras se encontraba improvisando. Roth afirmaba que este tema poseía ciertas influencias del gran guitarrista Jeff Beck.

0794 - Carole King - Will You Love Me Tomorrow?

0794 - Carole King - Will You Love Me Tomorrow?

Will You Love Me Tomorrow? es una canción con letra de Gerry Goffin y música compuesta por Carole King. Fue grabado en 1960 por Shirelles en Bell Sound Studios en la ciudad de Nueva York.

Pero en 1971, Carole King, quien compuso la música de la canción, grabó una versión de Will You Love Me Tomorrow? para su segundo álbum de estudio Tapestry, con Joni Mitchell y James Taylor como coros en canales de audio separados. La versión de Carole King de la canción se tomó a un ritmo considerablemente más lento. David Hepworth lo analizó como "menos como las súplicas de dulzura por parte de una virgen temblorosa y más como una mujer madura que requiere paridad en una relación". Y fue un éxito dentro del álbum.

La canción se convirtió en una característica de los shows en vivo de Carole King. Taylor recreó su parte durante su gira conjunta Troubadour Reunion Tour de 2010 en la arena.

En Broadway Beautiful: The Carole King Musical de 2013 , la canción aparece en cuatro partes, una durante su escritura, una vez durante la grabación de una demostración por parte de Carole King, luego con las Shirelles interpretándola y luego Carole King cantándola y tocándola más tarde durante un momento especialmente malo en su matrimonio con Goffin. La curiosidad está que ninguna otra canción aparece con tanta frecuencia en el musical.

La canción fue la primera de un grupo de chicas negras en alcanzar el número uno en los Estados Unidos. Desde entonces, ha sido grabado por muchos otros artistas, incluida una versión de 1971 de la coguionista Carole King.

Daniel 

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