0816 - Jethro Tull - Cross-Eyed Mary

0816 - Jethro Tull - Cross-Eyed Mary

Cross-Eyed Mary es la segunda canción del álbum Aqualung, de la banda británica de rock progresivo Jethro Tull (1971). La canción fue escrita por Ian Anderson.

La canción tiene la historia  de Cross-Eyed Mary, una joven prostituta sexual que va a la escuela, pero prefiere estar en compañía de hombres mayores que con sus compañeros. El autor la caracteriza como una "Robin Hood" ya que pese a que los hombres ricos pagan por su compañía, ella busca a los "viejos verdes" (Letching Grey, Aqualung) y los acompaña como favor.

Esta canción es la continuación de la  canción anterior, del álbum Aqualung, canción del mismo álbum que habla sobre un vagabundo llamado así. En este tema, el personaje de Aqualung realiza un cameo. Por esto junto a la temática en general del álbum, se lo considera a Aqualung un álbum conceptual.

En el inicio del tema destaca especialmente la flauta de Ian Anderson en compañía del piano de John Evan; ambos entran en conjunto de una manera armoniosa y tétrica simula una canción gótica, para luego dar paso al riff de Hard Rock con una marcada presencia de la guitarra eléctrica junto al bajo eléctrico y la batería.

La banda de heavy metal Iron Maiden realizó una versión de esta canción, ha hecho una versión de la canción, que ha sido lanzada de diferentes maneras.  En una entrevista de 2022 con BraveWords, Anderson habló sobre sus pensamientos sobre la versión de Maiden y afirmó: "¡Una interpretación enérgica de un joven Bruce que prueba su rango vocal en una clave que no se adapta realmente a él!" 

Daniel 

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Scorpions - Crazy World (Mes Scorpions)

 

Los años 90 no fueron buenos para el Hard Rock y el Heavy Metal clásicos, pero el comienzo de esta década fue al menos decente para esos géneros, albumes como Painkiller de Judas Priest y el quinto álbum homónimo de Metallica representaban el Metal melódico mientras la escena del Metal extremo se estaba desarrollando. Pero ¿qué pasa con el metal comercial? Ya sabes, ¿todas esas bandas Glam? Bueno, eso es algo interesante porque algunos de ellos estaban desapareciendo debido a la llegada del Grunge y algunas bandas lograron sobrevivir debido al cambio de estilo. Scorpions comenzó esta década bastante bien desde el punto de vista comercial cuando lanzaron un álbum recopilatorio en 1989 y obtuvieron éxito en las listas de éxitos con los sencillos Wind of Change y Send Me an Angel. Crazy World será recordado por sus sencillos principales que mencioné antes y no es algo malo para la banda porque obtuvieron mucho dinero debido a esos éxitos, pero ¿qué pasa con los fans? Seguramente fue una especie de decepción ver a una banda de Metal que alguna vez fue brillante escribir estas pistas de relleno.

 

Comenzando el álbum, “Tease Me Please Me” es un rockero puro al estilo de los ochenta con riffs buenos y profundos y una voz majestuosa del cantante principal Klaus Meine, el coro de la canción tiene un gancho pegadizo con acentos rudimentarios, una apertura divertida con un riff genial, un trabajo de guitarra desagradable, la voz arenosa de Klaus y, en general, pegadizo como el infierno, es puro rock & roll sucio. "Don't Believe Her", sigue en la misma línea que el tema de apertura, de hecho, esta canción es tan similar que podría ser la segunda parte de una suite de varias partes (que no lo es), con los mismos compositores, no es algo para destacar, pero sigue siendo una canción divertida y optimista, aunque el coro es bastante débil. “To Be with You in Heaven” comienza con un simple golpe de batería de Herman Rarebell junto con una creciente retroalimentación de guitarra antes de que los dos instrumentos unan sus fuerzas al unísono, moderada y metódica en todo momento. Pensé que iba a ser una balada, pero es demasiado optimista y demasiado rockera para serlo. Rarebell tiene un ritmo de percusión como base para la canción, el gancho esta en que tiene esas letras románticas que esperarías de una balada y Klaus las ejecuta impecablemente, pero no es una balada con ese trabajo de guitarra dual de Jabs y Schenker. “Wind of Change” fue escrita únicamente por Meine y es el verdadero clásico de este álbum (sin mencionar uno de los clásicos del rock de todos los tiempos), la introducción silbante de la canción está acompañada por una combinación perfecta de una guitarra acústica y dos guitarras eléctricas de Matthias Jabs y Rudolf Schenker. Puede ser la canción por la que todos conocen al grupo, la letra surge a raíz de la caída del Muro de Berlín y pronostica un cambio similar en Rusia (que en realidad sucedió al año siguiente, justo cuando la canción estaba en su apogeo). “Wind of Change” tiene el récord del sencillo más vendido de un artista alemán, encabezando las listas en siete países de todo el mundo (incluida Alemania) y alcanzó el Top 5 tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Obviamente, después de este punto culminante, el álbum nunca mejora, pero todavía hay algunos momentos interesantes. “Restless Nights” contiene un blues crunch metódico con versos interesantes y melódicos, el bajista Francis Buchholz tiene unos momentos para brillar, pero todo es un poco oscuro y aprensivo. Incluso Klaus la canta con un poco de pesimismo hasta su coro más lucido Jabs establece un gran solo entre los gritos de Meine.

 

La segunda cara original del álbum comienza con un par de pistas estándar de hard rock. el tema bastante académico "Lust or Love" una diversión bastante descabellada con un gran ritmo y un estribillo que persiste mucho después de que se ha ido y te encuentras cantándola en la casa y tu esposa te mira con un mal de ojo sospechosamente extraño. Es un himno de metal entusiasta... bueno, está cerca. Despues viene "Kicks After Six", es más de lo mismo, rock & roll tentadoramente divertido, debo admitir que me gustan los rockeros estridentes, sórdidos y sucios, son divertidos, alegres y ponen un poco animo en mi día a día. En esta ocasión la canción abre con un riff realmente genial, Rarebell golpea el ritmo de conducción y la canción me da una patada en el culo. Ah, y el solo... no olvides el solo. “Hit Between the Eyes” sigue con algunos buenos rudimentos de estilo fire-one y un hiper arreglo en todas partes, que incluye un genial dúo de guitarras dirigido por Jabs y Schenker. Klaus esta brutal cuando ataca los versos con una energía que aún no hemos visto en este álbum. Luego llega "Money and Fame", que presenta un efecto de caja de diálogo genial de Jabs, quien coescribió la canción con Rarebell. La canción principal, “Crazy World”, tiene progresiones de acordes interesantes y una armonía profunda y suave durante el estribillo. Sin embargo, con cinco minutos de duración, esta pista se alarga demasiado. Los "ooohs" de Klaus son un buen toque, especialmente acompañados de algunos riffs geniales. Esta es una pista diferente del resto del álbum, un poco más trabajada, un buen cambio de ritmo y un corte bastante profundo que tal vez debería haberse colocado antes en el set.  Vallance toca algunos teclados malhumorados junto con la acústica elegida por Schenker en “Send Me an Angel”, una balada que es a la vez melancólica y esperanzadora, vemos a Klaus dar su mejor interpretación vocal mientras transmite una sensación melancólica pero donde queda una luz brillante de esperanza. Los teclados se suman a la tristeza y están a cargo de Jim Vallance, quien en realidad también coescribió 7 de las pistas aquí. Hay una desesperación en la letra porque se siente tan perdido, pero la esperanza de que un ángel vendrá y hará que todo sea mejor. Una pista realmente hermosa y que nunca me canso de escuchar.

 

0815-. Locomotive Breath . Jethro Tull

 

Lcomotive Breath, Jethro Tull

     Aqualung, es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock progresivo británica Jethro Tull, y se acabó convirtiendo en disco de culto dentro del género. Publicado en 1971 por  la compañía Chrysalis Records, fue considerado como un álbum conceptual basado en la temática de Dios y la religión, sin embargo el grupo siempre negó y rechazo el hecho de que el disco fuera considerado como tal, aunque si nos adentramos en la historia y los temas del mismo puede parecerlo.

El grupo estaba compuesto por aquel entonces por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Martin Barre (guitarra eléctrica), Clive Bunker (batería y percusión), Jeffrey Hammond (bajo) y John Evan (piano, órgano y melotrón). Para la portada se basaron en una fotografía que la esposa de Ian Anderson realizó a un vagabundo a orillas del río Tamesis. A partir de ahí se encargó de darle forma en forma de retrato de acuarela el dibujante Burton Silverman, donde se muestra a un hombre, un vagabundo con barba, el pelo largo y la ropa vieja.

Incluido en este indispensabe álbum se encuentra Locomotive Breath, una de las grandes joyas del disco. La canción comienza con una lenta y triste introducción de piano para luego ir cogiendo fuerza y como un tren de mercancias ir arrollando todo lo que encuentra a su paso, un magnífico tema. El tema trata de un hombre al que su mujer le engaña y encima sus hijos le han abandonado, por lo que este hombre, sin nada por lo que vivir y luchar ya,  decide suicidarse e ir al precipicio como una locomotora sin frenos. Tema que vuelve a ser una crítica a Dios, el cuál siempre gana frente al "eterno perdedor", el hombre.

0814.- I'm eighteen - Alice Cooper

Todo el mundo recuerda "My Generation" de The Who como el himno de la adolescencia de finales de los 60 por antonomasia, pero siendo justos, ese honor debería corresponderle también a "I'm Eighteen" de la banda de rock Alice Cooper, publicada como single en noviembre de 1970, y cuyo éxito de ventas facilitó que los directivos de Warner Bros. se convencieran de contratarles para grabar un álbum ("Love It to Death", 1971). La letra describe de manera certera y urgente la ansiedad del paso de la infancia a la adolescencia ("Tengo dieciocho, y no se lo que quiero... Tengo dieciocho y me gusta").

Tengo la sensación de que con Alice Cooper he tenido que ir superando diferentes fases de confusión y engaño. En primer lugar, y sin haber escuchado aún ninguno de sus temas, pensé que ese era realmente el nombre de aquel extraño rockero de pose gore y satánica, que se merendaba serpientes en el escenario, para descubrir después que Alice Cooper era, en realidad, el nombre de la banda. Después pensé que un tipo tan oscuro y extremo sería un cruce entre Pantera y Marilyn Manson, pero al escuchar precisamente "I'm Eighteen" hace ya algunos años, me sorprendió la cercanía sonora a los Rolling Stones, con riffs de guitarra lentos y una interpretación vocal áspera pero contenida, completamente alejada de la sensación trash que transmitía su imagen.

"I'm Eighteen" comenzó siendo una improvisación de ocho minutos, pero el productor Bob Ezrin les convenció para que la acortaran, hasta llegar al rotundo y áspero himno de tres minutos en que se convirtió la versión final. Fue su primer gran éxito, y el tema que más influencia ha tenido en muchas otras bandas de metal, punk y hard rock. Joey Ramone escribió su primera canción para los Ramones basándose en ella, y Johnny Rotten la cantó en la audición en la que fue seleccionado como cantante de los Sex Pistols. Son solo algunos ejemplos de adolescentes que, con Alice Cooper, descubrieron lo que querían hacer, quizá por haber cumplido ya los dieciocho, y haberse dado cuenta de que esa era la música que les gustaba.

Figuras de los 70: Roy Harper

Nació el 12 de junio de 1941 en Rusholme, Manchester, Inglaterra y a lo largo de su carrera, ha demostrado un talento multifacético y una actitud peculiar que resultó poco convencional para las masas de oyentes, y eso le hizo tan distintivo y original que convirtió al artista rebelde en un ícono para muchos. Su música oscila entre el folk y el rock, aunque no es lo que es conocido como folk-rock, por lo que las compañías discográficas encontraron difícil de comercializar su música, sin embargo, tanto los críticos como otros artistas consideran a Harper como uno de los mejores cantautores de Gran Bretaña. A pesar del respeto ganado como figura de culto y músico de músicos por su enfoque poco convencional, Harper ha tenido problemas para lidiar, entre otras dificultades personales, con la falta de reconocimiento de la corriente principal, sometiéndose repetidamente a períodos prolongados de auto tortura y confusión emocional. Además, cuando terminó la relación de nueve años con Jenner, Harper nuevamente se sintió abandonado, aunque resurgió a finales de los 80 y principios de los 90 más seguro de sí mismo.

Harper pasó su juventud en constante tormento y disfunción. Su madre murió un mes después de dar a luz y Harper fue criado por su madrastra en Blackpool. Testigo de Jehová rígida pronto inculcó en Harper un odio de por vida por cualquier forma de religión. Pero en la música, Harper encontró un medio de escape. Cuando no se rebelaba contra sus padres o peleaba en la escuela, escuchaba los discos de los músicos de blues estadounidenses. A la edad de 14 años, Harper formó su primer grupo, De Boys, con sus hermanos David y Harry. Sin embargo, a los 15 años se fue de casa y mintió sobre su edad para unirse a la Royal Air Force. Durante su breve paso por la Fuerza Aérea, Harper actuó en conciertos en los cuarteles antes de que el régimen militar, que probablemente parecía aún más intenso debido a su corta edad, afectara su estado mental. Dado de alta por demencia después de sufrir una crisis nerviosa autoinducida, Harper fue internado en el Instituto Mental Lancaster Moor, donde parte de su tratamiento incluía terapia electroconvulsiva. Una noche, después de una golpiza por vestirse sin permiso, Harper escapó del hospital psiquiátrico en pijama por la ventana de un baño y su destino fue vivir en las calles.  Todas estas experiencias de su niñez y adolescencia convergieron para dar forma a las canciones de Harper. La música que escribió e interpretó, especialmente la de los inicios de su carrera, parecía estar al borde del abismo, alimentada por sus propias inseguridades, una profunda desconfianza hacia la autoridad y la creencia en la libertad individual, así como la ira contra la crueldad, el racismo y la autocomplacencia temeraria. En 1965, el pequeño sello independiente Strike le ofreció a Harper la oportunidad de grabar. Su debut, The Sophisticated Beggar, fue lanzado al año siguiente e incluía "Committed", una canción de celebración pero desgarradora sobre su condición mental y el sufrimiento impotente del tratamiento psiquiátrico. El álbum atrajo críticas favorables, así como la atención del sello más grande Columbia Records, para quien grabó su seguimiento de 1967, Come Out Fighting, en su siguiente álbum, Harper demostró aún más su voluntad de experimentar con formas de composición. Y al final de la década, se había establecido firmemente en la escena underground como un artista que se negaba a someterse a las convenciones. En 1970, alcanzó otra medida de fama como el tema de la canción "Hats off to (Roy) Harper" en el álbum Led Zeppelin III, Jimmy Page de Led Zeppelin, un amigo de toda la vida, escribió la canción en homenaje a Harper.

En 1971, sufrió un trastorno circulatorio congénito raro llamado fístula arteriovenosa pulmonar múltiple (donde las venas y las arterias se unen en los pulmones) que permanece con Harper hasta el día de hoy. Aunque la condición ralentizó su impulso durante algunos años a principios de la década de 1970, dice que, en general, no ha interferido con sus actividades musicales. Así, tras un descanso, volvió con dos conjuntos más de evocadoras canciones: Lifemask , estrenada en 1973, y Valentine ., lanzado en 1974. El día de San Valentín de ese año, realizó un concierto ahora legendario en el club Rainbow de Londres con una banda de acompañamiento formada por Page, Keith Moon y Ronnie Lane.  En 1975, Harper también fue invitado como vocalista principal de la canción "Have a Cigar" del álbum Wish You Were Here de Pink Floyd. Bullinamingvase, lanzado en 1977, fue su mayor éxito comercial, alcanzando el número 25 en las listas británicas y produciendo el éxito elegíaco "One of Those Days in England", que contó con las contribuciones vocales de Paul y Linda McCartney. En 1982, Harper formó su propio sello, Public, y lanzó Work of Heart, aunque obtuvo críticas favorables, el álbum no se vendió bien y Public se declaró en quiebra. Aunque ambos álbumes contenían algunas canciones excelentes, la mayoría de las pistas mostraban más amargura que su fuego habitual. En 1988, lanzó una sombría colección de canciones para Descendents of Smith, un álbum que Harper describió como sobregrabado y sobreproducido. En 1990 lanzó el aclamado álbum Once, que incluía contribuciones de Gilmour y Bush, aquí Harper mostró un tono más tranquilo, aunque más seguro, así como una mejor técnica vocal y de guitarra. Aunque había reafirmado su estatus en el mundo del rock, Harper se exilió durante varios años hasta alrededor de 1996

El disco de la semana 320 - Carne para la picadora - La Polla

Cuando propuse el disco "Carne para la picadora" (1996) como disco de la semana en 7dias7notas.net, me sorprendió que José María Hernández me dijera entre risas: "No lo conozco, yo me quedé en Revolución", porque fue gracias a él, a su hermano Koper y a un tercer culpable llamado Kina, que conocí a La Polla Récords. Está claro que, en mi círculo de amigos, los de Salvatierra (Álava) han ido perdiendo adeptos. Es verdad que desde aquellos míticos primeros discos ("Salve", "No somos nada" o el ya mencionado "Revolución") muchas cosas han cambiado, empezando por el nombre del grupo, que precisamente desde "Carne para la picadora" tuvieron que reducirlo a "La Polla" debido a un fallo judicial iniciado en 1991 contra la banda por uno de los técnicos de sonido, y terminando precisamente por el sonido del grupo, más limpio y mejorado en los últimos discos, lo cual no siempre ha sido del agrado de los seguidores más acérrimos y nostálgicos.

En discos previos a "Carne para la picadora" la intensidad de música y letras había perdido cierto fuelle, pero en esta nueva entrega, además de un sonido más limpio y trabajado, también traen consigo una intensidad recuperada, entregando un punk acelerado que en algunos temas llega a rozar el hardcore, y revitalizando de nuevo las letras con sus tradicionales temáticas, volviendo a retratar a una sociedad marcada por graves diferencias sociales, injusticias laborales, drogas, alienación de los medios, conflictos vecinales, violencia por todas partes y un panorama futuro desalentador. En lo musical, y en contra de lo que parece haberles sucedido a mis amigos, yo agradezco la pureza de sonido de discos como este, en el que con la misma contundencia de antaño, no tengo que esforzarme en entender lo que Evaristo está cantando, aunque como todo grupo con una trayectoria dilatada, flote en el ambiente la sensación de que los discos nuevos nunca serán como los grandes discos de antaño.

El disco comienza con el desgarrador grito a capella de “Carne para la picadora”, metáfora de como la droga acaba destrozando a las personas. Es la canción bandera del disco, y el mejor ejemplo de la fuerza que le van a imprimir a las canciones, y del rotuno pero cuidado sonido de punk rock moderno que tiene este disco. "Envidia cochina" es aún más punk si cabe, tanto en la música como en la ácida letra contra la figura del rey y la monarquía, y es quizá la más emparentada con el tipo de canción que hacían en sus comienzos.

Por el disco desfila un carrusel de personajes e instituciones que no escapan a la crítica mordaz e irónica del grupo, que no deja títere con cabeza, empezando por el sistema de selección laboral en "Amigo, si quieres currar", la manipulación televisiva y publicitaria en "Distorsión", o el modelo educativo, que lleva a los estudiantes a estudiar hasta la extenuación, para después poder acceder a un gris puesto de trabajo, en lo que parece una precuela de "Amigo, si quieres currar" y que comparte temática con el “Career oportunities” de The Clash.

El cambio de marcha y la mayor aceleración de algunos temas tiene un buen ejemplo en "Quinta criminal", que precede a la no menos acelerada "Jodiana", uno de los momentos cumbre del disco, y una de las composiciones más oscuras de su discografía, con frases tan rotundas y apocalípticas como la de "la verdad va descalza, pidiendo para comer”). No parece que haya una solución positiva para el mundo y la sociedad que denuncian, porque “La solución final”, con un toque más rockero que punk, es para ellos, "una cámara de gas, con los políticos adentro".

La manipulación que denuncian no se queda solo en la influencia de la "caja tonta" televisiva, sino que se adelantan diez años en el tiempo, y ponen sobre la mesa la deshumanización y el aislamiento al que los ordenadores e Internet podían llevarnos en "Incomunicado". De nuevo, la situación parece no tener remedio en la acelerada "Sin salida", y vuelven a la ácida crítica, planteando en clave punk rock que si la energía nuclear es "Tan segura y natural", las centrales deberían construirse en las zonas nobles de las ciudades, en lugar de llevarlas a las zonas más marginadas y rurales.

En el final del disco, vuelven por sus fueros más brillantes en "Cara de perro", retratando a la perfección al traicionero vecino que puebla los rellanos, las escaleras y las comunidades, escondido tras los visillos o la mirilla, alimentándose de las vidas de los demás para compensar lo triste que es la suya, y concienciado en denunciar cualquier conducta o situación que pueda alterar el buen funcionamiento de la sociedad. No menos ácida y acertada es “Gol en el campo”, en la que, a través de una ingeniosa letra futbolera, disparan también contra la corrupción social, política y mediática, todas ellas tapadas por el influjo de la pelota, el llamado opio del pueblo ("Justicia corrompida arbitra la contienda / patrón enloquecido despide libremente / y roban la pelota por la extrema derecha / atentos al remate que va directa a puerta”). Mientras suene tan actual, seguiremos siendo "carne para la picadora".

0813-. Ballad of Dwight Fry - Alice Cooper

 

Ballad of Dwight Fry, Alice Cooper

     El 9 de marzo de 1971, la banda de Phoenix, Arizona, Alice Cooper, liderada por Vince Fournier, quien adoptaría como nombre artístico el de la banda, Alice Cooper, publica su tercer álbum de estudio, Love it to Death. Este fue el primer disco de la banda que conseguía tener éxito comercial, y fue también el disco que consolidaría el sonido de la  banda, que apuesta por un sonido más rockero y agresivo en detrimento del sonido psicodélico y experimenal de sus anteriores trabajos. El álbum fue grabado en los estudios RCA Mid-American Recording Center de Chicago, Illionois (Estados Unidos), bajo la producción de Jack Richardson y Bob Ezrin, y publicado por el sello discográfico Straight, perteneciente a Warner Bros.

La portada del grupo originó cierta controversia, pues presentaba al cantante, Alice Cooper, posando con el pulgar sobresaliendo para que pareciera que era su pene. Warenr Bros. pronto reemplazaría la portada por una versión censurada. Un joven llamado Bob Ezrin, quien a la postre trabajó con artistas como Lou Reed, Aerosmith, Kiss, Pink Floyd, Deep Purple o Peter Gabriel entre otros muchos, se une al proyecto de la banda como productor y anima al grupo a que mejore su composiciones,por lo que la banda estuvo ensayando durante dos meses entre diez y doce horas al día. Ezrin tenía la intención de desarrollar un sonido cohesivo para el disco, aunque su seriedad y rigor fue objeto de humor y bromas por parte de la banda. 

Incluido en este disco encontramos el tema Ballad of Dwight Fry, en homenaje al actor Dwight Frye, quien intepretó a personajes maniacos en muchas películas de terror producidos por Universal, incluido el personaje de Renfield, de la película original de Drácula (1931). En el título de la canción se eliminó la "e" final del apellido para evitar una posible demanda judical. El cantante Alice Cooper escribió este tema junto al por entonces guitarrista y compositor de la banda Michael Bruce. Curiosamente la voz del niño en la introducción de la canción fue en realidad grabada por una mujer de unos 20 años que era amiga de la banda, y el productor Bob Ezrin tuvo la de idea de que Cooper, para grabar la canción, se acostara en el suelo rodeado por una jaula de sillas de metal para crear un elemento de realismo en los gritos frenéticos del cantante.

0812 - Northern Sky - Nick Drake

0812 - Northern Sky - Nick Drake 

Northern Sky es una canción del álbum Bryter Layter de 1971 del cantautor inglés Nick Drake, producido por Joe Boyd. Durante las sesiones de grabación del álbum, el compositor crónicamente tímido y retraído formó una amistad y una especie de tutoría con el productor Joe Boyd, uno de los primeros seguidores de Nick Drake. Boyd vio potencial comercial en la versión de demostración acústica y sin acompañamiento de la canción, y reclutó al ex miembro de Velvet Underground, John Cale, como productor. Cale añadió arreglos de piano, órgano y celesta, inicialmente en contra de los deseos de Nick Drake.

La canción marcó un fuerte cambio de dirección en el sonido de Nick Drake. Estaba complacido con la producción de Cale y anticipó que la canción sería su éxito comercial. Sin embargo, Island Records decidió no lanzarlo como sencillo, y el álbum que lo acompaña, como su predecesor, no recibió apoyo de marketing y, por lo tanto, no se vendió. Habiendo probado arreglos exuberantes, el siguiente álbum de Nick Drake, Pink Moon, se caracteriza por voces sombrías y partes de guitarra escasas, pero nuevamente solo recibió un lanzamiento limitado.

En la década de 1980, Northern Sky se convirtió en fundamental para resucitar el interés en la música de Drake que hasta entonces había sido en gran parte olvidado. El biógrafo Patrick Humphries describe la canción como "la mejor... a la que Nick Drake alguna vez prestó su nombre. De nuevo sonando solo y vulnerable... suplica que llegue el brillo".

El exitoso sencillo de 1985 en el Reino Unido "Life in a Northern Town" de The Dream Academy se basó e inspiró en Northern Sky, y contribuyó al resurgimiento del interés en la carrera del compositor desde principios hasta mediados de los 80. La voz del cantante Nick Laird-Clowes refleja directamente el estilo de Drake, mientras que la carátula del disco contiene las palabras "Nick Drake, Steve Reich & Classics For Pleasure". Nick Drake, entonces prácticamente desconocido en el Reino Unido, fue mencionado en una entrevista de Melody Maker con Laird-Clowes, quien dijo que su canción surgió de una "fuerte conexión con Nick Drake de una manera que ni siquiera puedo explicar". Como resultado de esto, la BBC comenzó a recibir solicitudes de la canción de Drake, mientras que Nick Stewart, jefe de A&R en Island Records, le dijo al sello que el catálogo del compositor podría estar en una posición ideal para reeditarlo en el CD para adultos en desarrollo. mercado. La canción se publicó como un maxi-sencillo de CD promocional para el álbum recopilatorio de 1994 Way to Blue: An Introduction to Nick Drake. En 2004, NME describió la canción como la "mejor canción de amor en inglés de los tiempos modernos".

La canción aparece en el álbum recopilatorio de 2005 Anthems in Eden: An Anthology of British & Irish Folk 1955–1978, y en la escena final de la película de comedia romántica estadounidense de 2001 Serendipity.

Daniel
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Scorpions - Savage Amusement (Mes Scorpions)

#MesScorpions - álbum Savage Amusement 

Seguimos recorriendo la discografía de la banda Scorpions en su mes, y en esta entrega vamos con Savage Amusement que es el décimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1988 a través de Mercury Records. Es el último trabajo de los alemanes en ser producido por Dieter Dierks, ya que durante las grabaciones tuvieron serias diferencias de opinión, que provocó que la banda no renovara contrato con él.

Las grabaciones de todas las canciones se realizaron entre mediados de 1987 y principios de 1988, en los Dierks Studios y en los Scorpio Sound Studios, este último propiedad de Rudolf Schenker. 

Dentro de este proceso la banda invitó a la canadiense Lee Aaron, que colaboró en los coros de «Rhythm of Love» y al bajista de Accept, Peter Baltes, que también colaboró en los coros de varios temas entre ellas «Every Minute Every Day». 

Durante su grabación, Scorpions y el productor Dieter Dierks comenzaron a tener serias diferencias de opinión, que provocó que la banda no renovara contrato con él dando, fin a la colaboración en noviembre de 1988. 

Para esta nueva producción, Scorpions adoptó algunos sonidos más accesibles con la idea de obtener mayor radiodifusión, lo que se ve demostrado en canciones como «Passion Rules the Game» y «Walking on the Edge». De acuerdo a Barry Weber de Allmusic, este cambio de sonido estuvo inspirado en el éxito radial de bandas como Def Leppard, que a pesar de ser bueno, no se puede comparar con la música de sus álbumes anteriores.

Savage Amusement se publicó el 16 de abril de 1988 en Europa por Harvest/EMI y en los Estados Unidos, a través de Mercury Records. A los pocos días de su lanzamiento, recibió un gran éxito en las listas musicales del mundo, donde se ubicó dentro de los top veinte de varios países. Por ejemplo, en los Estados Unidos alcanzó el quinto puesto en los Billboard 200, superando así lo conseguido con Love at First Sting. Además, y solo meses después, fue certificado con álbum de platino en el mercado estadounidense tras vender más de un millón de copias.​

Para promocionarlo se lanzaron tres canciones como sencillos; «Rhythm of Love» publicado en mayo, que logró el sexto lugar en la lista estadounidense Mainstream Rock Tracks, la power ballad «Believe In Love» que se ubicó en la posición 12 de dicha lista y «Passion Rules the Game», lanzado meses más tarde.​ Cabe destacar que las tres pistas fueron promocionadas con vídeos musicales, con gran rotación en la MTV. Por otro lado, en abril del mismo año iniciaron la Savage Amusement Tour que destacó por poseer diez presentaciones en Leningrado en la Unión Soviética, que los convierte en la segunda banda de rock en tocar en dicho país gobernado por el comunismo.

El 6 de noviembre de 2015 y debido a la celebración del 50° aniversario de la banda, el disco fue remasterizado bajo el nombre de Savage Amusement 50th Anniversary. Esta reedición contó con seis pistas adicionales; Can't Explain —cover de The Who—, las versiones demo de «Edge of Time», «Living for Tomorrow» y «Dancing with the Moonlight», y las maquetas de «Taste of Love» y «Fast and Furious», canciones que fueron registradas durante el proceso de grabación, pero que al final fueron descartadas.

Además, se agregó un DVD con el video completo de To Russia With Love and Other Savage Amusement y los videos musicales de «Rhythm of Love», «Passion Rules the Game», «Believe In Love» y «Can't Explain». Por último, se incluyó un documental sobre la historia del álbum que posee entrevistas a Klaus Meine, Rudolf Schenker, Matthias Jabs y Herman Rarebell.

Daniel 

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0811.- Never can say goodbye - Jackson 5

Escrita por Clifton Davies y ofrecida originalmente a The Supremes, Never Can Say Goodbye ("Nunca puedo decir adiós"), finalmente fue grabada y publicada como single en 1971 por los Jackson 5, como primer single lanzado para la promoción del disco Maybe Tomorrow (1971), y en la voz del pequeño Michael Jackson se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo de hermanos más famoso de todos los tiempos.

Con tan solo 11 años, Michael Jackson le imprime a la interpretación del tema una profundidad sorprendente para su edad, y pese a ser una canción que algunos consideraban demasiado seria para un grupo adolescente, Never Can Say Goodbye llegó al nº 2 del Billboard estadounidense y al nº 33 de las listas británicas de singles.

Desde entonces, son muchas las versiones que se han grabado de este mítico tema de la Motown, siendo la más notable la de Gloria Gaynor en 1987, y la más recordada (al menos para los que crecimos en los ochenta) la del grupo británico The Communards en 1987. En ambas versiones optaron por modificar el estilo de Never Can Say Goodbye para transformar la seria balada original en una bailable canción disco. Y para los amantes de las curiosidades, existe una versión en castellano, grabada por Paloma San Basilio en 1975, bajo el título de "No puedes volver a mí".

0810.- Soy Rebelde - Jeanette

Jeanette Anne Dimech, más conocida como Jeanette, nació en Londres, Inglaterra, el 10 de octubre de 1951, esta cantante y compositora hispano-británica que se dio a conocer a finales de la década de 1960. En 1982 la revista Billboard le otorgó el premio Billboard en español y en 2012 la revista Rolling Stone incluyó una de sus canciones entre Las 200 Mejores Canciones del Pop-Rock Español. Algunas figuras del medio musical han hecho versiones propias de sus temas como Rocío Jurado, Masterboy, Enrique Bunbury, Juan Bau, Chayanne, entre otros. Debido a su peculiar forma de pronunciar las palabras al entonar una canción y su atractivo aspecto físico, Jeanette se hizo un espacio fuera del Reino Unido, su país natal. El público hispanohablante adoraba su música, pues era algo atractivo para la época, fue así como su tema “Por qué te vas” llegó a ser versionada por el famoso Enrique Bunbury.

Otro de sus temas que causó sensación fue “Soy rebelde”, «Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así». A quién no le suena esta frase o, es más, quién no ha llegado a utilizarla en alguna ocasión. El paso del tiempo la ha convertido en parte del acerbo popular y en hasta manida expresión sine die, pero realmente su génesis tuvo lugar en 1971 en la mente creativa del compositor y arreglista Manuel Alejandro. Esta canción fue su debut en solitario de Jeanette, después de pertenecer por cuatro años al grupo Pic-Nic, del cual salió por presión de su madre, quien la obligó a dejar la industria musical. Un año antes de lanzar este tema Jeanette se casó y tuvo un hijo, creyó que se dedicaría únicamente a su hogar o se convertiría en piloto de avión, hasta que el compositor Manuel Alejandro la contacta para ofrecerle una canción. El magistral uso de una melodía basada en piano, instrumentos de viento y violines envolvió la suave voz de Jeanette para crear un producto que incluso hoy en día, más de cuarenta años después, y sin duda la elección fue un acierto ya que unas semanas atrás, el mencionado tema había sido publicado con la voz de la mexicana Sola, pero no obtuvo el éxito esperado. Por esta razón pensaron en la londinense, como una segunda oportunidad para el tema. Aunque al inició Jeanette lo rechazó, después de un mes de negociaciones terminó aceptando el trato. El tema rompió récords. Si bien tenía una dulce melodía, la letra de “Soy Rebelde” era considerada como una incitación a los jóvenes para no obedecer a la ley, por lo que se prohibió que el tema sea escuchado por menores de 16 años. La canción habla sobre la adolescencia y los sentimientos que afloran en esa etapa de la vida, según el compositor, jamás pensó en hablar de política. La historia de aquella chica incomprendida y solitaria que se reprocha su existencia de la que habla la letra prendió entre los jóvenes aficionados al pop. Estaban necesitados de un himno que canalizara la rebeldía típica de su edad, de su apasionamiento, de su fantasía, de su idealismo... Había muchos deseos de cambiar España, de enfrentarse a un sistema que los encorsetaba y coartaba las ansias de libertad. La repercusión de 'Soy rebelde' fue tal que incluso Jeanette se vio obligada a grabarla en varios idiomas inglés, francés, portugués, italiano... y hasta japonés, algo que no le resultó difícil debido a su condición de políglota, al haber residido durante su niñez en distintas ciudades del mundo. El single se distribuyó en veinte países y fue el tema más vendido de los compuestos por Manuel Alejandro.

0809.- Angel - Jimi Hendrix

Incluida en su álbum póstumo "The Cry of Love" (1971), "Angel" es una de las últimas grandes canciones del siempre genial Jimi Hendrix, sin duda uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Escrita y producida por el propio Hendrix, como muchas de las canciones del que iba a ser su cuarto álbum de estudio antes de su repentina muerte en Septiembre de 1970, fue además seleccionada para ser lanzada como single en el Reino Unido, y apareció también como cara B de la canción "Freedom" en Estados Unidos.

La letra de "Angel" hace referencia a un sueño de Hendrix sobre su madre Lucille, en el que ella se despedía mientras se la llevaban en una gran caravana, a lomos de un camello. Inspirado por aquel extraño sueño, Hendrix construyó una canción que es una rara gema en su discografía, ya que aunque incluye los habituales elementos psicodélicos de su obra, son pocas las baladas melancólicas que en el estilo de "Angel" podemos encontrar en su discografía.

En realidad, "Angel" no era uno de los últimos temas compuestos por Hendrix, que ya en 1967 grabó una primera versión en los Olympic Studios de Londres, con el título provisional de "Little Wing". En una demo posterior, también grabada en Londres, el nombre de la canción cambió a "Sweet Angel", y a finales de 1967 Hendrix le añadió algunos overdubs, pero no terminó de perfilar la letra definitiva hasta ya entrado 1968, y por esa época el título era una combinación de los anteriores: "My Angel Catherina (Return of Little Wing)". Tras abandonarla durante casi dos años, en 1970 la retomó de nuevo en los Electric Lady Studios de Nueva York, con la intención de que formara parte del nuevo disco. Afortunadamente, Hendrix llegó a terminarla a tiempo, partiendo de la séptima toma de las sesiones en Electric Lady, a la que añadió después capas adicionales de guitarra, porque poco después, la caravana de su sueño vino a buscarle, para llevarle en un camello junto a su ángel soñado.

0808-. Freedom - Jimi Hendrix

 

Freedom, Jimi Hendrix

     El 5 de marzo de 1971 veía la luz The Cry of Love, álbum póstumo del genial cantante, compositor y excelso guitarrista Jimi Hendrix. Dicho disco fue realizado a partir de material en el que Hendrix estaba trabajando para la publicación de su cuarto disco de estudio, planeado antes de su muerte. Si bien la mayoría de las canciones fueron incluidas en las listas de canciones propuestas por Hendrix, la selección final del material corrió a cargo del ingeniero y productor Eddie Kramer y del baterista Mitch Mitchell, con el aporte de mánager de Hendrix, Michael Jeffery. El disco fue grabado entre los estudios Electric Lady y Record Plant, ambos de Nueva York, y publicado por el sello discográfico Reprise Records para el mercado estadounidense, y por el sello Track Records para el Reino Unido. El disco obtuvo un gran éxito en las listas de ventas de ambos países, y la crítica definió dicho trabajo como un impresionante tributo a Hendrix.

Incluido en este brillante tributo se encuentra la canción titulada Freedom, considerada como uno de los mejores temas que Hendrix escribió y grabó en los meses previos a su muerte.la canción, que presenta varios estilos musicales y sus letras reflejan varias situaciones a las que Hendrix se enfrentaba en aquel momento, fue grabada a mediados de 1970 por el guitarrista con su formación de acompañamiento después de Band of Gyspsys, compuesta por el baterista Mitch Mitchell y el bajista Billy Cox, junto con músicos de sesión adicionales. La canción fue el tema de apertura del álbum The Cry of Love, y en Estados Unidos fue lanzado como el primer sencillo del disco. Freedom, aparentemente puede parecer una canción simple, lujuriosa y arrogante que nos habla de la libertad en el mundo, un grito de libertad para dos amantes en guerra entre sí, cuando en realidad reflejaba algunos de los problemas gerenciales y comerciales o los problemas de adicción con los que Hendrix estaba lidiando en aquel momento.

Scorpions - Love At First Sting (Mes Scorpions)

Lo que me ha ocurrido al escuchar Love at First Sting (1984) el que fuera noveno disco de Scorpions fue sin duda "Amor a primera vista" o, para ser más fieles a la traducción del título, "Amor al primer picotazo". Nunca he sido un gran fan de esta banda alemana de heavy rock, pero me encantaban algunas de las canciones sueltas, esas que todo el mundo ha escuchado y que han pasado a la historia del heavy rock, como por ejemplo "Still loving you", "Big city nights" o "Rock you like a hurricane". Cuál sería mi sorpresa cuando, al ver las canciones que componían el disco antes de ponerlo en el reproductor, comprobé que todas ellas estaban incluidas en Love at First Sting.

Tras el éxito de su anterior disco Blackout (1982), el disco sigue una línea continuista en cuanto al sonido, aunque el giro hacia canciones de corte más comercial es bastante evidente. Con este "picotazo", los Scorpions pretendían por fin alcanzar el éxito en Estados Unidos, que hasta ese momento se les seguía resistiendo. Love at First Sting recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, que destacó especialmente el sonido y el gancho comercial de sus sencillos, entre los que estaban los tres ya mencionados "Rock You Like a Hurricane", "Still Loving You" y "Big City Nights", y un cuarto single ("I'm leaving you"), publicado únicamente en Estados Unidos, en un nuevo ejemplo de la obsesión del grupo por hacerse un nombre más allá de Europa. Lo consiguieron gracias a este disco, y gran parte de la culpa la tuvo la power ballad "Still Loving You", que obtuvo un éxito masivo en Europa, y que a día de hoy sigue siendo la más reconocible y aclamada de aquellas gloriosas "baladas heavies" de los ochenta.

El guitarrista Rudolf Schenker fue el compositor de la música de todas las canciones del disco, siguiendo la pauta marcada por la discográfica de que las canciones fueran más "radiables". Para ello, toda la banda siguió durante un tiempo y con extrema atención el tipo de canciones que se emitían en las radios musicales estadounidenses de la época, y adoptaron algunas de esas pautas de sonido ochentero sin dejar de lado su estilo heavy, llegando a un cuidado equilibrio entre el rock y las baladas comerciales. En el lado más rockero estarían temas como "Bad Boys Running Wild" o "Rock You Like a Hurricane", uno de los temas más comerciales del disco junto con "I'm Leaving You", la canción que mejor ejemplifica el cambio estilístico de la banda, porque tras un riff rockero, la canción cambia repentinamente y adopta el tono suave y relajado con el que terminaron ganándose el favor del gran público.

A medio camino entre un sonido y otro estaría "Coming Home", que hace el camino opuesto a "I'm leaving you", arrancando como una balada triste que después va mutando y acelerando gracias a un efectivo riff rockero. A continuación llega la canción más "metalera" del disco, "The Same Thrill", llena de poderosas guitarras y una estructura simple y efectiva. Entre las dos canciones, calientan los motores para la llegada de otros de los grandes himnos comerciales de la banda, la pegadiza y hard rockera "Big City Nights", inspirada en unas vistas de la ciudad de Tokyo, desde la habitación de un hotel durante la gira anterior. En este tema, así como en "As Soon as the Good Times Roll" y "Still Loving You" fue el propio Schenker el que se encargó de los solos de guitarra, en lugar del habitual Matthias Jabs. Ambos guitarristas brillan especialmente en "Crossfire", una de las joyas ocultas de este álbum, más cercana a la línea que los fans primigenios de la banda hubieran preferido.

El disco cierra con "Still loving you", su gran apuesta por las power ballads, y la canción más épica de toda su discografía. Un tema cuya creación databa de varios años atrás, pero solo en un disco tan cuidado como éste pudo al fin tener cabida una canción que, a la postre, acabaría siendo histórica, el picotazo definitivo de los escorpiones alemanes en las listas de ventas, y el cierre perfecto para uno de los mejores discos de heavy metal de los ochenta. Con un disco tan robusto bajo el hombro, la banda emprendió una gira (Love at First Sting Tour) de más de 180 conciertos para promocionarlo, y entre otros hitos, actuaron en el primer Rock in Rio de Río de Janeiro, el 15 y 19 de enero de 1985. También pasearon su Love at First Sting por el festival Monsters of Rock de Inglaterra (16 de agosto de 1986) y concluyeron su larga y exitosa gira precisamente en Madrid, el 5 de septiembre de 1986, donde un público entregado les declaró a los Scorpions su amor a primera vista por el nuevo sonido y la calidad de las nuevas composiciones, algunas de las cuales siguen hoy en día ocupando un lugar privilegiado en nuestra memoria, y siguen arrancándonos una sonrisa cada vez que vuelven a sonar en la radio. Nos enamoraron entonces, y las seguimos queriendo.

Figuras de los 90: Mary Chapin Carpenter

 

Mary Chapin Carpenter forma parte de la industria de la música de Nashville después de su aparición estelar en el espectáculo en los Country Music Awards de 1990 que fueron televisados ​​a nivel nacional. Al interpretar su canción, "(You Don't Know Me) I'm the Opening Act", se ganó los elogios de muchas de las estrellas más brillantes de la música country, algunas de las cuales fueron la clara inspiraron para que Carpenter escribiera esa canción. El tema musical se burla de los grandes egos de la industria y fue una apuesta arriesgada porque era un comentario crítico sobre el mundo de Nashville de alguien externo, de alguien que en ese momento era un don nadie. Chapin relató años depues a la prensa como "Estando sentada al lado de Tammy Wynette, ella me tomó de la mano y me contó esta maravillosa historia sobre cómo años antes, cuando ella apenas comenzaba, un tipo la trató como basura... Ahí fue cuando quedé impactada, podrías ser un don nadie como yo o ser Tammy Wynette, y podrías identificarte con esa canción, esa es la razon por eso que la escribí". Las letras de Carpenter a menudo hablan de experiencias de vida, de ganar y perder, y de mantenerse fiel a sus ideales, su habilidad para conectar con temas personales la hizo popular entre hombres y mujeres. En 1987, Carpenter lanzó su álbum debut, Hometown Girl , para CBS. el álbum contenía baladas largas que revelaron su talento como compositora talentosa, y recibió principalmente difusión en la radio universitaria. Su segundo álbum, State of the Heart , fue lanzado en 1989 y fue bien recibido por la crítica y se convirtió en un éxito comercial, también obtuvo importantes premios a las Mejores Nuevas Vocalistas Femeninas de la Academia de Música Country y una nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Country/Femenina.

En 1990, Carpenter alcanzó el platino con su álbum Shooting Straight In The Dark . La canción "Down at the Twist and Shout" alcanzó el número uno y le valió un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Country/Femenina, sin embargo, fue la canción "Middle Ground" la que capturó un tema y la convirtió en la favorita del grupo de solteros de treinta y tantos, la canción trataba sobre una conversación que tuvo con su hermana sobre la búsqueda de un punto medio y evitar los altibajos extremos de la vida con el trabajo, las relaciones y los amigos. Carpenter ganaría cuatro premios Grammy entre 1991 y 1994, la mayor cantidad para cualquier artista. Come On Come On , su lanzamiento de 1992, llevó a Carpenter a la estratosfera de la escena de la música country, el álbum fue triple platino, recibió tres premios Grammy, tuvo siete sencillos exitosos y pasó dos años en la cima de las listas de Billboard. Su lanzamiento de 1994, Stones In The Road , debutó en la posición número uno en los mejores álbumes country de Billboard y permaneció allí durante cinco semanas. Las canciones contenían temas profundamente personales y serios que revelan momentos de amor y soledad. A Place in The World , el lanzamiento de Carpenter en 1996, fue una búsqueda de uno mismo, Carpenter dijo "El lugar está conectado con la identidad, y la identidad está conectada con uno mismo y el valor, y juntas estas canciones tienen un sentido espiritual artístico. Siempre estoy tratando de descubrir dónde encajo".

Carpenter usó su éxito comercial para llamar la atención sobre muchos problemas nacionales. Ha escrito dos cuentos para antes de dormir para niños, los beneficios de su libro fueron donados al Proyecto Víctimas sin Voz del Instituto para el Entendimiento Intercultural. Carpenter actuó en el concierto del quincuagésimo aniversario de UNICEF en 1997. Acompañó al secretario de Defensa William S. Cohen a Bosnia para realizar un concierto de Nochebuena para los soldados estacionados allí.

0807 - Ezy Ryder - Jimi Hendrix

 

0807 - Ezy Ryder - Jimi Hendrix 

Ezy Ryder es una canción escrita y grabada por el músico estadounidense Jimi Hendrix. Es una de las pocas grabaciones de estudio que incluye tanto a Buddy Miles en la batería como a Billy Cox en el bajo, con quien Hendrix grabó el álbum en vivo Band of Gypsys (1970).

Ezy Ryder se lanzó por primera vez en The Cry of Love, la colección póstuma de canciones de 1971 en la que estaba trabajando Hendrix cuando murió. Desde entonces, se ha incluido en otros intentos de presentar el cuarto álbum de estudio planeado de Hendrix, como Voodoo Soup (1995) y First Rays of the New Rising Sun (1997). También se han lanzado varias demostraciones y grabaciones en vivo en álbumes.

La primera versión de Ezy Ryder se grabó por primera vez, designada con el título "Slow", el 16 de febrero de 1969, en los Olympic Studios de Londres. La pista básica de la canción se grabó más tarde el 18 de diciembre de 1969 en Record Plant Studios en la ciudad de Nueva York. El mismo día, Hendrix, con Cox y Miles, ensayaron la canción en Baggy's Studios para las próximas actuaciones en el Fillmore East. El trío debutó con Ezy Ryder en el Fillmore East durante el primer espectáculo el 31 de diciembre de 1969. Más tarde esa noche, el grupo tocó la canción durante el segundo espectáculo, pero no la interpretaron al día siguiente durante el 1 de enero de 1970.

De regreso al estudio de grabación Ezy Ryder se ensayó, grabó y mezcló varias veces a principios de 1970, que fue cuando se hizo la grabacion de estudio. La primera sesión de grabación en los recién construidos estudios Electric Lady se realizo a mediados de junio de 1970. Steve Winwood y Chris Wood de Traffic grabaron coros para la canción. Otra sesión de grabación tres días después también se dedicó a Ezy Ryder, y se produjeron mezclas el 20 y 22 de agosto 1970. La mezcla del 22 de agosto 1970 se consideró la mezcla final y se presentó en la fiesta de apertura de Electric Lady Studios el 26 de agosto 1970.

Daniel 

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0806-. Man In Black - Johnny Cash

Man In Black, Johnny Cash

 

     Man In Black es el álbum de estudio número 38 del prolífico cantante Johnny Cash. El disco, que incluye géneros como country, folk, blues o gospel,  fue grabado en 1971 bajo la producción del mismo Cash y publicado el 31 de mayo de 1971 bajo el sello discográfico Columbia Records. Este trabajo contiene muchas referencias políticas.

Una de esas canciones es la que da título al disco, Man In Black, que se refiere tanto a la tendencia de Cash de vestirse habitualmente de negro tanto en los conciertos como en los tiempos difíciles en los que se creó la canción, en plena Guerra de Vietnam. La canción fue lanzada como sencillo en marzo de 1971, ocupando la cara A, y siendo acompañada en la cara B por Little Bit of Yesterday. 

Como todo el disco, Man In Black fue una canción de protesta escrita por Johnny Cash, y la letra es todo un manifiesto contra injusticias como el tratamiento de los pobres por parte de los políticos ricos, el encarcelamiento masivo o la Guerra de Vietnam. Johnny Cash reveló que justo antes de interpretar la canción por primera vez, había hablado con algunas personas de la Universidad de Vanderbilt ese fin de semana, y se inspiró para escribir la canción en aquellas reuniones. De hecho, Cash interpretó la canción por primera vez usando unas tarjetas donde había escrito y revisado la letra de la canción. 

Además de ser una canción protesta, Cash usó la canción para ayudar a explicar porque siempre llevaba ropa negra: "Llevo el negro para los pobres y los golpeados...", "...Lo uso para el prisionero que ha pagado mucho tiempo por su crimen pero está ahí porque es una víctima de los tiempos". Al principio Johnny Cash y su banda usaban camisas negras porque era el único color a juego que tenían en sus armarios. El cantante llegó a usar otros colores en el escenario al principio de su carrera, pero afirmaba que le gustaba usar el negro tanto dentro como fuera del escenario. La banda de punk rock cristiano One Bad Pig grabó una versión de esta canción en 1991 con el mismísimo Cash colaborando en la misma. En España sería el grupo Loquillo y Los Trogloditas quien se atreviera a realizar su propia versión de la canción en su álbum de 1993 Mientras Respiremos.

El disco de la semana 319: Salisbury - Uriah Heep

Salisbury,  Uriah Heep

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a ir a la ciudad de Lndres, allí se formó en 1969 Uriah Heep, banda de Hard Rock y Rock Progresivo que se convirtió en una de las más populares en la década de los años 70.

El germen de Uriah Heep se gestó de la mano del vocalista David Byron y el guitarrista Mick Box quienes por entonces se encontraban en un grupo llamado Spice. Poco tiempo después deciden cambiar el nombre del grupo Spice por Uriah Heep, nombre que sacan de uno de los personajes de una de las novelas más famosas de Charles Dickens, titulada David Copperfield. En 1970 se incorpora al grupo Ken Hensley el cuál provenía de un grupo de de rock psicodélico llamado The Goods. Ken es el compositor principal de casi todas las canciones en la época dorada del grupo. El grupo quedaría conformado en sus inicios por David Byron (voz), Mick Box (guitarra), Ken Hensley (voz, teclado y guitarra), Paul Newton (bajo) y Alex Napier (batería).

La formación, en 1970 y con los músicos de apoyo Colin Wood (teclados) y Nigel Olsson y Keith Baker (batería), editan su primer LP, de título Very 'Eavy... Very 'Umble, disco que no consiguió buenas críticas, de hecho de él se dijo que era una copia del grupo Deep Purple. El hecho de que el grupo compartiera local de ensayo con Deep Purple lo mismo tuvo algo que ver para que quedaran influenciados en cierto modo por el sonido del grupo púrpura.

En 1971 el grupo cambia de batería, abandonando el grupo Alex Napier y siendo sustituido por Keith Baker, el cuál había colaborado como músico de sesión en su álbum debut. Una vez conformados lo cambios se meten en faena y editan su segundo álbum de estudio, Salisbury, el recomendado para esta semana. Es un disco donde además del rock, coquetean con el rock progresivo y el jazz fusión, y con el que se acabarían resarciendo de la mala crítica de su primer trabajo.

Salisbury es grabado entre octubre y noviembre de 1970 en los estudios Lansdowne de Londres, bajo la producción de del británico Gerry Brown, y publicado en enero de 1971 por el sello discográfico Vertigo Records para el Reino Unido, por el sello Mercury Records para Estados Unidos y por los Sellos Island Records y Bronze Records para el resto del mundo. Este disco tuvo mucha importancia para Ken Hensley, quien se convirtió y asentó como el compositor principal del grupo. El grupo acaba deshaciéndose del sonido de su primer álbum, y decide potenciar y perfeccionar su sonido con una excelente combinación de hard rock y rock progresivo. 

La portada del álbum mostraba un tanque Chieftain británico, el cual está conectado con el título del disco, ya que en Salisbury Plain, en Wiltshire, Inglaterra, es un área de entrenamiento militar. El LP original tenía una carátula desplegable, con una imagen en banco y negro de la parte inferior del tanque Chieftain en el interior con la torreta mirando hacia atrás, sobre la cual estaban impresos los comentarios de Hensley en cada pista del disco. La reediciones posteriores eliminarían el desplegable y sería una portada simple, mientras que en en Estados Unidos, Mercury Records presento una imagen de portada diferente, consistente en un hombre arrancándose su propia piel, al igual que en la ediciones originales canadienses. Posteriormente en Canadá utilizarían posteriormente la portada original hecha para el Reino Unido. 

Abre fuego de este indispensable disco el tema Bird Of Prey, un poderoso tema rockero que alterna fogosos riffs con pausas instrumentales muy bien acompañadas de teclados. Esta canción apareció por primera vez en la edición estadounidense del álbum debut de la banda, Very 'Eavy ... Very 'Umble, lanzado en 1970. Posteriormente la canción sería regrabada y utilizada en salisbury. Le sigue The Park, compuesta por Ken Hensley, una suave y agradable balada con un ligero toque psicodélico, basada en una sutil mezcla de guitarras acústicas y de teclados. Más que destacable el genial falsete de David Byron muy bien acompañado por Ken Hensley en las armonías que hacen a dúo. Turno para Time to Live, que contiene unos grandes riffs de guitarra. Fue escrita por Mick Box, Ken Hensley y David Byron, y trata de un hombre que está a punto de salir de prisión después de 20 años, los cuales está cumpliendo por matar a un hombre que estaba agrediendo a su mujer. Cierra la cara A uno de los temas más excelsos de toda la discografía de la banda, Lady in Black, compuesta por Kensley, el cuál se inspiró en la visión de una niña desconocida. Se cuenta que entre 1882 y 1889, en Chentelham, Inglaterra, una veintena de personas afirmó haber visto a una misteriosa Dama de negro. También se cuenta que en Texas, Estados Unidos, la Dama de negro era la mujer de un rico hombre de negocios español y que un día fue colgada. Desde entonces cuenta la leyenda que su fantasma suele merodear cerca de la carretera 281 en Alice, Texas. De hecho muchos conductores que han pasado por allí afirman haberla visto.  Posteriormente Ken Hensley contaría en que se inspiró para componer la canción: Durante una gira por el noroeste de Inglaterra, al salir del hotel, Hensley se percató en la presencia de una joven vestida de negro con su largo cabello ondeando al viento caminando por la calle, esto hizo que se le activara su imaginación, cogió su guitarra y se puso a componer. David Byron solía ser el cantante habitual de los temas de Uriah Heep, pero éste tema en concreto no le gustó y se nego a grabarlo, por lo que a sugerencia del productor del disco, Gerry Brown, fue el propio Hensley el que la grabó. Los acordes de las guitarras eran muy simples, lo que le permitió al grupo meter cuatro guitarras, siendo dos de ellas tocadas por roadies del grupo. 

La cara B del álbum está compuesta por dos temas únicamente, High Priestess, un animado tema que junto con Time to Live son los que tienen un corte más orientado hacia el hard rock, y donde vuelven a destacar las magnífica armonías vocales de la banda; y Salisbury, otro de los grandes temas de la banda, y considerada como una de las grandes del género progresivo con sus más de 16 minutos y con la incorporación de una orquesta de 24 piezas. El tema es toda una oda al género, donde sus algo más de 16 minutos están repartidos en varias partes. La canción cuenta con un excelente acompañamiento musical orquestal de viento, madera y metales, y donde la impresionante mezcla de música clásica, rock, y jazz nos embriagará gratamente. Concebida como una larga sesión de improvisación y como una epopeya progresiva con diferentes secciones cuidadosamente elaboradas. Sobre este tema hay quien considera que los arreglos orquestales de la canción interfieren con el sonido del grupo en lugar de desarrollarlo. Sea como fuere, está claro que este tema es uno de los grandes del rock progresivo. 

Con este disco, Uriah Heep daba el espaldarazo definitivo para ser considerada como todo un referente en la historia del rock, de la que mamarían infinidad de bandas posteriores.

0805 - John Prine - Angel from Montgomery

0805 - John Prine - Angel from Montgomery

Angel from Montgomery es una canción escrita por el artista John Prine, que apareció originalmente en su álbum homónimo de 1971, John Prine. La canción ha sido versionada extensamente por varios artistas, entre ellos Carly Simon en 1972, y usada para una serie de televisión de Netflix Orzak.

John Prine escribió Angel from Montgomery después de que un amigo le sugiriera escribir "otra canción sobre personas mayores", refiriéndose a la canción de Prine "Hello in There". Aunque Prine había "dicho todo lo que quería sobre las personas mayores en 'Hello in There'", estaba intrigado por la idea de "una canción sobre una mujer de mediana edad que se siente mayor de lo que es... eventualmente tenía esta imagen muy vívida de esta mujer de pie sobre el agua para lavar platos con jabón en las manos... Quería salir de su casa y de su matrimonio y todo. Solo quería que viniera un ángel para sacarla de todo esto. " Prine cree que probablemente se sintió atraído por Montgomery como escenario de la canción en virtud de ser fanático de Hank Williams, quien tenía vínculos con esa ciudad.

Ángel de Montgomery fue el título original del guión de Cherie Bennett y Jeff Gottesfeld que se convirtió en la película de 2006 Broken Bridges. El escenario del guión de Montgomery se cambió al ficticio Armor Springs en la película.

La canción se usa en la película ¿Quién bombardeó a Judi Bari? También la canta Marc Menchaca, en el último episodio de la serie Ozark. En 2021, ocupó el puesto 350 en la lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" de Rolling Stone.

Daniel 

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