0431.- So long, Marianne - Leonard Cohen

Incluida en su álbum de debut (Songs of Leonard Cohen), So long, Marianne es una de las canciones más especiales del músico y poeta canadiense Leonard Cohen, inspirada en una Marianne real, una chica noruega llamada Marianne Ihlen, que el artista conoció en la isla griega de Hidra. Tan impresionado quedó Cohen con la belleza de esta chica griega, que declaró posteriormente que era la mujer más hermosa que había visto en su vida, y no es extraño entonces que le dedicara una canción.

Marianne Ihlen llegó a Hidra junto a su amigo el escritor Axel Jensen, con quien se casaría después, pero tras dos años y con un hijo pequeño, Jensen la abandonó, y poco después el azar hizo que se encontrara de nuevo con Leonard Cohen en una tienda de comestibles, dónde empezó una relación que duraría la mayor parte de la década de los sesenta, época en la que Cohen realizó el tránsito de la vida de poeta a la de músico, y escribió varias canciones y poemas inspirados en su bella musa y pareja.

De Marianne es la foto que aparece en la portada de su segundo disco (Songs from a room) y a ella está dedicado Flores para Hitler, el tercero de los libros de poemas que Cohen publicó. Pero quizá su mayor declaración de amor fueron los versos de esta delicada canción. Ha pasado tanto tiempo, Marianne, pero gracias a la magia de la pluma de Leonard Cohen te seguiremos recordando.

0430.- Sisters Of Mercy - Leonard Cohen

0430 Sisters Of Mercy - Leonard Cohen

Sisters Of Mercy es una canción del cantautor canadiense Leonard Cohen, aparecida en su primer álbum Songs of Leonard Cohen que se publicó en 1967. La canción describe a un grupo de dones muy hospitalarios que no se sabe si son monges, prostitutas o las costumbres de Edmonton, con los que el protagonista de la canción tiene una relación de amor auténtica en un hotel. El titulo nos lleva a pensar con esta ambigüedad, ya que en inglés Sisters of Mercy son una congregación de monges.

El título de esta canción inspiró el nombre de un grupo de rock gótico inglés de los años 1980 que se llama Sisters of Mercy. Este grupo hizo una canción titulada Marianne y una recopilación que se llamó Some girls wander by mistake, que es una frase extrema del primer álbum de Cohen.

Daniel 

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0429.- Suzanne - Leonard Cohen

 

Estamos ante la que probablemente es la canción más conocida de Leonard Cohen, casualmente es la primera que reseñamos ya que cronológicamente es la que aparece en su primer álbum, no tratamos de desesperanzaros con lo que en próximas entregas vendrá de Leonard Cohen, no sé si será mejor, para algunos seguro que sí, lo que si aseguro es que al menos muchas de ellas están a la altura. El punto fuerte de "Suzanne" sea probablemente la simpleza, la escuchas con ese leve sonido de guitara y te preguntas, hombre esto yo ya lo había escuchado en el recorrido de cuatrocientos y pico canciones que hemos hecho, pero no, con esa tranquilidad, con esa dulzura y con esas notas ligeras que acompañan a la voz y que en ningún momento le eclipsan, y más que eso, la refuerzan en los momentos más intensos no he logrado encontrarla, culpa mía seguramente, o culpa de un poeta que se mete a cantante y que quiere que su poesía prevalezca por encima de todo. Y es que la melodía no deja de ser repetitiva, obvia, directa, pero válgame, funciona, conecta, trasmite, importa bien poco que no tengas ni idea de lo que está diciendo si no conoces el idioma de Shakespeare, da igual, te llega, y el mensaje te lo imaginas y sin duda imaginas a tu persona perfecta a tu lado, y todo inundado de amor, y pajaritos que sobrevuelan vuestras cabezas, y campos de flores y bosques de olor estimulante y cascadas que no logran apagar el susurro de la voz de tu pareja, el amigo lo consigue, con esa melodía… y con su voz que te arrulla, has caído en el ensueño de Leonard Cohen. Las cuerdas reverberadas y los coros de fondo (los cuales no suenan psicodélicos ni por un segundo, a pesar de que todos los coros en 1967 tenían que sonar psicodélicos) hacen su trabajo perfecto. Y ya si sabes el idioma de Shakespeare y te has preocupado en buscar la letra traducida el segundo verso de la canción, la metáfora de Jesús el marinero, te noquea y sigue siendo hoy en día una de las mejores estrofas de poesía que se he escuchado en una canción (no pierdan de vista la angelical escalada melódica que ocurre cuando Cohen se adueña de la voz de Jesús mismo al cantar 'All men will be sailors then, until the sea shall free them') y es que Cohen consigue equiparar el contenido romántico del tema con un sentimiento religioso como quizás solo sabe hacer un buen poeta. Y no olvidemos, Cohen en los 60´s era ese gafapasta repelente y engreído que reconocemos ahora en este siglo XXI que abre la boca y tu pensabas para ti, vale chaval, tú mismo, déjame en paz, pero escucha, el tío pone música a su poesía y piensas, ostia, dímelo más despacio que me mola, escuchas "Suzanne" y jamás se te pasaría por la cabeza que Cohen podría llegar a ser un tipo pretencioso.

Pues esta es la canción que presentó a Cohen como artista discográfico, "Suzanne", se publicó inicialmente como un poema y luego se lanzó como un sencillo de Judy Collins en 1966. La propia versión de Cohen aparecería como su primer sencillo y como la seductora pista de apertura de Songs of Leonard Cohen y esta basada en una relación platónica con una bailarina llamada Suzanne Verdal y como dijimos al principio, sigue siendo la obra más perfectamente realizada de uno de los mejores compositores de todos los tiempos.

 

 

 

Disco de la semana 265: Fin de Siècle, The Divine Comedy

En 1998, en plena cuenta atrás para el final del siglo XX, el siempre inquieto Neil Hannon decidió ofrecer al mundo su particular visión de aquel momento de cambio, combinando a la perfección sentimientos como la angustia y la incertidumbre ante un siempre incierto futuro, con la ilusión y esperanza que también generaba la expectativa de todo lo nuevo que podía traer consigo el nuevo milenio. Y en esa dualidad se movieron de manera brillante las canciones de Fin de Siècle, balanceándose al ritmo de contundentes atmósferas de pop de cámara y de sutiles guiños electrónicos a la modernidad que se atisbaba a la vuelta de la esquina.

Tras el éxito de discos como Casanova o A short album about love, obras a la par románticas y alegres, que consiguieron el reconocimiento de crítica y público, todos esperaban que Hannon entregara un nuevo capítulo del pop ligero y luminoso al que aquellos discos les habían acostumbrado. Y aunque el primer single de Fin de Siecle (The National Express) fuera una canción tan divina y comediante como las anteriores, casi nadie estaba preparado para lo que el resto del disco estaba a punto de mostrar, en canciones mucho más intensas y angustiosas, y acompañadas de un despliegue sonoro sin precedentes, interpretado por un tropel de músicos que superaba con creces la centena, incluyendo la colaboración de una soprano, tres tenores, y de la orquesta Brunel Ensemble y el coro del Crouch End Festival al completo. 

Fin de Siecle fue, en un principio, y a pesar de tamaño esfuerzo y derroche, un disco incomprendido y poco valorado, algo a todas luces injusto porque hablamos de un excelente álbum, en el que los habituales pasajes orquestales de la banda adquieren por momentos una dimensión y grandilocuencia espectaculares, con la genialidad de estar, en ocasiones, engarzadas dentro del armazón de canciones en las que ese derroche instrumental contrasta con temáticas y letras marcadamente ligeras como Generation Sex, el tema con el que arranca el álbum, o la misteriosa Thrillseeker, una de las piezas en las que mejor funciona ese contraste entre la música de cámara y los sutiles y oscuros arreglos electrónicos.

Tras la más que conseguida atmósfera de melancolía y tristeza que impregna Commuter Love, en la que el protagonista describe su pasión secreta por una mujer a la que observa cada día en un trayecto en tren hasta el trabajo, y a la que nunca confesará su amor, llega el que probablemente sea el momento de mayor genialidad del disco con Sweden. En un tono de lo más "naif" y a través de una multitud de simples explicaciones, Hannon relata los motivos por los que piensa retirarse a vivir en Suecia, a ritmo de una, de nuevo, grandilocuente y precipitada orquesta.

Tras este espectacular póker de canciones, y pese a tener tramos en los que las atmósferas de contraste entre lo clásico y lo electrónico son dignas de elogio, los más de ocho minutos de duración de Eric the gardener se hacen algo largos y dejan la sensación de romper de algún modo el ritmo de crucero que el disco ya había tomado. A la vuelta de este largo rodeo, llega el turno de la ya mencionada The National Express, uno de los singles más aclamados de The Divine Comedy. Una luz brillante y fugaz, atrapada entre los que quizá sean los dos temas menos reseñables del disco, porque si a Eric the gardener le sobran minutos, a Life on Earth le falta algo de la chispa de otros temas del álbum, y siendo un buen tema no termina de sorprender durante la escucha.

El momento valle pasa pronto y sin hacer que perdamos la esperanza y la ilusión por la llegada del fin de siglo, porque en The Certainty Of Chance vuelve el genio compositivo y los arreglos orquestales de relumbrón. En este tramo final del disco, Here comes the flood mantiene el listón a un nivel adecuado, preparándonos para el grandioso final de Sunrise, en la que Hannon se abre a contar su difícil infancia en Derry, en mitad del conflicto de Irlanda del Norte, planteándose como pudo "ver esas cosas y aún sonreír". No se como lo consiguió, pero ahora que volvemos a levantarnos cada día con los ecos de los tambores de una nueva e innecesaria guerra, se agradece que haya discos como éste para recordarnos que es mejor tomarse la vida como si fuera una divina comedia.

0428.- My foolish heart - Astrud Gilberto

 

Astrud Gilberto nació con el nombre de Astrud Weinert, hija de madre brasileña y padre alemán, en el estado de Bahía, Brasil. Se crió en Río de Janeiro. Su vinculación con el mundo de la música comenzó cuando se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de bossa nova, João Gilberto. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova. A instancias de su esposo, Astrud Gilberto cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto, aunque no figuró en los créditos del disco. Su éxito cantando "Garota de Ipanema" la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasileña. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística. Grabó en varios idiomas, inclusive en español y uno de los discos que más éxito tuvo fue Samba Beach, es ese disco descubrimos a una Astrud con una voz es muy pura e inocente, bastante relajante e idealista, además la orquesta hace un trabajo bastante bueno al hacer que todo sea un poco de bossa nova, incluso si no son necesariamente todas las canciones de bossa nova, de hecho, la mayoría son canciones pop en realidad, consiguen para traer esa sensación playera a la música de samba, así que en ese sentido no podría ser mejor.

El álbum contiene la canción “My Foolish Heart” cuyo compositor fue Victor Young y que fue presentada en la banda sonora de la película My Foolish Heart (Mi loco corazón), que se estrenó el 25 de diciembre de 1949 en Los Angeles, con Dana Andrews, Susan Hayward y Kent Smith como principales protagonistas. “My Foolish Heart”, con letra de Ned Washington, se escuchaba durante los títulos de crédito cantada por Martha Mears y estuvo nominada al premio Oscar a la mejor canción. Tuvo un éxito popular inmediato y, en el breve plazo de tres meses, seis versiones entraron en las listas de éxitos.Young empezó a escribir música para películas desde que llegó a Hollywood en 1935. Además, desarrolló otros trabajos, como dirigir y hacer arreglos para su propia orquesta, actuar en la radio o acompañar a un gran número de grandes cantantes en los estudios de grabación. Cuando murió en 1956 a los cincuenta y seis años de edad (según gente cercana a él, a causa de su obsesivo afán de trabajo), el cantante y pianista Nat King Cole le rindió homenaje en su programa de televisión interpretando varias canciones suyas, entre ellas "My Foolish Heart".

0427.- 2000 Light years From Home - The Rolling Stones

 

2000 Light Years From Home

     El 8 de diciembre de 1967 The Rolling Stones publican su sexto álbum de estudio, Their Satanic Majesties Request. El disco, grabado entre el 9 de febrero y el 23 e octubre de 1967, y contiene sonidos como acid rock, rock experimental y rock psicodélico. El álbum es producido por el mismo grupo y lanzado por la discográfica Decca Records en Reino Unido, London records en Estado Unidos y ABKCO Records. El título del disco alude al texto que aparece en el pasaporte británico: "Her Britannic Majestic request and requires..." / "su majestad británica, solicita y requiere...". Este sería el último trabajo del grupo donde Brian Jones participaría como integrante de la banda. Fue considerado como uno de los álbumes más controvertidos del grupo, provocando reacciones encontradas no sólo en la crítica y el público, también en el seno del mismo grupo. También fue criticado por considerar que era derivado de la obra contemporánea de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lanzado a mediados de 1967. Los Stones, tras su lanzamiento, decidieron abandonar el estilo psicodélico y volvieron a sus raíces con el blues. Con el tiempo el disco fue ganando el reconocimiento de los entendidos y de la crítica.

Incluido en este sexto álbum de la banda se encuentra 2000 Light Years From Home, acreditado a Mick Jagger y keith Richards. El tema fue grabado en los Olympic Studios de Londres en julio de 1967 y publicado como sencillo, ocupando la cara B, el 23 de diciembre de 1967. Aunque el disco, tras su publicación, fue un relativo fracaso, esta canción conocida por su atmósfera espacial y por el uso del mellotrón (tocado por Brian Jones), tuvo una buena aceptación. Mick Jagger escribió este tema mientras se encontraba detenido en la cárcel de Brixton, Londres, por un cargo por tenencia de drogas. En este tema, además del grupo, colabora Nicky Hopkins al piano. En esa época el mundo estaba inmerso en plena exploración espacial y muy probablemente esa temática tuvo influencia en esta canción.

0426.- She's a rainbow - The Rolling Stones

She's A Rainbow ("Ella es un arcoiris") es la canción más reconocida del disco Their Satanic Majesties Request, sexto álbum de estudio británico y octavo estadounidense de The Rolling Stones, en el que la banda experimentó con un sonido psicodélico, incorporando arreglos de cuerdas, ritmos africanos y el uso de instrumentos menos habituales en grabaciones anteriores.

El disco fue criticado inicialmente por entenderse como un cambio de estilo del grupo, a remolque del sonido con el que los Beatles acababan de deslumbrar con su Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero con el tiempo, la crítica ha valorado mucho más las virtudes que esconde Their Satanic Majesties Request. She's a Rainbow es el mejor ejemplo de esa excelencia, y se ha mantenido en el tiempo como la más bella y inusual pieza psicodélica del cancionero de los Rolling Stones, gracias a la brillante capa sonora construida a partir del piano de Nicky Hopkins, el melotrón de Brian Jones y los arreglos de cuerda de John Paul Jones (Led Zeppelin).

El sonido de esta pieza escrita por Jagger y Richards era tan "Beatle", que incluso corrió el rumor de que algunos miembros de The Beatles participaron en la grabación, cuando en realidad tanto el disco como la canción fueron producidos e interpretados casi exclusivamente por Sus Satánicas Majestades, en un registro poco habitual para ellos. Las melódicas voces son obra de Richards, Jagger, Jones y Wyman, plasmando un coro tomado de la canción "She Comes In Colors" de Love. Después de este disco, los Stones volvieron a su tradicional sonido de blues rock, por lo que la "chica arcoiris" es una auténtica rareza que aporta a su discografía toda una paleta de nuevos y vistosos colores.

Alta Suciedad - Andres Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

 

Concluido su exilio voluntario en España, dando por cerrada su exitosa etapa junto a Los Rodriguez, Andrés Calamaro se pone un nuevo objetivo, retomar y revitalizar su carrera solista que había abandonado a finales de los ochenta. Para ello graba en Estados Unidos en el año 1997 junto a músicos de sesión de gran experiencia y la producción de Joe Blaney, lo que se convertiría en un clásico tanto en su carrera como para el rock nacional, Alta Suciedad que fue un hito en ventas, superando las 500 000 copias vendidas en todo el mundo (El segundo disco más vendido del rock argentino en aquel momento tras El Amor Después del Amor, de Fito Páez) y posibilitó la resurrección de su carrera en su país llevándolo a realizar gran cantidad de presentaciones en vivo. A menudo considerado erróneamente como su debut en solitario, lo cierto es que Calamaro contaba en los tiempos de “Alta Suciedad” con una trayectoria porteña de casi veinte años, ya fuese integrado en bandas (Raíces, Los Abuelos De La Nada) o rubricando con su nombre un puñado de interesantes discos pop, pero de sonido algo sintético. Instalado en Madrid desde 1989, tras responder a la llamada de Ariel Rot que prendería la mecha de Los Rodríguez, fue el inédito ensamblaje de rock porteño, raíz stoniana e influjo latino. Hacia 1996, cuando el proyecto se rompió tras una exitosa gira junto a Joaquín Sabina, Calamaro era ya el más célebre fichaje internacional del rock español. Y mientras el grupo hacía aguas, él esbozaba ya en maquetas caseras lo que sería su inminente presentación como músico solista en nuestro país.

 

Comienza de una forma que te impacta su sonido pesado, “Alta suciedad” es un ejemplo claro de las buenas letras que relucen a lo largo de todo el disco, sus primeros segundos dan la impresión que estaremos en presencia de un disco de rock clásico "pero era una mentira, para robarte un tal vez". Una guitarra distorsionada, la poderosa batería de Jordan, un riff perfecto, una sección de viento excelsa y para rematarlo un estribillo pegadizo absoluto. Todo un pelotazo. “Todo lo demás” nos baja un poquito el hype, es un buen tema, pero se ha relajado después del trallazo de presentación, una canción con un toque muy argentino, pero lo recupera con una canción con sutilezas pop, “Donde manda marinero” es una de las mejores canciones que Calamaro haya creado una alegoría a insatisfacción, tiene trazas de tango y gana con cada escucha. Damos paso al funk satinado de “Loco” donde destaca la presencia del bajista Chuck Rainey en la grabación, y parece diseñado para capturar el característico lucimiento sin alardes de los viejos músicos de sesion de música soul, Chuck encajó sin problemas la burbujeante línea de bajo que, junto a los efectos wah wah y los vientos, son los grandes protagonistas del tema, disfrutemos de un funk redondo donde los músicos se lucen y que se convirtió en single, y sirve a la vez para relajar un poco la intensidad, es un remanso a la espera de la próxima vuelta de tuerca… la joya… la célebre “Flaca”, que por muchas veces que suene en las radios sigue manteniendo intacta su belleza, una melodía de inicio arrebatadora da paso a una letra majestuosa, que habla del amor con espinas, el que duele y da vida a la vez, del que deja marca, una maravilla que los músicos impregnan de soul y que habla, dice Calamaro, “de los pequeños daños que nos hacemos a veces las personas”, una canción que se para en la frontera del amor y el desamor. Un pedido de derrota digna con las maletas en la puerta, que pide a gritos quedarse con un bonito recuerdo porque solo puedes quedarte con los buenos recuerdos.

  “¿Quién asó la manteca?” Suena un poco extraño dentro de lo que nos había regalado, es un funk al ralentí que brama contra el tedio y la mentira, un denso reggae en la línea calamariana más experimental, que empieza como un extraño relato gauchesco.  Lo voy a decir buen claro, al que escribe esto “Media Veronica” le parece una de las obras cumbres de la carrera de Calamaro, con una arquitectura pop muy beatle, basada en diseños alambicados y que tiene su origen en una mínima idea instrumental: juguetear con las posibilidades de una batería distorsionada envuelta en un sutil trenzado atmosférico (tejido en directo dentro del estudio, con bonitos ribetes de cello) que envuelve a la perfección uno de los textos más sugerentes de Calamaro, un tema que trasmite una melancolía extrema que se clava como un puñal en las tripas. En este tema se deja de experimentos y su piano inunda el aire de un dulce dolor tanguero que le da un desarreglo imprescindible. "Media Verónica" es una adolescente que pasa por los desamores como lo tiene que pasar cualquier adolescente que se aprecie como tal: dejando la vida en ello… ¿o quizás no?... un tema muy ambiguo sin duda alguna… “La vida es una cárcel con las puertas abiertas, Verónica escribió en la pared, con la tripa revuelta”.

“El tercio de los sueños” amago ranchero que se desarrolla entre imágenes taurinas, con Ry Cooder en el horizonte, una canción donde se confunden el blues y la ranchera y que ambienta un amor fatal en la corrida de toros de San Isidro, y que nos recuerda a José Alfredo Jiménez. “Comida China” es una delicadeza de apenas dos minutos que irrumpe a mitad de trayecto para darnos un descanso y de paso regalarnos una de esas fantásticas miniaturas que aguardan en los muchos escondrijos de este disco y que da paso a una de las canciones más redondas, “Elvis está vivo” Bob Dylan reaparece en el álbum, compartiendo foco nada más y nada menos que con Palito Ortega: la leyenda pop argentina se pasó por el estudio para injertar en el tema una imitación de Presley, lo que hace de la canción una delirante fantasía multirreferencial que bromea sobre la posibilidad de que el cantante realmente este vivo. “Me Arde” es el número Jagger / Richards del disco, casi hecho con plantilla, aunque entre medias brote un recitado de resonancias dylanianas ya que Bob es el modelo de ese fraseo tan sucia como sentimental que Calamaro readapta en este disco, y que perfeccionará de forma pletórica en “Honestidad Brutal”. “Crímenes perfectos” trata de aliviar una ruptura y supone otra de las cumbres de la grabación, con versos maravillosos: “Me parece que soy de la quinta que vio el Mundial 78, Me tocó crecer viendo a mi alrededor paranoia y dolor.  La moneda cayó por el lado de la soledad”. “Nada Es Igual” es un denso reggae en la línea calamariana más experimental, que empieza como un extraño relato gauchesco y deriva, a mitad de camino, en un monólogo de Antonio Escohotado, grabado expresamente para la ocasión, sobre las pequeñas miserias del oficio de vivir. La guinda del disco es “El novio del olvido” una preciosidad acústica que, con ironía, habla de la ¿imposibilidad? de mantener los lazos muerta ya una relación, y que Ribot teje con su guitarra. Es un brillante punto y final al álbum.

 

El resultado es un disco soberbio que se nutre del talento de un compositor en estado de gracia y de la calidad de unos músicos que barnizaron la grabación de música negra. Ninguna de las canciones flaquea, nada es prescindible, todo suma. Una delicia para los oídos.

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Vamos con una banda Argentina que fue fundada por Miguel Abuelo, cuyo nombre real es Miguel Ángel Peralta, y este un icono del rock argentino.

Quién en la década de los sesenta fue el fundador de la banda Los Abuelos de la Nada, pero esta primera etapa del grupo no tendrá existo, pero tendra una segunda oportunidad en los años ochenta, donde editaron sus mejores álbumes. 

La banda debutaria con el álbum Los Abuelos de la Nada que es el álbum debut de la banda argentina de rock Los Abuelos de la nada, y este fue publicado en 1982.

Luego de grabar algunas demos en 1981, se vio interesado Charly García quien decide producir a la banda. Así es como ingresan a los Estudios Panda en junio de 1982 para grabar un álbum que los presentaría en sociedad como una banda alegre, capaz de fusionar rock con pop y reggae.

La presentación del disco se lleva a cabo en de octubre de 1982 en el Teatro Coliseo. El sencillo de difusión Sin Gamulán compuesto por Andrés Calamaro, sería el éxito que impulsaría las primeras ventas de la banda.

Con este primer disco la banda resurge, y con esto un año más tarde deciden editar un nuevo álbum. 

Vasos y Besos es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Los Abuelos de la Nada, publicado en 1983.

Ha sido posicionado en el puesto 199 en la lista de los 250 álbumes esenciales del rock iberoamericano de la revista norteamericana al borde y en el puesto 29 de los 100 mejores discos de rock argentino de la revista Rolling Stone.

La canción Mil horas incluida en el álbum logró el puesto 14° de Los 100 hits del rock argentino por Rolling Stone en 2002, el puesto 77° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,​ y el puesto 38° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La popularidad en ascenso de la banda logra por tercer año consecutivo edite su tercer álbum. 

Este Himno de mi corazón es el tercer álbum de estudio de la banda de Rock Los Abuelos de la Nada, publicado en septiembre de 1984.

La canción Himno de mi corazón que dio nombre al álbum se convirtió en una de las más emblemáticas de todo el rock en español: logró el puesto 50° en el ranking de las 100 mejores canciones del rock argentino por la Rolling Stone Argentina y MTV en 2002, puesto 13° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,1​ y puesto 213° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Podemos decir que Cosas mías es su cuarto álbum de estudio y último álbum perteneciente al grupo de rock argentino Los Abuelos de la Nada editado en el año 1986. Sería el último trabajo discográfico de la banda y también el de su líder Miguel Abuelo.

Pero la decisión de que este sea su último álbum se debe a que su líder Miguel Abuelo, contragiera el virus del HIV.

Miguel Abuelo tenían arreglada una actuación en el Velódromo Municipal de Buenos Aires, la cual fue suspendida repentinamente por una altísima fiebre que había sufrido Miguel Abuelo. Rumores hablaban de que se encontraba infectado con el Virus de Inmunodeficiencia Humano (VIH). Ese mismo día se retiró definitivamente de la música, viviendo lo que eran sus últimos días de vida.

El 26 de marzo de 1988, Miguel Abuelo falleció en la Clínica Independencia de Munro (provincia de Buenos Aires) sólo cinco días después de cumplir cuarenta y dos años de edad. 

Pero como hemos dicho sus primeros singles no fueron del todos un éxito, y tuvieron que pasar muchos años para que logren el éxito. 

Oye niño / ¿Nunca te miró una vaca de frente? (1968)

Diana Divaga / Tema en Flu sobre el Planeta (1968)

La Estación (1969)

Una banda que se podría decir que sus tropiezos fueron al comienzo de su carrera y tuvieron una segunda oportunidad, y un tropiezo del destino por la muerte de su líder. 

Daniel
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0425.- Georgie Fame - The Ballad of Bonnie and Clyde

0425  - Georgie Fame - The Ballad of Bonnie and Clyde

The Ballad of Bonnie and Clyde es una canción, escrita por Mitch Murray y Peter Callander, y grabada por el cantante británico de rhythm and blues Georgie Fame, y fue publicada como single, la canción alcanzó el número uno en la UK Singles Chart durante una semana a partir del 24 de enero de 1968. La canción alcanzó el número siete en la US Billboard Chart ese mismo año.

Georgie Fame grabó la canción después de ver la entonces controvertida película de gángsters Bonnie and Clyde, ahora considerada un clásico, protagonizada por Warren Beatty (como Clyde Barrow) y Faye Dunaway (como Bonnie Parker).

La canción, al estilo de los años 20 y 30, presenta los sonidos de los tiroteos, las persecuciones de coches y las sirenas de la policía, incluyendo el tiroteo culminante que tiene lugar cuando Bonnie y Clyde encuentran su final. La instrumentación de la canción incluye un piano, un banjo, una batería, trompetas, trombones y un bajo. La introducción al piano fue tomada de Blue Monday de Fats Domino en 1956.

La canción es geográficamente inexacta, ya que en la primera estrofa se encuentran en Savannah, Georgia. En realidad, ambos eran del este de Texas y no hay pruebas de que la pareja se aventurara tan al este. Las versiones instrumentales de la canción fueron grabadas por The Ventures (en su álbum de 1968 Flights of Fantasy) y Andre Kostelanetz (en su álbum de 1968 For the Young at Heart). Otras de las versiones de la canción fueron interpretada en la televisión francesa, en febrero de 1968, por Johnny Hallyday y Sylvie Vartan.

Daniel
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#MesTheBeatles: Let it be - The Beatles

 

Tras la publicación de Abbey Road (1969), el último disco grabado por los Beatles, aun hubo margen para la publicación en 1970 de un álbum más de la banda. Grabado en su mayoría durante sesiones previas a las del anterior disco, y publicado días después de que Paul McCartney anunciara oficialmente que abandonaba el grupo, Let it be se convertiría en su duodécimo y último álbum de estudio, y la publicación final de un proyecto que, desde su concepción, atravesó por multitud de dificultades y contratiempos, y que se desarrolló durante un período de la banda de Liverpool en el que las brechas y las desavenencias entre sus cuatro miembros eran cada vez mayores.

La idea de este álbum surgió, precisamente, como medida de choque contra la situación interna del grupo, desgastada por las complicadas grabaciones del disco The Beatles, más conocido como el "Disco Blanco". McCartney pensó que lo mejor era un regreso a sus raíces como grupo, y propuso al resto grabar un puñado de canciones de rock sin mayores aderezos, para que los cuatro pudieran interpretarlas en un retorno de la banda al directo. Las sesiones de grabación de lo que iba a ser el disco y el concierto de Get Back (Vuelve) se llevaron a cabo en los estudios de Twickenham, en lo que supuso un nuevo cambio al abandonar su habitual base de operaciones de Abbey Road. Sin embargo, las grabaciones no hicieron sino empeorar las heridas abiertas entre los cuatro Beatles, con sesiones de ensayo en las que la tensión era asfixiante y las discusiones estaban a la orden del día, hasta el punto de considerar que el proyecto era un callejón sin salida y de decidir aparcarlo hasta nueva orden.

Paul McCartney intentó mantener el barco a flote durante estas sesiones, y fue el Beatle que más se esforzó en aportar material nuevo al proyecto (los tres sencillos Let it be, The long and winding road, y Get back), mientras un desmotivado John Lennon repescaba viejas ideas y canciones inacabadas (Dig a pony, Across the Universe, Don't let me down), al tiempo que mostraba un abierto desinterés por lo que después calificó como "el pedazo de mierda peor grabado de la historia". George Harrison (con sus dos aportaciones I me mine y For you blue) y, en menor medida, Ringo Starr, también parecían haber perdido el interés y la paciencia para lidiar con las interminables tomas y ensayos a los que un perfeccionista McCartney pretendía someterles, y en esa atmósfera asfixiante el proyecto de Get Back fue poco a poco apagándose.

Fue precisamente tras una discusión con McCartney, cuando Harrison anunció al resto que abandonaba el grupo. Las aguas volvieron temporalmente a su cauce, pero a cambio de renunciar al frío y megalómano escenario de Twickenham para reconducir el proyecto de concierto hacia los estudios de grabación que acababan de construir en la sede de Apple en Savile Row. La vuelta del guitarrista evitó que la sarcástica reacción de Lennon al posible abandono de su compañero, proponiendo sustituirle por Hendrix o Clapton, y seguir como si nada hubiera pasado, fuera nunca tenida en cuenta. En Savile Row, y a recomendación de un crecido Harrison, se incorporó a los ensayos el teclista Billy Preston, para tocar el piano eléctrico y el órgano durante las sesiones de grabación y en el planeado concierto, que tras considerar diversos escenarios (un barco, un hospital de niños enfermos o incluso las pirámides de Egipto) acabaría también reduciéndose en alcance y dimensiones, optando por la comodidad de actuar en su propia sede, enchufando los instrumentos en la azotea del edificio e invitando a un reducido grupo de periodistas y allegados.

Ese fue el último concierto de la carrera de los Beatles, que se vio prematuramente interrumpido cuando las quejas de los vecinos de la zona alertaron a la policía. Varias de las canciones del concierto acabaron incluyéndose en el disco, junto con otras canciones que se añadieron de los ensayos o que se grabaron en los días posteriores, pero el disco quedó aplazado para hacer coincidir el lanzamiento con el del documental, primero, y con la posterior edición de Abbey Road, después. Fue entonces cuando Lennon decidió rescatar aquel "pedazo de mierda peor grabado de la historia" y prescindir por primera vez de George Martin como productor, para darle los mandos a Phil Spector, que no contó nunca con el beneplácito del ya ausente McCartney, que vio como su proyecto de retorno al rock and roll se había convertido en el característico "muro de sonido" de Spector, en el que no faltaban los edulcorados arreglos orquestales marca de la casa, o unos coros femeninos que nunca antes habían aparecido en un disco de The Beatles.

Al final, aquella ácida y excesiva declaración de Lennon sobre las grabaciones de las sesiones de Get back resultó ser completamente injusta, porque incluso en los momentos de mayor tensión y desgana, los Beatles eran capaces de entregar grandes y atemporales canciones. El remozado Get Back pasó a llamarse Let it be (Déjalo estar), tomando su nombre de otra de las grandes canciones que McCartney aportó al proyecto antes de su marcha, y nada tuvo que envidiar a sus predecesores en cuanto a éxito comercial, alcanzando el número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos y Reino Unido. La película de las sesiones de grabación se publicó en 1970 y ganó un Óscar a la mejor banda sonora, pero a la entrega de los premios de la academia no fue ninguno de los cuatro Beatles. "El sueño había acabado" y todos prefirieron "dejarlo estar".

0424.- Frank Zappa - What's the ugliest part of your body

0424 - Frank Zappa - What's the ugliest part of your body

Todo artista tiene en cierta forma una contracultura a su cultura oficial, y Frank Zappa, en los años 60 escogió como enemigo a The Beatles, la mayor fuerza de la cultura popular en el siglo XX, la máquina más millonaria de la industria de la música.

De alguna manera, The Beatles representaban no sólo la encarnación de todos los pecados posibles de cualquier expresión de arte, también eran los principales llamados a propagar el credo del flower power y el movimiento hippie, a los que siempre consideró subordinados a un discurso falso, vacío, obsoleto y comercial.

Así Frank Zappa en su lucha de contracultura da un ejemplo de esa capacidad de ir contracorriente, y un buen ejemplo es What's the ugliest part of your body?, una canción donde imita el timbre meloso que explotaba John Lennon en sus primeros años para interpretar composiciones como Baby it's you. 

Cuando Frank Zappa tuvo las canciones resueltas, se enfocó sobre la imagen de portada, la referencia natural si el propósito era mofarse del Sargento Pimienta, el álbum que había hecho de la estética un aspecto tan esencial como la música. 

Para ello, invitó al proyecto al fotógrafo e ilustrador estadounidense Cal Schenkel, posteriormente uno de sus colaboradores históricos, quien le sugirió reemplazar el cielo azulado de la tapa Beatle por otro más tétrico, sacudido por rayos y tormentas.

Además, las estilizadas flores de Pepper serían desplazadas por un suelo de tierra donde, en vez de Beatles, se podía leer Mothers.

Ero lo más complejo era sustituir al puñado de personajes que aparecían detrás de The Beatles, una de las marcas registradas del disco. Para eso, Frank Zappa y Cal Schenkel dispusieron de una serie de imágenes de monstruos, figuras deformes y hasta el propio artista vestido de mujer, además de sumar a Jimi Hendrix, el guitarrista que voluntariamente quiso participar en la aventura. Curioso: Hendrix, el primer artista que realizó un homenaje a Sgt. Pepper, cuando tocó un cover del tema que abre el álbum a sólo tres días de su estreno, ahora se convertía en un cómplice entusiasta de su sátira más mordaz.

Daniel
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423.- You keep me hanging on - Vanilla Fudge

 

Vanilla Fudge nacen en 1966, en Nueva York, con el nombre de Pigeons, en ese grupo estaban el guitarrista Vince Martell, el batería Carmine Appice, el bajista Tim Bogert y el teclista Mark Stein (los dos últimos habían formado parte de The Showmen de Rick Martin). El cuarteto graba 'While the world was eating', y después se cambian el nombre y resurgen en la escena neoyorquina firmando un contrato en 1967 con Atlantic. El estilo de Vanilla Fudge es una curiosa mezcla formada por referencias a famosas piezas de música clásica y por reseñas de temas beat y pop de éxito. De este tratamiento no se libran The Beatles ('Eleanor Rigby' y 'Ticket to ride'), o hits como 'People get ready'. Apoyados en una gran técnica instrumental, han hecho versiones personales de la 'Sonata claro de luna' y de 'Para Elisa', o cuando en 'Some velvet morning' "chapucean" con Stravinsky. A principios de 1967, el mánager de The Pigeons, Phil Basile, convenció al productor, George "Shadow" Morton, para ver a su grupo en directo. Impresionado por la versión psicodélica, psicodélica y de rock pesado de The Pidgeons de "You Keep Me Hangin 'On" de The Supremes, Morton se ofreció a grabar la canción como un sencillo que resultó en un acuerdo con la subsidiaria de Atlantic, que solicitó un cambio de nombre. La banda se decidió por Vanilla Fudge. Vanilla Fudge, el álbum, fue lanzado el 2 de junio de 1967, el día después de que The Beatles lanzaran Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band. El primer álbum de Vanilla Fudge llego al puesto 4 de las listas sin la ayuda de un sencillo de gran éxito.

 

Se dice que la versión de Vanilla Fudge de "You Keep Me Hanging On" de The Supremes se grabó en una sola toma, sin embargo su versión necesito de dos intentos para encontrar su lugar en las listas de éxitos y en convertirse en un éxito por derecho propio. La primera edición fue un corte de álbum de siete minutos se lanzó originalmente en junio de 1967 y no consiguió pasar del puesto 67. Creyendo en el potencial de la banda, ATCO Records relanzó el sencillo en junio de 1968 y la segunda vez alcanzó el puesto número 6. El primer lanzamiento tituló la canción como "You Keep Me Hanging On", mientras que el segundo lanzamiento interpretó correctamente el título con la "G". Si bien parece inusual que una banda psicodélica como Vanilla Fudge grabara esta canción como su primer sencillo, el baterista Carmine Appice explica la razón: “En 1966, cuando me uní a la banda, había algo en el área de Nueva York y Long Island que consistía básicamente en ralentizar las canciones, convertirlas en números de producción y ponerles emoción. . . Todos buscábamos canciones que fueran éxitos y que pudieran ralentizarse con la emoción puesta en ellas. “You Keep Me Hangin' On” líricamente era una especie de canción hiriente, y cuando The Supremes la hizo, fue como una canción feliz. Tratamos de reducir la velocidad de la canción y poner la emoción que la canción debería tener en ella con el tipo de sentimiento doloroso que la canción debería haber tenido.” En 1968, había transcurrido suficiente tiempo desde el éxito de The Supremes y el sonido pesado de Vanilla Fudge era mucho más aceptable para el público que compraba discos.

0422.- The Motor City is Burning - John Lee Hooker

 

The Motor City Is Burning, John Lee Hooker

     En 1962, John Lee Hooker obtiene uno de sus mayores éxitos con el lanzamiento de Boom Boom. Ese año a raíz de realizar una gira por Europa en el American folk Blues festival, su reconocimiento empieza a crecer de forma importante, un reconocimiento que culminará con su gran éxito Dimples. Toda la carrera discográfica y el sonido de John Lee Hooker transcurrirá repartida entre los años de Detroit (The Detroit Years), los años de Chicago (The Chicago Years), los años folk (The Folk Years), los años en la discográfica ABC (The ABC Years), y The Rosebud Years (Grabaciones realizadas entre 1975 y 2001).

Durante su etapa en el sello discográfico ABC, John Lee Hooker graba Urban Blues, publicado bajo el sello discográfico ABC -Bluesway bajo la producción de Al Smith. En 1993 el sello discográfico MCA Records relanzaría este álbum añadiendo dos bonus tracks y cambiando el orden de las canciones. En este disco, que se caracteriza por su buen sonido, compato y sólido, Hooker graba además una nueva versión más animada de Boom Boom.

Incluido en este álbum encontramos un temazo como The Motor City is Burning, escrito por el productor del álbum, Al Smith. Hooker dota de su característico toque personal al tema, dándole ese toque sexy y sucio a la guitarra que sólo él es capaz de imprimir. Un tema dedicado a Detroit, la gran ciudad del motor. La ciudad se suma en el caos y las llamas y nadie puede hacer nada por apagarlo.

0421.- All along the watchtower - Bob Dylan

All Along the Watchtower, escrita por Bob Dylan, e incluida en su disco John Wesley Harding (1967), acabó estando más asociada a la incendiaria versión que Jimi Hendrix y su The Jimi Hendrix Experience realizaron solo seis meses después de que el artista de Minnesota publicara la canción original. Ya fuera por reivindicar su autoría, o para aprovechar el empuje que el genial guitarrista le dio a la canción, Dylan la incluyó en casi todos sus conciertos, hasta convertirla en el tema que más veces ha interpretado en directo a lo largo de toda su carrera.

Además de la icónica interpretación de Hendrix, la canción de Dylan ha sido versionada en muchas otras ocasiones, por artistas tan variados como U2 (que la incluyó en el disco Rattle and Hum), las versiones en directo de Neil Young o la Dave Mathews Band, o la interpretación de Prince durante su mítica actuación en la Superbowl de 2007, mezclada con el "Best of you" de Foo Fighters, en la que está considerada como la mejor actuación de la historia de los populares intermedios de la Superbowl.

La letra es sumamente críptica, plagada de extrañas metáforas, y abierta a todo tipo de interpretaciones, de las que solo el propio Dylan conoce su sentido y significado real. Comienza con un diálogo entre un "joker" y un "ladrón" que deciden alejarse de la amenaza de un mundo confuso y en el que nadie se toma la vida en serio. Se menciona una "atalaya" de príncipes, lo que podría ser una referencia al poder que ejercen las altas capas de al sociedad. La atalaya se ve amenazada por la presencia de un "gato montés" que merodea alrededor, mientras se acercan dos jinetes que parecen ser el "joker" y el "ladrón", lo que lleva a interpretar que en realidad la canción está escrita cronológicamente al revés, en una muestra más de la confusión y la compleja simbología con la que Dylan dotó a un tema histórico.

Disco de la semana 264: Back Street Crawler - Paul Kossoff

 

Back Street Crawler, Paul Kossoff

     A mediados de 1972 los problemas de algunos miembros del grupo Free con las drogas y la rencillas internas avocaron al mismo a realizar algunos cambios en la formación. Los serios problemas con las drogas que el guitarrista de la banda, Paul Kossoff tiene hacen que el teclista Andy Fraser, frustrado por la falta de fiabilidad del guitarrista para actuar o incluso presentarse en el escenario, decida abandonar el grupo. A pesar de la contratación de un bajista y un teclista para intentar reconducir la situación, el grupo se separa definitivamente en 1973. Paul Rodgers funda Bad Company  junto con Simon Kirke.

Paul Kossoff se queda entonces sólo para luchar contra sus adiciones y sus problemas personales. A pesar de que su hábito al consumo de drogas es cada vez más serio y problemático, consigue de alguna manera, moderarse en el consumo de estas y encerrarse en el estudio para sacar su primer y único álbum en solitario, Back Street Crawler. A pesar de sus problemas con las drogas y de no estar en plena forma, Paul kossof es capaz de sacarse un disco donde demuestra el enorme potencial que atesora y que no pudo llegar a explotar completamente a causa de su fallecimiento en marzo de 1976. 

Back Street Crawler es grabado en los Island Studios de Nothing Hill, Londres, producido por el mismo Kossoff junto a Bob Potter, Richard Digby Smith y Jean Roussel, y publicado bajo el sello discográfico Island Records el 16 de noviembre 1973. El disco, además de otros tantos músicos, contó con la colaboración de sus antiguos compañeros en la banda Free y del baterista de Yes Alan White. El resultado es un álbum donde además del excelente sonido, con ese magnífico vibrato marca de la casa de Paul Kossoff, destacan todos los colaboradores, pues las bases rítmicas y los arreglos son muy buenos y los teclados magníficos en este trabajo.

El  álbum contiene únicamente 5 temas de los cuales el primero, Tuesday Morning, ocupa enteramente la cara A, pues tiene una extensa duración de algo  más de 17 minutos. Durante ese tiempo, Paul Kossoff es capaz de transportarnos por varios estados diferentes de ánimo gracias sus cambios, riffs contundentes que dan paso a sonidos con toques de soul, jazz o blues. La compenetración entre los teclados de John "Rabbit" Bundrick y Kossoff es total y se nota en el resultado, creando una atmósfera magnífica. I'm Ready abre la cara B, compuesta por Jess Roden, quien contribuye en la parte lírica además, y Jean Roussel. El tema se desenvuelve en una delgada línea entre el rock y el jazz. Time Away es otro brillante instrumental que Kossoff escribió con John Martyn. Este tema, cuya duración no llega a los seis minutos, salió de una improvisación instrumental que duró unos 38 minutos y se inspiró en una experiencia cercana a la muerte de Paul Kossoff. Molten Gold, escrita por Kossoff, cuenta con la colaboración de Paul Rodgers a la voz, Andy Fraser al bajo y Simon Kirke a la batería, o  lo que es lo mismo, la que fuera la formación original de Free. Más tarde serían añadidos el órgano y el piano tocados por John "Rabbit" y los coros de Jess Roden. El tema final, Back Street Crawler (Don't Need You No More), compuesto por kossoff es toda una delicia instrumental, quizás el tema más sobresaliente de un álbum donde ningún tema desentona. Se suponía que este tema tenía letra, una letra grabada por la voz del mismo Kossoff, pero por algún motivo nunca se llegó a agregar, dejándolo en un tema instrumental. Creo que la decisión de no grabar letra no pudo ser más acertada pues la guitarra de Paul habla por sí sola en este magnífico tema. 

El álbum debut y único en solitario de Paul Kossoff es una muestra perfecta de la calidad y destreza que el guitarrista atesoraba, una calidad que no pudo llegar a explotar plenamente. Qué hubiera pasado si Paul kossoff no nos hubiera dejado con apenas 25 años de edad...?

0420.- Spanish Castle Magic - Jimi Hendrix

 

El segundo álbum de Jimi Hendrix a menudo se deja de lado y se olvida, lo que supongo que tiene que tener algún sentido, aunque sinceramente no entiendo esa catalogación, publicado entre Are You Experienced? y el estallido experimental Electric Ladyland, es un pequeño álbum humilde y tranquilo lleno de baladas en su mayoría psicodélicas, que generalmente se olvidan en comparación con los revolucionarios riffs de proto-metal del primer álbum y la simplemente asombrosa calidad del tercero. Pero si bien es probablemente el más débil de los tres, llamar a algo el "álbum más débil de Jimi Hendrix" no es exactamente menospreciarlo. Casi cualquier otra persona estaría feliz de tener un álbum tan bueno. Según los estándares de cualquier otra persona, este es un disco de cinco estrellas. ¿Simplemente no está a la altura de los otros dos álbumes de Jimi? No me atrevo a cuestionarlo pero lo que sí puedo decir que el quizás el motivo es que aquí no hay mucho "rock, amigo" “rock real”, y eso probablemente explica por qué es relativamente más oscuro que los otros. Las únicas canciones que definiría como rockeras son "Spanish Castle Magic" (que sorprende, por supuesto) y el jam de rock duro y fusión "If 6 Was 9" (que sorprende aún más). Pero Jimi escribió un montón de canciones pop psicodélicas excelentes para este album.

 

Nos detenemos en Spanish Castle Magic y para entender el origen de la canción nos trasladamos a cuando Hendrix vivía en Seattle, en aquellos años era una ciudad muy segregada. The Spanish Castle era el primer club nocturno para adolescentes en el área de Seattle. El título de la canción es un homenaje a ese club y a los días de Escuela Secundaria de Jimi (aproximadamente 1957-1961), cuando a veces visitaba ese local. El club estaba al sur de Seattle en lo que entonces era el condado de King. The Spanish Castle fue construido en la década de 1930 fuera de la ciudad para evitar las restricciones con las leyes contra el alcohol de Seattle. En 1950 mucha de la fama de los clubs había desaparecido, pero allí todavía tocaban grupos de rock locales, tales como The Wailers y, ocasionalmente, las estrellas que andaban de gira. Jimi tuvo la oportunidad de tocar con otros músicos de rock en el club en varias ocasiones. Deteniendonos en la canción en si hay que resaltar que es absolutamente explosiva, estamos delante de una elocuente demostración de Hard Rock que tiene todos los ingredientes de un Heavy Metal innovador donde descubrimos la potencia sonora sin precedentes que la banda logró producir, ritmos de batería enormes y contundentes que soportan matorrales de guitarra sobrecargada, que aquí se vuelven aún más pesados por el empleo de Hendrix de la séptima, acordes y piano-sostenido sobre grabado, a medida que el solo estrellado de Hendrix rebota a la mitad de la pista, te sientes como si hubieras sido disparado al espacio desde un cañón…..a dia de hoy no hay muchas canciones que puedan competir con la pura ferocidad de esta pista. En Woodstock, Hendrix incluyó esta pista en su actuación como cabeza de cartel, que no comenzó hasta las 9 a.m. de la mañana siguiente a la finalización programada del festival.

0419.- Bold as love - The Jimi Hendrix Experience

 

La canción que daba título y cierre al álbum Axis: Bold As Love (1967) de The Jimi Hendrix Experience, tiene una atmósfera marcadamente onírica (Hendrix la definió como "el sonido que aparecía en sus sueños") y una estructura progresiva e "in crescendo", que tiene su culminación en un extenso solo de guitarra de más de dos minutos de duración.

La letra es un curioso ejemplo de una peculiaridad sensorial conocida como "sinestesia", por la que algunas personas mezclan sensaciones sensoriales provenientes de diferentes sentidos físicos. En la sinestesia, los números y las letras pueden percibirse de diferentes colores, y las diferentes emociones pueden asociarse a diferentes olores o sabores. En Bold as love, Hendrix habla de emociones como el amor y la ira, percibidas como intensos colores. El amor es lo más importante, por eso lo percibe como "bold" ("en negrita") mientras que "La ira es de color púrpura..."

La grabación de la canción comenzó a partir de una demo interpretada por Hendrix y grabada en una cassette, a la que después se añadieron las partes de bajo. Desde el germen primerizo de aquella rudimentaria grabación, hasta la versión final del tema, fueron necesarias veintisiete tomas para llegar a conseguir el sonido que Hendrix deseaba plasmar en Bold as love. El sonido de sus sueños, música mayúscula y remarcada en "negrita como el amor", escrita en grandes notas de colores extraídas de esa incendiaria máquina de generar sinestesias que era su Fender Stratocaster.

#MesTheBeatles: Abbey Road - The Beatles

 

Tras las tensas sesiones del Álbum Blanco, y el por entonces aparcado proyecto de Let it be, las expectativas que en el entorno de los Beatles generaba la noticia de una nueva grabación no eran precisamente positivas. Los técnicos de sonido recibieron la noticia de su designación para el proyecto casi como un castigo, anticipando los problemas y los conflictos con los que habían lidiado en las grabaciones anteriores. Sin embargo, y en contra de lo esperado, Paul McCartney se mostró menos autoritario y más conciliador, John Lennon fue menos sarcástico en sus comentarios, George Harrison aportó la confianza y la madurez que había volcado en sus nuevas composiciones y Ringo siguió aportando su personalidad apacible e inmutable ante cualquier situación, pero el problema (o la solución, dado el renovado buen ambiente de las grabaciones) fue que rara vez coincidieron todos juntos en una misma sesión, en lo que a la postre fue otro indicador más del cisma que ya se había abierto, sin remedio, en el seno de la banda.

Las primeras sesiones avanzaron sin la participación de Lennon, y la consiguiente presencia de Yoko Ono, debido a que ambos sufrieron un accidente de coche que les tuvo alejados del estudio durante la primera semana. Sus compañeros dieron solos los primeros pasos del proyecto, que curiosamente empezó con McCartney interpretando con su guitarra acústica Her Majesty, el fragmento oculto con el que cerrarían el último disco que grabaron juntos (después vendría Let it be, pero repescando las canciones de aquellas sesiones anteriores). Horas después, los tres Beatles disponibles grabaron la base de Golden Slumbers/Carry that weight, dos canciones que habían surgido de manera independiente (Carry that weight surgió durante el proyecto Let it be, como la típica canción destinada a Ringo) y que fueron el germen de la suite de fragmentos entrelazados en la que acabaría convirtiéndose la cara B del disco.

De esa primera semana sin Lennon es también el trabajo realizado con Maxwell's Silver Hammer, otra de las canciones que McCartney había ensayado durante las sesiones de Let it be, en la que Ringo sustituyó al ausente Lennon en algunas partes vocales. Para que el sonido del martillo fuera lo más real posible, hicieron llevar al estudio un pesado yunque contra el que golpearlo, y esa poco agradecida labor recayó en un Mal Evans con poco sentido del ritmo, requiriendo de varias tomas a petición de un perfeccionista McCartney, que logró exasperar a un impaciente George Harrison. Una vez se marcharon los demás, McCartney se quedó a trabajar en que el bajo sonara como una tuba, para darle al tema un acabado más añejo.

La relativa calma y tranquilidad de aquella primera semana desapareció cuando Lennon hizo por fin su esperada aparición en el estudio, de la mano de una Yoko Ono que, como aún requería de un mayor periodo de reposo, había encargado una cama en los célebres almacenes Harrod´s. Los operarios entraron tras ellos y montaron la cama en el estudio de grabación, y acto seguido Yoko se acomodó en ella, ante la mirada de asombro del resto de miembros de la banda. Lennon declinó participar en los temas que ya estaban en proceso, de modo que los otros tres se dedicaron a trabajar en Something y Here Comes the Sun (los dos brillantes temas de Harrison, en los que se invirtieron los papeles y fue George el que abrumó a Paul con sus instrucciones y requerimiento) e incluso en Octopuss Garden, un divertido tema escrito por Ringo, que grabaron de manera alegre y distendida en el estudio.

Después le llegó el turno a Oh Darling, un tema con aires de rock and roll compuesto por McCartney, que se esforzó en llegar el primero durante varios días para ir puliendo en solitario un tema que le requería un gran esfuerzo vocal, y que estaba en realidad en un tono que, en otras circunstancias, habría encajado más en la voz de Lennon, pero habida cuenta del pasotismo que su compañero estaba mostrando hacia los temas del resto, McCartney no se planteó en ningún momento cederle la "voz cantante", y trabajó intensamente hasta lograr la toma perfecta.

Por su parte, Lennon había trabajado de manera tímida e intermitente en el tema I want you (She's so heavy) durante las dos semanas posteriores a su aparición estelar rodeado de operarios de Harrod's, y cuando nadie parecía esperar de él mucha más colaboración, apareció un buen día de buen humor en el estudio, y con una canción nueva llamada Come together bajo el brazo. Casi como en los viejos tiempos, McCartney se implicó en el proceso de creación y aportó las líneas de bajo y de piano eléctrico, y sugirió tocarla a un tempo inferior a la versión que Lennon les había mostrado con la guitarra acústica. Lennon aceptó los cambios sin mayor problema, pero llegado el momento no recurrió a su viejo amigo para grabar las voces de acompañamiento, pese a que McCartney se ofreció a ayudar en el tema que acabaría abriendo Abbey Road.

Lennon discrepaba además con la idea de Paul y George Martin de construir una suite orquestal para el segundo tramo del disco, pero acabó claudicando y ofreció los temas Here comes the Sun King y Mean Mr. Mustard al conjunto. El buen humor parecía había vuelto a un Lennon más participativo y generoso, que invitó a McCartney a participar en estas canciones, pero las cosas volvieron a torcerse cuando hubo que entrelazar la siguiente canción de John (Polythene Pan) con otro tema de Paul (She came in through the bathroom window). Lennon criticó abiertamente la manera de tocar la batería de Ringo, y su negativa a volver a grabar el tema pese a los supuestos errores de su compañero, volvió a abrir heridas que estaban aún recientes. Esta vez fue Ringo quien esperó a que todos se hubieran marchado, para volver a grabar su parte de batería hasta que quedó correcta.

Salvo estos episodios menores, reinaba en general una aparente y falsa calma en el estudio, que se vio un día interrumpida por un curioso episodio que, años atrás, no habría tenido la mayor importancia, pero que en aquel momento encendió de nuevo la chispa del malestar y el agotamiento latentes entre los miembros de la banda. Durante la grabación de The End, un tema que cerraba la intensa y cambiante suite final, los Beatles subieron a la cabina de control para escuchar una de las primeras tomas. En ese momento, y a través de los cristales de la cabina, vieron como Yoko Ono bajaba de la cama y abría un paquete de galletas de George Harrison para coger una galleta. Harrison no se contuvo y soltó un desproporcionado improperio contra lo que consideraba un hurto furtivo, y Lennon entró al trapo en defensa de su mujer. Tras un intercambio de gritos, todo pareció volver a su cauce, pero si una simple galleta era capaz de desestabilizarles de aquel modo, era evidente que el The End del título de aquella canción era más que profético.

Con Because (la última aportación de Lennon a la suite final, y en la que por última vez hicieron voces Lennon, McCartney y Harrison juntos) y You never give me your money (una aportación de Paul que aparece entrelazada en dos momentos distintos) la suite final estuvo prácticamente terminada, pero aún quedaban algunos compases libres tras el solo de batería que había grabado Ringo para The End, y George Harrison planteó que era el lugar perfecto para un gran solo de guitarra final. Un Lennon dispuesto a robarle nuevamente la galleta dijo que, de ser así, el debía ser quién lo interpretara. Las risas que inicialmente despertó su ocurrencia no ocultaban los nuevos nubarrones en el horizonte, y fue el propio Lennon el que resolvió el entuerto, proponiendo de manera salomónica que, incluyendo a Paul en el asunto, los tres tocaran partes del solo. McCartney aceptó entusiasmado, y añadió que debían grabar los tres a la vez, tocando juntos en la misma toma.

Y así llegamos al "final" soñado, ese que nunca querríamos que acabara, con los tres Beatles desmelenándose codo con codo y en directo en el estudio. McCartney abrió el fuego con el primer tramo, Harrison le siguió a continuación y Lennon se reservó el tramo final. Por tan solo unos minutos, fue como si nada hubiera pasado, y los tres estuvieran de nuevo en The Cavern o en Hamburgo, felices y despreocupados, disfrutando de la música que un día les unió para siempre, por más que se acabaran separando finalmente después de este álgido y, a la vez, agridulce final.

Un buen día, y a consecuencia de la misma desgana con la que habían afrontado algunos momentos de una grabación que, pese a todo, fue excelsa, salieron del estudio para hacerse una foto rápida con la que despachar la portada del disco. De nuevo esa decisión fue profética, porque en la foto los cuatro Beatles cruzan el famoso paso de cebra de Abbey Road en dirección contraria al estudio de grabación en el que habían grabado todos sus discos míticos, alejándose del pasado y mirando hacia un futuro marcado por caminos separados.

0418.- Castles Made of Sand - Jimi Hendrix

 

Castles Made of Sand, Jimi Hndrix

     El 1 de diciembre de 1967 The Jimi Hendrix Experience, con Jimi Hendrix a la cabeza, publica su segundo álbum de estudio, Axis: Bold As Love. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres entre mayo y junio, y posteriormente en octubre de 1967, bajo la producción de Chas Chandler. Este segundo disco fue lanzado escasamente siete meses después de la publicación del exitoso disco debut Are You Experienced. En estados Unidos el álbum fue publicado un mes después, y tanto es ese país como en Reino Unido logró meterse entre los diez primeros de las listas de ventas.

La portada del álbum se inspiró en la iconografía religiosa hindú, y generó una fuerte polémica pues fue diseñada sin la aprobación de Jimi hendrix, el cual expresó en público su disconformidad. 

Incluido en este álbum se encuentra Castles Made of Sand, uno de los temas más autobiográficos y personales que escribió Hendrix en su carrera. Hendrix era muy reservado sobre su pasado, tanto, que odiaba hablar de su pasado y lo evitaba a toda costa tanto en entrevistas como en ruedas de prensa. El tema es una aguda reflexión sobre las amargas ironías de la vida, y se cree que Hendrix abordaba su incierta infancia y su futuro, el cual implicaba diferentes hogares, diferentes escuelas, diferentes carreras y una madre que estuvo escaso tiempo y se marchó. Según el hermano de Jimi Hendrix, Leon Hendrix, las letras aludían al alcoholismo de su padre, como los servicios de protección infantil se llevaron al propio Leon repentinamente y sin aviso, y la relación abusiva entre sus padres. La madre de Jimi Hendrix era una india Cherokee, y en esta canción Jimi se identificaba con su herencia de nativo americano. 

Hendrix leyó las palabras del tema como un poema en vez de cantarlas y tocó las partes de guitarra al revés, por lo que comienza el tema con dicha guitarra grabada al revés, la cual acompañada de la batería a medio tiempo y una concisa línea de bajo, dotan al tema de un ambiente único, una atmósfera relajada que invita al oyente a sentarse y relajarse disfrutando el característico y limpio sonido que fluye de la guitarra de Hendrix.

Grandes éxitos y tropiezos: Metallica

Metallica

     Si la semana pasada en la sección de Grandes éxitos y tropiezos estuvimos en Nueva York, en esta ocasión no cambiamos de país pero sí de sitio, concretamente San Francisco, donde esta banda originaria de Los Ángeles, estableció su base allá por 1983, no podía ser otra que Metallica. Allí se forjó y creció una banda que lleva dando caña desde 1981, habiendo vendido hasta la fecha más de 120 millones de copias de sus discos y habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock. Tras una trayectoria que abarca ya más de cuarenta años se esconde un amplísimo material, y si estás interesado en comprar algo de ese extenso trabajo, vamos a intentar aportar un poco de luz sobre que discos deberías comprar primero si estás empezando a indagar sobre esta banda y que discos dejar para el final, pues además de grandes trabajos también tiene algún que otro tropiezo.

Estás tardando en comprarlo:

Podemos comenzar tranquilamente con Master Of Puppets (1986), considerado uno de los mejores discos del grupo, sino el mejor, y también uno de los mejores álbumes de metal de la historia. Un disco que supuso además el primer disco de oro de la banda tras vender 500.000 copias, cifra que con el tiempo llegaría a las 6.000.000 millones de copias vendidas. Todo un clásico del trash metal que contiene temas que ya se han convertido en himnos de la banda y del género, tales como Master of Puppets, Orion, Battery o Damage Inc. Otro discazo que deberías llevarte bajo el brazo es ...And Justice For All (1988). Y es que la banda seguía enchufada y en plena ascensión hacia el éxito, pues con este álbum ganó la friolera de ocho discos de platino al vender nada menos que unos ocho millones de copias. Para la historia queda ya la mitica portada donde aparece la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares, y con las palabras "...And Justice For All" escritas en el lado derecho. Con este disco la banda muestra una clara evolución a la hora de la composición, mostrando temas más complejos que los vertiginosos temas a los que nos tienen acostumbrados, temas como ...And Justice For All o la obra maestra One. Kill 'Em All (1983) es otro de esos discos que no nos puede faltar. Este es el disco preferido de muchos de los más fieles seguidores de la banda, quizás porque además de ser el primero fue el que marcó claramente las señas de identidad del grupo, unas señas que a día de hoy todavía se mantienen. Ya desde su publicación llamó la atención de la crítica por su innovación dentro del género trash metal, y es que esa mezcla de punk y metal a un ritmo frenético acabaría marcando escuela para multitud de bandas que llegarían con posteridad. Ride The Lightning (1984) es otro de esos discos que no pueden faltar. Segundo disco de estudio del grupo, es otro de los discos clásicos del grupo, considerado además por la crítica como uno de los mejores álbumes de de metal de todos los tiempos. Con Kirk Hammett asentado como solista del grupo, mantiene la esencia y la velocidad de su álbum debut, Kill 'Em All, y marcaría la esencia y los pasos a seguir de sus siguientes trabajos. Disco que contiene trallazos como Fight Fire With Fire, For Whom The Bell Tolls o Fade To Black.

Si te queda pasta, llévate también: 

Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional. S&M (1999), no es un disco de estudio, es en directo, pero merece la pena que te lo lleves si todavía te queda algo de dinero. Estamos hablando de un disco doble en directo grabado con la Orquesta Sinfónica de San Francisco. El título S&M fue elegido por ser un juego de palabras que aludía a Sinfonía (S) y a Metallica (M). La banda demuestra todo su potencial en directo y su perfecta adaptación, que nunca es fácil, para trabajar con una orquesta sinfónica. Muy destacables lo arreglos orquestales, hechos por Michael kamen, director de la Orquesta Sinfónica de San Francisco en aquel momento. 

Vuelve a dejarlo en el expositor: 

El hecho de juntar a dos grandes estrellas no es siempre garantía de éxito, y es precisamente lo que sucedió con Lulú (2011), grabado por la banda junto con el difunto amigo de ésta, el gran Lou Reed. Curiosamente éste fue el último trabajo de estudio de Lou Reed en estudio antes de su fallecimiento en 2013. El disco se basó en la ópera Lulú, la cual estaba inspirada a su vez en los escritos del dramaturgo alemán Frank Wedekind. Los estilos de Lou Reed y de Metallica no acaban de encajar en este trabajo, es como si cada uno hiciese la guerra por su cuenta. A pesar de tener alguna que otra crítica positiva, casi todas fueron en este sentido, negativas. Dos artistas de la talla de Lou Reed y Metallica podían habernos dado más, mucho más. St. Anger (2003), la banda llevaba unos seis años sin sacar nada nuevo desde Reload (1997), y este trabajo era muy esperado por parte de los fans. La banda apostó por un estilo basado en el Metal Alternativo y el Nu-Metal. Esta sería la primera y la última vez que tocaran algo así, no volverían a hacerlo. Casi nadie entendió este cambio de estilo. Para cualquier otro grupo St. Anger podría llegar a ser un disco correcto, incluso bueno, pero no para Metallica si lo comparamos con sus otros grandes trabajos. La baja de Jason Newsted, la falta de guitarras contundentes y de sólos de guitarra, los problemas de alcoholismo y adicciones de James Hetfield que hicieron que se suspendiera indefinidamente la grabación al entrar éste en rehabilitación, y apostar por un sonido más moderno y una producción más cruda, quizás nos da la explicación de este extraño y fallido proyecto. No cabe duda que se equivocaron. 

Si por el contrario, lo que quieres es empezar a conocer a Metallica a través de sus canciones, te recomendamos que empieces por:

Nuestro TOP 5:

1.- One

2.- Creeping Death

3.- Orion

4.- Seek And Destroy

5.- The Unforgiven