domingo, 26 de septiembre de 2021

Rory Gallagher - Top Priority (Mes Rory Gallagher)

El final de la década de 1970 fue un período interesante, aunque algo turbulento para la escena del blues-rock. Whitesnake acababa de emerger de las cenizas de Deep Purple solo para que su sello discográfico le dijera que no estaban seguros de sí existía siquiera un mercado para una "banda de blues de rock duro". El guitarrista Gary Moore se estaba volviendo más duro y se separó aún más de sus raíces de blues y casi las abandonaría por completo durante la próxima década. Y las pocas bandas restantes que salieron del llamado 'boom del blues británico' estaban tratando de reinventarse o estaban en la cúspide de romper. Sin embargo, un músico de blues-rock, a saber, Rory Gallagher, estaba disfrutando posiblemente del período más exitoso de su carrera.


 

El tono de To Priority se establece desde el principio con el riff de apertura del rockero pesado, Follow Me, que con su coro cargado de ganchos y un solo poderoso, nos llega a recordar a Derek y al Clapton de la era de Dominos, pero lo que nos entrega aquí está recubierto de un rock metal que el otro no tenía. Después de esta gran entrada damos la bienvenida a Philby para completar dos números estelares de heavy rock llenos de riffs de guitarra chisporroteantes y solos abrasadores del maestro Rory, el inicio es devastador con esa guitarra clamando y la potente y la determinada voz de Rory nos trasporta sin duda a épocas doradas de este estilo musical… ojo al sitar eléctrico Coral de los años 60, que Gallagher incluyo gracias a Pete Townshend. La canción está inspirada en el espía británico Kim Philby y su misión descubierta como topo para los soviéticos en plena Guerra Fría mientras formaba parte del Servicio de Inteligencia Británico. Con Wayward Child me da la impresión que Rory se ha cambiado de raíces y se ha trasladado al sur de Estados Unidos, me suena tan Creedence, eso sí habría que retirar los ramalazos hard que tanto nos apasionan. Tiempo para Keychain donde recupera el Blues, no podemos dejar a un lado esa faceta del cantante, aunque lo que nos estuviera entregado hasta este momento se parece más a una banda Heavy-Rock, y es una gozada recuperar ese espíritu. Una barbaridad de tema. Y de oca a oca, otra monstruosidad, At the Depot, una canción donde de nuevo desparrama emoción, acompañado de una guitarra Slide que se presenta imperiosa, aquí manda ella y sus cuerdas, parece estar diciendo.


 

Bad Penny y de nuevo la vuelta al rock sureño, aquí más tranquilo que en el anterior tema, para homenajear ese estilo musical, pero la cabra tira al monte y de nuevo la guitarra toma su camino y le mete la dureza que álbum nos estaba dando hasta ahora. Just Hit Town es descontrol absoluto, locura controlada entregada en una guitarra, una chispa y todos saldremos impulsados a dar saltos y a gritar con este ritmos salvaje…… tranquilo la abrasadora guitarra slide de Rory pone la chispa, solo te queda volverte loco. Off the handle es otra vuelta de tuerca al blus, un regreso a su manera, con guitarra y sobre todo con voz, ojo a los niveles que alcanza en este tema… al alcance de muy pocos. A Public Enemy Nº1 no le vamos a negar su esencia de blues, es imposible, pero vamos a meterle un poco de humor y nos queda una cosa muy apañada, es cierto que parece que baja el nivel de lo que hasta ahora nos ha entregado, pero basta detenerse para ver, o mejor, escuchar otro tema enorme…. Rory y su ramalazo Hendrix.. dale caña. Hell Cat suena totalmente sesentero, un tema aspero donde lo principal es romper todo con lo establecido y viajar, viajar, viajar. Cierra con The watcher, y nos quiere dejar con los pies en la tierra, es quizás la canción más convencional pero con cada escucha va mejorando.



Si algo echo de menos en Top Priority es diversidad, no hay números basados ​​en acústicos ni canciones largas de lento blues como Fuel to the Fire del álbum anterior de Gallagher. El álbum se compone principalmente de pistas de blues-rock pesadas de duración media, cada una de las cuales muestra el talento del cantante / guitarrista en el departamento de composición de canciones, así como su brillante musicalidad, pero no nos quejemos, Top Priority es fácilmente uno de los mejores álbumes de Rory Gallagher y para alguien que busque explorar su catálogo anterior, debería ser una "máxima prioridad".


0269: I Got You (I Feel Good) - James Brown

0269: I Got You (I Feel Good) - James Brown

I Got You (I Feel Good) es una canción del artista James Brown con un arreglo instrumental muy marcado, similar a otros anteriores éxitos del artista, pero no solo eso sino una característica del estilo funk que supo muy bien aprovechar James Brown

El artista James Brown refleja en la letra de la canción un regocijo de lo bien que se siente "nice, like sugar and spice" ahora que tiene a la persona que ama, y su voz está salpicada de gritos y chillidos, pero eso no es todo, la canción incluye un solo de saxo que marca la diferencia.

En la carrera musical de Jame Brown alcanzo llevar a la lista Billboard Hot 100 cerca de 100 éxitos, pero I Got You (I Feed Good) es la canción de Jame Brown que más alto en la lista de éxitos del artista logro alcanzar, alcanzando el número tres de la lista Billboard Hot 100

En cambio en la lista Billboard Rhythm and Blues Singles lograría alcanzar el puesto número uno, y mantenerse en esa posición durante seis semanas consecutivas, después que otro de su éxitos el sencillo, "Papa's Got a Brand New Bag", ocupara el número uno durante ocho semanas, el característico sonido del grito de James Brown al comienzo y al final de la canción es motivo de su particular estilo que lo llevo a que otros artistas del hip hop y dance samplearan y utilizaran en otras canciones y que se incluyeran eventos deportivos.

La primera versión realizada por James Brown, fue grabada en el año 1964, esta versión contenía un arreglo diferente a las versiones que el artista posteriormente editaría, la versión de 1964 incluía un ritmo tartamudo y un prominente sonido de saxo, esta primera versión fue incluida en el álbum Out of Sight de Smash Records y en la película Ski Party de 1965.

En el año 2000, I Got You (I Feel Good), alcanzó el número 21 en la lista de las 100 mejores canciones de Rock and Roll de VH1 y el número 75 en la lista de las 100 mejores canciones de baile de Rock and Roll de VH1, siendo una de las únicas siete canciones que entraron en ambas listas. Posteriormente en 2004, I Got You (I Feel Good) ocupó el número 78 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Daniel
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sábado, 25 de septiembre de 2021

Disco de la semana 243: Un Baión para el Ojo Idiota - Patricio Rey y sus redonditos de ricota

El disco de la semana 242: Un Baión para el Ojo Idiota - Patricio Rey y sus redonditos de ricota 

Hola Amigos!, en esta edición de el disco de la semana, les traigo un disco del año 1988, de ni más ni menos de la banda de rock Argentino, Los Redondos por su nombre más popular.  

Un disco editado en el año 1988, que es su tercer álbum de estudio, cuyo nombre es Un baión para el ojo idiota, este álbum esta considerado por su vocalista (él Indio Solari) como el reflejo más fiel del sonido de Los Redondos, esto lo demuestra que casi la totalidad de los temas que contiene el disco, se han convertido en verdaderos éxitos de la banda, y sobre todo un himno para la banda y su publico, estamos hablando de "Vamos las bandas", un verdadero swing con ritmos de saxo a cargo de Gonzalo Gonzo Palacios, este tema toma relevancia al generar esa complicidad de la banda con su publico y que devendría en uno de los nombres de los grupos de seguidores de la banda.

Como hemos dicho Un Baión Para el Ojo Idiota es el tercer álbum de estudio del grupo argentino Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y este fue editado en 1988. 

Este disco comenzó a grabarse mientras la banda sufría un cambios en su formación con la salida e incorporación de nuevos miembros, esto se ve marcadamente en su nuevo sonido a diferencia de su anterior disco Oktubre. Un Baión Para el Ojo Idiota se podría decir que presenta un sonido mucho más sólido, la banda utiliza en este disco un sonido más de guitarras eléctricas distorsionadas y ritmos de batería en donde se siente el sonido del Rock and Roll más clásicos.

La nueva formación de Los Redondos llega de la mano de Sergio Dawi en saxofón reemplazando a Willy Crook, también tiene un cambio en su bateria incorporando a Walter Sidotti reemplazando al Piojo Abalos, los cambios traerán nuevos sonidos como resultado de este álbum, ya hemos dicho que el líder y vocalista de la banda, él indio Solari declararía que Un Baión Para el Ojo Idiota es una de las grabaciones que mejor capta el espíritu y la idea musical del grupo durante esos años, y así lo demuestran sus canciones, canciones que se volverían verdaderos clásicos de la banda como Masacre en el Puticlub, Todo Preso es Político, Vencedores Vencidos, Ella Debe Estar Tan Linda, Noticias de Ayer, Aquella Solitaria Vaca Cubana, Todo un Palo y Vamos las Bandas.

Finalmente este álbum fue presentado en vivo en el mes de mayo de 1988, en el Teatro Bambalinas en la calle Chacabuco de la ciudad de Buenos Aires, Argentina, fue muy bien la presentación y la banda agrego nuevas funciones en el mes de junio.

Daniel
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0268: Moon don't come up tonight - Patty Waters

 


Patty Waters es una vocalista de jazz, conocida por sus grabaciones de free jazz en la década de 1960 para el sello ESP Disk. Aunque rara vez ha grabado desde entonces, es cada vez más reconocida como una innovadora vocal cuya influencia se extiende más allá del jazz. Otras cantantes como Yoko Ono y Diamanda Galás, o la cantautora de rock Patti Smith, han nombrado a Patty Waters como una gran influencia.

 

Patty Waters nació el 11 de marzo de 1946 en Iowa. Comenzó a cantar de forma semiprofesional en la escuela secundaria. Después de la escuela cantó para la Jerry Gray Hotel Jazz Band. Su familia se mudó a Denver, Colorado, donde comenzó a escuchar a Billie Holiday, cuya vida y canto tuvieron una profunda influencia en ella. A principios de la década de 1960, se traslado a Nueva York y alli fue invitada a cantar con Bill Evans en el Village Vanguard. Trabajaba en un restaurante cuando Albert Ayler la escuchó en un comedor y le presentó a Bernard Stollman, el dueño del sello de jazz experimental ESP Disk. En 1965 publicaron el álbum “Sings”, tremendo disco y delicado cuyo núcleo temático se encuentra en los fracasos en las relaciones, la soledad y la desesperación, todo resaltado por la sensación íntima de la voz de Patty. Las siete primeras canciones son Patty Waters sola con su piano y su voz navegando en melodías de gran sensibilidad. La segunda mitad se compone solo de una pista "Black Is The Color Of My True Love's Hair". En esta la cantante es acompañada por un trío de piano / bajo / batería durante 14 minutos y se embarca en una lenta espiral hacia la locura en la que explora las posibilidades de su voz mucho más que antes.

 

Nos vamos a detener quizas en su éxito mas reconocido, "Moon, Don't Come Up Tonight", una oración de jazz mínima y desesperada que se calma con el delicado canto de Patty, con un descenso de la melodía sigue siendo realmente inquietante, un paisaje austero pero lleno de tesoros que encontramos en la voz calida de Patty que llega a sonar casi como un llanto, una delicadeza absoluta que merecemos rescatar y que merecéis disfrutar, aunque Patti únicamente nos dejo este álbum, vale por la carrera de otros muchos…

viernes, 24 de septiembre de 2021

0267 I Am A Rock - Simon & Garfunkel

 

I Am A Rock, Simon & Garfunke


     El 17 de enero de 1966, el dúo Simon & Garfunkel ve publicado su segundo álbum de estudio, Sounds of Silence. Este trabajo fue grabado durante el mes de diciembre de 1965 en los estudios CBS de Nashville, producido por Bob Johnson, y publicado bajo el sello discográfico Columbia Records.

Incluido en este segundo trabajo del dúo encontramos el tema I Am a rock. Esta canción trata sobre un recluso que se encierra en sí mismo, alejándose de la vida misma y del mundo. De ahí la frase "I Am A Rock...", refiriéndose al hecho de que él es una roca, una isla, está lejos de todo y de todos. Curiosamente el uso de la palabra "rock" se solía asociar a la música rock y a su estilo de vida, pero en este caso Paul Simon, quien la había escrito, usó la palabra para referirse únicamente a su significado literal, un trozo de piedra, 

La canción fue escrita por Paul Simon antes de triunfar como músico, Primero se la ofreció al dúo Chad & Jeremy, quienes la rechazaron. Paul Simon decidió grabarla el mismo para su primer disco de estudio, The Paul Simon Songbook, publicado en Reino Unido en 1965, pero la canción pasó desapercibida.

A finales de 1965, el productor Tom Wilson había sobregrabado y remezclado el tema The Sound of Silence y se había convertido en un gran éxito, por lo que Simon & Garfunkel, que en ese momento se encontraban separados, fueron convocados de nuevo al estudio para grabar su siguiente álbum, Sounds of Silence. En esas sesiones de grabación se grabó I Am A Rock, que fue incluida en dicho disco y se convirtió en otro gran éxito del dúo.

jueves, 23 de septiembre de 2021

0266 The Sounds of Silence - Simon & Garfunkel

 

The Sounds of Silence fue escrita por Paul Simon tan solo unos meses después del asesinato de John Fitzgerald Kennedy en noviembre de 1963, volcando sus sentimientos al respecto en la que sería una de las canciones emblemáticas del dúo Simon & Garfunkel. Ambos la grabaron en una (austera) primera versión que incluía tan solo sus voces y la guitarra acústica de Simon, para el disco Wednesday Morning, 3 AM, que sería el disco de debut de una de las parejas musicales más famosas de la historia de la música.

Poco después, y para la publicación en sencillo, se grabó una nueva versión arropada por batería, bajo y guitarra eléctrica, que acabaría siendo la versión más conocida y la que llegó a lo más alto de las listas de éxitos de Estados Unidos, apareciendo también en el siguiente álbum del dúo, titulado precisamente Sounds of Silence, en honor a un tema que es brillante ya desde la aparente contradicción de su título (Los sonidos del silencio)

La letra nos introduce en la sensación de tristeza y desorientación vivida tras uno de tantos episodios sin sentido en la historia de la raza humana, combinando un arranque en tono lúgubre ("Hola oscuridad, mi vieja amiga, he venido a hablar contigo de nuevo") y de desesperanza ("gente hablando sin hablar, escuchando sin escuchar, escribiendo canciones que las voces nunca comparten") con un toque de himno solemne que va creciendo en intensidad a cada paso, hasta esa apocalíptica visión del futuro al que, en los momentos más tristes, creemos estar abocados sin remedio. Un futuro en el que falsos dioses de neón nos recordarán que "Las palabras de los profetas están escritas en las paredes del metro y en los pasillos de las viviendas, y susurradas en los sonidos del silencio".

miércoles, 22 de septiembre de 2021

0265: The Kids Are Alright - The Who


0264: The Kids Are Alright - The Who 

"The Kids Are Alright es un álbum de la banda de rock británica The Who que acompaña a la película documental de la banda del mismo nombre."

The Kids Are Alright es una canción escrita por el artista Pete Townshend u es parte de la banda de rock The Who. Esta canción es parte del álbum My Generation y ocupa la posición número 7 de My Generation, que fue el primer álbum del grupo (The Who Sings My Generation en con el nombre que se lanzo en Estados Unidos), en el año 1965. La canción no fue lanzada como single hasta seis meses después de ser lanzado por primera vez el álbum, primero en los Estados Unidos, y luego el mes siguiente se lanzó en el Reino Unido.

En el momento del lanzamiento del álbum no tuvo mucho éxito, solo alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el puesto número 85 en los EE. UU.. 
Pero tiempo después, el álbum The Kids Are Alright, junto con la canción que dio título a ese álbum, se convertirían en un himno para el grupo y sus fans en la década de los '60, de hecho tiempo después, ese álbum y canción se convertirían en un documental con su nombre que realizaría la banda en 1979. Todo un éxito. 

La canción fue editada como sencillo en el Reino Unido, siendo esta versión mucho más común que la versión original del álbum. Además de aparecer en My Generation, el comienzo de la canción se puede escuchar en Quadrophenia, y al final de la canción Helpless Dancer.

La canción ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos se destacan The Queers, Goldfinger, Eddie and the Hot Rods, The Pleasers, Dropkick Murphys, Hi-Standard, Green Day, Pearl Jam y Belle & Sebastian, con la que cerró su show en el Bowlie Weekender en 1999. Otras versiones y artistas que hacen referencia a The Kids Aren't Alright son de The Offspring, The Kids Are All Wrong de Lagwagon y The Kids de The Parlor Mob.

Curiosidad: En las actuales presentaciones en vivo The Who añade una sección extra en el final de la canción, generalmente con letra improvisada. Tras la muerte de John Entwistle, la letra adicional en ocasiones, hace referencia a él y de su amor por el vino tinto, que más tarde inspiraría la canción Old Red Wine, un homenaje hacia el mítico bajista del grupo.

Daniel 
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Rory Gallaguer - Photo Finish (Mes Rory Gallagher)

 

Photo Finish, Rory Gallagher


     Nos encontramos en 1977, año en el que Rory, aparte de su trabajo con Taste, lleva publicados 6 álbumes de estudio y 2 en directo en solitario. Sus dos últimos trabajos, Againts the Grain (1975) y Calling Card (1976) han sido publicados por el sello discográfico Chrysalis. Cuando Rory ficha por Chrysalis, realiza una interesante maniobra, renuncia a buena parte de las ganancias a cambio de tener el control total su música, de forma que él siempre decidirá de que forma, cómo y cuando. Aprovechando la creciente popularidad que va adquiriendo, el guitarrista se marcha a grabar a la ciudad de San Francisco, Estados Unidos, de la mano del consagrado productor Elliot Mazer, conocido por su trabajo con artistas de la talla de Linda Ronstadt, Neil Young, Bob Dylan, The Band y Janis Joplin entre otros.



Una vez finalizado un proceso de grabación durante el cual ya habían surgido no pocos problemas entre el guitarrista y Mazer, Rory muestra su disconformidad con el resultado final al productor, produciéndose una discusión entre ambos. Tanto  la compañía discográfica como Mazer quieren sacar ese trabajo adelante, pero Rory tiene un as en la manga y la utiliza, es él quien tiene la última palabra sobre su trabajo, por lo que decide coger esas grabaciones realizadas en San Francisco y las guarda en un cajón. Parte de esas grabaciones verán la luz en el año 2011, bajo el título Notes from San Francisco. Inmediatamente después de desechar dicho material, Rory sufre un accidente en el que se lastima un pulgar de su mano con la puerta de un taxi, por lo que tiene que guardar reposo para recuperarse. 

El hecho de haber desechado el trabajo, sumado al accidente del dedo, han hecho que el tiempo le apremie, y Chrysalis, el sello discográfico de Rory, presiona al guitarrista para que cumpla los plazos de entrega del disco que tienen firmado, pues apenas queda tiempo. Rory decide entonces prescindir del tecladista y el baterista que le acompañan en ese momento y con los que ha grabado en San Francisco, y decide fichar al baterista Ted McKenna. Rory regresa pues al formato de Power Trío que tanto le gusta, junto al citado baterista y su inseparable bajista Gerry Mcavoy.


Una vez realizados los cambios en la formación, decide marcharse junto con MacKenna y Mcavoy, y llevándose además al ingeniero de sonido irlandés Alan O'Duffy, a los estudios Dierks de Colonia, Alemania, para trabajar en dichos estudios,  propiedad del productor Dietr Dierks, quien ha trabajado en varios discos de Scorpions. La decisión resulta ser todo un acierto, el estudio está dotado de 24 pistas, está situado a escasos 13 kilómetros de la ciudad de Colonia, y tiene el ambiente ideal que necesita Rory para trabajar. El resultado no puede ser mejor, en un mes escaso, entre julio y agosto de 1978, y cumpliendo plazos con la discográfica, graba Photo Finish, otro gran trabajo donde el blues y el rock se entremezclan con brillantez para regalarnos un álbum poderoso y lleno de fuerza. El disco finalmente es publicado el 1 de octubre de 1978 bajo el sello discográfico Chrysalis.

Photo Finish quizá no tenga el renombre de sus míticos Tattoo o Calling Card, pero no tiene nada que envidiar a éstos. Abre la cara A de este brillante álbum Shin Kicker, un blues rock de alta velocidad que podría ser el himno de cualquier club motero que se precie. Le llega el turno a Brute, Force & Ignorance, un sublime blues donde el bajo de Gerry Mcavoy marca el ritmo y Rory marca la diferencia con su inseparable Fender. Cruise On Out, un tema con un ritmo rockabilly que me recuerdan a los mejores Lez Zeppelin. Rory buscaba sonar como las primeras grabaciones de Elvis Presley con Sun Records, y vaya si lo consigue. Cloak & Dagger, un medio tiempo donde la batería de MacKenna se encarga de marcar el tempo sobre el que Rory se lo curra con la guitarra y la armónica, uno de los temas más oscuros y pesados del álbum. Cierra esta primera cara Overnight Bag, para mí uno de sus mejores temas, ya no sólo de éste disco, también de su carrera. Un delicado y bello tema, una oda que hace referencia a su continua vida en la carretera. El sonido de las guitarras acústicas de fondo y la melodía de la guitarra eléctrica le dan al tema un toque nostálgico maravilloso.



El inicio de la cara B es para otro de los grandes momentos del disco, Shadow Play, tema que compuso Rory con una guitarra de 12 cuerdas mientras se encontraba en Irlanda, en la cama enfermo a causa de una gripe. Un tema que solía tocar en directo Rory, pues es precisamente ahí donde este tema gana muchos enteros, donde el guitarrista solía marcarse unos solos brutales alcanzando con los dedos el mismísimo cielo. The Mississippi Sheiks, disfrutaremos de un blues a la antigua usanza con la guitarra y la armónica como protagonistas. The Last of the Independents, un tema con puro sabor a Western. Se suele afirmar que este tema es de cierta forma autobiográfico, pero Rory siempre dijo que no, la canción surgió realmente cuando ya tenía el título, y a partir de ahí escribió la canción. Cuando lo tenía a medias se dio cuenta de que había leído una reseña sobre la película de 1973 Charley Varrick (también conocida como The Last ofIndependents y Kill Charley Varrick), dirigida por Don Siegel y protagonizada por Walter Matthaw. Aunque realmente la historia de la canción iba más encaminada a  la película de 1960 El Criminal, protagonizada por Stanley Baker, donde al igual que la canción, trata de un hombre que pasa en la cárcel por robo. A su salida de ésta, él es el único que sabe donde está escondido el dinero del robo y todo el mundo va tras él para conseguirlo. Quería conseguir una canción de gansgters con cierto aroma cómico y con un sonido rollo Bo Diddley. Cierra la cara B y por tanto el disco Fuel to the Fire, otro de los momentos álgidos del álbum, un bonito blues en clave de balada que contiene unos riffs y uno de esos solos de guitarra memorables de Rory que te transportan y te hacen flotar

En 1998 se publicó una re edición en CD que contiene dos temas adicionales, un auténtico trallazo de rock, Early Warning, y Jukebox Annie, un delicioso tema rollo honky-tonk donde Rory se ocupa de la voz, el dobro (guitarra resonadora), la armónica y la mandolina. 

martes, 21 de septiembre de 2021

0264 My Generation - The Who


My Generation
fue un éxito inmediato en Reino Unido desde su lanzamiento como sencillo en octubre de 1965, alcanzando el número dos de las listas de éxitos. En Estados Unidos la respuesta fue algo más tibia (llegó al puesto 74), pero en casa el tema de The Who se convirtió casi al instante en un himno para toda una generación de adolescentes. El tema fue incluido también en el álbum debut de la banda (titulado My Generation en Reino Unido y The Who Sings My Generation en Estados Unidos), y sería una parte importante de las giras y del disco en directo de 1970 Live at Leeds, en el que aparece en una versión extendida hasta llegar a los... 15 minutos!

Pete Townshend escribió la letra durante un trayecto en tren, incluida la famosa frase de "Espero morir antes de envejecer" que se convirtió en el mantra de la generación del momento, y en una de las frases más características del rock​. Toda la letra es un manifiesto de rebeldía adolescente, y la música es además precursora de lo que después sería el punk rock y el hard rock, reforzada por los solos de guitarra de Townshend y la potente línea de bajo de John Entwistle, que se marca el que para muchos es el primer solo de bajo de la historia del rock.

Roger Daltrey dotó a la canción del tantas veces analizado tartamudeo con el que terminaba los versos, interpretado por muchos como una manera de reflejar el nerviosismo, enojo y frustración de esa generación a la que estaba poniendo voz, mientras otros apuntan a que sólo pretendía sonar como un típico adolescente mod que hablara bajo los efectos de las drogas. La BBC lo consideró ofensivo para las personas con tartamudez, y se negaron a pincharla inicialmente, pero acabaron dando su brazo a torcer cuando My Generation se convirtió en el tema del momento. De su relevancia dan fe tanto la inclusión en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, como las múltiples versiones que de ella han hecho artistas del nivel de Alice Cooper, Iron Maiden, o grupos de generaciones posteriores como Oasis o Green Day, que muchos años después también tenían claro de lo que estaban hablando. "Hablo de mi generación..."

Un país, un artista: Tunez - Emel Mathlouthi

 



Emel Mathlouthi nació el 11 de enero de 1982, comenzó a cantar y actuar a los 8 años en un suburbio de su ciudad natal, Túnez, su primera canción la escribió con 10 años, soñaba con convertirse en una estrella de la música y lucho por ello, en la medida posible investigo los distintos sonidos que poblaban el panorama musical de finales de los noventa, decidiendo que el rock seria su futuro, pero llegó a explorar los sonidos góticos. Pink Floyd, Bob Dylan, Joan Baez, tratando de descubrir su propio sonido, a pesar de que creció con los discos de música clásica, jazz o "negro espiritual" de su padre, decide encontrar su camino entre todas estas influencias. Formó su primera banda en la universidad de Túnez cuando tenía 19 años, unos años más tarde, conmovida por la voz y las ideas de Joan Baez, dejó la banda y comenzó a escribir canciones políticas, descubriendo su frustración por la falta de oportunidades y la apatía de sus compatriotas. En 2005, se le sugirió que se uniera al cantautor libanés Marcel Khalifé, con el que empieza a escribir sus textos ... en árabe, escribe textos comprometidos y aborda el tema de los derechos humanos en Túnez en un país censurado pero que no piensa menos. Monta su grupo y actúa en El Teatro, un lugar emblemático, fue entonces cuando ante los peligros y amenazas que sentía, decidió exiliarse, trasladándose a Paris y estudiando en el Studio Cité des Arts y gracias ello su voz y sus textos viajan por todo el mundo.


 

En enero de 2011, hay una revolución en las calles de Tunez tras la marcha de Ben Ali, es en ese momento cuando resuena la voz de Emel, desde París, ella participa de este momento histórico a través de un concierto especial "Nova escucha Túnez" en Radio Nova, apoyada por muchos tunecinos exiliados o en el país, se convierte en un símbolo de la Revolución, al que da un nuevo aliento, un nuevo aire e incluso una nueva era. Un año después, en enero de 2012, editó su primer disco Kelmti Horra ("mi palabra es gratis"), compuesto por 10 canciones escritas principalmente en árabe con frases en francés e inglés, las canciones están inspiradas en momentos clave de su vida y del mundo. El resultado fue un disco a la vez clásico y electro y la empiezan a denominar la "Björk Oriental", muchas veces debido a las percusiones estruendosas que acompañan a esta voz aterciopelada, el disco Kelmti Horra se convirtió en un himno durante la Primavera Árabe, le valió el título de "voz de las revoluciones tunecinas" y luego una invitación para actuar durante la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en 2015.

 

El 24 de febrero de 2017 lanzó su segundo álbum ENSEN (Human) grabado en siete países de tres continentes junto a muchos productores, incluido Valgeir Sigurosson (Sigur Ros) un álbum plagado de música electrónica y acústica en un estilo que definitivamente hace suyo la crítica lo definió como "una fusión magníficamente ornamentada de ritmos imponentes y escalas menores árabes oscuras destacando un tono incendiario dirigido por la voz galvánica de Mathlouthi, que es a su vez vulnerable y fuerte. Ese mismo año En 2017 regresa a Túnez para dar su primer concierto allí en cinco años, encabezando el prestigioso Festival de Cartago. Ese verano también actuó en el Festival Beitaddine en el Líbano y en el festival SummerStage en Central Park, Nueva York.

 

En 2019, lanzó su primer álbum en inglés Everywhere We Looked Was Burning, donde da un giro ya que quería "escribir sobre la naturaleza, así como sobre la belleza y la lucha de estos tiempos”, para ello se inspiró en poetas estadounidenses como TS Eliot y John Ashbury. Al año siguiente y tras unas vacaciones en la casa de su infancia en Túnez en 2020, grabó un álbum doble The Tunis Diaries por su cuenta, con solo una guitarra acústica y su voz, el álbum se divide en dos partes "Día" y "Noche". El primer disco incluye canciones de Emel cantadas en parte en inglés y en tunecino más una canción inédita Holm que se ha visto más de 6,5 millones de veces en YouTube hasta septiembre de 2021, el segundo disco incluye varias versiones. de Leonard Cohen, David Bowie y Jeff Beckley.

 

Un artista muy recomendable, es imprescindible escuchar y sentir en nuestros poros la sensibilidad que trasmite Holm (A dream) escasa, inquietante, hermosa, melódica y serena…. y como no detenerse en la versión que hace de The man who sold the World de David Bowie.

lunes, 20 de septiembre de 2021

0263 These Boots Are Made For Walkin' - Nancy Sinatra

 

These Boots Are Made For Walkin', Nancy Sinatra


     En diciembre de 1965 aparecía publicado por primera vez el tema These Boots Are Made For Walkin', uno de los grandes clásicos de la música americana, y que se encargaría de popularizar Nancy Sinatra. El tema fue grabado por Nancy en noviembre de 1965 en los Western Recorders de Hollywood, California, producido por Lee Hazlewood, y publicado como sencillo por el sello discográfico Reprise Records en diciembre de 1965.

El tema fue escrito por el cantante, compositor y productor estadounidense Lee Hazlewood con la intención de grabarla el mismo, pero fue la misma Nancy Sinatra la que le convenció de que no lo hiciera, pues la canción en voz de un hombre iba a sonar "dura y abusiva". Nancy consiguió convencer a Lee para que le dejara a ella, encargándose de hacerlo con la ayuda del famoso grupo de músicos de sesión de Los Ángeles Wrecking Crew. La canción, con toques de pop, country y rock & roll,  supuso un auténtico pelotazo, consiguiendo el primer puesto en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y también en el Uk Singles Chart del Reino Unido.

La canción fue incluida en el álbum debut de estudio de Nancy Sinatra, Boots, publicado en marzo de 1966 bajo el sello Reprise Records. El disco alcanzó un notable éxito también, consiguiendo un meritorio quinto puesto en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100. Cabe destacar que la compañía discográfica Reprise Records, donde Nancy estaba en aquellos momentos, era la misma donde se encontraba su padre, Frank Sinatra. Pues Bien, Reprise Records planeaba dejarla, pues sus primeros sencillos habían sido un fracaso, pero todo cambió cuando se cruzó en su camino Lee Hazlewood. Tal es el alcance y dimensión de este tema, que ha sido versionado en innumerables ocasiones por artistas tan dispares como Megadeth, Madonna, Billy Ray Cirus, Haley Reinhart y Jessica Simpson entre otros. 

domingo, 19 de septiembre de 2021

0262: Till the end of the day - The Kinks

 


Aunque su álbum debut homónimo de octubre de 1964 contiene el inmortal You Really Got Me y el dulce Stop Your Sobbing, Kinda Kontroversy es realmente un paso adelante firme y brillante de The Kinks, aunque aun lejos de lo que nos podía ofrecer. El importante paso realizado por el cuarteto del norte de Londres en solo cinco meses se muestra en el nuevo dominio de las composiciones originales. Mientras que ese debut estuvo lleno de versiones, con la excepción de Naggin 'Woman y Dancing in the Street, este álbum está escrito por el líder de la banda Ray Davies, The Kink Kontroversy  continúa la evolución de The Kinks de un grupo genérico de blues / skiffle / Mersey de Brit-Invasion a una banda creativa única… pero no del todo, todavía hay ecos de su pasado "genérico" que acechan a este álbum, pero al mismo tiempo hay suficiente espíritu creativo de Ray Davies para marcar el álbum como un punto de inflexión significativo.

The Kinks iba en aumento, con una serie de éxitos que comenzaban con " You Really Got Me"en 1964. La banda no pudo disfrutarlo sin embargo, porque se vieron presionados a entrar en un ciclo riguroso de giras, grabaciones y promociones que ejercieron una enorme presión sobre el grupo. Davies estaba casado y apenas podía disfrutar de los beneficios de su estrellato; en mayo de 1965 tuvo su primer hijo, una hija llamada Louisa. Con las tensiones de la paternidad ahora también sobre él, se hundió en una depresión, pero aún se esperaba que escribiera algunos éxitos. Después de unos días de descanso, regresó a trabajo decidido a hacer que todos pensaran que estaba bien, así que escribió esta canción alegre, que luego explicó que era una mentira total. Con “Till the end of the day” vuelven los Kinks “cañeros” es simplemente rock, un duro "garage" en la misma línea que "You Really Got Me" y "All Day and All of The Night", pero es que esta canción tiene un gran uso de fuertes acordes, un estribillo pegadizo, uno de los mejores mejor solo de guitarra de la carrera del grupo, Ray suena débil en esta canción, pero realmente no afecta la canción es casi perfecto, solo escucha el final de la pista cuando la banda acelera, es material de genios.

sábado, 18 de septiembre de 2021

0261 Drive My Car - The Beatles

 

Drive My Car, The Beatles


     El 3 de diciembre de 1965 aparece publicado, bajo el sello discográfico Parlophone, Rouber Soul. Dicho álbum, el sexto del grupo británico, es grabado entre junio y noviembre de 1965 en los EMI Studios de Londres. Incluido en el álbum se encuentra el tema Drive My Car, tema en el que nos vamos a centrar en esta ocasión.

La canción está acreditada, como siempre en aquella época, al dúo Lennon-McCartney, encargándose Lennon de la parte vocal, McCartney de las voces, el bajo y el piano, Harrison de la guitarra y las armonías vocales, y Starr de la batería, el cencerro y la pandereta. En un principio, el tema fue escrito por McCarteny, y comenzó siendo lo que ellos llamaban una canción comedia, la cual trataba sobre una prostituta, con un estribillo  que comenzaba diciendo: "No puedes comprarme anillos de diamantes"

El problema surge cuando Lennon veta la letra, pues según él, ya habían utilizado este cliché en dos temas anteriores. Por lo que finalmente Lennon se sentó con McCarteny para reescribir la letra, quedando ésta en una divertida letra sobre una chica que quieres ser una estrella, dándo al tema un doble sentido con un significado erótico. La canción nos habla de un chico que conoce a una chica a la que dice que puede conducir su coche. La chica, aspirante a actriz, se siente atraída por él. La chica finalmente acepta pero admite al chico que no tiene coche. Aún así ella sigue queriendo que él sea su "Conductor". De ahí el doble sentido, pues toda la charla podría estar hablando de sexo.

En la sesión de grabación McCarteny llegó al estudio con un arreglo en mente, pero Harrison había estado escuchando el tema Respect de Otis Redding, y viendo que podría cuadrar con lo que McCartney traía, sugirió un riff similar, doblando el bajo y la guitarra con las cuerdas muy graves. Así surgió Drive My Car, un tema que contenía más graves que cualquiera de las anteriores grabaciones que el grupo había hecho.

viernes, 17 de septiembre de 2021

0260.- Michelle - The Beatles




La historia de Michelle, esa bella canción que a todos nos ha sumergido en alguna ocasión en la melancolía, empezo como una parodia de Paul a ciertas canciones francesas que escuchaba en muchas fiestas. Cuando finalmente le puso letra, animado por John, decidió que debía llevar algo de verdadero francés…. Arrancamos, el inicio de la creación del tema comenzó cuando Lennon acudía a la escuela de arte y cultura en Francia, una escuela de lo más cool y con frecuencia en dicha escuela de arte solían organizarse una serie de fiestas a las que asistía Lennon, quien a su vez invitaba a McCartney. En tales reuniones Paul se hacía pasar por francés y para llamar la atención tocaba un tema instrumental al que añadía una que otra palabra conocida por él (a veces hasta inventada) del lenguaje del amor. La canción era una de las más antiguas de McCartney, ya que la compuso alrededor de 1959, con su primera guitarra, una Zenith.


Unos años después, cuando The Beatles se encontraba trabajando en el álbum Rubber Soul, John recordó aquella canción que Paul tocaba en las fiestas francesas y le sugirió convertirlo en algo real, sin embargo habia un gran problema, los Beatles no podían publicar una canción con falso francés y Paul tampoco queria aprender un nuevo idioma solo para la canción, fue así como pidieron ayuda a su amigo Ivan Vaughan, cuya esposa era maestra de francés para que les ayudará con una frase que rimara bien con “Michelle, ma belle”. El resultado de esa combinación fue que a la frase se le añadió “Sont des mots qui vont tres bien ensemble”, que en el idioma de Shakespeare significa y se canta como: “These are words that go together well”, ella le explico cómo pronunciarlo, así que eso fue todo…. años mas tarde le enviaría un cheque, ya que la consideraba prácticamente una co-escritora de la canción.


Broma aparte lo que encontramos en "Michelle" es exactamente el tipo de pop sofisticado que incluso aquellos que odian esa música se riende a sus pies y es una muestra mas de la banda de la capacidad que tenian para asumir cualquier tipo de material más avanzado, si te quedas en la superficie, "Michelle" es el tipo de canción pop elegante con un toque de exotismo (la progresión de acordes en clave menor vagamente europea; los fragmentos de letras francesas) que podría acompañar y meter en el saco de temas como "The Girl from Ipanema" sin embargo, los Beatles le dan a "Michelle" un sentido del humor brillante ("sont les mots qui vont tres bien ensemble") 


Disco de la semana 242: Black Merda - Black Merda

 

Black Merda


     Para la recomendación de esta semana nos vamos a la ciuad de Detroit, allí surge Black Merda, una banda que a pesar de su gran calidad se vió lastrada por una pésima promoción en los dos álbumes que llegaron a publicar a comienzos de los años 70. No Obstante, con el tiempo Black Merda se ha convertido en todo un referente de culto dentro del funk psicodélico y soul psicodélico. El reconocimiento de la banda llegaría más de treinta años después, en 2005, con el lanzamiento del recopilatorio The Folks from Mother' Mixer, que recopila sus dos álbumes originales.

Hay que remontarse a la década de los 50, cuando Anthony Hawkins (guitarra y voz) y VC Lamont Veasey (Bajo y voz) se conocen en la escuela primaria. Por otro lado Hawkins y Tyrone Hite (batería y voz) se conocen a principios de la década de los 60 en la escuela secundaria. Posteriormente, durante los siguientes años los tres comienzan a trabajar como músicos de sesión y respaldo en la escena de la música de Detroit. Anthony Hawkins y VC trabajaban con frecuencia para compañías como Fortune Records Y Golden World Studios, y también para el compositor, guitarrista y productor Ron Davis, muy conocido en la escena de Detroit. Hite trabaja en sesiones de grabación como cantante antes de centrarse en la batería.

Hawkins, Veasey y Hite forman el grupo The Impacts, que posteriormente pasaría a llamarse Soul Agents. Durante esta época respaldan a multitud de artistas, sobre todo asociados a los sellos Motown Records y Brunswick Records, entre los que se encuentram Edwin Starr, Gene Chandler, Wilson Pickett, The Spinners, The Artistics, Biilly Butler, The Chi-Lites, Joe Tex, Jackie Wilson, y The Temptations entre otros muchos. El grupo suele tocar respaldado por una sección de tompetas compuesta Victor Stubblefield y Gus Hawkins.

A finales de los años 60 el trío comienza a alejarse del clásico sonido estándar de R&B, y comienzan a experimentar con sonidos procedentes del hard rock y el blues rock, influenciados por grupos como Cream, The Who, Led zeppelin, y sobre todos por Jimi Hendrix. Veasey se había enterado en 1966 de la existencia de Hendrix a través de un periódico local de Seattle, y presenta a Hawkins y Hite el álbum Are You Experienced. El grupo se inspira en el trabajo del guitarrista de Seattle para renovar su sonido y funcionar como un power trío. En 1967, y con el nombre de Soul Agents todavía, graban la que se cree es la primera versión registrada de la canción Foxy Lady, la cual se ha convertido a día de hoy en una codiciada y rara pieza de colección. Al trío se acaba uniendo el hermano menor de Anthony Hawkins, Charles Hawkins, como segunda guitarra, para dar más consistencia y consolidar el sonido del grupo. El grupo empieza a desarrollar un sonido basado en el soul y el funk, y lo endurecen con sonidos blues rock y hard rock, introduciendo además letras con fuerte carga de conciencia social. 



El cuarteto, que ya experimenta con su nuevo sonido e identidad, continúa trabajando con Edwin Starr bajo el nombre Soul Agents, con quien lleva trabajando asíduamente desde mediados de los 60. Pero en 1968 deciden que el cambio sea total, cambiando de nombre y siendo una banda de rock completamente autónoma e indepediente. Después de considerar varias alternativas, el grupo se decanta por Black Murder como nombre, el cual que hacía referencia a la violencia desenfrenada que experimentaban en el centro de la ciudad de Detroit muchos afroamericanos en aquella época. Veasey quería un nombre que impactara y reflejara y recordara el hecho de que muchos jóvenes negros estaban siendo aeesinados en aquel momento por la policía y el Ku Klux Klan en el sur y en Detroit. Más tarde el nombre se cambia a Black Merda. Merda hacía referencia en jerga afroamericana a la palabra Murder (asesinato). Además de su habituales claboraciones con Edwin Starr, el grupo colabora con Fugi en su canción de funk psicodélica Mary Don't Take Me on No Bad Trip, lanzada en 1968 bajo el sello discográfico Chess Records, y durante 1969 respaladan a The Temptations. La colaboración con Fugi no sólo se limitó a ese único tema, se había grabado un álbum completo de canciones, que serían lanzado finalmente en 2005 y titulado Mary Don't Take Me on No Bad Trip. Es Fugi quien además presenta al grupo a Marshall Chess, hijo del cofundador del sello Chess Recods, quien estaba interesado en trabajar con sonidos más experimentales dentro del rock. Gracias a esa recomendación Black Merda firma con Chess records. 

El grupo ya empieza a hacerse un hueco y posicionarse como líderes del movimiento del funk y soul psicodélico junto a artistas como Funkadelic, Betty Davis o The Bar-Kays, y en 1970, bajo el sello Chess records, el grupo graba en California y debuta con su primer álbum de estudio, titulado Black Merda, el álbum recomendado por 7dias7notas esta semana. El disco es una explosión de sonidos donde se entremezclan rock, blues, soul y funk endurecidos por el excelente sonido de guitarras de los hermanos Anthony y Charles Hawkins. Dentro de este excelente disco, por destacar, encontraremos buenos momentos a modo de jam session de blues en los temas Over and Over y Windsong, y momentos con un contundente sonido rockero mezclado con R&B y aderezado con tintes psicodélicos en Cynthy-Ruth y Prophet, las dos auténticas joyas de éste disco. Al excelente sonido del álbum hay que sumar unas letras donde reflejan la amarga realidad de la vida misma, la pobreza extrema, el racismo, la desigualdad política y social, la guerra de Vietnam, la situación de una nación fuera de control. Lástima que este discazo sufriera una pésima gestión y falta de promoción por parte de Chess Records, que se encontraba en un proceso de cambios internos. Esto hace que el álbum pase inadvertido y la banda decida volver a Detroit sin Tyrone Hite, donde graban su segundo álbum de estudio, Long Burn the Fire. Otra pésima mala promoción y escaso interés por el disco hace que que el grupo se separe y sus componentes vuelvan a trabajar como músicos de sesión. 

Black Merda es el álbum debut y homónimo de estos chicos de Detroit, que nos regalan una explosión de sonidos de rock, blues, soul y funk, endurecidos con una potentes guitarras y aderezados con un toque psicodélico. curiosamente habría que esperar al año 2005 para que la banda tuviera parte del reconocimiento que merece, gracias a la reunión de los componentes sin el fallecido Tyrone Hite, a la edición del recopilatorio The Folks from Mother's Mixer, que recopila sus dos únicos álbumes grabdos con anterioridad, y a la aparición del documental del canal HBO The Nines Live On Barry, emitido en 2009, y donde aparecía el tema de su primer disco Cynthy-Ruth.

jueves, 16 de septiembre de 2021

0259: In my life - The Beatles



Recuerdo lugares del pasado, aunque ya no existan o hayan cambiado, porque las cosas que allí me ocurrieron dejaron una fuerte impronta en mi memoria, y de alguna manera me marcaron para el resto de mi vida. Lo mismo me ocurre con algunas canciones que para mí son relevantes porque han tenido su espacio y su lugar en un momento importante de mi vida. Así que al descubrir una canción de The Beatles que reflejaba exactamente eso ("Hay lugares que recordaré toda mi vida, aunque algunos han cambiado. Algunos para siempre, no para mejor. Algunos se han ido y otros permanecen, y todos esos lugares tienen sus momentos, con amores y amigos que todavía recuerdo") la convertí rápidamente en una de mis favoritas de la banda, pese a la aparente sencillez que transmite al compararla con muchas de las grandes creaciones de los de Liverpool.
 
Incluida en el disco Rubber Soul (1965), fue para Lennon un ejercicio de revisión y recuerdo de su infancia, a través de lugares que se habían quedado para siempre en su memoria. Y con la profunda sensibilidad de la letra, consiguió que la canción, a su vez, quedara para siempre en la memoria colectiva. Pese a que la versión original recreaba lugares concretos del recorrido de un autobús en Liverpool (incluyendo Penny Lane y Strawberry Field), Lennon la modificó para que los recuerdos específicos se convirtieran en reflexiones más generales sobre el pasado, que pudieran llegar a todos los que la escucharan.
 
Y lo consiguió. Pocas canciones tienen una letra tan universal o un efecto catalizador de las emociones y los recuerdos tan instantáneo, y es difícil encontrar una unidad de medida para estos intangibles. Podríamos quedarnos con que la revista Rolling Stone la situó en el puesto 23 de "Las 500 mejores canciones de la historia" o mencionar que la revista Mojo la coronó en el primer puesto de "Las mejores 100 canciones de todos los tiempos", pero en realidad todo se reduce a algo más simple y a la vez más poderoso, y es que, en el fondo, y como seres humanos, son muchas más las cosas que nos unen que las que nos diferencian, y esta canción toca una tecla que a todos nos remueve. 
 
McCartney colaboró de manera relevante en la construcción de la música, y entraron a grabarla al estudio el 18 de octubre de 1965. George Martin interpretó el solo de piano, con la velocidad alterada para cumplir la petición de un Lennon que quería "algo barroco" para esa parte de la canción. El embrujo de In my life ha perdurado hasta nuestros días, y por el camino, han sido muchos los que se han subido a aquel autobús, para hacer sus propias versiones: Dave Matthews Band, Crosby, Stills & Nash, José Feliciano, Rod Stewart, Ozzy Osbourne o Johnny Cash, entre muchos otros, la han interpretado, pero si tengo que elegir alguna, me quedaré siempre con la original. "Se que a menudo me pararé a pensar en ellos, pero en mi vida te quiero más a ti". Gracias Lennon.

miércoles, 15 de septiembre de 2021

0258.- Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - The Beatles


0258.- Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - The Beatles

Norwegian Wood (This Bird Has Flown) es una canción de los Beatles que apareció por primera vez en el álbum Rubber Soul de 1965.

La canción esta acreditada a Lennon y McCartney, pero en principio fue escrita por John Lennon, aunque los arreglos y partes de la canción son de Paul McCartney. Es una de las primeras canciones pop en incluir un instrumento indio, tenemos a John Lennon con su guitarra y acompañado por un George Harrison en el sitar, la canción es una balada con John Lennon en la voz y los coros armónicos de los Beatles en la parte del coro.

Norwegian Wood fue una de muchas canciones del disco Rubber Soul en presentar una relación antagónica con su pareja. Lo contrario de las anteriores canciones de los Beatles donde como en I Want to Hold Your Hand o She Loves You, se dice que las canciones de este disco presentan un lado más obscuro del romance.

La exótica instrumentación y curiosas letras del disco fueron las primeras señales que indicaban a los fans un nuevo enfoque experimental que The Beatles estaban rápidamente adoptando, sobre todo la influencia oriental. Esto se debe a que George Harrison comenzó a meter la cultura india en su vida, quien tomó la decisión de incluir un sitar en la canción mientras la grababan el 12 de octubre y el 21 de octubre de 1965. 

Norwegian Wood tiene una letra que narra un encuentro entre el cantante y una chica innombrada, la historia cuenta un encuentro entre ellos donde beben vino en la habitación de la chica y hablan en la noche, a las 2 de la mañana la chica dice que "es hora de ir a la cama" y el cantante "gatea para dormir en la tina". El nombre de Norwegian Wood hace mención al pino barato con que generalmente están construidas las casas de la clase media británica, así lo expresa la canción en el último verso donde dice que el cantante encendió un fuego, lo cual puede significar que quemó el piso como venganza por que la chica lo dejó solo.

Dichos por propio McCartney, el cantante de hecho quemó la casa de la muchacha. Como él dijo:

Peter Asher (hermano de su entonces novia Jane Asher) construyó su habitación de madera, y toda la gente estaba adornando su casa con madera. Madera Noruega. Esto era realmente pino, solo pino barato. Pero no era realmente un buen titulo, ya sabes "Pino Barato". Era un titulo paródico realmente, sobre esas chicas que cuando llegas a su departamento esta lleno de madera noruega. Esto era completamente imaginario desde mi punto de vista, pero no del de John. Se trataba de un drama que él tenía. Ella lo hizo dormir en el baño y a mi se me vino la idea de quemar la madera noruega. Ella lo llevó y dijo "más vale que duermas en el baño" y en nuestro mundo, eso significa que el chico tomaría algún tipo de revancha, así que eso significaba quemar el lugar.

Los dichos de McCartney tuvieron un cambio en una conferencia de prensa en Los Ángeles:

Reportero: Me gustaría preguntarle esto a los señores Lennon y McCartney. La revista Time se refiere a que Day Tripper es una prostituta...
Paul: Oh, si.
Reportero: ... y que Norwegian Wood es sobre una lesbiana.
Paul: Oh, si.
Reportero: Me gustaría saber que pensaban cuando escribieron eso, y cual es su postura sobre las criticas de la revista Time a las canciones que han escrito hoy en día.
Paul: Solo estábamos tratando de escribir canciones sobre prostitutas y lesbianas, eso es todo.

Daniel 
Instagram Storyboy

Rory Gallagher - Calling Card (Mes Rory Gallagher)

 





Es curioso que cuando el mercado musical se vuelve más rockero con la llegada del punk y más variado en propuestas, es cuando Rory decide realizar un disco con influencias fuera de ese estilo, ha dejado de autoproducirse el disco como siempre había hecho, para colaborar en dicha producción con el bajista de Deep Purple, Roger Glover, quién sin duda realiza un espléndido trabajo en el estudio. Como músicos Gallagher cuenta con Gerry McAvoy al bajo, Lou Martin a los teclados y Rod de’Ath a la percusión, teniendo él todo el protagonismo a todos los niveles. Nunca su voz suena mejor, nunca su forma de componer es tan certera y como siempre, su guitarra dispara demoledores riffs, gran parte de culpa la tiene Roger Glover que le da a Rory una producción de estilo más 'rock' (era más conocido por producir Deep Purple y Black Sabbath) que funciona muy bien en pistas duras y funky como Moon child y Do you read me pero flojea cuando Rory quiere para centrarse en el blues, en otras canciones su banda suena como Thin Lizzy y se vuelve menos interesante. Manteniendo la bandera del blues rock ondeando a finales de los setenta con carisma y considerable habilidad, Calling Card es un sólido Rory Gallagher, una personalidad notablemente consistente y tan agradable como un largo dia de sol que te acaricia la cara y te hace un pelin de daño, y es que no solo se detiene en su rock blues, este álbum contiene brillantes momentos de jazz, verdadero bluesrock y mucho más material excelente.

 


Lo primero que te sorprende cuando empieza a sonar la primera canción de Calling Card, Do you Read me, es la pureza de sonido, y solo con los primeros acordes tienes claro que te va a tocar disfrutar, porque todo suena puro, desde la banda, a la voz de Gallagher y sobre todo cuando han pasado dos minutos esa guitarra que solo él sabía cómo domarla y llevarla por donde más le gustaba, ¿y que encontramos? una grandiosa entrada rockanrollera, Rory nos regala un perfecto blues rock con un sonido tan setenta que te mete directamente en la época. Country Mile, sigue la línea de la anterior, en esta ocasión el Blues Rock se acelera e incluye un solo de guitarra que solo por eso la canción ya merece la pena, pero no solo tenemos esto, ojo detente en Lou Martin y en sus grandes momentos con el piano, y sobre todo el final de la canción, una sobrada arrogante. Moonchild es tocar por momentos la cima, el cielo se roza con las yemas de los dedos, parece una canción sencilla, pero no lo es, probablemente estamos ante la canción más icónica de Rory y el material del que están hechos los héroes de la guitarra, para ello basta una melodía rockera con un ritmo asombroso y un solo de guitarra increíble al final, todo llevado con un ritmo rápido que se adapta a un viaje nocturno por carretera y que anticipa el tipo de solos que se convertirían en algo común en el rock de los ochenta, una brutalidad de tema que en su riff parece enseñar por donde deben ir los tiros en esto del hard-rock. Calling Card es un tema inclasificable, un tema demoledor de blues-rock con esencia jazzística, una canción que a nivel de composición resulta insuperable, bonita, deliciosa, mítica, seductora, otoñal… el bajo y los teclados vistiendo de gala el tema, y un Rory vocalmente perfecto, da la excusa perfecta para que el oyente se sitúe en un pub irlandés bebiendo cerveza aderezado por el piano de Lou Martin que contribuye en gran medida a la atmósfera de la canción, que es una de las más destacadas del álbum. Llega el momento de la pausa, Rory nos entrega I´ll admit your’re gone el titulo ya es demoledor, triste y sus primeras notas no van a la zaga, nos regala un tema folk con esencia “sixtie”, una canción dominada por la hermosa voz de Gallagher y su guitarra acústica slide que le da un toque de blues, la sensibilidad y la delicadeza se desborda a raudales.



 Con Secret Agent retoma Gallagher el camino del hard-rock, estamos ante un temazo para cargar pilas y desnucarse moviendo la cabeza al ritmo que marca la música, en ella podemos encontrar grandes riffs y la sección rítmica es muy potente, sin duda la influencia de Glover se siente aquí más que nunca, ya que la guitarra aullante, el órgano poderoso y los platillos pesados recuerdan al Deep Purple clásico. Jackknife Beat es un ritmo relajado marcado por la colorida interpretación de Gallagher y el bajo de McAvoy, vuelven los toques de jazz para una pieza tranquila y evocadora, sus más de siete minutos es suficiente para pasar por distintos estados. Edged in Blue es una de las canciones más subestimadas de Gallagher, una balada conmovedora bellamente ejecutada que saca a la luz uno de los elementos más importantes de la música de Gallagher: la emoción. No exagero cuando digo que algunas de las mejores piezas de guitarra de Gallagher se incluyen en esta pista, un tema que con las escuchas va enamorando y a día de hoy es uno de mis favoritos. Para terminar, tradición, Barley & Grape Rag es una canción tradicional irlandesa que versiona Rory a su propio rollo, metiéndole una guitarra muy Bluegrass y una harmónica que responde a cada verso que canta. Funciona muy bien como despedida por su sencillez y porque notamos con cada frase Rory está disfrutando.

 

En resumen, Calling Card es definitivamente uno de los mejores álbumes de Gallagher y posiblemente uno de sus mayorer logro. Seguiremos desgranando discos de Rory Gallagher que con su ropa de trabajador en el escenario se convertia en un anonimo héroe de la guitarra, un vecino con los pies en la tierra y si eliminamos toda la pirotecnia y la bravuconería de su forma de tocar la guitarra, una cosa destaca por encima de todo en la música de este hombre: emoción igualada solo por unos pocos en el negocio de la música.




martes, 14 de septiembre de 2021

0257: As tears go by - The Rolling Stones

 


«As Tears Go By»
es una canción escrita por Mick Jagger, Keith Richards y Andrew Loog Oldham y se considera como la primera composición original de Jagger y Richards, se dice que el manager Andrew Loog Oldham los obligó a escribir alguna canción juntos llegando al punto de encerrarlos en una cocina hasta que lograran escribirla. La canción en un principio no fue del agrado de los componentes, ellos habían basado su música en el blues y una balada podría romper la dinámica y la imagen que hasta ese momento el grupo se había labrado. Este fue el motivo por el que su manager decidió darle la canción a Marianne Faithfull, una joven artista que también estaba a su cargo. Marianne Faithfull debutó en 1964 con esta canción y el tema fue un éxito en Inglaterra llegando a los puestos altos de las listas y posicionando a la cantante de cara a su debut discográfico un año después con ‘Come my way’ (Decca). Cuando Jagger escuchó la versión que había grabado Marianne, su opinión cambió. Ya no era tan blanda, tan femenina. Los Rolling Stones grabaron el tema un año después, y sería una de las tres composiciones que la banda tocó en su debut estadounidense en el Ed Sullivan Show y posteriormente fue lanzada el 4 de diciembre de 1965, las discográficas que estaban detrás de ella fueron Decca Records en el Reino Unido y London Records en los Estados Unidos. La influencia que tuvo Marianne Faithfull en la banda quedaría patente en algunas de las mejores composiciones del dúo. ‘Sympathy for the Devil’, uno de los emblemas de los Stones, se basa en el libro de Mikhail Bulgakov que Marianne había dejado a Mick Jagger, pero aquella no sería su única aportación. El estribillo de ‘Wild horses’ viene, según explica Richards en su biografía, de las primeras palabras de Faithfull tras salir de un coma por sobredosis.

 

Otro dato curioso para los cinéfilos es que, en 1966, el aclamado director francés
Jean-Luc Godard
realizó la película Origen USA, película protagonizada por Anna Karina, László Szabó, Yves Afonso y Jean-Pierre Léaud. La historia gira en torno a Paula Nelson, una mujer que debe viajar de París a Atlantic City (Francia) para investigar la muerte de su amante, investigación que se presentará peligrosa debido a la atención que ésta consigue despertar entre los mafiosos de la ciudad. Si bien la protagonista del film es Anna Karina, la película cuenta con un momento muy especial protagonizado por Marianne Faithfull que seguramente será recordado por los fanáticos de The Rolling Stones que hayan visto el film. En una escena de la pelicula, Marianne Faithfull aparece en un café cantando la canción "As Tears Go By" a capella.

 

En definitiva, que es un tema que no os podéis perder, primero por ser una de las primeras baladas de los Stones, y también una de las mejores con una melodía muy hermosa y suave, lo cual es sorprendente considerando a lo que nos tenían acostumbrados sus satánicas majestades, y por otro lado disfrutar de la gran voz que Jagger nos ofrece para acompañar los arreglos de cuerdas.

Un país, un artista: Tanzania - Remmy Ongala

 

Remmy Ongala



     El siguiente país elegido por todos nuestros amigos y seguidores en esta sección ha sido Tanzania. y si hablamos de este país africano, uno de los nombres que nos viene a la cabeza es indudablemente Remmy Ongala.

Ramazani Mtoro Onngala, más conocido como Remmy Ongala, compositor, cantante, guitarrista y director de orquesta tanzano, nace en febrero de 1947 en Kindu, ciudad perteneciente al antiguo Congo Belga, ahora República Democrática del Congo, muy cerca de la frontera con Tanzania. Después de la muerte de sus padres, Remmy comienza a trabajar como músico, tocando la batería y la guitarra al estilo congoleño llamado Soukous, también conocido como rumba congoleña. El Soukous realmente es un derivado de la rumba congoleña que empezó a tocarse durante la década de los 60, alcanzado su mayor punto de popularidad  en la década de los 80 en Francia. El Soukous, aunque, como comentamos anteriormente, suele llamarse también rumba congoleña, en realidad difiere de ésta, ya que utiliza un tempo más alto y unas secuencias de baile más largas.

Remmy, mientras toca ya en bandas de Zaire y Uganda, ya se dedica a escribir canciones comprometidas, canciones con mensaje. En 1978 se muda a Dar Es Salaam, la ciudad más grande de Tanzania y epicentro del negocio del país. Es en la gran ciudad donde se incorpora a la Orquesta Makassy, reputadísima banda de Soukous compuesta por músicos de Uganda y Zaire (ahora República Democrática del Congo). Remmy compone con esta orquesta su primer sencillo de éxito, Sika Ya Kufa ("The Day I Die")

Pasado un tiempo, Orquesta Makassy se traslada a Kenia, y Remmy decide quedarse y funda su propia banda, Orchestre Super Matimila, grupo que lleva el nombre del empresario que había comprado los instrumentos a la banda. Con su propia banda ayuda a transmitir el estilo Soukous a la cultura musical de Tanzania, mezclándolo además con elementos musicales de Kenia y Tanzania. Todo esto contribuyó a su vez al desarrollo del hip-hop en Tanzania durante la década de los años 90. La popularidad de Remmy ve creciendo, pero también la aversión del país tanzano hacia él, debido a sus letras francas, directas y comprometidas que hace. De hecho el gobierno de Tanzania considera expulsarlo del país, pero al final, Remmy acabará recibiendo la nacionalidad Tanzana. 

Un amigo británico se lleva unas grabaciones en cassette de Remmy a Inglaterra y las muestra. Los organizadores del Festival Womad (World Of Music, Arts & Dance), festival que incluye música popular, música étnica, artesanía y otras actividades lúdicas, escuchan las grabaciones y quedan encantados, invitando a Remmy con su Orchestre Super Matimila a tocar en el Festival Womad de 1988 celebrado en Reading, Inglaterra. En Inglaterra Remmy graba los álbumes, bajo el sello Real World (sello fundado por Peter Gabriel), Songs for the Poor Man (1989) y Mambo (1992). Ambos discos contenían canciones en inglés y swahili. Durante la década de los 90 Remmy junto con su banda realiza giras por África, Europa y Estado Unidos.

Remmy Ongala ya es una superestrella en África Oriental, y como hemos comentado anteriormente, gracias al apoyo del sello Real World alcanza bastante popularidad durante la década de los años 80 y 90, realizando giras europeas y americanas. En 2001 el artista sufre un serio traspiés para su salud, pues un derrame cerebral paraliza parte de su cuerpo, pero el artista sigue actuando ayudándose de una silla de ruedas. Durante sus últimos años de vida, Remmy decidió dedicarse a la música gospel, siguiendo los deseos de su madre por consejo de un curandero tradicional. 

Remmy Ongala, quien se llamaba a sí mismo "Sura Mbaya" (cara fea), y cuyos seguidores y fans llamaban "Doctor", fallecía el 13 de diciembre de 2010, a los 63 años de edad. Nos dejaba un artista comprometido, y que a través de sus mensajes sociopolíticos luchaba y trabajaba firmemente en la abolición del racismo y la injusticia social. Remmy también mostró su compromiso a través de su música abordando otros muuchos problemas, como la pobreza, el SIDA o la vida en famila.

lunes, 13 de septiembre de 2021

0256: Get off of my cloud - The Rolling Stones


Get off of My Cloud (Sal de mi nube) fue escrita para complementar y continuar el éxito de (I can't get no) Satisfaction, y consiguió su objetivo al llegar a los primeros puestos del Reino Unido y erigirse en el segundo nº 1 consecutivo de los Rolling Stones en las listas estadounidenses.

Se grabó en los RCA Studios de Los Ángeles, y fue lanzado en Estados Unidos como sencillo en septiembre de 1965, con I'm free en la cara B. En Reino Unido aún hubo que esperar hasta octubre para disfrutarla, y allí la cara B elegida para acompañar a Get off of My Cloud fue The Singer not the song.​ Adicionalmente, fue incluida en el disco December's Children (and Everybody's) de finales de 1965.

Dónde (I can't get no) Satisfaction reflejaba la profunda insatisfacción de Jagger & Richards, en Get off of my cloud reaccionan airadamente contra el excesivo entorno mediático que les rodeaba desde el aumento de popularidad y repercusión que el éxito del sencillo anterior había provocado.

Con esa premisa, el tono del tema es duro, con una rotunda intro de batería de Charlie Watts y un cruce de guitarras a cargo de Brian Jones y Keith Richards, y la letra es un agresivo ejercicio de rebeldía y una airada manifestación de Jagger de su deseo de alejar a incómodos personajes que llaman a su puerta con peticiones absurdas: ​"Entonces viene un tipo que parece vestido con la Union Jack, me dice que ganaré cinco libras si tengo el tipo de detergente que promociona (...)¡Hey, tú!, bájate de mi nube, no te quedes por aquí porque dos son multitud"