Metallica - Kill 'Em All (Mes Metallica)

Comencemos la historia de la gran (y realmente lo creo) banda de metal con el danés Lars Ulrich. De niño soñaba con ser tenista como su padre, pero a los 9 años asistió a un concierto de Deep Purple y, como dicen se le encendió la bombilla y cambio su destino. En 1980, Lars se mudó con su familia a California, durante mucho tiempo estuvo fascinado por la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (NWOBHM), y decidió formar una banda, buscaba gente con ideas afines aunque en aquella época, en Estados Unidos, a diferencia de Gran Bretaña, había un silencio sobre el heavy metal y poca gente conocía a las bandas inglesas. A esa llamada acudió James Allan Hetfield, un guitarrista y vocalista que ya había tocado en varias bandas, como la banda de glam rock Leather Charm, la columna vertebral de la futura leyenda estaba lista. Según Hetfield, aunque crecieron en entornos diferentes, surgió entre ellos una conexión casi telepática, y podían entenderse sin palabras. El impulso para hacerse realidad lo dio Brian Slagel, quien decidió lanzar una colección de bandas de metal jóvenes e incluso fundó la compañía Metal Blade Records para este propósito, Lars inmediatamente se sintió ansioso por entrar de alguna manera en los anales de la historia de la música y se le contó a James, ya había una idea de grupo, sólo faltaba componer una canción: Hit the Lights. Este tema está basado en una versión reelaborada de "Leather Charm", con nueva letra, pero necesitaban un guitarrista para el solo. Un hombre negro, Lloyd Grant, llegó en respuesta a otro anuncio, junto con él, los chicos agregaron un par de covers y le entregaron la grabación a Brian, quien dijo que esto era lo mejor que tenía para la futura colección. Ron Quintana, un amigo de Ulrich, sin saberlo ayudó con el nombre del grupo, quería publicar una revista musical, pero no podía decidirse entre dos nombres: "Metallica" y "Metal Mania". El astuto zorro danés lo convenció de que la segunda sonaba mejor, así, se eligió un nombre que indicaba inmediatamente qué tipo de música iban a tocar, y a Hetfield se le ocurrió el ahora famoso logotipo con las primeras y últimas letras puntiagudas. Era diciembre de 1981. La formación la completó el bajista Ron McGovney, con quien James fue a la escuela y tocó en Leather Charm, pero Grant decidió marcharse, tras colocar el anuncio habitual en el periódico, un par de meses más tarde se encontró un sustituto en la persona de Dave Mustaine, a quien no solo le encantaba el heavy rock, sino también Yes y Pink Floyd. Con esta formación, los chicos regrabaron “Hit the Lights” para el recopilatorio “Metal Massacre”, que finalmente se lanzó en junio de 1982. Gracias a él, el grupo se hizo conocido en Estados Unidos, poco a poco, a las versiones que los chicos tocaban en los clubes se fueron añadiendo sus propias canciones. Sin embargo, los oyentes que no estaban muy familiarizados con el metal europeo también percibieron las versiones como composiciones de Metallica. Lo único que estropeó todo fue que el glam rock estaba ganando popularidad en Estados Unidos y los conciertos de metal eran menos rentables.

En julio, la banda lanzó un demo no oficial, "No Life 'Til Leather", que presenta solo sus propias composiciones. La grabación causó sensación en Estados Unidos y llegó incluso a los Países Bajos, aunque estaba lejos de ser ideal, especialmente para una persona moderna mimada por la tecnología digital. El título, tomado de la primera línea de "Hit the Lights", la banda continuó actuando con éxito en Los Ángeles y en el más hospitalario San Francisco, donde incluso una vez llegaron a ser cabezas de cartel. Mientras tanto buscaban un nuevo bajista. Ron cada vez les resultaba más insatisfactorio, no le gustaba el ruido ni la bebida, aunque, a decir verdad, él era quien pagaba todo, pero como respuesta no hubo agradecimiento, solo regaños y bromas estúpidas. Siguiendo el consejo de Slagel, James y Lars fueron al Whisky A Go Go para ver a la banda Trauma. Clifford Lee Burton, su bajista, le parecio ideal, y al día siguiente los chicos lo invitaron y le pidieron que se uniera a ellos. Sabía tocar el piano, le gustaba música completamente distinta (clásica, blues, psicodelia, hard, punk) y las composiciones de Metallica se volvieron más complejas. Mientras tanto gracias al influyente mecenas John Zazula, ya estaban actuando en Nueva York. Aquí es donde empezaron los problemas con Mustaine. James y Dave, quienes competían por la posición de liderazgo, no podían permanecer en el mismo grupo, discutieron varias veces y luego Mustaine empezó a beber cada vez más (incluso cuando conducía) y a causar problemas. James asumió la difícil misión de decirle a Dave que lo iban a despedir. El sustituto de Dave, Kirk Lee Hammett, guitarrista de Exodus, una banda de thrash que alguna vez toco con Metallica, provenía de una familia disfuncional como James, pero también amaba una amplia variedad de música y tenía una personalidad muy tranquila.

En mayo de 1983, los chicos, se instalaron en un estudio en Rochester, Nueva York, para grabar su álbum debut. El título provisional "Metallus Maximus" fue cambiado al más atrevido "Metal Up Your Ass" y se planeó que la portada mostrara una mano con un cuchillo de carnicero saliendo de un inodoro, los chicos se quejaron de que no les permitieron participar en la mezcla, por lo que el álbum no suena como les gustaría. Cambiaron el titulo por la frase sanguinaria "Kill 'em all" reflejaba la actitud de los chicos y el nuevo título encajaba perfectamente con el álbum, cuyos temas principales eran la muerte y la destrucción. Rechazo juvenil al mundo y agresividad ¿qué se puede pedir mas? Si no te entienden, ¿qué más puedes hacer sino golpear a todo el mundo en la cabeza? Por cierto, la portada con el martillo ensangrentado me recuerda a los carteles soviéticos de los años 20. Todas las composiciones del álbum ya eran conocidas por los oyentes de los conciertos, riffs potentes y duros, velocidad, agresividad, pero también melodía, de la que, por cierto, carecían muchos metaleros: estas son las características de este álbum. Era thrash mezclado con velocidad, con un sabor NWOBHM, pero lejos de ser simple y directo. Posteriormente, muchos grupos estadounidenses y alemanes se centraron en este trabajo.

 

Hit the Lights es la primera canción de Metallica, con la que dieron inicio sus primeros conciertos, no es de extrañar que la hayan puesto como la primera canción del album, un fuerte ruido de todos los instrumentos llega a los oídos, luego entra un riff de guitarra, la batería golpea de vez en cuando, y con un grito de “¡Woah!” comienza el metal de alta velocidad, la voz ronca y poco preparada de James puede resultar pesada, siguiendo un ritmo increíblemente rápido suelta palabras, tragándose sonidos, sílabas y palabras enteras. El tema de la canción es simple: “Tocamos metal y lo disfrutamos”, y hay varias composiciones de este tipo en el álbum. Puedes añadir: “¡Y si a alguien no le gusta, entonces mátenlos a todos!” Sin embargo, a los que acudieron al concierto les gustó: los fans se volvieron locos y gritaron, y nuestros jóvenes metaleros hicieron sonar la música aún más fuerte. Todo termina con un instrumental de un minuto y medio: primero los chicos calientan y luego van a todo trote, terminando en un caos general. En The Four Horsemen los chicos demuestran que la velocidad y el volumen no son lo más importante para ellos, la bateria suena con fuerza, dando paso periódicamente a una guitarra, que suena primero en un altavoz, y luego en ambos, sigue una potente sección rítmica y pronto aparecen las voces. La base de la composición fue la composición de Mustaine "The Mechanix", en lugar de una historia sobre un mecánico de automóviles que tenía sexo en el trabajo, James escribió un nuevo texto sobre el capítulo 6 del libro bíblico de Apocalipsis. Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis se acercan y es hora de luchar por tu vida, sus nombres (según la canción) son Tiempo, Hambre, Peste y Muerte, aunque tradicionalmente el primer jinete se llama Guerra. Sea como fuere, la propia Biblia sólo menciona la Muerte. En la sección solista, el ritmo se ralentiza y las guitarras ofrecen pasajes desgarradores llenos de simpatía por la humanidad. En el último verso, Hetfield dice que el fin del mundo sólo vendrá para los pecadores que serán castigados. Por supuesto, la letra puede verse como una metáfora: los cuatro miembros de Metallica planean conquistar el mundo. En Motorbreath la batería suena fuerte y luego la guitarra comienza a tocar riffs potentes, se suma toda la sección rítmica, seguida por las voces. En la letra, la vida se compara con un coche veloz, en el que el héroe avanza a toda velocidad, sin intención de detenerse ni de dar marcha atrás, sólo hay una vida y hay que aprovecharla al máximo, sin escuchar lo que dicen los demás. Por cierto, esta es la única canción con un solo autor (Hetfield) y su tema más corto (unos 3 minutos). Jump in the Fire es el tema más comercial del álbum, la sección rítmica suena brillantemente con excelentes riffs densos. Una vez más, las estúpidas letras de Mustaine tuvieron que ser reescritas para tener un tema sexual, y James cantó desde la perspectiva del diablo, que ve a la gente matándose entre sí y se siente satisfecho al verlo, porque está seguro de que todos terminarán en infierno - por su propia voluntad o la de él. El solo vuelve a ser magnifico y nuevamente los chicos hacen un instrumental al final, esta vez terminando en un diminuendo, como si estuvieran yendo a la clandestinidad. Fue lanzado como sencillo, en su portada mostraba a un demonio risueño rodeado por el fuego del infierno. (Anesthesia) Pulling Teeth es un instrumental original de Burton, el nombre está escrito, de hecho, entre corchetes y guiones, probablemente también para facilitar su memorización. Después de las palabras "Bass solo, take one" (Solo de bajo, toma uno), Cliff comienza a tocar, y no es una exhibición sin sentido, sino una interpretación genuinamente melódica del bajo, que suena como una guitarra principal. Resulta muy interesante y puedes imaginarte tan vívidamente que estas en la silla de un dentista que parece como si estuvieran a punto de comenzar a sacarte los dientes. Lars se une a Burton a mitad de camino, y todo termina con un aullido de bajo.

Whiplash, la batería suena fuerte, pero bajo el aullido repetido de la guitarra golpean más suavemente. Entra el riff y luego viene el ritmo rápido, la letra habla sobre el grupo y sus fans. Nos describen un concierto: se escucha una música potente y alta, los fans mueven la cabeza como si tuvieran un ataque. El nombre hace referencia al trauma que suponen esos movimientos repentinos, algo que puede suceder muy bien, sobre todo cuando se escucha un solo rápido. En el último verso, James dice que después del concierto irán a otra ciudad y "nunca dejarán" de tocar su música porque son Metallica. En Phantom Lord empiezan a sonar los teclados y luego entra lentamente la sección rítmica, un sonido potente golpea al oyente. El protagonista de la letra es el Señor de los Fantasmas, quien, al son del heavy metal, va a conquistar el mundo con la ayuda de sus ejércitos vestidos con chaquetas de cuero. De nuevo, una metáfora bastante transparente. Al final de la canción, Hetfield grita una última vez: "Caed de rodillas e inclinaos ante el Señor de los Fantasmas". Por cierto, Phantom Lord era el nombre de una de las antiguas bandas de James, por lo que es posible que haya decidido inmortalizarla de esta manera. No Remorse comienza fuerte, riffs potentes, solo y luego volvemos a los riffs. Después de un poco de misticismo, volvemos a la realidad. La canción está basada en "Let's Go Rock'n'Roll" de Leather Charm. En la nueva letra, Hetfield canta desde la perspectiva de uno de los soldados que disfruta luchar y no siente remordimientos por ello. El coro es especialmente memorable. El grito "¡Ataque!" En el medio suena simplemente aterrador, mientras los instrumentos aceleran el ritmo. Esta canción esencialmente antibélica termina con un caos instrumental, que muestra muy vívidamente lo que está sucediendo en el campo de batalla, y un breve pasaje de guitarras y batería, como si se estuvieran clavando clavos en los ataúdes de los muertos. Seek and Destroy es brillante, los riffs de guitarra suenan maravillosamente y toda la sección rítmica se va sumando poco a poco. Es memorable cómo el riff primero se escucha solo en un canal estéreo, y luego en el segundo. James tuvo la idea de la composición de la canción de Diamond Head "Dead Reckoning", también influyó mucho su trabajo en una fábrica de papel, donde una vez casi le cortan la mano con un cuchillo, por lo que decidió abandonarlo rápidamente. El texto de esta pieza recuerda a la anterior: nuevamente algunas personas tienen sed de asesinato, pero esta vez no en el campo de batalla, sino en la ciudad de noche, donde buscan a un enemigo. Una vez más, memorable el estribillo: “¡Buscamos para encontrar y destruir!” La sección instrumental central aumenta el ritmo y luego presenta un genial solo de guitarra. El final es Metal Militia, la guitarra aúlla, luego suenan riffs y se suman otros instrumentos. Potente y rápido. Después de algunos cambios de ritmo, Hetfield comienza a cantar. Esta es quizás una de sus peores interpretaciones vocales, con un timbre tan insoportable que apenas lo reconoces. En términos de texto, terminamos con lo mismo con lo que empezamos: cantando las alabanzas de nuestro grupo. James llama a todos los fanáticos a unirse en una especie de "milicia de metal" y lanzarse a conquistar el mundo. El solo inicialmente muestra el speed thrash tal como es, pero hay un par de cambios de tempo aquí también. Es natural que la composición termine con un diminuendo, con el repiqueteo medido de las botas de los soldados y los sonidos de la batalla, con el silbido de las balas y las explosiones. Por cierto, el primer club de fans oficial del grupo recibió posteriormente el nombre de “Metal Militia”.

El álbum debut, aunque se convirtió en un fenómeno en el mundo de la música pesada, se hizo apresuradamente, el sonido resultó ser crudo y sucio, el bajo fue empujado a alguna parte, la rabia del joven Hetfield y sus camaradas se desborda. Desde todas partes, sus letras no brillan por su originalidad, y debido a la terrible ronquera vocal, que puede asustar a algunas personas, generalmente son difíciles de entender. Pero no os preocupéis: el segundo álbum cambiará muchas cosas. Sin embargo, incluso aquí ya se pueden ver destellos de la gloria futura: el tecnicismo, la falta de voluntad para seguir el camino estándar, la capacidad de componer composiciones de varias partes. En general, fue un comienzo decente para los jóvenes de 20 años, que aún tenían mucho por delante, aunque hubo algunos debuts más fuertes en el proceso.

1494.- Dogs - Pink Floyd

Dogs, Pink Floyd

 

     En 1977 el grupo británico Pink Floyd publica su décimo álbum de estudio, Animals. El disco fue grabado entre abril y diciembre de 1976 en los estudios Britannia Row de Londres, bajo la producción del grupo, y publicado el 21 de enero de 1977 por los sellos discográficos Harvest Records y Columbia Records. El álbum continuó las composiciones de larga duración que compusieron trabajos anteriores como Meddle (1971) y Wish You Were Here (1975). Animals es un álbum conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de la Gran Bretaña de mediados de la década de 1970. La tensión dentro de la banda durante la producción culminó con el despido del tecladista, Richard Wright, dos años después del lanzamiento del álbum. La portada, concebida por el bajista y compositor principal, Roger Waters, y diseñada por su colaborador de toda la vida Storm Thorgerson, muestra un cerdo inflable flotando entre dos chimeneas de la central eléctrica de Battersea.

Incluido en este álbum se encuentra Dogs. La música fue escrita en 1974 por David Gilmour y Roger Waters, con letra de Waters, fue originalmente titulada You've Got to Be Crazy y era parte del setlist de Wish You Were Here. Waters modificó la letra en algunas partes, transpuso la tonalidad para que se adaptara tanto a la voz de Gilmour como a la suya, y la retituló Dogs. La versión en Animals dura 17 minutos y es la única canción del álbum en la que Gilmour canta una parte principal o recibe un crédito de co-escritura. También fue la última contribución vocal de Wright antes de dejar la banda en 1979.

Encajando en el concepto orwelliano del álbum de comparar el comportamiento humano con varios animales, Dogs se concentra en el mundo agresivo y despiadadamente competitivo de los negocios, describiendo a un hombre de negocios de alto poder. Los dos primeros versos detallan su naturaleza depredadora, exteriormente encantadora y respetable con su "corbata de club y un firme apretón de manos, una cierta mirada a los ojos y una sonrisa fácil", mientras que detrás de esta fachada se encuentra esperando "para elegir la carne fácil... para golpear cuando sea el momento adecuado", y para apuñalar por la espalda a los que confían en él. Los versos siguientes retratan el vacío de su existencia que lo alcanza a medida que envejece, se retira al sur rico pero no amado: "solo otro viejo triste, solo y muriendo de cáncer", y se ahoga bajo el peso de una piedra metafórica. Por último, el verso final explora una serie de aspectos de la vida empresarial y cómo se compara con los perros, por ejemplo, arriesgarse y ser "entrenados para no escupir en el abanico", perder su individualidad  ("domado por personal capacitado"), obedecer a sus superiores  ("equipado con collar y cadena"), ser recompensado por buen comportamiento ("dar una palmadita en la espalda"), trabajar más duro que los demás trabajadores ("separarse de la manada")  y conocer a todos pero pasar menos tiempo con la familia ("sólo un extraño en casa"). Resumiendo, los Perros (Dogs) son hombre de engocios que utilizan su poder para hacerse más ricos y poderosos a costa de los demás, y al final acaban envejeciendo y engordando antes de morir de cáncer. 

1493.- Always Crashing in the Same Car - David Bowie

 

"Always Crashing in the Same Car" ("Siempre chocando contra el mismo coche"), del disco Low (1977) de la mítica trilogía berlinesa de David Bowie, es un claro ejemplo del surrealismo y la metáfora llevados de manera brillante a la letra de una canción. En un tono de voz que transmite el hastío y la frustración del atribulado protagonista, Bowie relata en primera persona la historia de un hombre atrapado en un surrealista círculo vicioso, conduciendo un coche a alta velocidad alrededor del garaje de un hotel, y por más que lo intente, termina "siempre chocando contra el mismo coche".

La metáfora tiene una carga "visual" potente, y es casi imposible no imaginarse el garaje, con Bowie girando en círculos en el interior del coche, haciéndonos ver lo frustrante de esa sensación que todos hemos experimentado alguna vez, cuando por más que te esfuerzas, acabas cayendo una y otra vez en los mismos errores. Es particularmente curiosa e inquietante la mención a una chica llamada "Jasmine", que observa atentamente la escena, como si a la frustración de tropezar continuamente en la misma piedra, se le uniera el hecho de estar todo el tiempo bajo la atenta mirada del ojo público, una sensación que Bowie había vivido muchas veces y que fue una de las razones de su retiro berlinés.

Hay quién dice que Bowie se basó en un episodio real, ocurrido en lo más alto de su adicción a la cocaína, cuando conduciendo su coche, vio a un traficante de drogas que le había estafado, y como venganza, embistió en repetidas ocasiones al coche del camello. En esta teoría, Jasmine sería en realidad su amigo Iggy Pop, que al parecer viajaba en el asiento del acompañante, y la canción podría estar relacionada de alguna manera con "The Passenger", el pasajero que observa a través del cristal de la ventana del coche en el disco de Iggy de ese mismo período berlinés.

Musicalmente, "Always Crashing in the Same Car" es una de las piezas más trabajadas de Low. El productor Brian Eno tenía un órgano Farfisa como el que Pink Floyd había usado en "Matilda Mother", y lo utilizó para la canción, entrelazado con varios sintetizadores y con el añadido de un solo de guitarra eléctrica distorsionada, creando una pieza intensa y futurista en la que destaca el contraste y a la vez el encaje con la voz decaída y pausada del Delgado Duque Blanco, lamentando que hiciera lo que hiciera, todo acababa en un mismo e inevitable final. Quizá por eso Bowie nunca dejó de inventarse, y dando vueltas y más vueltas alrededor de un garaje imaginario, tratando de huir de un ineludible destino, acabó regalándonos tantas y tan buenas canciones.

Disco de la semana 415: Vincebus Eruptum - Blue Cheer

 

 Vincebus Eruptum, Blue Cheer

     Para la recomendación de esta semana traemos a una de esas bandas consideradas como precursoras del futuro sonido hard rock y heavy metal. Con todos vosotros Blue Cheer y su álbum debut Vincebus Eruptum. Blue Cheer fue una banda de rock estadounidense que inicialmente actuó y grabó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970 y estuvo activa esporádicamente hasta 2009. Con sede en San Francisco, el estilo y sonido del grupo se basó en un compendio de blues rock, rock psicodélico y acid rock. Vincebus Eruptum es el álbum debut de la banda, grabado durante el año 1967 en los Amigo Studios de Hollywood, California, bajo la producción del disc Jockey y productor discográfico estadounidense Abe "Voco" Kesh,  y publicado el 16 de enero de 1968 por el sello discográfico Philips Records.

Este trío fue el responsable de ese potente y primitivo rock and roll ejecutado a través de potentes amplificadores Marshall, suficientes como para ensordecer a toda una ciudad. Hay quien consideró este álbum como un desastre, calificándolo como el resultado de una música derivada de interpretaciones ruidosas y arrastradas del rock de los años 60. Lo que queda claro es la afición de la crítica por incluir este disco y sonido en alguna corriente sonora, como por ejemplo el servicio de música en línea Rhapsody, que lo incluyó en su lista de los "10 álbumes esenciales del proto-metal", sugiriendo que la banda además de influir y definir en el término de "Power trío", prácticamente fue la inventora del heavy metal. En 1998 la revista The Wire incluyó el álbum en su lista "100 discos que incendiaron el mundo (mientras nadie escuchaba)", indicando que este sonido gruñía rabiosamente frente a la inocencia del movimiento hippie.

Este álbum debut presenta un sonido de blues pesado y atronador, sonido que más tarde sería conocido como heavy metal. De ahí que la banda esté considerada como una de las bandas pioneras en el futuro sonido del heavy metal. Vincebus Eruptum supuso un éxito tanto comercial como crítico, llegando a alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard 200. Los integrantes y responsables del sonido de la banda eran Dickie Peterson (voz y bajo), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería). Lo que si está claro es que Blue Cheer influyó en el crecimiento de los denominados Power Trío y en el nacimiento y desarrollo del género heavy metal. En una entrevista, el líder del grupo, Dickie Peterson, explicó que "algunas canciones que escribí me llevaron 20 años para completarlas, mientras que hay otras canciones como 'Doctor Please' o 'Out of Focus' que escribí en diez minutos".

Entramos en materia y la primera canción que aparece es una versión de Summertime Blues, coescrita y grabada por el artista de rock estadounidense Eddie Cochran en 1958. Fue escrita por Cochran y su manager Jerry Capehart. La canción trata sobre la lucha entre un adolescente y sus padres, su jefe y su congresista durante el verano. El narrador resiente tener que aceptar un trabajo para ganar dinero de bolsillo, y no puede tener una cita con su novia porque su jefe sigue programándolo para trabajar hasta tarde. Después de decirle falsamente al jefe que está enfermo para no ir a trabajar, sus padres no le dejan usar su auto debido a su pereza. Finalmente, considera visitar las Naciones Unidas para quejarse de su situación; pero al se conforma con escribirle a su congresista, quien lo ignora porque es demasiado joven para votar. De la potente versión que hizo la banda, la cual se convirtió en todo un éxito, Peterson señaló que "seguimos cambiándola y agregando/quitando partes. También tiene que ver con grandes dosis de LSD ". Seguimos con Rock Me Baby, un clásico que se ha convertido en una de las canciones de blues más grabadas de todos los tiempos. Se originó como "Rockin' and Rollin'", una canción de 1951 de Lil' Son Jackson, inspirada en blues anteriores. Las versiones de Muddy Waters y BB King hicieron que la canción fuera conocida. La versión de Blue Cheer transforma esta pieza de blues en una experiencia visceral de rock psicodélico y proto-heavy metal dándole  un enfoque mucho más ruidoso y distorsionado. La canción refleja el espíritu salvaje y experimental de la banda, con esos amplificadores al máximo, riffs de guitarra eléctricos intensos, y la poderosa batería de Paul Whaley dándolo todo. Doctor Please se encarga de cerrar la cara A. La canción mezcla elementos del blues y el rock psicodélico con un volumen extremo y contundente una distorsión . Los riffs de guitarra de Leigh Stephens son densos y repetitivos, mientras que la batería de Paul Whaley y el bajo de Dickie Peterson crean una atmósfera aplastante y cargada de energía. La canción se extiende dura más de 8 minutos, algo poco común para la época, y demuestra una libertad creativa típica del rock psicodélico. A lo largo de su duración, la banda alterna entre riffs potentes y secciones más improvisadas. En cuanto a la letra, es una clara una referencia clara al consumo de drogas, algo frecuente en el rock psicodélico de los años 60. Peterson llegó a declarar sobre la canción: "cuando escribí la canción (en 1967), era una glorificación de las drogas. Estaba pensando mucho: '¿Debería tomar esta droga o no debería tomarla? Bla, bla, bla'. Hubo mucha introspección en el momento en que escribí esa canción, y de hecho decidí tomarla. De eso se trataba la canción y de eso es de lo que la canté, una especie de himno a las drogas para mí".

La canción que abre fuego en la cara B es Out of Focus. El poderoso trí sigue haciendo gala de su característico sonido crudo y poderoso, que combina elementos de blues, rock psicodélico y proto-heavy metal. Tiene un riff central de guitarra contundente y repetitivo, que refleja la simplicidad y energía del blues, pero llevado a un nivel de distorsión y volumen extremo. La voz de Peterson en esta canción está llena de urgencia y desenfreno, como si intentara romper las limitaciones de lo que la música convencional permitía en ese momento. Su interpretación transmite una sensación de caos controlado que encaja perfectamente con la atmósfera ruidosa del tema. En cuanto a la letra, parece referirse a la sensación de alienación y desconexión que muchos jóvenes de la época experimentaban. Aunque no es completamente explícita, se interpreta como una reflexión sobre perder el rumbo o el control en un mundo que se sentía "fuera de foco", una metáfora quizás influenciada por el uso de sustancias o el rechazo a las normas sociales. Le sigue la potente versión de Parchment Farm, una canción de blues grabada por primera vez por el músico de blues del Delta estadounidense Bukka White en 1940. Es una pieza autobiográfica, en la que White canta sobre su experiencia en la infame Penitenciaría Estatal de Mississippi ,también conocida como Parchman Farm. Al principio de su carrera discográfica en 1937, Bukka White fue arrestado y condenado por un tiroteo y fue sentenciado a la prisión Parchman Farm en el condado rural de Sunflower, Mississippi . La institución funcionaba como una granja de trabajo forzado , que era conocida por sus duras condiciones y el uso del sistema de confianza. El disco cierra con un torbellino de distorsión y volumen, Second Time Around. La canción está construida  el pesado y frenético riff de guitarra de Leigh Stephens, convirtiendo la canión en una explosión continua de sonidos que roza el caos. Los improvisados solos de Stephens estńa muy bien acompañados de la batería de Whaley, que hace que por momentos la canción parezca sonar descontrolada. Nada más lejos de la realidad, porque lo que el tría hace es crear una caos controlado. 

El rock & roll se había vuelto cada vez más ruidoso y salvaje durante los años 60, pero cuando Blue Cheer surgió de San Francisco en la escena del rock nacional en 1968 con su álbum debut, Vincebus Eruptum, cruzaron una línea que la mayoría de los músicos y fanáticos ni siquiera habían pensado en trazar todavía. Con el potente sonido de Vincebus Eruptum, rudo y primario, el trío se convirtió en un ejemplo temprano de la tendencia hacia el rock más pesado que dominaría los años 70 con bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin o Deep Purple, todas claramente influenciadas por su enfoque ruidoso y experimental, que allanó el camino para la música más dura de los años 70 y más allá.

1492- David Bowie - Sound and Vision

1492- David Bowie - Sound and Vision

Sound and Vision, una de las canciones más emblemáticas de David Bowie, es un viaje sonoro que encapsula la esencia de su genio creativo. Lanzada en 1977 como parte del álbum Low, esta pieza marca un momento crucial en la carrera de David Bowie, donde la experimentación y la introspección se fusionan para crear algo verdaderamente único. La canción no solo es un testimonio de su capacidad para reinventarse, sino también una obra maestra que combina minimalismo con una profundidad emocional abrumadora.

Desde los primeros segundos, Sound and Vision atrapa al oyente con su estructura inusual. La canción comienza con un riff de guitarra repetitivo y hipnótico, acompañado por un bajo pulsante que genera una sensación de movimiento constante. La batería, ejecutada por Dennis Davis, es precisa y rítmica, pero no invasiva, permitiendo que los demás elementos respiren. Los teclados, a cargo de Brian Eno, añaden una textura etérea y futurista, creando un paisaje sonoro que parece flotar entre lo terrenal y lo cósmico. Esta combinación de instrumentos crea una atmósfera que es a la vez melancólica y esperanzadora, como si Bowie estuviera explorando los límites entre la luz y la oscuridad.

Uno de los aspectos más fascinantes de Sound and Vision es su estructura atípica. David Bowie decide retrasar la entrada de su voz hasta casi el minuto y medio de la canción, lo que genera una sensación de anticipación y misterio. Cuando finalmente aparece, su voz es suave, casi susurrante, como si estuviera confesando algo íntimo. La letra es breve pero evocadora: "Blue, blue, electric blue / That's the colour of my room". Estas palabras, aparentemente simples, sugieren un estado de ánimo melancólico y reflexivo, como si David Bowie estuviera sumergido en un momento de introspección creativa. El color azul eléctrico no solo describe su entorno, sino que también transmite una sensación de frialdad y aislamiento, temas recurrentes en su obra.

La canción también refleja el contexto personal y profesional de Bowie en ese momento. Grabada durante su estancia en Berlín, Sound and Vision emerge de un período de transición en su vida, marcado por el distanciamiento de su pasado glam rock y la búsqueda de nuevas formas de expresión. La influencia de la música electrónica europea, especialmente del krautrock alemán, es evidente en la producción, que combina lo analógico y lo digital de manera innovadora. Este enfoque experimental no solo redefine el sonido de David Bowie, sino que también establece un precedente para la música electrónica y el rock alternativo de las décadas siguientes.

Sound and Vision no es solo una canción, sino una experiencia sensorial. Es una invitación a escuchar con atención, a dejarse llevar por las texturas y los silencios, a encontrar belleza en lo aparentemente simple. David Bowie demostró con este tema que la música no necesita ser compleja para ser profunda, y que a veces las emociones más poderosas se transmiten en los espacios entre las notas. Hoy, casi cinco décadas después de su lanzamiento, Sound and Vision sigue siendo un recordatorio del genio de David Bowie y su capacidad para transformar el sonido en visión, y la visión en arte eterno.

Daniel 

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1491- David Bowie - Speed of Life

1491- David Bowie - Speed of Life

"Speed of Life" es una pieza instrumental que abre el álbum Low (1977), uno de los trabajos más innovadores de David Bowie y el primero de su famosa "Trilogía de Berlín", compuesta en colaboración con Brian Eno. Esta canción, aunque carece de letras, es un viaje sonoro que encapsula la esencia experimental y vanguardista del álbum, marcando un punto de inflexión en la carrera de David Bowie.

Desde los primeros compases, "Speed of Life" atrapa al oyente con un ritmo frenético y pulsante, caracterizado por sintetizadores futuristas y una línea de bajo enérgica. La canción refleja la influencia de la música electrónica y el krautrock, géneros que David Bowie exploró durante su estancia en Berlín. La producción, a cargo de Tony Visconti, es impecable, con un sonido limpio y estratificado que permite apreciar cada detalle de la instrumentación.

La estructura de la canción es sencilla pero efectiva. No sigue un formato tradicional de verso-estribillo, sino que se desarrolla como una serie de capas sonoras que se superponen y evolucionan. Los sintetizadores de Brian Eno aportan una atmósfera etérea, mientras que la batería de Dennis Davis y el bajo de George Murray mantienen un ritmo constante que parece imitar la velocidad y el caos de la vida moderna, como sugiere el título.

El título, "Speed of Life", es evocador y puede interpretarse de múltiples maneras. Por un lado, parece aludir a la rapidez con la que transcurre la vida, un tema recurrente en la obra de David Bowie. Por otro, podría ser una referencia a la velocidad de los cambios tecnológicos y culturales de la época, que David Bowie capturó magistralmente en su música. La ausencia de letras permite que el oyente proyecte sus propias emociones e interpretaciones, lo que añade una capa de universalidad a la pieza.

En el contexto del álbum Low, "Speed of Life" funciona como una introducción perfecta al mundo sonoro que David Bowie y Eno crearon. El álbum, dividido en una mitad más rockera y otra más experimental, refleja el estado emocional de David Bowie durante un período de transición personal y creativa. "Speed of Life" captura esa sensación de movimiento constante y búsqueda de nuevas direcciones.

Daniel 

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The Magic Whip - La varita mágica del #MesBlur (Mes Blur)

"The Magic Whip" (2015), el octavo álbum de estudio de Blur, fue un inesperado regreso fruto de un repentino cambio de agenda en la breve gira en la que la banda, reunida de nuevo doce años después de "Think Tank" (en el que Graham Coxon ya había estado ausente), estaba llevando a cabo con la única intención de desempolvar viejos éxitos y sin nuevo material en mente. El grupo llegó a Tokyo para tocar en el festival Tokyo Rocks Music, pero el evento se canceló repentina e inexplicablemente, y los cuatro músicos se encontraron "atrapados" y con cinco días por delante hasta el siguiente concierto. Para distraerse y hacer algo útil con aquel tiempo, se encerraron en los Avon Studios de la ciudad para ensayar, improvisar y ver que salía de aquello. Y lo que salió, casi por arte de magia y como si hubieran agitado la varita de la inspiración y del título, fue un buen puñado de inacabadas pero prometedoras ideas y melodías, en bocetos de lo que podían ser hasta 15 canciones diferentes.

Damon Albarn no estaba seguro de si podrían publicar aquella música alguna vez, porque no había podido escribir allí las letras, y consideraba que la inspiración adecuada no le vendría igual estando en otra parte del mundo, así que dio por hecho que aquellas ideas acabarían para siempre en un cajón. Sin embargo, y mientras Albarn salía de gira para promocionar su disco en solitario "Everyday Robots" (2014), Graham Coxon retomó aquellas grabaciones de Hong Kong, y empezó a trabajar seriamente en aquellos bocetos con la ayuda de Stephen Street, productor de los discos míticos de la banda en los noventa. Cuando el material fue tomando cuerpo, Coxon invitó a Alex James y Dave Rowntree para perfeccionar las partes de bajo y batería, y con el trabajo casi terminado, le mostró los resultados a Albarn, que tras terminar su gira en solitario por Australia, se marchó a Hong Kong para escribir las letras.

Pese a la particularidad "local" de un disco gestado e inspirado en Japón, inevitablemente y por la cercanía temporal con su disco en solitario Everyday Robots (2014), las canciones de The Magic Whip comparten con aquel la temática y el sentimiento de alienación en un mundo sobrepoblado e impersonal, desde la perspectiva de un viajero distante que comparte sus vivencias con asombro y desesperación. Esa es la temática de canciones como "Lonesome Street", que abre el disco y para la que se rodó un video promocional en el que un japonés baila en soledad delante de un telón, hasta que hacia el final de la canción el telón cae y aparece una multitud de personas bailando con el la misma coreografía, en un impactante efecto visual y emocional, fruto del primer golpe asestado por la varita mágica de unos Blur que regresan en estado de gracia.

Le siguen "New World Towers" , un tema más pausado sobre la sensación que produce observar los letreros de neón de las junglas de rascacielos de las ciudades, que conceptual y musicalmente habría encajado como un guante en "Everyday Robots", y la más animada "Go out", el primero de los temas que desarrollaron en Japón, que explora el sentimiento de soledad y abandono del metafórico viajero en los bares nocturnos de la ciudad, y que musicalmente es un intento de sonar a los Blur pegadizos y ligeros de los noventa, pero que queda algo descafeinado.

La sombra de David Bowie, siempre presente en algún tema de los discos de Blur, es alargada en "Thought I was a Spaceman", con algún que otro escarceo electrónico y con Graham Coxon asumiendo el rol vocal. En un disco sobre la soledad y la alienación que paradójicamente experimenta un viajero al ver la sobrepoblación y la impersonalidad de los lugares que visita, la referencia / homenaje al astronauta de "Space Oddity" era seguramente obligada, pero resulta menos inspirada y brillante que el "Strange News from another Star" del disco Blur (1997) con el que comparte halo y temática. De la más o menos conseguida ensoñación nos saca con fuerza "I Broadcast", que obedece también a la pauta de incluir un tema más cercano al punk en cada uno de sus trabajos, aunque aquí el tono es más rebajado y melódico que en temas como "Bank Holiday", "Song 2" o "Crazy Beat" con los que podría tener cierto parentesco sonoro.

Las referencias al mundo oriental afloran en temas como "My Terracota Heart", "PyongYang" o "Ghost Ship" (un barco fantasma que temáticamente podría haber atracado en la "Isla de Plástico" de Gorillaz), aterciopeladas baladas de suave instrumentación y gran belleza melódica, en contrapunto con la angustia de temas como "There are too many of us", la pieza central del disco en cuanto al concepto en el que este se basa, inspirada en la obra maestra de ciencia ficción "Fahrenheit 451" (1953) de Ray Bradbury, y en una reflexión de su protagonista: "Somos demasiados. Somos miles de millones y eso es demasiado. Nadie conoce a nadie". En mitad de esa angustia y desencanto, queda tiempo para la alegría y la esperanza en la amable y divertida "Ong Ong", y para la pausa y la reflexión de "Mirrorball", brillante tema de cierre que destaca por la elegante guitarra de Coxon, que la dota de la atmósfera más descaradamente japonesa del álbum.

"The Magic Whip" recibió grandes elogios por parte de la crítica musical en el momento de su lanzamiento, alabando la calidad de los temas de un disco que muchos ya no esperaban, aunque viéndolo en perspectiva y en comparación con el posterior y excelso álbum "The Ballad of Darren" (2023), en el que asumen su madurez y la aprovechan en el proceso creativo, hoy se noten más las costuras auto-paródicas de alguno de los temas de un disco creado en circunstancias inesperadas por un grupo de músicos que resultan más convincentes cuando miran al presente y no pretenden recrear el pasado. Es mejor aceptarse como lo que uno es, en lugar de pretender que una varita mágica te devuelva el brillo superfluo de antaño. Y, sin embargo, en algunos momentos de "The Magic Whip" el hechizo sigue hoy funcionando, haciéndonos sonreír sin darnos cuenta al escuchar sus mejores temas y sus guiños a otros tiempos. Es lo que tiene la magia, que consigue que, a veces, suceda lo inexplicable y lo inesperado, como una cancelación de un festival, que acabó devolviéndonos a los que nunca debieron irse. 

1490.- Calling Dr. Love - Kiss

 

"Calling Dr. Love" ("Llamando al Dr. Amor") fue uno de los grandes hits del disco "Rock and Roll Over" (1976) de la popular banda estadounidense de heavy metal KISS. Escrita por Gene Simmons (bajista y vocalista del grupo) y con la curiosidad de contar con Katie Sagal como voz de acompañamiento femenina, fue seleccionada como la segunda canción del álbum en ser lanzada como single promocional para las radios y las listas de ventas, con la canción "Take me" como cara B.

El sencillo de "Calling Dr. Love" alcanzó el top 20 del Billboard estadounidense, llegando hasta el puesto 16 como posición más alta. Desde su lanzamiento, se convirtió al instante en uno de los grandes himnos característicos de la banda, siempre presente en todos los recopilatorios de grandes éxitos de KISS, y es una pieza imprescindible en sus conciertos, como demuestra su inclusión en el álbum en vivo "Alive II" (1977) publicado solo un año después, o en el disco Kiss Symphony: Alive IV (2003).

1489.- ELO Kiddies - Cheap Trick

 

ELO Kiddies, Cheap Trick

     Cheap Trick es el álbum de estudio debut de labanda de rock estadounidense Cheap Trick. Fue grabado entre los años 1976 y 1977 en los Record Plant Studios de Nueva York bajo la prodcción de Jack Douglas, frecuente colaborador de la banda, y publicado el 3 de febrero de 1977 por el sello discográfico Epic Records. Este disco debut no llegó a entrar en la lista estadounidense Billboard 200, sin embargo llegó a mantenerse en el puesto 207 durante una semana en abril de 1977. La mayoría de las canciones de este trabajo tienen un sonido más crudo, tirando hacia el hard rock de la época, contratando con el sonido power pop que la banda desrrollaría en sus trabjos posteriores y por la que acabría siendo reconocida.

Incluído en este álbm se encuentra ELO Kiddies, escrita por Rick Nielsen, el guitarrista pirncipal y compositor del grupo. La canción llegó a ser lanzada como sencillo dos veces, en 1977 como lado A acompañada por Speak Now OR Forever Hold Your Peace en el lado B, y en 1979 como lado B de la canción en directo Ain't That a Shame, del aĺbum en directo Cheap Trick at Budokan. La canción se caracteriza por la contundente batería de Bun E. Carlos y los rabiosos riffs de guitarra de Nielsen. La letra está repleta de dobles sentidos intepetados de diferentes maneras. Hay quien intepreta la canción como una histora de "hola, adiós", otros sobre los "maniacos que controlan las plantas nucleares", otros como "una visión cínica de la educación". Para el baterista del grupo, Ben E. Carlos, quien manifestaba que era una de sus canciones favoritas, la canción animaba a los niños a que se divirtieran antes de que se volvieran completamente locos y salvajes, y de que crecieran y les salieran úlceras y dolores de cabeza. También hay una corriente que piensa que la canción es vagamente autobiográfica y reconoce la admiración e la banda por el fundador del grupo Electric Light Orchestra (ELO), Roy Wood. Como se puede apreciar, Elo Kiddies podría tener muchas intepretaciones, que cada cual esocoja la que más le guste y disfrute de este brillante tema.

1488.- Mannish Boy - Muddy Waters

 

Mannish Boy, Muddy Waters

     Pero para hablar de Mannish Boy, nos vamos a remontar primero al tema Hoochie Coochie Man compuesto por Willie Dixon, y que Muddy grabó por primera vez bajo el sello Chess Records. Este tema hacía referencia a elementos mágicos y espirituales del Hoodoo, creencias espirituales afroamericanas procedentes del África occidental. El protagonsita de la letra se jacta de su buena fortuna y su suerte con las mujeres con la ayuda del Hoodoo. Pues bien, en abril de 1955 Bo Diddley publica I'm a Man, tema compuesto por el mismo. Diddley se inspira en Hoochie Coochie Man para componer este tema, y con la arrogancia que le caracteriza nos relata su destreza sexual, y que el sí es literalmente un hombre, y por si no ha quedado claro nos lo deletrea: un M-A-N (Hombre). Este tema también ha sido fuente de inspiración para otros músicos, como por ejemplo George Thorogood, que se basó en su riff para su Bad To The Bone.

    Y la respuesta de Muddy no podía hacerse esperar, y el 24 de mayo de 1955 graba Mannish Boy, tema que se publica en junio de 1955 bajo el sello Chess Records. Aunque hay quien entendió este tema como un tema político, el tema fue una clara contestación a I'm A Man de Bo Diddley. Los afroamericanos que crecían en el sur habitualmente eran referidos como niños, nunca como hombres, y Muddy aparte del alarde sexual del que hace gala en el tema, nos deja bien claro que él es un hombre, y se burla del I'm a man de Diddley. La letra dice algo así como "¡Yeah!,se deletrea H-O-M-B-R-E. eso significa hombre ¡Yeah!, no N-I-Ñ-O que significa niñato. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! un hombre hecho y derecho. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! soy un amante nato". 

En 1977 Muddy Waters publicaría Hard Agai. Fue grabado durante el mes de octubre de 1976 bajo la producción de Johnny Winter y publicado el 10 de enero de 1977 porel sello discográfico Blue Sky Records. En él Muddy se encargaría de grabar y regalarnos una nueva versión del mítico tema Mannish Boy.

Blur - Think Tank (Mes Blur)

 

Think Tank, Blur

     Think Tank es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa Blur. Fue grabado entre noviembre de 2011 y moviembre de 2002 bajo la producción de Ben Hiller, Norman Cock, William Orbit y del propio grupo, y publicado el 5 de mayo de 2003 por el sello discográfico parlophone Records. Continuando con las construcciones de estudio basadas en improvisaciones del álbum anterior del grupo, 13 (1999), el álbum se expandió en el uso de bucles rítmicos muestreados y sonidos electrónicos pesados y melancólicos. El disco también contiene influencias de la música de baile, el hip hop, el dub, el jazz y la música africana. el disco supuso toda una experimentación sobre los crecientes intereses musicales de Damon Albarn.

Las sesiones de grabación comenzaron en noviembre de 2001, teniendo lugar en Londres, Marruecos y Devon (Inglaterra), y terminaron un año después. El productor principal del álbum fue Ben Hillier, y contó con la producción adicional de Norman Cook (Fatboy Slim) y William Orbit. Al comienzo de las sesiones, el guitarrista Graham Coxon había estado en rehabilitación por alcoholismo, por lo que no estuvo presente. Inicialmente sin saber cuánto tiempo Coxon estaría en rehabilitación, Albarn, James y Rowntree decidieron comenzar a trabajar en el estudio sin Coxon. Después de reincorporarse, las relaciones entre Coxon y los otros miembros se volvieron tensas, lo que provocó que Coxon abandonara la banda, dejando poco de su presencia en el álbum terminado. Think Tank está considerado como un álbum conceptual suelto. Albarn eraun declarado un pacifista, y se había pronunciado en contra de la invasión de Afganistán y, después de que las naciones occidentales amenazaran con invadir Irak, participó en las protestas generalizadas contra la guerra. Los temas antibelicistas son recurrentes en el álbum, así como en las obras de arte asociadas y los videos promocionales.

Aunque Blur había estado asociado con el movimiento britpop, habían experimentado con diferentes estilos musicales más recientemente, comenzando con Blur (1997) que había sido influenciado por bandas de indie rock bajo la sugerencia del guitarrista Graham Coxon. Desde mediados hasta finales de la década de 1990, los miembros de Blur habían estado trabajando en otros proyectos, además de Blur: Albarn había co-creado Gorillaz, una banda virtual, en 1998 con el artista de cómics Jamie Hewlett, a quien Albarn había conocido a través de Coxon. El debut de Gorillaz en 2001 fue un éxito financiero y recibió elogios de la crítica. Coxon había comenzado una carrera en solitario y a partir de 2001 había lanzado tres álbumes en solitario. Los diferentes intereses musicales de los miembros habían alienado a algunos de los miembros de la banda,  y Coxon junto con Alex James y Dave Rowntree, estaban ansiosos por un nuevo álbum, mientras que Albarn se mostraba más reacio.

Las sesiones de grabación para Think Tank comenzaron en noviembre de 2001 en el estudio de grabación de Albarn en Londres. Albarn, James y Rowntree habían acudido al estudio junto con Ben Hillier, quien explicó que al principio hubo cierta tensión entre los miembros del grupo. Coxon había estado luchando contra el alcoholismo y la depresión, y no pudo asistir a la sesión de grabación inicial debido a que estaba en rehabilitación. A pesar de la ausencia de Coxon, el resto de la banda decidió comenzar a grabar sin él. Estaba claro que durante la partida de Coxon, el sonido y la dirección musical no eran del gusto de Coxon, y ya no tenía un lugar justificable en la banda. Además, los profesionales de la salud le aconsejaron a Coxon que evitara salir de gira, lo que naturalmente lo dejaría en una posición más vulnerable mentalmente. Esto no fue bien recibido ni por la banda ni por su sello discográfico, debido a que las giras eran una parte importante de la promoción y venta de un disco.

A pesar de que Albarn declaró que originalmente quería volver a su sonido más comercial, Think Tank fue todo lo contraro, un álbum basado en el uso de bucles rítmicos muestreados y sonidos electrónicos pesados y melancólicos. Casi en su totalidad escrito por Albarn, Think Tank puso más énfasis en coros exuberantes, guitarra acústica simple, batería, bajo y una variedad de otros instrumentos. Think Tank estáconsiderado por la crítica como un álbum conceptual suelto. Albarn declaraba que era un álbum sobre "el amor y la política", afirmando que "obligaría a las personas a valorar lo que tienen. Y eso, con suerte, pagará dividendos y ayudará a cambiar el mundo a un lugar mejor. Ojalá. Toca la madera". Albarn también declaró que el álbum trataba sobre "qué se supone que debes hacer como artista aparte de expresar lo que sucede a tu alrededor". 

En cuanto al contenido del disco, vamos a encontrar temas como Ambulance, la canción que abre el álbum. comienza con un complejo ritmo de batería poco convencional que casi colapsa sobre sí mismo. A medida que un bajo bajo atronador entra en escena todo crece lentamente. La percusión africana distintiva se incorpora pausadamente al armónico del bajo, y entra entra la voz principal de Albarn En una entrevista de radio, Albarn habló sobre la composición de la canción, diciendo: "Trato de hacer muchas cosas una vez que tengo la melodía y la estructura de acordes. Trato de cantarla de una sola vez sin pensar demasiado en ella. Sale como una especie de canción parcialmente formada y a veces tienes suerte y sale casi perfecta y a veces es simplemente un desastre". Afirmó que se trataba de un caso de lo primero. James dijo que "Ambulance" fue "la primera canción que pensé, bueno, esto es Blur de nuevo. Como si estuviera en el lugar correcto otra vez. Supongo que las letras tienen algo que ver con eso, ya sabes, no tener nada que temer"; Out of time, definida como conmovedoramente encantadora, inteta capturar la esencia de una mezcla de sensaciones de belleza y temor. Dominan la voz sin adulterar de Albarn y la batería constante y simplista, y en el centro de la pista, un grupo de cuerda andaluz asoma la cabeza, al igual que una pandereta; Crazy beat, canción que según Albarn "comenzó de una manera muy diferente. Lo más cercano con lo que podría compararlo es con una versión realmente mala de Daft Punk. Así que nos cansamos de él y luego pusimos esa línea de guitarra descendente sobre él para darle un poco de golpe"... "Tenía una especie de voz loca como un vocoder, y la melodía estaba sobre una especie de ritmo realmente escurridizo y solo esta guitarra semitonal casi descendente. La melodía funcionó sobre ella y fue increíble porque no debería haber funcionado, otro pequeño momento mágico para nosotros"; Good song según Albarn  "Originalmente se llamaba 'De La Soul' en nuestra enorme lista de canciones, ideas a medio terminar. Se llamaba 'De La Soul', ya sabes, hasta el final. Y siempre pensé que era una buena canción y la llamé 'Good Song'. Me encanta eso, me encanta el tipo de intimidad y creo que todo el mundo jugó con delicadeza en ello, las melodías. Era una buena melodía"; On the way to the club fue descrita por Albarn como "una canción de resaca que escribimos de vez en cuando". Albarn también dijo que "definitivamente tiene un sonido muy personal. Alguien dijo que es una especie de Screamadelica revivida. Sí, es el tipo de buenas intenciones de las que participas en el jolgorio y luego la realidad de la misma"; Brothers and Sisters fue una de las últimas adiciones al álbum. según Albarn, la canción trataba sobre las drogas: "trataba demasiado abiertamente de una sola cosa. Era demasiado drogadicto, en cierto modo, lo cual es un poco extraño, porque la canción trata sobre las drogas, así que creo que nos esforzamos un poco más con ella y le dimos mucho más espacio, contrarrestado por la lista, y la lista estaba inspirada en la vida de JFK y su necesidad de tener 28 drogas todos los días de su presidencia solo para mantenerlo funcionando"; según Albarn, Caravan es "un tipo de canción que podrías tocar en cualquier lugar. Y quiero decir, recuerdo que lo terminamos y cuando todos se fueron a Londres, fui a Mali por un par de días porque Honest Jon todavía estaba trabajando con músicos y esas cosas. Estaba sentado en un bosque de mangos con un pavo salvaje y tenía un pequeño reproductor de CD y lo puse allí. Fue agradable ver a todo el mundo sentado colocándose. Fue bonito, porque la guitarra está muy, muy inspirada en Afel; una gran tradición maliense de guitarra de blues". o Sweet Song, que estaba inspirada en Coxon. 

Podemos encontrar una pista oculta, "Me, White Noise" justo antes de la pista 1 en algunas copias de CD. La canción cuenta con la colaboración de Phil Daniels, quien apareció anteriormente en Parklife, en la voz. Es también una de las pocas canciones de Blur que contiene un improperio. El estuche del álbum contenía un logotipo de Aviso para Padres en algunas regiones, debido a que Brothers and sisters contenía muchas referencias a medicamentos.  

Think Tank es un álbum donde la experimentación hizo que Blur no sonara como Blur.  Está bien no sonar como uno mismo, es más, si algo tiene bueno el grupo es que su sonido ha sido evolutivo, si no más, desde The Great Escape, otra cosa es que no suene a nada. Tengo la sensación de que este disco nace fruto de una banda atrapada en medio de una idea inacabada. Albarn tenía una idea basada en sonidos electrónicos, y necesitaba a su lado a alguien como Coxon para acabar de darle forma. El problema es que Coxon ya no estaba y el resultado, para mí, es un álbum donde las canciones se suceden como si no tuvieran a dónde ir, y durante toda la ecucha el disco suena con repetitivos samples atrapados en un bucle sin fin.

1487.- Gavilan o Paloma - Pablo Abraira

Pablo Abraira nació en Madrid en 1949. descubre Beatles, el Pop, el Soul, el Rhythm´n´Blues, el Rock&Roll, a una temprana edad y comienza su andadura musical y tras varios años y después de varios grupos, pasa a ser solista de “Los Grimm” con los que graba su primer disco. Después llego “Frecuencia” Tiene su primera experiencia teatral en un musical llamado “Personajes”. Tras el servicio militar una pirueta del destino hace que su amigo Álvaro Nieto le propongan grabar en solitario, momento en que conoce a Rafael Pérez Botija, quien hace que de forma absolutamente inesperada, su trayectoria artística adquiera una creciente popularidad tanto en España como en América. Fruto de la misma son sus nueve álbumes, donde canciones como “O tu o nada”, “Gavilán o paloma” y “Pólvora mojada” entre otras, consiguieron ser número uno. En una permanente búsqueda de nuevos caminos, surge la experiencia teatral, protagonizando el musical “Lovy”, donde se revela como actor, obteniendo excelentes críticas. En 1982 encarna al Ché para llevar a los escenarios mundiales el gran acontecimiento para el musical en español que supuso “Evita”. La carrera de Pablo Abraira se encontraba en su momento álgido, pero el carácter artístico y personal de Pablo, la constante búsqueda de la superación y el perfeccionamiento le llevan a asumir nuevos retos. Por ello, tras la gira Americana que se realiza con dicho musical, surge el proyecto de poner en marcha “Jesucristo Superstar” estrenándola a comienzos de 1984 en Madrid, viajando con el espectáculo, de nuevo, a Hispanoamérica. Pablo Abraira es además de una cantante un grandísimo actor de teatro, siempre alerta ante la esquizofrenia que marca la diferencia entre el ser humano que uno es y el personaje que a cada uno nos toca representar en el gran teatro de la Vida. Permanentemente expectante e intentando crecer y madurar como persona, para poder alimentar al artista de savia nueva.

No existe una canción, NO EXISTE, en la que se conjuguen de forma tan sublime la épica vocal, los arreglos orquestales al borde del precipicio y la (bastante risible) letra, condiciones todas fundamentales para arrancar aplausos y carcajadas en cualquier evento entre amigos que termine, ya sabéis de lo que hablo, micrófono en mano. El caso es que no acabo de tener claro si es algo que debería avergonzarme, pero recórcholis, es que me chifla esta famosísima canción de Pablo Abraira, qué le vamos a hacer. Entre lo peor, algunas rimas «algo me arrastró hacia ti como una ola / y fui y te dije hola, que tal«, hasta la conclusión con «sólo me dio frio tu calor /lentamente te solté de entre mis brazos / y dije estate quieta por favor» la sensación de desconcierto es total, pero las carencias de la letra están más que suplidas con la arrebatadora música, una de esas progresiones melódicas capaces de poner de pie a un auditorio. Lo curioso es que ni los distintos intérpretes del megahit ni su compositor (Rafael Pérez Botija) han sido capaces de ponerse de acuerdo sobre el significado del tema, existiendo desde teorías sobre un gatillazo del supuesto gavilán, hasta aquellos puntos de vista que defienden que lo que la canción narra, no es otra cosa que el desencantado encuentro amoroso con una mujer que finalmente resulta ser un travestido…(Yo baje la cremallera de tu vestido / Y tu no me dejaste hablar / Solamente suspirabas, te necesito, abrázame mas fuerte mas / Al mirarte me sentí desengañado / Solo me dio frio tu calor / Lentamente te solté entre mis brazos / Y dije estate quieta, por favor)......yeah. Fuera de ironías el resultado una monumental balada, sin duda de lo mejor de la historia de la música española, buena letra con ribetes eróticos, historia de amor y frustración y una melodía original envuelta en arreglos orquestales muy cuidados. Una pieza que sería, de lejos, la más conocida de este cantante y que pasaría nada menos que cinco semanas en el número 1 de ventas en España. podemos afirmar sin miedo a la equivocarnos que esta canción sobre el clásico tema del «cazador cazado» superó en fama incluso a la de su propio intérprete, convirtiéndose en la típica canción que todo el mundo conoce, pero pocos saben bien quién la hizo famosa.

1486.- California Sun - Ramones

En 1977 a los Ramones les surgió un problema y unos rivales, aunque ellos habían interpretado el clásico California Sun en sus actuaciones desde el principio, la amigable competencia vecinal (y primos estéticos) THE DICTATORS les había robado protagonismo al incluir una versión en su álbum debut de 1975 Go Girl Crazy. No dispuestos a dejarlo pasar, siguieron adelante obstinadamente con su propia lectura de la canción, esto reveló que incluso si la banda pudiera rebajarse a grabar material ya notablemente versionado, al menos se encargarían de dejar pasar un tiempo lo suficientemente largo como para que cualquier posible conflicto pudiera ser anulado -o al menos eludido-. La versión de Ramones llegó demasiado pronto después de la de sus rivales, todavía podrían decir que llegaron a la canción primero. Más importante aún, la banda socavó una parte sustancial de la controversia potencial simplemente produciendo una interpretación superior.

Originalmente grabada por el cantante de R'n'B Joe Jones en 1961, pero que se hizo famosa poco después en una versión surf de los Rivieras, CALIFORNIA SUN es una canción aparentemente hecha a medida para seguir el corte del álbum debut de los Ramones de Let’s Dance, la melodía parecía perfecta para que la banda se la apropiara, solo la figura de la guitarra de anclaje resultó un posible obstáculo. Aunque simple, el riff puede ser engañosamente difícil de dominar, sorprendentemente, Johnny siguió dispuesto a ponerse las pilas, y durante años el riff astuto continuó representando su toque más desafiante en sus presentaciones en vivo. Ignorando la versión de los Dictators, los Ramones se centran en los versos de los Rivieras que, a su vez, están alterados del original de Joe Jones, y la instrumentación desnuda, además añaden un toque único a su arreglo al prescindir de la estrofa introductoria no cantada (presente en todas las demás versiones), permitiendo en su lugar que Deedee cuente directamente hasta el estribillo. Esto acorta el tiempo transcurrido antes de que comiencen las voces, y también hace que la estrofa acompañada de tambores tribales y riffs sea más intrigante cuando finalmente llega, la batería exhibe un eco y una presencia potentes, y las guitarras tienen un tono delicioso (especialmente el riff principal sobregrabado). La interpretación de Joey es perfecta, y su decisión de no imitar los coros de llamada y respuesta de Dictators fue acertada. (Naturalmente, también evitan sus numerosas sobregrabaciones de guitarra principal, uno de los otros aumentos que en última instancia hacen que la versión de Go Girl Crazy suene bastante inflada en comparación con la versión minimalista de los Ramones. El hecho de que la estética de la banda pudiera transformar un tema tan antiguo y destartalado en una explosión tan impactante y feroz de rock moderno puso de manifiesto algo que no siempre fue evidente en su momento: Los Ramones representaban menos un retroceso reaccionario al progresismo del rock and roll y más una herencia natural (incluso inconsciente) y la perpetuación de sus verdaderos ideales.