1295 - ABBA - Mamma Mia

1295 - ABBA - Mamma Mia

"Mamma Mia" es una de las canciones más emblemáticas de la banda sueca ABBA. Publicada en 1975 como parte de su tercer álbum, "ABBA", la canción rápidamente se convirtió en un fenómeno internacional, consolidando aún más la popularidad del grupo en el panorama musical global.

La canción se abre con un característico riff de teclado que es inmediatamente reconocible, seguido de una melodía pegadiza que combina pop y elementos de música disco, característica del sonido de ABBA. La estructura de la canción es relativamente simple, con un verso y un estribillo que se repiten, pero su simplicidad es parte de lo que la hace tan efectiva y memorable. La letra, escrita por Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Stig Anderson, trata sobre la ambivalencia emocional y la nostalgia que siente una persona tras el fin de una relación amorosa. La protagonista, a pesar de haber decidido dejar a su pareja, se encuentra atrapada por los recuerdos y las emociones, expresando su confusión y el impacto duradero de ese amor perdido.

Las voces de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad son otro aspecto crucial del éxito de "Mamma Mia". Sus armonías y la forma en que se complementan aportan una profundidad emocional y un dinamismo que resuenan con la audiencia. Además, la producción de la canción, con su uso de la tecnología de estudio avanzada para la época, contribuye a su sonido pulido y atractivo.

"Mamma Mia" no solo fue un éxito comercial, alcanzando el número uno en las listas de varios países, sino que también ha tenido un impacto cultural duradero. La canción fue el título e inspiración para el musical "Mamma Mia!", que se estrenó en Londres en 1999 y luego fue adaptado en una película en 2008, protagonizada por Meryl Streep y Pierce Brosnan. Tanto el musical como la película han sido éxitos rotundos, introduciendo la música de ABBA a nuevas generaciones y reafirmando su legado en la cultura pop.

La repercusión de "Mamma Mia" se puede medir no solo en términos de ventas y posiciones en listas, sino también en su influencia en la música pop posterior y su presencia constante en la cultura popular. La canción ha sido versionada por numerosos artistas y sigue siendo un elemento básico en las listas de reproducción de fiestas y karaokes, demostrando su capacidad de resonar con audiencias de todas las edades.

"Mamma Mia" es más que una canción; es un ícono cultural que ejemplifica el ingenio melódico y la destreza de ABBA como compositores e intérpretes. Su impacto se siente tanto en la industria musical como en la cultura popular en general, y su legado sigue vivo a través de adaptaciones, versiones y su inquebrantable presencia en el imaginario colectivo. Esta canción, con su mezcla de melodía pegajosa, letras emotivas y producción impecable, sigue siendo un testamento del talento de ABBA y su capacidad para crear música que trasciende el tiempo y las generaciones.

Daniel 

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1294.- Cómicos - Víctor Manuel

En 1975 Victor Manuel publica el álbum Comicos, que cuenta con una producción cuidada y sofisticada y combina elementos tradicionales con arreglos contemporáneos. Las guitarras acústicas, los pianos y las cuerdas se mezclan para crear un sonido rico y envolvente. Además, "Cómicos" incluye colaboraciones con otros artistas reconocidos, y utiliza poemas de Gabriel Celaya y Manuel José Leonardo Arce, poeta guatemalteco. La crítica recibió "Cómicos" con entusiasmo, donde destacan la habilidad de Víctor Manuel para reinventarse y seguir siendo relevante, también se elogian la profundidad de las letras, la calidad de la producción y la emotividad de las interpretaciones. Muchos críticos han señalado que este álbum es uno de los más personales y conmovedores de su carrera, ya que es un álbum que no solo celebra la vida y el arte de los cómicos del pasado, sino que también invita a una reflexión sobre la vida, la memoria y la sociedad actual, Víctor Manuel crea una obra que resonará tanto con sus seguidores de la época como con otros venideros, un testimonio de su talento y de su capacidad para tocar el corazón de su audiencia.

La canción principal es "Cómicos," una obra llena de nostalgia y melancolía que se sumerge en la memoria colectiva de una época pasada, que combina la maestría lírica y musical del cantautor asturiano, y es un tributo a los artistas callejeros y a aquellos personajes entrañables que llenaban las plazas y teatros con su humor y vitalidad. La narrativa de "Cómicos" está impregnada de imágenes vívidas y detalles minuciosos que pintan un retrato nostálgico de estos personajes. A lo largo de la canción, se mencionan figuras icónicas como payasos, magos y ventrílocuos, todos ellos representados con un cariño y respeto profundos. Las palabras de Víctor Manuel no solo describen sus actos y trucos, sino que también capturan la esencia de su espíritu libre y su dedicación al arte. La canción no solo celebra la alegría y el humor que estos artistas trajeron a la vida de muchos, sino que también refleja la tristeza y el olvido que a menudo enfrentan. Hay un tono de melancolía en la voz de Víctor Manuel que sugiere un lamento por una era que ha quedado atrás, y por los artistas que han desaparecido de la memoria pública. Este contraste entre la alegría del recuerdo y la tristeza del olvido crea una experiencia auditiva rica y conmovedora. Comienza con una melodía suave y envolvente, acompañada de una instrumentación que evoca una atmósfera de ensueño. Desde los primeros acordes, Víctor Manuel nos transporta a un mundo donde los cómicos y artistas itinerantes eran una parte fundamental de la vida cotidiana. Su voz, cargada de emoción, resuena con una sinceridad que toca el corazón del oyente. La producción musical de "Cómicos" es otro elemento que merece elogios. La combinación de instrumentos tradicionales con arreglos modernos crea un sonido atemporal que complementa perfectamente la letra nostálgica. La instrumentación, que incluye guitarras acústicas, cuerdas suaves y sutiles toques de piano, se entrelaza con la voz de Víctor Manuel de una manera que realza la emotividad de la canción.

1293.- Walk this way - Aerosmith

"Walk This Way" fue el segundo single extraído del álbum "Toys in the Attic" (1975) de la banda de rock estadounidense Aerosmith. Escrita por el cantante Steven Tyler y el guitarrista principal Joe Perry, llegó al puesto 10 del Billboard Hot 100 estadounidense, y junto a otros exitosos singles de la segunda mitad de los setenta, puso a Aerosmith en la primera línea del rock estadounidense del momento.

La canción surgió de una improvisación durante la prueba de sonido de una gira, con Joe Perry entretenido en sacar un riff que encajara con el sonido y el ritmo funk de The Meters. Tras varios intentos, sobre un ritmo de batería improvisado y como por arte de magia el riff de "Walk This Way" surgió de las seis cuerdas de su guitarra eléctrica. Aquel descubrimiento excitó a Perry, que al final de la prueba de sonido tenía ya el esqueleto básico de una nueva canción. Steven Tyler improvisó una letra sin sentido, y las letras definitivas no se trabajaron hasta que, en el momento de grabar el disco "Toys in the Attic", la banda se encontró algo escasa de nuevo material, y decidieron retomar aquel esbozo de canción surgido de una prueba de sonido.

Ya en los ochenta, y cuando Aerosmith más necesitaba volver a impulsar una carrera por entonces en franco declive, el grupo de rap estadounidense Run D.M.C realizó una versión de "Walk This Way" para su álbum "Raising Hell" (1986), en colaboración con los propios Aerosmith. La acertada combinación de "rap rock" y la manera en que las dos bandas interactuaban en la canción la convirtió al instante en un gran éxito internacional, llegando a cosechar incluso una posición más alta en el Billboard  que la canción original (llegó hasta el cuarto puesto) y convirtiéndose en la primera canción de rap de la historia en entrar en el top 5.

1292.- Sweet Emotion - Aerosmith

 

Sweet Emotion, Aerosmith

     En el panteón de las leyendas del rock, hay himnos que trascienden el tiempo, melodías que capturan la esencia de una era y la pasión de generaciones. Entre ellas, Sweet Emotion de Aerosmith se alza como un coloso, una sinfonía de rebeldía y sensualidad que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música. Era el año de 1975, una época marcada por la efervescencia cultural y la explosión del rock and roll. Aerosmith, una banda emergente de Boston, se encontraba en el umbral de la grandeza, con su líder Steven Tyler y su voz desgarradora y su presencia magnética. La alquimia entre Tyler y el virtuoso guitarrista Joe Perry era palpable, una chispa creativa que encendía el fuego del rock.

En este crisol de talento y energía, nació Sweet Emotion, surgida de un momento de tensión y resolución dentro de la banda. Perry, con su inimitable estilo de guitarra, creó un riff que era tanto hipnótico como eléctrico, y Tyler, inspirado por las fricciones internas y las complejidades emocionales de la vida en la carretera, escribió letras que destilaban ironía y deseo. Desde los primeros compases, Sweet Emotion se erige como un monumento sonoro donde La línea de bajo, tocada por Tom Hamilton, es una llamada a las armas, un pulso profundo que resuena en el corazón del oyente, y la guitarra de Perry entra como un trueno, entrelazándose con los platillos de Joey Kramer, creando una tormenta perfecta de sonido. Las letras de Tyler son un testamento de la dualidad de la dulzura y la amargura, un relato de emociones crudas envueltas en un velo de ironía, Una crítica velada, una confrontación con las superficialidades y las falsedades que a menudo acompañan el éxito.

La estructura de Sweet Emotion es una odisea en sí misma. Desde la introducción etérea, que transporta al oyente a un reino de expectativas, hasta el crescendo de los estribillos, la canción es una montaña rusa de sensaciones. El solo de guitarra de Perry es una explosión de virtuosismo, una danza frenética sobre las cuerdas que encapsula la esencia del rock. El uso innovador del talk box por Perry añade una dimensión adicional, una voz sintética que dialoga con la humanidad cruda de Tyler. Esta técnica, que se convirtió en una firma sonora, es un testimonio de la experimentación y la audacia que definieron a Aerosmith en sus primeros años. Más allá de su éxito comercial, Sweet Emotion se convirtió en un rito de paso para generaciones de oyentes, una canción que reflejaba la rebeldía juvenil, el anhelo de libertad y la complejidad de las emociones humanas. La historia de esta canción es la historia de Aerosmith, un grupo que desafió las expectativas y superó innumerables obstáculos para convertirse en una de las bandas más grandes de todos los tiempos. Es un recordatorio de que la grandeza no se alcanza sin lucha, y que las emociones más dulces a menudo nacen del conflicto y la superación.

1291.- Carol - Al Stewart

La canción “Carol”, incluida en "Modern Times" (1975), séptimo disco de estudio del compositor y músico de folk rock escocés Al Stewart, es una profunda reflexión sobre la vida de una enigmática y solitaria joven que atraviesa una profunda crisis de identidad. Carol es una chica de “cara de rosa blanca” y “ropa de huérfana” que lucha por encontrar su lugar en el mundo mientras frecuenta oscuros lugares poblados por “almas perdidas”.

Musicalmente "Carol" es una intensa y rítmica balada de folk rock de base acústica y salpicada de agradables y melancólicos ramalazos eléctricos, con un revelador estribillo en el que su errático caminar y su profundo aislamiento emocional ("la amante de todos y de nadie”) y con unas letras que contienen sentencias tan enigmáticas como certeras (“tienes un boleto de ida para todos tus ayeres”) que describen a una persona atrapada en un pasado del que solo logra liberarse embarcándose en un "sueño pasajero" y recurrentes "vacaciones de cocaína”.

La historia avanza hacia un final oscuro en la última estrofa de la canción, una brillante metáfora sobre un escenario y una actriz con un “maquillaje que no se puede quitar”, con la que Stewart describe la maldición de la vida de Carol, una actuación constante en la que representa un papel que no puede abandonar. Mientras las luces se van apagando y a punto de caer el telón, Carol enciende un cigarrillo e intenta olvidar y escapar de su dolor, viendo una “nave plateada de las estrellas” que parece uno más de los sueños pasajeros en los que proyecta su deseo de ser rescatada y conducida a un lugar mejor.

1290.- Sister Gold Hair - America

En 1972, un joven londinense de 19 años escribió una canción falsa de Neil Young, y esa canción desbancó a una canción real de Neil Young del puesto número 1. “ A Horse With No Name ”, el primer éxito del trío estadounidense con base en Inglaterra America, fue una pieza de encantador sinsentido espectral, y condujo a una verdadera carrera. Durante los siguientes tres años, America logró cuatro éxitos más en el top 10, ninguno de los cuales es tan bueno como “A Horse With No Name”. Los tres miembros de America, que crecieron en las afueras de Londres, eran hijos de militares de las Fuerzas Aéreas estadounidenses. Idolatraban el sonido de California desde lejos y crearon su propia versión de ese sonido: tres fanáticos que hacían una parodia de la música de su patria compartida, apenas recordada. En cuanto tuvieron la oportunidad, los miembros de America se desarraigaron y se mudaron a Estados Unidos. Después del éxito de “A Horse With No Name”, se mudaron a Los Ángeles, la ciudad cuya música ya habían estado imitando.

El cantante y guitarrista Gerry Beckley, fue responsable de “Sister Golden Hair”, el segundo y último número uno de America. Beckley ha sido franco sobre cómo su compañero compositor de pop californiano Jackson Browne inspiró la canción: “Creo que Jackson puede deprimirme un poco, pero solo a través de su honestidad. Y fue ese estilo suyo el que me llevó a una canción mía, 'Sister Golden Hair', que probablemente sea la más LA de mis letras”. La canción terminó siendo mucho más grande que cualquier cosa que Jackson Browne haya hecho. Beckley también ha admitido que el uso del lap steel en la canción estaba fuertemente inspirado por George Harrison en general y por “ My Sweet Lord ” en particular. Pero la combinación de armonías vagamente exuberantes, arreglos cremosos de pop de Los Ángeles y vagos murmullos de honky-tonk terminó sonando mucho más como los Eagles que como Jackson Browne o George Harrison. Eso funcionó bien para Estados Unidos, ya que ese pegajoso sonido country-rock estaba en pleno auge en 1975. Una vez más, Estados Unidos encontró una ola en la que subirse. En cuanto a la letra, la influencia de Jackson Browne dio sus frutos, la letra de Bunnell para “A Horse With No Name” había sido un galimatías soñador, pero en “Sister Golden Hair”, Beckley escribió sobre situaciones de relaciones reales. En la primera línea, canta sobre estar tan completamente desmotivado donde pasa un día entero en la cama: “Bueno, intenté llegar el domingo, pero me deprimí tanto / que fijé mi vista en el lunes y me desvestí”. Te está diciendo esto para que sepas que no está preparado para manejar ningún tipo de relación comprometida. Pero aún depende de la compañía de esta mítica Sister Golden Hair: “No estoy listo para el altar, pero estoy de acuerdo en que hay momentos / en los que una mujer puede ser amiga mía”. Y así pasa la canción rogándole que sea paciente con él, no se va a comprometer con esta chica, pero le va a pedir que se quede de todos modos. Es una forma manipuladora de escribir una canción, pide compasión, se presenta como un ser indefenso, y más o menos no ofrece nada es una figura patética, que necesita cuidados, incluso sus expresiones de devoción son casi pasivo-agresivas: “No puedo vivir sin ti, ¿no lo puedes ver en mis ojos?”. Al escucharla, quieres decirle a esta “Hermana Cabello Dorado” que se vaya a la mierda y que nunca mire atrás. Beckley ha dicho que esa persona no existe, que la basó en una composición de las mujeres que había conocido. Musicalmente la canción suena genial, es rica y con capas, con espacio para guitarras western brillantes y armonías de acompañamiento al estilo de los Beach Boys, tiene el brillo ligero de gran parte del pop californiano de la época.

America nunca volvería al número uno. Dos años después, Dan Peek dejó el trío y comenzó una carrera solista de rock cristiano en el sello de Pat Boone (murió en 2011). Los otros dos miembros de America siguieron adelante sin Peek y siguieron haciendo éxitos, logrando que sus canciones se ubicaran en el top 10 hasta 1982. 

Disco de la semana 386: I Can't Even Speak English - Husky Loops

Husky Loops es una banda que en wikipedia califican como "art rock", aunque en realidad su música es más bien inclasificable, o en todo caso va más allá de esa etiqueta general. El grupo se formó en 2015 cuando sus tres componentes, originarios de Bolonia (Italia) se conocieron mientras estaban estudiando en Londres, ciudad en la que, desde entonces, establecieron su domicilio y su base de operaciones. Poco después, Pier Danio Forni (voz, guitarra y producción), Tommaso Medica (bajo) y Pietro Garrone (batería) grabaron su primer single ("Dead", 2016), y su video promocional les granjeo cierto recorrido en festivales de música del Reino Unido y otros países europeos.

Tras telonear a The Kills y publicar un par de EP's ("EP1" y "EP2", 2017), fueron invitados como teloneros de Placebo en una gira por Reino Unido y de Spoon en Europa, en lo que fueron relevantes pasos adelante en su incipiente carrera. En 2018 publicaron su tercer EP ("Spool"), y por fin en 2019 lograron lanzar el que hasta ahora es su único LP publicado, el impactante disco debut "I Can't Even Speak English" ("Ni siquiera se hablar inglés").

Alejados como están aún del foco mediático mundial, no es mucho lo que puede encontrarse sobre este disco en los medios, pero tampoco hace falta, porque en la propia escucha del disco podemos encontrar comentarios y referencias de amigos, fans y locutores radiofónicos, como en la breve nota de arranque de "A Message from Lily to a Friend", en la que una tal Lily recomienda a un amigo/a que escuche el disco: "Absolutamente, es como que, cuanto más lo escuchas, más éxitos surgen de la escucha. Y está tan bien hecho, como si cada canción tuviera una construcción adecuada. De todos modos, hazme saber tu opinión al respecto. Si no, cómpralo en iTunes, vale la pena el dinero que cuesta".

Tras esta breve pero aclaratoria intro, empezamos a sorprendernos con el impactante sonido y el desparpajo de Husky Loops en "Good as Gold", tema que mezcla electrónica pesada con una línea vocal cercana al hip hop suburbano, en el que encontramos ya una breve muestra de los sorprendentes cambios de ritmo que serán una constante a lo largo de los principales temas del disco. "I Think You're Wonderful", el single principal del disco, no es una excepción al respecto, y está plagada de abruptos cambios de ritmo y voces distorsionadas que salpican y acompañan a un ritmo de lo más pegadizo y positivo.

El toque a pop rock con toques de hip hop urbano mezclado con ritmos pesados y voces distorsionadas es de nuevo la tónica reinante en temas como "Temporary Volcano" y la impactante "Enemy is Yourself" con un irresistible aire al mejor Beck. Sin tiempo para reponernos de este temazo, Husky Loops siguen golpeando con otro de los tres singles que se extrajeron de "I Can't Even Speak English", la más calmada y britpopera "Let go for Nothing", otro de los momentos cumbre del disco.

La letanía de "The Reasonable Thing" mantiene el tono relajado y suave, con apenas una batería electrónica y un bajo acompañando a una leve guitarra, y con "Slippin'" vuelve la intensidad de aire hip hop, apoyada en un breve riff de guitarra inicial y una base rítmica de batería y bajo totalmente adictiva. No escasean tampoco los cambios de ritmo y voces, y leves sonidos industriales de fondo completan una canción destacable. El ritmo no para, y el nivel no baja en "A Little Something", más melódica y dominada por el imparable dúo de batería-bajo y arreglos de piano y teclados, alternando con ritmos electrónicos en una nueva ensalada de sorpresivos y brillantes cambios de rumbo.

"Fred Again - Nice Boy" es otra declaración vocal de las bondades del disco, en esta ocasión en las palabras de un tal Fred que considera que la canción "Everyone is having fun but me" "suena jodidamente grandiosa, super rítmica, y con un gran juego vocal". No le vamos a quitar la razón a Fred, que valora acertadamente el segundo single que se extrajo del disco, un tema que comienza lento y esotérico pero que crece hacia un estribillo adictivo y un ritmo electrónico cuidadosamente producido. Un auténtico temazo y una buena muestra de lo que los Husky Loops pueden ofrecernos. 

En el disco, suena antes el tema "Fuck me Naturally", canción pegadiza y provocativa interpretada junto a Mother Marygold, pero que pese al picante ingrediente extra, se queda en una curiosidad interesante en un segundo escalón respecto a los grandes temas de "I Can't Even Speak English", que cierra como comenzó, con las palabras de "Joy (Outro)" ("Nadie escribe una canción hablando de lo que estás haciendo en este momento, como si simplemente estuviera sentado al piano y dijera en la letra: Ahora voy a tocar otro acorde...") destacando la naturalidad de una banda que escribe hits con frescura, sencillez y naturalidad. Y en inglés, haciendo del título del disco otra pura contradicción, o una vuelta de tuerca más para un disco y un grupo tan brillantes como inclasificables. Llamadlo "art rock" si queréis, pero por favor no dejéis de escucharlo.

1289.- Diamonds & Rust - Joan Baez

Joan Baez fue una de las figuras fundamentales durante el movimiento de resurgimiento del folk de principios de los años 60 en los Estados Unidos, irrumpió en la escena nacional como resultado de su actuación en el Newport Folk Festival de 1959. Ayudó a presentar a Bob Dylan al mundo a través de la interpretación de muchas de sus canciones y actuó en Woodstock, hoy en día, también es conocida por su incansable activismo social. Ha recorrido constantemente el país en apoyo de los derechos civiles, sus convicciones contra la guerra y las cuestiones ambientales. Sus canciones de los años 60 giraban en torno a canciones folclóricas tradicionales, a medida que avanzaban los años 70, su sonido se volvió más elegante y pulido y lo que tenemos es una de las voces más puras de la música. Su voz angelical y clara de soprano siguió siendo un instrumento formidable. A mediados y finales de los años 70, publicó una serie de álbumes excelentes y muy estimados por publico y critica, los álbumes en vivo From Every Stage, Gulf Winds, Blowin' Away y Honest Lullaby tenían puntos fuertes, ya que fusionaban la música pop y la folk. Ninguno de estos lanzamientos sería tan bueno como el álbum de 1975 que los precedió. Diamonds & Rust no es solo el mejor álbum de su vasto catálogo, sino que sigue siendo uno de los mejores lanzamientos de sonido folk de la década, su belleza e intimidad hacen que sea un álbum que todavía escucho con cierta regularidad, un álbum profundo y convictivo. Fue un lanzamiento poco común en el que se tomó un descanso de su agenda política. Para entender a Joan Baez, cualquiera de sus primeros álbumes servirá. Para apreciar a Joan Baez, este es el lugar por donde empezar.

Joan Baez era principalmente una intérprete de composiciones de otros artistas, pero aquí dio un paso adelante y escribió ella misma cuatro de las canciones. La canción que da título al disco prácticamente vale el precio del álbum por sí sola. Gira en torno a una llamada telefónica de un antiguo amante que la lleva diez años atrás en el tiempo. Sus imágenes conmovedoras son tan claras que prácticamente puedo ver su aliento frío flotando en el aire, una obra maestra fácil, una oda cortante al amor contemporáneo. La canción fue escrita después de que Baez recibiera una llamada telefónica de Dylan que estaba trabajando en su propio e icónico álbum Blood on the Tracks y la llamó para leerle la letra de su composición "Lily, Rosemary and the Jack of Hearts" (que podría haber sido en parte sobre su relación con Baez). Siempre me pareció que a Baez le importaba más Dylan que a la inversa, y aunque ella era la artista más consolidada cuando se conocieron, él sin duda alcanzó un mayor prestigio en su carrera que el que ella alcanzó jamás. En cualquier caso, la llamada telefónica le devolvió un montón de recuerdos y sentimientos a Baez, que luego volcó en esta canción. "Diamonds & Rust" presenta una guitarra folk sencilla pero elegantemente elegida, una voz perfecta y algunas de las letras más personales y conmovedoras que Baez haya escrito jamás. Comienza con Baez recibiendo la llamada telefónica y sus recuerdos: "Mientras recuerdo tus ojos/eran más azules que los huevos de petirrojo/mi poesía era pésima, dijiste", y continúa: "hace diez años/te compré unos gemelos/me trajiste algo/los dos sabemos lo que pueden traer los recuerdos/traen diamantes y óxido". Claramente, no todos son recuerdos felices. Sigue acusando a Dylan de ser un experto en "mantener las cosas vagas" y concluye: "necesito algo de esa vaguedad ahora/todo ha vuelto con demasiada claridad/sí, te amé entrañablemente/y si me estás ofreciendo diamantes y óxido/ya he pagado".  A lo largo de los años, ha habido algunas buenas versiones de esta canción, por artistas que van desde Blackmore's Night hasta Judas Priest. Sin embargo, nunca ha habido una versión más apasionada o hermosa que esta original.

1288.- En el lago - Triana

En el Lago, Triana

     En los tiempos antiguos, cuando las sombras de la dictadura comenzaban a desvanecerse y el horizonte se teñía con los colores de la esperanza, surgió una melodía que se convertiría en leyenda. Era una época de transición en España, una tierra marcada por la lucha y el anhelo de libertad. En medio de este despertar cultural emergió una banda cuyos acordes resonarían como un eco eterno a través de las montañas y los valles de Andalucía. Esa banda era Triana, y su canción En el lago, se convertiría en el estandarte de una generación. La década de 1970 fue un período de convulsión y cambio. El régimen de Franco se tambaleaba, y el país entero suspiraba por un renacimiento. En esta encrucijada histórica, tres músicos se unieron para forjar una nueva senda en el ámbito musical. Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios "Tele" se encontraron en el crisol de la música andaluza, fusionando el rock progresivo con la esencia flamenca que corría por sus venas.

En Sevilla, donde las callejuelas y los patios guardaban secretos ancestrales, Triana comenzó a dar forma a su visión. Su primer álbum, El Patio, fue una declaración de intenciones, y en su corazón palpitaba En el lago. Esta canción no era simplemente un conjunto de notas y palabras; era un portal hacia un mundo de introspección y descubrimiento. En el lago se despliega como una epopeya de autodescubrimiento, y desde el primer susurro de la madrugada hasta el último rayo del sol, la canción guía al oyente a través de un viaje interior. Con las primeras palabras, la luz del amanecer se convierte en un símbolo de guía y esperanza: "Es ya madrugada, el sol nos guiará.". El sol, ese faro celestial, promete un nuevo comienzo. Las aguas del lago reflejan no solo la luz del día naciente, sino también los pensamientos y recuerdos que yacen en las profundidades del alma. El narrador, en busca de un refugio en su pasado, se sumerge en un mar de nostalgia: "Mi pensamiento viaja hasta el lugar donde nací, donde hay montañas, ríos y paz.". Cada verso es una pincelada en un lienzo de paisajes idílicos, donde las montañas y los ríos se alzan como guardianes de la memoria y la serenidad. En estos parajes, el narrador encuentra la paz que tanto anhela, una paz que contrasta con la incertidumbre del presente.

La música de En el lago es un tapiz tejido con hilos de rock progresivo y flamenco. Eduardo Rodríguez Rodway despliega sus arpegios de guitarra como un hechicero que invoca espíritus ancestrales. Jesús de la Rosa, con sus teclados, añade una capa de magia etérea, mientras la batería de "Tele" pulsa como el corazón de una bestia mitológica. La canción comienza con una calma que engaña, un arpegio de guitarra que invita a la meditación. A medida que los teclados se suman, la melodía adquiere una cualidad hipnótica, envolviendo al oyente en una bruma de ensoñación. La voz de Jesús de la Rosa, cargada de emoción y resonando con la autoridad de un bardo antiguo, narra la odisea con una mezcla de nostalgia y esperanza. El viaje sonoro es dinámico y cambiante, con pasajes instrumentales que evocan la travesía de un héroe a través de tierras desconocidas. Cada cambio de tempo y cada variación dinámica son como giros del destino, llevando al oyente a través de un laberinto de sensaciones y paisajes.

Triana, como argonautas del rock, navegaba en las corrientes del progresivo, influenciados por titanes como Pink Floyd, King Crimson o Genesis. Sin embargo, su genialidad residía en su capacidad para amalgamar estas influencias con la rica herencia flamenca de su tierra natal. En esta canción los elementos progresivos se entrelazan con el flamenco en una danza que trasciende el tiempo y el espacio para regalarnos una obra maestra atemporal.

1287 - Triana - Abre la puerta

1287 - Triana - Abre la puerta

La canción "Abre la puerta" de Triana es un icónico tema que forma parte del álbum "El patio", lanzado en 1975. Triana, una banda española pionera del rock andaluz, fusiona el rock progresivo con el flamenco, creando un sonido distintivo que ha dejado una huella indeleble en la música española.

Desde el primer acorde, "Abre la puerta" capta la atención con su introducción de guitarra acústica, que combina la técnica del rasgueo flamenco con acordes de rock, estableciendo el tono para lo que sigue. Jesús de la Rosa, el vocalista, entra con una voz cargada de emoción y profundidad, interpretando letras que evocan una mezcla de nostalgia y anhelo. La letra, poética y simbólica, invita a abrir la puerta a nuevas experiencias y a la introspección, sugiriendo una búsqueda de libertad y autodescubrimiento.

El estribillo, repetitivo y melódico, es uno de los elementos más memorables de la canción. "Abre la puerta niña, que el día va a comenzar", canta De la Rosa, utilizando una metáfora simple pero poderosa para transmitir la idea de un nuevo comienzo. La repetición de esta frase crea un efecto hipnótico, sumergiendo al oyente en un viaje emocional.

La instrumentación de "Abre la puerta" es rica y variada. Además de la guitarra, el uso del teclado y el sintetizador añade capas de sonido que realzan la atmósfera mística de la canción. Los arreglos instrumentales muestran la habilidad de la banda para mezclar influencias diversas, desde el rock psicodélico hasta las raíces flamencas. Los solos de guitarra eléctrica, acompañados de ritmos de batería precisos, crean un contraste dinámico con las secciones más suaves y melódicas.

Uno de los aspectos más destacables de esta canción es cómo Triana logra capturar la esencia de la Andalucía de los años 70. Las referencias culturales y el estilo musical reflejan una época de cambios y experimentación en España, marcando un período donde la música se convirtió en un medio para la expresión artística y social. "Abre la puerta" es un ejemplo perfecto de esta tendencia, con sus letras introspectivas y su fusión de géneros.

En términos de producción, "Abre la puerta" mantiene una calidad atemporal. La grabación, aunque característica de su época, sigue sonando fresca y relevante. La claridad de los instrumentos y la mezcla equilibrada permiten apreciar cada detalle, desde las complejas líneas de guitarra hasta los sutiles matices del teclado.

"Abre la puerta" de Triana es una canción emblemática que encapsula la esencia del rock andaluz. Con su fusión de flamenco y rock, letras poéticas y una ejecución magistral, ha logrado perdurar en el tiempo, convirtiéndose en un himno de libertad y exploración personal. Esta pieza no solo destaca dentro del repertorio de Triana, sino que también ocupa un lugar especial en la historia de la música española

Daniel 

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1286 - Bad Company - Feel like makin love

1286 - Bad Company - Feel like makin lo ve 

"Feel Like Makin' Love" es una de las canciones más icónicas de la banda británica de rock Bad Company, lanzada en su álbum de 1975, "Straight Shooter". Este tema es un claro ejemplo del estilo clásico del rock de los años 70, con su mezcla característica de riffs de guitarra potentes y letras románticas. La canción, escrita por Paul Rodgers y Mick Ralphs, ha dejado una marca perdurable en la historia del rock, gracias a su melodía pegajosa y su emotiva interpretación vocal.

Desde el inicio, "Feel Like Makin' Love" capta la atención del oyente con su distintivo riff de guitarra acústica, que establece un tono íntimo y relajado. Esta introducción suave es rápidamente seguida por la poderosa voz de Paul Rodgers, cuya interpretación vocal es uno de los elementos más destacados de la canción. La habilidad de Rodgers para transmitir emociones a través de su voz es evidente, ya que su interpretación oscila entre la suavidad y la intensidad, reflejando perfectamente las fluctuaciones emocionales de la letra.

La estructura de la canción es relativamente sencilla pero efectiva, alternando entre versos suaves y coros más enérgicos. Los versos están dominados por la guitarra acústica y la voz de Rodgers, creando una sensación de intimidad y cercanía. En contraste, los coros introducen guitarras eléctricas distorsionadas y un ritmo más contundente, dando a la canción un impulso energético que resuena con el tema de la pasión romántica.

Las letras de "Feel Like Makin' Love" son directas y sinceras, explorando el deseo y la conexión emocional en una relación. La repetición del estribillo "Feel like makin' love to you" es simple pero efectiva, capturando el anhelo y la intensidad del sentimiento que la canción pretende transmitir. Esta simplicidad lírica, combinada con la entrega apasionada de Rodgers, crea un impacto emocional que es difícil de ignorar.

La producción de la canción, a cargo de Bad Company junto a Ron Nevison, es otro aspecto que merece mención. La mezcla equilibrada entre los elementos acústicos y eléctricos, junto con la claridad de cada instrumento, permite que cada parte de la canción brille. Los solos de guitarra de Mick Ralphs son particularmente notables, añadiendo un nivel de virtuosismo que complementa perfectamente la voz de Rodgers.

"Feel Like Makin' Love" ha perdurado a lo largo de los años no solo por su calidad musical, sino también por su capacidad para evocar emociones genuinas. Es una canción que captura la esencia del rock clásico, con su combinación de letras emotivas, interpretación vocal apasionada y guitarras electrizantes. Bad Company logró con este tema una conexión duradera con su audiencia, convirtiéndola en una de las baladas de rock más queridas de todos los tiempos.

"Feel Like Makin' Love" es una joya del rock de los años 70 que destaca por su emotividad y su energía. La maestría de Bad Company en la composición y la ejecución de la canción la ha asegurado un lugar especial en el corazón de los amantes del rock, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes de su época.

Daniel 

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1285.- Shooting Star- Bad Company

 

Shooting Star, Bad Company

     El 28 de marzo de 1975 Paul Rodgers (vocalista, pianista), Mick Ralphs (guitarra, teclados), Boz Burrel (Bajo) y Simon Kirke (batería) publican Shooting Star, el segundo álbum de estudio de la banda inglesa Bad Company. Fue grabado durante el mes de septiembre de 1974 en el Castillo de Clearwell, en Gloucestershire, Inglaterra, bajo la producción de la propia banda, y publicado por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y por el sellos discográfico Swang Song Records para Estados Unidos. El álbum llegó a alcanzar el puesto número 3 tanto en las listas de ventas de Reino Unido como en las listas Billboard de Estados Unidos.

Incluido en este álbum se encuentra Shooting Star. Esta canción, escrita por Paul Rodgers, no fue lanzada como sencillo, pero se convirtió en una de las grandes canciones y en una pieza esencial en la obra del grupo. La letra de la canción se inspiró en las muertes relacionadas con el alcohol y las drogas de músicos como Jimi Hendrix o Janis Joplin entre otros. La letra de cuenta la historia de un niño llamado Johnny, que se convirtió en una estrella de rock pero murió después de una sobredosis de whisky y pastillas para dormir. Paul Rodgers y la banda son capaces de trsansmitir en la parte inicial de la canción un aire de nostalgia y esperanza. Las frases iniciales “Johnny was a schoolboy / When he heard his first Beatles song” (Johnny era un colegial / Cuando escuchó su primera canción de los Beatles) evocan la chispa inicial que enciende su pasión. Desde ese momento Johnny sabe que la música es su destino. La guitarra y la voz de Rodgers transmiten un sentido de urgencia y anhelo, reflejando la impaciencia juvenil de Johnny por alcanzar sus sueños. Con determinación inquebrantable, Johnny toma su guitarra y comienza su viaje. Las escenas de la canción pasan rápidamente, llevándonos desde los primeros días de práctica y pequeños conciertos locales hasta el momento en que Johnny y su banda firman un contrato discográfico. Aquí, el ritmo de la canción se vuelve más enérgico, reflejando el torbellino de éxito que rodea a Johnny. Pero la historia de Johnny no es solo de éxito. Como tantas historias de ascenso meteórico en el mundo del rock, la caída es inevitable. La letra de la canción comienza a insinuar problemas: la presión de la fama, la soledad del estrellato y la tentación de las drogas y el alcohol. Johnny, el joven soñador que quería compartir su música con el mundo, empieza a perderse en el caos de la fama. La música cambia de tono en la parte final, los acordes se vuelven más sombríos y la voz de Rodgers más grave. La línea “Johnny died one night, died in his bed” (Johnny murió una noche, murió en su cama) golpea con fuerza, señalando el trágico final del protagonista. La estrella fugaz, que brillaba tan intensamente, se ha apagado, y la canción nos deja con una sensación de pérdida y reflexión.

Shooting Star es todo un alegato sobre la naturaleza efímera de la fama y el precio que a menudo exige. La historia de Johnny es un espejo de las vidas de muchos músicos reales que han recorrido caminos similares, desde Jimi Hendrix hasta Janis Joplin, cuyas vidas fueron truncadas en el apogeo de su éxito. Rodgers afirmaba sobre esta canción: "En esa época en particular, estaban Jimi Hendrix, Janis Joplin... un catálogo de personas que no lo lograron, que sufrieron una sobredosis en sus camas... ese fue el germen de esta canción. Es una historia y es casi una advertencia".

1284.- On The Hunt Lynyrd Skynyrd

On The Hunt, Lynyrd Skynyrd

     Nuthin' Fancy es el tercer álbum de estudio de la banda de rock sureña Lynyrd Skynyrd. Fue grabado en enero de 1975 (Excepto la canción Saturday Night Special, grabada en agosto de 1974) en los WEBB IV Studios de Atlanta, bajo la producción de Al Kooper, y publicado el 25 de marzo de 1975 por el sello discográfico MCA Records. Este fue el primer trabajo del grupo que llegó al top 10 de las listas de ventas de Estado Unidos. También fue el primer disco grabado con el nuevo baterista Artimus Pyle. El guitarrista Ed King dejaría la banda a finales de mayo de 1975, en medio de la gira "Torture Tour".

Para la grabación del disco, exceptuando la citada Saturday Night Special, el grupo invirtió un total de 21 días consecutivos repartidos en 259 horas de grabación. Así nacía Nuthi'n Fancy, que viene a decir algo así como "Sin Adornos" o "Nada caprichoso". El disco fue mejor recibido por los seguidores del grupo mejor que sus dos anteriores trabajos, y los miembros de Billboard calificaron este trabajo como "El trabajo con más esfuerzo hecho en su conjunto hasta el momento". Sin embargo esta fulgurante entrada del álbum se debilitó en poco tiempo y el disco cayó en el olvido, al igual que su imponente y fructífero single "Saturday Night Special". 

Incluido en este álbum se encuentra la abrasadora y arrolladora On The Hunt, compuesta por Allen Collins y Ronnie Van Zant. Es una canción que nos describe el deseo salvaje e imprudente de un hombre por una mujer que siempre está en su mente. Estamos ante un tema lleno de fuerza, el cual salió de los ensayos que la banda solía realizar en su cabaña. Surgió a raíz de una idea de Allen Collins, y el tema se inspiró en la canción The Hunter del grupo Free, al cual Ronnie Van Zant se refiere en uno de sus comentarios durante el abrasador solo de guitarra. En los cinco últimos años la banda se había hecho inseparable y Ronnie había cogido el hábito de escribir sobre sus miembros y sobre las cosas que les pasaban, como es el caso de esta canción, una sincera descripción de lo que a veces les pasaba a los miembros del grupo cuando se les acercaban las groupies en busca de algún que otro autógrafo.

1283.- Rock and Roll All Nite - Kiss

"Rock and Roll All Nite" es la canción que cierra el disco "Dressed to Kill" (1975) de la popular banda de hard rock estadounidense Kiss. Desde su inclusión en el álbum y su publicación como sencillo de lanzamiento, se convirtió al instante en una de las canciones más icónicas del grupo formado por Paul Stanley (voz y guitarra rítmica), Gene Simmons (bajo), Ace Frehley (guitarra solista) y Peter Criss (batería).

Poco más de tres minutos de duración es lo que necesitaron los chicos de Kiss para facturar uno de los grandes himnos de heavy rock de todos los tiempos. La banda no es ajena a la relevancia de este tema sobre el resto de su ya amplia y variada discografía, y lo demuestra el hecho de que "Rock and Roll All Nite" sigue siendo la canción con la que normalmente cierran sus conciertos desde 1975.

"Rock and Roll All Nite" salvó los muebles del disco "Dressed to Kill" y de la discográfica Casablanca, al ser el único de los dos singles del álbum que logró repercusión en las listas de ventas y en las emisoras de radio estadounidenses, todo un mérito para una canción y un disco grabados en unas paupérrimas condiciones económicas, que provocaron que la producción del disco fuera firmada por el grupo y por Neil Bogart, presidente del sello discográfico, ante la imposibilidad de recurrir a productores profesionales.

1282 - Lynyrd Skynyrd - Saturday Night Special

1283 - Lynyrd Skynyrd - Saturday Night Special

"Saturday Night Special" es una canción de la banda estadounidense Lynyrd Skynyrd, incluida en su álbum "Nuthin' Fancy" de 1975. Este tema es una de las piezas más emblemáticas del grupo, no solo por su sonido característico del rock sureño, sino también por su contenido lírico que aborda de manera directa y crítica el tema del control de armas en Estados Unidos.

Musicalmente, "Saturday Night Special" presenta todos los elementos distintivos de Lynyrd Skynyrd. La canción inicia con un potente riff de guitarra eléctrica, cortesía de los guitarristas Gary Rossington y Allen Collins. La combinación de sus estilos crea una atmósfera llena de energía y agresividad, complementada por la voz áspera y apasionada de Ronnie Van Zant. El ritmo es marcado y constante, impulsado por la batería de Artimus Pyle y el bajo de Leon Wilkeson, que brindan una base sólida y rítmica que sostiene toda la pieza. Los solos de guitarra, característicos del género, son ejecutados con precisión y emoción, añadiendo capas de complejidad y dinamismo a la composición.

La letra de "Saturday Night Special" es un claro ejemplo de la habilidad de Van Zant para escribir canciones que combinan narrativas personales con comentarios sociales. Desde el inicio, la letra denuncia la violencia armada y el fácil acceso a armas de fuego. Van Zant describe una "Saturday Night Special", término que se refiere a una pistola barata y de fácil adquisición, como un peligroso objeto que solo trae muerte y problemas. A lo largo de la canción, se presentan varias historias de violencia y tragedia, subrayando la necesidad de un mayor control y regulación de armas.

Uno de los aspectos más notables de la canción es su valentía para abordar un tema tan polémico, especialmente considerando el contexto y la audiencia de la banda en el sur de Estados Unidos, donde el derecho a portar armas es un tema culturalmente sensible y arraigado. Lynyrd Skynyrd, conocidos por su orgullo sureño, no rehuyen la crítica y utilizan su plataforma para cuestionar y reflexionar sobre un problema social grave.

El coro, repetitivo y pegajoso, refuerza el mensaje central de la canción: "Hand guns are made for killin', ain't no good for nothin' else." Esta frase, directa y sin ambigüedades, encapsula la postura de la banda sobre el tema, dejando claro que las armas de fuego no tienen cabida en una sociedad que busca la paz y la seguridad.

"Saturday Night Special" sigue siendo relevante hoy en día, ya que el debate sobre el control de armas continúa en la sociedad estadounidense. La canción se ha mantenido como un poderoso recordatorio del impacto de las armas en la vida diaria y como un ejemplo de cómo la música puede ser una fuerza para el cambio social. Lynyrd Skynyrd, a través de su habilidad musical y su valentía lírica, lograron crear una obra que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión y al diálogo sobre temas cruciales.

Daniel 

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Disco de la semana 385: Holy Diver - Dio

 

Holy Diver, Dio

     En la recomendación de esta semana nos vamos a detener en el álbum debut de uno de los grandes del metal, Ronnie James Dio, con su banda Dio. El álbum: Holy Diver. Dicho trabajo fue grabado en los Sound City Studios de California, bajo la producción del líder del grupo, Ronnie James Dio, y publicado el 25 de mayo de 1983 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Este primer disco de la banda está considerado como el mejor trabajo del grupo y uno de los clásicos y referentes del heavy metal. El disco fue aclamado por toda la crítica especializada, llegando a alcanzar la certificación de oro en Estados Unidos en septiembre de 1984 y la de platino en marzo de 1989. En Reino Unido tampoco le fue nada mal, alcanzando la certificación de plata en enero de 1986, al mismo tiempo que su siguiente álbum, The Last In Line.

El lanzamiento original en vinilo tenía una carátula de LP con un fotomontaje con imágenes del genial cantante Dio en sus días con Rainbow y Black Sabbath. La portada del álbum fue ilustrada por Randy Berret. En ella se veía a Murray, la mascota de la banda, una criatura demoníaca, tirando o azotando una cadena de metal rota, y un hombre con atuendo de sacerdote católico agitándose y chapoteando en el agua, envuelto y encadenado al otro extremo de la cadena rota. Sobre esta portada, Dio afirmaba que las apariencias podían engañar, ya que fácilmente podría tratarse de un sacerdote matando a un demonio. Con esto Dio quería decir que no había que juzgar un libro por su portada. La mascota Murray seguiría apareciendo en posteriores trabajos del grupo.

En la época en que se hizo el disco había crecido el interés y popularidad por las aventuras heroicas de la cultura popular, tales como El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y los juegos de rol de Dungeons & Dragons. Durante su estancia de Black Sabbath, Ronnie James Dio había renovado y reformado la majestuosa fatalidad de los temas del grupo introduciendo conceptos como la locura y la desolación. La admiración de Dio por esta temática ya la había dejado patente en su banda ELF, donde había utilizado letras de fantasía inspirado por la obra literaria del escritor Sir Walter Scott. Sobre esto Dio llegó a afirmar en su juventud: "Cuando me convertí en compositor, pensé que no había mejor cosa que hacer algo que nadie más había hecho... contar cuentos de fantasía. Fue lo más inteligente que hice en mi vida". 

En cuanto al sonido de Holy Diver, presenta el característico sonido heavy metal con unas letras que abordan temas como el bien, el mal y la dualidad de la vida. Estamos ante un trabajo con una gran calidad y consistencia gracias a la suma de un excelente compositor y mejor cantante como Ronnie James Dio, y una selección de músicos de calidad. el baterista Vinny Appice, el bajista Jimmy Bain y el guitarrista Vivian Campbell. Comienza la cara A de este gran trabajo con Stand Up and Shout, una canción enérgica que abre el álbum con una gran fuerza y un vertiginoso ritmo. Le sigue la canción que titula el álbum, Holy Diver, uno de los grandes temas del álbum. En apariencia, la canción rata sobre Satanás y su descenso al infierno, sin embargo Dio advertía que hay mucho más y que el personaje principal no es realmente el Diablo, afirmando: "La canción trata realmente sobre una figura de Cristo, que en otro lugar, no en la Tierra, ha hecho exactamente lo mismo, que aparentemente hemos experimentado o se suponía que habíamos experimentado en la Tierra: morir por los pecados del hombre... entonces, en este otro planeta pasó lo mismo, y toda la gente de este planeta lo está llamando Santo Buceador porque está a punto de ir a otro mundo haciéndose matar para absolver a la gente de sus pecados". Continúa con Gypsy, una melódica balada donde Dio nos cuenta el relato de una misteriosa y mágica gitana. Caught in the Middle trata sobre el ingeniero de sonido Angelo Arcuri. Angelo era el ingeniero que trabajaba en el álbum Holy Diver, y a menudo solía recurrir a Dio cuando se le presentaba algún problema. A Dio se le ocurrió la canción una vez que Angelo se acercó durante uno de esos problemas que le surgían y le dijo que estaba "Atrapado en el medio de nuevo". La maravillosa Don't Talk to Strangers se encarga de cerrar la primera cara del álbum. Estamos, para mí, ante una de las grandes joyas del álbum, una balada con un tono oscuro donde Dio nos advierte de los peligros de confiar en extraños.

La cara B comienza con Straight Through the Heart, una rápida y agresiva canción con unos destacables solos de Campbell, que sirven de transición para Invisible, una canción que trata sobre uno mismo y de como lidiar con el trauma. la canción presenta a dos personajes antes de pasar a la primera persona y explicar los desafíos que el narrador ha atravesado en su viaje personal. Dio explicó que la canción trataba sobre tres personajes diferentes, y lo relataba así: "Un joven gay, una chica maltratada y yo. Quería escribirla desde el punto de vista de alguien que había sido herido psicológicamente, y eso fue lo que pasó en el caso del chico gay y la chica joven, siempre siendo maltratados, pateados y empujados por no ser lo que la gente espera que sean. Me incluí a mí mismo en la última parte porque he pasado toda mi vida en el escenario y he tenido muchos traumas. Sentí que merecía ser incluido en eso por lo que la mayoría de los músicos han tenido que pasar en sus vidas". Rainbow in the Dark es otro gran tema, una de las más populares de la banda. y es una gran metáfora sobre la depresión. En esta canción Dio se siente aislado y atrapado, incapaz de liberar el tremendo potencial que lleva dentro, como un arco iris en la oscuridad. Dio llegó a mencionar su etapa en Black Sabbath como inspiración para la letra; se sintió "sólo y rechazado" cuando dejó la banda. Luego formaría Dio junto al baterista Appice en 1983. Y cierra este brillante álbum Shame on the Night, una oscura y poderosa canción que nos habla sobre la redención.

Holy Diver es uno de los mejores álbumes de heavy metal que se hicieron en la década de los 80, siendo además uno de los puntos culminantes en la carrera de Ronnie James Dio. Rápidas e intensas guitarras de Vivian Campbell, el contundente y seguro sonido de la sección rítmica compuesta por el bajo de Jimmy Bain y la batería de Vinnie Appice, junto con la voz y las letras del maestro Ronnie James Dio se juntan y encastran a la perfección para reglarnos un momento épico y mágico.

1281.- C'mon and Love Me - Kiss

C'mon and Love Me, Kiss

Dressed to Kill es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado en febrero de 1975 en los Electric Lady Studios de Nueva York bajo la producción del propio grupo y de Neil Bogart, presidente de Casablanca Records, y publicado el 19 de marzo de 1975 por dicha compañía discográfica. El hecho de que el álbum fuera producido por la propia banda y por Neil Bogart fue porque, debido a la situación financiera de la compañía, Casablanca Records, no podían permitirse la contratación de un productor profesional.

Debido a la corta duración del álbum, las versiones originales del vinilo tenían largas pausas entre cada pista para hacer las caras más largas de lo que eran realmente. Cada cara duraba únicamente unos 15 minutos. La portada del álbum presentaba a los miembros en traje de negocios, pero el único que realmente tenía uno era el baterista Peter Criss. Los trajes usados por el resto de la banda eran propiedad del mánager Bill Aucoin. El álbum llegó a alcanzar el puesto 32 en la lista estadounidense Billboard 200, consiguiedo la certificación de disco de Oro en febrero de 1977. Fueron lanzados dos singles, Rock and Roll All Nite, y C'mon and Love, pero no consiguieron asentarse en las listas de ventas.

Nos vamos a centrar en uno de los dos temas mencionados anteriormente, C'mon and Love, que fue escrito en apenas una hora por Paul Stanley inspirándose e la canción "Question" del grupo The Moody Blues. La letra de la canción es una divertida narración que retrata a un "Don Juan" que adopta la singular táctica de ofrecerse a una romántica mujer. Esta divertida canción es un gran ejemplo de la combinación de rock y pop que utilizaba el grupo junto con unas letras sexualmente sugerentes.

La canción se convirtió en una de las favoritas de los fans y es habitual que sea tocada en sus directos. Paul Stanley afirmaba sobre la canción:  "Me encanta 'C'mon and Love Me'. Estaba hablando con alguien sobre cómo ser un mejor compositor, pero también puedes perder la esencia y la pureza de lo que te hizo al principio porque lo que hiciste desde el principio se basó en la libre asociación, simplemente purgándote y vendrían cosas geniales. 'C'mon 'N Love Me' fue escrito así. Fue muy autobiográfico y en gran medida un punto de vista del estilo de vida que estaba viviendo, pero no fue un estudio calculado. Realmente me gustó, todavía me gusta, el verso, el estribillo, todo. Esa es la primera vez que tocaba la guitarra solista en una canción de Kiss, ¡ese soy yo quien toca el papel principal al principio!".

1280.- That's the Way of the World - Earth, Wind & Fire

"That's the Way of the World" es la canción que da título al sexto disco de estudio de la banda estadounidense de soul y funk Earth, Wind & Fire, publicado en marzo de 1975 por la discográfica Columbia Records, y la banda sonora de la película "That's the Way of the World" estrenada ese mismo año.

El álbum llegó al primer puesto de la lista de Top Soul Albums y del Billboard 200 estadounidense, permaneciendo en lo más alto de estas listas durante 5 y 3 semanas, respectivamente, en buena parte gracias al éxito de la canción que le daba título, que publicada como single llegó al quinto puesto del Billboard Hot Soul Singles chart y al 12 del Hot 100 chart.

"That's the Way of the World" fue producida por Maurice White, líder de Earth, Wind & Fire, y escrita por él mismo junto a Charles Stepney y Verdine White. Elegante y sofisticada canción soul de casi seis minutos, este irresistible tema juega con ritmos cercanos a la bossa nova, suaves teclados y agradables guitarras rítmicas de estilo funk, consiguiendo una mezcla tan intensa como majestuosa, que mostró a muchos músicos posteriores el camino que el mundo de la música soul y funk debía seguir.

1279 - Invisible - Durazno Sangrando

1279 - Invisible - Durazno Sangrando

"Durazno Sangrando" es una canción del grupo de rock argentino Invisible, integrada por Luis Alberto Spinetta, Pomo Lorenzo y Machi Rufino. Esta pieza forma parte del álbum homónimo lanzado en 1975 y es una obra que ha dejado una marca significativa en la música argentina.

Luis Alberto Spinetta, líder de la banda, eligió esta canción para su interpretación en el famoso concierto Estrelicia MTV Unplugged en 1997. Durante este evento, Spinetta fue acompañado por los Socios del Desierto y otros músicos invitados, lo que permitió una reimaginación de la pieza original con nuevos arreglos y una frescura que solo una presentación en vivo puede ofrecer.

La canción "Durazno Sangrando" está profundamente inspirada por "El secreto de la flor de oro", un antiguo libro taoísta sobre meditación. Esta obra, traducida al alemán por Richard Wilhelm y enriquecida por el psicólogo Carl Jung, tuvo un impacto notable en Spinetta. Su interés por las filosofías y espiritualidades no occidentales le permitió escapar del eurocentrismo, agregando capas de significado y profundidad a su música.

A principios de 1976, Spinetta dedicó uno de sus conciertos a los "marginados y alienados del mundo", reflejando su sensibilidad hacia las realidades sociales y su deseo de conectar con aquellos que se sienten excluidos. Este gesto muestra su compromiso no solo con la música, sino también con las causas sociales y humanas.

Visualmente, el álbum "Durazno Sangrando" presenta una portada intrigante y simbólica. Spinetta describe que la imagen buscaba representar un rostro de manera abstracta, lo que resultó en una interpretación ambigua entre una brasa y un carozo. La contratapa es aún más evocadora, mostrando su brazo con un espejo y sangre azul, lo cual agrega una capa de misterio y poesía visual a la obra.

"Durazno Sangrando" es una canción que trasciende su época, fusionando música, filosofía y crítica social en una obra maestra que sigue resonando con fuerza en la cultura musical argentina. La profundidad de sus influencias y la dedicación de Spinetta a temas trascendentales hacen de esta canción un testimonio perdurable de su genio artístico.

Daniel 

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1278.- Only Women Bleed - Alice Cooper

 

El plato fuerte del álbum de debut en solitario de Alice Cooper "Welcome to My Nightmare" (1975), además del teatral rock de la canción que le daba título, fue sin duda la balada "Only Women Bleed", una canción que el guitarrista Dick Wagner había compuesto originalmente para su banda The Frost, pero que tras cambiarle el nombre y adaptar los textos originales al concepto del disco, acabó siendo el single de lanzamiento de "Welcome to my nightmare", el gran esfuerzo creativo de Alice Cooper por mostrarse al mundo desde el otro lado del espectro del terror, reflejando los miedos y sentimientos de los que sufren las pesadillas en lugar de los monstruos que las causan.

En "Welcome to my nightmare" el antaño depravado y necrófago sacrificador de pollos y serpientes se transforma en un alter ego infantil que vive aterrorizado por una extraña incapacidad para separar la realidad de las espeluznantes pesadillas que le abordan cada noche. Una de esas pesadillas recurrentes se refleja en la letra de "Only Women Bleed", criticada en su momento por frases consideradas machistas, obviando que lo que se estaba retratando en la canción era precisamente una pesadilla.

"Only Women Bleed" es en realidad una defensa de la mujer absolutamente pionera para los tiempos en los que fue creada, y la triste historia de una mujer que sufre y llora, atrapada en una relación violenta y abusiva, vista a través de los ojos del niño protagonista, se convirtió en la más icónica y a la vez polémica de las canciones de "Welcome to my nightmare". Como curiosidad, es la canción que Guns and Roses interpreta en todos sus conciertos como breve introducción a su mítica versión eléctrica y coral del "Knockin' on heaven's door" de Bob Dylan.

Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy - Elton John

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" de Elton John

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", lanzado en mayo de 1975, es una obra maestra autobiográfica que captura la esencia de Elton John y Bernie Taupin en su apogeo artístico. Este álbum, el noveno de la prolífica carrera de Elton John, no solo consolidó su estatus como uno de los músicos más influyentes de la década de 1970, sino que también ofreció una introspección profunda y sincera en la vida y la relación creativa del dúo.

El álbum se distingue por ser una narrativa cohesionada que relata el ascenso de Elton John (Captain Fantastic) y Bernie Taupin (the Brown Dirt Cowboy) desde sus humildes comienzos hasta alcanzar el estrellato. A diferencia de muchos álbumes conceptuales de la época, que a menudo se centraban en la ciencia ficción o en narrativas ficticias, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" es profundamente personal. Cada canción está impregnada de las luchas, los triunfos y las emociones reales del dúo, haciendo que el álbum sea tan íntimo como grandioso.

El álbum abre con la canción homónima, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", una pieza que establece el tono autobiográfico desde el principio. La letra de Taupin es un homenaje a su amistad con Elton John, narrando cómo trabajaron juntos en sus primeros años, enfrentando el rechazo y la incertidumbre. La música de Elton John, con su característico piano, captura la mezcla de nostalgia y esperanza.

"Tower of Babel" sigue con una crítica al sistema de la industria musical y las trampas del éxito. Esta canción presenta una de las actuaciones vocales más apasionadas de John, acompañada por una instrumentación rica y compleja. La frustración y el desencanto son palpables, mostrando una faceta más oscura del camino hacia la fama.

"Bitter Fingers" ofrece una mirada irónica a la vida de los compositores, destacando la presión de crear éxitos comerciales y la explotación por parte de las discográficas. La letra mordaz de Taupin y la interpretación melódica de Elton John se complementan perfectamente, creando una pieza que es tanto un comentario social como una declaración personal.

Uno de los puntos culminantes del álbum es "Someone Saved My Life Tonight". Esta canción es una confesión cruda y emocional sobre el intento de suicidio de Elton John y cómo un amigo intervino para salvarlo. La honestidad en la letra de Taupin y la desgarradora interpretación de John hacen de esta canción una de las más poderosas y emotivas de su carrera. La línea "Someone saved my life tonight, sugar bear" se convierte en un estribillo catártico que resuena profundamente con los oyentes.

En contraste, "Meal Ticket" ofrece una visión más cínica de la fama y la fortuna. La canción explora las dificultades de mantener la autenticidad en una industria que a menudo valora más el éxito comercial que el arte verdadero. La energía frenética de la música refleja la tensión y el conflicto descritos en la letra.

La producción del álbum estuvo a cargo de Gus Dudgeon, quien trabajó con John en muchos de sus álbumes anteriores. La producción es rica y detallada, con una instrumentación que incluye guitarras, pianos, cuerdas y percusiones, todo en perfecta armonía. Cada canción está meticulosamente arreglada, permitiendo que la voz y el piano de John brillen mientras se complementan con la letra de Taupin.

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" fue un éxito comercial inmediato, debutando en el número uno de la lista Billboard 200, una hazaña sin precedentes en ese momento. La crítica también fue en gran medida positiva, elogiando tanto la honestidad del álbum como su complejidad musical. Los críticos destacaron la capacidad de John para combinar elementos pop y rock con letras introspectivas y profundas, creando una obra que es tanto accesible como artística.

Con los años, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" ha sido reconocido no solo como uno de los mejores álbumes de Elton John, sino también como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos. Su influencia se puede ver en la forma en que los artistas contemporáneos abordan la autobiografía y la narrativa en sus trabajos. La honestidad y la vulnerabilidad demostradas por John y Taupin han resonado con generaciones de músicos y fanáticos.

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" es más que un álbum; es un viaje emocional y personal que captura la esencia de dos artistas en su lucha por el éxito y la identidad. Es una celebración de la amistad, la creatividad y la resiliencia, y sigue siendo un testimonio perdurable del talento y la visión de Elton John y Bernie Taupin.

Daniel 

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1277.- Welcome to my Nightmare - Alice Cooper

No sabemos si la separación de The Alice Cooper Band en 1974 fue una pesadilla para el propio Alice Cooper, pero parece claro que el otrora líder de la banda tenía mucho material onírico con el que jugar, porque su álbum de debut en solitario "Welcome to My Nightmare" ("Bienvenido a mi pesadilla"), publicado en 1975, fue toda una obra conceptual en torno a las diferentes pesadillas de un niño llamado Steven, que además vino acompañado de un programa de TV ("Alice Cooper: The Nightmare TV Special"), un tour a escala mundial y una película sobre la gira ("Welcome to My Nightmare concert film").

Alice Cooper quiso que la música de "Welcome to My Nightmare" tuviera, además de las habituales dosis de rock y hard rock, un mayor nivel de teatralidad que los discos de corte glam rock que había facturado con The Alice Cooper Band, y eso queda especialmente reflejado en la canción titular, un clásico del sonido Cooper al que le añade el toque teatralizado que tan bien caracterizará al álbum, en un gran esfuerzo creativo por hacer un disco diferente al tipo de música que le había hecho grande con The Alice Cooper Band.

El tiempo ha posicionado "Welcome to My Nightmare" como uno de sus mejores temas en solitario, y la espectacular gira promocional del disco es de las más recordadas de su carrera, aunque tuvo que superar momentos difíciles en los que la pesadilla a punto estuvo de volverse en su contra. A su paso por Australia, el ministro de Inmigración y Trabajo dijo que "No iba a permitir que un degenerado que pudiera influir poderosamente en los jóvenes y débiles mentales entrara en el país y montara ese tipo de exhibición". La respuesta de Alice Cooper, defendiendo la valía y la importancia de esta obra musical, visual y conceptual, fue simplemente brillante: "Nunca he hecho nada tan sangriento como El rey Lear o Macbeth, y eso se considera lectura obligatoria en todas las escuelas secundarias de Estados Unidos".

1276.- Take It To The Limit - Eagles

Randy Meisner escribió varias canciones para Eagles, pero "Take It To The Limit" es posiblemente su mejor trabajo, la nota alta de Meisner al final de la canción nunca deja de impresionar por muchas veces que escuches la canción, sin embargo, esta canción no fue sólo una exitosa coescritura para Meisner, sino que también causó discordia dentro de la banda. Un músico de gira lleva la vida al límite. Semanas y meses interminables viajando, actuaciones potentes cada noche y sueño limitado no son un ciclo que cualquiera pueda superar. Esa es la responsabilidad detrás de "Take It To The Limit" que se convirtió en el primer sencillo de Eagles en el que no aparecían Frey ni Henley como cantantes principales. Desafortunadamente, también se convirtió en el único en el que aparecía Meisner.

Hasta cierto punto, la canción fue víctima de su propio éxito: "Take It to the Limit" se convirtió en una de las canciones favoritas de los conciertos, y los fans se entusiasmaban con la voz imponente de Meisner, pero la relación de Meisner con la canción estaba cambiando y había comenzado a temer el momento en que se suponía que él debía brillar y ser protagonista. "Siempre fui un poco tímido", dijo Meisner más tarde a la revista Rolling Stone. "Querían que me parara en el medio del escenario para cantar 'Take It to the Limit', pero a mí me gustaba estar fuera del foco de atención". Todo llegó a un punto crítico en junio de 1977, cuando Eagles llegaron a Knoxville, Tennessee, Meisner estaba enfermo y se negó a cantar su canción. Eso llevó a una confrontación airada con Frey. "Hemos estado fuera durante un total de 11 meses y todo el mundo empezaba a sentir la tensión", le dijo Meisner al biógrafo Marc Eliot. "Mi úlcera estaba empezando a empeorar y también tuve un caso grave de gripe. Aun así, todos sonamos muy bien en el escenario, al público le encantó el espectáculo y nos llamaron para otro bis. "De ninguna manera", dije, “estaba demasiado enfermo y en general harto. Decidí que no volvería a salir". Según los partes Frey llamó a Meisner "maricón" y Meisner le golpeo, el daño ya estaba hecho. "Cuando terminó la gira, dejé la banda", dijo Meisner. "Esos últimos días en la carretera fueron los peores. Nadie hablaba conmigo ni se quedaba conmigo después de los conciertos ni hacía nada. Me convertí en un paria de la banda que había ayudado a fundar".

La canción “Take it To The Limit” comenzó como una canción simple, Randy Meisner comenzó a escribir la melodía como de costumbre, escribiendo algunas líneas después de una actuación de Eagles en el Troubadour. Luego, Glenn Frey y Don Henley se unieron al proceso de colaboración. "Yo escribía una o dos estrofas y listo", dijo Meisner en el documental The History of the Eagles, "y ellos me ayudaban a completar los espacios en blanco. "El verso llévalo al límite era para seguir intentándolo antes de llegar a un punto en tu vida en el que sientes que ya lo has hecho todo y lo has visto todo, una especie de sentimiento, ya sabes, parte de envejecer", dijo Meisner "Y simplemente llevarlo al límite una vez más, como todos los días, simplemente seguir intentándolo... Ese era el verso, y a partir de ahí la canción tomó un rumbo diferente". Las líneas más conmovedoras de la canción se encuentran al final de las estrofas: “Los sueños que he visto últimamente, siguen girando y ardiendo, y girando igual” y “Cuando no hay nada en lo que creer, aun así, regresas, regresas corriendo, regresas por más…” Estas frases por sí solas simbolizan gran parte de la vida de muchas personas. Corremos y corremos y aun así no podemos encontrar lo que buscamos

1275 - Roberta Flack - Feel Like Makin' Love

1276 - Roberta Flack - Feel Like Makin' Love

"Feel Like Makin' Love" es una de las composiciones de Roberta Flack, lanzada en 1974. Este tema no solo solidificó la reputación de Roberta Flack como una de las voces más distintivas del soul y el R&B, sino que también capturó de manera sublime la esencia del amor y la intimidad.

Desde la primera nota, la canción se caracteriza por una introducción suave y relajada, con un ritmo lento y una instrumentación minimalista. Este enfoque permite que la voz de Roberta Flack sea la protagonista indiscutible, destacando su habilidad para transmitir emoción y sensibilidad. La calidad aterciopelada de su voz, acompañada de susurros delicados, crea una atmósfera íntima que sumerge al oyente en un estado de serenidad y contemplación.

Las letras de "Feel Like Makin' Love" son un ejemplo perfecto de cómo expresar deseo y conexión emocional sin recurrir a lo explícito. Frases como "Strollin' in the park, watchin' winter turn to spring" evocan imágenes de momentos compartidos que son tanto simples como profundamente significativos. La canción no se centra en detalles gráficos, sino en la sensación de estar enamorado, utilizando metáforas naturales para sugerir renovación y esperanza.

La producción de Arif Mardin juega un papel crucial en la creación de esta atmósfera. Los arreglos instrumentales, que incluyen cuerdas sutiles y una línea de bajo suave, complementan la voz de Roberta Flack sin eclipsarla. Cada elemento instrumental está cuidadosamente colocado para reforzar el tono romántico y cálido de la canción, creando un paisaje sonoro que envuelve al oyente.

En el contexto de los años setenta, "Feel Like Makin' Love" se alinea con el resurgimiento del soul y el R&B, géneros que enfatizaban la expresión emocional y la destreza vocal. Sin embargo, la canción también trasciende su época, convirtiéndose en un clásico atemporal. Su capacidad para resonar emocionalmente con el público de diferentes generaciones es un testimonio de su calidad y la destreza artística de Roberta Flack.

El legado de esta canción es evidente en las numerosas versiones e interpretaciones que ha inspirado a lo largo de los años. La manera en que Roberta Flack conecta emocionalmente con su audiencia, combinada con su impecable técnica vocal, asegura que "Feel Like Makin' Love" permanezca como una piedra angular en el repertorio del soul y el R&B. La canción no solo destaca por su belleza melódica y lírica, sino también por su capacidad para capturar y expresar la experiencia humana de una manera profundamente conmovedora.

"Feel Like Makin' Love" es más que una simple canción; es una experiencia auditiva que refleja la maestría de Roberta Flack en la interpretación vocal y la narración emocional. Es una pieza que continúa inspirando y conmoviendo, demostrando que el verdadero arte es aquel que permanece relevante y poderoso a través del tiempo.

Daniel 

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