



0721 - Eric Clapton - Let it rain
Let It Rain es una canción y un single que fue escrito y lanzado por el músico de rock británico Eric Clapton y Bonnie Bramlett; aparece en su álbum de estudio debut de 1970, Eric Clapton. En 1972 fue lanzado como single como parte de la promoción de su álbum recopilatorio Eric Clapton at His Best.
La canción fue lanzada con la cara B de "Easy Now" en 1972 en un disco de gramófono de vinilo de 7". Además de ser lanzada como sencillo en 1972 y en el álbum original en 1970, la canción aparece en varias recopilaciones álbumes, incluidos Eric Clapton at His Best (1972), Backtrackin' (1984), Crossroads (1988), The Cream of Clapton (1995) y Complete Clapton (2007). Se puede encontrar una interpretación en vivo de la pista en el álbum de video Live at Montreux 1986, lanzado el 19 de septiembre de 2006. En total, la pista ha sido lanzada en más de 15 álbumes. Las versiones de conciertos en vivo de Derek & the Dominoes se incluyen en sus álbumes In Concert ( 1973) y Vive en el Fillmore (1994).
En su reseña del álbum debut de Eric Clapton, al crítico de AllMusic Stephen Thomas Erlewine le gusta que el título "presente solos extendidos". También señala que la canción consiste en un "elemento pop". El compañero crítico Greenwald recuerda la pieza como "uno de los primeros clásicos escritos por Eric Clapton" y continúa diciendo que la canción "mostraba la influencia que Delaney Bramlett" tenía en Clapton en ese momento. Robert Christgau encuentra en la reseña de su álbum que "Let It Rain" merece un "estado de clásico". Billboard la describió como una "balada de ritmo fuerte".
Daniel
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After Midnight, Eric Clapton |
Tras su exitoso paso por bandas como The Yardbirds, John Mayall & The bluesbreakers, Cream y Blind Faith, Eric Clapton decide grabar su primer álbum en solitario. El título del disco llevará el nombre del artista, Eric Clapton, y es grabado entre noviembre de 1969 y marzo de 1970 entre los Olympic y Island estudios de Londres, y Village Recorder de Los Ángeles, bajo la producción de Delaney Bramlett, y publicado el 12 de agosto de 1970 por la compañía discográfica Atco Records.
La portada del álbum es una fotografía de Barry Feinstein, reputado fotógrafo y cineasta estadounidense, conocido por sus fotografías de Hollywood de la década de los años 50, y muestra a Eric Clapton sentado en un estudio fotográfico de Los Ángeles, mientras fuma un cigarrillo, y con su guitarra eléctrica Fender Stratocaster Brownie apoyada entre sus piernas.
Incluido en este debut en solitario de Eric Clapton se encuentra After Midnight, canción que fue compuesta originalmente por J. J. Cale, y que fue publicada en 1966 por éste mismo junto con su banda, Leathercoated Minds, como cara B del sencillo Slow Motion. La canción apenas tuvo éxito alguno, pero serviría com catalizador para la carrera musical de Cale, pues Eric Clapton había quedado muy impresionado con la canción y decidió incluirla en su álbum debut en solitario, siendo lanzada además como único sencillo del mismo. La versión de Clapton sí tuvo muy buena aceptación en las listas de varios países. Sobre este hecho J. J. Cale llegó a comentar: "Yo era extremadamente pobre, no tenía dinero suficiente para comer y ya no era joven. Estaba en la treintena, de modo que me hizo felíz. Fue muy agradable hacer algo de dinero". Para la grabción de la canción, Clapton contó con Bobby Whitlock al órgano, Jim Gordon a la batería, Delaney Bramlett en la guitarra rítmica, Carl Radle al bajo, Leon Russell al piano y Bobby Keys al saxofón.
Finalizamos el repaso al mejor álbum de la Creedence Clearwater Revival, y nos daremos unas líneas para rendir homenaje a la voz de John Fogerty, una voz que suena como la luz del sol a través de una tubería oxidada y que mejor ejemplo que ilústralo con una de las canciones más memorables de Fogerty, "Lookin' Out My Back Door", que escribió con su influyente banda de rock nacida en California, Creedence Clearwater Revival, y lanzó el LP de 1970 del grupo, Cosmo's Factory. Para empezar, ¿hay alguna forma más sosa de titular una canción? “mirando por su propia puerta trasera”, pero con lo simple también viene lo detallado, cuando se habla de los mejores tipos de artistas, como en este caso hablamos de Fogerty. Desde su lanzamiento, muchos han especulado sobre que la letra habla de las drogas, acompañada de una especie de melodía de mente salvaje mientras el cantante se sienta boquiabierto y tropezando, mirando el mundo loco desde su puerta. En la canción, el narrador (digamos Fogerty) acaba de llegar a casa desde Illinois, necesita reiniciarse y tomar un descanso. Cierra la puerta principal de su casa y se pone a mirar por la puerta trasera, su mente se relaja, su "imaginación se dispara". Escucha al músico de Bakersfield, Buck Owens, mientras una serie de cosas pasan frente a sus ojos: criaturas felices, dinosaurio Victrola, un gigante haciendo volteretas, una estatua con tacones altos, elefantes con panderetas, cucharas voladoras, es esta última referencia la que hace que muchos piensen que se trata de una canción relacionada con las drogas. Cosas bastante alucinantes, pero, si le preguntas a Fogerty, no se trata de drogas. En entrevistas y en Bad Moon Rising: The Unauthorized History of Creedence Clearwater , se cita a Fogerty diciendo que la canción en realidad fue escrita para su hijo de tres años, Josh, también dijo que la referencia al desfile que pasaba por la puerta se inspiró en la historia del Dr. Seuss, Y pensar que lo vi en Mulberry Street.
Si bien la canción de dos minutos y medio tiene un gran impacto (y su video musical presenta grandes barbas, cuerpos de papá y franela), todavía hay algo de misterio detrás del significado y los orígenes de la letra es mucho mejor. Es prácticamente imposible escuchar este clásico y permanecer de mal humor. 'Lookin' Out My Back Door' tiene una sensación realmente cálida y soleada que te recuerda los largos veranos de la infancia y estoy seguro de que es algo que el hijo de John recuerda con cariño cuando recuerda haber crecido con una leyenda musical en su casa: Su papa. Y nosotros escucharemos un ejemplo épico de la inimitable voz rasposa y gruñona de Fogerty que vivirá para siempre más allá de la vista desde cualquiera de nuestras puertas traseras.
Publicada como "doble single" (un sencillo en el que se le da el mismo peso a las dos canciones que lo componen, sin distinguir entre cara A y B) junto a "Travelin' Band", "Who'll Stop the Rain" formó también parte de Cosmo's Factory (1970), el que fuera quinto larga duración de la Creedence Clearwater Revival. El single conjunto alcanzó el top 5 de la lista de singles pop del Billboard estadounidense.
En contraste con "Travelin' Band", inspirada en el rock and roll de la década de 1950, musicalmente "Who'll Stop the Rain" tiene un toque más acústico y de folk-rock de raíces. La canción está estructurada en tres partes, con versos que hacen referencia a dos momentos diferentes del pasado y un momento presente, identificado con la "generación Woodstock". Por la letra y el momento en el que fue publicada, muchos han querido ver en "Who'll Stop the Rain" una canción protesta contra la guerra de Vietnam, cuando en realidad Fogerty estaba hablando sobre su propia experiencia en Woodstock, cuando se puso a llover a cántaros y la gente, lejos de dispersarse para buscar refugio, empezó a desnudarse.
Al volver a casa, John Fogerty escribió la canción, basándose en esa experiencia y en una frase de su hijo de 4 años, que dijo: "Papá hace parar la lluvia", con la ilusión y la confianza que los niños tienen en sus padres, a esas edades. El tiempo les enseña después que sus padres no eran tan poderosos, pero que sí que fueron capaces de transmitirnos canciones con las que bailar bajo la lluvia sin que nos importe lo más mínimo que nos acabe calando hasta los huesos, preguntándonos quién será realmente capaz de pararla algún día.
Muchas veces sucede, Bob Dylan se volvió rock, Radiohead se volvió electrónico y Oasis se volvió una mierda. Cuando un grupo cambia de dirección, siempre va a dividir la opinión, en algún momento a la gente se le ocurrió que el grunge no era suficiente para satisfacer su hambre alternativa, bandas como Offspring y Green Day llevaron el punk rock a la corriente de actualidad y el debut de Green Day en un sello importante, Dookie , le valió a la banda un lugar en el club de los más de diez millones. Aún más sorprendente es el hecho de que ambas bandas hayan sobrevivido a la muerte del movimiento alternativo. Green Day, compuesto por Billie Joe, Tre Cool y Mike Drint, encontró su mayor éxito en 1998 con la inusualmente acústica "Good Riddance (The Time of Your Life)". No entiendo las críticas que reciben los álbumes posteriores de Green Day como Warning y Nimrod, la gente dice que su estilo se estaba volviendo obsoleto o que se estaban alejando demasiado de sus raíces, pero Green Day siempre fue un grupo pop, ante todo, y en lo que a mí respecta, mientras el grupo siga tocando su tipo de canciones pegadizas, entonces seré feliz con ellas. Con Warning, Green Day experimentó un poco con la guitarra acústica, como la canción principal siendo casi en su totalidad acústica. También hay más una sensación de pop-rock/power pop clásico en el álbum en lugar de su sonido pop-punk anterior, y creo que lo hace sonar muy fresco. Solo desearía que este álbum no se desperdiciara en 'punks' de catorce años de mente tradicionalmente estrecha. Sí, es más maduro que cualquier cosa que hayan hecho antes, sí, han abandonado un sonido punk duro por uno más suave y folk. ¿Y qué? Sigue siendo música. Y suena genial.
"Warning" es un gran comienzo, con una línea de bajo repetitiva y algunos buenos gritos en los versos ("¡Precaución! Línea policial: es mejor que no cruces/¿Es el policía o soy yo el que es realmente peligroso?"), la letra de esta canción es en realidad bastante inteligente, discute la idea de no molestarse con las reglas de la vida y, al hacer preguntas continuamente a lo largo de la canción, esta letra es bastante conmovedora, sinceramente siento que las letras de este álbum son de las mejores de Armstrong, ya que son mucho más introspectivas y serias que en cualquier álbum anterior de Green Day, aunque no parecan demasiado serias. Las letras aquí tienen un equilibrio entre lo sentimental y lo divertido.. "Blood, Sex and Booze" es una sórdida canción bondage que es tan divertida como cualquier cosa que haya escrito Green Day, la canción tiene más ritmo que la canción principal, y cuando es contagiosa, los ritmos se combinan con algunas letras extrañamente cómicas sobre el masoquismo. "Fashion Victim" y "Castaway" tienen grandes riffs alegres, el primero es un ataque ingeniosamente observado contra los hipsters de todas partes y el segundo es un himno para los solitarios. "Hold On" suena como los primeros Beatles o algo así, y fue escrita para un amigo de Billie Joe que estaba desconsolado por la pérdida de un montón de familiares y amigos. Es bastante extraño que mi canción favorita de Green Day sea una extraña balada inspirada en un mariachi sobre un grupo de desafortunados desafortunados. "Misery" es, simplemente, sangrientamente fantástico. Una sección de cuerdas vibrantes, una delicada mandolina, un solo de guitarra al estilo de Tom Waits a lo Rain Dogs , trompetas latinas y tambores perseverantes hacen de esta una canción de la que cualquier banda talentosa estaría orgullosa. Todo vuelve a la normalidad después de esto, y aunque "Jackass" tiene un buen solo de saxofón y las cuerdas vuelven a aparecer para la suave canción de cuna "Macy's Day Parade", el fascinante arreglo de "Misery" desaparece para siempre en el catálogo de Green Day. Es una pena. Aunque hay ese pequeño bongo extraño y aparentemente sin sentido al comienzo de "Extraordinary Girl" en el nuevo álbum.
Esto no quiere decir que la calidad del álbum disminuya. "Waiting" es como los días del Green Day de Nimrod (pasaron tres o cuatro años entre los dos álbumes), y la famosa "Minority" donde el coro de esta canción es uno de los más memorables del álbum, y las letras son de las mejores de Armstrong, discuten la idea de ser quien quieres ser, pero a diferencia de algunas canciones de esta naturaleza, las letras de Minority no se sienten completamente artificiales o forzadas. La banda incluso lanza una parte de armónica durante los versos, lo que agrega un tono un poco folk a la pista, da la impresión de que es una canción destinada a ser tocada en vivo, con un ritmo pegadizo y algunas letras particularmente poderosas, un excelente ejemplo de lo que la banda puede lograr con solo unos pocos acordes y una estructura de canción relativamente simple.. Me hubiera gustado que la banda pudiera haber experimentado un poco más como lo hicieron con "Misery" en el resto de Warning. El álbum cierra con la canción Macy's Day Parade. Si bien esta no es mi canción de cierre favorita absoluta en un álbum de Green Day, su tono bastante sentimental y ligeramente sombrío lo convierte en un final apropiado para este álbum, el tono más bien folclórico de la pista, así como el uso de cuerdas durante el estribillo, también se suma al estado de ánimo un tanto empalagoso.
Warning fue su primer intento adecuado de crear un nuevo
sonido temático en un álbum, en lugar de una pista de novedad simbólica,
algunos pueden reprochar haber descubierto que sus inclinaciones populares no
son lo suficientemente 'punk' (lo que sea que eso signifique). Los cuatro
sencillos de Warning llegaron a International Superhits de 2001! , solo Warning
y Minority sobrevivieron para Greatest Hits: God's Favourite Band de 2017 . La
banda comete una injusticia allí, borrando dos buenos cortes de su
retrospectiva. El álbum ha tenido una especie de reevaluación en los años
posteriores a su lanzamiento, pero Warning nunca se encontrará en las 'listas
de los mejores álbumes de todos los tiempos', ni obtendrá el tratamiento de
Broadway que se le brinda a su sucesor. Pero no es tan malo como muchos creen, lejos
de ser solo un paso necesario en la progresión de la banda, es un conjunto
sólido por derecho propio. Sin duda merece otra valoración , ya sea que esté
desempolvando ese CD subestimado o descubriéndolo por primera vez. Olvídese de
sus ideas preconcebidas sobre cómo 'debería' sonar un álbum de Green Day y
simplemente disfrute de un excelente ejemplo de creación de canciones de una
banda con la confianza para finalmente liberarse de la escena que los creó.
Podemos considerar este álbum como una gran introducción, aunque un poco incompleta, a una banda que desafía toda descripción, The Residents, el cuarteto anónimo de artistas y músicos de Louisiana, ha creado una variedad de música tan diversa a lo largo de su larga carrera que es muy difícil presentarlos a la gente con seriedad. Duck Stab fue originalmente un EP que luego se combinó con Buster Glenn. para formar un album, toma de Duck Stab las primeras siete pistas, el resto de Buster Glenn y juntos forman una lúcida pesadilla de canciones pegadizas. No estoy seguro si "Duck Stab" es el álbum más accesible en el catálogo de la banda, ya que lo que es "accesible" es subjetivo y todavía se vuelve mas extraño cuando hablamos de The Residents, lo que si puedo afirmar que es probablemente el álbum más convencional que hicieron durante los años 70, las pistas son bastante cortas, la más larga solo dura 3 minutos y medio.
“Constantinople” es uno de los temas que más te pueden abrir los ojos para disfrutar lo que nos espera, inicia el disco con distorsionados y metales acentuados que se complementan con panderetas y un extraño arpegio de sintetizador formando un ritmo pegadizo pero inquietante. Después del caos y la adrenalina del primer contacto, el disco se calma un poco con "Sinister Exaggerator", ofreciendo un ritmo mínimo que se desarrolla lentamente en un tentador plom, convirtiendose en algo casi psicodélico cion la forma en que cada nota se fusiona entre sí. Las voces, a pesar de ser más melódicas y ejecutadas en un tono de voz regular, aún suenan al borde de lo inhumano. "Blue Rosebuds", tiene un gancho cantarín que sirve para cerrar la pista como una canción de amor, pero tiene un verso en el medio que la transforma por completo, desde sus primeros momentos, el estribillo es muy directo y fácil de entender, pero la forma que tiene de sonar la música hace que no suene como la típica canción de amor. “Semolina” es uno de los grandes éxitos del álbum, con estos bajos sutiles pero hipnóticos que van muy bien con la suave melodía, también tiene uno de los estribillos más pegadizos de cualquier canción de Residents, lo que supongo que considerando la mayor parte de su repertorio no es decir mucho. "Birthday boy", trata sobre una persona que quiere que la dejen sola en su cumpleaños, pero nadie lo hace. Esto se comunica no solo en la letra, sino también en el instrumental que se siente como si estuviera hecho para sonar lo más desagradable posible con estos cables que suenan como si estuvieran saliendo de esas cosas que hacen ruido de fiesta y los sintetizadores deformados que yacen debajo de ellos.
Estamos ante un album qe todavía se mantiene como uno de los mejores ejemplos experimentales de los años 70, es un disco que pondrá a prueba tu paciencia. o incluso obligarte a pensar profundamente en ello para disfrutarlo pero a la vez resulta muy divertido con golpes pegadizos, melodías memorables y momentos que son tan extraños que probablemente se quedarán contigo mucho después de que los escuches. Es un punto de partida perfecto para adentrarse en la banda, o incluso en este tipo de música en general. En conclusión, The Residents son una banda con la que siento que siempre me dejara tocado, a veces, resultan demasiado raros, otras veces, traspasan los límites de la música y crean discos que respeto pero que no disfruto mucho. Sin embargo, álbumes como Duck Stab / Buster & Glen son extremadamente agradables incluso a través de todas las atmósferas extrañas, terroríficas y surrealistas que traen consigo.
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Ramble Tamble, Creedence Clearwater Revival |
Cosmo's Factory es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival. El disco fue grabado entre 1969 y 1970 en el Wally Heider's Studio de San Francisco, California, bajo la producción de John Fogerty, y publicado el 25 de julio de 1970 por el sello discográfico Fantasy Records. El disco se convirtió en el mayor éxito comercial de la banda tanto en Estados Unidos como fuera del país, llegando a alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas Billboard de Estados Unidos, colocando además tres singles entre los cinco primeros puestos: Lookin' Out My Back Door, Travelin' Band y Up Around the Bend. Fue un hecho sorprendente que el disco se colocara en la décima posición en la lista de soul de Billboard, conviriténdose en todo un hito para una banda de pop/rock. El títitulo del ábum procede de una casa en Berkeley donde el grupo solía ensayar, y John Fogerty era muy insistente a la hora de ensayar casi a diario, por lo que el batería Doug Clifford comenzó a refrirse al lugar como "la factoría".
Cosmo's Factory (1970), para muchos, es considerado como el mejor disco de la banda. Desde que el disco comienza con Ramble Tamble, un increible temazo con tintes folk rock de siete minutos, pasando por la genial versión del tema de Bob Diddley Before your Accuse, la marchosa Travelin' Band, versión del clásico de Roy Orbison, Ooby Dooby, Lookin' Out My back Door con un toque más clásico y folk, la espeluznante y brutal Run Throug the Jungle, el optimista Up around the Bend, la contagiosa My Baby Left Me, la hermosa y maravillosa Who'll Stop the Rain con toques country, la versión de I Heard It Through the Grapevine con ese solo improvisado que extiende el tema hasta los once minutos, hasta que termina con Long As I Can See the Light, un tema lento, nostálgico y conmovedor, sitúan este disco en lo más alto.
Como hemos comentado anteriormente, el disco abre con Ramble Tamble, una canción de siete minutos increíbles de folk rock de muchos quilates. La canción, compuesta por John Fogerty, fue construída a partir de un único riff de guitarra, con un toque rockabilly pero sin perder la propia esencia y característico sonido de la banda. Gran parte de los 7 minutos que dura el tema son una intensa y brillante sesión de impovisación. En este magnífico tema John nos relata los peligros de un gobierno que en vez de buscar el bienestar de la sociedad, promueve muchas restricciones a la sociedad. La canción fue desarrollada a partir de una anción anterior de la Creedence Clearwater Revival, llamada Commotion, una canción de rock sureño que contenía elementos de sonido rockabilly, de ahí que ese toque se mantenga en Ramble Tamble. Esta canción fue la única de Cosmo's Factory que no fue lazada previamente como sencillo.
Estamos ante un giro brusco de una de las bandas que nacieron a la vanguardia del renacimiento del garaje rock a principios de la década, es el momento de abrazar al synthpop por lo que no encontramos hasta la mitad del álbum apenas guitarras y los sencillos editados del álbum fueron los más próximo que habían creado a la estética pop. Mal presagio para el amante de los que piensan que el estilo ni se compra ni se cambia, imagino que si eras seguidor del grupo en aquellos momentos y como ha pasado en este mundial de Qatar, el estilo ni se cuestiona ni se cambia, este álbum probablemente fue una gran afrenta para ti y seguramente lo hayas aparcado e incluso olvidado. Sin embargo, si alguien cae si prejuicio sin duda puedes disfrutar de un disco con sus grandes momentos y como no deleitarse con el magnetismo y la presencia de Karen O.
Wand'rin' Star es una canción que fue escrita originalmente por Alan J. Lerner y Frederick Loewe para el musical Paint Your Wagon en 1951.
Wand'rin' Star fue un single número uno en el Reino Unido durante tres semanas y en Irlanda durante dos semanas con la version del artista Lee Marvin en marzo de 1970. La canción también alcanzó el puesto número 10 en Australia, tal éxito se podria decir que es doblemente destacado ya que Lee Marvin no pertenece a ninguna banda de música, ni tampoco es un solista, sino un actor de numerasas peliculas.
Cuando se hizo la pelicula del musical en 1969, Lee Marvin asumió el papel del prospector Ben Rumson. Sin ser un cantante profesional, Lee Marvin, sin embargo, cantó todas sus canciones en la película, rechazando la idea de imitar la voz de otro cantante. A pesar de que la película fue un fracaso de taquilla, la banda sonora se convirtió en un éxito. Orquestada y arreglada por Nelson Riddle, la versión de Lee Marvin de la canción Wand'rin Star se convirtió en el single número 1 en Irlanda y el Reino Unido, manteniendo a The Beatles en el número 2 en el Reino Unido con su sencillo "Let It Be". Lee Marvin nunca lanzó un single de seguimiento, por lo que se lo considera una maravilla de un solo éxito.
DanielEl segundo disco de The Stooges tenía joyas de la talla de "Down on the street", "Dirt", "TV Eye" o "Loose", la canción que los miembros de la banda preferían como single de lanzamiento y como primera canción del disco, pero fue finalmente "Down on the street" la que se llevó el gato al agua.
Poco importaba esto en el fondo, porque en un disco tan arriesgado y experimental como "Fun House", ninguna canción queda ensombrecida por el resto, y el conjunto es una obra a la vez exquisita y cruda de rock y punk iniciático, en el que la dureza de las guitarras de canciones como "Loose" contrasta con el toque de jazz experimental del saxofón de Steve Mackay que salpica algunos temas, junto con la colaboración ocasional a los teclados del productor Don Gallucci, miembro por entonces de The Kingsmen.
Gallucci consiguió reproducir en el estudio el potente sonido primario y caótico de la banda en directo, y le añadió las dosis justas de "avant-garde rock" y psicodelia, a través de las sobregrabaciones de teclado y saxofón, consiguiendo con temas como "Loose" que el álbum, en un principio ignorado por el público, se convirtiera con el tiempo en lo que, para muchos, es una de las cimas del hard rock experimental. Dicen que ningún otro disco suena tan profundo, ni tan vivo, y a la vez tan áspero y rudo como "Fun house".
Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)
Vamos a conocer un poco más de la discografia de Green Day, y esta vez toca Nimrod que es el quinto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, este álbum fue lanzado en el mes de octubre de 1997.
La banda lanzo este álbum a raíz de la cancelación de una gira por europea tras haber lanzado su álbum Insomniac. Grabado en Conway Recording Studios en Los Ángeles, el álbum fue escrito con la intención de crear un conjunto de canciones independientes. Nimrod se destaca por su diversidad musical y experimentación, que contiene elementos de folk, hardcore, surf rock y ska, y demustran la madurez de la banda.
El álbum alcanzó el puesto número diez en las listas de Billboard de EE. UU. y fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America. El álbum también fue certificado triple platino en Australia y doble platino en Canadá, estos son algunos de los éxitos que la banda obtuvo con Nimrod.
Tras su lanzamiento, Nimrod recibió críticas generalmente positivas de los críticos, quienes elogiaron la composición de Billie Joe Armstrong. Del álbum se desprendio el single acústico "Good Riddance (Time of Your Life)", que apareció en numerosos eventos de cultura popular, incluido el penúltimo episodio de la comedia de situación Seinfeld. Para promocionar el álbum, Green Day se embarcó en un extenso programa de giras. El álbum también se reeditó en vinilo en el año 2009, así como para los lanzamientos de ediciones de lujo y aniversario en 2012 y 2017. Las canciones "Nice Guys Finish Last", "Hitchin 'a Ride" y "Good Riddance (Time of Your Life)" aparecen en el videojuego Green Day: Rock Band.
Nimrod es musicalmente el más variado que los álbumes anteriores de Green Day. el propio Billie Joe Armstrong ha declarado que con este álbum, Green Day tomó diferentes caminos, y agregó que cada canción tiene su propio carácter e identidad, queriendo resaltar eso tanto como fuera posible. Resaltando la canción "Nice Guys Finish Last" que ha sido considerada una canción que "facilita la transición" entre los álbumes de Insomniac a Nimrod.
Nimrod estar junto a American Idiot, como uno de los mejores álbumes de Green Day. Contiene canciones como, Nice Guys Finish Last que ya hemos mencionado con un riff poderoso y un estribillo demoledores, Hitchin’ A Ride puede perder algo de fuerza, pero desborda efectividad por todos los acordes. No en vano fue uno de los singles. Seguimos con el riff de The Grouch y aquí empiezas a entenderlo todo un poco mejor, la fórmula que Green Day había puesta en Dookie sigue aquí, son los mismos tocando, pero suena incluso más fuertes que en aquel primer éxito.
En Redundant se bajan un poco las revoluciones, en la que es una de las caciones más elaboradas del álbum, la velocidad vuelve con Scattered, que termina siendo una de las más pegadizas. Increíble cómo parece que la canción entera se une en un solo estribillo. All The Time puede parecer dura, pero no será nada en comparación con lo que vendrá después. En Worry Rock las revoluciones aumentan progresivamente para dar como resultado una excelente combinación entre madurez y rabia punk. Sí, es una de las grandes canciones del álbum, y una de las que anuncia que el grupo no va a estar toda la vida grabando Dookies y Kerplunks. Platypus (I Hate You) es probablemente la canción más dura que Green Day haya grabado jamás, con una furia casi trash que resume precisamente odio desde el primer segundo. Se quedará cerca de igualarla más tarde Take Back, cantada en el estribillo a lo death metal, pero que se termina haciendo corta en su minuto de duración. Canciones como Jinx no hacen más que confirmar el buen momento que estaban experimentando en este álbum la banda. El enlace tan natural con Haushinka da la sencación canciones siamesas, con estribillos rompedores que invitan a ser coreados hasta el final.
La recta final del álbum nos deja los dos temas más conocidos del disco, King For A Day por un lado, y Good Riddance (Time Of Your Life) por otro. Respecto a la primera, es una canción festiva pensada para bailar un rato y hay que tomarla como tal, en cuanto a la segunda, es otra de las que anuncia nuevos sonidos para la banda, que nunca había grabado una balada hasta ese momento. Es una buena canción, quizá algo trillada, pero cumple con su cometido de ofrecer unos minutos de calma en un álbum que es continuamente una perfecta tempestad.
Un muy buen álbum donde la banda demuestra que tiene mucho para dar.
Daniel
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Dirt, The Stooges |
Fun House es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense The Stooges, formado Iggy Pop, Ron Asheton, Dave Alexander y Scott Asheton. El disco fue grabado entre el 11 y el 25 de mayo de 1970 en los Elektra Sound Recorders estudios de Los Angeles bajo la producción de Don Gallucci, y publicado el 7 de julio de 1970 por el sello discográfio Elektra Records. El disco es considerado como la piedra angular del llamado proto-punk (como se conocía a ese grupo de bandas innovadoras e inclasificables que surgieron a partir de la primera mitad de la década de los 60 y que fueron precursores del punk), y fundamental para el desarrollo del punk rock.
Inicialmente Fun House no tuvo mucho éxito comercial, pero con el tiempo se ha convertido como un disco indispensable, siendo citado como uno de los discos favoritos y más influyentes para artistas como Joey Ramone, Mar E. smith, jack White, Nick Cave, Buzz Osborne o Steve Albini entre otros muchos.
Fun House se mueve entre la impovisación y el hard rock o el punk jazz, y tiene un sonido más apocalíptico y abrasivo que su disco debut. Y una buena muestra de ello es Dirt, la pieza más sorprendente del disco, y que cierra además la primera cara de ese apocalíptico disco. Dirt es un tema que te va envolviendo y abrasando poco a poco hasta que la inflamación recorre todo tu cuerpo, no te deja indiferente. El tema es una especie de hardcore blues, y es que una de las grandes influencias de Iggy Pop fue el gran bluesman Howlin' Wolf, algo que estuvo muy presente durante las sesiones de grabación de Fun House, y sobre todo en Dirt. Los acordes de blues no salen de la guitarra, nacen del bajo de Dave Alexander, quien por momentos convierte los acordes de blues en funk, dotando de un electrizante y vigoroso sonido a esta especie de oscuro y abrasivo blues.
Posiblemente la obra maestra de Traffic, el grupo de Birmingham capitaneado por por Steve Winwood fue John Barleycorn Must Die, con tan solo tres años de existencia, Traffic hizo una serie de transiciones en su sonido y todas salieron bien, nació con una banda de psyche rock (como podemos comprobar en su debut, Mr. Fantasy ) y empezaron su travesía cameleonica en su segundo álbum Traffic presenta una gran variedad de géneros, incluidos folk, blues y psyche rock, sin embargo, cuando llegó el cambio de década, Traffic se había sumergido en el rock progresivo, un género que todavía estaba algo en sus inicios en ese momento (el definitorio de género In the Court of the Crimson King ni estaba publicado en el momento del lanzamiento de John Barleycorn ). Si bien este álbum contiene algunos restos del sonido folk de su álbum homónimo, John Barleycorn Must Die se basa en gran medida en la complejidad musical y la influencia del jazz del arquetipo progresivo, Steve Winwood sigue siendo un talento casi increíble en la escritura, la interpretación de instrumentos y el canto, y otros miembros como Chris Wood y Jim Capaldi son otros talentos musicales críticos con su viento de madera y percusión, respectivamente. Es complejo, entretenido, diverso y una escucha muy divertida, como hemos mencionado este es posiblemente el punto más álgido de Traffic.
Quizás la canción más destacada del álbum es “Empty Pages” y lo que destaca es la presencia de un bajo retumbante, manejado de manera competente por el Sr. Winwood, la floritura de apertura presenta la estructura que se utilizará en el coro, otra decisión compositiva realmente acertada, el pasaje instrumental extendido es una delicia absoluta, con algunos riffs fuertes de Winwood en el piano eléctrico, el apoyo sólido del órgano de Chris Wood y una interpretación hábil y diversa de Capaldi en el kit. Pero también vamos a destacar la voz de Winwood que es, por supuesto, brillante y la letra, sin ser lo más brillante sin duda es buena porque simplemente te hacen sentir mejor, mientras Winwood canta sobre cómo las cosas mejorarán pronto. Una canción optimista. Es una especie de historia sobre un hombre cuya vida ha sido prácticamente un desperdicio, pero espera días mejores, pero vamos a incidir en lo más brillante ese piano eléctrico proporciona un gran ritmo de jazz, mientras que un órgano resonante acompaña al coro momento en el que Winwood hace un increíble solo de piano eléctrico. Este solo es lo más destacado del álbum para mí, es simplemente genial, no tiene otro calificiativo, ese solo que continúa durante aproximadamente un minuto y medio antes de que vuelva el coro.
El álbum recibió críticas desiguales en su lanzamiento inicial, pero se vendió bien y el grupo, tal vez respaldado por esta buena fortuna, continuó durante varios años más antes de que Winwood abandonara definitivamente en 1976. John Barleycorn Must Die parece haber ganado prestigio con el paso de los años, convirtiéndolo en uno de los álbumes más queridos y populares de Traffic.
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Insomniac, Green Day |
Tras el gran éxito de Dookie, y antes de publicar su siguiente álbum de estudio, Green Day editó el sencillo J.A.R. para la película Angus de 1995. Las letras del sencillo se refieren a Jason Andrew Relva, un amigo de la infancia de Mike Dirnt que murió en un desafortunado accidente de tráfico a los 19 años de edad. Dirnt escribió la canción haciendo referencia a lo inmortal que se cree uno cuando es joven, y del golpe psicológico y la forma de ver la vida al ver a un joven amigo morir.
El collage que aparece en la portada del álbum fue creado por Winston Smith, y se titula "God Told Me to skin You Alive", toda una referencia a la canción "I Kill Children" de Dead Kennedys. La portada, además de contener la imagen de un dentista que apareció en el collage de la portada interior del álbum de Dead Kennedys "Plastic Surgery", contiene tres cráneos, uno por cada miembro de la banda, y varias imágenes ocultas, como una mujer desnuda, tres hadas y varios rostros fantasmales en llamas.
Estamos ante un disco oscuro y pesimista, pero con un sonido sucio, muy potente y distorsionado, y con unas letras muy explícitas que fueron duramente criticadas por la prensa. Esa rabia y oscuridad vertidas en el disco son fruto de la situación personal de los miembros de la banda. Apenas habían digerido el rotundo éxito mundial de Dookie, de hecho tenían problemas personales derivados de tan rotundo éxito, sumado al cansancio y desgaste de la extensa gira que siguió al disco. Tampoco ayudó el hecho de que hubo un sector de fieles seguidores del grupo que no entendieran Dookie como un auténtico álbum de punk, y con Insomniac lo que pretendieron fue quizá recuperar esos fieles seguidores y recuperar un prestigio que habían perdido al ser vetados por cierto sector, además de ser también vetados por el entorno del club que les vió crecer, The Gilman.
Después de haber alcanzado la cima con Dookie, parecía que con Insomniac la banda había comenzado el lento y pulatino descenso hacia los infiernos y el olvido. Cuán equivocados estábamos, pues casi diez años después, seguían en la brecha, nos iban a regalar su gran obra maestra y nos iban a recordar que Green Day no eran fruto de un único éxito o disco. además iban a convertirse en una de las bandas más influyentes del género en las décadas de los 90 y 2000, pero eso es otra historia...
Cualquiera que tenga un poco de conocimiento sobre la música y la personalidad de Johnny Cash sabe que el Hombre de Negro se sentía demasiado cerca de los presos y de aquellos que habían tenido problemas con la justicia, se relacionó con ellos casi como si tuvieran un parentesco. Y quizas por esa complicidad el mejor álbum en vivo de Johnny Cash es una actuación en una prisión, no es muy diferente de su anterior álbum en vivo, At Folsom Prison, si quereemos compararlos quizas en este album las canciones son más rápidas y animadas. El publico formado por prisioneros la actuación de Johnny Cash y él está más que dispuesto a seguirle el juego, creando momentos cómicos. Además de eso, hay incluso más canciones y momentos inolvidables en este álbum que en Folsom Prison, nos regala un complemento perfecto para At Folsom Prison, sin duda At San Quentin es uno de mis álbumes en vivo favoritos.
Empezamos por destacar la versión de 'I Walk The Line' aquí es mejor que la grabación original de estudio, la autenticidad de esos gritos de alegría de los reclusos crea una atmósfera diferente a cualquier otra grabación en vivo que haya escuchado en mi vida, es su verdadera magia, también cabe destacar el dueto con su esposa June Carter Cash en 'Darling Companion', siempre es algo especial cuando los dos toman el micrófono juntos. "A Boy Named Sue", escrita por Shel Silverstein, es maravillosa, supongo que la mayoría de los lectores han escuchado esta canción, por lo que no hay necesidad de discutir más sobre su letra cómica, también disfruto de "Peace in the Valley", es algo único ya que rara vez me gusta la música espiritual/góspel.
Johnny Cash era tan rudo, en serio, recorriendo prisiones vestido de negro como un predicador caído, hablando de que no le importa la autoridad, cantando sobre matar gente, ir a la cárcel y finalmente dando una serie de canciones espirituales para amansar a las fieros, esos convictos endurecidos lo amaban, él era el artículo genuino. At XSan Quentin es una prueba de humildad hecha historia, chillarle al Hombre de negro y reírle sus chistes, sus provocaciones y sus órdagos a la administración de la prisión los llevo mas lejos de lo que nadie pudo imaginar. Y así se quedó, con el tupé, la chaqueta tejana, la guitarra acústica y el repertorio mohoso de tanto pasearlo por la intemperie oclusa de esas paredes demasiado altas para ser trepadas. Si solo desea tener dos álbumes de Cash en su colección, entonces 'Live at Folsom Prison' y 'Live at San Quentin' son todo lo que realmente necesita. Son mejores que las grabaciones de estudio porque realmente tienes la oportunidad de escuchar a Cash.