domingo, 25 de septiembre de 2022

Correos - Platero y Tú #MesPlateroyTú

Correos - Platero y Tú artista del mes #MesPlateroyTu 

Vamos con un álbum de la banda bilbaína Platero y Tú, que para mí ha escrito una de las páginas más memorables en la historia del rock vasco y español, alcanzado tres discos de oro y un legado que perdurará por siempre. 
Como su álbum Correos, publicado en octubre de 2000, que supuso el capítulo final de esa gran trayectoria de Platero y Tú.

Dos y dos son cuatro, y cuatro los Platero” dice la canción Cigarrito, la canción que abría el álbum Correos, el último álbum de la banda, y tan esperado por sus seguidores tras casi tres años sin nuevos lanzamientos. 

Esos cuatro de los que hablaba Cigarrito no podían ser otros que la voz de Adolfo Cabrales (Fito), la guitarra de Iñaki Antón, con Juantxu Olano al bajo y Jesús García con la batería. 
Se trataba del octavo trabajo del grupo en apenas diez años. 

Este álbum con su portada emulando a un paquete de envío y con los cuatro integrantes de la banda como sello, Correos no fue distinto a sus otros álbumes, después de su lanzamiento en el mes de octubre del año 2000, la acogida de sus fans, cada vez más numerosos, llevó a Platero y Tú con su álbum Correos a ser  Disco de Oro de la mano de canciones que se convirtieron en éxitos como Cigarrito, Entre dos mares (que  Fito con los Fitipaldis, la incluiría en su álbum “Fitografía") y Humo de mis pies. Este álbum fue grabado en el estudio La Casa de Iñaki que era propiedad del guitarrista de la banda, contaba entre sus canciones con la colaboración de músicos de la talla de Robe Iniesta de Extremoduro o José Alberto Batiz. 

Si bien es cierto que el disco mantiene la línea rockera que definía al grupo, tuvo algunos detractores que no reconocían en este álbum a los Platero y Tú de principios de los noventa, especialmente en los versos de canciones como Caminar cuesta arriba o Qué demonios!, más introspectivos y, quizá, algo menos provocadores. 

La gira de presentación de Correos, que terminaría siendo la última, ya que Fito anunciara que abandonaba el grupo para continuar su carrera en solitario y le siguiera Iñaki Antón para ingresar por completo en Extremoduro donde ya había trabajado de forma esporádica durante los últimos años. 

Sería, por tanto, la última gira de Platero y Tú y para la posteridad sólo quedaría su legado y varios recopilatorios. Platero y Tú, de las calles de Bilbao a iconos del rock. 

Platero y Tú han marcado a fuego ese rock español que ya hemos mencionado por ello se merecían estar entres las banda del mes #MesPlateroyTu. 

Daniel 
Instagram storyboy 

sábado, 24 de septiembre de 2022

0632.- Whole lotta love - Led Zeppelin



Whole Lotta Love es la canción con la que arranca Led Zeppelin II (1969), el segundo álbum de Led Zeppelin, y uno de los singles de la banda en ese año en los Estados Unidos (en aquella época, el grupo no publicaba singles en el Reino Unido), con Living Loving Maid (She's Just a Woman) en la cara B. Es una explosiva mezcla de rock y blues eléctrico, con una gran interpretación vocal por parte de Robert Plant y, sobre todo, un riff de Jimmy Page para la historia.

Mucho se ha hablado de las licencias que los grupos de la época, y en especial Led Zeppelin, se tomaban a la hora de tomar ideas de viejos temas de blues para la creación de las suyas propias. En el caso de Whole Lotta Love, hay partes de la letra que están sacadas de la canción de Willie Dixon "You Need Love", grabada por Muddy Waters siete años atrás. Small Faces la grabaron también como versión en 1966, con el nombre de You Need Loving, y en 1969 llegó el turno de los Zeppelin, que no acreditaron a Dixon en la canción, y en un juicio celebrado por los derechos en 1985 tuvieron que reconocer su autoría parcial en el tema y compensarle con un pago por los beneficios obtenidos por la canción.

Mas allá de los conflictos por la mayor o menor inspiración en el tema de Dixon,  lo que es innegable es que estamos ante una de las mejores canciones de la banda, la número 75 entre las mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, y el mejor riff de guitarra de todos los tiempos para los oyentes de la BBC Radio 2 en 2014. El riff fue lo primero que compusieron para la canción, a partir de una grabación de treinta segundos que Page mostró al grupo en el verano de 1968, a partir de la cual fueron construyendo el resto de esta monumental canción.

Solange - A Seat at the Table. Píldora #4


Es posible que la reconozcas por sus carreras temporales con Destiny's Child, o por cualquiera de sus 3 álbumes anteriores, que abarcan fechas de lanzamiento entre 2002 y 2012. Lo más probable es que, si no conoces a Solange, conozcas al menos a su hermana superestrella, Beyonce. Pero Solange había dejado en claro en sus primeros pasos que no era solo una copia de su hermana, su estilo musical, su imagen y energía reflejaban a una artista que todavía intentaba encontrar una voz y buscaba algo más grande. El atractivo de A Seat at the Table esta en su radicalidad, muestra cómo Solange se desarrolló como persona y se enorgullecía de cada aspecto, no solo tiene una carga política, también es increíblemente personal para ella y su familia, con sus padres apareciendo y compartiendo sus experiencias y aprendizajes de las injusticias raciales, un disco con más de 21 pistas y menos de una hora de duración, logra esto al colocar una breve pista de interludio entre casi todas las canciones. Estos interludios contienen mensajes importantes de personas cercanas a Solange, incluidos sus propios padres.


"Don't Wish Me Well", es un frenesí de sintetizadores en cámara lenta, la música retrocede y permite a Solange llevar a cabo su mejor interpretación vocal en un disco lleno de ellos, el efecto emocional combinado, culmina en un baño de lamentos ininteligiblemente hermosos. Todo este álbum es delicadeza, musica tierna y elegante de R&B muy bien producido lleno de alma y calidez sincera puesta en él, pero al mismo tiempo tiene mucho que decir, ya que sirve como una pieza de denuncia racial muy interesante. Cranes in the sky, es una sus mejores canciones, letra potente, tan suave pero confiada en su ejecución con tantos pequeños detalles que sobresalen en la parte instrumental... Me encanta lo sincera y personal que percibimos en esta canción, sin ninguna grandiosidad innecesaria.


A Seat at the Table es impresionante, una declaración temáticamente unificada y musicalmente aventurera sobre el dolor y la alegría de la feminidad negra y Solange se retrata a sí misma como una mujer que realmente se ha convertido en sí misma.


viernes, 23 de septiembre de 2022

0631-. Sugar Mama - Taste

Sugar Mama, Taste



     En 1966 un jovencísimo rory Gallagher crea el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En 1969 Taste debuta con su primer álbum de estudioTaste.

El disco, una combinación de blues con potente blues rock que por momentos puede llegar a sonar a hard rock, es grabado durante el mes de agosto de 1968 en los De Lane studios de Londres bajo la producción de Tony Colton y publicado el 1 de abril de 1969 por la discográfica Polydor para el mercado europeo y Atco para el mercado estadounidense.

Incluído en este álbum se encuentra Sugar Mama, un tema estándar tradicional de blues que cuenta con los arreglos de Rory Gallagher. Si bien es difícil saber quien es el autor original de Sugar Mama, sus orígenes se remontan al artista de blues y country Yank Rachell, quien grabó el 6 de febrero de 1934 el tema Sugar Farm Blues. Tampa Red grabaría posteriormente también en 1934 dos versiones de Sugar Mama Blues en 1934, poco después de la grabación de Rachell Luego llegaría Sonny Boy Williamson I, a quien se asocia y se suele acreditar la autoría del tema Sugar Mama, la cual grabó en 1937. Sonny Boy fue uno de los primeros colaboradores de Yank Rachell. Más tarde llegarían innumerables versiones, John Lee Hooker, BB King, Led Zeppelin, Howlin' Wolf, Fleetwood Mac y Otis Spann son algunos de los artistas, como Taste, que realizaron versiones de este genial blues tradicional.

El disco de la semana 294: Blackout - Scorpions

 

Blackout, Sorpions


     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa, Scorpions decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.



Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro la grabación el disco e incluso la continuidad del grupo. El vocalista 
Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra. Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que buscasen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

Así nace Blackout, el octavo disco de estudio y uno de los mejores trabajos del grupo germano. El disco es grabado en los Dierks Studios de Colonia durante el año 1981, bajo la producción del mismo Dieter Dierks, y publicado el 29 de marzo de 1982 por el sello discográfico Harvest/EMI y unos días más tarde por el sello Mercury Records únicamente para el mercado norteamericano. La portada del disco fue obra del artista austriaco Gottfried Helnwein, y se trata de un autorretrato de él mismo, donde se le ve utilizando una bandana en su cabeza y tenedores en ambos ojos. El álbum tuvo un gran éxito nada mas ser lanzado en Europa, y en Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200.



Un disco redondo de los alemanes en el que podemos disfrutar de temas como el cañero Dynamite, el trallazo inicial de 
Blackout, uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche; la gran Can't Live Withoutn You con una apertura y un riff de guitarra es brutal, tema dedicado a los fans. La letras fueron escritas por Klaus Meine y la música fue obra de Rudolf Schenker, un tema que trata sobre las bandas de rock y sobre que no pueden vivir sin sus fans; o la clásica No One Like You, otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente al inglés. Al igual que el tema anterior, obra de Meine y Schenker, y la temática trata sobre un hombre que perdió a su amor y como trata de recuperarla. 

Blackout forma ya parte de los grandes clásicos del heavy metal, un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida.

jueves, 22 de septiembre de 2022

0630.- Peaches in Regalia - Frank Zappa



Peaches en Regalia es un corte instrumental del disco Hot Rats (1969) de Frank Zappa. A diferencia de otros temas instrumentales del disco, que se basaban principalmente en la improvisación con la guitarra, es una pieza estructurada de piano, sintetizadores y batería que podría catalogarse como una obertura clásica, pero con el toque paródico de su genial autor.

Es una de las canciones más recordadas de Zappa, y una de las pocas que, de vez en cuando, siguen sonando en las emisoras de radio estadounidenses, por tener un sonido más asequible y menos enrevesado que el de otras obras del líder de The Mothers of Invention. Parte de la culpa de ese sonido más abierto y directo la tiene que, para la ocasión, Zappa pudiera contar con una grabadora multipistas, que le permitió estructurar y cuidar las diferentes partes y arreglos de la canción, durante varias tomas a lo largo de dos sesiones de grabación.​

miércoles, 21 de septiembre de 2022

0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa

0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa

Willie the Pimp
es una canción del álbum Hot Rats de Frank Zappa del año 1969. 
Cuenta con una voz idiosincrásica de Captain Beefheart y uno de los solos de guitarra clásicos de Zappa. Es la única pista que no es instrumental en el álbum, aunque la pista presenta un largo solo de guitarra. 

La canción apareció como instrumental en Fillmore East de Zappa en junio de 1971, originalmente dividida como la última pista en la cara uno (2'50") y continuó en la primera pista en la cara dos (1:54) del LP. Otro instrumental breve.  

La versión apareció en You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 4 como una transición de 2'06" entre "My Guitar Wants To Kill Your Mama" y "Montana".

El título del álbum Hot Rats proviene de una letra de Willie the Pimp. El origen de la canción se explicó en una conversación que Zappa grabó en 1969. La grabación de esta entrevista se publicó más tarde como "La historia de Willie the Pimp" en el álbum Mystery Disc de Zappa.

La canción ocupó el puesto 75 en la lista de "Las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos" de Rolling Stone.

Daniel 
Instagram storyboy 

7 - Platero y tú #MesPlateroyTú

 


Con su séptimo disco, "7" (1997) se nota un cambio profundo en las canciones de Platero, ahora más maduras tanto musicalmente como en sus letras, y alejándose un poco del rock de los inicios, lo que fue criticado por algunos de sus fans. Vuelve a participar Robe, ésta vez en el tema "Si miro a las nubes", y de nuevo consiguen el disco de oro. 7 marca un punto de inflexión en la historia del grupo y sus componentes se embarcan en otros proyectos: Fito graba su primer disco con Fito & Fitipaldis y Uoho empieza a colaborar más activamente con Extremoduro.

La cuestión es que estamos en 1997 y Platero viene de estar en la cresta de la ola, su doble directo "A Pelo" (DRO, 1996) había pegado fuerte en las listas, y gracias a la amistad y al apoyo de Robe Iniesta y sus Extremoduro que justo en el 96 habían hecho estallar la bomba con su "Agila" (DRO, 1996), dándole a una generación de jóvenes un espejo en el que mirarse, un vehículo en el que expresarse y un repertorio que tararear de memoria. La gente pedía otro disco, disco que llegó en el 97 y al ser el séptimo de la banda lo titularon simplemente "7" (DRO, 1997). Los Platero estaban como nunca, o al menos eso pensaba el personal. Pues fíjense por dónde pero no; o mejor dicho sí, estaban como nunca habían estado, el grupo da muestras de cansancio, de no tener la frescura que tenían antes. «7» me parece un bune álbum sin mas, sólo una de las nueve canciones que contiene no me convence,

  Mujer, tremendo tema delicado y perfectamente realizado, quizás pueda parecer una canción sesentera de nuestra patria, pero le dan el toque Platero y queda brutal. El resto están bien, pero…... La que lo abre era una especie de toque de atención a los seguidores de PLATERO de toda la vida, el sintetizador que arranca Por mí era algo insólito en el sonido de la banda formada por Jesús, Juantxu, «Uoho» y Fito. Pero es que 7 tiene una producción excelente, se grabó hace tres lustros y a día de hoy sigue siendo un gustazo escucharlo en un bar o en casa con auriculares. Rock’n’roll es pura adrenalina y Mendrugos una vacilada muy bailable. Pero si destaca dentro del bien sin más y lo que da valor a este disco, eran los estupendos temas tranquilitos. Si miro a las nubes es pegadiza y en ella, además, el Robe de los Extremoduro canta mejor que nunca; Qué larga es la noche es deliciosamente delicada; Al cantar se presenta como una joyita, tremendamente influida por el “Let it be” de The Beatles (quizás me he pasado, pero ¿porque no?), una balada, pero al estilo Platero, con cambio de ritmo y haciéndose grande a mitad de canción de esas canciones que te transmiten buen rollo desde la primera vez que las escuchas. Por si fuera poco, dos piezas redondearían el conjunto mandando un mensaje claro: hay miles de motivos para seguir luchando por el rocanrol, miles de motivos para intentar ser feliz y mirar hacia delante. Os hablo de Magia y, por supuesto, Alucinante.


El objetivo principal de la música (creo) es lograr que nos sintamos bien. Además, con el paso del tiempo ésta se encarga de acompañar a nuestros recuerdos. «7» no sólo sigue haciéndolo sono que continúa trayendo a mi memoria (a mi corazón) imágenes de un gran verano de mi vida, y eso es un plus. Muchos se llevaron una decepción con este disco, y aunque como hemos dicho la producción es buena y las composiciones y la interpretación también, no parecen auténticas y si algo han tenido Platero y los ha hecho grandes ha sido su autenticidad y su capacidad de ser fieles consigo mismos. Las noticias de que Fito estaba planteándose grabar un proyecto en solitario y que Uoho estaba muy pendiente de Extremoduro, grabando con ellos, saliendo de gira (casi parecía más pendiente de los extremeños que de su propia banda), no ayudaron a que el público recibiera bien el disco. Tampoco se le puede culpar al respetable de este hecho: no está a la altura de los anteriores.


martes, 20 de septiembre de 2022

0628.- In the court of the Crimson King - King Crimson


In the court of the Crimson King,
 de King Crimson, la formación del guitarrista Robert Fripp, que junto a Greg Lake, Michael Giles, Ian Mcdonald Peter Sinfield nos regaló la primera gran obra del rock progresivo, es un gran viaje a través de evocadoras letras y brillantes pasajes musicales, que culmina en la canción que le da título, un derroche de imaginación e imágenes oníricas, y un exuberante cuento musical sobre la imaginaria "corte del Rey Carmesí".

La canción, la quinta y última del disco, es un idílico vehículo en el que tienen cabida orquestas, bufones, marionetas, flautistas púrpuras y suaves coros interpretando canciones de cuna, una pieza épica y solemne con la que termina un disco enorme. Lección magistral y vehículo experimental a partes iguales, se convirtió de inmediato en el tema más reconocido, y reconocible, de la banda de Robert Fripp. Revestido de grandilocuentes coros, y de densas y evocadoras florituras de mellotrón y flauta, es el final majestuoso que habría encandilado al más exigente de los reyes. El Rey Carmesí.

Grandes éxitos y tropiezos - Red Hot Chili Peppers

Red Hot Chili Peppers


     Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Red Hot Chilli Peppers:

Estás tardando en comprarlo: 



Blood Sugar Sex Magic
(1991), si no el mejor, sin duda uno de sus mejores trabajos. 
El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado. En este disco se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar, deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria. El disco les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual había trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía. Mother's Milk (1989) es otro disco que no puedes dejar de llevarte. Era su cuarto álbum de estudio, y tiene el honor de ser el primero en conseguir el primer disco de oro para el grupo. Casi un año antes del lanzamiento de este disco, el guitarrista Hillel Slovak fallecía por sobredosis, lo que causó que el batería Jack Irons abandonase el grupo. John Frusciante y Chad Smith llegaban para suplirlos. La llegada de Frusciante se nota de inmediato, pues alterará en gran medida el sonido de la banda, poniendo más énfasis en sonidos melódicos. Un disco muy funk, pero con poderosos toques metaleros. También te recomendamos Californication (1999). Es cierto que es un disco bastante controvertido entre los fans de la banda, pues hay a quienes le resultan un gran disco y hay a quienes le parece insufrible. A nosotros nos parece un gran trabajo. Un disco que volvía a poner a California en el mapa del rock. Un disco que contiene temazos como Around the World, Otherside, Californication o Scar Tissue.

Si te queda pasta, llévate también:




One Hot Minute
(1995), disco que fue grabado con Dave Navarro, el antiguo guitarrista de Jane's Addiction. Con la presencia de Dave Navarro el grupo recuperó ese estilo arrollador de sus comienzos. La presencia del guitarrista altera el sonido del grupo en un disco que contiene menos temas sexuales que en albumes anteriores y explora asuntos más oscuros como las drogas, la depresión, la angustia o el dolor. By the Way (2002) suponía un disco diferente a sus anteriores trabajos. Este disco es un acercamiento más sincero y reflexivo por parte de Anthony Kiedis en las letras, y se caracteriza por unas melodías menos animadas a las que nos tienen acostumbrados, dando un cambio de dirección en la grabación. Un trabjo muy interesante.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Si te has quedado sin dinero, o simplemente quieres ir poco a poco y tomártelo con calma, deja para el final I'm With You (2011). Este disco, el décimo de la banda, era el primero del guitarrista Josh Klinghoffer, que sustituía a John Frusciante. Se nota demasiado la marcha de John Frusciante, y el grupo se muestra por momentos perdido. El estilo y el sonido que John Frusciante había aportado al grupo eran algo único, además de la gran química que había entre Kiedis y Frusciante en la parte compositora. Los resultados ya no serían lo mismo sin Frusciante. The Red Hot Chili Peppers (1984), el album debut del grupo. La grabción del disco no fue fácil, pues se produjeron constantes desacuerdos entre la banda y el productor del álbum, el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill. Gill quería llevar  la banda a un lado más pop. Al final el disco fue lanzado con el título The Red Hot Chili Peppers, algo con lo que también estuvo el grupo en desacuerdo, pues querían llamarlo True Men Don't Kill Coyotes. Entusiasmo y ganas no les faltan, pero los problemas y desacuerdos en la producción se notan, aunque es cierto que por momentos nos muestran pequeños destellos de la gran banda en que se iban a convertir.

Si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro Top 5 de Red Hot Chili Peppers:

1.- Can't Stop

2.- Give It Away

3.- Under The Bridge

4.- Dani California

5.- Otherside




 






 

lunes, 19 de septiembre de 2022

0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson

0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson 

Epitaph 
es la tercera pista del álbum de 1969 de la banda británica de rock progresivo King Crimson, In the Court of the Crimson King. Fue escrito por Robert Fripp, Ian McDonald, Greg Lake y Michael Giles con letra escrita por Peter Sinfield.

La canción se destaca por su uso intensivo del Mellotron. Al igual que con la primera pista del álbum, "21st Century Schizoid Man", la letra de la canción tiene un sentimiento claramente distópico y se presenta como una protesta a la Guerra Fría.

El título de la canción se utilizó como nombre de un álbum en vivo de grabaciones realizadas por el King Crimson original, Epitaph.

Emerson, Lake & Palmer incorporarían más tarde un extracto de esta canción después de la parte "Battlefield" de la versión en vivo de su canción "Tarkus", del álbum Tarkus, como se documenta en el álbum en vivo Welcome Back My Friends to the Show That Never. Finaliza... Damas y caballeros.

Stripes del álbum Hell's Winter de Cage muestra una parte media de la canción a lo largo de su duración.
Epitaph Records también tomó su nombre de la canción.

Daniel 
Instagram storyboy 

A pelo - Platero y tú #MesPlateroyTú



El significado de la expresión "A pelo" proviene de la equitación, de una forma de montar a caballo sin silla, como lo hacían los indios americanos en las viejas películas del salvaje oeste. El título del primer disco en vivo de Platero y Tú tiene, por tanto, una connotación de música directa y salvaje, sin grandes complementos, asumiendo riesgos y cabalgando en libertad.

Publicado en 1996 en el sello discográfico DRO, el disco no corresponde con una sola noche de concierto de la banda, sino que es una acertada mezcla de las grabaciones de varios conciertos entre noviembre de 1995 y febrero de 1996. Aunque en un primer momento se llegó a editar como doble CD, en 1997 la discográfica optó por la publicación de una versión de un solo disco para venderlo al precio más asequible de lo que entonces se conocía como "serie media". En una u otra versión, la fuerza del directo de Platero y Tú queda más que patente, pero para esta reseña nos quedamos con la versión de disco doble, porque si podemos elegir, de Platero y Tú siempre querremos más canciones.

El primer disco comienza con una serie de cinco canciones grabadas en el Kafe Antzokia de Bilbao. Arrancan con A un tipo listo, para lanzarse después al clásico Un ABC sin letras, y tras interpretar unas correctas Ramón y Bobo nos regalan el primero de los grandes momentos del disco en Tras la barra. La segunda parte del disco son los cuatro temas grabados en el Coliseum de La Coruña, una sucesión de grandes temas que comienza con Por fín y que va subiendo en intensidad con las imprescindibles Voy a acabar borracho, Juliette y Esa chica tan cara. Palabras mayores, pero todavía suben un peldaño más con la revisión en directo de esa obra maestra que es Me dan miedo las noches, único tema extraído de un concierto en la Sala Arzobispo de Barcelona. La traca final la ponen las actuaciones extraídas de un concierto en la madrileña Sala Canciller, del que escogieron las interpretaciones de Ya no existe la vida, Mira hacia mi y el imprescindible homenaje al High Voltage de ACDC en Hay poco Rock & Roll, y una versión de más de diez minutos de Si tú te vas grabada en el Kafe Antzokia de Bilbao.

Solo el primer cd ya compondría un exultante disco en directo digno de mención, pero es que el segundo disco arranca con la misma fuerza, y en el mismo lugar. El Kafe Antzokia de Bilbao vuelve a ser el testigo de la interpretación de temas como la desenfadada Mari Madalenas, la excelsa El roce de tu cuerpo y la intensa Desertor. Del concierto de la Coruña están aquí incluidas Marabao y Tenemos que entrar, y una nueva interpretación de Bobo como único tema de la Sala Canciller de Madrid. La inclusión de menos temas en este segundo disco, repitiendo algún tema e incluyendo un tema inédito de estudio como último corte del disco (Muero por vivir) hizo que quedara como una especie de "disco de extras" y que en conjunto no tuviera la entidad del primer disco, cuando podían haber construido un doble disco en directo épico y sin fisuras.

Ese es, quizá, el único pero de este disco, el imaginarnos lo que hubiera sido si al segundo disco se le hubiera dado el mismo tratamiento que al primero, no repitiendo canciones e incluyendo algunas otras canciones más potentes, o incluso alguna otra versión en directo de otros grupos de rock, que habrían funcionado igualmente bien como curiosidades de un directo que roza el sobresaliente. Se publicó además un single del tema Voy a acabar borracho, que incluía además El roce de tu cuerpo, y la Cadena 100 editó un maxi promocional llamado Cantalojas, que incluía versiones en directo de la propia Cantalojas, más los temas Sin solución, Si tú te vas, y Muero por vivir, todas ellas grabadas en un concierto especial para la emisora. Por tanto, material había para habernos dejado cabalgar A pelo por la pradera más tiempo, a lomos de un caballo que podría haberse desbocado aún mas de lo que ya de por sí lo hizo.

domingo, 18 de septiembre de 2022

0626.- I talk to the Wind - King Crimson

 


Además es el álbum considerado como el album fundador del Rock Progresivo, puesto que empujaba los limites del rock hacia el jazz y la música clásica, es también considerado como el mejor album de rock progresivo que jamas se haya publicado, incluso Pete Townshend, el líder del grupo The Who, decía a propósito del album que era un obra de arte, si bien hubo otros álbumes anteriores como ‘Sgt. Peppers’ o el ‘Days Of Future Passed’ de Moody Blues que pueden reclamar haber dado el primer paso en el rock progresivo, en ‘In the Court of the Crimson King’ se aunaron por primera vez una gran destreza técnica con música experimental, grandes letras y un sentido conceptual, todo en una misma grabación. Ademas para la historia a quedado su famosa caratula que fue creada por Barry Godber, un joven de 23 años adepto a las computadoras que comenzaban a aparecer en los 60s, este joven murió de un ataque cardiaco un año después. En la caratula se muestra un visage, con los ojos muy abiertos temeroso y gritando, algo así como un esquizofrénico y que en caratula interior la misma figura sonríe, convirtiéndose en una de las carátulas más emblemáticas caratulas de la historia del rock, emulando al prisma de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd o del album Blanco de los Beatles.

 

"I Talk to the Wind" tiene un fuerte contraste entre una canción suave y dulce, que podría asimilarse al folk rock, por el uso de la flauta de Ian McDonald. "He estado aquí y he estado allí, y también en el medio", contesta el hombre esquizoide, dejando que el viento se lleve sus palabras, reflejando la diferencia entre la locura de la ciudad de metal y la ansiada tranquilidad del campo, la bella melodía de flauta nos transmite poco a poco la tristeza que siente el personaje, al descubrir que "el viento no puede oír", lo cual le sume en la confusión... Esta letra puede corresponder claramenente a la época donde fue publicado, teniendo en cuenta el discurso de los jóvenes hippies de ese tiempo, contra la sociedad de consumo y represora, etc. « you don't possess me », « can't instruct me » (« Yo no les pertenezco, », « no podrán educarme » frases que se repiten en el tema y que explican en algo ese discurso. Pero igualmente queda la frustración y la desilusión en el coro, pero con el mensaje esperanzador que llagara a alguien y no solo se quedara en el viento. Es sin duda la voz lastimera de Ian McDonald quien le da esa notoriedad al tema, sin olvidar a los otros integrantes legendarios de King Crimsom, Robert Fripp en guitarra, Greg Lake quien formará mas tarde The Trilogy Emerson, Lake and Palmer en el bajo, Michael Giles en batería y Peter Sinfield conocido English poeta , autor y co fundador del grupo.

sábado, 17 de septiembre de 2022

0625-. 21st Century Schizoid Man - King Crimson

 

21st Century Schizoid Man


     En 1969 la banda de rock sinfónico y progresivo King Crimson debuta con su primer álbum de estudio, In the Court of the King Crimson. Este disco debut, considerado como uno de los primeros álbumes de rock progresivo además de convertirse en uno de los grandes referentes del género, fue grabado entre junio y agosto de 1969 en los estudios Wessex de Londres bajo la producción del mismo grupo. El disco fue publicado el 10 de octubre de 1969 bajo las discográficas Island, Atlantic y E.G.,

Incluido en este genial disco se encuentra 21st Century Schizoid Man, canción acreditada a toda la banda y que es una clara crítica a la Guerra de Vietnam, haciendo referencia a los muertos por napalm en dicha guerra y a la barbarie que allí se gestó. Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald, con voces distorsionadas y unos poderosos riffs de guitarra, nos dibujan una ciudad distópica y deshumanizada, un lugar contaminado y enfermo en el que la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños, morir de hambre a los poetas y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad y buscar una vida relajada en el campo, alejado de tanta locura, un lugar donde poder sentir el silencio y hablar tranquilamente con el viento.

Antes de una presentación en vivo de la canción, concretamente el 14 de septiembre de 1969, Robert Fripp afirmó que la canción estaba dedicada a una personalidad política estadounidense a quien todos conocían ya amaban mucho. dicha personalidad era Spiro Agnew. Agnew fue el trigésimo noveno vicepresidente de Estados Unidos, sirviendo bajo el presidente Richard Nixon. También fue el primer gobernador greco-estadounidense en la historia de Estados Unidos. Después de un extenso ensayo, la banda grabó la pista básica en una sola toma con todos los miembros tocando juntos al mismo tiempo. Greg Lake, que tocaba el bajo en esta formación, se encargó de agregar la voces la voces. Aunque el riff distintivo de la canción fue una ocurrencia de Greg Lake e Ian McDonald, la canción fue atribuida a todo el grupo.

Weezer - Weezer (Blue álbum) Píldora #3




El álbum Weezer (Blue album), se encuentra entre los mejores discos de debut de todos los tiempos, con el legendario Ric Ocasek a la cabeza como productor, Blue Album es una amalgama perfecta de power pop crujiente y letras azucaradas pero entrañables. Este debut se enmarca en una época en la que el rock alternativo estadounidense era dominado por el grunge, a pesar de que el lo-fi, el pop punk y otros estilos intentaron emerger contrastados con el indie de otras latitudes más enfocado al pop. Weezer no hizo nada innovador musicalmente, pero lo que hizo, lo hizo tan bien que no queremos otra cosa que lo que nos dan, sencillamente esto es pop-rock del más alto nivel, que suena como una versión actualizada del pop de los 60 y el álbum brilla líricamente.Al igual que en la década de 1960, la década de los 90 también fue una época de cambios culturales y cambios musicales, y gran parte de las influencias musicales populares giraron en torno a un sentimiento similar de angustia, rebelión y agravios con el mundo en el que vivían. The Blue Album es un lugar para que estudiantes universitarios, estudiantes de secundaria y fanáticos afines se reúnan y disfruten de un disco que parece haber sido escrito solo para ellos, que resume muchas de las emociones y experiencias angustiosas que conforman sus vidas. La angustia, la energía, la emoción, la identificación y la pasión son palabras que vienen a la mente cuando se piensa en el Blue album, 41 minutos y diez pistas únicas en un proyecto que se quedado en la memoria la primera vez que lo escuchas.

No One Else es una de las canciones más básicas y descarnadas del Blue Album, una canción satírica que se cuenta desde el punto de vista de un personaje demasiado celoso y protector con su novia. "Undone, the Sweater Song" es el sencillo principal de este álbum, me parece una canción agridulce de ruptura sobre el impacto emocional cuando tu novia te deja, algunas personas llaman a esta canción "divertida", yo pienso que es más bien agridulce. "Say It Ain't So" es una pieza lenta pero rockera sobre el padre alcohólico de Rivers, mientras que "In the Garage" trata sobre cómo Rivers se esconde con sus recuerdos geek en el único lugar donde puede ser él mismo. Buddy Holly no necesita presentación, la canción más popular de Weezer, retrata un amor de pareja y lo perfectos que se ven uno para el otro, al igual que Buddy Holly y Mary Tyler Moore, no importa lo que la gente diga de ellos, saben que se pertenecen el uno al otro.

En definitiva, la química entre Rivers Cuomo y Brian Bell es lo que hace que las guitarras de este álbum suenen tan masivas, con fenomenales riffs de bajo de Matt Sharp y una batería sólida cortesía de Patrick Wilson hacen un conjunto imprescindible en la música.

viernes, 16 de septiembre de 2022

0624-. Light Flight - Pentangle

 

Light Flight, Pentangle



     Pentangle fue una banda de folk rock británica cuyo primer periodo de actividad abarcó la década de lo 60 y principios de los 70. La agrupación original estaba compuesta por Jacqui McShee (voz), John Renbourn (guitarra), Bert Jansch (guitarra), Danny Thompson (contrabajo) y Terry Cox (batería). El nombre del grupo, Pentangle, fue elegido porque representaba a los cinco miembros de la banda.

El 26 de octubre de 1969 se publica el tercer álbum de estudio de la banda, titulado Basket of Light. El disco es grabado en los IBC Studios de Londres bajo la producción del productor, compositor y arreglista estadounidense Shel Tamy, y publicado por el sello discográfico Transatlantic.

Basket of Light, donde todos los instrumentos tocados fueron acústicos, supuso el gran éxito comercial del grupo y llegó a ocupar el puesto número 5 en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, siendo incluido además en los libros "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "1000 grabaciones para escuchar antes de morir". Incluido en el álbum se encuentra Light Flight, tema que llego a alcanzar el puesto número 43 en las listas de sencillos del Reino Unido, y que alcanzó gran popularidad al ser usado como tema musical de una serie detelevisión titulada Take Three Girls, la primera serie dramática emitida por la BBC en color.

El disco de la semana 293: Causa Sui - Summer Sessions Vol.1


Sin duda todos disfrutamos de las cualidades evocadoras del rock de los 60-70 y la base interlineales la columna vertebral de la que la mayoría de las bandas de rock/progresivo disfrutan de largas fusiones de sonido que impactan en el subconsciente, una superposición de intervalos armónicos y simplemente ritmos que inducen sentimientos de euforia y exaltación. Causa Sui, banda de rock psicodélico Danesa, reúne sin esfuerzo los adornos principales de casi todos los elementos que el rock tiene para ofrecer y nos regala una sensación similar y totalmente novedosa. Sin duda su obra magna es un tríptico titulado Summer Sessions, estos tres discos originalmente estaban destinados a ser escuchados por separado, ya que todos fueron lanzados en diferentes momentos pero tengo que decir que, en conjunto, los tres volúmenes diferentes de Summer Sessions se complementan bastante bien. Olas que rompen en el fondo lejano, voces que recorren el valle mientras la música crece y crece a lo largo de la orilla del lago. Los atascos nocturnos se elevan hacia el cielo ennegrecido a medida que las sinapsis explotan y chisporrotean. Summer Sessions de Causa Sui vol. 1-3 se siente como un microcosmos musical de la muerte del Verano del Amor y el nacimiento de la era más oscura conocida como la década de 1970. La música trataba más de satisfacer al artista que al oyente. Si al oyente le gustó, genial, si no, daba igual, ese era su problema. ¿Sería prudente recomendar al oyente no iniciado un disco de tres volúmenes como primera incursión en el mundo musical de Causa Sui? Asi que refiero ser cauto y antes de profundizar en Summer Sessions Vol. 1-3, vamos a ofrecerte solo el primer volumen.



Sesiones de verano vol. 1 abre con una trituradora de psique llamada "Visions Of Summer", es como los primeros Santana, The Doors "Riders On The Storm" y Miles' Bitches Brewtodo envuelto en esta exquisita y sabrosa delicia, los ritmos con sabor latino se entrelazan con teclas de ensueño, elegantes guitarras con grandes riffs y un bajo contundente. Fluye y refluye entre momentos fuertes y horizontes atmosféricos, fluye entre el idealismo de finales de los 60 y el machismo de principios de los 70 con un efecto sorprendente. Si buscas hacer una declaración, "Visions Of Summer" es una gran manera de saludar a la gente. Y en casi 25 minutos, tienes tiempo de alejarte para fumar (o hacer una tortilla) y regresar antes de que te pierdas algo bueno, atrae al oyente con algunos efectos de onda de viento de sintetizador y percusiones espaciadas antes de una línea de bajo pegadiza, te va a enganchar, es casi imposible no disfrutar/apreciar las maravillosas líneas de bajo de jazz-rock de Jess Kahr, los interminables estilos de jazz expresivos del baterista Jakob Skott y, lo que es más importante, el extravagante trabajo de guitarra y teclado de Jonas Munk. Mis limitaciones imperfectas de ser humano me están haciendo salivar mientras escribo esto. Desde percusiones de gotas de lluvia, patrones interminables de redoble de tambores, sintetizadores espontáneos bien ajustados, patrones rítmicos inspirados en Jimmy Hendrix, hasta acumulaciones de amplificación lenta, "Vision of Summer" es una peregrinación de stoner-space rock que no vale la pena dejar pasar. 

“Red Sun In June” tiene una agradable sensación de jazz en la batería de buen gusto de Jakob Skott, mientras que Jonas Munk se apoya en una guitarra pesada y desfasada. Esta pista se siente como una pieza complementaria a un zumbido de verano. Los ojos entrecerrados e inyectados en sangre miran más allá de un sol abrasador que se abre camino hacia el océano mientras te derrites en la arena de verano. Sin darte cuenta has disfrutado de una canción llena de rock que encaja perfectamente después de que sus pistas anteriores se acumularan inmensamente.  Las tendencias apacibles de esta transición invitan y tranquilizan, y actúan como un apoyo para atrapar el aturdimiento esperado que uno debería haber experimentado hasta este momento. “Portixeddu” es un exploración espaciada en el corazón del sol. Ruidos zumbantes y algunos ritmos serios, vuelan más allá de tus oídos mientras el equipo de Causa Sui extrae un vudú de rock. Salta de nuevo a los estilos de rock que empujan hacia adelante y, oh, nunca antes había escuchado cencerros tan apropiadamente en una canción. Los toques de campana de Skott avergonzarían a Will Ferrell cualquier día, de hecho, su habilidad para manejarlo con tanta eficacia sobre todas sus otras responsabilidades deja a uno con la duda de si el tipo tiene un brazo extra. “Soledad” suena como algo embriagador, como la neblina de Pink Floyd. También creo que esta pista sugiere futuros esfuerzos y vibraciones que Causa Sui explorarán con sus Pewt'r Sessions, una pista pura de stoner-rock que dibuja similitudes extremas con el uso que hace Kyuss de las integraciones de blues-rock.


Summer Sessions vol. 1 es, con diferencia, el mejor de la trilogia  de Summer Sessions y posiblemente el mejor trabajo que Causa Sui haya ofrecido, además de que sus contrapartes también son grandes piezas musicales. Estas obras de arte perdurables deben ser contempladas por entusiastas del rock y/o cualquiera que desee buscar lo que el rock psicodélico tiene para ofrecer, un álbum moderno de psicodélico/jazz-fusión/jam rock, realmente esencial.


jueves, 15 de septiembre de 2022

0623 - Raindrops Keep Fallin' on My Head - BJ Thomas

0623 - Raindrops Keep Fallin' on My Head - BJ Thomas

Raindrops Keep Fallin' on My Head es una canción escrita por Burt Bacharach y Hal David para la película de 1969 Butch Cassidy and the Sundance Kid. La letra edificante describe a alguien que supera sus problemas y preocupaciones al darse cuenta de que "no pasará mucho tiempo hasta que la felicidad aparezca para saludarme".

La canción fue grabada por BJ Thomas en siete tomas, después de que Bacharach expresara su descontento con las primeras seis. En la versión cinematográfica de la canción, Thomas se estaba recuperando de laringitis, lo que hizo que su voz sonara más ronca que en el lanzamiento de álbume de formato de 7 pulgadas. 

La versión cinematográfica presentaba una pausa instrumental separada al estilo de vodevil en tiempo doble mientras Paul Newman realizaba acrobacias en bicicleta.

A Ray Stevens se le ofreció por primera vez la oportunidad de grabarlo para la película, pero la rechazó. En cambio, eligió grabar la canción "Sunday Morning Coming Down", escrita por Kris Kristofferson. Se supone que se le acercó a Bob Dylan para la canción, pero al parecer él también se negó. Los solos de trompeta de la canción son interpretados por Chuck Findley. Carol Kaye tocó el bajo eléctrico en la canción.

El single de B. J. Thomas alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos, Canadá y Noruega, y alcanzó el número 38 en la lista de singles del Reino Unido.
Encabezó el Billboard Hot 100 durante cuatro semanas en enero de 1970 y también fue el primer éxito estadounidense No. 1 de la década de 1970. 
La canción también pasó siete semanas en la cima de la lista contemporánea de adultos de Billboard. Según la revista Billboard, había vendido más de 2 millones de copias hasta el 14 de marzo de 1970, y las versiones de casete y de ocho pistas también ascendieron en las listas. 
Pero los éxitos no quedaron  ahí ya que Ganó un Oscar a la Mejor Canción Original. Y Bacharach también ganó Mejor Banda Sonora Original.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 14 de septiembre de 2022

0622.- Victoria - The Kinks



Victoria es la canción que The Kinks escogieron como arranque de su obra conceptual Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969), el séptimo álbum de estudio de la banda, y también como su principal single. El disco al completo iba a ser la banda sonora de un programa de Granada Television, y en ese sentido tanto Victoria como el resto de las canciones mantenían un hilo argumental que se desarrolló junto al novelista Julian Mitchell.

Inspirada en la vida en Inglaterra durante la era victoriana, la canción de Ray Davies es una mordaz y satírica descripción de las diferencias entre clases de la época, la hipocresía y adulación de la clase alta y las vanas esperanzas de libertad de las clases oprimidas, que sin embargo están dispuestas a morir por su país. Al cancelarse el proyecto de programa televisivo, siguieron desarrollando la temática del disco, que a través de la vida de un personaje inventado llamado Arthur Morgan, instalador de alfombras, va relatando la evolución de la sociedad británica desde la mencionada era victoriana hasta su hipotético derrumbamiento final. 

La canción comienza con un riff de guitarra, en clave de blues eléctrico y rock, pero la canción va creciendo hasta convertirse en una exuberante pieza con arreglos de metales. Las críticas a Victoria y al álbum fueron muy positivas, pero solo el sencillo de Victoria alcanzó unas ventas satisfactorias, devolviendo al grupo al Billboard estadounidense después de dos años de ausencia, y llegando hasta el puesto 62.​ El álbum solo pudo llegar al puesto 105 del Billboard, la posición más alta conseguida por un álbum del grupo en Estados Unidos desde 1965, pero Arthur no fue profeta en su tierra, y no consiguió entrar en las listas del Reino Unido.

Vamos Tirando - Platero y tú #MesPlateroyTú

 


De primero una confesión, no soy un gran seguidor de Platero y tu, tampoco soy un seguidor de Fito Cabrales, pero si espero que tras escuchar el disco y leer los artículos que están realizando mis compañeros pueda coger el tranquillo a un grupo que para la inmensa mayoría fue uno de los mas impoetantes en rock nacional de los 90. Para eso, mi compañero Jorky me ha encomendado la tarea de escuchar y escribir sobre Vamos Tirando, y eso espero yo, ir tirando mientras las canciones van inundando mis oídos. Pero antes un poquito de historia, Platero y Tu, aun no había explotado, tenían tres discos en el mercado y el grupo de seguidores era aun escaso y su repercusión no era la esperada, en cambio si había cambiado algo, la discográfica DRO (Discos Radiactivos Organizados) habían puesto su ojo en el grupo y el sello que había sido los culpables de empezar a editar discos a bandas como Parálisis Permanente, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Decibelios, Alphaville y a otros grupos de la Movida, tenían claro que ese filon había que explotarlo. Se les ha acusado que para llegar al éxito buscado hayan tenido que ablandarse, no estoy totalmente de acuerdo con esa sentencia, para mi sin ser especialista me parece un disco bastante potente donde el rock callejero de sus primeros discos siguen campando por sus anchas, quizás puedo comprar que la rabia en los textos y la anarquia habían sido moderadas aun así esta bastante por encima del rock desarrollado en el año 1993.

 

Y al hilo de la ultima frase nada mejor que empezar con el primer tema para dejar claro que Platero seguía siendo Platero, A un tipo listo, es una reivindicación de una forma de vida que no queremos cambiar y que el rollo que quieren seguir dando es con el que hasta ahora habían disfrutado, tenemos una apertura de disco fantástica, realmente suena muy bien nos llegan a una velocidad de vértigo, notas desafiantes que vienen bien acompañadas por unos acordes llenos de fuerza. Esta noche yo haría es la forma que Platero tiene de entregarnos una canción de amor, cruda, real y sin tapujos, siguen entregando guitarras desnudas y rallantes para esta historia particular de barro y suciedad. Con No me hagas soplar nos entregan un Blues muy apañado y pegadizo, de esencia boogie con las teclas del Reverendo, quien interviene en una canción muy divertida, no se si esta es una de las razones que dicen que se ablandan, pero para nada, es un tema divertido pero con una realidad innegable. Marabao no es una isla a la que viajar, Marabao es el apellido de Iñaki, un tipo que nada ni nadie le pudo detener, que se bebio la vida a su manera y riesgo, un personaje que nos retrotrae a los años 80 del caballo y la droga, un homenaje pero también una advertencia. Lo cierto es que este tema nos lleva en el tiempo porque tiene un cierto parecido a los primeros discos del grupo, y donde los instrumentos se hacen con el control de la canción, una demostración que a música pocos les ganan. Otra del mismo estilo es Lo que os merecéis, donde de nuevo se vislumbran a los Platero y tu primigenios, protagonismo para Uoho y su guitarra que no tiene un momento de descansa. R&R Batzokian es un homenaje a sus raíces, una canción punk cantada en Euskera, el primero que canta la banda en ese idioma, la canción roza el punk.



 

Bobo encuentra en la producción una mezcla muy efectiva de blues y tradición del heavy hispano de los ochenta y que el hammond del profesor reverendo enriquece con un sutil y elegante aporte. Mari Madalenas puro rock and roll con ADN de himno para entonaciones en vivo con su letra mordaz como en su estribillo simpaticote y la cortina sonora que envuelve el tema. Si la adrenalina sonara de alguna manera probablemente sería así. Llega el momento del gran Hit del álbum Tras la barra un cuadro de lo que se ve detrás de una barra del bar, quemado, currando un gran fresco de lo que es esa vida, que nos relata cual novelista, un gran tema. Me dan Miedo las Noches es la parte más tranquila del disco, si algo puede ser tranquilo, una melodía lenta, un ambiente opresivo, las mentes empapadas de dolor y excelentemente cantada por Fito. Mírame, de nuevo con Reverendo echando una mano(y de camino dándole empaque a la canción. Cerramos con No estoy loco, otro potente rock and roll.

 

Platero y tu me ha dejado buen gusto, presentan un ramillete de temas de cuidadas melodías, mas tratados sónicamente y con tendencia a dejarse querer por otros estilos como el blues o el rock mas americano, las letras están mas conseguidas y apartadas de cualquier sombra de vulgaridad, sentido del humor que busca la inteligencia. En resumen, que nos encontramos ante un muy buen disco de rock, luego llegarían discos de oro, giras interminables con Extremo, dudas sobre el futuro y definitiva separación amistosa, de los proyectos personales de los cuatro chicos de Platero solo diremos que Uoho termino como no podía ser de otra manera en las filas de Extremo y Fito...bueno Fito es un exitoso artista que vende discos por contenedores y llena arenas y cosos sin aparente dificultad, aquellos noventa era otra cosa ¿verdad Fito?