miércoles, 21 de septiembre de 2022
0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa
7 - Platero y tú #MesPlateroyTú
Con su séptimo disco, "7" (1997) se nota un cambio
profundo en las canciones de Platero, ahora más maduras tanto musicalmente como
en sus letras, y alejándose un poco del rock de los inicios, lo que fue
criticado por algunos de sus fans. Vuelve a participar Robe, ésta vez en el
tema "Si miro a las nubes", y de nuevo consiguen el disco de oro. 7
marca un punto de inflexión en la historia del grupo y sus componentes se
embarcan en otros proyectos: Fito graba su primer disco con Fito & Fitipaldis
y Uoho empieza a colaborar más activamente con Extremoduro.
La cuestión es que estamos en 1997 y Platero viene de estar en la cresta de la ola, su doble directo "A Pelo" (DRO, 1996) había pegado fuerte en las listas, y gracias a la amistad y al apoyo de Robe Iniesta y sus Extremoduro que justo en el 96 habían hecho estallar la bomba con su "Agila" (DRO, 1996), dándole a una generación de jóvenes un espejo en el que mirarse, un vehículo en el que expresarse y un repertorio que tararear de memoria. La gente pedía otro disco, disco que llegó en el 97 y al ser el séptimo de la banda lo titularon simplemente "7" (DRO, 1997). Los Platero estaban como nunca, o al menos eso pensaba el personal. Pues fíjense por dónde pero no; o mejor dicho sí, estaban como nunca habían estado, el grupo da muestras de cansancio, de no tener la frescura que tenían antes. «7» me parece un bune álbum sin mas, sólo una de las nueve canciones que contiene no me convence,
Mujer, tremendo tema delicado y perfectamente realizado, quizás pueda parecer una canción sesentera de nuestra patria, pero le dan el toque Platero y queda brutal. El resto están bien, pero…... La que lo abre era una especie de toque de atención a los seguidores de PLATERO de toda la vida, el sintetizador que arranca Por mí era algo insólito en el sonido de la banda formada por Jesús, Juantxu, «Uoho» y Fito. Pero es que 7 tiene una producción excelente, se grabó hace tres lustros y a día de hoy sigue siendo un gustazo escucharlo en un bar o en casa con auriculares. Rock’n’roll es pura adrenalina y Mendrugos una vacilada muy bailable. Pero si destaca dentro del bien sin más y lo que da valor a este disco, eran los estupendos temas tranquilitos. Si miro a las nubes es pegadiza y en ella, además, el Robe de los Extremoduro canta mejor que nunca; Qué larga es la noche es deliciosamente delicada; Al cantar se presenta como una joyita, tremendamente influida por el “Let it be” de The Beatles (quizás me he pasado, pero ¿porque no?), una balada, pero al estilo Platero, con cambio de ritmo y haciéndose grande a mitad de canción de esas canciones que te transmiten buen rollo desde la primera vez que las escuchas. Por si fuera poco, dos piezas redondearían el conjunto mandando un mensaje claro: hay miles de motivos para seguir luchando por el rocanrol, miles de motivos para intentar ser feliz y mirar hacia delante. Os hablo de Magia y, por supuesto, Alucinante.martes, 20 de septiembre de 2022
0628.- In the court of the Crimson King - King Crimson

La canción, la quinta y última del disco, es un idílico vehículo en el que tienen cabida orquestas, bufones, marionetas, flautistas púrpuras y suaves coros interpretando canciones de cuna, una pieza épica y solemne con la que termina un disco enorme. Lección magistral y vehículo experimental a partes iguales, se convirtió de inmediato en el tema más reconocido, y reconocible, de la banda de Robert Fripp. Revestido de grandilocuentes coros, y de densas y evocadoras florituras de mellotrón y flauta, es el final majestuoso que habría encandilado al más exigente de los reyes. El Rey Carmesí.
Grandes éxitos y tropiezos - Red Hot Chili Peppers
![]() |
Red Hot Chili Peppers |
Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Red Hot Chilli Peppers:
Blood Sugar Sex Magic (1991), si no el mejor, sin duda uno de sus mejores trabajos. El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado. En este disco se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar, deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria. El disco les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual había trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía. Mother's Milk (1989) es otro disco que no puedes dejar de llevarte. Era su cuarto álbum de estudio, y tiene el honor de ser el primero en conseguir el primer disco de oro para el grupo. Casi un año antes del lanzamiento de este disco, el guitarrista Hillel Slovak fallecía por sobredosis, lo que causó que el batería Jack Irons abandonase el grupo. John Frusciante y Chad Smith llegaban para suplirlos. La llegada de Frusciante se nota de inmediato, pues alterará en gran medida el sonido de la banda, poniendo más énfasis en sonidos melódicos. Un disco muy funk, pero con poderosos toques metaleros. También te recomendamos Californication (1999). Es cierto que es un disco bastante controvertido entre los fans de la banda, pues hay a quienes le resultan un gran disco y hay a quienes le parece insufrible. A nosotros nos parece un gran trabajo. Un disco que volvía a poner a California en el mapa del rock. Un disco que contiene temazos como Around the World, Otherside, Californication o Scar Tissue.
One Hot Minute (1995), disco que fue grabado con Dave Navarro, el antiguo guitarrista de Jane's Addiction. Con la presencia de Dave Navarro el grupo recuperó ese estilo arrollador de sus comienzos. La presencia del guitarrista altera el sonido del grupo en un disco que contiene menos temas sexuales que en albumes anteriores y explora asuntos más oscuros como las drogas, la depresión, la angustia o el dolor. By the Way (2002) suponía un disco diferente a sus anteriores trabajos. Este disco es un acercamiento más sincero y reflexivo por parte de Anthony Kiedis en las letras, y se caracteriza por unas melodías menos animadas a las que nos tienen acostumbrados, dando un cambio de dirección en la grabación. Un trabjo muy interesante.
Si te has quedado sin dinero, o simplemente quieres ir poco a poco y tomártelo con calma, deja para el final I'm With You (2011). Este disco, el décimo de la banda, era el primero del guitarrista Josh Klinghoffer, que sustituía a John Frusciante. Se nota demasiado la marcha de John Frusciante, y el grupo se muestra por momentos perdido. El estilo y el sonido que John Frusciante había aportado al grupo eran algo único, además de la gran química que había entre Kiedis y Frusciante en la parte compositora. Los resultados ya no serían lo mismo sin Frusciante. The Red Hot Chili Peppers (1984), el album debut del grupo. La grabción del disco no fue fácil, pues se produjeron constantes desacuerdos entre la banda y el productor del álbum, el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill. Gill quería llevar la banda a un lado más pop. Al final el disco fue lanzado con el título The Red Hot Chili Peppers, algo con lo que también estuvo el grupo en desacuerdo, pues querían llamarlo True Men Don't Kill Coyotes. Entusiasmo y ganas no les faltan, pero los problemas y desacuerdos en la producción se notan, aunque es cierto que por momentos nos muestran pequeños destellos de la gran banda en que se iban a convertir.
lunes, 19 de septiembre de 2022
0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson
A pelo - Platero y tú #MesPlateroyTú


domingo, 18 de septiembre de 2022
0626.- I talk to the Wind - King Crimson
Además es el álbum considerado como el album fundador del
Rock Progresivo, puesto que empujaba los limites del rock hacia el jazz y la
música clásica, es también considerado como el mejor album de rock progresivo
que jamas se haya publicado, incluso Pete Townshend, el líder del grupo The
Who, decía a propósito del album que era un obra de arte, si bien hubo otros
álbumes anteriores como ‘Sgt. Peppers’ o el ‘Days Of Future Passed’ de Moody
Blues que pueden reclamar haber dado el primer paso en el rock progresivo, en
‘In the Court of the Crimson King’ se aunaron por primera vez una gran destreza
técnica con música experimental, grandes letras y un sentido conceptual, todo
en una misma grabación. Ademas para la historia a quedado su famosa caratula
que fue creada por Barry Godber, un joven de 23 años adepto a las computadoras
que comenzaban a aparecer en los 60s, este joven murió de un ataque cardiaco un
año después. En la caratula se muestra un visage, con los ojos muy abiertos
temeroso y gritando, algo así como un esquizofrénico y que en caratula interior
la misma figura sonríe, convirtiéndose en una de las carátulas más emblemáticas
caratulas de la historia del rock, emulando al prisma de The Dark Side of the
Moon de Pink Floyd o del album Blanco de los Beatles.
"I Talk to the
Wind" tiene un fuerte contraste entre una canción suave y dulce, que
podría asimilarse al folk rock, por el uso de la flauta de Ian McDonald. "He
estado aquí y he estado allí, y también en el medio", contesta el hombre
esquizoide, dejando que el viento se lleve sus palabras, reflejando la
diferencia entre la locura de la ciudad de metal y la ansiada tranquilidad del
campo, la bella melodía de flauta nos transmite poco a poco la tristeza que
siente el personaje, al descubrir que "el viento no puede oír", lo
cual le sume en la confusión... Esta letra puede corresponder claramenente a la
época donde fue publicado, teniendo en cuenta el discurso de los jóvenes
hippies de ese tiempo, contra la sociedad de consumo y represora, etc. « you
don't possess me », « can't instruct me » (« Yo no les pertenezco, », « no
podrán educarme » frases que se repiten en el tema y que explican en algo ese
discurso. Pero igualmente queda la frustración y la desilusión en el coro, pero
con el mensaje esperanzador que llagara a alguien y no solo se quedara en el
viento. Es sin duda la voz lastimera de Ian McDonald quien le da esa notoriedad
al tema, sin olvidar a los otros integrantes legendarios de King Crimsom, Robert Fripp en guitarra,
Greg Lake quien formará mas tarde The Trilogy Emerson, Lake and Palmer en el
bajo, Michael Giles en batería y Peter Sinfield conocido English poeta , autor
y co fundador del grupo.
sábado, 17 de septiembre de 2022
0625-. 21st Century Schizoid Man - King Crimson
![]() |
21st Century Schizoid Man |
En 1969 la banda de rock sinfónico y progresivo King Crimson debuta con su primer álbum de estudio, In the Court of the King Crimson. Este disco debut, considerado como uno de los primeros álbumes de rock progresivo además de convertirse en uno de los grandes referentes del género, fue grabado entre junio y agosto de 1969 en los estudios Wessex de Londres bajo la producción del mismo grupo. El disco fue publicado el 10 de octubre de 1969 bajo las discográficas Island, Atlantic y E.G.,
Incluido en este genial disco se encuentra 21st Century Schizoid Man, canción acreditada a toda la banda y que es una clara crítica a la Guerra de Vietnam, haciendo referencia a los muertos por napalm en dicha guerra y a la barbarie que allí se gestó. Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald, con voces distorsionadas y unos poderosos riffs de guitarra, nos dibujan una ciudad distópica y deshumanizada, un lugar contaminado y enfermo en el que la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños, morir de hambre a los poetas y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad y buscar una vida relajada en el campo, alejado de tanta locura, un lugar donde poder sentir el silencio y hablar tranquilamente con el viento.
Antes de una presentación en vivo de la canción, concretamente el 14 de septiembre de 1969, Robert Fripp afirmó que la canción estaba dedicada a una personalidad política estadounidense a quien todos conocían ya amaban mucho. dicha personalidad era Spiro Agnew. Agnew fue el trigésimo noveno vicepresidente de Estados Unidos, sirviendo bajo el presidente Richard Nixon. También fue el primer gobernador greco-estadounidense en la historia de Estados Unidos. Después de un extenso ensayo, la banda grabó la pista básica en una sola toma con todos los miembros tocando juntos al mismo tiempo. Greg Lake, que tocaba el bajo en esta formación, se encargó de agregar la voces la voces. Aunque el riff distintivo de la canción fue una ocurrencia de Greg Lake e Ian McDonald, la canción fue atribuida a todo el grupo.
Weezer - Weezer (Blue álbum) Píldora #3
El álbum Weezer (Blue album), se encuentra entre los mejores discos de debut de todos los tiempos, con el legendario Ric Ocasek a la cabeza como productor, Blue Album es una amalgama perfecta de power pop crujiente y letras azucaradas pero entrañables. Este debut se enmarca en una época en la que el rock alternativo estadounidense era dominado por el grunge, a pesar de que el lo-fi, el pop punk y otros estilos intentaron emerger contrastados con el indie de otras latitudes más enfocado al pop. Weezer no hizo nada innovador musicalmente, pero lo que hizo, lo hizo tan bien que no queremos otra cosa que lo que nos dan, sencillamente esto es pop-rock del más alto nivel, que suena como una versión actualizada del pop de los 60 y el álbum brilla líricamente.Al igual que en la década de 1960, la década de los 90 también fue una época de cambios culturales y cambios musicales, y gran parte de las influencias musicales populares giraron en torno a un sentimiento similar de angustia, rebelión y agravios con el mundo en el que vivían. The Blue Album es un lugar para que estudiantes universitarios, estudiantes de secundaria y fanáticos afines se reúnan y disfruten de un disco que parece haber sido escrito solo para ellos, que resume muchas de las emociones y experiencias angustiosas que conforman sus vidas. La angustia, la energía, la emoción, la identificación y la pasión son palabras que vienen a la mente cuando se piensa en el Blue album, 41 minutos y diez pistas únicas en un proyecto que se quedado en la memoria la primera vez que lo escuchas.
No One Else es una de las canciones más básicas y descarnadas del Blue Album, una canción satírica que se cuenta desde el punto de vista de un personaje demasiado celoso y protector con su novia. "Undone, the Sweater Song" es el sencillo principal de este álbum, me parece una canción agridulce de ruptura sobre el impacto emocional cuando tu novia te deja, algunas personas llaman a esta canción "divertida", yo pienso que es más bien agridulce. "Say It Ain't So" es una pieza lenta pero rockera sobre el padre alcohólico de Rivers, mientras que "In the Garage" trata sobre cómo Rivers se esconde con sus recuerdos geek en el único lugar donde puede ser él mismo. Buddy Holly no necesita presentación, la canción más popular de Weezer, retrata un amor de pareja y lo perfectos que se ven uno para el otro, al igual que Buddy Holly y Mary Tyler Moore, no importa lo que la gente diga de ellos, saben que se pertenecen el uno al otro.
En definitiva, la química entre Rivers Cuomo y Brian Bell es lo que hace que las guitarras de este álbum suenen tan masivas, con fenomenales riffs de bajo de Matt Sharp y una batería sólida cortesía de Patrick Wilson hacen un conjunto imprescindible en la música.
viernes, 16 de septiembre de 2022
0624-. Light Flight - Pentangle
![]() |
Light Flight, Pentangle |
Pentangle fue una banda de folk rock británica cuyo primer periodo de actividad abarcó la década de lo 60 y principios de los 70. La agrupación original estaba compuesta por Jacqui McShee (voz), John Renbourn (guitarra), Bert Jansch (guitarra), Danny Thompson (contrabajo) y Terry Cox (batería). El nombre del grupo, Pentangle, fue elegido porque representaba a los cinco miembros de la banda.
El 26 de octubre de 1969 se publica el tercer álbum de estudio de la banda, titulado Basket of Light. El disco es grabado en los IBC Studios de Londres bajo la producción del productor, compositor y arreglista estadounidense Shel Tamy, y publicado por el sello discográfico Transatlantic.
Basket of Light, donde todos los instrumentos tocados fueron acústicos, supuso el gran éxito comercial del grupo y llegó a ocupar el puesto número 5 en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, siendo incluido además en los libros "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "1000 grabaciones para escuchar antes de morir". Incluido en el álbum se encuentra Light Flight, tema que llego a alcanzar el puesto número 43 en las listas de sencillos del Reino Unido, y que alcanzó gran popularidad al ser usado como tema musical de una serie detelevisión titulada Take Three Girls, la primera serie dramática emitida por la BBC en color.
El disco de la semana 293: Causa Sui - Summer Sessions Vol.1
Sin duda todos disfrutamos de las cualidades evocadoras del rock de los 60-70 y la base interlineales la columna vertebral de la que la mayoría de las bandas de rock/progresivo disfrutan de largas fusiones de sonido que impactan en el subconsciente, una superposición de intervalos armónicos y simplemente ritmos que inducen sentimientos de euforia y exaltación. Causa Sui, banda de rock psicodélico Danesa, reúne sin esfuerzo los adornos principales de casi todos los elementos que el rock tiene para ofrecer y nos regala una sensación similar y totalmente novedosa. Sin duda su obra magna es un tríptico titulado Summer Sessions, estos tres discos originalmente estaban destinados a ser escuchados por separado, ya que todos fueron lanzados en diferentes momentos pero tengo que decir que, en conjunto, los tres volúmenes diferentes de Summer Sessions se complementan bastante bien. Olas que rompen en el fondo lejano, voces que recorren el valle mientras la música crece y crece a lo largo de la orilla del lago. Los atascos nocturnos se elevan hacia el cielo ennegrecido a medida que las sinapsis explotan y chisporrotean. Summer Sessions de Causa Sui vol. 1-3 se siente como un microcosmos musical de la muerte del Verano del Amor y el nacimiento de la era más oscura conocida como la década de 1970. La música trataba más de satisfacer al artista que al oyente. Si al oyente le gustó, genial, si no, daba igual, ese era su problema. ¿Sería prudente recomendar al oyente no iniciado un disco de tres volúmenes como primera incursión en el mundo musical de Causa Sui? Asi que refiero ser cauto y antes de profundizar en Summer Sessions Vol. 1-3, vamos a ofrecerte solo el primer volumen.
Sesiones de verano vol. 1 abre con una trituradora de psique llamada "Visions Of Summer", es como los primeros Santana, The Doors "Riders On The Storm" y Miles' Bitches Brewtodo envuelto en esta exquisita y sabrosa delicia, los ritmos con sabor latino se entrelazan con teclas de ensueño, elegantes guitarras con grandes riffs y un bajo contundente. Fluye y refluye entre momentos fuertes y horizontes atmosféricos, fluye entre el idealismo de finales de los 60 y el machismo de principios de los 70 con un efecto sorprendente. Si buscas hacer una declaración, "Visions Of Summer" es una gran manera de saludar a la gente. Y en casi 25 minutos, tienes tiempo de alejarte para fumar (o hacer una tortilla) y regresar antes de que te pierdas algo bueno, atrae al oyente con algunos efectos de onda de viento de sintetizador y percusiones espaciadas antes de una línea de bajo pegadiza, te va a enganchar, es casi imposible no disfrutar/apreciar las maravillosas líneas de bajo de jazz-rock de Jess Kahr, los interminables estilos de jazz expresivos del baterista Jakob Skott y, lo que es más importante, el extravagante trabajo de guitarra y teclado de Jonas Munk. Mis limitaciones imperfectas de ser humano me están haciendo salivar mientras escribo esto. Desde percusiones de gotas de lluvia, patrones interminables de redoble de tambores, sintetizadores espontáneos bien ajustados, patrones rítmicos inspirados en Jimmy Hendrix, hasta acumulaciones de amplificación lenta, "Vision of Summer" es una peregrinación de stoner-space rock que no vale la pena dejar pasar.
“Red Sun In June” tiene una agradable sensación de jazz en la batería de buen gusto de Jakob Skott, mientras que Jonas Munk se apoya en una guitarra pesada y desfasada. Esta pista se siente como una pieza complementaria a un zumbido de verano. Los ojos entrecerrados e inyectados en sangre miran más allá de un sol abrasador que se abre camino hacia el océano mientras te derrites en la arena de verano. Sin darte cuenta has disfrutado de una canción llena de rock que encaja perfectamente después de que sus pistas anteriores se acumularan inmensamente. Las tendencias apacibles de esta transición invitan y tranquilizan, y actúan como un apoyo para atrapar el aturdimiento esperado que uno debería haber experimentado hasta este momento. “Portixeddu” es un exploración espaciada en el corazón del sol. Ruidos zumbantes y algunos ritmos serios, vuelan más allá de tus oídos mientras el equipo de Causa Sui extrae un vudú de rock. Salta de nuevo a los estilos de rock que empujan hacia adelante y, oh, nunca antes había escuchado cencerros tan apropiadamente en una canción. Los toques de campana de Skott avergonzarían a Will Ferrell cualquier día, de hecho, su habilidad para manejarlo con tanta eficacia sobre todas sus otras responsabilidades deja a uno con la duda de si el tipo tiene un brazo extra. “Soledad” suena como algo embriagador, como la neblina de Pink Floyd. También creo que esta pista sugiere futuros esfuerzos y vibraciones que Causa Sui explorarán con sus Pewt'r Sessions, una pista pura de stoner-rock que dibuja similitudes extremas con el uso que hace Kyuss de las integraciones de blues-rock.Summer Sessions vol. 1 es, con diferencia, el mejor de la trilogia de Summer Sessions y posiblemente el mejor trabajo que Causa Sui haya ofrecido, además de que sus contrapartes también son grandes piezas musicales. Estas obras de arte perdurables deben ser contempladas por entusiastas del rock y/o cualquiera que desee buscar lo que el rock psicodélico tiene para ofrecer, un álbum moderno de psicodélico/jazz-fusión/jam rock, realmente esencial.
jueves, 15 de septiembre de 2022
0623 - Raindrops Keep Fallin' on My Head - BJ Thomas
miércoles, 14 de septiembre de 2022
0622.- Victoria - The Kinks

Vamos Tirando - Platero y tú #MesPlateroyTú
De primero una confesión, no soy un gran seguidor de Platero
y tu, tampoco soy un seguidor de Fito Cabrales, pero si espero que tras
escuchar el disco y leer los artículos que están realizando mis compañeros
pueda coger el tranquillo a un grupo que para la inmensa mayoría fue uno de los
mas impoetantes en rock nacional de los 90. Para eso, mi compañero Jorky me ha
encomendado la tarea de escuchar y escribir sobre Vamos Tirando, y eso espero
yo, ir tirando mientras las canciones van inundando mis oídos. Pero antes un
poquito de historia, Platero y Tu, aun no había explotado, tenían tres discos
en el mercado y el grupo de seguidores era aun escaso y su repercusión no era
la esperada, en cambio si había cambiado algo, la discográfica DRO (Discos
Radiactivos Organizados) habían puesto su ojo en el grupo y el sello que había
sido los culpables de empezar a editar discos a bandas como Parálisis
Permanente, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Decibelios, Alphaville y a otros
grupos de la Movida, tenían claro que ese filon había que explotarlo. Se les ha
acusado que para llegar al éxito buscado hayan tenido que ablandarse, no estoy
totalmente de acuerdo con esa sentencia, para mi sin ser especialista me parece
un disco bastante potente donde el rock callejero de sus primeros discos siguen
campando por sus anchas, quizás puedo comprar que la rabia en los textos y la
anarquia habían sido moderadas aun así esta bastante por encima del rock
desarrollado en el año 1993.
Y al hilo de la ultima frase nada mejor que empezar con el primer tema para dejar claro que Platero seguía siendo Platero, A un tipo listo, es una reivindicación de una forma de vida que no queremos cambiar y que el rollo que quieren seguir dando es con el que hasta ahora habían disfrutado, tenemos una apertura de disco fantástica, realmente suena muy bien nos llegan a una velocidad de vértigo, notas desafiantes que vienen bien acompañadas por unos acordes llenos de fuerza. Esta noche yo haría es la forma que Platero tiene de entregarnos una canción de amor, cruda, real y sin tapujos, siguen entregando guitarras desnudas y rallantes para esta historia particular de barro y suciedad. Con No me hagas soplar nos entregan un Blues muy apañado y pegadizo, de esencia boogie con las teclas del Reverendo, quien interviene en una canción muy divertida, no se si esta es una de las razones que dicen que se ablandan, pero para nada, es un tema divertido pero con una realidad innegable. Marabao no es una isla a la que viajar, Marabao es el apellido de Iñaki, un tipo que nada ni nadie le pudo detener, que se bebio la vida a su manera y riesgo, un personaje que nos retrotrae a los años 80 del caballo y la droga, un homenaje pero también una advertencia. Lo cierto es que este tema nos lleva en el tiempo porque tiene un cierto parecido a los primeros discos del grupo, y donde los instrumentos se hacen con el control de la canción, una demostración que a música pocos les ganan. Otra del mismo estilo es Lo que os merecéis, donde de nuevo se vislumbran a los Platero y tu primigenios, protagonismo para Uoho y su guitarra que no tiene un momento de descansa. R&R Batzokian es un homenaje a sus raíces, una canción punk cantada en Euskera, el primero que canta la banda en ese idioma, la canción roza el punk.
Bobo encuentra en la producción una mezcla muy
efectiva de blues y tradición del heavy hispano de los ochenta y que el hammond
del profesor reverendo enriquece con un sutil y elegante aporte. Mari
Madalenas puro rock and roll con ADN de himno para entonaciones en vivo con
su letra mordaz como en su estribillo simpaticote y la cortina sonora que
envuelve el tema. Si la adrenalina sonara de alguna manera probablemente sería
así. Llega el momento del gran Hit del álbum Tras la barra un cuadro de
lo que se ve detrás de una barra del bar, quemado, currando un gran fresco de
lo que es esa vida, que nos relata cual novelista, un gran tema. Me dan
Miedo las Noches es la parte más tranquila del disco, si algo puede ser
tranquilo, una melodía lenta, un ambiente opresivo, las mentes empapadas de
dolor y excelentemente cantada por Fito. Mírame, de nuevo con Reverendo
echando una mano(y de camino dándole empaque a la canción. Cerramos con No
estoy loco, otro potente rock and roll.
martes, 13 de septiembre de 2022
Grandes éxitos y tropiezos: Oasis








0621 - Dreams - The Allman Brothers
lunes, 12 de septiembre de 2022
0620.- It's not my cross to bear - The Allman Brothers Band
Es raro cuando una banda triunfe con su álbum debut que no
solo incluye una gran cantidad de material impresionante, sino que también
tiene un sonido/estilo tan único como para crear su propio género musical, pero
eso es exactamente lo que The Allman Brothers Band lo hizo en 1969. Esta
colección de melodías, esta obra magna del rock sureño, creó un género musical
estándar/convencional durante las próximas décadas y puso a esta banda en el
camino hacia el merecido estrellato. Sin duda, sigue siendo uno de mis
favoritos de todos los tiempos en el género, y las actuaciones de todos los
componentes son sin duda alguna, brillantes. Duane y Gregg Allman podían ser
muy jóvenes en 1969, pero tenían experiencia. Los hermanos habían sido miembros
de tres bandas; The Escorts se formaron en 1963, seguidos por Allman Joys en
1965 y finalmente Hour Glass en 1967, con quienes lanzaron dos álbumes sin
éxito comercial. La cuarta vez fue la vencida para Gregg y Duane. The Allman Brothers
Band se formó en 1969 y rápidamente sería reconocida como una de las mejores y
más creativas bandas del mundo. Los seis miembros originales incluían al
vocalista/organista Gregg Allman, el guitarrista Duane Allman, el guitarrista
Dickey Betts, el bajista Berry Oakley, el baterista Butch Trucks y el baterista
Johanny “Jaimoe” Johnson. Lanzaron su álbum debut homónimo el 4 de noviembre de
1969. Sería un éxito en su sur natal, pero recibiría poca atención fuera de esa
región del país. Alcanzaría el puesto 188 en la lista de álbumes de Billboard.
La gente no sabía lo que se estaba perdiendo en ese momento cuando el álbum
presentó al mundo el rock de estilo sureño, impulsado por uno de los
guitarristas legendarios de la música.
Dentro del álbum y de muchas canciones más conocidas
encontramos "It's Not My Cross to Bear", una pista lenta de blues que
introdujo a un público desprevenido el poder áspero y áspero de la voz de Gregg
Allman sobre un telón de fondo de órgano Hammond. Sin duda fue la presentación real
de una de las mejores voces que ha dado el rock, me refiero a la de Gregg
Allman que escribió esta canción dedicada a una novia y que repetiría en la siguiente
canción del album "Blackhearted Woman," hablando de la misma chica.
Estamos ante una canción casi perfecta, un ejemplo claro y perfecto de cómo
incorporar ambos extremos del espectro dinámico, las partes suaves son
acentuadas por guitarras ligeras y voces apasionadas. Curiosamente el titulo sirvió
en medida para la publicación de la autobiografía de Greeg Allmand, “My Cross to
Bear” artífice de una de las bandas más grandes que ha dado el rock sureño,
cuenta sin tapujos su larga lucha contra el abuso de sustancias, sus fracasos
matrimoniales y la trágica muerte de hermano Duane Allman, un repaso a la vida
en la carretera en una de las bandas más legendarias del rock.
domingo, 11 de septiembre de 2022
0619.- Trouble no more - The Allman Brothers Band

Muy deficiente - Platero Y Tú #MesPlateroyTú



sábado, 10 de septiembre de 2022
0618.- Whipping Post - The Allman Brothers Band
![]() |
Whipping Post, The Allman Brothers Band |