0625-. 21st Century Schizoid Man - King Crimson

 

21st Century Schizoid Man

     En 1969 la banda de rock sinfónico y progresivo King Crimson debuta con su primer álbum de estudio, In the Court of the King Crimson. Este disco debut, considerado como uno de los primeros álbumes de rock progresivo además de convertirse en uno de los grandes referentes del género, fue grabado entre junio y agosto de 1969 en los estudios Wessex de Londres bajo la producción del mismo grupo. El disco fue publicado el 10 de octubre de 1969 bajo las discográficas Island, Atlantic y E.G.,

Incluido en este genial disco se encuentra 21st Century Schizoid Man, canción acreditada a toda la banda y que es una clara crítica a la Guerra de Vietnam, haciendo referencia a los muertos por napalm en dicha guerra y a la barbarie que allí se gestó. Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald, con voces distorsionadas y unos poderosos riffs de guitarra, nos dibujan una ciudad distópica y deshumanizada, un lugar contaminado y enfermo en el que la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños, morir de hambre a los poetas y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad y buscar una vida relajada en el campo, alejado de tanta locura, un lugar donde poder sentir el silencio y hablar tranquilamente con el viento.

Antes de una presentación en vivo de la canción, concretamente el 14 de septiembre de 1969, Robert Fripp afirmó que la canción estaba dedicada a una personalidad política estadounidense a quien todos conocían ya amaban mucho. dicha personalidad era Spiro Agnew. Agnew fue el trigésimo noveno vicepresidente de Estados Unidos, sirviendo bajo el presidente Richard Nixon. También fue el primer gobernador greco-estadounidense en la historia de Estados Unidos. Después de un extenso ensayo, la banda grabó la pista básica en una sola toma con todos los miembros tocando juntos al mismo tiempo. Greg Lake, que tocaba el bajo en esta formación, se encargó de agregar la voces la voces. Aunque el riff distintivo de la canción fue una ocurrencia de Greg Lake e Ian McDonald, la canción fue atribuida a todo el grupo.

Weezer - Weezer (Blue álbum) Píldora #3

El álbum Weezer (Blue album), se encuentra entre los mejores discos de debut de todos los tiempos, con el legendario Ric Ocasek a la cabeza como productor, Blue Album es una amalgama perfecta de power pop crujiente y letras azucaradas pero entrañables. Este debut se enmarca en una época en la que el rock alternativo estadounidense era dominado por el grunge, a pesar de que el lo-fi, el pop punk y otros estilos intentaron emerger contrastados con el indie de otras latitudes más enfocado al pop. Weezer no hizo nada innovador musicalmente, pero lo que hizo, lo hizo tan bien que no queremos otra cosa que lo que nos dan, sencillamente esto es pop-rock del más alto nivel, que suena como una versión actualizada del pop de los 60 y el álbum brilla líricamente.Al igual que en la década de 1960, la década de los 90 también fue una época de cambios culturales y cambios musicales, y gran parte de las influencias musicales populares giraron en torno a un sentimiento similar de angustia, rebelión y agravios con el mundo en el que vivían. The Blue Album es un lugar para que estudiantes universitarios, estudiantes de secundaria y fanáticos afines se reúnan y disfruten de un disco que parece haber sido escrito solo para ellos, que resume muchas de las emociones y experiencias angustiosas que conforman sus vidas. La angustia, la energía, la emoción, la identificación y la pasión son palabras que vienen a la mente cuando se piensa en el Blue album, 41 minutos y diez pistas únicas en un proyecto que se quedado en la memoria la primera vez que lo escuchas.

No One Else es una de las canciones más básicas y descarnadas del Blue Album, una canción satírica que se cuenta desde el punto de vista de un personaje demasiado celoso y protector con su novia. "Undone, the Sweater Song" es el sencillo principal de este álbum, me parece una canción agridulce de ruptura sobre el impacto emocional cuando tu novia te deja, algunas personas llaman a esta canción "divertida", yo pienso que es más bien agridulce. "Say It Ain't So" es una pieza lenta pero rockera sobre el padre alcohólico de Rivers, mientras que "In the Garage" trata sobre cómo Rivers se esconde con sus recuerdos geek en el único lugar donde puede ser él mismo. Buddy Holly no necesita presentación, la canción más popular de Weezer, retrata un amor de pareja y lo perfectos que se ven uno para el otro, al igual que Buddy Holly y Mary Tyler Moore, no importa lo que la gente diga de ellos, saben que se pertenecen el uno al otro.

En definitiva, la química entre Rivers Cuomo y Brian Bell es lo que hace que las guitarras de este álbum suenen tan masivas, con fenomenales riffs de bajo de Matt Sharp y una batería sólida cortesía de Patrick Wilson hacen un conjunto imprescindible en la música.

0624-. Light Flight - Pentangle

 

Light Flight, Pentangle

     Pentangle fue una banda de folk rock británica cuyo primer periodo de actividad abarcó la década de lo 60 y principios de los 70. La agrupación original estaba compuesta por Jacqui McShee (voz), John Renbourn (guitarra), Bert Jansch (guitarra), Danny Thompson (contrabajo) y Terry Cox (batería). El nombre del grupo, Pentangle, fue elegido porque representaba a los cinco miembros de la banda.

El 26 de octubre de 1969 se publica el tercer álbum de estudio de la banda, titulado Basket of Light. El disco es grabado en los IBC Studios de Londres bajo la producción del productor, compositor y arreglista estadounidense Shel Tamy, y publicado por el sello discográfico Transatlantic.

Basket of Light, donde todos los instrumentos tocados fueron acústicos, supuso el gran éxito comercial del grupo y llegó a ocupar el puesto número 5 en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, siendo incluido además en los libros "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "1000 grabaciones para escuchar antes de morir". Incluido en el álbum se encuentra Light Flight, tema que llego a alcanzar el puesto número 43 en las listas de sencillos del Reino Unido, y que alcanzó gran popularidad al ser usado como tema musical de una serie detelevisión titulada Take Three Girls, la primera serie dramática emitida por la BBC en color.

El disco de la semana 293: Causa Sui - Summer Sessions Vol.1

Sin duda todos disfrutamos de las cualidades evocadoras del rock de los 60-70 y la base interlineales la columna vertebral de la que la mayoría de las bandas de rock/progresivo disfrutan de largas fusiones de sonido que impactan en el subconsciente, una superposición de intervalos armónicos y simplemente ritmos que inducen sentimientos de euforia y exaltación. Causa Sui, banda de rock psicodélico Danesa, reúne sin esfuerzo los adornos principales de casi todos los elementos que el rock tiene para ofrecer y nos regala una sensación similar y totalmente novedosa. Sin duda su obra magna es un tríptico titulado Summer Sessions, estos tres discos originalmente estaban destinados a ser escuchados por separado, ya que todos fueron lanzados en diferentes momentos pero tengo que decir que, en conjunto, los tres volúmenes diferentes de Summer Sessions se complementan bastante bien. Olas que rompen en el fondo lejano, voces que recorren el valle mientras la música crece y crece a lo largo de la orilla del lago. Los atascos nocturnos se elevan hacia el cielo ennegrecido a medida que las sinapsis explotan y chisporrotean. Summer Sessions de Causa Sui vol. 1-3 se siente como un microcosmos musical de la muerte del Verano del Amor y el nacimiento de la era más oscura conocida como la década de 1970. La música trataba más de satisfacer al artista que al oyente. Si al oyente le gustó, genial, si no, daba igual, ese era su problema. ¿Sería prudente recomendar al oyente no iniciado un disco de tres volúmenes como primera incursión en el mundo musical de Causa Sui? Asi que refiero ser cauto y antes de profundizar en Summer Sessions Vol. 1-3, vamos a ofrecerte solo el primer volumen.

Sesiones de verano vol. 1 abre con una trituradora de psique llamada "Visions Of Summer", es como los primeros Santana, The Doors "Riders On The Storm" y Miles' Bitches Brewtodo envuelto en esta exquisita y sabrosa delicia, los ritmos con sabor latino se entrelazan con teclas de ensueño, elegantes guitarras con grandes riffs y un bajo contundente. Fluye y refluye entre momentos fuertes y horizontes atmosféricos, fluye entre el idealismo de finales de los 60 y el machismo de principios de los 70 con un efecto sorprendente. Si buscas hacer una declaración, "Visions Of Summer" es una gran manera de saludar a la gente. Y en casi 25 minutos, tienes tiempo de alejarte para fumar (o hacer una tortilla) y regresar antes de que te pierdas algo bueno, atrae al oyente con algunos efectos de onda de viento de sintetizador y percusiones espaciadas antes de una línea de bajo pegadiza, te va a enganchar, es casi imposible no disfrutar/apreciar las maravillosas líneas de bajo de jazz-rock de Jess Kahr, los interminables estilos de jazz expresivos del baterista Jakob Skott y, lo que es más importante, el extravagante trabajo de guitarra y teclado de Jonas Munk. Mis limitaciones imperfectas de ser humano me están haciendo salivar mientras escribo esto. Desde percusiones de gotas de lluvia, patrones interminables de redoble de tambores, sintetizadores espontáneos bien ajustados, patrones rítmicos inspirados en Jimmy Hendrix, hasta acumulaciones de amplificación lenta, "Vision of Summer" es una peregrinación de stoner-space rock que no vale la pena dejar pasar. 

“Red Sun In June” tiene una agradable sensación de jazz en la batería de buen gusto de Jakob Skott, mientras que Jonas Munk se apoya en una guitarra pesada y desfasada. Esta pista se siente como una pieza complementaria a un zumbido de verano. Los ojos entrecerrados e inyectados en sangre miran más allá de un sol abrasador que se abre camino hacia el océano mientras te derrites en la arena de verano. Sin darte cuenta has disfrutado de una canción llena de rock que encaja perfectamente después de que sus pistas anteriores se acumularan inmensamente.  Las tendencias apacibles de esta transición invitan y tranquilizan, y actúan como un apoyo para atrapar el aturdimiento esperado que uno debería haber experimentado hasta este momento. “Portixeddu” es un exploración espaciada en el corazón del sol. Ruidos zumbantes y algunos ritmos serios, vuelan más allá de tus oídos mientras el equipo de Causa Sui extrae un vudú de rock. Salta de nuevo a los estilos de rock que empujan hacia adelante y, oh, nunca antes había escuchado cencerros tan apropiadamente en una canción. Los toques de campana de Skott avergonzarían a Will Ferrell cualquier día, de hecho, su habilidad para manejarlo con tanta eficacia sobre todas sus otras responsabilidades deja a uno con la duda de si el tipo tiene un brazo extra. “Soledad” suena como algo embriagador, como la neblina de Pink Floyd. También creo que esta pista sugiere futuros esfuerzos y vibraciones que Causa Sui explorarán con sus Pewt'r Sessions, una pista pura de stoner-rock que dibuja similitudes extremas con el uso que hace Kyuss de las integraciones de blues-rock.

Summer Sessions vol. 1 es, con diferencia, el mejor de la trilogia  de Summer Sessions y posiblemente el mejor trabajo que Causa Sui haya ofrecido, además de que sus contrapartes también son grandes piezas musicales. Estas obras de arte perdurables deben ser contempladas por entusiastas del rock y/o cualquiera que desee buscar lo que el rock psicodélico tiene para ofrecer, un álbum moderno de psicodélico/jazz-fusión/jam rock, realmente esencial.

0623 - Raindrops Keep Fallin' on My Head - BJ Thomas

0623 - Raindrops Keep Fallin' on My Head - BJ Thomas

Raindrops Keep Fallin' on My Head es una canción escrita por Burt Bacharach y Hal David para la película de 1969 Butch Cassidy and the Sundance Kid. La letra edificante describe a alguien que supera sus problemas y preocupaciones al darse cuenta de que "no pasará mucho tiempo hasta que la felicidad aparezca para saludarme".

La canción fue grabada por BJ Thomas en siete tomas, después de que Bacharach expresara su descontento con las primeras seis. En la versión cinematográfica de la canción, Thomas se estaba recuperando de laringitis, lo que hizo que su voz sonara más ronca que en el lanzamiento de álbume de formato de 7 pulgadas. 

La versión cinematográfica presentaba una pausa instrumental separada al estilo de vodevil en tiempo doble mientras Paul Newman realizaba acrobacias en bicicleta.

A Ray Stevens se le ofreció por primera vez la oportunidad de grabarlo para la película, pero la rechazó. En cambio, eligió grabar la canción "Sunday Morning Coming Down", escrita por Kris Kristofferson. Se supone que se le acercó a Bob Dylan para la canción, pero al parecer él también se negó. Los solos de trompeta de la canción son interpretados por Chuck Findley. Carol Kaye tocó el bajo eléctrico en la canción.

El single de B. J. Thomas alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos, Canadá y Noruega, y alcanzó el número 38 en la lista de singles del Reino Unido.

Encabezó el Billboard Hot 100 durante cuatro semanas en enero de 1970 y también fue el primer éxito estadounidense No. 1 de la década de 1970. 

La canción también pasó siete semanas en la cima de la lista contemporánea de adultos de Billboard. Según la revista Billboard, había vendido más de 2 millones de copias hasta el 14 de marzo de 1970, y las versiones de casete y de ocho pistas también ascendieron en las listas. 

Pero los éxitos no quedaron  ahí ya que Ganó un Oscar a la Mejor Canción Original. Y Bacharach también ganó Mejor Banda Sonora Original.

Daniel 

Instagram storyboy 

0622.- Victoria - The Kinks

Victoria es la canción que The Kinks escogieron como arranque de su obra conceptual Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969), el séptimo álbum de estudio de la banda, y también como su principal single. El disco al completo iba a ser la banda sonora de un programa de Granada Television, y en ese sentido tanto Victoria como el resto de las canciones mantenían un hilo argumental que se desarrolló junto al novelista Julian Mitchell.

Inspirada en la vida en Inglaterra durante la era victoriana, la canción de Ray Davies es una mordaz y satírica descripción de las diferencias entre clases de la época, la hipocresía y adulación de la clase alta y las vanas esperanzas de libertad de las clases oprimidas, que sin embargo están dispuestas a morir por su país. Al cancelarse el proyecto de programa televisivo, siguieron desarrollando la temática del disco, que a través de la vida de un personaje inventado llamado Arthur Morgan, instalador de alfombras, va relatando la evolución de la sociedad británica desde la mencionada era victoriana hasta su hipotético derrumbamiento final. 

La canción comienza con un riff de guitarra, en clave de blues eléctrico y rock, pero la canción va creciendo hasta convertirse en una exuberante pieza con arreglos de metales. Las críticas a Victoria y al álbum fueron muy positivas, pero solo el sencillo de Victoria alcanzó unas ventas satisfactorias, devolviendo al grupo al Billboard estadounidense después de dos años de ausencia, y llegando hasta el puesto 62.​ El álbum solo pudo llegar al puesto 105 del Billboard, la posición más alta conseguida por un álbum del grupo en Estados Unidos desde 1965, pero Arthur no fue profeta en su tierra, y no consiguió entrar en las listas del Reino Unido.

Vamos Tirando - Platero y tú #MesPlateroyTú

 

De primero una confesión, no soy un gran seguidor de Platero y tu, tampoco soy un seguidor de Fito Cabrales, pero si espero que tras escuchar el disco y leer los artículos que están realizando mis compañeros pueda coger el tranquillo a un grupo que para la inmensa mayoría fue uno de los mas impoetantes en rock nacional de los 90. Para eso, mi compañero Jorky me ha encomendado la tarea de escuchar y escribir sobre Vamos Tirando, y eso espero yo, ir tirando mientras las canciones van inundando mis oídos. Pero antes un poquito de historia, Platero y Tu, aun no había explotado, tenían tres discos en el mercado y el grupo de seguidores era aun escaso y su repercusión no era la esperada, en cambio si había cambiado algo, la discográfica DRO (Discos Radiactivos Organizados) habían puesto su ojo en el grupo y el sello que había sido los culpables de empezar a editar discos a bandas como Parálisis Permanente, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Decibelios, Alphaville y a otros grupos de la Movida, tenían claro que ese filon había que explotarlo. Se les ha acusado que para llegar al éxito buscado hayan tenido que ablandarse, no estoy totalmente de acuerdo con esa sentencia, para mi sin ser especialista me parece un disco bastante potente donde el rock callejero de sus primeros discos siguen campando por sus anchas, quizás puedo comprar que la rabia en los textos y la anarquia habían sido moderadas aun así esta bastante por encima del rock desarrollado en el año 1993.

 

Y al hilo de la ultima frase nada mejor que empezar con el primer tema para dejar claro que Platero seguía siendo Platero, A un tipo listo, es una reivindicación de una forma de vida que no queremos cambiar y que el rollo que quieren seguir dando es con el que hasta ahora habían disfrutado, tenemos una apertura de disco fantástica, realmente suena muy bien nos llegan a una velocidad de vértigo, notas desafiantes que vienen bien acompañadas por unos acordes llenos de fuerza. Esta noche yo haría es la forma que Platero tiene de entregarnos una canción de amor, cruda, real y sin tapujos, siguen entregando guitarras desnudas y rallantes para esta historia particular de barro y suciedad. Con No me hagas soplar nos entregan un Blues muy apañado y pegadizo, de esencia boogie con las teclas del Reverendo, quien interviene en una canción muy divertida, no se si esta es una de las razones que dicen que se ablandan, pero para nada, es un tema divertido pero con una realidad innegable. Marabao no es una isla a la que viajar, Marabao es el apellido de Iñaki, un tipo que nada ni nadie le pudo detener, que se bebio la vida a su manera y riesgo, un personaje que nos retrotrae a los años 80 del caballo y la droga, un homenaje pero también una advertencia. Lo cierto es que este tema nos lleva en el tiempo porque tiene un cierto parecido a los primeros discos del grupo, y donde los instrumentos se hacen con el control de la canción, una demostración que a música pocos les ganan. Otra del mismo estilo es Lo que os merecéis, donde de nuevo se vislumbran a los Platero y tu primigenios, protagonismo para Uoho y su guitarra que no tiene un momento de descansa. R&R Batzokian es un homenaje a sus raíces, una canción punk cantada en Euskera, el primero que canta la banda en ese idioma, la canción roza el punk.

 

Bobo encuentra en la producción una mezcla muy efectiva de blues y tradición del heavy hispano de los ochenta y que el hammond del profesor reverendo enriquece con un sutil y elegante aporte. Mari Madalenas puro rock and roll con ADN de himno para entonaciones en vivo con su letra mordaz como en su estribillo simpaticote y la cortina sonora que envuelve el tema. Si la adrenalina sonara de alguna manera probablemente sería así. Llega el momento del gran Hit del álbum Tras la barra un cuadro de lo que se ve detrás de una barra del bar, quemado, currando un gran fresco de lo que es esa vida, que nos relata cual novelista, un gran tema. Me dan Miedo las Noches es la parte más tranquila del disco, si algo puede ser tranquilo, una melodía lenta, un ambiente opresivo, las mentes empapadas de dolor y excelentemente cantada por Fito. Mírame, de nuevo con Reverendo echando una mano(y de camino dándole empaque a la canción. Cerramos con No estoy loco, otro potente rock and roll.

 

Platero y tu me ha dejado buen gusto, presentan un ramillete de temas de cuidadas melodías, mas tratados sónicamente y con tendencia a dejarse querer por otros estilos como el blues o el rock mas americano, las letras están mas conseguidas y apartadas de cualquier sombra de vulgaridad, sentido del humor que busca la inteligencia. En resumen, que nos encontramos ante un muy buen disco de rock, luego llegarían discos de oro, giras interminables con Extremo, dudas sobre el futuro y definitiva separación amistosa, de los proyectos personales de los cuatro chicos de Platero solo diremos que Uoho termino como no podía ser de otra manera en las filas de Extremo y Fito...bueno Fito es un exitoso artista que vende discos por contenedores y llena arenas y cosos sin aparente dificultad, aquellos noventa era otra cosa ¿verdad Fito?

Grandes éxitos y tropiezos: Oasis

Volvemos con una nueva edición de Grandes Éxitos y Tropiezos, y en esta ocasión suben a la palestra los controvertidos hermanos Gallagher y su particular Oasis musical, que fueron punta de lanza del britpop en los noventa y dejaron grandes discos para la historia, pero también tropezaron lo suyo, hasta que el choque de estas dos fuertes personalidades les llevó a tomar caminos que, hasta hoy, y a pesar de que sus todavía miles de fans claman por una reunión, siguen siendo separados. Así que si te da por bucear en la discografía de los de Manchester, te vendrá bien esta breve guía antes de plantarte en la tienda de discos.

Estás tardando en comprarlo:

Gran parte de la culpa del desmedido éxito de Oasis en los noventa la tuvo su primer disco, Definitely Maybe (1994), con el que se presentaron al mundo armados con la actitud contestataria de los Sex Pistols (y cierto parecido en la manera de Liam de estirar la última palabra en cada fraseo con la peculiar manera de cantar de Johnny Rotten), y una estética sonora que tomaba cosas de Stone Roses, Rolling Stones y, como no, de su adorado Lennon y los Beatles. Este disco es, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos británicos de todos los tiempos, una sucesión de arrogantes hits de intensas y sobrecargadas guitarras y acertadas melodías. La lista de hits es apabullante: Rock ‘n Roll Star, Live Forever, Shakermaker, Supersonic, Cigarettes And Alcohol, Columbia, Slide Away... Si no conocieras al grupo, podrías incluso pensar que estabas escuchando el recopilatorio definitivo (o quizás) de sus mejores canciones.

Tengo que incluir aquí también al archiconocido (What’s The Story) Morning Glory? (1995), el mayor éxito de su carrera por temas como Wonderwall, Roll with it o Don't look back in anger, que en conjunto, y siendo también uno de los mejores discos del brit pop y de la historia de la música inglesa, en mi opinión está un escalón por debajo de su álbum de debut, aunque para ello haya que recurrir a la "photo finish". Este disco supuso un cambio sonoro respecto a su predecesor, las guitarras son aquí menos saturadas y aunque hay temas de rock intenso (Hello) o que encajarían estilísticamente en el anterior disco (Some might say), el tono general de Morning Glory es más pausado, con coros e instrumentaciones menos crudas y directas, e incluyendo arreglos de cuerda y, en general, una instrumentación más accesible y variada. La auténtica joya del disco es la excelsa Champagne Supernova, uno de los mejores temas de toda la discografía de la banda, y su momento más alto a nivel de épica y de intensidad tanto vocal como musical. Un final glorioso para un disco remarcable.

Si te queda pasta, llévate también: 

Don’t Believe The Truth (2005) Cuando ya nadie esperaba un buen disco de Oasis, tras varios tropiezos que veremos en la siguiente sección, aparece este disco en el que se nota el aire fresco y las contribuciones de otros miembros de la banda, en lugar del omnipresente Noel que empezaba a mostrar ya signos de desgana y agotamiento. Las tareas se reparten en el disco más democrático del grupo, firmando su mejor disco en muchos años, y el primero en contar con la batería de Zak Starkey (hijo de Ringo Starr), tras la salida del habitual Alan White. Los temas que aporta Liam Gallagher son mucho más robustos que los torpes acercamientos de discos anteriores, y las aportaciones de Noel, aunque más escasas, siguen siendo muestras de su genio creativo (The Importance Of Being Idle) o hits redondos y efectivos (Lyla). Las aportaciones de Andy Bell y Gem Archer están también a la altura, y toda la banda parece haber recobrado los bríos del pasado en esta nueva formación. Muy destacable también el intenso comienzo con Turn up the Sun, con la que de hecho consiguieron volver al número 1 en el Reino Unido, y alcanzar la mejor posición en las listas estadounidenses desde 1997, y el himno Beatle de Let there be love, un tema antiguo de Noel que encontró aquí su lugar privilegiado para brillar como merecía.

Be Here Now (1997) La continuación de Morning Glory es un disco bastante denostado con el paso de los años, y muchos lo incluirían en la sección de "Vuelve a dejarlo en el expositor" por su sobreproducción y por no resistir la comparación con sus dos antecesores. El primer pinchazo de Oasis surgió de unas difíciles sesiones de grabación, en las que las discusiones entre los hermanos, y el abuso de las sustancias, deterioraron un lanzamiento que yo reivindico aquí porque, pese a todo, sigue ofreciendo un buen puñado de canciones clave del repertorio de Oasis, junto con otras más criticables o descartables. Los temas en este disco se alargan demasiado en ocasiones, y las sobre-grabaciones de guitarra son también excesivas en algunos momentos, lo que no quita que temas como D’You Know What I Mean?, Stand by me, Don’t Go Away o All Around The World están a la altura de lo exigido y esperado de la banda. 

Dig Out Your Soul (2008) El hasta ahora último disco publicado por Oasis fue un claro intento de reinvención y modernización de su sonido y sus planteamientos, dejándose influenciar por otros estilos como la psicodelia y el rock alternativo, pero el tema que más brilla en el conjunto es The Shock of the Lightning, un tema al más puro estilo de Oasis. Este tema o el también intenso Bag it up dan muestra de lo que Oasis podía haber hecho en el futuro, de haber surtido efecto este renacer creativo. I’m Outta Time es el enésimo homenaje a su admirado Lennon (incluye, de hecho, una grabación de su voz) pero también es otro de los momentos álgidos del disco. Otros temas como (Get Off Your) High Horse Lady o Falling Down se acercan a lo que Noel haría después en solitario. El resultado en conjunto es un buen disco y una despedida digna para una banda de su nivel, sonando como nunca pero sin caer en la excesiva pompa de otros proyectos, y hasta explorando la sonoridad de Pink Floyd en Soldier on, diciendo adiós de la manera más curiosa y sorprendente posible. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Heathen Chemistry (2002) supuso un intento de vuelta al rock, con algún toque psicodélico, pero solo consiguieron transmitir el sonido de un grupo gastado y sin ideas, que replica o copia las estructuras que les habían llevado al éxito sin la gracia y la frescura de antaño. Es sin duda el disco más flojo de la banda, y salvo The Hindu Times, el tema más enérgico y destacable, y uno de sus mejores temas en años, el disco se centra en su mayor parte en los medios tiempos y las baladas, y aunque Stop crying your heart out, Little by little y Songbird son temas de calidad, el disco al completo carece del carácter y el carisma que anteriormente había mostrado la banda.

Standing On The Shoulder Of Giants (2000) marca el comienzo serio del declive de la banda. Pese a un comienzo enérgico y prometedor con el desatado instrumental de Fuckin' in the bushes, al que sigue Let it out, temazo marca de la casa a ritmo de mellotron y guitarra, y una no menos efectiva y psicodélica balada de sitar y toques electrónicos (Who feels love?), después es como si la ciudad de Nueva York de la portada sufriera el mayor apagón de su historia. El intento de mezclar la psicodelia de los sesenta con la electrónica del momento habría resultado curioso, de haber mantenido el resto de las canciones el nivel de las tres primeras. La primera aportación compositiva de Liam con Little James es un sonrojante y torpe intento de facturar su propio Hey Jude, y en temas como Put Yer Money Where Yer Mouth Is, I can see a liar o la progresiva Gas Panic! suenan encorsetados y repetitivos donde deberían sonar intensos y contundentes. Noel se pregunta en Where Did it All Go Wrong? ("Donde empezó todo a ir mal"), que pudo fallar en la "Cool Britannia” de Blair, pero con ese título era inevitable para mí pensar en por qué, y en qué momento, un disco con un arranque tan bueno acabaría en esta sección.

0621 - Dreams - The Allman Brothers

0621 - Dreams - The Allman Brothers

Pero si una canción podría representar todo lo que la música de una banda puede evocar, esa canción es Dreams, de la banda The Allman Brothers.

Gregg Allman escribió esta triste canción sobre sueños no realizados cuando vivía en Los Ángeles. Dejó Georgia para comenzar su carrera musical allí y escribió un montón de canciones antes de regresar y formar The Allman Brothers Band con su hermano Duane.  Esta fue la canción que conquistó a sus compañeros de banda.  

Allman escribió en su biografía de 2012: "Les mostré 'Dreams' y déjame decirte que se unieron de inmediato. Aprendimos esa canción de la forma en que la escuchas hoy, y yo estaba dentro, hermano". 

En su letra Gregg mitificó el ‘Nuevo Sur’, que se enorgullecía de sí mismo y de sus valores progresistas, así como de su capacidad de auto renovación y que años después culminaría con la elección de Jimmy Carter como presidente. Se trataba de una visión anti-industrial y mística; el mito del Sur recreado para una nueva generación.

Daniel 

Instagram storyboy 

0620.- It's not my cross to bear - The Allman Brothers Band

 

Es raro cuando una banda triunfe con su álbum debut que no solo incluye una gran cantidad de material impresionante, sino que también tiene un sonido/estilo tan único como para crear su propio género musical, pero eso es exactamente lo que The Allman Brothers Band lo hizo en 1969. Esta colección de melodías, esta obra magna del rock sureño, creó un género musical estándar/convencional durante las próximas décadas y puso a esta banda en el camino hacia el merecido estrellato. Sin duda, sigue siendo uno de mis favoritos de todos los tiempos en el género, y las actuaciones de todos los componentes son sin duda alguna, brillantes. Duane y Gregg Allman podían ser muy jóvenes en 1969, pero tenían experiencia. Los hermanos habían sido miembros de tres bandas; The Escorts se formaron en 1963, seguidos por Allman Joys en 1965 y finalmente Hour Glass en 1967, con quienes lanzaron dos álbumes sin éxito comercial. La cuarta vez fue la vencida para Gregg y Duane. The Allman Brothers Band se formó en 1969 y rápidamente sería reconocida como una de las mejores y más creativas bandas del mundo. Los seis miembros originales incluían al vocalista/organista Gregg Allman, el guitarrista Duane Allman, el guitarrista Dickey Betts, el bajista Berry Oakley, el baterista Butch Trucks y el baterista Johanny “Jaimoe” Johnson. Lanzaron su álbum debut homónimo el 4 de noviembre de 1969. Sería un éxito en su sur natal, pero recibiría poca atención fuera de esa región del país. Alcanzaría el puesto 188 en la lista de álbumes de Billboard. La gente no sabía lo que se estaba perdiendo en ese momento cuando el álbum presentó al mundo el rock de estilo sureño, impulsado por uno de los guitarristas legendarios de la música.

 

Dentro del álbum y de muchas canciones más conocidas encontramos "It's Not My Cross to Bear", una pista lenta de blues que introdujo a un público desprevenido el poder áspero y áspero de la voz de Gregg Allman sobre un telón de fondo de órgano Hammond. Sin duda fue la presentación real de una de las mejores voces que ha dado el rock, me refiero a la de Gregg Allman que escribió esta canción dedicada a una novia y que repetiría en la siguiente canción del album "Blackhearted Woman," hablando de la misma chica. Estamos ante una canción casi perfecta, un ejemplo claro y perfecto de cómo incorporar ambos extremos del espectro dinámico, las partes suaves son acentuadas por guitarras ligeras y voces apasionadas. Curiosamente el titulo sirvió en medida para la publicación de la autobiografía de Greeg Allmand, “My Cross to Bear” artífice de una de las bandas más grandes que ha dado el rock sureño, cuenta sin tapujos su larga lucha contra el abuso de sustancias, sus fracasos matrimoniales y la trágica muerte de hermano Duane Allman, un repaso a la vida en la carretera en una de las bandas más legendarias del rock.

0619.- Trouble no more - The Allman Brothers Band

Los Allman Brothers grabaron Trouble No More para su álbum de debut The Allman Brothers Band (1969), realizando una impresionante versión de un tema blues grabado por primera vez por Muddy Waters en 1955. A su vez, la canción de Waters era una variación de "Someday Baby Blues" (1935) de Sleepy John Estes.

La banda grabó dos versiones de la canción, una fue la ya comentada versión de estudio, y la otra fue una interpretación en directo de 1971 en el Fillmore East que acabó siendo incluida en el disco Eat a Peach (1972). La canción tiene el honor de ser el tema con el que empezaron su primer ensayo juntos, y la interpretaron también en el momento de su despedida.

No es la única versión que se ha hecho de aquel viejo tema de Sleepy John Estes. Con algunas variaciones en la letra, el tema Concerned Life Blues de Big Maceo, o el Someday Baby grabado por Bob Dylan en 2006, son revisiones de aquel eterno blues de los años treinta, pero sin duda, la que ha quedado para la historia, con permiso de la versión de Muddy Waters, es la impactante versión, tanto en estudio como en directo, de The Allman Brothers Band.

Muy deficiente - Platero Y Tú #MesPlateroyTú

"El tercer disco de Platero y tú es Muy deficiente". La frase suena lapidaria, y lleva a la confusión. No creo que haya ningún disco de Platero y Tú que pueda ser considerado muy deficiente, y el grupo de Fito Cabrales e Iñaki Antón "Uoho" siempre facturó buenos discos desde sus inicios hasta su lamentada disolución, así que le daremos vuelta a la frase para que todo quede aclarado:

"Muy deficiente es el tercer disco de Platero y Tú". Ahora sí ¿No? Queda claro que no estamos suspendiendo al disco, solo informando del título de mismo, y especificando que es el segundo álbum de la banda, grabado entre febrero y marzo de 1992, y publicado el 12 de junio de 1992 por la discográfica DRO. Para poder llegar a una nota más ajustada a la realidad, tendríamos que valorar aspectos interesantes de ésta su segunda obra, como que lograran contar con la colaboración de Rosendo, no demasiado proclive a aparecer en discos de otros, en el tema Sin solución, o del genial teclista Ángel Muñoz, más conocido como "El Reverendo" y por sus entente colaborativa con El gran Wyoming, que aportó el toque de órgano Hammond en Cantalojas, un curioso ejercicio de blues rock.

Curiosidades aparte, los puntos fuertes de Muy deficiente están, seguramente, en las canciones que se publicaron como singles: Rompe los cristales, con los integrantes del grupo Arma Joven en los coros, y sobre todo El roce de tu cuerpo y la ya mencionada Sin Solución, que se convirtieron rápidamente en clásicos imprescindibles de la banda, con estribillos identificables y sustentadas en la potente guitarra de Uoho y en la peculiar voz de Fito, pero que no lograron que el disco tuviera la repercusión esperada. No sería hasta el siguiente disco (Vamos tirando) cuando los Platero y Tú dieron el salto definitivo a los primeros lugares del podio de rock español y lograron el reconocimiento de crítica y público del que, aún ahora ya desaparecidos, siguen gozando, pero ya en Muy deficiente encontramos todos los ingredientes y la calidad que definieron a esta banda mítica de rock and roll hispano.

Siempre emparentados con Extremoduro, hasta el punto de compartir el gusto por menospreciar sus obras en el título. Si los Platero y Tú denominaron esta obra como Muy Deficiente, Extremoduro hizo algo parecido con un disco que tenía de todo menos "Material Defectuoso" (2011), ya con los Platero disueltos y con Uoho entre sus filas. La relación de compadreo entre las dos bandas vino también producida por un gusto similar por el rock urbano, que Robe Iniesta llevaría al extremo de lo "transgresivo". Prueba de esa cadencia rock es el genial riff de Esa chica tan cara, otro de los momentos top del disco. Toda una declaración de amor a una guitarra y todo un clásico del rock español, como lo es también la ácida crítica a los rockeros de pose y artificio de la imprescindible No hierve tu sangre.

El resto de temas, salvando quizá los toques épicos con los que cierran el disco en la intensa Desertor, bajan algo el listón en cuanto a la espontaneidad y la fuerza de las canciones ya comentadas. Meando en la pared es prescindible, y ni el tono punk de tintes políticos de Estás Solo, ni la ligereza ecológica de Contaminamos pasan de ser meros rellenos en un disco que no necesitaba ese tipo de aliños para dejarnos un buen sabor de boca. Ninguna de ellas logra que nos decantemos por una nota de "muy deficiente" para el disco, aunque sí que consiguen que el "sobresaliente" se quede finalmente en "notable". Quizá seamos demasiado exigentes, pero a alumnos destacados como Fito y Uoho, que estaban a punto de convertirse en grandes maestros, siempre hay que exigirles al máximo. En definitiva, y en conjunto, estamos ante un disco a la altura de lo mejor de Platero y Tú, por más que quisieran titularlo como Muy Deficiente.

0618.- Whipping Post - The Allman Brothers Band

Whipping Post, The Allman Brothers Band

     El 4 de noviembre de 1969 se produce el debut de la mítica formación The Allman Brothers Band con su primer álbum de estudio, titulado como la misma  banda, The Allman Brothers Band. El disco es grabado entre el 3 y el 12 de agosto de 1969 en los estudios Atlantic de la ciudad de Nueva York, bajo la producción del músico y productor británico Adrian Barber, quien ya había trabajado con The Beatles en 1962. El disco es publicado por las discográficas Atco Records y Capricorn Records y es grabado y mezclado en dos semanas. Gran parte del material fue estrenado anteriormente a su grabación en vivo ante el público combinando grandes dosis de blues, jazz y música country. Curiosamente y pesar de recibir buenas críticas por parte de la prensa especializada como Rolling Stone que calificó el disco como "sutil, honesto y conmovedor", obtuvo una mala respuesta comercial, llegando únicamente a colocarse en Estados Unidos en los últimos puestos de la lista Billboard Top 200 Top Albums. Tras el aumento de la fama del grupo a principios de los 70, tanto este disco debut como el siguiente, Idlewild South, fueron reeditados en el álbum recopilatorio Beginnings en 1973.

Whiping Post fue compuesta por Gregg Allman, y la letra, que está escrita en un sentido metafórico, trata de una mujer malvada que ha traicionado a un hombre el cuál esta atado a un poste y está esperando su castigo. Gregg escribió este tema una noche sobre una tabla de planchar utilizando cerillas quemadas, pues en ese momento en mitad de la noche no fue capaz de encontrar un lápiz o bolígrafo y la escribió sobre la citada plancha. El tema se convirtió en un clásico en sus conciertos, tocándola además siempre a modo de Jam Session para evitar que el tema sonara igual dos veces. Una vez Gregg Allman fue preguntado cómo se le había ocurrido componer temas como Whipping Post donde las progresiones no tenían nada que ver con el blues o el rock & roll típico, a lo que respondió que realmente no sabía lo que estaba haciendo y que simplemente lo hizo.

Mocedades - Mocedades 4. Píldora #2

Mocedades 4 incluye el tema “Eres tú” una canción que batió records por todos lados. Ha sido la canción española más votada en la historia de Eurovisión, aunque hubo de conformarse con el segundo lugar. Entró en la lista Billboard Hot 100 la semana del 12 de enero de 1974 y se mantuvo en ella durante 17 semanas consecutivas alcanzando su puesto más alto las semanas del 23 y 30 de marzo en las que llegó al 9.º lugar, de ella se han hecho más de setenta versiones. Fue la primera canción de un intérprete español que cantada en castellano que alcanzó el top 5 USA, y Mocedades 4 fue el primer disco del grupo que llegó en España al número 1 absoluto de ventas en sencillos y LP. La trayectoria de Mocedades era larga cuando llega su apoteósica actuación en el festival de Eurovisión de 1973. Desde que las hermanas Uranga comenzaran en esto de la música en 1968, el grupo Mocedades había pasado por el folk hasta decantarse por la canción melódica. Como ocurre tantas veces, el tema no gustó al principio a su compositor, que en realidad unió dos temas previos, cogiendo de uno la estrofa y del otro el estribillo. Tampoco la letra convencía a Juan Carlos Calderón, que prefería menos metáfora y más víscera.

​El disco de la semana 292: Raro - El Cuarteto de Nos

​El disco de la semana 292: Raro - El Cuarteto de Nos   

Hacia mucho que no recomendamos una banda Uruguaya, por ello he rebuscado y encontrado esta banda que se llama El Cuarteto de Nos, que es una banda de rock alternativo y rap rock con elementos pop, electrónica y fusión de varios géneros latinoamericanos, formado en 1980.

Está integrada por el vocalista y guitarrista Roberto Musso, el bajista y corista Santiago Tavella, el baterista Álvaro Pintos, el guitarrista y corista Gustavo Antuña y el tecladista Santiago Marrero. En Uruguay El Cuarteto de Nos, se ha convertido en una banda de culto. Y Raro es el undécimo álbum de la banda de rock uruguaya El Cuarteto de Nos. Que fue producido por Juan Campodónico y lanzado a la venta el 20 de mayo de 2006 por Bizarro Records, con toda la intención de conquistar el mercado de música en Argentina, la banda lo había intentado anteriormente. 

En 2004 la banda se reunió con Juan Campodónico para realizar el álbum El Cuarteto de Nos, que contenía tres temas nuevos y quince versiones renovadas de temas clásicos. Como comentamos se tenía como objetivo que llegara al público argentino, pero no se logró. El Cuarteto de Nos tenía desde hace tiempo seguidores de culto en Argentina, pero los sellos discográficos no mostraban interés en la banda. 

En cambio con Raro la banda volvió a grabar de la mano de Juan Campodónico. El álbum, cuya portada es un retrato mezclado de los cuatro miembros, fue lanzado con pocas expectativas por Bizarro Records. Sin embargo, terminó siendo un disco bisagra, que permitió que la banda llegara popularmente a Argentina y también que empezara a tener repercusión en España, México y Colombia.

En este disco El Cuarteto de Nos muestra una faceta diferente de los discos anteriores. Se aleja de la predominancia de los chistes sexuales y personajes bizarros para experimentar con canciones con rimas complejas y con un sonido más roquero. 

Las canciones más populares del álbum «Yendo a la casa de Damián» y «Ya no sé qué hacer conmigo» fueron los dos hits principales del álbum y los más difundidos. 

En ambos casos se maneja la complejidad en la rima. La primera pertenece al género de rock y en la segunda se fusionan milonga y el son. El último tema del álbum «Autos nuevos», tiene la particularidad de que Riki Musso imita un solo de guitarra mediante la voz.

Obtuvo siete premios Graffiti a la Música Uruguaya, incluidos canción del año, video del año, disco del año, grupo del año, productor del año (Juan Campodónico) y grabación del año. Fue nominado a los Premios Grammy Latinos en la categoría Mejor canción rock por «Yendo a la casa de Damián».

El 6 de junio de 2006 logró superar las 2000 copias vendidas en Uruguay, por lo se le otorgó al álbum la certificación de disco de oro. Exactamente dos meses después, el 6 de agosto de ese mismo año, el volumen de ventas de Raro en ese país ascendió a las 4000 unidades, accediendo a la certificación de disco de platino.

En 2021 para conmemorar el 15 aniversario del disco, la banda publica una edición limitada del álbum en disco de vinilo, la cual se empezaron a vender en México y Argentina.

Por ello creemos que El Cuarteto de Nos es una de las bandas Uruguayas que no tenes que dejar pasar de largo, por ello te recomendamos este álbum bisagra según los expertos. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0617.- Golden Slumbers / Carry that weight – The Beatles

 

Cierra el álbum un medley o como se llama coloquialmente un popurrí de canciones que crearon, con respecto a este particular tema McCartney lo dejo claro, "Tenía un par de fragmentos que no estaban terminados, eran canciones que necesitaban tal vez un medio, un segundo verso o un final. Estaba tocando el piano en Liverpool en la casa de mi padre, y el libro de piano de mi hermanastra Ruth estaba en el atril, lo estaba hojeando y vi la letra de 'Golden Slumbers', no puedo leer música y no podía recordar la vieja melodía, así que comencé a tocar mi propia melodía. Me gustaban las letras, así que las conservé y encajaba con otra parte de la canción que tenía".

 

Paul McCartney compuso "Carry That Weight" como reacción a los diversos problemas de la banda. En Many Years from Now , McCartney le dijo al autor Barry Miles que “en ciertos momentos, las cosas me afectan tanto que ya no puedo estar optimista y esa fue una de esas veces. Estábamos tomando tanto ácido y tantas drogas y toda esta mierda con el abogado Allen Klein estaba revoloteando y todo se estaba complicando y se estaba volviendo más y más loco, llevar ese peso mucho tiempo, como si estuviera ahí para siempre, a eso me refería con esta canción.  Finaliza el popurrí “The end”, estamos en puertas de lo se convertiría en el género “Hard Rock” de la década de 1970, Paul decidió que la conclusión del popurrí debería tener un sonido pesado de guitarra, siguiendo la tendencia de finales de los 60, liderada por artistas como Jimi Hendrix, Mountain y Iron Butterfly, por citar solo algunos ejemplos, The Beatles tocaron un intrincado y bien ensayado instrumento instrumental de guitarra eléctrica distorsionada. Este segmento final simplemente titulado "Final", sólo duró un minuto y veinte segundos, concluyendo con una parada repentina. No fue hasta principios de agosto que a Paul se le ocurrió una idea lírica final para acompañar la conclusión temática de "The End". El libro de Paul “Muchos años a partir de ahora” dice: “Shakespeare terminó sus actos con un pareado en rima para que la audiencia supiera que habían terminado. Quería que terminara con un pequeño pareado significativo, así que seguí al Bardo y escribí un pareado”. John lo aprobó, como dijo en su entrevista de 1980: “Tenía la frase perfecta: ' El amor que recibes es igual al amor que haces '. Justo lo que han sido The Beatles, no se puede expresar mejor un final, el final de los mas grandes.

0616.- Here Comes The Sun - The Beatles

 

Here Comes The Sun, The Beatles

     El 26 de septiembre de 1969 se publica el undécimo álbum de estudio de The Beatles, Abbey Road. El disco es grabado en sesiones entre el 22 de febrero y el 20 de agosto de 1969 entre los Emi, Olympic y Trident estudios, todos en Londres, bajo la producción de George Martin, y con Geoff Emerick como ingeniero de sonido, quien se embarcaba en el proyecto tras haber abandonado un año atrás y dejando a medias la grabación de las sesiones del álbum The Beatles. Abbey Road ha sido catalogado por la crítica como uno de los álbumes mejor elaborados de The Beatles. En 2005 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 5 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Here Comes The Sun, escrita por George Harrison, una de sus dos contribuciones en la composición de temas del disco junto a Something. Here Comes The Sun fue escrita por Harrison y para su composición influyó la canción Badge del grupo Cream, que había sido coescrita por Eric Clapton y George Harrison. Esta fue una de las pocas canciones en las que no participó John Lennon en ningún instrumento. George Harrison se encargó de la voz, coros, guitarra acústica, sintetizador mog y palmas, Paul McCartney de los coros, bajo y palmas, y Ringo Starr de la batería y las palmas. Además, en la canción podemos escuchar 4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo, 2 piccolos, 2 flautas, 2 flautas altas y 2 clarinetes.

La canción fue escrita por Harrison mientras se encontraba en el jardín de la casa de Eric Clapton mientras descansaba de las interminables reuniones de negocios de Apple, la corporación del grupo. La canción se inspiró en los largos inviernos de Inglaterra, y según Harrison el día que la escribió estaba soleado: "Era un día soleado muy agradable, y tomé la guitarra, que era la primera vez que la tocaba en un par de semanas porque había estado muy ocupado". Y lo primero que salió fue lo que a la postre sería la canción, una canción que terminaría más tarde mientras se encontraba de vacaciones en Cerdeña.

Voy a acabar borracho - Platero y Tú - #MesPlateroyTu

Voy a acabar borracho - Platero y Tú - #MesPlateroyTu 

Mes Platero y Tú fue un grupo vasco de rock and roll formado a finales de los años 1980 y disuelto en 2001. 

Tiene influencias de grupos como Leño, AC/DC o Status Quo, y guitarristas como John Fogerty de Creedence Clearwater Revival, alejándose del rock radical vasco que triunfaba en el momento de la creación de la banda. 

Sus canciones hablan de bares, drogas y amores.

Voy a acabar borracho es el primer álbum de estudio, pero si contamos la maqueta Burrock'n roll del grupo Platero y Tú estamos hablando de su segundo álbum, grabado del 22 al 24 de febrero de 1991​ y editado como vinilo en junio de 1991 por Welcome Records, de Barcelona. El 29 de agosto de 1996, con el grupo en su punto álgido tras editar A pelo, el disco fue publicado en CD por Dro, su discográfica en ese momento. 

El original fue remasterizado, añadiendo alguna pista que se había perdido en las guitarras de Ramón y Mira hacia mí.

Algunos de los temas incluidos en el disco ya aparecían en su maqueta Burrock'n'roll, por lo que luego volverían a aparecer en la reedición posterior. Esto hace que algunos temas tengan dos versiones de estudio, una en la maqueta de 1990 y otra en este primer disco de 1991,  sin contar las versiones en directo o en el recopilatorio de 2002/2005, donde hay mucho Rock'n roll.

Voy a acabar borracho tiene un rock refrescante y sin complejos, el álbum es una mezcla de canciones nuevas y de su primera maqueta, "Burrock’n Roll" que entonces no salido, y luego fue reeditaría.

El álbum abre con “Voy a acabar borracho”, animado entremés muy ligerito de mensaje, pero en la que Uoho nos administra un solo muy técnico, siguiéndole una “Tiemblan los corazones” para la que el grupo se disfraza de unos improvisados Leño, apareciendo eso sí, los primeros elementos reivindicativos entre secuencias de acordes veloces y amartillados.

“Un abecedario sin letras” tiene un tono más pachanguero, acompañado de sus guitarras que parecen engañarnos con un amago de ska, y conduciéndonos a un estribillo bailable y reconocible a un golpe de voz. “Por detrás” tiene un punto más tranquilo, la guitarra de Uoho dibuja con una pentatónica un pespunte que le da a la canción el aspecto adecuado para hacerla presentable; apelan también al sentido del humor para mofarse un poco de la clase mandataria.

“Si tu te vas”, que es una versión de "Rockin’ all over the world" de los británicos Status Quo, parece jugar al despiste con su inicio 100% reggae que, sin embargo, desemboca en una progresión de rock stoniano sin mucho aliciente además de la algarabía; por el contrario “Mira hacia mí” se presenta más seria y compacta, con una resolución menos banal que el corte anterior. En una línea parecida Fito hace de cronista de la realidad; cuando los vaivenes de la vida ponen a cada uno en un extremo de la balanza en “No me quieres saludar”, que se consume como un reproche a destiempo, ardiendo con la mirada cómplice del que se reconoce como comburente.

Con una introducción de guitarras redobladas en un riff atrevido y desafiante, arranca “La maté porque era mía”, que inequívocamente recuerda en su temática al “Use to love her” de los Guns ’n’ Roses, “La mataré” de Loquillo. De alguna manera recuerda muchísimo al sonido de Iron Maiden pese a que la voz de Fito y la de Bruce Dickinson disten muchísimo; Juantxu Olano parece disfrazarse de Steve Harris quedando un tema bastante resultón y sin ningún complejo.

“Ya no existe la vida” parece evocar en el fondo a Simon and Garfunkel en su “The sound of silence”, cuando hablan de la incomunicación entre las personas; con un estilo musical absolutamente opuesto, los Platero y Tú nos invitan a pensar un poco y a conocernos mejor, engalanando la melodía con ejercicios de guitarra sugerentes y eclécticos. “Déjame en paz” incluye unos tímidos teclados y pisa terreno resbaladizo; y es que no termina de comprometerse del todo, las puñaladas de una guitarra a tope de distorsión se entremezclan con acordes limpios sin distorsión alguna y no termina de arrancar mientras los compases se van sucediendo, “Ramón” un himno grande e inmenso, descomunal canción que va de menos a más. 

Para acabar el disco “Imanol” se presenta como una canción sin más objetivo que el cachondeo.

Por fin Platero y Tú tiene su primer álbum, que como hemos dicho podría con codearse su segundo álbum de estudio. 

Daniel 

Instagram storyboy

0615.- Something - The Beatles

Tras las tensas sesiones del Álbum Blanco y Let it be, los rumores de un nuevo proyecto de The Beatles ponían los pelos de punta al personal de Abbey Road, anticipando los problemas y los conflictos de esas grabaciones. Sin embargo, en las sesiones de Abbey Road, Paul McCartney se mostró más conciliador, John Lennon menos sarcástico, Ringo igual de apacible, y George Harrison aportó la confianza y la madurez que había volcado en sus nuevas composiciones, brillando con luz propia en temas como Here comes the sun y, muy especialmente, Something, la primera canción de Harrison en aparecer como cara A de un single de The Beatles.

Harrison había empezado a trabajar en Something en la época en la que The Beatles grabaron su "disco blanco". Mientras McCartney grababa un overdub para otra canción de aquel disco, Harrison fue a una sala vacía y escribió los primeros versos de la canción, que no llegaría a entrar finalmente en aquel disco, porque ya habían completado todas las pistas que necesitaban, y porque la primera intención de Harrison fue cederla a otro artista, por considerarla demasiado simple. El primer candidato fue Jackie Lomax, pero acabó en manos de Joe Cocker, que llegó a grabarla y publicarla dos meses antes de que la versión de The Beatles encontrara por fin su momento estelar en single y su hueco en el disco Abbey Road. Durante la grabación, las primeras versiones duraban hasta ocho minutos, con una parte final de piano a cargo de Lennon y un cambio de melodía en mitad del tema. Ambos tramos fueron eliminados de la versión final, pero la parte del piano no se logró borrar del todo, y se escucha parcialmente en la pista de los coros. Lennon aprovecharía después el piano eliminado para construir su canción Remember, ya en su faceta en solitario. 

Para la difusión de la canción se rodó un video promocional, consistente en escenas de cada uno de los Beatles con sus respectivas parejas. Eso llevó a que muchos asumieran que la letra de la canción estaba inspirada en la pareja de Harrison (Pattie Boyd), pero él siempre dijo que escribió la canción sin pensar en nada o nadie en concreto, llegando incluso a comentar que, en el momento de escribirla, la única persona que tenía en mente era Ray Charles. Podemos asumir que su fuente de inspiración no tuviera nombre y apellidos concretos, pero entonces estaríamos hablando de la mejor canción de la historia inspirada en temas como la duda y la incertidumbre, y con una carga sentimental fuera de lo común para esos dos sentimientos o estados de ánimo. No es que no te creamos George, pero nos cuesta creer que no hubiera "algo" de amor en una obra tan grande.​

Grandes exitos y tropiezos: Paco de Lucia

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta cuarta visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hoy nos vamos a detener en unos de los grandes iconos de la música española, es cierto que no es un rockero al uso, pero su forma de tocar la guitarra es eterna y a todo el mundo enamora. Nos estamos refiriendo a Paco de Lucia.

Estás tardando en comprarlo:

“Fuente y caudal” (1973) un álbum donde Paco de Lucía aborda ocho "palos" (subgéneros flamencos) magistralmente dándoles espacio para respirar y espacio para brillar, destacando lo que hace especial a cada uno. Ocho buenos ejemplos que se convertirán en estándares con los que comparar otras obras. Ahora, entiendo que un álbum de guitarra solista puede ser decepcionante para los no iniciados, su sonido es tan limitado que es solo una guitarra. Pero, por supuesto, ese es el punto, es solo una guitarra, ¿qué puede hacer? O más bien, ¿qué puede decir? Esto tiene mucho más que ver con la expresión que con el virtuosismo. La música exige tu atención, cada nota cuenta, si escuchas atentamente puedes escuchar el corazón de Paco a través de sus uñas. La rumba "Entre dos aguas" es el único tema pop aquí, lo que puede ser engañoso. Lo más destacado es la canción principal "Fuente y caudal", un subgénero que se originó como un canto minero. Una pieza profunda que suena como el sufrimiento y las esperanzas de varias generaciones de mineros a lo largo del paisaje ibérico casi desértico. A veces, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta, pasión y fuego mezclados con emoción son los elementos clave de este álbum, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta, pasión y fuego mezclados con emoción son los elementos clave de este excelente álbum, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta.

Si te queda pasta, llévate también:

Nos vamos a llevar también Almoraima (1976) podemos describir este trabajo como "Flamenco", 'nuevo' o no, lo que está claro es que abre una lata que había que abrir en algún momento. Su guitarra virtuosa suena extravagante y apasionada, apoyado en un poco de percusión y muchas palmas que improvisa sobre los ritmos de las danzas españolas. Utiliza el modo frigio, combinando la influencia morisca con la tradición española y sus propias ideas modernas. Las técnicas especiales son rasgueado, trémolo y golpe. Las melodías son deslumbrantes con un trasfondo triste. El tema principal es una bulería, un baile en 12/8 con un patrón complejo de acentos. A la perla de Cádiz comienza como una cantiña, un género vocal. Río Ancho está influenciado por el jazz gitano.
Paco es de Andalucía en el sur de España, la región que vio nacer el flamenco, pero este disco no es ni el más típico ni el mejor trabajo del flamenco "andaluz", pero es tan buen punto de partida como cualquier otro, y por mucho que busques, pocos guitarristas que puedan tocar mejor la guitarra acústica que Paco de Lucía.

Vuelve a dejarlo en el expositor ( o no ):

“Luzia” (1998) fue sin duda un disco muy querido por el autor, el principal motivo es porque estamos ante una álbum homenaje a su madre, gravemente enferma en aquel momento, aun así es un gran disco, suena la guitarra acústica y te conmueve como la toca Pac , escuchando este disco y prestando atención te das cuenta de porque a este señor lo llaman el mejor guitarrista de flamenco del mundo. En este disco se escucha por primera vez la voz de Paco de Lucía cantando (su pasión frustrada): “Yo canté como referencia en la grabación para que luego un cantaor pusiese su voz encima, pero me parece mucho más intimista, mucho más de verdad y más directo, dar ese homenaje con mi propia voz, a pesar de que cualquier cantaor lo hubiese hecho mejor”.

0614 - Come Together - The Beatles

0614 - Come Together - The Beatles

Come Together es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles, escrita por John Lennon y acreditada a Lennon-McCartney. La canción es la pista de apertura de su álbum Abbey Road de 1969 y también fue lanzada como sencillo junto con Something. La canción alcanzó la cima de las listas de éxitos en los Estados Unidos y alcanzó el puesto número 4 en el Reino Unido.

Cuentan que Lennon escribió la canción después de ser inspirado por el gurú del LSD, Timothy Leary, para escribir una canción para su campaña contra el futuro presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, para convertirse en gobernador de California, pero los planes se hicieron añicos después de que Leary fuera encarcelado por posesión de drogas.

Su lanzamiento: Apple Records, el sello discográfico distribuido por EMI de The Beatles, lanzó Abbey Road el 26 de septiembre de 1969, con la canción Come Together secuenciado como pista de apertura.

La canción se publicó como un sencillo de doble cara A con Something de Harrison el 6 de octubre en Estados Unidos y el 31 de octubre en Gran Bretaña, comercialmente, el sencillo fue un gran éxito, permaneciendo en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. durante 16 semanas y alcanzando el número 1.

El sencillo fue lanzado el 31 de octubre de 1969 en el Reino Unido y alcanzó el número 4.

En mayo de 2021, Ringo Starr dijo que era su canción favorita de The Beatles en una entrevista en The Late Show con Stephen Colbert.

Daniel 

Instagram storyboy 

0613 - To Love Somebody - Janis Joplin

0613 - To Love Somebody - Janis Joplin

To Love Somebody es la segunda canción lanzada por los Bee Gees para el álbum debut internacional Bee Gees' 1st.

Editada en 1967, fue escrita por los hermanos Barry Gibb y Robin Gibb, con la producción a cargo de Robert Stigwood.

Janis Joplin realizó un cover en 1969 para su álbum I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

Pocas canciones tienen un cambio más drástico entre actuaciones que cuando Janis Joplin decidió tomar el clásico pop psicodélico del grupo To Love Somebody en su debut en solitario I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

Cuando Joplin fue a The Dick Cavett Show para promocionar el álbum, sacó su versión de 'To Love Somebody'.  Tomando más como referencia el sonido clásico de Stax de Otis Redding y Booker T. & the MG's, la versión de Joplin de 'To Love Somebody' prescinde del gancho monstruoso en el centro de la versión de Bee Gees para un trabajo vocal más elástico de Joplin.  

Por supuesto, Joplin le da un buen uso a su gruñido característico, y sin el conocimiento previo adecuado, sería imposible imaginar esta versión como una canción de Bee Gees. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0612.- Little girl blue - Janis Joplin

No es mucha la información disponible en internet sobre la versión de Little Girl Blue de Janis Joplin, la canción favorita de mi media naranja, y no quería que pensarais que la razón fundamental por la que esta canción estaba incluida entre las mejores de la historia fuera solamente esa (aunque debo decir que, y pese a que ella no lo crea, entiende mucho de música), así que decidí seguirle el rastro a la historia de la canción original, y sus posteriores apariciones en la voz de, para mi sorpresa, muchos más artistas de los que imaginaba.

Little girl blue fue escrita por Richard Rodgers (música) y Lorenz Hart (letra), y publicada por primera vez en 1935. Ese mismo año, la canción fue interpretada por la actriz Gloria Grafton en el musical de Broadway Jumbo. Años más tarde, en 1954, Frank Sinatra la interpretaría acompañado de Nelson Riddle, y en 1956 fue Ella Fitzgerald quién realizó una nueva versión. Sarah Vaughan y Judy Garland hicieron sus propias versiones en 1957, y en 1959 llegaría una de las versiones más conocidas, en la voz de Nina Simone.

En los sesenta, son destacables las versiones de Sam Cooke (1961) y Doris Day (1962), pero dónde es imposible no detenerse y recrearse es en la interpretación de Janis Joplin, incluida en su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! Para su particular versión de la "muchachita triste", Janis cambió bastante la letra de la canción, y la dotó de una sensibilidad y sentimiento que otras versiones no alcanzaron. Tan relevante fue esta canción para la malograda cantante estadounidense, que acabó dando título a un documental sobre su vida y obra. "Janis: Little Girl Blue", dirigida por Amy J. Berg, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2015 y se proyectó también en el Festival Internacional de Cine de Toronto de ese mismo año, recibiendo críticas muy positivas. Aunque, claro está, ningún galardón es comparable a ser la canción favorita de mi pareja. Eso sí que son palabras mayores.