Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

En nuestra sección del Artista del Mes, dedicamos este espacio a una de las bandas más legendarias e influyentes de la historia del rock: Queen. Con una carrera llena de éxitos, innovación y un legado que perdura hasta hoy, Queen ha dejado una huella imborrable en la música. En este post hablaremos de uno de sus álbumes The Game, lanzado en 1980. Este disco no solo marcó un antes y un después en la carrera de la banda, sino que también demostró su capacidad para reinventarse y explorar nuevos sonidos sin perder su esencia.

Queen: Una Banda en Constante Evolución

Queen siempre ha sido sinónimo de versatilidad. Desde sus inicios en los años 70, la banda, compuesta por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, se destacó por su capacidad para fusionar géneros como el rock, la ópera, el glam y el hard rock. Sin embargo, con The Game, Queen dio un paso audaz hacia nuevos territorios musicales, incorporando elementos de funk, disco y rockabilly. Este álbum no solo consolidó su estatus como superestrellas globales, sino que también demostró que estaban dispuestos a arriesgarse y evolucionar.

Se podria entonces decir que The Game es un álbum innovador. Grabado entre 1979 y 1980 en los estudios Musicland de Múnich, The Game fue producido por Reinhold Mack y se convirtió en el primer álbum de Queen en utilizar sintetizadores. Este fue un cambio significativo para la banda, que hasta entonces había evitado el uso de estos instrumentos, prefiriendo crear sonidos complejos con instrumentos tradicionales. Sin embargo, en The Game, los sintetizadores se integraron de manera orgánica, añadiendo nuevas texturas sin restar protagonismo a los elementos clásicos de Queen.

El álbum es una mezcla perfecta de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos. Con hits como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love", The Game se convirtió en un éxito comercial masivo, llegando al número uno en las listas de cinco países, incluidos Estados Unidos y el Reino Unido.

Lista de Canciones de The Game

1. "Play the Game" (Mercury) El álbum abre con esta poderosa balada escrita por Freddie Mercury. Con un piano melódico y una guitarra emotiva de Brian May, la canción crea una atmósfera introspectiva que explora temas como el amor y las relaciones. El solo de guitarra de May es uno de los más memorables del álbum.

2. "Dragon Attack" (May) Esta canción, escrita por Brian May, es un ejemplo del lado más pesado y funkero de Queen. Con un riff de bajo prominente de John Deacon y un ritmo contagioso, "Dragon Attack" es una pista energética que demuestra la versatilidad de la banda.

3. "Another One Bites the Dust" (Deacon) Sin duda, uno de los mayores éxitos de Queen y una de las canciones más icónicas de la historia del rock. Escrita por John Deacon, esta pista es una incursión en el funk y el disco, con un bajo pegajoso y un ritmo irresistible.

4. "Need Your Loving Tonight" (Deacon) Otra composición de John Deacon, esta canción tiene un sonido pop-rock con un ritmo alegre y optimista. La voz de Mercury es fresca y llena de energía, y la canción sirve como un contraste ligero a algunas de las pistas más serias del álbum.

5. "Crazy Little Thing Called Love" (Mercury) Un homenaje al rockabilly de los años 50, esta canción escrita por Freddie Mercury es sencilla pero efectiva. Fue compuesta por Mercury mientras se daba un baño. Él mismo grabó la guitarra acústica en el estudio antes que la banda llegara y ejecutara las bases de la canción. Brian May dijo que la ejecución de Freddie fue perfecta y únicamente se le agregó un solo de guitarra en la mitad de la canción, después del consejo de su productor Mack, más bien parodiando el sonido de televisión de su famosa guitarra "Red Special". Freddie tocó la guitarra en todas las versiones en vivo en las que se interpretó esta canción; esto constituyó el único momento en el que tocó otro instrumento que el piano o la pandereta. El video promocional fue dirigido por Dennis De Vallance y filmado en los Trillion Studios de Londres, en el que Brian May aparece tocando una Fender Telecaster en vez de la mítica Red Special.

6. "Rock It (Prime Jive)" (Taylor) Roger Taylor tuvo dificultades para aportar temas a The Game. "Rock It (Prime Jive)" fue generadora de disputas dentro de la banda. Se grabaron dos versiones del tema, una cantada íntegramente por Freddie y otra grabada por Roger. La polémica vino al decidir cuál de las dos iría. Brian y Mack se inclinaban por la cantada por Freddie, mientras John y Roger por la de Roger. Finalmente se decidió que el intro sería de Freddie y el resto de la canción de Roger. En vivo, era Freddie quien la cantaba.

7. "Don't Try Suicide" (Mercury) Este tema de Freddie, sin sintetizadores, cuenta con un juego entre el bajo y la batería, y solos de Brian que rompen cada cierto rato la hegemonía del Sonic Volcano. En un álbum posterior, Made in Heaven, hay una canción de cuatro segundos llamada "Yeah", la cual es un fragmento de "Don't Try Suicide".

8. "Sail Away Sweet Sister" (May) Grabada en las sesiones preliminares de 1979 junto a "Crazy Little Thing Called Love", "Save Me" y "Coming Soon", "Sail Away Sweet Sister" se sustenta en la delicada voz de Brian y en el bajo de John (que es un poco el instrumento principal en el disco y tiene un solo al cierre del track), con un desgarrador solo de guitarra, y Freddie cantando unas cuantas líneas.

9. "Coming Soon" (Taylor) Roger tenía tres temas para este disco. Ya vimos el primero, "Rock It", el segundo estaba entre "A Human Body" y "Coming Soon". Quedó esta última quizás por estar musicalmente más cerca de los demás temas que "A Human Body", que quedó guardada para que fuera el lado B de "Play The Game" por ser demasiado melódica para el resto del álbum.

10. "Save Me" (May) Cierra el álbum esta emotiva balada escrita por Brian May. Con un piano y una guitarra llenos de sentimiento, la canción es una despedida melancólica pero esperanzadora. Fue el segundo sencillo de The Game y alcanzó el puesto #11 en las listas de Reino Unido. Para este sencillo se grabó el primer vídeo promocional de animación de Queen, mezclando una actuación en directo con una animación. El vídeo fue filmado en el Alexandra Palace de Londres y dirigido por Keith McMillan durante la gira de diciembre conocida como Crazy Tour.

The Game no solo fue un éxito comercial, sino que también marcó un momento de madurez creativa para Queen. La banda demostró que podía evolucionar y adaptarse a las tendencias musicales sin perder su identidad. Canciones como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love" se convirtieron en clásicos instantáneos y siguen siendo parte integral del repertorio de la banda.

Además, el álbum consolidó a Queen como una de las bandas más versátiles e innovadoras de su época. Aunque algunos puristas del rock criticaron el uso de sintetizadores, The Game es una prueba de la capacidad de Queen para reinventarse y mantenerse relevante en un panorama musical en constante cambio.

Queen ha dejado un legado imborrable en la música no cabe duda, y The Game es una parte fundamental de ese legado. Este álbum no solo demostró la versatilidad y el genio creativo de la banda, sino que también sentó las bases para su éxito en la década de los 80. Con una mezcla de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos, The Game es un testimonio del genio musical de Queen y su capacidad para crear música que trasciende generaciones.

The Game es un álbum esencial en la discografía de Queen. Combina lo mejor del sonido clásico de la banda con influencias nuevas y frescas, creando un disco que es tanto innovador como atemporal. Este mes, celebramos a Queen como nuestro Artista del Mes, recordando su capacidad para sorprender, emocionar y, sobre todo, jugar el juego de la música como nadie más lo ha hecho.

Daniel 

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1537 - Ian Dury - Sex and drugs and rock and roll

1543 - Ian Dury - Sex and drugs and rock and roll

Ian Dury, una de las figuras más icónicas y excéntricas del punk y el new wave británico, dejó un legado imborrable con su canción Sex & Drugs & Rock & Roll. Lanzada en 1977 como parte de su álbum debut New Boots and Panties!!, esta pieza se convirtió en un himno generacional que encapsulaba la esencia rebelde y hedonista de la música de la época. Con su estilo único, Ian Dury logró combinar letras ingeniosas, ritmos contagiosos y una actitud desafiante que resonó en una juventud ávida de romper con las convenciones.

La canción es una celebración irreverente de los tres pilares que, según Ian Dury, definían la vida de un rockero: el sexo, las drogas y el rock and roll. Aunque el título podría sugerir una glorificación superficial de estos temas, Ian Dury los aborda con un tono sarcástico y autocrítico. Las letras, cargadas de humor y dobles sentidos, reflejan tanto la fascinación como el desencanto hacia un estilo de vida que, aunque lleno de placeres momentáneos, también conlleva sus propias trampas y contradicciones. Ian Dury no solo canta sobre la diversión, sino que también insinúa los riesgos y la vacuidad que pueden acompañar a este tipo de existencia.

Musicalmente, Sex & Drugs & Rock & Roll es una obra maestra de la fusión de géneros. La base rítmica, impulsada por los Blockheads, la banda que acompañaba a Ian Dury, mezcla elementos del funk, el reggae y el rock, creando un sonido que es a la vez crudo y sofisticado. La voz distintiva de Dury, con su acento cockney y su entrega casi teatral, añade una capa de autenticidad y carisma que hace imposible ignorar la canción. Cada verso está impregnado de una energía contagiosa que invita al oyente a moverse, reír y reflexionar al mismo tiempo.

Uno de los aspectos más notables de la canción es su capacidad para trascender el tiempo. Aunque fue escrita en un contexto específico —la escena punk británica de finales de los 70—, su mensaje sigue siendo relevante hoy en día. El trío de temas que aborda (sexo, drogas y rock and roll) sigue siendo un símbolo de la cultura popular, y la forma en que Ian Dury los trata —con una mezcla de admiración y escepticismo— sigue resonando con audiencias de todas las edades.

Sex & Drugs & Rock & Roll no es solo una canción, sino una declaración de principios. Ian Ian Dury logró capturar el espíritu de una época mientras creaba una obra que, gracias a su ingenio y su energía, sigue siendo atemporal. Es un recordatorio de que la música no solo es un medio de entretenimiento, sino también una herramienta para cuestionar, provocar y celebrar la vida en todas sus facetas. Para cualquier amante del rock, esta canción es una parada obligatoria en el viaje musical. 

¿Qué opinas de este clásico? ¿Crees que el mensaje de Ian Dury sigue vigente? Déjanos tus comentarios y no olvides compartir esta reseña en tus redes sociales.

Daniel 

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1536 - Talking Heads - Psycho Killer

1542 - Talking Heads - Psycho Killer

En el panorama del rock post-punk de finales de los 70, pocas canciones han logrado capturar la esencia de la angustia moderna y la alienación urbana como "Psycho Killer" de Talking Heads. Lanzada en su álbum debut Talking Heads: 77, esta canción se ha convertido en un himno atemporal que combina una letra inquietante con una instrumentación minimalista pero efectiva, marcando el inicio de una carrera brillante para la banda liderada por David Byrne.

Desde el primer acorde, "Psycho Killer" te atrapa con su ritmo contagioso y su bajo pulsante, creado por Tina Weymouth. La guitarra de Byrne, aunque sencilla, es hipnótica, y los arreglos de percusión de Chris Frantz mantienen un tempo que oscila entre lo tenso y lo danzable. Sin embargo, lo que realmente destaca es la letra, que explora la mente de un asesino desde una perspectiva casi introspectiva. Byrne, inspirado en parte por la canción "Psycho" de Alice Cooper y en parte por su fascinación por las películas de terror, logra transmitir una sensación de incomodidad que es a la vez personal y universal.

La frase "I can't seem to face up to the facts / I'm tense and nervous and I can't relax" encapsula la ansiedad y la paranoia que muchos experimentan en la vida cotidiana, pero llevadas a un extremo perturbador. Byrne no solo habla de un asesino, sino que también parece cuestionar la naturaleza de la locura y la desconexión humana. El coro en francés, "Qu'est-ce que c'est?" (¿Qué es esto?), añade un toque de misterio y sofisticación, reflejando la influencia de la cultura europea en la banda y su deseo de romper con las convenciones del rock tradicional.

Uno de los aspectos más fascinantes de "Psycho Killer" es su capacidad para ser a la vez oscura y divertida. La canción no pretende ser una declaración seria sobre la violencia, sino más bien una exploración irónica y casi teatral de la mente humana. Byrne, con su voz característicamente nerviosa y entrecortada, logra transmitir una sensación de desesperación que es a la vez cómica y escalofriante. Es como si estuviera actuando el papel de un personaje sacado de una película de Hitchcock, pero con un toque de humor absurdo.

En términos de producción, la canción es un ejemplo perfecto del enfoque minimalista de Talking Heads. No hay excesos ni adornos innecesarios; cada elemento está ahí por una razón. Esto no solo refleja la filosofía de la banda en sus inicios, sino que también contribuye a la atmósfera claustrofóbica de la canción. La simplicidad de la instrumentación permite que la letra y la interpretación vocal brillen, creando una experiencia auditiva que es a la vez inquietante y adictiva.

"Psycho Killer" es una obra maestra del rock moderno que combina inteligencia, ironía y una ejecución musical impecable. No solo es una de las canciones más icónicas de Talking Heads, sino también un reflejo de la genialidad de David Byrne como compositor y performer. Más de cuatro décadas después de su lanzamiento, la canción sigue siendo tan relevante y fascinante como el primer día, demostrando que la verdadera genialidad no tiene fecha de caducidad. Si aún no la has escuchado, es hora de que te sumerjas en este clásico y descubras por qué sigue siendo una de las canciones más influyentes de su época.

Daniel 

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1535.- Love Gun - Kiss

 

Love Gun, Kiss

     Love Gun es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado entre el 3 y el 28 de mayo de 1977 en los Record Plant Studios de Nueva York, bajo la producción de Edie Kramer y del propio grupo, y publicado el 30 de junio de 1977 bajo el sello discográfico Casablanca Records. El mismo día del lanzamiento el grupo vendió un millón de copias y se convirtió en el primer álbum de la banda en llegar al top 5 de las listas de ventas Billboard 200Estados Unidos. El álbum, además, es el primero de estudio que incluye la voz principal de Ace Frehley, lo que lo convierte en el primero en incluir las voces principales de los cuatro miembros de la banda. 

Incluido en el álbum se encuentra la canción que da título al mismo, Love Gun. La canción fue escrita por Paul stanley, quien además interpretaba la canción. Sobre la letra de la canción, Stanley afirmaba de que trataba la misma: "Un arma de amor es el arma con la que naces, que nunca te quitas encima", a buen entendedor pocas palabras. Según el libro editado en 2004, KISS: Behind the Mask, Stanley escribió la canción en un vuelo a Japón: "Lo tenía todo escrito en mi cabeza"... "Cuando aterrizamos, tuve que tocarla para asegurarme de que funcionara y que estuviera todo en su sitio. Creo que la mayoría de las veces, cuando escribes canciones geniales, lo sabes. Siempre pensé que 'Love Gun' era una canción genial, y hoy en día, sigo pensando que es una canción tremenda. Probablemente sea la canción que más disfruto interpretar. Para mí, 'Love Gun' es la quintaesencia de Kiss y probablemente una de las cinco canciones emblemáticas esenciales". La canción ha sido intepretada en todas las giras de Kiss desde su lanzamiento. Stanley la ha citado como la canción del grupo de la que se siente más orgulloso. Quizás tuviera que ver el hecho de que fue la primera canción que escribió, arregló y produjo en su totalidad.

Disco de la semana 421: Kings & Queens of the Underground - Billy Idol

 

"Kings and Queens of the Underground" es el octavo álbum de estudio de Billy Idol, lanzado el 17 de octubre de 2014. Este álbum marca un regreso significativo para Idol, siendo su primer trabajo de material original desde el también excelso "Devil's Playground" en 2005. Producido por Trevor Horn y Greg Kurstin, el disco es una mezcla de punk rock clásico y power pop, manteniendo la esencia rebelde y energética que ha caracterizado la carrera de Idol, pero con la novedad de la inclusión de ciertos toques nostálgicos en las letras de varias canciones.

Comienza sin tregua con Bitter Pill, una de las mejores canciones del disco, un compendio de energía rockera, sabor a carretera polvorienta y cuentas pendientes en el alma, narrado a base de guitarras contundentes y sintetizadores atmosféricos. La letra es una amarga reflexión sobre una vida de peligros y excesos, casi una road movie emocional, sobre una vida pasada que el protagonista sacrifica por seguir teniendo a su pareja a su lado. La voz rasposa de Idol está más en forma que nunca, y transmite la sensación agridulce de alguien que ha vivido esa vida canalla, y se aleja de ella asumiendo el sacrificio por amor, pero no por ello dejando de echarla de menos en ocasiones ("Es una pastilla amarga que me trago, solo para mantenerte a mi lado").

Es difícil superar este arranque, pero entre las candidatas a lograrlo estaría sin duda Can't Break Me Down, otro himno de actitud canalla, con un toque mucho más desafiante y nada resignado ("Es una reacción natural, cuando golpeo contra el suelo, soy como el asesino originario, me levanto a por más"). Dotada de un ritmo acelerado, unos coros de estadio y un estribillo pegadizo, tiene una producción más elaborada que el tema anterior, que abunda en efectos electrónicos y que está claramente diseñada para ser un single de impacto. Algo así podría decirse también de Save Me Now, otra gran canción con una temática similar a Bitter Pill, pero mientras en la canción que abre el disco el protagonista se resigna y asume que tiene que sacrificar cosas por vivir en pareja, aquí directamente le pide a su amada: "Sálvame ahora" de esa vida desatada y peligrosa. La producción vuelve a ser brillante, combinando guitarras acústicas y eléctricas con efectos electrónicos.

One Breath Away tiene un comienzo más aterciopelado y de menor octanaje instrumental, en el que Idol explota su vena de cantante de voz profunda, para subir después la intensidad en un efectivo estribillo y acabar igualmente explotando en un tramo final de intensas guitarras. Es una buena canción, pero es con Postcards From The Past con la que Idol vuelve a la primera división del disco, en lo que es una nueva reflexión sobre el pasado y las experiencias vividas durante una carrera musical de lo más intensa. Más allá de la temática y de la letra, lo que hace grande a este tema es la inesperada fiereza e intensidad de un Idol en plena madurez, con un tema plagado de potentes guitarras y sintetizadores, que no desentonaría en cualquiera de sus mejores discos de los ochenta.

Tras el bombazo anterior, llega el turno de la canción que da título al disco. Kings & Queens Of The Underground es quizá la más autobiográfica del álbum, una épica y melancólica revisión de su carrera en la que menciona los títulos de algunas de sus mejores canciones ("Kiss me deadly", "Rebel Yell", "Eyes Without a Face", "Hot in the City"...). En un tema de corte acústico y clásico, Idol narra su ascenso a la fama y las cicatrices que las mil batallas que libró le dejaron por el camino. El estribillo es una vez más memorable y épico, conformando en conjunto la mejor de las baladas del disco.

A continuación suena Eyes Wide Shut, que nada tiene que ver con la película de Stanley Kubrick, y que tiene un sonido más suave y menos energético que los grandes temas del arranque. Idol aborda aquí el tema del engaño y la desilusión, y la necesidad de escapar de ello y abrir los ojos a la realidad, para volver después a la nostalgia en la balada Ghosts in my Guitar, una nueva mirada relajada a los recuerdos de los buenos tiempos del pasado. Tras estos dos temas, merece una mención destacable Nothing To Fear, el tema en el que más brilla la voz de Idol en su modalidad grave y crooner de "Elvis del Punk", con otro efectivo estribillo y letras sobre la valentía y la determinación necesarias en la vida.

Con tanta buena canción, da miedo enfrentarse al momento en que el listón baje, pero afortunadamente, no hay "nada que temer", porque a continuación suena Love And Glory, una nueva mezcla de letra nostálgica y música de toques épicos, que se llegó a considerar como título del disco, y que suena sorprendentemente parecida a la música de ¡U2! Es verdad que su sonido es algo más rebajado y comercial que otras canciones, pero el cambio es curioso y no deja de ser una agradable sorpresa, que además contrasta con el salvaje tema final, porque Whiskey and Pills es todo un ejercicio de intensidad y frescura punk con el que Billy Idol se despide como empezó, con un nuevo despliegue de crudeza vocal e instrumental, y reflexionando sobre los excesos y las consecuencias de una vida de lo más rockera, en la que el whisky y las pastillas formaban parte del menú de cada día. Se agradece en este punto la vuelta a una producción más intensa, con una energizante línea de bajo, una batería contundente y una capa de guitarras pesadas con las que logra poner un destacable punto y final a la altura de los mejores momentos de "Kings and Queens of the Underground".

Algunas versiones del disco incluyen la canción Hollywood Promises como tema extra, extendiendo el cierre con una mirada crítica a la industria del entretenimiento y una mordaz letra en la que Idol cuestiona las promesas vacías y la superficialidad de Hollywood. Con o sin ella, "Kings and Queens of the Underground" es un regreso de primer nivel para uno de los "reyes del underground" de los ochenta, que demuestra en este disco que, a pesar de los años, sigue siendo capaz de sacudir con fuerza los cimientos del panorama musical con su poderosa mezcla de punk rock comercial y su actitud rockera y canalla de siempre. No es nada nuevo, es simplemente el "puto Billy Idol" de siempre, y eso sigue siendo mucho en los descafeinados tiempos que corren.

1534.- Black Betty - Ram Jam

 

Black Betty, Ram Jam

     En la década de los años 60 hubo un grupo llamado The Lemon Pipers, grupo que se caracterizaba por hacer un sonido basado en el pop psicodélico. Entre los miembros de ese grupo se encontraba el guitarrista Bill Bartlett, y nos vamos a centrar en Bill, que una vez acabada la aventura de los Lemon Pipers decidió formar un grupo llamado Startruck.

Durante su aventura en Startruck, Bill cogió un tema llamado Black Betty, el cuál era una composición de Leadbelly (1888-1949), cantante y compositor americano de blues y folk, un tema que tenia una duración de unos 59" al cuál le hizo unos arreglos y compuso la música. El tema lo editan con el sello perteneciente a la banda Startruck, TruckStar Records, y tiene una buena acogida comercial a nivel regional. A partir del éxito cosechado con Black Betty varios productores le recomiendan a Bill Bartlett que forme un grupo para dar un salto cuantitativo a la vez que cualitativo. Es en ese momento cuándo Bill decide hacer caso a las recomendaciones y crea el grupo llamado Ram Jam, y lo primero que hace es reeditar el tema Black Betty. En la reedición de Black Betty con Ram Jam, Bill contó con los componentes de su antigua formación Startruck.

El single del tema se convierte a partir de su reedición en un exitazo para la formación, consiguiendo el puesto nº 18 en las listas de ventas en Estados Unidos, y el álbum homónimo de la banda donde se incluye dicho tema alcanza el puesto nº 40 en dichas listas. El tema también estuvo rodeado de cierta polémica, la letra del mismo habla sobre una mujer de étnia negra de Alabama que tiene un hijo salvaje, esto hizo que numerosos grupos en pro de los derechos civiles en Estados unidos consideraran que la letra del tema era racista pues faltaba el respeto a las mujeres negras.

1533.- I Wouldn't Want to Be Like You - The Alan Parsons Project

 

"I Wouldn't Want to Be Like You" ("No quisiera ser como tú") es una canción de la banda británica de rock progresivo The Alan Parsons Project, incluida en su álbum de 1977, "I Robot". Escrita por Alan Parsons y Eric Woolfson, cuenta con la colaboración vocal del cantante pop Lenny Zakatek, que posteriormente cantaría en otras muchas de las canciones del grupo.

La estructura musical de "I Wouldn't Want to Be Like You" es un ejemplo del clásico y distintivo rock progresivo de The Alan Parsons Project, en el que combinan las características básicas del genero con elementos de corte más pop y de electrónica. Comienza con un marcado ritmo de batería y una sólida línea de bajo, para ir a partir de ahí avanzando con el progresivo añadido de sintetizadores y guitarras, en diversas capas que consiguen crear una atmósfera musical densa y envolvente.

La letra transmite el sentimiento de rechazo hacia alguien que ha traicionado o decepcionado al narrador, y la intensa interpretación vocal de Lenny Zakatek aporta energía y emoción a la canción, y la dota de una mayor carga comercial, a pesar de lo cual, "I Wouldn't Want to Be Like You" tuvo un éxito moderado en Estados Unidos, alcanzando el puesto 36 en el Billboard Hot 100, pero cosechó una mejor posición en Canadá, donde llegó hasta el puesto 22 de las listas de ventas. 

News Of The World - (Mes Queen)

 

News Of The World, Queen

     En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo. La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen, mientras que We Are the Champions y We Will Rock You se han convertido desde entonces en himnos del rock.

Durante las grabaciones de este nuevo trabajo el grupo redujo la complejidad de sus arreglos y se centró en un sonido más "raíz" (como dijo Brian May). Sin embargo todavía se puede apreciar, aunque mucho menos y de una forma muy sutil, en este disco el sonido característico de Queen basado en armonías multipistas y orquestaciones de guitarra .El grupo había recibido críticas que defendían que su primer álbum completamente autoproducido, A Day at the Races , era un álbum "aburrido". Por este hecho el grupo decidió cambiar su enfoque musical hacia el mainstream pero permanecer como productores del próximo álbum .La crítica consideraba que A Days at the Races que era demasiado similar a A Night at the Opera, algo que los propios miembros de la banda reconocieron. Si a esto le sumamos el hecho de la llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, se puede entender el cambio de dirección que el grupo decidió dar a su sonido. Brian May declaró en una entrevista que "ya habíamos tomado la decisión de que... [después de] A Night at the Opera y A Day at the Races , queríamos volver a lo básico para News of the World . Pero era muy oportuno porque el mundo estaba mirando al punk y las cosas como algo muy simple. Así que en cierto sentido éramos conscientes, pero era parte de nuestra evolución de todos modos".

A diferencia de A Day at the Races, que había tardado cinco meses en grabarse, solo se reservaron dos meses para grabar en Sarm East y Wessex Sound Studios de Londres. La mayoría de las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Wessex Studios, que también fue donde los Sex Pistols estaban ocupados grabando Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols. Como tal, los dos grupos tuvieron varias interacciones, incluida la famosa reunión entre Mercury y Sid Vicious. Vicious, al tropezar con el estudio de grabación de Queen, preguntó "¿Ya has logrado llevar el ballet a las masas?" en respuesta a un comentario que el cantante había hecho en una entrevista con NME, a lo que Mercury lo llamó "Simon Ferocious" (una referencia juguetona al nombre artístico de Vicious) y respondió "Estamos haciendo lo mejor que podemos, querido". Johnny Rotten también expresó su deseo de reunirse con Mercury. Según Bill Price, el ingeniero de sonido de Never Mind the Bollocks, Rotten se arrastró a cuatro patas por el estudio de Queen hasta Mercury, que estaba tocando el piano, y le dijo "Hola Freddie" antes de irse. La historia de Queen con los Sex Pistols se remonta a diciembre de 1976, cuando Queen iba a aparecer en el programa Today de Bill Grundy. Sin embargo, Mercury tenía dolor de muelas y se vio obligado a programar una cita con el dentista el mismo día, su primera en 15 años. Como reemplazo, EMI ofreció a los Sex Pistols, lo que llevó a su ahora famosa aparición en el programa Today.  Si su álbum anterior, Day at the Races, era un álbum elegante y estilizado, su sucesor, News of the World, era su polo opuesto, una explosión de estilos que no parecían apegarse a ningún núcleo en particular. 

Entramos en materia y la canción que abre el álbum es ni más ni menos que uno de sus temas más aclamados, We Will Rock You, el cántico que se ha convertido en todo un himno y que podemos escuhar prácticamente en cualquier estadio deportivo del mundo. Brian May quera crear una canción quería crear una canción en la que el público pudiera participar. El guitarista afima que recordó un concierto en el que la multitud coreó el himno del Liverpool Football Club, "You'll Never Walk Alone", mientras la banda salía del escenario. "Me fui a la cama pensando: '¿Qué les podrías pedir que hicieran?' Están todos apretados allí, pero pueden aplaudir, pueden patear el suelo y pueden cantar", señaló. "Por la mañana, me desperté y tenía la idea de 'We Will Rock You' en mi cabeza". La idea de May era hacer una canción simple ycon un aire himno "(pisar, pisar, aplaudir, pausa" por compás de 4/4), para que su público en vivo pudiera involucrarse más directamente en el espectáculo. En el vídeo de esta canción May utilizó una copia de su legendaria guitarra, pues temía que debido a las inclemencias del timpo pudiera dañarse. A este himno le sigue otro, quién no ha cantado alguna vez We Are the Champions. Freddie Mercury escribió esta canción. Mercury afirmó: "Estaba pensando en el fútbol cuando la escribí. Quería una canción participativa, algo con lo que los fans pudieran engancharse. Por supuesto, le he dado una sutileza más teatral que un canto de fútbol normal. Supongo que también podría interpretarse como mi versión de ' I Did It My Way '. Lo hemos logrado, y ciertamente no fue fácil. No es un lecho de rosas como dice la canción. Y sigue sin ser fácil". Según Freddie Mercury esta canción ya había sido escrita en 1975, pero no fue grabada hasta 1977. Estos dos himnos vienen seguidos del feroz Sheer Heart Attack, un rock frenético que resuena muy contundente. El baterista Roger Taylor escribió esta canción, que trata sobre una chica de 17 años que puede provocar un paro cardíaco en muchos hombres. La primera línea, "Bueno, solo tienes 17 años", es un guiño al éxito de los Beatles "I Saw Her Standing There", que comienza con "Bueno, ella solo tenía 17 años". También se puede considerar una especie de tributo al punk rock, el cual se encontraba en pleno apogeo. La canción estaba pensada para el tercer álbum, llamado Sheer Heart Attack (1974), pero no apareció hasta tres años después en este disco. Roger Taylor consideraba que la canción estab adelanta a su tiempo: "Comencé la canción cuando estábamos haciendo el álbum Sheer Heart Attack, pero no llegué a terminarlo. Para cuando lo hice, el punk ya había llegado. Pero la canción llegó antes del punk". Taylor cantó la voz principal en el demo, pero para la versión final la banda decidió que Mercury debía cantar la voz principal, con Taylor cantando el coro. Llevamos Tres canciones, tres cambios rápidos de humor, pero ese no es el final, pues a estos le sigue la lenta y armónica All Dead, All Dead, escrita y cantada por May, quien también tocaba el piano con Mercury en los coros. sobre la canción, May confirmó los rumores de que la canción está inspirada en parte por la muerte de su gato de la infancia. Spread Your Wings es una de las aportaciones del bajista John Deacon en este álbum.  El vídeo musical se filmó en el jardín del baterista Roger Taylor en Surrey, Inglaterra. El suelo estaba cubierto de nieve y hielo, y la banda se sentía visiblemente incómoda. Brian May comenta durante la grabación del vídeo: "Mirando atrás, no se podía hacer allí, ¡no se podía hacer eso!". Durante el rodaje, el hielo y la nieve en el suelo complicaron las cosas, tanto que aquí May también usó una copia de su guitarra Red Special para que no resultara dañada. Cierra esta primera cara Fight from the Inside, una canción con aires disco. Fue escrita y cantada por Taylor, que además de la batería, también toca la guitarra rítmica y el bajo; para este último, tomó prestado el instrumento de Deacon. También es una de las pocas canciones en la discografía de la banda grabada casi en su totalidad por un solo miembro. Como curiosidad: El guitarrista Slash ha citado el riff de guitarra de esta canción como uno de sus riffs favoritos de todos los tiempos. 

Turno para la cara B, que abre con Get Down, Make Love, un tema con un rollo muy funk. Escrita por Mercury, es una de las canciones más sexuales del catálogo de Queen. La canción tiene un clima muy funk que por momentos cambia y le da un aire psicodélico que imita los gemidos sexuales. La canción fue introducida en el show en vivo de la banda inmediatamente después de su lanzamiento, y permaneció como un elemento básico de sus giras hasta el final del Hot Space Tour de 1982. En el Hot Space Tour, la canción fue reducida al primer verso/estribillo solamente como una forma de conducir al solo de guitarra de May. Sleeping on the Sidewalk, escrita y cantada por May, es la excursión al blues que el grupo se marca en este trabajo. Es la única canción en su discografía que se grabó (a excepción de las voces) en una sola toma. Líricamente, trata sobre la carrera de un aspirante a trompetista. May canta con acento estadounidense y mide el éxito del trompetista mencionado anteriormente en "bucks" (dólares), en lugar de libras o "quid". Si prestamos atención, se puede escuchar a Deacon tocando las notas incorrectas en algunas partes de bajo, y también se puede escuchar a May riendo al final de la canción. También es una de las pocas canciones de Queen que no presenta ninguna voz de Mercury, aunque interpretó la voz principal en presentaciones en vivo. Who Needs You es una alegre canción con ritmos latinos. Fue escrita por Deacon, quien, junto con May, toca la guitarra española. La voz principal de Mercury está completamente enfocada en el canal de audio derecho, mientras que la guitarra principal está en el canal izquierdo. May también toca maracas y Mercury toca un cencerro. La canción ha llegado a ser descrita como un "homenaje tentativo al reggae ", aunque con "guitarras españolas en lugar de jamaicanas". Tuno para el majestuoso y rockero It's Late. La canción fue idea de May de tratar una canción como una obra de teatro de tres actos, de hecho, los versos se llaman "actos" en la hoja de letras. May hace uso de la técnica del tapping unos meses antes de que fuera usada por parte de Eddie Van Halen en el álbum Van Halen. May le dijo a la revista Guitar Player que su uso de la técnica del tapping se inspiró en el guitarrista texano Rocky Athas, después de ver una de sus actuaciones en Mother Blues, un club de Dallas. En cuanto a la letra, Mercury nos describe una historia de amor que está a punto de terminar. Cierra la cara B, y por tanto el álbum, My Melancholy Blues, compuesta por Mercury, es un blues lento que sirve como cierre y colofón. En la canción no hay coros ni guitarras. Deacon solía tocar el bajo sin trastes en esta canción, pero en el disco utilizó un bajo con trastes normal.

1532.- Three Little Birds - Bob Marley

 

Bob Marley era un compositor talentoso, pero a veces la inspiración le llegaba como un regalo recibido de “algún otro lugar”, en el caso de Three Little Birds, una canción sencilla y alegre que ha sido un éxito en varias ocasiones, fue un regalo de la naturaleza, su escritura surgió a partir de los pájaros que revoloteaban junto a la ventana de 56 Hope Road, la sede de Tuff Gong y el hogar de Bob durante la segunda mitad de los años 70. Bob amaba la naturaleza, y Jamaica tiene la suerte de contar con muchas maravillas que atraen su atención, desde los exóticos colibríes de cola de serpentina hasta el humilde gorrión doméstico. La naturaleza se utilizaba con frecuencia como metáfora en sus canciones: los árboles en Small Axe, el gran felino en Iron, Lion, Zion , el perro como un joven errante en Craven Choke Puppy. La capacidad de los pájaros para elevarse mientras la gente estaba encadenada al suelo ayudó a que Wings Of A Dove y Rastaman Chant tomaran vuelo, aunque las alas de esta última pertenecían a ángeles. Los amigos emplumados de Bob en “Three Little Birds” finalmente volaron a lugares a los que pocas otras canciones podrían aspirar a llegar: la canción es adorada incluso por personas que nunca han oído hablar de Bob Marley & The Wailers, y para quienes el reggae es el nombre de una salsa de supermercado.

Según Gilly Gilbert, amigo íntimo de Bob, road manager y compañero de entrenamiento, que también cocinaba la “comida italiana” que mantenía al cantante nutrido durante la gira y en casa, “Three Little Birds” llegó a Bob con tanta naturalidad como el canto a las alondras. Gilly fue testigo de cómo Bob escribía la canción y recordó: “Fue simplemente asombroso cómo unía las palabras en un flujo”. The I-Threes , el trío de coristas femeninas de Bob, encontraron su propio significado en la letra: Bob a veces las llamaba sus “tres pajaritos”. Lanzado en 1977 en Exodus , que, en 1999, la revista Time declaró el Mejor Álbum del Siglo, "Three Little Birds" anidó discretamente en la segunda mitad del álbum, mientras que "Jamming" y "Waiting In Vain" reclamaron el estatus de sencillos exitosos, y la primera mitad del álbum seriamente arraigada recibió elogios de la crítica. En comparación con, por ejemplo, la canción principal de Exodus, o la espiritual “Natural Mystic”, “Three Little Birds” parece un poco liviana, con su estribillo simple y el mensaje de los visitantes aviares de Bob de que “cada pequeña cosa va a estar bien”. Pero de la misma manera que el cantante esperó pacientemente a que el mundo se pusiera al día con su música después de más de diez años de hacerla, “Three Little Birds” eligió esperar el momento oportuno. Tal vez el hecho de que el título no fuera parte del gancho de la canción, sin embargo, “Three Little Birds” finalmente se liberó de su aviario en forma de álbum, y aunque solo llegó al Top 20 en el Reino Unido, comenzó un ascenso constante al estatus de “clásico”. La canción era demasiado estimulante, demasiado poderosa y alegre como para ocultarse entre la maleza. Décadas después de que Marley la grabara, “Three Little Birds” se convirtió en una referencia para los artistas que buscaban una canción que ofreciera esperanza y alegría frente a los problemas de la vida. Wendy & Lisa, exintegrantes de Prince 's Revolution, crearon una versión liderada por Karen David para el drama televisivo estadounidense Touch en 2012. Maroon 5 presentó su interpretación en 2018; Robbie Williams la cantó para su “Corona-oke” en Instagram durante el brote de coronavirus de 2020; Ziggy Marley y Sean Paul la grabaron para la película animada de 2004 Shark Tale y Steven Marley la remezcló en Legend: Remixed . La versión de Billy Ocean aparece en su colección The Best Of , y la canción adorna una compilación del mismo título de la leyenda brasileña Gilberto Gil. Pero el original de Bob Marley sigue siendo definitivo. Puede que esos “tres pajaritos” hayan volado hace mucho tiempo, y también Bob, pero la inspiración que uno le dio al otro resuena con tanta fuerza como siempre.

1531 - Rayuela - La casa del hombre

1531 - Rayuela - La casa del hombre

Rayuela, una banda argentina que ha dejado una huella imborrable en el rock latinoamericano, nos regaló en 1995 una joya musical que trasciende el tiempo: La casa del hombre. Esta canción, incluida en su álbum homónimo, es mucho más que una pieza de rock; es una reflexión profunda sobre la condición humana, la soledad y la búsqueda de sentido en un mundo que a menudo parece carecer de él.

Desde el primer acorde, La casa del hombre nos envuelve en una atmósfera melancólica pero esperanzadora. La guitarra de Alejandro De Michele, delicada y emotiva, teje un paisaje sonoro que invita a la introspección. La voz de De Michele, cargada de matices y emociones, actúa como un guía que nos lleva a través de un viaje lírico y espiritual. Las letras, poéticas y filosóficas, exploran temas universales como la fragilidad humana, la conexión con los demás y la necesidad de encontrar un refugio en medio del caos.

La canción comienza con una pregunta que resuena como un eco en el alma: "¿Dónde está la casa del hombre?". Esta interrogante no busca una respuesta literal, sino que invita al oyente a reflexionar sobre su propio lugar en el mundo. ¿Dónde encontramos nuestro hogar? ¿En un espacio físico, en las relaciones que construimos o dentro de nosotros mismos? Rayuela no ofrece respuestas fáciles, pero sí nos acompaña en la búsqueda.

A medida que avanza la canción, la instrumentación se vuelve más intensa, reflejando la complejidad de las emociones humanas. La batería y el bajo, sutiles pero firmes, sostienen la estructura musical mientras la guitarra y los teclados crean un diálogo que parece hablar directamente al corazón. El clímax de la canción llega con un solo de guitarra que es pura poesía sonora, un grito desgarrador pero hermoso que encapsula la esencia de la canción.

Uno de los aspectos más destacables de La casa del hombre es su capacidad para conectar con el oyente a un nivel profundamente personal. Cada verso, cada nota, parece estar diseñado para resonar en nuestras propias experiencias y emociones. Es una canción que nos recuerda que, a pesar de nuestras diferencias, todos compartimos la misma búsqueda de significado y pertenencia.

En un mundo donde la música a menudo se consume de manera rápida y superficial, La casa del hombre nos invita a detenernos, a escuchar con atención y a reflexionar. Es una obra maestra que trasciende géneros y épocas, y que sigue siendo relevante casi tres décadas después de su lanzamiento. Rayuela nos dejó un legado musical invaluable, y esta canción es, sin duda, una de sus mayores contribuciones al rock en español.

La casa del hombre es mucho más que una canción; es una experiencia que nos confronta con nuestras propias preguntas existenciales y nos recuerda que, en medio de la incertidumbre, siempre hay espacio para la esperanza y la conexión humana. Una pieza imprescindible para cualquier amante de la música con alma.

Daniel 

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1530.- You and Me - Alice Cooper

 

You and Me, Alice Cooper

     El 29 de abril de 1977 se publica Lace and Whiskey, el tercer álbum de estudio en solitario del cantante Alice Cooper. Es grabado en los estudios Soundsgate de Toronto, Cherokee de Hollywood, Record Plant de Nueva York, y RCA  y Producer's Workshop de Los Angeles, bajo la producción publicado el 29 de abril de 1977 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Tras llevar proyectando durante muchos años una siniestra personalidad el cantante decidió probar algo nuevo, y para ello adoptó la personalidad de un detective privado alcohólico llamado Maurice Scargot. Si musicalmente el disco estaba basado en el rock, estilíticamente se basó en el amor de Cooper por las películas y la música de los años 40 y 50. El disco apenas llegó a alcanzar el puesto número 42 en las listas de ventas de Estados Unidos y el puesto número 33 en las del Reino Unido. 

Incluído en este álbum se encuentra You an Me, una suave y romántica canción, la típica canción de amor de un hombre que celebra compartir los placeres cotidianos e la vida junto a su amada pareja. Esta canción fue la última de una trilogía de baladas que grabó Cooper, después de "Only Women Bleed" y "I Never Cry". El cantante llegó a describir esta canción dentro de un género llamado como "rock de ama de casa de heavy metal". Sobre esta canción y las otras dos que componían su trilogía de baladas, el cantante comentaba que las había hecho por despecho. La canción fue escrita por Cooper y por el guitarrista y compositor Dick Wagner. Wagner, durante su carrera musical, había tocado la guitarra y escrito canciones para muchas bandas y artistas de renombre, entre los que se ecuentran Kiss, Lou Reed, Peter Gabrie, Tori Amos,  Sinatra, Meat Loaf, Etta james, Ringo Starr, Guns N' Roses, Rod Stewart o Tina Turner entre otros muchos. Wagner también colaboró en la escritura y composición de las otras dos baladas que componen la trilogía. 

Queen - A day at the races (Mes Queen)

A Day at the Races es a menudo visto injustamente como una copia al carbón del más popular A Night at the Opera. Con el título de una comedia de los hermanos Marx y con una obra de arte similar, con el llamado escudo de Queen pintado según un diseño del propio Freddie Mercury , fue visto como una secuela directa del álbum que encabezó las listas de 1975. Pero tal vez el público también estaba demasiado harto del éxito rotundo de la banda como para preocuparse realmente por las diferencias esta vez. A Day at the Races no se parece más a A Night at the Opera de lo que lo fue a los dos LP anteriores, y honestamente, A Day at the Races en realidad el parecido es incluso menor, es cierto que no fue un giro importante para una nueva dirección, pero recuperó un sentido de exploración que tenían Queen II y Sheer Heart Attack, una sensación de volverse inesperado una vez más después de un ejercicio de pulir cosas que ya se habían dicho, mientras se mantenía en el terreno real del rock progresivo pesado en el que se mantuvieron firmes a mediados de los 70. Ayudo el darse cuenta de que por fin habían encontrado el centro de atención que merecían, con los turbios managers olvidados, QUEEN siguió el camino lógico homenajeando a su obra maestra de 1975, con básicamente la misma portada del álbum, aunque con un fondo negro que sustituye al blanco y una excelente elección de títulos para el álbum. El quinto álbum de QUEEN se convirtió en platino antes de salir a la venta, pero cuando llegó al mercado se disparó al número 1 en varios países como el Reino Unido, Japón y los Países Bajos, además de alcanzar el número 5 en el Billboard 200 de EE. UU., ahora eran superestrellas solo dos años después de estar en skid row y peligrosamente cerca de no tener ningún futuro como banda. En el aspecto comercial continuó con toda la fortuna y fama que “A Night At The Opera” había ganado con este excéntrico cuarteto inglés. Sin embargo, a pesar del intento de crear un enfoque musical similar al incorporar rock pesado con aires blues, pop con piano, valses y temas de music hall victoriano con otros géneros dispares, el álbum tiene un aire completamente diferente. A diferencia del álbum anterior, este también tiene elementos de gospel y jazz, pero tiende a tener menos matices de rock progresivo que estaban más presentes en los primeros cuatro álbumes a pesar de las muchas firmas de tiempo que aparecen, a pesar de eso estamos ante una de las últimas joyas del rock progresivo clásico, era el otoño de la era con la revolución punk a la vuelta de la esquina, King Crimson ya no existía y Genesis nunca volvió a ser la misma después de que Peter Gabriel se fuera. Rainbow con Rising estaba en una posición similar a la producción de Queen, pero también fue un predecesor directo de la nueva era NWOBHM, fue A Day at the Races el último hito del rock progresivo clásico publicado cuando el género todavía estaba en su apogeo.

El álbum comienza con el sonido familiar de Red Special tratado con amplificadores Deacy, excepto que esta vez Queen opta por una especie de melodía oriental de estilo chino, seguida de capas de guitarras que crean una ilusión llamada tono Shepard, un efecto sonoro cuando un tono parece estar siempre en ascenso cuando en realidad permanece estático. Esta nube dorada de sonido líquido resulta ser aún más engañosa cuando te das cuenta de que es solo una introducción a la canción de hard rock más punzante y abrasiva que Queen haya grabado jamás, Tie Your Mother Down, que te perfora los oídos con su tono de guitarra violento y ligeramente agudo. Brian May la escribió en 1968, cuando May estaba trabajando en su doctorado en Astronomía y escribió la canción con una guitarra clásica española mientras estaba de vacaciones en Tenerife, en las Islas Canarias. La canción fue resucitada y se le dio el tratamiento de heavy metal y fue una de las mejores canciones del álbum, lo que la convirtió en la apertura perfecta para GRITAR al mundo que QUEEN estaba de vuelta. En You Take My Breath Away Freddie Mercury experimenta con armonías a capela antes de sumergirse en la balada para piano más sentida que jamás haya escrito, una pieza de una belleza tenue pero inmensa y una emoción indescriptible. Una versión en vivo temprana incluida en la edición de lujo de 2011 realmente mejora la versión de estudio: es precioso escuchar a Freddie acelerar y desacelerar en esta canción, interpretándola con tal nivel de pasión que las versiones de estudio comienzan a parecer demasiado correctas a su lado. La balada pop estridente de Brian May Long Away es el único punto de todo el disco al que se le puede acusar de copiar A Night at the Opera, pero es una canción bien elaborada, dulce, conmovedora, con una melodía inolvidable. La cara A alcanza su clímax con las dos últimas canciones, que son bastante similares en cierto modo, The Millionaire Waltz representa a Freddie Mercury por excelencia , una vertiginosa combinación de vals romántico y heavy metal. Increíblemente alegre como una fiesta de los años 20 en un salón art déco filmada en Technicolor sobreiluminado, trasciende de una balada de piano juguetona a una masa de pesadez con un sentido poco común de precisión compositiva, con un juego de dinámicas antes y entre los crescendos que apenas se iguala en la música rock, You and I escrita por John Deacon, es otra hermosa balada de piano con un puente notablemente poderoso que de repente arrastra la melodía de piano antigua y alegre al terreno del hard rock encantado, pero no tan memorable como su sobresaliente “You're My Best Friend” en “Opera”.

 

El lado B comienza a toda potencia con una de las mejores y más innovadoras canciones del álbum, Somebody to Love, comparada injustamente con Bohemian Rhapsody por tener un coro de 200 piezas con varias pistas, muestra el creciente interés de Freddie Mercury por la música negra que definió en gran medida su desarrollo futuro. Aunque el coro gospel que atrajo la atención principal a la canción es obviamente exclusivo de la versión en estudio, sigo considerando que la versión en vivo es superior. Después de un montón de baladas con piano como protagonista, un cambio repentino es inevitable, White Man abre con un riff de blues sombrío que en realidad es el mismo que la introducción del álbum (y me llevó años reconocer la similitud debido a lo diferente que parece esta vez), seguido de un trueno ensordecedor de heavy metal respaldado por la interpretación vocal áspera y apasionada de Freddie Mercury de lo que posiblemente sea la letra más consciente en la carrera de Queen. La pura fuerza de esta canción la convierte en una declaración poderosa considerando el genocidio de los nativos americanos, y musicalmente demuestra perfectamente que se puede construir una canción de heavy metal incluso sobre una base de blues. Este es uno de los temas más pesados ​​que la banda ha creado, con riffs de guitarra robustos y voces armónicas ásperas y tumultuosas de todos los miembros. 

Good Old-Fashioned Lover Boy es un ejemplo clásico de cómo crear una canción de pop progresivo increíblemente compleja pero muy accesible. Con una duración de menos de 3 minutos, desafía la estructura de verso-estribillo y pasa por un montón de secciones melódicamente muy variadas que cambian cada 30 segundos aproximadamente, lo que la convierte en algo así como "The March of the Black Queen" exprimida en una canción de vodevil de tres minutos de duración. Drowse es la contribución de Roger Taylor al álbum, es una canción de blues rock somnolienta con una melodía agradable y la ligera interpretación de cantautor de Taylor, pero aún más interesante gracias a su trabajo de producción. Teo Torriate (Let Us Cling Together) fue un mensaje de gratitud a los fans japoneses que conocieron a Queen con gran entusiasmo en su primera gira japonesa en 1975, con la letra del estribillo traducida al japonés por un amigo de la banda local. Una de las mejores canciones del álbum yun final apropiado tanto para A Day at the Races como para Queen como solían ser, marcando el final de toda una era de su música y, en cierto modo, cerrando una era de la música británica en general. El regreso al tono ilusorio inicial, añadido al final de "Teo Torriate", simbolizó que no importa cómo cambien las cosas, siempre somos bienvenidos a volver al principio, a revisitar cosas que fueron realmente geniales en el pasado.

 A Day at the Races fue un gran disco sin duda. Mucho más equilibrado que A Night at the Opera, sin canciones más débiles en absoluto, constituye uno de los mejores viajes de álbumes del catálogo de Queen. El cuarto y último de los álbumes verdaderamente brillantes de Queen, es el último vistazo a Queen como la verdadera realeza, llenos de orgullo y gloria, luciendo brillantes coronas de diamantes, incomparables en su propio campo. 

1529 - Bob Marley - One Love

1529 - Bob Marley - One Love

"One Love" es una de las canciones más icónicas y perdurables de Bob Marley, un himno que trasciende generaciones y fronteras. Lanzada originalmente en 1965 con The Wailers y posteriormente reinterpretada en el álbum Exodus (1977), la canción se ha convertido en un símbolo universal de paz, unidad y amor. Con su mensaje sencillo pero profundo, "One Love" encapsula la esencia del reggae y la filosofía de Bob Marley, arraigada en el movimiento rastafari y en la creencia de que la humanidad puede unirse en armonía.

La letra de la canción es un llamado a la reconciliación y a la fraternidad. Frases como "One love, one heart, let's get together and feel all right" resuenan con una energía positiva que invita a superar las diferencias y a encontrar la paz interior y colectiva. Bob Marley no solo habla de amor romántico, sino de un amor más amplio y espiritual, un amor que puede sanar las divisiones sociales, raciales y políticas. En un mundo marcado por conflictos y desigualdades, su mensaje sigue siendo relevante y necesario.

Musicalmente, "One Love" es una obra maestra del reggae. El ritmo relajado pero contagioso, característico del género, se combina con una melodía pegajosa que invita al baile y a la reflexión. La guitarra rítmica, el bajo prominente y los sutiles toques de percusión crean una base sólida para la voz cálida y emotiva de Bob Marley. Su interpretación es sencilla pero poderosa, transmitiendo una sensación de esperanza y optimismo.

La producción de la versión de Exodus, a cargo de Chris Blackwell, añade un brillo adicional a la canción. Los arreglos son más pulidos, con coros que refuerzan el mensaje de unidad y una instrumentación que equilibra lo acústico y lo eléctrico. Esta versión ayudó a consolidar a Bob Marley como una figura global y a llevar el reggae a audiencias internacionales.

El impacto cultural de "One Love" es incalculable. La canción ha sido utilizada en innumerables campañas por la paz y la justicia social, y su estribillo es reconocido en todo el mundo. Además, ha sido versionada por múltiples artistas, lo que demuestra su atemporalidad y su capacidad para inspirar a nuevas generaciones.

"One Love" es mucho más que una canción; es un manifiesto de amor y unidad que refleja el legado de Bob Marley como músico y activista. Su mensaje de esperanza y su ritmo inconfundible la convierten en una obra maestra que sigue resonando en un mundo que, ahora más que nunca, necesita escuchar su llamado a la unión. Bob Marley no solo nos dejó una canción, sino un mantra para vivir en armonía.

Daniel 

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1528.- Exodus - Bob Marley and The Wailers

 

"Exodus" es una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and The Wailers, lanzada en 1977 como parte del álbum del mismo nombre, considerado en su momento por la revista “Time” como uno de los álbumes más influyentes del siglo XX. Buena parte de culpa tuvo la canción titular, y no solo por su ritmo contagioso y su pegadiza melodía, sino también por su profundo mensaje político y espiritual.

Hablamos de una pieza de energizante reggae, fiel a la marca distintiva de Bob Marley, que musicalmente destaca por su prominente ritmo de bajo, su percusión y sus guitarras rítmicas, acompañando la siempre particular y característica voz de Bob Marley, pero lo que la hace brillar especialmente por la profundidad de la letra, una auténtica llamada a la acción y un himno de liberación. 

Bob Marley describe en “Exodus” todo un “éxodo espiritual” del movimiento rastafari, en su lucha contra la opresión y su largo camino hacia la libertad, pero también denuncia y pone de manifiesto otros “éxodos políticos” de pueblos y razas perseguidas y esclavizadas, haciendo aún más amplio y general el mensaje de lucha y liberación de una canción que es sin duda una de las obras maestras del reggae.