Queen - The Miracle (Mes Queen)

 

¿Qué harías si a tu mejor amigo le diagnostican una enfermedad incurable, de esas que no vaticinan nada bueno, que no tiene cura? A sabiendas de que cada día se está apagando su vida, ¿cuál sería la primera reacción que tendría? A la tristeza inicial se sobrepone el coraje y la sensación de que todo puede ir mejor. E inclusive, en el fondo del corazón y por más racional que uno sea, siempre se alberga la esperanza de que suceda un milagro. Esta disco habla de eso. Pero no del milagro de la sanación, sino del milagro de la unión, de la amistad, de hacer música a pesar de los problemas, a pesar de que el fantasma de la muerte sobrevuela. Cierto es que las cosas no podrán ser iguales. De hecho, una vez que Freddie Mercury se sinceró frente a sus compañeros de grupo y les hizo saber que tenía Sida, la respuesta fue unánime: proteger al amigo, eludir las responsabilidades y el esfuerzo físico que implica una gira y estallar creativamente en el estudio. Así que eso es The Miracle: música. Nada de despedidas con lágrimas, nada de piezas dramáticas sobre la lucha contra la enfermedad (aunque a veces se alude a ello). Solo música hecha por hombres que quieren hacerte creer que están bien.

 Con eso en mente, los dos primeros temas tienen algo de sentido, pero siguen siendo desconcertantes. A menudo me he preguntado qué los llevó a grabar un par de canciones sobre fiestas hedonistas a estas alturas de su carrera. Todos tenían 40 años o al menos se acercaban a ellos, y Freddie se había despedido públicamente de sus días de fiesta antes incluso de que le diagnosticaran SIDA, Estas canciones son superficiales incluso para los estándares de Queen, Party suena como si The Shaggs hicieran una especie de dance-punk con tambores y percusión caóticas, supongo que intentaban despistar a los especuladores, y tal vez lo consiguieron, Khashoggi's Ship es la banalidad del boogie rock ejemplificada, tiene un riff limpio al estilo de AC/DC y una bonita melodía vocal que lo acompaña, es una pena que la voz de Freddie fuera demasiado débil para lograrlo en este punto, estos dos primeros temas son malos, las sesiones de Miracle dejaron muchos recortes, cualquiera de los cuales habría encajado mejor en el álbum. Afortunadamente, una vez que suena la canción principal, el álbum cobra sentido. En cuanto a melodías y arreglos, The Miracle es casi perfecto: tan simple como complejo, clásico y moderno, líricamente Freddie enumera los supuestos milagros que han sucedido en la Tierra: la lluvia en el Sahara, los bebés de fecundación in vitro, la construcción del Taj Mahal, etc. Finalmente, pide paz en la Tierra, el milagro definitivo, supongo. Es demasiado obvio y hippie para mi gusto, bastante cursi y exagerado incluso para los estándares de Queen, pero lo dejo pasar con gusto, considerando de dónde probablemente venía Freddie, estoy seguro de que legítimamente quería la paz en la Tierra, pero no puedo quitarme la sensación de que es una tapadera. Nunca se dice directamente, pero se insinúa que Freddie estaba rezando por un milagro muy específico. En ese momento, el VIH/SIDA era completamente incurable, por lo que un avance en ese campo habría sido realmente un milagro, especialmente si le hubiera salvado la vida. No pudo ser, pero no importa, se podría decir que Freddie Mercury fue un milagro en sí mismo. A continuación, la única canción del álbum que probablemente el público general reconocería: la feroz roquera I Want It All, una lástima enorme que la canción nunca se haya interpretado en vivo, ya que en el estadio se siente como su hogar. Es pegadiza, es simple, tiene un estribillo que puedes corear y un ritmo que puede volverte euforico, es el himno definitivo del hard rock. No tengo ninguna duda de que puede erigirse con orgullo entre los grandes éxitos de Queen, es increíble que lo lograran a estas alturas de su carrera. La cara A termina con la canción que menos me gusta, pero aun así es un tema bastante sólido por derecho propio, sí, es The Invisible Man, una canción que solo pudo existir en los 80 y que asi es mucho mejor, es cursi sin complejos y, por lo tanto, muy divertida. La introducción es simplemente disparatada y me atrapa de inmediato, creando un estribillo bastante pegadizo más adelante. Nunca pensé que escucharía una canción basada en el sonido orquestal del antiguo teclado Casio, y mucho menos una que lo utilizara con tanta eficacia. Es tan aleatorio que al principio te pilla desprevenido, pero crece como un hongo. La canción también alberga uno de los mejores solos de guitarra que Brian May ha creado, se aleja por completo de su estilo habitual y suena casi robótico y digital, pero lo aprovecha. La canción nombra a todos los miembros de la banda.

La cara B abre con Breakthru, el tema que posiblemente debería haber abierto el álbum, la introducción a capela evoca a Queen de los 70, recordando temas como Somebody to Love, un recordatorio de que incluso en los 80, cargados de sintetizadores, seguían logrando armonías grupales operísticas mejor que nadie. No pasa mucho tiempo antes de que los sintetizadores entren en acción, y nos deleitan con una de las mejores composiciones de Roger Taylor. El otro sencillo del álbum es Scandal, una canción que me sorprende no sea más popular, está impulsada por un riff increíblemente pegadizo a medio camino entre la guitarra y el sintetizador, posiblemente ambos tocando a la vez. La apasionada voz de Freddie es pegadiza, la letra es un ataque feroz a la prensa que no le dio un respiro a la banda durante estos tiempos difíciles, lo último que Freddie necesitaba durante su batalla contra el sida era tener que lidiar también con un paparazzi invasor. 

My baby does me, que suena más a Hot Space que a todo lo anteriormente escuchado. Un tema malo pero hasta disfrutable por el gran trabajo de John Deacon. El álbum cierra con Was It All Worth It, y está a la altura de los mejores temas. La producción exagerada de los 80 que define a The Miracle está sorprendentemente ausente, al menos inicialmente, en cambio, nos deleitan con un sonido despojado de guitarra impulsado directamente de los años 70, prueba de que después de todo este tiempo, Queen todavía podía rockear. No dura mucho antes de que los temidos teclados de los 80 regresen, pero está bien, porque Mercury y compañía aún tienen algunas sorpresas más guardadas. A mitad de la canción toma un giro a la izquierda tan aleatorio que no puedes evitar recordar la sección central de Bohemian Rhapsody. El pastiche de rock de los 70 se intercambia por una orquestación cinematográfica en un movimiento que tiene a Freddie Mercury escrito por todas partes, un recordatorio de que incluso después de todo este tiempo, juega con sus propias reglas. La letra es lo más cercano que el álbum llega a reconocer la enfermedad de Freddie, tiene sentido, la banda sabía que era muy probable que fuera lo último que Freddie viera publicado. Menos mal que resistió y la banda pudo despedirse con Innuendo. Was It All Worth It es un gran tema, pero es demasiado optimista y frívolo para ser una despedida adecuada.

En general, The Miracle es una parte fascinante del legado de Queen. El más logrado de sus discos de los 80, el más fresco, el más dedicado, rezuma una pasión que los miembros de Queen probablemente no habían sentido desde 1976. La pequeña reina estaba de vuelta en su trono. Por un breve pero estruendoso instante. Hasta el final desgarrador.

Queen - The Works (Mes Queen)

Quizás es el álbum más "meh" de Queen, The Works rara vez impresiona, aunque tampoco resulta aburrido, dependen menos de los sintetizadores que Hot Space, y menos mal, porque ahora tienen la suficiente habilidad para saber cuándo usarlos en las canciones. Como curiosidad, este es el único álbum de Queen donde cada canción se ha publicado como sencillo o cara B y si alguna vez te has preguntado por qué este álbum es el que más canciones aporta a sus recopilatorios, esa es la razón. "Radio Ga Ga" es el sencillo imprescindible del álbum, y sus fragmentos de sintetizador primitivos, burbujeantes y brillantes transmiten la romántica era pasada, el estribillo es un poco... infantil, como mínimo. ¿Qué esperarías de una línea inspirada en el hijo recién nacido de Roger Taylor? Aun así, me siguen gustando mucho las estrofas, así que diría que es un sencillo que vale la pena tener. Pero quedémonos que es entretenido como el infierno, mejor que la basura que hoy se hace pasar como álbumes (estoy hablando de unos pocos seleccionados que no tienen concepto de lo que significa hacer un buen álbum. Es una forma de arte. ¡Trátenlo de esa manera!), eso es lo que Queen siempre hizo. Los 80 los encontraron más comerciales, pero eso es una hazaña aún más difícil. Las canciones de éxito son más esquivas de escribir que las locas gemas creativas, pero llegan a aquellos que son dignos.

Radio Ga-Ga quizás fue el último gran éxito de Queen y es una gran canción, pero es básicamente un ataque a los videos musicales, algo que Queen ayudó a innovar. Hay un montón de sintetizadores extraños, ademas es una excelente canción para interpretar en vivo, con todos los aplausos que haces. Brian toca un solo de guitarra slide realmente bueno, lo único malo es que no ha envejecido bien, como la mayoría de las cosas de Queen de los 80. Tear It Up es un hard rock de ritmo rápido lleno de la energía de Queen. La voz de Freddie se eleva aquí. Los versos son bastante extraños y me recuerdan a la canción Body Language. Es fácil amar esta canción, satisface esa parte del rock típico pero aún así exclusivo de Queen ejemplificado antes en discos como 'Jazz'. It's A Hard Life es una canción que suena triste sobre la ruptura. Lamentablemente, Queen suena como si estuvieran tratando de hacer nada más que recrear Bohemian Rhapsody y Play The Game, algo en lo que fallaron. Sin embargo, la ejecución del piano y la guitarra combinan muy bien. El solo de Brian es maravilloso. No es una mala canción, simplemente no suena muy original en ningún sentido, una canción mala y un buen éxito. Realmente no sé cómo describirlo. Muestra partes de su pasado, pero también con la nueva energía de redundancia y el simple disfrute de escribir que trajeron los 80. Man On The Prowl en mi opinión, es la peor canción del álbum. La línea de bajo es exactamente la misma que Crazy Little Thing Called Love, pero a esta canción le falta la melodía que tenía esa canción. Suena como si se hubiera hecho en los años 50. Machines (Or Back To Humans) es otro de los temas flojillos, pero la verdad es que no me molesta, no puedo describir a Queen, pero este tema llega cuando se necesita en el álbum. Le da a Queen esa esencia robótica, maravillosa y carnal, y se puede relacionar con ellos, como la fusión de Queen con algo nuevo, así como con lo que habían aprendido musicalmente en su vida pasada. Freddie canta sobre cómo la gente cree que el futuro se arruinará con la creación de robots. Se han hecho muchas teorías sobre cómo las máquinas eventualmente superarán a los humanos, debido al hecho de que su capacidad mental es ilimitada y que no sienten dolor.

 

I Want To Break Free es otro de los clásicos de Queen. La voz de Freddie es muy buena como siempre aquí y resalta incluso por el sintetizador, el solo de guitarra de Brian esta un poco "fuera de lugar". Básicamente, todo lo que tengo que decir es que tienes que amar esta canción. Just Keep Passing The Open Windows es una verdadera sorpresa, sigue la premisa de que Freddie irradia mucha confianza y tormentos emocionales. Cualquiera en una situación emocionalmente problemática podría aprender un par de cosas de la forma en que Freddie maneja su vida, y la forma en que lo demuestra en esta canción y la confianza que tiene, se siente como un gran viaje, y es una melodía brillante. Las canciones únicas se vuelven cada vez más escasas a medida que la música popular avanza, con melodías predecibles en auge hoy en día, melodías sin alma creadas para simplemente sacar dinero mediante un sistema de atractivo sin sentido, no sé qué esperar. Tiene que haber más como esto por ahí. Hammer To Fall destaca por la forma de tocar la guitarra, es tan rockera que te tiene que encantar con un enorme riff que grita de un lado a otro durante toda la canción. La letra trata completamente sobre los lados negativos de la guerra. "¿Por qué demonios estamos luchando? / Solo ríndete y no dolerá nada". También escuché que Brian escribió esto sobre el fin del mundo, y cómo nada importaría en absoluto si el mundo terminara mañana. El solo es hermoso, y básicamente cada línea que canta Freddie es poética y encaja perfectamente con la música. Definitivamente la mejor canción del álbum. Is This The World We Created…? No es más que un outro acústico de Hammer To Fall, La letra es muy triste y se centra en cosas como el hambre y la superpoblación. Es una canción muy corta, y el álbum termina con una nota muy triste.

 Durante la década de 1970, Queen fue uno de los grupos de rock más importantes. Crearon un grupo de seguidores de culto que sigue vigente hoy en día, 15 años después del fallecimiento del cantante Freddie Mercury. Durante los 70, básicamente alardeaban en cada álbum sobre cómo no usaban un sintetizador. En The Game, su primer álbum de los 80, usaron un sintetizador. Después de eso, aprovecharon su poder constantemente. Este es probablemente su peor álbum, pero no está mal ya que básicamente fue escrito y grabado en un instante. Básicamente, Queen simplemente creó algunas canciones y las grabó lo más rápido posible. Así que el álbum se siente un poco apresurado, pero no me quejo. Ojalá las bandas de hoy en día hicieran álbumes con más frecuencia. Si puedes encontrarlo a un buen precio, deberías comprarlo, porque los álbumes de Queen siempre son mucho mejores que los miles de grandes éxitos que ofrecen.

Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

En nuestra sección del Artista del Mes, dedicamos este espacio a una de las bandas más legendarias e influyentes de la historia del rock: Queen. Con una carrera llena de éxitos, innovación y un legado que perdura hasta hoy, Queen ha dejado una huella imborrable en la música. En este post hablaremos de uno de sus álbumes The Game, lanzado en 1980. Este disco no solo marcó un antes y un después en la carrera de la banda, sino que también demostró su capacidad para reinventarse y explorar nuevos sonidos sin perder su esencia.

Queen: Una Banda en Constante Evolución

Queen siempre ha sido sinónimo de versatilidad. Desde sus inicios en los años 70, la banda, compuesta por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, se destacó por su capacidad para fusionar géneros como el rock, la ópera, el glam y el hard rock. Sin embargo, con The Game, Queen dio un paso audaz hacia nuevos territorios musicales, incorporando elementos de funk, disco y rockabilly. Este álbum no solo consolidó su estatus como superestrellas globales, sino que también demostró que estaban dispuestos a arriesgarse y evolucionar.

Se podria entonces decir que The Game es un álbum innovador. Grabado entre 1979 y 1980 en los estudios Musicland de Múnich, The Game fue producido por Reinhold Mack y se convirtió en el primer álbum de Queen en utilizar sintetizadores. Este fue un cambio significativo para la banda, que hasta entonces había evitado el uso de estos instrumentos, prefiriendo crear sonidos complejos con instrumentos tradicionales. Sin embargo, en The Game, los sintetizadores se integraron de manera orgánica, añadiendo nuevas texturas sin restar protagonismo a los elementos clásicos de Queen.

El álbum es una mezcla perfecta de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos. Con hits como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love", The Game se convirtió en un éxito comercial masivo, llegando al número uno en las listas de cinco países, incluidos Estados Unidos y el Reino Unido.

Lista de Canciones de The Game

1. "Play the Game" (Mercury) El álbum abre con esta poderosa balada escrita por Freddie Mercury. Con un piano melódico y una guitarra emotiva de Brian May, la canción crea una atmósfera introspectiva que explora temas como el amor y las relaciones. El solo de guitarra de May es uno de los más memorables del álbum.

2. "Dragon Attack" (May) Esta canción, escrita por Brian May, es un ejemplo del lado más pesado y funkero de Queen. Con un riff de bajo prominente de John Deacon y un ritmo contagioso, "Dragon Attack" es una pista energética que demuestra la versatilidad de la banda.

3. "Another One Bites the Dust" (Deacon) Sin duda, uno de los mayores éxitos de Queen y una de las canciones más icónicas de la historia del rock. Escrita por John Deacon, esta pista es una incursión en el funk y el disco, con un bajo pegajoso y un ritmo irresistible.

4. "Need Your Loving Tonight" (Deacon) Otra composición de John Deacon, esta canción tiene un sonido pop-rock con un ritmo alegre y optimista. La voz de Mercury es fresca y llena de energía, y la canción sirve como un contraste ligero a algunas de las pistas más serias del álbum.

5. "Crazy Little Thing Called Love" (Mercury) Un homenaje al rockabilly de los años 50, esta canción escrita por Freddie Mercury es sencilla pero efectiva. Fue compuesta por Mercury mientras se daba un baño. Él mismo grabó la guitarra acústica en el estudio antes que la banda llegara y ejecutara las bases de la canción. Brian May dijo que la ejecución de Freddie fue perfecta y únicamente se le agregó un solo de guitarra en la mitad de la canción, después del consejo de su productor Mack, más bien parodiando el sonido de televisión de su famosa guitarra "Red Special". Freddie tocó la guitarra en todas las versiones en vivo en las que se interpretó esta canción; esto constituyó el único momento en el que tocó otro instrumento que el piano o la pandereta. El video promocional fue dirigido por Dennis De Vallance y filmado en los Trillion Studios de Londres, en el que Brian May aparece tocando una Fender Telecaster en vez de la mítica Red Special.

6. "Rock It (Prime Jive)" (Taylor) Roger Taylor tuvo dificultades para aportar temas a The Game. "Rock It (Prime Jive)" fue generadora de disputas dentro de la banda. Se grabaron dos versiones del tema, una cantada íntegramente por Freddie y otra grabada por Roger. La polémica vino al decidir cuál de las dos iría. Brian y Mack se inclinaban por la cantada por Freddie, mientras John y Roger por la de Roger. Finalmente se decidió que el intro sería de Freddie y el resto de la canción de Roger. En vivo, era Freddie quien la cantaba.

7. "Don't Try Suicide" (Mercury) Este tema de Freddie, sin sintetizadores, cuenta con un juego entre el bajo y la batería, y solos de Brian que rompen cada cierto rato la hegemonía del Sonic Volcano. En un álbum posterior, Made in Heaven, hay una canción de cuatro segundos llamada "Yeah", la cual es un fragmento de "Don't Try Suicide".

8. "Sail Away Sweet Sister" (May) Grabada en las sesiones preliminares de 1979 junto a "Crazy Little Thing Called Love", "Save Me" y "Coming Soon", "Sail Away Sweet Sister" se sustenta en la delicada voz de Brian y en el bajo de John (que es un poco el instrumento principal en el disco y tiene un solo al cierre del track), con un desgarrador solo de guitarra, y Freddie cantando unas cuantas líneas.

9. "Coming Soon" (Taylor) Roger tenía tres temas para este disco. Ya vimos el primero, "Rock It", el segundo estaba entre "A Human Body" y "Coming Soon". Quedó esta última quizás por estar musicalmente más cerca de los demás temas que "A Human Body", que quedó guardada para que fuera el lado B de "Play The Game" por ser demasiado melódica para el resto del álbum.

10. "Save Me" (May) Cierra el álbum esta emotiva balada escrita por Brian May. Con un piano y una guitarra llenos de sentimiento, la canción es una despedida melancólica pero esperanzadora. Fue el segundo sencillo de The Game y alcanzó el puesto #11 en las listas de Reino Unido. Para este sencillo se grabó el primer vídeo promocional de animación de Queen, mezclando una actuación en directo con una animación. El vídeo fue filmado en el Alexandra Palace de Londres y dirigido por Keith McMillan durante la gira de diciembre conocida como Crazy Tour.

The Game no solo fue un éxito comercial, sino que también marcó un momento de madurez creativa para Queen. La banda demostró que podía evolucionar y adaptarse a las tendencias musicales sin perder su identidad. Canciones como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love" se convirtieron en clásicos instantáneos y siguen siendo parte integral del repertorio de la banda.

Además, el álbum consolidó a Queen como una de las bandas más versátiles e innovadoras de su época. Aunque algunos puristas del rock criticaron el uso de sintetizadores, The Game es una prueba de la capacidad de Queen para reinventarse y mantenerse relevante en un panorama musical en constante cambio.

Queen ha dejado un legado imborrable en la música no cabe duda, y The Game es una parte fundamental de ese legado. Este álbum no solo demostró la versatilidad y el genio creativo de la banda, sino que también sentó las bases para su éxito en la década de los 80. Con una mezcla de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos, The Game es un testimonio del genio musical de Queen y su capacidad para crear música que trasciende generaciones.

The Game es un álbum esencial en la discografía de Queen. Combina lo mejor del sonido clásico de la banda con influencias nuevas y frescas, creando un disco que es tanto innovador como atemporal. Este mes, celebramos a Queen como nuestro Artista del Mes, recordando su capacidad para sorprender, emocionar y, sobre todo, jugar el juego de la música como nadie más lo ha hecho.

Daniel 

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News Of The World - (Mes Queen)

 

News Of The World, Queen

     En 1977, los grupos punk, encabezados por los Sex Pistols, provocaron una reacción masiva en contra de los artistas de rock conceptual, sinfónico y progresivo, entre los que se encontraba Queen. La respuesta de Queen fue la de simplificar su sonido sinfónico y orientarse hacia un hard rock más espontáneo. News of the World supuso el sexto álbum de estudio de la banda. Fue grabado en los Sarm East and Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo y de Mike Stone, quien también si hizo cargo de la ingeniería de sonido, y publicado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello discográfico EMI Records en Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos. El álbum alcanzó el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 3 en la lista de los mejores álbumes de Estados Unidos, logrando también muy buenas cifras en todo el mundo. La reacción crítica a News of the World fue inicialmente mixta,a una parte de la crítica le gustó el cambio de estilo musical de la banda y otra parte no. Sin embargo, con el tiempo ha llegado a ser considerado como uno de los mejores álbumes de Queen, mientras que We Are the Champions y We Will Rock You se han convertido desde entonces en himnos del rock.

Durante las grabaciones de este nuevo trabajo el grupo redujo la complejidad de sus arreglos y se centró en un sonido más "raíz" (como dijo Brian May). Sin embargo todavía se puede apreciar, aunque mucho menos y de una forma muy sutil, en este disco el sonido característico de Queen basado en armonías multipistas y orquestaciones de guitarra .El grupo había recibido críticas que defendían que su primer álbum completamente autoproducido, A Day at the Races , era un álbum "aburrido". Por este hecho el grupo decidió cambiar su enfoque musical hacia el mainstream pero permanecer como productores del próximo álbum .La crítica consideraba que A Days at the Races que era demasiado similar a A Night at the Opera, algo que los propios miembros de la banda reconocieron. Si a esto le sumamos el hecho de la llegada del punk rock, liderado por los Sex Pistols, se puede entender el cambio de dirección que el grupo decidió dar a su sonido. Brian May declaró en una entrevista que "ya habíamos tomado la decisión de que... [después de] A Night at the Opera y A Day at the Races , queríamos volver a lo básico para News of the World . Pero era muy oportuno porque el mundo estaba mirando al punk y las cosas como algo muy simple. Así que en cierto sentido éramos conscientes, pero era parte de nuestra evolución de todos modos".

A diferencia de A Day at the Races, que había tardado cinco meses en grabarse, solo se reservaron dos meses para grabar en Sarm East y Wessex Sound Studios de Londres. La mayoría de las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Wessex Studios, que también fue donde los Sex Pistols estaban ocupados grabando Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols. Como tal, los dos grupos tuvieron varias interacciones, incluida la famosa reunión entre Mercury y Sid Vicious. Vicious, al tropezar con el estudio de grabación de Queen, preguntó "¿Ya has logrado llevar el ballet a las masas?" en respuesta a un comentario que el cantante había hecho en una entrevista con NME, a lo que Mercury lo llamó "Simon Ferocious" (una referencia juguetona al nombre artístico de Vicious) y respondió "Estamos haciendo lo mejor que podemos, querido". Johnny Rotten también expresó su deseo de reunirse con Mercury. Según Bill Price, el ingeniero de sonido de Never Mind the Bollocks, Rotten se arrastró a cuatro patas por el estudio de Queen hasta Mercury, que estaba tocando el piano, y le dijo "Hola Freddie" antes de irse. La historia de Queen con los Sex Pistols se remonta a diciembre de 1976, cuando Queen iba a aparecer en el programa Today de Bill Grundy. Sin embargo, Mercury tenía dolor de muelas y se vio obligado a programar una cita con el dentista el mismo día, su primera en 15 años. Como reemplazo, EMI ofreció a los Sex Pistols, lo que llevó a su ahora famosa aparición en el programa Today.  Si su álbum anterior, Day at the Races, era un álbum elegante y estilizado, su sucesor, News of the World, era su polo opuesto, una explosión de estilos que no parecían apegarse a ningún núcleo en particular. 

Entramos en materia y la canción que abre el álbum es ni más ni menos que uno de sus temas más aclamados, We Will Rock You, el cántico que se ha convertido en todo un himno y que podemos escuhar prácticamente en cualquier estadio deportivo del mundo. Brian May quera crear una canción quería crear una canción en la que el público pudiera participar. El guitarista afima que recordó un concierto en el que la multitud coreó el himno del Liverpool Football Club, "You'll Never Walk Alone", mientras la banda salía del escenario. "Me fui a la cama pensando: '¿Qué les podrías pedir que hicieran?' Están todos apretados allí, pero pueden aplaudir, pueden patear el suelo y pueden cantar", señaló. "Por la mañana, me desperté y tenía la idea de 'We Will Rock You' en mi cabeza". La idea de May era hacer una canción simple ycon un aire himno "(pisar, pisar, aplaudir, pausa" por compás de 4/4), para que su público en vivo pudiera involucrarse más directamente en el espectáculo. En el vídeo de esta canción May utilizó una copia de su legendaria guitarra, pues temía que debido a las inclemencias del timpo pudiera dañarse. A este himno le sigue otro, quién no ha cantado alguna vez We Are the Champions. Freddie Mercury escribió esta canción. Mercury afirmó: "Estaba pensando en el fútbol cuando la escribí. Quería una canción participativa, algo con lo que los fans pudieran engancharse. Por supuesto, le he dado una sutileza más teatral que un canto de fútbol normal. Supongo que también podría interpretarse como mi versión de ' I Did It My Way '. Lo hemos logrado, y ciertamente no fue fácil. No es un lecho de rosas como dice la canción. Y sigue sin ser fácil". Según Freddie Mercury esta canción ya había sido escrita en 1975, pero no fue grabada hasta 1977. Estos dos himnos vienen seguidos del feroz Sheer Heart Attack, un rock frenético que resuena muy contundente. El baterista Roger Taylor escribió esta canción, que trata sobre una chica de 17 años que puede provocar un paro cardíaco en muchos hombres. La primera línea, "Bueno, solo tienes 17 años", es un guiño al éxito de los Beatles "I Saw Her Standing There", que comienza con "Bueno, ella solo tenía 17 años". También se puede considerar una especie de tributo al punk rock, el cual se encontraba en pleno apogeo. La canción estaba pensada para el tercer álbum, llamado Sheer Heart Attack (1974), pero no apareció hasta tres años después en este disco. Roger Taylor consideraba que la canción estab adelanta a su tiempo: "Comencé la canción cuando estábamos haciendo el álbum Sheer Heart Attack, pero no llegué a terminarlo. Para cuando lo hice, el punk ya había llegado. Pero la canción llegó antes del punk". Taylor cantó la voz principal en el demo, pero para la versión final la banda decidió que Mercury debía cantar la voz principal, con Taylor cantando el coro. Llevamos Tres canciones, tres cambios rápidos de humor, pero ese no es el final, pues a estos le sigue la lenta y armónica All Dead, All Dead, escrita y cantada por May, quien también tocaba el piano con Mercury en los coros. sobre la canción, May confirmó los rumores de que la canción está inspirada en parte por la muerte de su gato de la infancia. Spread Your Wings es una de las aportaciones del bajista John Deacon en este álbum.  El vídeo musical se filmó en el jardín del baterista Roger Taylor en Surrey, Inglaterra. El suelo estaba cubierto de nieve y hielo, y la banda se sentía visiblemente incómoda. Brian May comenta durante la grabación del vídeo: "Mirando atrás, no se podía hacer allí, ¡no se podía hacer eso!". Durante el rodaje, el hielo y la nieve en el suelo complicaron las cosas, tanto que aquí May también usó una copia de su guitarra Red Special para que no resultara dañada. Cierra esta primera cara Fight from the Inside, una canción con aires disco. Fue escrita y cantada por Taylor, que además de la batería, también toca la guitarra rítmica y el bajo; para este último, tomó prestado el instrumento de Deacon. También es una de las pocas canciones en la discografía de la banda grabada casi en su totalidad por un solo miembro. Como curiosidad: El guitarrista Slash ha citado el riff de guitarra de esta canción como uno de sus riffs favoritos de todos los tiempos. 

Turno para la cara B, que abre con Get Down, Make Love, un tema con un rollo muy funk. Escrita por Mercury, es una de las canciones más sexuales del catálogo de Queen. La canción tiene un clima muy funk que por momentos cambia y le da un aire psicodélico que imita los gemidos sexuales. La canción fue introducida en el show en vivo de la banda inmediatamente después de su lanzamiento, y permaneció como un elemento básico de sus giras hasta el final del Hot Space Tour de 1982. En el Hot Space Tour, la canción fue reducida al primer verso/estribillo solamente como una forma de conducir al solo de guitarra de May. Sleeping on the Sidewalk, escrita y cantada por May, es la excursión al blues que el grupo se marca en este trabajo. Es la única canción en su discografía que se grabó (a excepción de las voces) en una sola toma. Líricamente, trata sobre la carrera de un aspirante a trompetista. May canta con acento estadounidense y mide el éxito del trompetista mencionado anteriormente en "bucks" (dólares), en lugar de libras o "quid". Si prestamos atención, se puede escuchar a Deacon tocando las notas incorrectas en algunas partes de bajo, y también se puede escuchar a May riendo al final de la canción. También es una de las pocas canciones de Queen que no presenta ninguna voz de Mercury, aunque interpretó la voz principal en presentaciones en vivo. Who Needs You es una alegre canción con ritmos latinos. Fue escrita por Deacon, quien, junto con May, toca la guitarra española. La voz principal de Mercury está completamente enfocada en el canal de audio derecho, mientras que la guitarra principal está en el canal izquierdo. May también toca maracas y Mercury toca un cencerro. La canción ha llegado a ser descrita como un "homenaje tentativo al reggae ", aunque con "guitarras españolas en lugar de jamaicanas". Tuno para el majestuoso y rockero It's Late. La canción fue idea de May de tratar una canción como una obra de teatro de tres actos, de hecho, los versos se llaman "actos" en la hoja de letras. May hace uso de la técnica del tapping unos meses antes de que fuera usada por parte de Eddie Van Halen en el álbum Van Halen. May le dijo a la revista Guitar Player que su uso de la técnica del tapping se inspiró en el guitarrista texano Rocky Athas, después de ver una de sus actuaciones en Mother Blues, un club de Dallas. En cuanto a la letra, Mercury nos describe una historia de amor que está a punto de terminar. Cierra la cara B, y por tanto el álbum, My Melancholy Blues, compuesta por Mercury, es un blues lento que sirve como cierre y colofón. En la canción no hay coros ni guitarras. Deacon solía tocar el bajo sin trastes en esta canción, pero en el disco utilizó un bajo con trastes normal.

Queen - A day at the races (Mes Queen)

A Day at the Races es a menudo visto injustamente como una copia al carbón del más popular A Night at the Opera. Con el título de una comedia de los hermanos Marx y con una obra de arte similar, con el llamado escudo de Queen pintado según un diseño del propio Freddie Mercury , fue visto como una secuela directa del álbum que encabezó las listas de 1975. Pero tal vez el público también estaba demasiado harto del éxito rotundo de la banda como para preocuparse realmente por las diferencias esta vez. A Day at the Races no se parece más a A Night at the Opera de lo que lo fue a los dos LP anteriores, y honestamente, A Day at the Races en realidad el parecido es incluso menor, es cierto que no fue un giro importante para una nueva dirección, pero recuperó un sentido de exploración que tenían Queen II y Sheer Heart Attack, una sensación de volverse inesperado una vez más después de un ejercicio de pulir cosas que ya se habían dicho, mientras se mantenía en el terreno real del rock progresivo pesado en el que se mantuvieron firmes a mediados de los 70. Ayudo el darse cuenta de que por fin habían encontrado el centro de atención que merecían, con los turbios managers olvidados, QUEEN siguió el camino lógico homenajeando a su obra maestra de 1975, con básicamente la misma portada del álbum, aunque con un fondo negro que sustituye al blanco y una excelente elección de títulos para el álbum. El quinto álbum de QUEEN se convirtió en platino antes de salir a la venta, pero cuando llegó al mercado se disparó al número 1 en varios países como el Reino Unido, Japón y los Países Bajos, además de alcanzar el número 5 en el Billboard 200 de EE. UU., ahora eran superestrellas solo dos años después de estar en skid row y peligrosamente cerca de no tener ningún futuro como banda. En el aspecto comercial continuó con toda la fortuna y fama que “A Night At The Opera” había ganado con este excéntrico cuarteto inglés. Sin embargo, a pesar del intento de crear un enfoque musical similar al incorporar rock pesado con aires blues, pop con piano, valses y temas de music hall victoriano con otros géneros dispares, el álbum tiene un aire completamente diferente. A diferencia del álbum anterior, este también tiene elementos de gospel y jazz, pero tiende a tener menos matices de rock progresivo que estaban más presentes en los primeros cuatro álbumes a pesar de las muchas firmas de tiempo que aparecen, a pesar de eso estamos ante una de las últimas joyas del rock progresivo clásico, era el otoño de la era con la revolución punk a la vuelta de la esquina, King Crimson ya no existía y Genesis nunca volvió a ser la misma después de que Peter Gabriel se fuera. Rainbow con Rising estaba en una posición similar a la producción de Queen, pero también fue un predecesor directo de la nueva era NWOBHM, fue A Day at the Races el último hito del rock progresivo clásico publicado cuando el género todavía estaba en su apogeo.

El álbum comienza con el sonido familiar de Red Special tratado con amplificadores Deacy, excepto que esta vez Queen opta por una especie de melodía oriental de estilo chino, seguida de capas de guitarras que crean una ilusión llamada tono Shepard, un efecto sonoro cuando un tono parece estar siempre en ascenso cuando en realidad permanece estático. Esta nube dorada de sonido líquido resulta ser aún más engañosa cuando te das cuenta de que es solo una introducción a la canción de hard rock más punzante y abrasiva que Queen haya grabado jamás, Tie Your Mother Down, que te perfora los oídos con su tono de guitarra violento y ligeramente agudo. Brian May la escribió en 1968, cuando May estaba trabajando en su doctorado en Astronomía y escribió la canción con una guitarra clásica española mientras estaba de vacaciones en Tenerife, en las Islas Canarias. La canción fue resucitada y se le dio el tratamiento de heavy metal y fue una de las mejores canciones del álbum, lo que la convirtió en la apertura perfecta para GRITAR al mundo que QUEEN estaba de vuelta. En You Take My Breath Away Freddie Mercury experimenta con armonías a capela antes de sumergirse en la balada para piano más sentida que jamás haya escrito, una pieza de una belleza tenue pero inmensa y una emoción indescriptible. Una versión en vivo temprana incluida en la edición de lujo de 2011 realmente mejora la versión de estudio: es precioso escuchar a Freddie acelerar y desacelerar en esta canción, interpretándola con tal nivel de pasión que las versiones de estudio comienzan a parecer demasiado correctas a su lado. La balada pop estridente de Brian May Long Away es el único punto de todo el disco al que se le puede acusar de copiar A Night at the Opera, pero es una canción bien elaborada, dulce, conmovedora, con una melodía inolvidable. La cara A alcanza su clímax con las dos últimas canciones, que son bastante similares en cierto modo, The Millionaire Waltz representa a Freddie Mercury por excelencia , una vertiginosa combinación de vals romántico y heavy metal. Increíblemente alegre como una fiesta de los años 20 en un salón art déco filmada en Technicolor sobreiluminado, trasciende de una balada de piano juguetona a una masa de pesadez con un sentido poco común de precisión compositiva, con un juego de dinámicas antes y entre los crescendos que apenas se iguala en la música rock, You and I escrita por John Deacon, es otra hermosa balada de piano con un puente notablemente poderoso que de repente arrastra la melodía de piano antigua y alegre al terreno del hard rock encantado, pero no tan memorable como su sobresaliente “You're My Best Friend” en “Opera”.

 

El lado B comienza a toda potencia con una de las mejores y más innovadoras canciones del álbum, Somebody to Love, comparada injustamente con Bohemian Rhapsody por tener un coro de 200 piezas con varias pistas, muestra el creciente interés de Freddie Mercury por la música negra que definió en gran medida su desarrollo futuro. Aunque el coro gospel que atrajo la atención principal a la canción es obviamente exclusivo de la versión en estudio, sigo considerando que la versión en vivo es superior. Después de un montón de baladas con piano como protagonista, un cambio repentino es inevitable, White Man abre con un riff de blues sombrío que en realidad es el mismo que la introducción del álbum (y me llevó años reconocer la similitud debido a lo diferente que parece esta vez), seguido de un trueno ensordecedor de heavy metal respaldado por la interpretación vocal áspera y apasionada de Freddie Mercury de lo que posiblemente sea la letra más consciente en la carrera de Queen. La pura fuerza de esta canción la convierte en una declaración poderosa considerando el genocidio de los nativos americanos, y musicalmente demuestra perfectamente que se puede construir una canción de heavy metal incluso sobre una base de blues. Este es uno de los temas más pesados ​​que la banda ha creado, con riffs de guitarra robustos y voces armónicas ásperas y tumultuosas de todos los miembros. 

Good Old-Fashioned Lover Boy es un ejemplo clásico de cómo crear una canción de pop progresivo increíblemente compleja pero muy accesible. Con una duración de menos de 3 minutos, desafía la estructura de verso-estribillo y pasa por un montón de secciones melódicamente muy variadas que cambian cada 30 segundos aproximadamente, lo que la convierte en algo así como "The March of the Black Queen" exprimida en una canción de vodevil de tres minutos de duración. Drowse es la contribución de Roger Taylor al álbum, es una canción de blues rock somnolienta con una melodía agradable y la ligera interpretación de cantautor de Taylor, pero aún más interesante gracias a su trabajo de producción. Teo Torriate (Let Us Cling Together) fue un mensaje de gratitud a los fans japoneses que conocieron a Queen con gran entusiasmo en su primera gira japonesa en 1975, con la letra del estribillo traducida al japonés por un amigo de la banda local. Una de las mejores canciones del álbum yun final apropiado tanto para A Day at the Races como para Queen como solían ser, marcando el final de toda una era de su música y, en cierto modo, cerrando una era de la música británica en general. El regreso al tono ilusorio inicial, añadido al final de "Teo Torriate", simbolizó que no importa cómo cambien las cosas, siempre somos bienvenidos a volver al principio, a revisitar cosas que fueron realmente geniales en el pasado.

 A Day at the Races fue un gran disco sin duda. Mucho más equilibrado que A Night at the Opera, sin canciones más débiles en absoluto, constituye uno de los mejores viajes de álbumes del catálogo de Queen. El cuarto y último de los álbumes verdaderamente brillantes de Queen, es el último vistazo a Queen como la verdadera realeza, llenos de orgullo y gloria, luciendo brillantes coronas de diamantes, incomparables en su propio campo. 

Queen - A Night at the Opera (Mes Queen)

A Night at the Opera, Queen

          Acabado el mes de febrero, el cual dedicamos por entero a Metallica, y comenzado el mes de marzo, toca dar paso a otra banda, otra de esas calificadas como indispensables para la historia de la música. Imaginad que estáis en el teatro, sentaros y poneros cómodos, porque vamos a pasar "Una noche en la ópera", Bienvenidos al mes de Queen y su álbum A Night at the Opera.

A Night at the Opera es grabado entre el 24 de agosto y el mes de noviembre de 1975, excepto la canción "God Sae the Queen", que es grabada el 27 de octubre de 1974, en varios estudios: Trident (Londres), Olympic (Londres), Rockfield (Monmouthshire), Landsdowne (Kensington), Sarm East (Londres), Roundhouse (Camden, Londres) y Scorpio Sound (Camden). Fue producido por Roy Thomas Baker y por el propio grupo, y publicado el 28 de noviembre de 1975. Fue  el cuarto álbum de estudio de la banda, y al parecer, fue el álbum más caro jamás grabado en el momento de su lanzamiento. El álbum, que lleva el nombre de la película homónima de los hermanos Marx, A Night at the Opera se grabó en varios estudios a lo largo de un período de cuatro meses en 1975. Debido a problemas de gestión, el grupo no había recibido casi nada del dinero que habían ganado por sus álbumes anteriores. Posteriormente, terminaron su contrato con Trident Studios y no utilizaron sus estudios para el álbum (la única excepción fue "God Save the Queen", que se había grabado el año anterior). Emplearon una producción compleja que utilizó ampliamente la grabación multipista , y las canciones incorporaron una amplia gama de estilos, como baladas, music hall, canciones marineras, dixieland, hard rock e influencias del rock progresivo. Además de su equipo habitual, Queen también utilizó una amplia gama de instrumentos como un contrabajo, un arpa, un ukelele y algun que otro instrumento más. Tras su lanzamiento se convirtió en el primer álbum número uno de Queen en el Reino Unido, encabezando la lista de álbumes del Reino Unido durante cuatro semanas no consecutivas. Alcanzó el puesto número cuatro en la lista Billboard Top LPs & Tape de Estados Unidos y se convirtió en el primer álbum de la banda con certificación de platino en Estados Unidos. También produjo el sencillo más exitoso de la banda en el Reino Unido, "Bohemian Rhapsody", que se convirtió en su primera canción número uno en el país. A pesar de tener el doble de duración que la duración media de los sencillos durante la década de 1970, la canción se volvió inmensamente popular en todo el mundo. En aquel momento, las críticas de A Night at the Opera fueron positivas, con elogios por su producción y los diversos temas musicales, y el lanzamiento de la banda como superestrellas mundiales.

El álbum anterior de Queen, Sheer Heart Attack (1974), había obtenido éxito comercial y trajo a la banda la atención general, con el sencillo Killer Queen, alcanzando el número dos en la lista de singles del Reino Unido .  A pesar de este éxito, la banda estaba en quiebra en ese momento, en gran parte debido a un contrato que habían firmado que significaba que producirían álbumes para una compañía de producción, que luego vendería el álbum a un sello discográfico.  Esto significó que Queen no vio casi nada del dinero que ganaron, ya que Trident Studios les pagaba la irrisoria cantidad de £ 60 semanales. El guitarrista Brian May vivía en un apartamento en Earls Court, al oeste de Londres, mientras que el líder Freddie Mercury vivía en un apartamento en Kensington que tenía una gran humedad.  El asunto finalmente llegó a un punto de inflexión cuando el bajista John Deacon , que se había casado recientemente, recibió de su manager Norman Sheffield la negativa de adelanto en efectivo de £4000 para pagar el depósito de una casa. Fue la gota que colmó el vaso y Mercury usó la indignación que sentía para escribir la canción Death on Two Legs, que serviría como tema de apertura de A Night at the Opera. La banda, que no estaba muy nada contenta con su situación económica y contractual, en diciembre de 1974, la banda contrató a Jim Beach como su abogado y comenzó a negociar su salida de Trident. Mientras Beach estudiaba los contratos del grupo, el grupo continuó de gira. Después de una disputa de nueve meses, Queen finalmente logró dejar a Trident y firmó directamente con EMI Records en el Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos y Canadá. Además consiguieron recuperar el control de su catálogo anterior, mientras que su antigua compañía editorial, Feldman, fue absorbida por EMI. Debido a que Trident había invertido más de £ 200,000 en la promoción de Queen, el grupo tuvo que pagar la mitad de eso para rescindir sus contratos, y tuvieron que darle a Trident el 1% de regalías de sus próximos seis álbumes. Además, una gira por América programada para septiembre de 1975 tuvo que ser cancelada, ya que había sido organizada por Jack Nelson, quien estaba asociado con Trident, a pesar de que ya se habían reservado los lugares y vendido las entradas. Esta gira era necesaria para recuperar fondos, y su cancelación fue un gran revés para una banda que parecía tener imán para los problemas. 

La situación de la banda es muy delicada, y con los fondos agotándose, comenzó a buscar un nuevo representante. Tres nombres fueron preseleccionados: Peter Rudge, Peter Grant, que era entonces el representante de Led Zeppelin , y John Reid, que era el representante de Elton John en ese momento. Rudge estaba de gira con los Rolling Stones y no pudieron ser localizados, por lo que contactaron con Grant. Grant, que estaba ansioso por ser el representante de Queen, tenía la intención de que la banda firmara con Swan Song, el sello de Led Zeppelin, y sugirió que Queen saliera de gira mientras él arreglaba sus finanzas. El grupo temía que Grant priorizara a Led Zeppelin sobre ellos, y se mostraron reacios a firmar con Swan Song, por lo que finalmente se pusieron en contacto con Reid. Reid inicialmente tenía dudas sobre representar a otra banda, hasta que se enteró que la banda que buscaba representante era Queen. El representante aceptó y lo primero que aconsejó al grupo fue que entraran e el estudio e hcieiran el mejor álbum que pudieran.

En este convulso contexto nace uno de los mejores álbumes de la banda. El grupo trabajó con el productor Roy Thomas Baker, que también se había separado de Trident, y con el ingeniero Mike Stone. Gary Langan, que entonces tenía 19 años y que había sido operador de cinta en dos de las canciones de su disco anterior, Sheer Heart Attack, fue ascendido a ingeniero asistente en este álbum. Se filtró que fue el álbum más caro jamás realizado en ese momento, con un costo estimado en aquel momento de £ 40,000. Fue grabado en siete estudios diferentes durante un período de cuatro meses. Queen pasó un mes durante el verano de 1975 ensayando en un granero que se acabó convirtiendo en un estudio, Ridge Farm Studio, en Surrey (Inglaterrra). Luego, el grupo estuvo escribiendo y ensayando durante tres semanas en una casa alquilada cerca de Kington, Herefordshire, antes de comenzar la grabación. Luego llegaría la ajetreada tarea de grabar el material en s diferentes estudios utilizados. La única canción del álbum grabada en los estudios Trident fue God Save the Queen, que se había grabado el 27 de octubre del año anterior.

 La grabación dl disco fue muy compleja, el grupo necesitaba una grabadora multipistas para sus complejas armonías vocales que típicamente consistían en May cantando registros más bajos, Mercury cantando registros medios y Taylor interpretando las partes más altas. A diferencia de sus primeros tres álbumes, que habían usado cintas de 16 pistas, A Night at the Opera se grabó usando cintas de 24 pistas. El punto culminante de esas armonía vocales es la canción Bohemian Rhapsody, que presenta una elaborada secuencia de ópera dominada por voces multipistas. También The Prophet's Song tiene una sección intermedia a capela que utiliza delay (efecto de sonido que se utiliza en la producción musical para crear una repetición de la señal original, generando un eco o una repetición de sonido) en la voz de Mercury. Para las orquestaciones de guitarra, May sobregrabó su guitarra casera Red Special a través de un amplificador construido por Deacon, conocido como Deacy Amp, luego lanzado comercialmente como el amplificador "Brian May" por Vox. Además de su equipo habitual, el grupo utilizó varios instrumentos en el álbum. Mercury utilizó un piano de cola para la mayoría de las canciones, Taylor utilizó un timbales y un gong en Bohemian Rhapsody, Deacon tocó el contrabajo en 39  y el piano eléctrico Wurlitzer You're My Best Friend. May tocó una serie de instrumentos que no se encuentran típicamente en las canciones de Queen. Tocó una guitarra acústica en Love of My Life y 39, así como un arpa en Love of My Life, y un koto de juguete (instrumento japonés) en The Prophet's Song. En ood Company May recreó una banda de jazz Dixieland (estilo de jazz desarrollado en Nueva Orleans) con su guitarra su Red Special. En sus dos primeros álbumes, gran parte de las composiciones de Queen combinaban rock progresivo contemporáneo y heavy metal, lo que dio lugar a que la describieran como una mezcla entre Led Zeppelin y Yes . A partir de su álbum Sheer Heart Attack, el grupo comenzó a inspirarse en su vida cotidiana y adoptó estilos musicales más convencionales,  una tendencia que en A Night at the Opera continuaría. Los temas líricos iban desde la ciencia ficción y la fantasía hasta el desamor y el romance, a menudo con un sentido del humor irónico.

Comienza el álbum con Death on Two Legs, considerada como la carta de odio de Mercury al primer manager del grupo, Norman Sheffield , quien durante algunos años tuvo fama de haber maltratado a la banda y abusado de su papel como manager de 1972 a 1975. Aunque la canción nunca hace referencia directa a él, después de escuchar una reproducción de la canción en los Trident Studios en la época del lanzamiento del álbum, Sheffield demandó a la banda y al sello discográfico por difamación, lo que resultó en un acuerdo extrajudicial, pero también confirmó su conexión con la canción. Los ejecutivos de EMI no estaban seguros de que la canción fuera una buena idea, May no estaba segura de la letra y se sintió mal de que Mercury la cantara, pero finalmente se dio cuenta de que era la elección final del compositor en cuanto a lo que debía cantarse. La mayoría de las partes de guitarra de esta canción fueron tocadas inicialmente por Mercury en el piano, para demostrarle a May que debían ser tocadas en la guitarra. En Lazing on a Sunday Afternoon Mercury tocó el piano e interpretó todas las voces. La voz principal se cantó en el estudio y se reprodujo a través de auriculares en un cubo de hojalata en otra parte del estudio. Un micrófono captó el sonido del cubo, lo que le da un sonido hueco de "megáfono". Al parecer, el solo de guitarra se grabó en la pista vocal, ya que no había más pistas para grabar. I', in Love with My Car fue escrita y cantada por Taylor. La ​​canción fue inicialmente tomada como una broma por May, quien pensó que Taylor no hablaba en serio cuando escuchó una grabación demo. Taylor tocó las guitarras en la demostración original, pero luego fueron regrabadas por May. La voz principal fue interpretada por Taylor en la versión de estudio y en todas las versiones en vivo lanzadas. Los sonidos de aceleración al final de la canción fueron grabados por el automóvil actual de Taylor en ese momento, un Alfa Romeo. La ​​letra se inspiró en uno de los roadies de la banda, Johnathan Harris, cuyo coche, un Triumph TR4, era evidentemente el amor de su vida. La canción está dedicada a él, y el álbum dice: "Dedicado a Johnathan Harris, corredor de carreras hasta el final". You're My Best Friend fue la segunda canción y el primer sencillo de Queen escrito por John Deacon. La compuso mientras estaba aprendiendo a tocar el piano, y tocó el piano eléctrico Wurlitzer en la grabación y luego sobregrabó el bajo. La canción fue escrita para su esposa, Veronica. Fue lanzada como el segundo sencillo del álbum después de Bohemian Rhapsody y también fue un éxito top 10 en el Reino Unido, alcanzando el número 7. 39 fue el intento de May de hacer una "canción pirata para enamorados". Narra la historia de un grupo de exploradores espaciales que se embarcan en lo que, desde su perspectiva, es un viaje de un año. Sin embargo, a su regreso, se dan cuenta de que han pasado cien años, debido al efecto de dilatación del tiempo en la teoría de la relatividad de Einstein, y los seres queridos que dejaron atrás ahora están todos muertos o ancianos. May canta la canción en el álbum, con coros de Mercury y Taylor. Tras el vertiginoso rock escrito por May de Sweet Lady, nos encontramos con la canción que cierra la cara A, Seaside Rendezvous, escrita por Mercury. La canción tiene una sección de puente instrumental simulada que comienza alrededor de 0:51 en la canción. La sección es interpretada íntegramente por Mercury y Taylor usando solo sus voces. Mercury imita instrumentos de viento de madera, incluido un clarinete, y Taylor principalmente instrumentos de viento de metal, incluidas tubas y trompetas, e incluso un kazoo (instrumento musical que añade una cualidad tímbrica de "zumbido" a la voz del intérprete). La parte de "claqué" fue interpretada por Mercury y Taylor en la mesa de mezclas con dedales en sus dedos, y Mercury también tocó el piano de cola.

Abre la cara B The Prophet's Song, compuesta por May, que explicó que escribió la canción después de un sueño que había tenido sobre el Gran Diluvio y sus temores sobre la raza humana y su falta general de empatía.  Pasó varios días ensamblando la canción, e incluye un canon vocal cantado por Mercury. El canon vocal, y más tarde instrumental, fue producido por los primeros dispositivos de retardo de cinta . Con más de ocho minutos de duración, también es la canción de estudio más larga del grupo. El efecto de aceleración que ocurre en medio del solo de guitarra se logró al encender un reproductor de carrete a carrete con la cinta encendida, ya que el reproductor de cinta original estaba detenido. Love of My Life es una de las canciones de la banda más versionadas. Mercury tocó el piano (incluido un solo clásico) y cantó todas las voces, incluidas las armonías multipistas. May tocó el arpa, una guitarra acústica Gibson Hummingbird que había comprado en Japón y su Red Special. May finalmente arregló la canción para que pudiera ser tocada en una guitarra acústica de 12 cuerdas para presentaciones en vivo. Good Company fue escrita y cantada por May, quien canta todas las voces y toca el ukelele. La grabación presenta una recreación de una banda de jazz de estilo Dixieland utilizando la guitarra Red Special y el amplificador Deacy de May. El guitarrista compuso la canción en un ukelele-banjo de su padre, pero la grabó con un ukelele normal. Mercury no participó en la grabación de la canción, lo que la convierte en una de las pocas canciones de Queen que no presenta a su cantante principal. Bohemian Rhapsody es una de sus grandes obras maestras. Fue escrita por Mercury y el primer solo de guitarra fue compuesto por May. Todas las partes de piano, bajo y batería, así como los arreglos vocales, fueron ideadas por Mercury diariamente y escritas "en bloques" en una guía telefónica. Durante la grabación, la canción se convirtió en conocida cariñosamente por la banda como "Fred's Thing" y el título solo surgió durante las sesiones finales. Los otros miembros grabaron sus respectivos instrumentos sin tener idea de cómo se utilizarían sus pistas en la mezcla final. La sección operística originalmente estaba destinada a ser sólo un breve interludio de "Galileos" que conectaba las partes de balada y hard rock de la canción. El interludio está lleno de "oscuros personajes clásicos: Scaramouche, un payaso de la Commedia dell'arte ; el astrónomo Galileo; Fígaro, el personaje principal de El barbero de Sevilla y Las bodas de Fígaro de Beaumarchais; y Belcebú, identificado en el Nuevo Testamento cristiano como Satanás, Príncipe de los Demonios, pero en árabe como "El Señor de las Moscas". También en árabe la palabra Bismillah', que es un sustantivo de una frase del Corán; "Bismi-llahi r-rahmani r-rahiim", que significa "En el nombre de Dios, el más clemente, el más misericordioso". A pesar de tener el doble de duración que un sencillo promedio en 1975 y de haber obtenido críticas mixtas inicialmente, la canción se volvió inmensamente popular, encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y es ampliamente considerada como una de las mejores canciones de la historia de la música. Cierran la cara B, y por tanto el álbum, a lo grande, con otra de sus grandes composiciones, God Save the Queen. May grabó esta versión del himno nacional británico, el 27 de octubre de 1974 en los estudios Trident antes de la gira de la banda Sheer Heart Attack. Tocó un piano guía que fue editado más tarde y se agregaron varias capas de guitarras. Una vez completada la canción, era tocada como coda en prácticamente todos los conciertos de Queen. 

Queen había puesto a prueba los límites del hard rock y el heavy metal en Sheer Heart Attack, pero echó abajo todas las puertas en A Night at the Opera, una obra maestra del hard rock conscientemente ridícula y exagerada. Utilizando las guitarras de múltiples capas como base, este fascinante disco abarca múltiples géneros musicales: el metal (Death on Two Legs, Sweet Lady), el pop (la encantadora y brillante You're My Best Friend), el music hall británico camp (Lazing on a Sunday Afternoon, Seaside Rendezvous) y el rock progresivo (39, The Prophet's Song), para finalmente unirlo todo en la maravillosa y deslumbrante Bohemian Rhapsody.