Queen - A day at the races (Mes Queen)

A Day at the Races es a menudo visto injustamente como una copia al carbón del más popular A Night at the Opera. Con el título de una comedia de los hermanos Marx y con una obra de arte similar, con el llamado escudo de Queen pintado según un diseño del propio Freddie Mercury , fue visto como una secuela directa del álbum que encabezó las listas de 1975. Pero tal vez el público también estaba demasiado harto del éxito rotundo de la banda como para preocuparse realmente por las diferencias esta vez. A Day at the Races no se parece más a A Night at the Opera de lo que lo fue a los dos LP anteriores, y honestamente, A Day at the Races en realidad el parecido es incluso menor, es cierto que no fue un giro importante para una nueva dirección, pero recuperó un sentido de exploración que tenían Queen II y Sheer Heart Attack, una sensación de volverse inesperado una vez más después de un ejercicio de pulir cosas que ya se habían dicho, mientras se mantenía en el terreno real del rock progresivo pesado en el que se mantuvieron firmes a mediados de los 70. Ayudo el darse cuenta de que por fin habían encontrado el centro de atención que merecían, con los turbios managers olvidados, QUEEN siguió el camino lógico homenajeando a su obra maestra de 1975, con básicamente la misma portada del álbum, aunque con un fondo negro que sustituye al blanco y una excelente elección de títulos para el álbum. El quinto álbum de QUEEN se convirtió en platino antes de salir a la venta, pero cuando llegó al mercado se disparó al número 1 en varios países como el Reino Unido, Japón y los Países Bajos, además de alcanzar el número 5 en el Billboard 200 de EE. UU., ahora eran superestrellas solo dos años después de estar en skid row y peligrosamente cerca de no tener ningún futuro como banda. En el aspecto comercial continuó con toda la fortuna y fama que “A Night At The Opera” había ganado con este excéntrico cuarteto inglés. Sin embargo, a pesar del intento de crear un enfoque musical similar al incorporar rock pesado con aires blues, pop con piano, valses y temas de music hall victoriano con otros géneros dispares, el álbum tiene un aire completamente diferente. A diferencia del álbum anterior, este también tiene elementos de gospel y jazz, pero tiende a tener menos matices de rock progresivo que estaban más presentes en los primeros cuatro álbumes a pesar de las muchas firmas de tiempo que aparecen, a pesar de eso estamos ante una de las últimas joyas del rock progresivo clásico, era el otoño de la era con la revolución punk a la vuelta de la esquina, King Crimson ya no existía y Genesis nunca volvió a ser la misma después de que Peter Gabriel se fuera. Rainbow con Rising estaba en una posición similar a la producción de Queen, pero también fue un predecesor directo de la nueva era NWOBHM, fue A Day at the Races el último hito del rock progresivo clásico publicado cuando el género todavía estaba en su apogeo.

El álbum comienza con el sonido familiar de Red Special tratado con amplificadores Deacy, excepto que esta vez Queen opta por una especie de melodía oriental de estilo chino, seguida de capas de guitarras que crean una ilusión llamada tono Shepard, un efecto sonoro cuando un tono parece estar siempre en ascenso cuando en realidad permanece estático. Esta nube dorada de sonido líquido resulta ser aún más engañosa cuando te das cuenta de que es solo una introducción a la canción de hard rock más punzante y abrasiva que Queen haya grabado jamás, Tie Your Mother Down, que te perfora los oídos con su tono de guitarra violento y ligeramente agudo. Brian May la escribió en 1968, cuando May estaba trabajando en su doctorado en Astronomía y escribió la canción con una guitarra clásica española mientras estaba de vacaciones en Tenerife, en las Islas Canarias. La canción fue resucitada y se le dio el tratamiento de heavy metal y fue una de las mejores canciones del álbum, lo que la convirtió en la apertura perfecta para GRITAR al mundo que QUEEN estaba de vuelta. En You Take My Breath Away Freddie Mercury experimenta con armonías a capela antes de sumergirse en la balada para piano más sentida que jamás haya escrito, una pieza de una belleza tenue pero inmensa y una emoción indescriptible. Una versión en vivo temprana incluida en la edición de lujo de 2011 realmente mejora la versión de estudio: es precioso escuchar a Freddie acelerar y desacelerar en esta canción, interpretándola con tal nivel de pasión que las versiones de estudio comienzan a parecer demasiado correctas a su lado. La balada pop estridente de Brian May Long Away es el único punto de todo el disco al que se le puede acusar de copiar A Night at the Opera, pero es una canción bien elaborada, dulce, conmovedora, con una melodía inolvidable. La cara A alcanza su clímax con las dos últimas canciones, que son bastante similares en cierto modo, The Millionaire Waltz representa a Freddie Mercury por excelencia , una vertiginosa combinación de vals romántico y heavy metal. Increíblemente alegre como una fiesta de los años 20 en un salón art déco filmada en Technicolor sobreiluminado, trasciende de una balada de piano juguetona a una masa de pesadez con un sentido poco común de precisión compositiva, con un juego de dinámicas antes y entre los crescendos que apenas se iguala en la música rock, You and I escrita por John Deacon, es otra hermosa balada de piano con un puente notablemente poderoso que de repente arrastra la melodía de piano antigua y alegre al terreno del hard rock encantado, pero no tan memorable como su sobresaliente “You're My Best Friend” en “Opera”.

 

El lado B comienza a toda potencia con una de las mejores y más innovadoras canciones del álbum, Somebody to Love, comparada injustamente con Bohemian Rhapsody por tener un coro de 200 piezas con varias pistas, muestra el creciente interés de Freddie Mercury por la música negra que definió en gran medida su desarrollo futuro. Aunque el coro gospel que atrajo la atención principal a la canción es obviamente exclusivo de la versión en estudio, sigo considerando que la versión en vivo es superior. Después de un montón de baladas con piano como protagonista, un cambio repentino es inevitable, White Man abre con un riff de blues sombrío que en realidad es el mismo que la introducción del álbum (y me llevó años reconocer la similitud debido a lo diferente que parece esta vez), seguido de un trueno ensordecedor de heavy metal respaldado por la interpretación vocal áspera y apasionada de Freddie Mercury de lo que posiblemente sea la letra más consciente en la carrera de Queen. La pura fuerza de esta canción la convierte en una declaración poderosa considerando el genocidio de los nativos americanos, y musicalmente demuestra perfectamente que se puede construir una canción de heavy metal incluso sobre una base de blues. Este es uno de los temas más pesados ​​que la banda ha creado, con riffs de guitarra robustos y voces armónicas ásperas y tumultuosas de todos los miembros. 

Good Old-Fashioned Lover Boy es un ejemplo clásico de cómo crear una canción de pop progresivo increíblemente compleja pero muy accesible. Con una duración de menos de 3 minutos, desafía la estructura de verso-estribillo y pasa por un montón de secciones melódicamente muy variadas que cambian cada 30 segundos aproximadamente, lo que la convierte en algo así como "The March of the Black Queen" exprimida en una canción de vodevil de tres minutos de duración. Drowse es la contribución de Roger Taylor al álbum, es una canción de blues rock somnolienta con una melodía agradable y la ligera interpretación de cantautor de Taylor, pero aún más interesante gracias a su trabajo de producción. Teo Torriate (Let Us Cling Together) fue un mensaje de gratitud a los fans japoneses que conocieron a Queen con gran entusiasmo en su primera gira japonesa en 1975, con la letra del estribillo traducida al japonés por un amigo de la banda local. Una de las mejores canciones del álbum yun final apropiado tanto para A Day at the Races como para Queen como solían ser, marcando el final de toda una era de su música y, en cierto modo, cerrando una era de la música británica en general. El regreso al tono ilusorio inicial, añadido al final de "Teo Torriate", simbolizó que no importa cómo cambien las cosas, siempre somos bienvenidos a volver al principio, a revisitar cosas que fueron realmente geniales en el pasado.

 A Day at the Races fue un gran disco sin duda. Mucho más equilibrado que A Night at the Opera, sin canciones más débiles en absoluto, constituye uno de los mejores viajes de álbumes del catálogo de Queen. El cuarto y último de los álbumes verdaderamente brillantes de Queen, es el último vistazo a Queen como la verdadera realeza, llenos de orgullo y gloria, luciendo brillantes coronas de diamantes, incomparables en su propio campo. 

1529 - Bob Marley - One Love

1529 - Bob Marley - One Love

"One Love" es una de las canciones más icónicas y perdurables de Bob Marley, un himno que trasciende generaciones y fronteras. Lanzada originalmente en 1965 con The Wailers y posteriormente reinterpretada en el álbum Exodus (1977), la canción se ha convertido en un símbolo universal de paz, unidad y amor. Con su mensaje sencillo pero profundo, "One Love" encapsula la esencia del reggae y la filosofía de Bob Marley, arraigada en el movimiento rastafari y en la creencia de que la humanidad puede unirse en armonía.

La letra de la canción es un llamado a la reconciliación y a la fraternidad. Frases como "One love, one heart, let's get together and feel all right" resuenan con una energía positiva que invita a superar las diferencias y a encontrar la paz interior y colectiva. Bob Marley no solo habla de amor romántico, sino de un amor más amplio y espiritual, un amor que puede sanar las divisiones sociales, raciales y políticas. En un mundo marcado por conflictos y desigualdades, su mensaje sigue siendo relevante y necesario.

Musicalmente, "One Love" es una obra maestra del reggae. El ritmo relajado pero contagioso, característico del género, se combina con una melodía pegajosa que invita al baile y a la reflexión. La guitarra rítmica, el bajo prominente y los sutiles toques de percusión crean una base sólida para la voz cálida y emotiva de Bob Marley. Su interpretación es sencilla pero poderosa, transmitiendo una sensación de esperanza y optimismo.

La producción de la versión de Exodus, a cargo de Chris Blackwell, añade un brillo adicional a la canción. Los arreglos son más pulidos, con coros que refuerzan el mensaje de unidad y una instrumentación que equilibra lo acústico y lo eléctrico. Esta versión ayudó a consolidar a Bob Marley como una figura global y a llevar el reggae a audiencias internacionales.

El impacto cultural de "One Love" es incalculable. La canción ha sido utilizada en innumerables campañas por la paz y la justicia social, y su estribillo es reconocido en todo el mundo. Además, ha sido versionada por múltiples artistas, lo que demuestra su atemporalidad y su capacidad para inspirar a nuevas generaciones.

"One Love" es mucho más que una canción; es un manifiesto de amor y unidad que refleja el legado de Bob Marley como músico y activista. Su mensaje de esperanza y su ritmo inconfundible la convierten en una obra maestra que sigue resonando en un mundo que, ahora más que nunca, necesita escuchar su llamado a la unión. Bob Marley no solo nos dejó una canción, sino un mantra para vivir en armonía.

Daniel 

Instagram storyboy 

1528.- Exodus - Bob Marley and The Wailers

 

"Exodus" es una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and The Wailers, lanzada en 1977 como parte del álbum del mismo nombre, considerado en su momento por la revista “Time” como uno de los álbumes más influyentes del siglo XX. Buena parte de culpa tuvo la canción titular, y no solo por su ritmo contagioso y su pegadiza melodía, sino también por su profundo mensaje político y espiritual.

Hablamos de una pieza de energizante reggae, fiel a la marca distintiva de Bob Marley, que musicalmente destaca por su prominente ritmo de bajo, su percusión y sus guitarras rítmicas, acompañando la siempre particular y característica voz de Bob Marley, pero lo que la hace brillar especialmente por la profundidad de la letra, una auténtica llamada a la acción y un himno de liberación. 

Bob Marley describe en “Exodus” todo un “éxodo espiritual” del movimiento rastafari, en su lucha contra la opresión y su largo camino hacia la libertad, pero también denuncia y pone de manifiesto otros “éxodos políticos” de pueblos y razas perseguidas y esclavizadas, haciendo aún más amplio y general el mensaje de lucha y liberación de una canción que es sin duda una de las obras maestras del reggae.

Disco de la semana 420: Fragile - Yes

 

Fragile, Yes

     El 12 de noviembre de 1971 la banda inglesa de rock progresivo Yes publica su cuarto álbum de estudio, Fragile. Dicho trabajo es grabado en los estudios Advision del distrito de Fitzrovia en Londres, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero inglés Eddy Offord y del propio grupo, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records. Fragile supuso el primer disco de la banda que grabaría el tecladista Rick Wakeman reemplazando a Tony Kaye. Cuando la banda entra a grabar en el estudio para grabar surge un problema, Tony kaye se niega a grabar tocando teclados electrónicos, lo que provoca su salida del grupo y su rápida sustitución por Rick Wakeman, quien rápidamente deja claras sus habilidades compositivas y su virtuosismo y experiencia con el piano eléctrico, el mellotrón y el sintetizador Moog. Gracias a esto la banda puede ampliar sus prestaciones y sus sonido. Otro problema que el grupo se encuentra es la limitación de presupuesto, por lo que no les queda otra solución que realizar varias composiciones grupales, concretamente cuatro, y las cinco restantes son piezas cortas en solitario de cada miembro de la banda.

Fragile marcará el comienzo de una larga asociación de la banda con el artista inglés Roger Dean, quien diseñaría muchas de las portadas de sus futuros álbumes, su logotipo y escenarios en vivo. En 1971, Dean presentó un portafolio con su trabajo a Phil Carson, quien era por aquel entonces gerente general europeo de Atlantic Records. Carson le comentó que le llamaría para diseñar cuando una de sus bandas necesitara un artista de portada. En esta ocasión resultó ser Yes quien necesitaba una portada. Antes de comenzar con la portada, Dean había ideado una narrativa dsobre un mito, en este caso de la creación sobre una niña que soñó que vivía en un planeta que comenzaba a desintegrarse, por lo que construyeron un "arca espacial" para encontrar otro planeta en el que vivir mientras arrastraban las piezas rotas con ellos. Dean era consciente de que el título del álbum describía "la psique" del grupo en ese momento, lo que influyó en su diseño "muy literal" de un frágil mundo que iba a romperse. La banda quería que apareciera una imagen de una pieza de porcelana fracturada, pero Dean terminó dividiendo el planeta en dos pedazos como un compromiso. El artista produjo tres versiones de la portada con el planeta en verde, rojo y azul, en un intento de "conseguir el aspecto adecuado". Bruford pensaba que Dean había "aprovechado brillantemente esa idea [una de Frágil] hasta la imagen profética del frágil planeta Tierra, con implicaciones de un ecosistema delicado y rompible". El folleto que acompaña al LP contiene dos pinturas adicionales de Dean; La portada muestra a cinco criaturas acurrucadas bajo un batiburrillo de raíces, y la parte trasera representa a una persona trepando por una gran roca. El interior presenta varias fotografías de la banda con una página dedicada a cada miembro, con ilustraciones más pequeñas y fotografías de sus esposas e hijos. La página de Anderson contiene un breve poema, y la de Wakeman incluye una lista de agradecimientos, incluyendo a Mozart, el pub The White Bear en Hounslow y el equipo del fútbol Brentford F.C.

En cuanto a las canciones, el disco comienza con Roundabout, que se acabaría convirtiendo en una canción popular e icónica de la banda. La canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en enero de 1972 con la pista Fragile en la cara B, y llegó a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100 y el número 10 en las listas de sencillos Cash Box Top 100 de dicho país. La canción tuvo origen en marzo de 1971 cuando la banda estaba de gira promocionando su álbum The Yes Album, mientras viajaban de Aberdeen a Glasgow después de dar un concierto en la localidad de Aviemore, Escocia. Durante aquel trayecto encontraron muchas rotondas, según Anderson 40 más o menos, lo que inspiró a él y a Howe a escribir una canción sobre el viaje mientras estaban sentados en la parte trasera de las camioneta en la que viajaban. Anderson afirmaba que aquel día había fumado Cannabis durante el viaje, y que todo sucedió de forma muy mística, "Era un día nublado, no podíamos ver la cima de las montañas, sólo podíamos ver las nubes porque estaba muy empinado", fue cuando se le ocurrió la letra "Las montañas salen del cielo y se paran allí". Así surgiría Roundabout, una historia sobre la vida en el campo con una visión psicodélica y con alusiones a la conducción. Howe afrimaba que originalmente era "una suite instrumental de guitarra... Escribo una especie de canción sin canción. Todos los ingredientes están ahí, lo único que falta es la canción. "Rotonda" era un poco así; Había una estructura, una melodía y unas pocas líneas". La introducción fue creada por dos acordes de piano tocados al revés, y Howe grabó la parte de guitarra acústica en el pasillo del estudio ya que la sala de grabación la hacía "sonar demasiado muerta". El solo de órgano Hammond de Wakeman fue grabado en una sola toma, y le da crédito a Bruford, quien le aconsejó que se contuviera en su actuación durante los repasos de la canción, pero que "fuera a por ello" al grabar. Cans and Brahms es una pieza instrumental, y es la adaptación de Wakeman de un fragmento del tercer movimiento de la Sinfonía n.º 4 en mi menor de Johannes Brahms, con un piano eléctrico utilizado para la sección de cuerdas, un piano de cola para los vientos, un órgano para los metales, un clavicémbalo eléctrico para las cañas y un sintetizador como contrafagot. Wakeman dijo que la pieza tardó aproximadamente 15 horas en crearse en el estudio, y dijo que lo más probable es que fuera Bruford quien inspiró su título al ver a Wakeman tocando cada sección mientras usaba sus auriculares. We Have Heaven fue escrita por Jon Anderson, y la describió como "una idea rodante de voces y cosas". La canción termina con el sonido de una puerta que se cierra, seguido de pasos corriendo, que pasan a la introducción atmosférica de la siguiente pista, South Side of the Sky, Wakeman contribuyó con interludios de piano a la canción y también en la canción Heart of the Sunrise, pero no recibió crédito debido a disputas editoriales con sus contratos. Aunque los ejecutivos de Atlantic Records le prometieron dinero, afirma que nunca lo recibió y evitó hacer un escándalo porque estaba ansioso por ser parte del proyecto del grupo.

Comienza la cara B con Five per Cent for Nothing, compuesta por Bruford. La canción, de apenas 35 segundos de duración, fue su primer intento de composición. El grupo interpretó la canción en vivo en 2014 y 2016 en giras que incluyeron a Fragile en su totalidad. Howe dijo que el secreto para tocarla con éxito era terminar juntos. Durante los ensayos, mantenía un seguimiento cercano del conteo de ritmos y le indicaba al resto de la banda que lo hiciera dejando caer el clavijero de su guitarra. Incluso con eso, se necesitó una práctica considerable para que todos los músicos terminaran con el mismo ritmo. La letra de Long Distance Runaround aborda "la locura de la religión" y cómo a la gente se le "enseña que el cristianismo es el único camino", definiendo aquello como una "doctrina estúpida". La letra de la segunda estrofa se inspiró en los tiroteos de la Universidad Estatal de Kent en 1970 y en la represión del gobierno de Estados Unidos contra los jóvenes por criticar la Guerra de Vietnam. The Fish (Schindleria Praematurus) surgió después después de que Howe tocara una guitarra con un efecto de retardo Echoplex (unidad de efectos de retardo en cinta).   El título surgió una noche, en los estudios Advision, después de que  Anderson llamara a Michael Tait y le pidiera lo siguiente: "Quiero el nombre de un pez prehistórico en ocho sílabas. Llámame dentro de media hora'". Posteriormente, Tait encontró Schindleria praematurus, una especie de pez marino, en una copia del Libro Guinness de los Récords. Mood for a Day fue compuesta por Howe, y fue su segundo solo de guitarra acústica en un álbum de Yes, después de "Clap". Tocaba una guitarra flamenca, pero considera que la versión del álbum es inferior a la que aprendió a tocar en el escenario años después. Cierra el álbum Heart of the Sunrise. Nació como una canción de amor que Anderson escribió para su entonces esposa Jennifer. En esta pista es donde entra en juego la formación clásica de Wakeman; Introdujo a la banda a la recapitulación (una de las secciones de un movimiento escrito en forma sonata), un concepto musical en el que se revisitan segmentos anteriores de una pieza. Bruford la considera como la pieza más importante del grupo en términos de originalidad: "Tenía el drama y el aplomo y el tipo de letras feas y pastorales en inglés al principio, donde la música da paso a una voz ligeramente femenina". Varios segundos después de la canción, se escucha el sonido de una puerta que se abre antes de que se reproduzca una repetición de "We Have Heaven", que actúa como una pista oculta.

Fragile fue el álbum revelación de Yes. Además de marcar un punto de inflexión en su música, los elementos de ciencia ficción y fantasía que habían impulsado las canciones más exitosas de su disco anterior, The Yes Album (1971), resonaron mucho más fuerte aquí, formando el disco perfecto junto con otro elemento imprescindible de este sensacional trabajo: el trabajo de portada del del álbum. La portada diseñada por Roger Dean era en sí misma una creación fascinante que parecía relacionarse con la música y llamó la atención del comprador de una manera como pocos discos lo hicieron desde el apogeo de la era psicodélica.

1527.- Samara - Camaron de la Isla

Castillo de Arena es un álbum de 1977, el último de una serie de nueve discos de colaboración entre el guitarrista flamenco Paco de Lucía y el cantaor Camarón de la Isla. El hermano de Paco de Lucía, Ramón de Algeciras, colabora con la guitarra y las letras fueron escritas por Antonio Sánchez, a excepción de la bulería "Samara". Tras este álbum, de Lucía se dedicó a experimentar colaborando en instrumentales con los guitarristas de jazz Larry Coryell, Al Di Meola y John McLaughlin, y sólo volvió a grabar con Camarón en el disco Como el agua de 1981. La verdad es que cualquiera de los ocho álbumes anteriores también podría figurar en el podio de sus mejores trabajos, pero es probablemente "Castillo de arena" el más sólido de tan magna colección, una inmejorable culminación de su etapa en compañía con Paco de Lucia ysu padre, Antonio Sánchez, como director artistico y principal autor,  Aunque en las bulerias morunas que lo abren, "Bamara", por primera vez Camarón estampa en los crédito su firma, lo grabó recién casado, cuando todo iba de bien en mejor, y quizá por ello des prende tanta luz y vitalidad. Repite la jugada del anterior, "Rosa Maria" (1976), con unos tangos que incluyen estribillo de irresistible pegada: "Y mira que mira y torra", en los que además Pace tocada también el laúd Además: soleás, fandangos, tientos, tarantos y un cierre por seguiriyas de inesperado giro melódico. Sin duda este disco constituye una suerte de síntesis de las innovaciones que hemos podido escuchar hasta ahora, a la vez que anuncia cambios. Nos volvemos a encontrar unas bulerías sin palmas como en el disco de 1971, pero ahora Paco de Lucía se dobla en falsetas y algunas respuestas. Con Ramón de Algeciras de segunda guitarra suenan esporadicamente tres guitarras. En las bulerías 'Como castillo de arena' sorprenden algunos cierres ejecutados fuera de los doce tiempos habituales. Las guitarras parecen dejar que Camarón termine su cante para cerrar, aunque estén demasiado alargadas. Su forma de marcar y aguantar crea cierta tensión; esperamos mentalmente el remate después de ciclos de doce tiempos, y este remate viene justo detrás de esta espera. También en los tientos sorprende el acompañamiento de guitarra con inclinación al ritmo de tangos, y la voz reposada de Camarón. Aquí también hay cierta tensión entre una guitarra que busca la aceleración y una voz que al contrario se recrea. Al final triunfa el ritmo de tango con coros.

La figura femenina que inspira la canción, Samara, se presenta como un amor imposible, inalcanzable, pero a la vez arrollador en su fuerza. Las emociones descritas en la canción van desde la admiración hasta la desesperación, mostrando los altibajos de una pasión que está marcada por el sufrimiento. La voz de Camarón, conocida por su capacidad para transmitir una intensidad emocional única, se vuelve el vehículo perfecto para esta canción. Su interpretación de "Samara" es profundamente conmovedora, y es capaz de transmitir el dolor, la angustia, y la belleza que residen en las palabras. En cada frase, la voz de Camarón es el reflejo de su alma, logrando que cada oyente se sienta conectado con la historia que está contando.

1526.- Give a little bit - Supertramp

 

"Give a Little Bit" es la canción con la que abre el célebre disco de Supertramp “Even in the Quietest Moments (1977). Ese mismo año fue publicada además como single promocional del álbum, convirtiéndose en un gran éxito internacional y alcanzando el puesto nº 15 del Billboard Pop Singles y el nº 29 del UK Singles Chart.

Aunque los créditos de la canción atribuyen su autoría a la dupla formada por Rick Davies y Roger Hodgson, que compartieron créditos desde 1974 a 1983 en el más puro estilo Lennon-McCartney, "Give a Little Bit" es una composición de Roger Hodgson en solitario, que había escrito cuando aún no había cumplido 20 años, inspirándose en el tema “All you need is love” de The Beatles, y que hasta varios años después no se había decidido a mostrársela al resto del grupo para que la grabaran.

Afortunadamente lo hicieron, viendo el enorme potencial de una canción aparentemente sencilla, basada en un ritmo de guitarra acústica de doce cuerdas y una intensa interpretación vocal a cargo del propio Roger Hodgson, que se convertiría en una de las mejores canciones de toda la carrera de Supertramp, gracias a su gancho comercial y de himno pop, así como su ritmo suave y lo pegadizo de sus armonías.

Queen - A Night at the Opera (Mes Queen)

A Night at the Opera, Queen

          Acabado el mes de febrero, el cual dedicamos por entero a Metallica, y comenzado el mes de marzo, toca dar paso a otra banda, otra de esas calificadas como indispensables para la historia de la música. Imaginad que estáis en el teatro, sentaros y poneros cómodos, porque vamos a pasar "Una noche en la ópera", Bienvenidos al mes de Queen y su álbum A Night at the Opera.

A Night at the Opera es grabado entre el 24 de agosto y el mes de noviembre de 1975, excepto la canción "God Sae the Queen", que es grabada el 27 de octubre de 1974, en varios estudios: Trident (Londres), Olympic (Londres), Rockfield (Monmouthshire), Landsdowne (Kensington), Sarm East (Londres), Roundhouse (Camden, Londres) y Scorpio Sound (Camden). Fue producido por Roy Thomas Baker y por el propio grupo, y publicado el 28 de noviembre de 1975. Fue  el cuarto álbum de estudio de la banda, y al parecer, fue el álbum más caro jamás grabado en el momento de su lanzamiento. El álbum, que lleva el nombre de la película homónima de los hermanos Marx, A Night at the Opera se grabó en varios estudios a lo largo de un período de cuatro meses en 1975. Debido a problemas de gestión, el grupo no había recibido casi nada del dinero que habían ganado por sus álbumes anteriores. Posteriormente, terminaron su contrato con Trident Studios y no utilizaron sus estudios para el álbum (la única excepción fue "God Save the Queen", que se había grabado el año anterior). Emplearon una producción compleja que utilizó ampliamente la grabación multipista , y las canciones incorporaron una amplia gama de estilos, como baladas, music hall, canciones marineras, dixieland, hard rock e influencias del rock progresivo. Además de su equipo habitual, Queen también utilizó una amplia gama de instrumentos como un contrabajo, un arpa, un ukelele y algun que otro instrumento más. Tras su lanzamiento se convirtió en el primer álbum número uno de Queen en el Reino Unido, encabezando la lista de álbumes del Reino Unido durante cuatro semanas no consecutivas. Alcanzó el puesto número cuatro en la lista Billboard Top LPs & Tape de Estados Unidos y se convirtió en el primer álbum de la banda con certificación de platino en Estados Unidos. También produjo el sencillo más exitoso de la banda en el Reino Unido, "Bohemian Rhapsody", que se convirtió en su primera canción número uno en el país. A pesar de tener el doble de duración que la duración media de los sencillos durante la década de 1970, la canción se volvió inmensamente popular en todo el mundo. En aquel momento, las críticas de A Night at the Opera fueron positivas, con elogios por su producción y los diversos temas musicales, y el lanzamiento de la banda como superestrellas mundiales.

El álbum anterior de Queen, Sheer Heart Attack (1974), había obtenido éxito comercial y trajo a la banda la atención general, con el sencillo Killer Queen, alcanzando el número dos en la lista de singles del Reino Unido .  A pesar de este éxito, la banda estaba en quiebra en ese momento, en gran parte debido a un contrato que habían firmado que significaba que producirían álbumes para una compañía de producción, que luego vendería el álbum a un sello discográfico.  Esto significó que Queen no vio casi nada del dinero que ganaron, ya que Trident Studios les pagaba la irrisoria cantidad de £ 60 semanales. El guitarrista Brian May vivía en un apartamento en Earls Court, al oeste de Londres, mientras que el líder Freddie Mercury vivía en un apartamento en Kensington que tenía una gran humedad.  El asunto finalmente llegó a un punto de inflexión cuando el bajista John Deacon , que se había casado recientemente, recibió de su manager Norman Sheffield la negativa de adelanto en efectivo de £4000 para pagar el depósito de una casa. Fue la gota que colmó el vaso y Mercury usó la indignación que sentía para escribir la canción Death on Two Legs, que serviría como tema de apertura de A Night at the Opera. La banda, que no estaba muy nada contenta con su situación económica y contractual, en diciembre de 1974, la banda contrató a Jim Beach como su abogado y comenzó a negociar su salida de Trident. Mientras Beach estudiaba los contratos del grupo, el grupo continuó de gira. Después de una disputa de nueve meses, Queen finalmente logró dejar a Trident y firmó directamente con EMI Records en el Reino Unido y Elektra Records en Estados Unidos y Canadá. Además consiguieron recuperar el control de su catálogo anterior, mientras que su antigua compañía editorial, Feldman, fue absorbida por EMI. Debido a que Trident había invertido más de £ 200,000 en la promoción de Queen, el grupo tuvo que pagar la mitad de eso para rescindir sus contratos, y tuvieron que darle a Trident el 1% de regalías de sus próximos seis álbumes. Además, una gira por América programada para septiembre de 1975 tuvo que ser cancelada, ya que había sido organizada por Jack Nelson, quien estaba asociado con Trident, a pesar de que ya se habían reservado los lugares y vendido las entradas. Esta gira era necesaria para recuperar fondos, y su cancelación fue un gran revés para una banda que parecía tener imán para los problemas. 

La situación de la banda es muy delicada, y con los fondos agotándose, comenzó a buscar un nuevo representante. Tres nombres fueron preseleccionados: Peter Rudge, Peter Grant, que era entonces el representante de Led Zeppelin , y John Reid, que era el representante de Elton John en ese momento. Rudge estaba de gira con los Rolling Stones y no pudieron ser localizados, por lo que contactaron con Grant. Grant, que estaba ansioso por ser el representante de Queen, tenía la intención de que la banda firmara con Swan Song, el sello de Led Zeppelin, y sugirió que Queen saliera de gira mientras él arreglaba sus finanzas. El grupo temía que Grant priorizara a Led Zeppelin sobre ellos, y se mostraron reacios a firmar con Swan Song, por lo que finalmente se pusieron en contacto con Reid. Reid inicialmente tenía dudas sobre representar a otra banda, hasta que se enteró que la banda que buscaba representante era Queen. El representante aceptó y lo primero que aconsejó al grupo fue que entraran e el estudio e hcieiran el mejor álbum que pudieran.

En este convulso contexto nace uno de los mejores álbumes de la banda. El grupo trabajó con el productor Roy Thomas Baker, que también se había separado de Trident, y con el ingeniero Mike Stone. Gary Langan, que entonces tenía 19 años y que había sido operador de cinta en dos de las canciones de su disco anterior, Sheer Heart Attack, fue ascendido a ingeniero asistente en este álbum. Se filtró que fue el álbum más caro jamás realizado en ese momento, con un costo estimado en aquel momento de £ 40,000. Fue grabado en siete estudios diferentes durante un período de cuatro meses. Queen pasó un mes durante el verano de 1975 ensayando en un granero que se acabó convirtiendo en un estudio, Ridge Farm Studio, en Surrey (Inglaterrra). Luego, el grupo estuvo escribiendo y ensayando durante tres semanas en una casa alquilada cerca de Kington, Herefordshire, antes de comenzar la grabación. Luego llegaría la ajetreada tarea de grabar el material en s diferentes estudios utilizados. La única canción del álbum grabada en los estudios Trident fue God Save the Queen, que se había grabado el 27 de octubre del año anterior.

 La grabación dl disco fue muy compleja, el grupo necesitaba una grabadora multipistas para sus complejas armonías vocales que típicamente consistían en May cantando registros más bajos, Mercury cantando registros medios y Taylor interpretando las partes más altas. A diferencia de sus primeros tres álbumes, que habían usado cintas de 16 pistas, A Night at the Opera se grabó usando cintas de 24 pistas. El punto culminante de esas armonía vocales es la canción Bohemian Rhapsody, que presenta una elaborada secuencia de ópera dominada por voces multipistas. También The Prophet's Song tiene una sección intermedia a capela que utiliza delay (efecto de sonido que se utiliza en la producción musical para crear una repetición de la señal original, generando un eco o una repetición de sonido) en la voz de Mercury. Para las orquestaciones de guitarra, May sobregrabó su guitarra casera Red Special a través de un amplificador construido por Deacon, conocido como Deacy Amp, luego lanzado comercialmente como el amplificador "Brian May" por Vox. Además de su equipo habitual, el grupo utilizó varios instrumentos en el álbum. Mercury utilizó un piano de cola para la mayoría de las canciones, Taylor utilizó un timbales y un gong en Bohemian Rhapsody, Deacon tocó el contrabajo en 39  y el piano eléctrico Wurlitzer You're My Best Friend. May tocó una serie de instrumentos que no se encuentran típicamente en las canciones de Queen. Tocó una guitarra acústica en Love of My Life y 39, así como un arpa en Love of My Life, y un koto de juguete (instrumento japonés) en The Prophet's Song. En ood Company May recreó una banda de jazz Dixieland (estilo de jazz desarrollado en Nueva Orleans) con su guitarra su Red Special. En sus dos primeros álbumes, gran parte de las composiciones de Queen combinaban rock progresivo contemporáneo y heavy metal, lo que dio lugar a que la describieran como una mezcla entre Led Zeppelin y Yes . A partir de su álbum Sheer Heart Attack, el grupo comenzó a inspirarse en su vida cotidiana y adoptó estilos musicales más convencionales,  una tendencia que en A Night at the Opera continuaría. Los temas líricos iban desde la ciencia ficción y la fantasía hasta el desamor y el romance, a menudo con un sentido del humor irónico.

Comienza el álbum con Death on Two Legs, considerada como la carta de odio de Mercury al primer manager del grupo, Norman Sheffield , quien durante algunos años tuvo fama de haber maltratado a la banda y abusado de su papel como manager de 1972 a 1975. Aunque la canción nunca hace referencia directa a él, después de escuchar una reproducción de la canción en los Trident Studios en la época del lanzamiento del álbum, Sheffield demandó a la banda y al sello discográfico por difamación, lo que resultó en un acuerdo extrajudicial, pero también confirmó su conexión con la canción. Los ejecutivos de EMI no estaban seguros de que la canción fuera una buena idea, May no estaba segura de la letra y se sintió mal de que Mercury la cantara, pero finalmente se dio cuenta de que era la elección final del compositor en cuanto a lo que debía cantarse. La mayoría de las partes de guitarra de esta canción fueron tocadas inicialmente por Mercury en el piano, para demostrarle a May que debían ser tocadas en la guitarra. En Lazing on a Sunday Afternoon Mercury tocó el piano e interpretó todas las voces. La voz principal se cantó en el estudio y se reprodujo a través de auriculares en un cubo de hojalata en otra parte del estudio. Un micrófono captó el sonido del cubo, lo que le da un sonido hueco de "megáfono". Al parecer, el solo de guitarra se grabó en la pista vocal, ya que no había más pistas para grabar. I', in Love with My Car fue escrita y cantada por Taylor. La ​​canción fue inicialmente tomada como una broma por May, quien pensó que Taylor no hablaba en serio cuando escuchó una grabación demo. Taylor tocó las guitarras en la demostración original, pero luego fueron regrabadas por May. La voz principal fue interpretada por Taylor en la versión de estudio y en todas las versiones en vivo lanzadas. Los sonidos de aceleración al final de la canción fueron grabados por el automóvil actual de Taylor en ese momento, un Alfa Romeo. La ​​letra se inspiró en uno de los roadies de la banda, Johnathan Harris, cuyo coche, un Triumph TR4, era evidentemente el amor de su vida. La canción está dedicada a él, y el álbum dice: "Dedicado a Johnathan Harris, corredor de carreras hasta el final". You're My Best Friend fue la segunda canción y el primer sencillo de Queen escrito por John Deacon. La compuso mientras estaba aprendiendo a tocar el piano, y tocó el piano eléctrico Wurlitzer en la grabación y luego sobregrabó el bajo. La canción fue escrita para su esposa, Veronica. Fue lanzada como el segundo sencillo del álbum después de Bohemian Rhapsody y también fue un éxito top 10 en el Reino Unido, alcanzando el número 7. 39 fue el intento de May de hacer una "canción pirata para enamorados". Narra la historia de un grupo de exploradores espaciales que se embarcan en lo que, desde su perspectiva, es un viaje de un año. Sin embargo, a su regreso, se dan cuenta de que han pasado cien años, debido al efecto de dilatación del tiempo en la teoría de la relatividad de Einstein, y los seres queridos que dejaron atrás ahora están todos muertos o ancianos. May canta la canción en el álbum, con coros de Mercury y Taylor. Tras el vertiginoso rock escrito por May de Sweet Lady, nos encontramos con la canción que cierra la cara A, Seaside Rendezvous, escrita por Mercury. La canción tiene una sección de puente instrumental simulada que comienza alrededor de 0:51 en la canción. La sección es interpretada íntegramente por Mercury y Taylor usando solo sus voces. Mercury imita instrumentos de viento de madera, incluido un clarinete, y Taylor principalmente instrumentos de viento de metal, incluidas tubas y trompetas, e incluso un kazoo (instrumento musical que añade una cualidad tímbrica de "zumbido" a la voz del intérprete). La parte de "claqué" fue interpretada por Mercury y Taylor en la mesa de mezclas con dedales en sus dedos, y Mercury también tocó el piano de cola.

Abre la cara B The Prophet's Song, compuesta por May, que explicó que escribió la canción después de un sueño que había tenido sobre el Gran Diluvio y sus temores sobre la raza humana y su falta general de empatía.  Pasó varios días ensamblando la canción, e incluye un canon vocal cantado por Mercury. El canon vocal, y más tarde instrumental, fue producido por los primeros dispositivos de retardo de cinta . Con más de ocho minutos de duración, también es la canción de estudio más larga del grupo. El efecto de aceleración que ocurre en medio del solo de guitarra se logró al encender un reproductor de carrete a carrete con la cinta encendida, ya que el reproductor de cinta original estaba detenido. Love of My Life es una de las canciones de la banda más versionadas. Mercury tocó el piano (incluido un solo clásico) y cantó todas las voces, incluidas las armonías multipistas. May tocó el arpa, una guitarra acústica Gibson Hummingbird que había comprado en Japón y su Red Special. May finalmente arregló la canción para que pudiera ser tocada en una guitarra acústica de 12 cuerdas para presentaciones en vivo. Good Company fue escrita y cantada por May, quien canta todas las voces y toca el ukelele. La grabación presenta una recreación de una banda de jazz de estilo Dixieland utilizando la guitarra Red Special y el amplificador Deacy de May. El guitarrista compuso la canción en un ukelele-banjo de su padre, pero la grabó con un ukelele normal. Mercury no participó en la grabación de la canción, lo que la convierte en una de las pocas canciones de Queen que no presenta a su cantante principal. Bohemian Rhapsody es una de sus grandes obras maestras. Fue escrita por Mercury y el primer solo de guitarra fue compuesto por May. Todas las partes de piano, bajo y batería, así como los arreglos vocales, fueron ideadas por Mercury diariamente y escritas "en bloques" en una guía telefónica. Durante la grabación, la canción se convirtió en conocida cariñosamente por la banda como "Fred's Thing" y el título solo surgió durante las sesiones finales. Los otros miembros grabaron sus respectivos instrumentos sin tener idea de cómo se utilizarían sus pistas en la mezcla final. La sección operística originalmente estaba destinada a ser sólo un breve interludio de "Galileos" que conectaba las partes de balada y hard rock de la canción. El interludio está lleno de "oscuros personajes clásicos: Scaramouche, un payaso de la Commedia dell'arte ; el astrónomo Galileo; Fígaro, el personaje principal de El barbero de Sevilla y Las bodas de Fígaro de Beaumarchais; y Belcebú, identificado en el Nuevo Testamento cristiano como Satanás, Príncipe de los Demonios, pero en árabe como "El Señor de las Moscas". También en árabe la palabra Bismillah', que es un sustantivo de una frase del Corán; "Bismi-llahi r-rahmani r-rahiim", que significa "En el nombre de Dios, el más clemente, el más misericordioso". A pesar de tener el doble de duración que un sencillo promedio en 1975 y de haber obtenido críticas mixtas inicialmente, la canción se volvió inmensamente popular, encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y es ampliamente considerada como una de las mejores canciones de la historia de la música. Cierran la cara B, y por tanto el álbum, a lo grande, con otra de sus grandes composiciones, God Save the Queen. May grabó esta versión del himno nacional británico, el 27 de octubre de 1974 en los estudios Trident antes de la gira de la banda Sheer Heart Attack. Tocó un piano guía que fue editado más tarde y se agregaron varias capas de guitarras. Una vez completada la canción, era tocada como coda en prácticamente todos los conciertos de Queen. 

Queen había puesto a prueba los límites del hard rock y el heavy metal en Sheer Heart Attack, pero echó abajo todas las puertas en A Night at the Opera, una obra maestra del hard rock conscientemente ridícula y exagerada. Utilizando las guitarras de múltiples capas como base, este fascinante disco abarca múltiples géneros musicales: el metal (Death on Two Legs, Sweet Lady), el pop (la encantadora y brillante You're My Best Friend), el music hall británico camp (Lazing on a Sunday Afternoon, Seaside Rendezvous) y el rock progresivo (39, The Prophet's Song), para finalmente unirlo todo en la maravillosa y deslumbrante Bohemian Rhapsody. 

1525.- Peaches - The Stranglers

 

"Peaches" es el segundo sencillo de The Stranglers, extraído de su álbum debut "Rattus Norvegicus" de 1977. La canción se hizo notablemente popular por su distintiva línea de bajo y sus explícitas letras de contenido sexual, en una parodia provocadoramente machista en la que un narrador observa a las chicas en la playa, y va haciendo comentarios que podrían interpretarse como un monólogo interior, ir dirigidos a un posible acompañante, o incluso ser frases de ligue dirigidas a las atractivas mujeres que va viendo en la playa.

Pese a su controvertida letra, la canción salió publicada como single, compartiendo el rol de “doble cara A” con el tema “Go Buddy Go”, que fue el que sonó inicialmente en las radios y en el “Top of the Pops", ya que cuando los responsables de la BBC escucharon la letra, "Peaches" fue inmediatamente censurada. Por este motivo, se grabó una nueva versión de la canción con letras menos explícitas. Con el impulso de una “Peaches” más rebajada, el single alcanzó el número 8 en la lista de sencillos del Reino Unido.

La popularidad de “Peaches”, considerada por la revista Guitar World como la cuarta mejor línea de bajo de todos los tiempos, la ha llevado a aparecer en películas como "Sexy Beast" (2000), “Killer Elite” (2011) o “Metroland” (1997), en esta última en una versión instrumental. La canción también aparece en la banda sonora del videojuego "Driver: Parallel Lines" (2006) y fue utilizada en 2002 por Adidas en anuncios publicitarios en los Países Bajos.

1524.- Police and Thieves - The Clash

 

"Police & Thieves" fue originalmente grabada por el músico jamaicano Junior Murvin en 1976, la canción fue coescrita y producida por el legendario Lee "Scratch" Perry. La versión de Junior Murvin fue bastante popular en el Reino Unido, superando incluso el éxito cosechado en Jamaica, y se convirtió en un clásico del reggae jamaicano.

La versión de The Clash, lanzada en su álbum debut de 1977, es un ejemplo temprano y notable del gusto de las bandas punk rock de los setenta por fusionar su estilo con sonidos y ritmos del reggae. Aunque inicialmente no estaba planeada para ser incluida en el álbum, la banda decidió incorporarla para alargar su duración, y alargar su interpretación hasta convertirla en una pieza de seis minutos, algo nada habitual en el punk.

En contraste con el ritmo suave y relajado de la versión original, el "Police & Thieves" de The Clash es una versión mucho más enérgica y punk, que provocó el rechazo de Junior Murvin, que consideró que The Clash habían destruido el trabajo del tema original. Lee Perry también compartió esta opinión inicialmente, aunque más tarde colaboró con la banda. A pesar de estas críticas, la versión de The Clash tuvo un impacto significativo en la música y la cultura del momento, e inspiró a Bob Marley a componer "Punky Reggae Party", que habla de la conexión ideológica entre el punk y la cultura rastafari.