Disco de la semana 420: Fragile - Yes

 

Fragile, Yes

     El 12 de noviembre de 1971 la banda inglesa de rock progresivo Yes publica su cuarto álbum de estudio, Fragile. Dicho trabajo es grabado en los estudios Advision del distrito de Fitzrovia en Londres, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero inglés Eddy Offord y del propio grupo, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records. Fragile supuso el primer disco de la banda que grabaría el tecladista Rick Wakeman reemplazando a Tony Kaye. Cuando la banda entra a grabar en el estudio para grabar surge un problema, Tony kaye se niega a grabar tocando teclados electrónicos, lo que provoca su salida del grupo y su rápida sustitución por Rick Wakeman, quien rápidamente deja claras sus habilidades compositivas y su virtuosismo y experiencia con el piano eléctrico, el mellotrón y el sintetizador Moog. Gracias a esto la banda puede ampliar sus prestaciones y sus sonido. Otro problema que el grupo se encuentra es la limitación de presupuesto, por lo que no les queda otra solución que realizar varias composiciones grupales, concretamente cuatro, y las cinco restantes son piezas cortas en solitario de cada miembro de la banda.

Fragile marcará el comienzo de una larga asociación de la banda con el artista inglés Roger Dean, quien diseñaría muchas de las portadas de sus futuros álbumes, su logotipo y escenarios en vivo. En 1971, Dean presentó un portafolio con su trabajo a Phil Carson, quien era por aquel entonces gerente general europeo de Atlantic Records. Carson le comentó que le llamaría para diseñar cuando una de sus bandas necesitara un artista de portada. En esta ocasión resultó ser Yes quien necesitaba una portada. Antes de comenzar con la portada, Dean había ideado una narrativa dsobre un mito, en este caso de la creación sobre una niña que soñó que vivía en un planeta que comenzaba a desintegrarse, por lo que construyeron un "arca espacial" para encontrar otro planeta en el que vivir mientras arrastraban las piezas rotas con ellos. Dean era consciente de que el título del álbum describía "la psique" del grupo en ese momento, lo que influyó en su diseño "muy literal" de un frágil mundo que iba a romperse. La banda quería que apareciera una imagen de una pieza de porcelana fracturada, pero Dean terminó dividiendo el planeta en dos pedazos como un compromiso. El artista produjo tres versiones de la portada con el planeta en verde, rojo y azul, en un intento de "conseguir el aspecto adecuado". Bruford pensaba que Dean había "aprovechado brillantemente esa idea [una de Frágil] hasta la imagen profética del frágil planeta Tierra, con implicaciones de un ecosistema delicado y rompible". El folleto que acompaña al LP contiene dos pinturas adicionales de Dean; La portada muestra a cinco criaturas acurrucadas bajo un batiburrillo de raíces, y la parte trasera representa a una persona trepando por una gran roca. El interior presenta varias fotografías de la banda con una página dedicada a cada miembro, con ilustraciones más pequeñas y fotografías de sus esposas e hijos. La página de Anderson contiene un breve poema, y la de Wakeman incluye una lista de agradecimientos, incluyendo a Mozart, el pub The White Bear en Hounslow y el equipo del fútbol Brentford F.C.

En cuanto a las canciones, el disco comienza con Roundabout, que se acabaría convirtiendo en una canción popular e icónica de la banda. La canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en enero de 1972 con la pista Fragile en la cara B, y llegó a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100 y el número 10 en las listas de sencillos Cash Box Top 100 de dicho país. La canción tuvo origen en marzo de 1971 cuando la banda estaba de gira promocionando su álbum The Yes Album, mientras viajaban de Aberdeen a Glasgow después de dar un concierto en la localidad de Aviemore, Escocia. Durante aquel trayecto encontraron muchas rotondas, según Anderson 40 más o menos, lo que inspiró a él y a Howe a escribir una canción sobre el viaje mientras estaban sentados en la parte trasera de las camioneta en la que viajaban. Anderson afirmaba que aquel día había fumado Cannabis durante el viaje, y que todo sucedió de forma muy mística, "Era un día nublado, no podíamos ver la cima de las montañas, sólo podíamos ver las nubes porque estaba muy empinado", fue cuando se le ocurrió la letra "Las montañas salen del cielo y se paran allí". Así surgiría Roundabout, una historia sobre la vida en el campo con una visión psicodélica y con alusiones a la conducción. Howe afrimaba que originalmente era "una suite instrumental de guitarra... Escribo una especie de canción sin canción. Todos los ingredientes están ahí, lo único que falta es la canción. "Rotonda" era un poco así; Había una estructura, una melodía y unas pocas líneas". La introducción fue creada por dos acordes de piano tocados al revés, y Howe grabó la parte de guitarra acústica en el pasillo del estudio ya que la sala de grabación la hacía "sonar demasiado muerta". El solo de órgano Hammond de Wakeman fue grabado en una sola toma, y le da crédito a Bruford, quien le aconsejó que se contuviera en su actuación durante los repasos de la canción, pero que "fuera a por ello" al grabar. Cans and Brahms es una pieza instrumental, y es la adaptación de Wakeman de un fragmento del tercer movimiento de la Sinfonía n.º 4 en mi menor de Johannes Brahms, con un piano eléctrico utilizado para la sección de cuerdas, un piano de cola para los vientos, un órgano para los metales, un clavicémbalo eléctrico para las cañas y un sintetizador como contrafagot. Wakeman dijo que la pieza tardó aproximadamente 15 horas en crearse en el estudio, y dijo que lo más probable es que fuera Bruford quien inspiró su título al ver a Wakeman tocando cada sección mientras usaba sus auriculares. We Have Heaven fue escrita por Jon Anderson, y la describió como "una idea rodante de voces y cosas". La canción termina con el sonido de una puerta que se cierra, seguido de pasos corriendo, que pasan a la introducción atmosférica de la siguiente pista, South Side of the Sky, Wakeman contribuyó con interludios de piano a la canción y también en la canción Heart of the Sunrise, pero no recibió crédito debido a disputas editoriales con sus contratos. Aunque los ejecutivos de Atlantic Records le prometieron dinero, afirma que nunca lo recibió y evitó hacer un escándalo porque estaba ansioso por ser parte del proyecto del grupo.

Comienza la cara B con Five per Cent for Nothing, compuesta por Bruford. La canción, de apenas 35 segundos de duración, fue su primer intento de composición. El grupo interpretó la canción en vivo en 2014 y 2016 en giras que incluyeron a Fragile en su totalidad. Howe dijo que el secreto para tocarla con éxito era terminar juntos. Durante los ensayos, mantenía un seguimiento cercano del conteo de ritmos y le indicaba al resto de la banda que lo hiciera dejando caer el clavijero de su guitarra. Incluso con eso, se necesitó una práctica considerable para que todos los músicos terminaran con el mismo ritmo. La letra de Long Distance Runaround aborda "la locura de la religión" y cómo a la gente se le "enseña que el cristianismo es el único camino", definiendo aquello como una "doctrina estúpida". La letra de la segunda estrofa se inspiró en los tiroteos de la Universidad Estatal de Kent en 1970 y en la represión del gobierno de Estados Unidos contra los jóvenes por criticar la Guerra de Vietnam. The Fish (Schindleria Praematurus) surgió después después de que Howe tocara una guitarra con un efecto de retardo Echoplex (unidad de efectos de retardo en cinta).   El título surgió una noche, en los estudios Advision, después de que  Anderson llamara a Michael Tait y le pidiera lo siguiente: "Quiero el nombre de un pez prehistórico en ocho sílabas. Llámame dentro de media hora'". Posteriormente, Tait encontró Schindleria praematurus, una especie de pez marino, en una copia del Libro Guinness de los Récords. Mood for a Day fue compuesta por Howe, y fue su segundo solo de guitarra acústica en un álbum de Yes, después de "Clap". Tocaba una guitarra flamenca, pero considera que la versión del álbum es inferior a la que aprendió a tocar en el escenario años después. Cierra el álbum Heart of the Sunrise. Nació como una canción de amor que Anderson escribió para su entonces esposa Jennifer. En esta pista es donde entra en juego la formación clásica de Wakeman; Introdujo a la banda a la recapitulación (una de las secciones de un movimiento escrito en forma sonata), un concepto musical en el que se revisitan segmentos anteriores de una pieza. Bruford la considera como la pieza más importante del grupo en términos de originalidad: "Tenía el drama y el aplomo y el tipo de letras feas y pastorales en inglés al principio, donde la música da paso a una voz ligeramente femenina". Varios segundos después de la canción, se escucha el sonido de una puerta que se abre antes de que se reproduzca una repetición de "We Have Heaven", que actúa como una pista oculta.

Fragile fue el álbum revelación de Yes. Además de marcar un punto de inflexión en su música, los elementos de ciencia ficción y fantasía que habían impulsado las canciones más exitosas de su disco anterior, The Yes Album (1971), resonaron mucho más fuerte aquí, formando el disco perfecto junto con otro elemento imprescindible de este sensacional trabajo: el trabajo de portada del del álbum. La portada diseñada por Roger Dean era en sí misma una creación fascinante que parecía relacionarse con la música y llamó la atención del comprador de una manera como pocos discos lo hicieron desde el apogeo de la era psicodélica.

Disco de la semana 419: Red - Kim Crimson

Red, Kim Crimson

     Red es el séptimo álbum de estudio dela banda inglesa de rock progresivo King Crimson. Fue grabado entre el 30 de junio y el 8 de julio y agsto de 1974 en los Olympic Studios de Londres. Contó con la producción del propio grupo y fue publicado por el sello Island Recods para Reino Unido y por el sello Atalntic Records para EstadosUnidos y Japón.

El grupo ya venía teniendo problemas internos, y el detonante para la separación del grupo pudo ser, aparentemente, cuando el componente David Cross se alejó durate la realización del álbum, lo que derivó en su despido. Aproximadamente dos semanas antes del lanzamiento de Red, King Crimson se disolvió. Su posicionamiento comercial fue el más bajo en las listas en ese momento, pasando solo una semana en la lista de álbumes del Reino Unido en el puesto 45, llegando únicamente a alcanzar el puesto 66 en la lista estadounidense Billboard 200 de EE. UU. Sin embargo, fue bien recibido entre los fanáticos y los críticos, llegando a ser reconocido como uno de los mejores trabajos de la banda y ha sido reeditado muchas veces.

Estamos ante un álbum de rock progresivo con un sonido notablemente más pesado que sus álbumes anteriores-. El sonido denso del álbum se creó mediante el uso de capas significativas, múltiples sobregrabaciones de guitarra y apariciones clave de músicos como el miembro fundador de King Crimson, Ian McDonald, el oboísta clásico Robin Miller y el trompetista de jazz inglés Marc Charig.

Entramos en materia y nos enocntramos con la canción de apertura, Red, que fue escrita originalmente para su álbum anterior, Starless and Bible Black (1974), pero se consideró demasiado primitivo para ser lanzado en ese momento. Fue compuesto únicamente por Fripp. En un diario en línea de 2012, Fripp escribió en un diario en línea que con lo que tenía no daba por sí mismo para una pieza completa. Sobre lo que tenía, Fripp recordó: "La reproducimos y Bill dijo: 'No la entiendo, pero si me dices que es buena, confío en ti'. ... Dije: 'No tenemos que usarla'. John no tenía ninguna duda: "Lo usaremos".  Una variación no utilizada de la sección central de la canción surgiría más tarde en los ensayos de Three of a Perfect Pair (1984), como se recopiló más tarde en Rehearsals & Blows (2016), y finalmente vio la luz como parte de "VROOOM VROOOM" en THRAK (1995). La siguiente pista es Fallen Angel. Los motivos que finalmente se usarían para la canción fueron interpretados por primera vez por Fripp en 1972 como parte de las improvisaciones realizadas con la formación de quinteto que grabó Larks' Tongues in Aspic 8 (1973) ; estas improvisaciones están documentadas como "Fallen Angel" y "Fallen Angel Hullabaloo" en la caja recopilatoria Larks' Tongues in Aspic: The Complete Recordings (2012) y en lanzamientos independientes de sus respectivos conciertos. La canción también usó el estribillo de una balada inédita de Wetton, "Woman", como pasaje instrumental. Wetton luego lanzó la canción completa en su primer álbum en solitario, Caught in the Crossfire en 1980. Cierra la cara A One More Red Nightmare. Su distintiva introducción fue utilizada por Wetton y Fripp en varias improvisaciones a lo largo de 1974, que se pueden escuchar en los box sets Starless (2014) y The Road to Red (2013).

Abre la cara B Providence, que fue fue editada a partir de una improvisación grabada por la formación anterior de la banda, con el violinista y tecladista David Cross además de Fripp, Wetton y Bruford, en una actuación en vivo en Providence, Rhode Island; Cross había sido despedido de la banda cuando comenzaron las sesiones del álbum. Starless es el último tema de la cara y del álbum. Fue escrita originalmente por Wetton, con la intención de que fuera la canción principal de su sexto álbum de estudio Starless and Bible Black (1974) . En ese momento, la pieza consistía solo en la sección vocal de la canción, y Wetton afirma que tuvo una "recepción fría" por parte de de Fripp y Bruford. Fripp luego escribió un tema introductorio interpretado en violín por Cross, y se agregaron dos secciones adicionales después de las contribuciones de Wetton, una de las cuales fue aportada por Bruford. La sección final repite varios temas escuchados anteriormente en la canción y reutiliza una parte de bajo escrita originalmente para la pista "Fracture" de Starless and Bible Black. La letr fue coescrita por Wetton y el letrista Richard Palmer-James. La canción iba a llamarse "Starless and Bible Black", pero como ya había sido utilizado en el álbum anterior, el título de la canción se acortó a "Starless". 

Red está considerado como unaobra fundamental dentro del género del rock progresivo, por su complejidad técnica, por sus innovadoras estructuras musicales, y por su marcado tono oscuro y pesado. Quizás no tenga la misma popularidad que otras obras del género rock progresivo, pero sin duda es un álbum a tener muy en cuenta.

El disco de la semana 325: Renaissance - Polyphia

Renaissance, Polyphia

     El Virtuosismo viene definido como una gran habilidad para hacer una cosa, especialmente para tocar un instrumento musical o para desarrollar el arte. Comenzamos con esta definición porque es la mejor manera de presentar el grupo de esta semana, cuatro virtuosos músicos que componen Polyphia, una banda instrumental fundada en la localidad de Plano, Texas, Estados Unidos, en el año 2010. La banda está conformada en la actualidad por los guitarristas Tim Henson y Scott LePage, el bajista Clay Gober y el baterista Clay Aeschliman.

Polyphia es una banda que ha evolucionado a partir de innumerables estilos musicales, si bien su sonido se basa principalmente en el rock instrumental, rock progresivo y rock matemático. Éste último, el llamado math rock o rock matemático fue un estilo de rock progresivo que surgió a finales de la década de los 80, principalmente en Estados Unidos y Japón. Dicho estilo se caracteriza por la complejidad de sus ritmos y la extraña composición de sus estructuras, siendo unos de sus grandes referentes bandas como King Crimson o Rush. 

El nombre de la banda, según ellos, mismos proviene de la palabra "Polyphony", que significa "música cuya textura se define por el entrecruzamiento de varias línas melódias". Jugando con esta definición, la banda aporta aporta el virtuosismo musical que cada uno atesora para entremezclar y transmitir un sonido con un gran potencial. Dicho sonido destaca por incorporar partes virtuosas de guitarra con otros estilos de música. Es cierto, que en sus comienzos, la banda se basó en un sonido orienado hacia el metal, para ir evolucionando hacia un sonido más progresivo, combinando, con el tiempo, otros estilos tan dispares como la música electrónica o el hip hop.  

El grupo ya tiene en su haber cuatro discos de estudio, dos EP y numerosos sencillos, y su fama y reputación ha ido creciendo de forma continuada y solida, hasta llegar a alcanzar con su cuarto álbum de estudio, Remember Taht You Die, publicado en 2022, el puesto número 33 en las listas estadounidenses Billboard 200, siendo ademas el  primer disco de la banda en conseguir colarse en dichas listas. Su primer éxito comercial fue al poco de formarse y llegó de la mano del tema Impassion, incluido en su EP Inspire, el cual se haría viral en el famoso canal de Internet Youtube. 

La recomendación para esta semana es su segundo álbum de estudio, Renaissance, publicado el 11 de marzo de 2016 bajo el sello discográfico Equal vision. Es precisamente en este disco donde la la banda comienza a alejarse del sonido metal para abrazar el rock progresivo y el math rock, comenzando también a jugar y mezclar otros elementos musicales como la música electrónica, jazz, funk, metal y hip hop entre otros. en Renaissance vamos a encontrar muchas partes melódicas con auténticas virguerías instrumentales y partes de música electrónica my bien integrada. Todo encaja desde el principio hasta el final con variedad de sonidos diferentes, pero todos bien conectados los unos con los otros. Estamos, para mí, ante uno de esos grandes discos de la música instrumental moderna, donde no sólo destaca el virtuosismo individual de la banda, sino la conexión y compenetración de todos para regalarnos una experiencia musical de grandes kilates. Vamos a encontrar grande temas como Culture Shock, donde las guitarras y la percusión nos atraen y nos va avanzando de lo que esta por llegar; Florence, con su juguetona y optimista melodía con toques funky; Paradise, que muestra la gran destreza técnica de la banda al unísono, y Euphoria y Light, que son, en mi opinión, dos de los mejores temas que la banda ha hecho hasta el momento. Renaissance es, en definitiva, una auténtica experiencia auditiva y sensorial, no sólo para los oídos, también para todos los sentidos.

El disco de la semana 209: Camel - Mirage

 

Mirage, Camel

     Para hablar de nuestra siguiente recomendación semanal pemitirme que primero me detenga en la llamada "Escena de Canterbury", también conocida como "Sonido de Canterbury", imprescindible para entender a uno de sus mayores precursores. Así se llama al grupo de músicos o bandas cuyo auge se sitúa a finales de los años 60 y principios de los 70, y que fue formado en torno a la ciudad de Canterbury. El denominador común fue la forma de entender la música, una magnífica mezcla de rock y jazz con tintes y aderezos de música psicodélica. 

Corría el año 1960, y un joven chico australiano llamado Daevid Allen se hospeda en la casa de huéspedes propiedad de los padres de Robert Wyatt, situada en la localidad de Lydden, a unos 16 km de Canterbury. Allen traía consigo una buena colección de discos de jazz, los cuales le influencian como músico. Allen y Wyatt hacen amistad, y en 1963, junto a Hugh Hopper fundan Daevid Allen Trío, que posteriormente pasaría a llamarse Wilde Flowers. Sería esa formación, Wilde Flowers, el caldo de cultivo que da orígen a todo el movimiento, pues en ella se encontraban los músicos que acabarían formando Soft Machine y Caravan, las cuales a su vez fueron las inspiradoras y precursoras de todas las bandas posteriores. En 1966 Daevid Allen, Kevin Ayers y Mike Ratledge fundan Soft Machine. Se acababa de asentar el movimiento de la Escena de Canterbury, alcanzando su pleno apogeo. Grandes bandas han representado este estilo, las citadas Soft Machine y Caravan, Gong, Hatfield and the North, National Heart, Egg, Gilgamesh, Quiet Sun, y la recomendada para ésta ocasión por 7dias7notas, Camel.

 Andrew Latimer (guitarra, flauta), Andy Ward (batería, percusión) y Doug ferguson (bajo), habían estado tocando como un trío llamado The Brew. En febrero de 1971 realizan una audición para ser la banda de respaldo del cantante Phillip Goodhand-Tait, con el que lanzan ese mismo año un álbum titulado I Think I'll Write A Song. El grupo decide reclutar al tecladista Peter Bardens y posteriormente cambian el nombre del grupo, acababa de nacer Camel. El 4 de diciembre de 1971 dan su primer concierto como Camel apoyando a Wishbone Ash en el Waltham Forest Technical College de Londres. Unos meses después, concretamente en agosto de 1972, consiguen su firmar con RCA Records, y en febrero de 1973 lanzan primer álbum de estudio, titulado Camel. El disco apenas tiene repercusión, lo que hace que el grupo cambie de discográfica, marchádose a Deram Records, subisidiaria de Decca Records. 

En noviembre de 1973, Latimer, Bardens, Ward y Ferguson graban entre los Island Studios, Decca Studios y AIR Studios, todos en Londres, el material que compondrá su segundo álbum de estudio. Un material que es publicado en marzo de 1974 bajo la discográfica Deram Records y bajo la producción de David Hitchcock. El título: Mirage. Un trabajo con el que Camel da un gran salto adelante para instalarse en el grupo de grandes formaciones de rock progresivo, y donde Latimer además de guitarrista, también se destapa como una gran flautista.

Abre este disco compuesto únicamente por cinco temas, Freefall, compuesta por Peter Bardens, donde nos encontramos las líneas maestras por las que va a discurrir el disco, una batería y un bajo marcando el rítmo y unos intercambios magníficos entre el teclado de Bardens y la guitarra de Latimer. Supertwister, suave tema instrumental dedicado a la formación holandesa Supersister , y donde destaca la elgante forma de tocar la flauta de Latimer y su exquisita técnica. The White Rider: Nimrodel/The Procession/The White Rider, compuesta por Latimer, podemos apreciar la influencia del escritor J. R. R. Tolkien en estos chicos. El tema consta de tres partes con una compleja composición y que ya deja entrever el camino que la banda seguirá en el futuro con la dificultad y maestría de estas composiciones. El tema nos relata la historia de Nimropel, una bella dama enamorada de Amroth, el rey élfo de Lothlórien. Un tema que es capaz de transmitirnos diferentes estados de ánimo según va avanzando, en definitiva, una maravilla dentro del rock progresivo. Earthrise, compuesta por Bardens y Latimer, tema donde cobran protagonismo los fuertes sólos de guiarra de Latimer acompañados de un trabajo descomunal de la batería de Ward. y llegamos al final con otra maravilla / obra maestra del rock progresivo, Lady Fantasy: Encounter/Smiles for You/Lady Fantasy, compuesta por los cuatro integrantes, Ferguson,Ward, Bardens y Latimer, dividido en tres partes y donde vuelven a demostrar la mestría a la hora de componer complejos temas. Es un épico tema y otro de los momentos cumbre del disco, donde podemos apreciar el clásico sonido rock que el grupo hace en su primer trabajo, y que según va avanzando el tema, va virando hacia un sonido más progresivo con los poderosos riffs de Latimer y un magnífico Bardens al frente del órgano Hammond. 

Latimer, Bardens, Ward y Ferguson con éste segundo trabajo, Mirage, establecieron lo que sería el sonido de Camel y que a la postre influenciaría a tantas otras bandas de rock progresivo.Sin duda es éste un álbum imprescindible en la biblioteca de cualquier seguidor del rock progresivo.

El disco de la semana 192: King Crimson - In the Court of the Crimson King

 

BIENVENIDOS A LA CORTE DEL REY CARMESÍ

 

"La vida es sueño" dijo Calderón De La Barca, y nos lo repitieron hasta la saciedad nuestros profesores de literatura en el colegio. Escuché esa frase, casi tantas veces, como la de "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no puedo acordarme..", y esa saciedad y cansancio me llevaron a alejarme de esos mensajes, dirigiendo mi atención a otros del tipo "Tengan cuidado ahí fuera" o "Que la fuerza te acompañe".

En un 2020 en el que tenemos que tener especial "cuidado ahí fuera", y afrontar los desafíos de una nueva realidad con toda la fuerza posible, las frases del colegio han acabado cobrando un nuevo significado para mí, tras la escucha de In the court of the Crimson King, la obra que supuso el debut de King Crimson, la formación comandada por el guitarrista Robert Fripp, que junto Greg Lake, Michael Giles, Ian Mcdonald y Peter Sinfield. Juntos, nos regalaron la primera gran obra del rock progresivo, y a través de sus evocadoras letras y sus brillantes pasajes musicales, este disco me ha abierto la puerta a su desbordante mundo paralelo, un derroche de imaginación e imágenes oníricas, y un refugio para la tormenta en la que a veces se convierte la vida real, que nos ha convertido a todos, de alguna manera, en "esquizoides hombres y mujeres del siglo XXI", como en este exuberante e impactante cuento musical en el que, canción a canción, el destino va conduciendo a un hombre hacia la imaginaria corte del Rey Carmesí.

21st CENTURY SCHIZOID MAN

En un lugar de una ciudad distópica y deshumanizada, de cuyo nombre no puedo acordarme, un hombre cualquiera vive agobiado bajo la sombra de los grandes edificios de metal, anclados al suelo como "garras de hierro de pie de gato". Las voces distorsionadas de Greg Lake y los poderosos riffs de Robert Fripp, en los que se encuentra la semilla de lo que después se conocería como "heavy metal", dibujan en nuestra mente un mundo contaminado y enfermo en el que "los neurocirujanos piden más a gritos" y la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños y morir de hambre a los poetas, y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad, y buscar una vida de sueño en el campo, en algún lugar en el que poder sentir el silencio, y hablar tranquilamente con el viento, que le pregunta ¿Dónde has estado? 

 

I TALK TO THE WIND

"He estado aquí y he estado allí, y también en el medio", contesta el hombre esquizoide, dejando que el viento se lleve sus palabras. El radical cambio, tanto en el estilo como en la intensidad de la música, no es en absoluto casual. Refleja la diferencia entre la locura de la ciudad de metal y la ansiada tranquilidad del campo. La bella melodía de flauta nos transmite poco a poco la tristeza que siente el personaje, al descubrir que "el viento no puede oír", lo cual le sume en la confusión...

 

EPITAPH

... Y en la desilusión. "La pared en la que escribieron los profetas se está agrietando", y él se siente como un condenado a muerte, "destrozado por sus pesadillas y sueños". Estamos ante la canción más brillante del disco y de la banda, una auténtica joya de la melancolía y la tristeza. Un himno para describir el dolor que supone comprobar que, el tan ansiado silencio, es el que ahora "ahoga los gritos" del hombre esquizoide, que se debate entre intentarlo o perder por completo la esperanza, y que siente que, después de todo, "La confusión será su epitafio".

 

MOONCHILD

Abatido y solitario, pasa la noche "soñando a la sombra de un sauce, hablando con los árboles de extraña telaraña" de un extraño jardín. Allí se encuentra con "la hija de la luna", "recogiendo las flores..." y "navegando en el viento con un vestido blanco como la leche". Estamos ante dos minutos y medio de pura belleza y melodía, en ese bucólico jardín en el que los sueños, como la fuerza, vuelven a acompañarle. Tras este breve y bello pasaje, se inicia un largo y tortuoso camino de mas de siete minutos, de improvisación y juegos de sonidos dispersos, como si realmente quisieran que oyéramos el ruido que hacen al caer las "piedras circulares en un reloj de sol" con las que la "hija de la luna" parece mostrar el camino hacia la corte del rey carmesí..

 

 

 

 

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING

Al llegar por fin a su destino, "a través de un camino en el que los horizontes van cambiando", descubre un mundo idílico de orquestas, bufones, marionetas, flautistas púrpuras y suaves coros interpretando canciones de cuna, actuando todos para "la corte de del rey carmesí". No podía terminar un disco tan enorme, sin una pieza épica y solemne como ésta que le da título. Lección magistral y vehículo experimental a partes iguales, se convirtió de inmediato en el tema más reconocido, y reconocible, de la banda de Robert Fripp. Revestido de grandilocuentes coros, y de densas y evocadoras florituras de melotrón y flauta, es el final majestuoso que habría encandilado al más exigente de los reyes, ese del que me declaro, para siempre y mientras la fuerza me acompañe, fiel vasallo. El Rey Carmesí.

El disco de la semana 102: Triana - El patio

El patio

     El disco elegido para la ocasión es un homenaje a los dos mundos a los que pertenezco.  En mi corazón llevo grabado a fuego el Rock, pero de niño me crié escuchando día y noche Flamenco, estilo del que no reniego ni mucho menos, es más se podría decir que también lo llevo grabado a fuego en mi corazón.
     Recuerdo sobre todo los fines de semana, cuando en el cassette de mi casa sonaban Camarón, Enrique Morente, Rafael  Farina, Ana Reverte, El Cabrero, El Lebrijano, y tantos otros. Pero los designios del destino me llevaron a descubrir el Rock.
     "Triana" es la fusión perfecta de esos dos estilos que llevo en el corazón. El Patio es todo un homenaje al Rock y al Flamenco.

"Abre la puerta niña

Y dale paso a la luz

Mira que destello tiene 

Esa nube con el sol

Por la mañana amanece

La vida y la ilusión "

     Jesús de la Rosa Luque (Teclista, vocalista y compositor), nace en 1948 en Sevilla, en los años 60 formó parte de la banda llamada "Los Nuevos Tiempos", cuyo estilo era el Rock, y cantaban en inglés. Posteriormente a esta aventura, cuando se encontraba en Madrid, intentó entrar en el famoso grupo "Los Bravos", no siendo aceptado por culpa de su remarcado acento andaluz. Ya en los años 70 tocó como teclista sustituto en una de los grupos de moda "Flor y Nata", donde adquirió mucha experiencia tocando por toda España, hasta que es despedido.

     Eduardo Rodríguez Rodway (Guitarrista), nace en Sevilla en 1945. En su juventud recorría ferias y plazas por su tierra junto con otros jóvenes, tocando la guitarra. Más tarde formó parte del grupo de Rock sevillano "Flexor's", donde tocaría fundamentalmente la guitarra eléctrica. Posteriormente estuvo en la formación del conocido grupo de la época "Los Payos", cuyo mayor éxito fue la célebre canción "María Isabel".

     Juan José Palacios Orihuela "Tete" (Batería), nace en Alcorcón, Madrid en 1943. Aunque empieza tocando la guitarra, su instrumento acabaría siendo la batería, la cuál toca para numerosos grupos, aunque debido a su estilo, no acaba de cuajar en ninguna.

"Vimos juntos el amanecer

y el lago reflejó nuestro sueño

En silencio fuimos a caer

junto al gran monte aquél

que nos dio el amor"

     En 1973, Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y "Tete", acaban coincidiendo en un grupo llamado "Tabarca", el cuál no llega a cuajar, pero que sentaría las bases de "Triana". Quedando los tres ya deciden llamarse "Triana" y se incorporan al grupo dos músicos más: "Dolores Montoya y Manuel Molina", aunque estos dos músicos duran muy poco y se marchan fundando el ´famosos dúo "Lole y Manuel".

     "Gonzalo García Pelayo", que trabajaba para el sello "Movieplay" como productor musical, cuando conoce a "Triana", estos ya tienen el disco casi hecho, y decide ficharlos apostando por la fusión musical que traen. Aunque antes que el grupo "Triana" había grupos como "Gong" y "Smash", que ya hablaban de Rock andaluz y fusión, esta no es una fusión verdadera, pues lo que hacen es alternar temas de rock progresivo, con temas flamencos. Y lo que "Triana" trae bajo el brazo es fusión de verdad, por lo que acabarían convirtiéndose en los padres del Rock andaluz.

      El disco, primero del grupo, ve la luz en 1975, y no tiene título; se le acaba llamando 'El patio" debido a la portada, donde aparece un patio andaluz. Debido a su escasa repercusión llegó a descatalogarse de las tiendas, pero por cosas del destino, aproximadamente año y medio después el grupo empieza a despuntar, y dicho disco se convierte en objeto de culto y colección.

     Este es el disco de esta semana, "El Patio", de la mítica banda "Triana", que supo mezclar como nadie el flamenco con el Rock progresivo, con un arte increíble, con unas letras dignas de cualquier poeta de renombre. "El Patio" es el resultado de tres incomprendidos que se juntaron para hacer algo maravilloso.
   
     Temas como "Abre la puerta", "Se de un lugar", ó "En el lago", donde los elementos flamencos se entremezclan a la perfección  con los elementos rockeros; o temas cómo "Luminosa mañana", "Recuerdos de una noche","Diálogo", y "Todo es de color ", donde el flamenco está mas presente, pero siempre acompañado de fondo con una instrumentación rockera que encaja como un guante.

Todos los temas fueron compuestos por Jesús de la Rosa, menos "Todo es de color" tema compuesto por "Juan José Palacios "Tete" y "Manuel Molina", que nos dejó este pequeño regalo antes de abandonar la banda con "Lole".

      En definitiva, siete temas, siete pequeñas obras maestras, antología poética,  oda al amor, que dejo que descubráis............

El disco de la semana 37: Allan Holdsworth - Road Games

Road Games

     Eddie Van Halen, Steve Morse, Tom Morello, Joe Satriani, Steve Vai, Greg Howe, Gary Moore, Carlos Santana, Yngwie Malmsteen, Frank Zappa, David Gilmour, John Petrucci, todos son enormes guitarristas de talla mundial, pero ¿Que nexo de unión y por consiguiente tienen todos en común? un nombre, Allan Holdsworth, todos los anteriores ha manifestado su admiración hacia este músico y la influencia que ha creado en todos ellos ¿pero quién es Allan Holdsworth?

    Allan Holdsworth, guitarrista británico de jazz fusión, nace en Bradford (Inglaterra) en 1946, y en 1969, con apenas 23 años forma ya su primera banda Igginbottom, con la que lanza un único álbum de estudio, Igginbottom Wrench, un disco donde ya muestra el tipo de sonido novedoso que hace, una mezcla de jazz fusión y rock progresivo. A raíz de aquí el famoso saxofonista de jazz Ray Warleig se fija en Allan y le introduce en el circuito profesional de jazz del Reino Unido.

 

En 1971 forma parte del grupo Sunship, una banda especializada en jam session donde Allan se destapa como un excelente músico de improvisación. Al año siguiente, 1972, Allan disfruta ya de una excelente fama y es considerado como uno de los músicos con mayor prestigio y potencial de la escena británica, lo que le vale para ingresar en el grupo de rock progresivo Tempest, una banda con un sonido más roquero  y con toques folk y jazz. Con Tempest graba el álbum llamado Tempest el cuál obtiene una gran recepción entre la crítica especializada pero no logra la mísma recepción en las listas de ventas. Con Tempest llega a grabar un segundo disco "pirata" en directo, y es justo después de grabarlo cuando decide abandonar el grupo, el motivo, Tempest quería fichar un segundo guitarrista para alternar los trabajos del grupo a la guitarra, algo con lo que Allan no estaba de acuerdo.

     Después de dejar Tempest, la actividad de Allan sigue siendo muy activa, forma parte de bandas como Soft Machine, a la que da un aire renovado con su estilo en el disco Bundles el cuál llama la atención de los medios especializados. Colabora con el el gran batería Tony Williams (famoso por tocar con gente de la talla de Miles Davis). Después de su paso por la formación de Tony Williams toca en varias bandas más como el grupo de Jean-Luc Ponty (Frank Zappa), UK ó Bruford.

     En 1980 Allan decide crear su propia formación, I.O.U., con la que graba su disco homónimo en 1982, un álbum que vuelve a recibir grandes críticas de los medios especializados. Por estas fechas Allan ya había llamado la atención del guitarrista Eddie Van Halen, que si bien ya había hablado del talento de Allan anteriormente, ahora llega a decir "Allan es capaz de hacer con cuatro dedos lo que yo hago con dos manos". su sonido ya había llamado la atención de famosos guitarristas, y consideraban a Allan como uno de los guitarristas más influyentes del panorama musical.

Van Halen pone en conocimiento de su productor Ted Templeman la existencia de este genial guitarrista y éste le ficha para la todopoderosa Warner Bros. Una vez fichado y bajo la producción de Templeman Allan publica Road Games, un disco del que llegó a declarar que era su peor trabajo publicado, por culpa de la presión ejercida por Templeman en la producción, lo que creó contínuas desavenencias a la hora de enfocar el trabajo.

El disco pese a su escasa repercusión en ventas, se convierte en disco de culto e incluso es nominado a los premios Grammy. Estos hechos hacen que Allan tome la determinación de no volver a fichar por una discográfica grande jamás.

     Holdswoth decide fichar por la discográfica Enigma, compañía que le permite fichar a sus propios músicos y además le deja controlar los aspectos creativos, y en 1985 publica Metal Fatigue, disco que es considerado por la crítica como el mejor trabajo hecho por él en toda su carrera musical.

     En 1986 publica Atavachron, un álbum que se convierte en referencia  y él en precursor del uso del SynthAxe, un controlador MIDI parecido a una guitarra eléctrica (creado por Bill Aitken, Mike Dixon y Tony Sedivy en 1986), y es básicamente un instrumento electrónico similar a una guitarra electrónica y que permite manejar el tono con el aliento.

     La actividad de Allan Holdsworth hasta abril de 2017, fecha de su fallecimiento seguió siendo muy prolífica, tanto en solitario como en multitud de colaboraciones y estilos como el acid jazz, free jazz, musica eléctrónica, metal progresivo ó rock.

     Me he dacantado como disco recomendado para esta ocasión por Road Games, precisamente el considerado peor trabajo por el mismísimo Allan, y lo hago precisamente porque cuando lo escuché me encantó, ¿Si éste era el peor trabajo de Allan Holdsworth, dicho por el mísmo, Cómo serían sus demás discos? Ahí lo dejo. Un disco con sólo seis temas, pero repletas del virtuosismo instrumental donde Allan demuestra como es capaz de fusionar estilos como el jazz o el rock progresivo con una facilidad y una naturalidad increíble.

     Allan, un músico que se quejaba amargamente de que sus trabajos no se pusieran más en los medios, pues de su música se decía que era demasiado rockera para ponerla en las emisoras de jazz y demasiado jazz para ponerlo en las emisoras de Rock.

Van Halen, Satriani, Morello, Moore, Petrucci, Malmsteem, Santana, y tantos otros no pueden estar equivocados al nombrar a Allan Holdsworth como una de sus grandes referencias de la guitarra, Frank Zappa llegó  a decir de él: "Allan es uno de los chicos más interesantes del planeta a la guitarra".

Allan Holdsworth, Guitarrista al que yo me atrevo a llamar "Maestro de Maestros", por su forma de entender y ser capaz de modernizar la forma de tocar la guitarra y marcar el camino de grandes guitarristas que se han declarado seguidores incondicionales de su estilo y sus técnicas innovadoras.
     

El disco de la semana 19: Jethro Tull - Aqualung

Aqualung, 1971 (Jethro Tull)

     Para la semana 19 en 7días7notas le toco al grupo de Ian Anderson y los suyos, Jethro Tull. Banda de Rock progresivo británica, liderados por el escocés Ian Anderson, dio sus primeros pasos en 1967, dando por finalizada su aventura en 2014, más de 25 años en activo, un tiempo en el que han editado más de 30 álbumes y vendido más de 60 millones de copias de los mismos.

     Nos vamos a centrar en su cuarto álbum de estudio, Aqualung, que junto al quinto Thick as a Brick, se convirtieron en discos de culto dentro del rock progresivo. Publicado en 1971 por  la compañía Chrysalis Records, fue considerado como un álbum conceptual basado en la temática de Dios y la religión, sin embargo el grupo siempre negó y rechazo el hecho de que el disco fuera considerado como tal, aunque si nos adentramos en la historia y los temas del mismo puede parecerlo.

El grupo estaba compuesto por aquel entonces por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Martin Barre (guitarra eléctrica), Clive Bunker (batería y percusión), Jeffrey Hammond (bajo) y John Evan (piano, órgano y melotrón).

     Para la portada se basaron en una fotografía que la esposa de Ian Anderson realizó a un vagabundo a orillas del río Tamesis. A partir de ahí se encargó de darle forma en forma de retrato de acuarela el dibujante Burton Silverman, donde se muestra a un hombre, un vagabundo con barba, el pelo largo y la ropa vieja.

     El disco arranca con el primer tema, titulado como el disco Aqualung. El tema surge a raíz de aquel mendigo que Ian y su esposa habían visto a orillas del Támesis, lo que captó el interés de ambos y como Ian reconoció posteriormente, aquella imagen le dio remordimientos y tuvo sentimientos de culpabilidad por aquel vagabundo, pues la gente así podía llegar a dar un poco de miedo e inseguridad, lo que le llevó a combinar con una ligera idea romántica de ellos ya que los veía también como espíritus libres que no quieren o no pueden encajar en la sociedad tal y como estaba concebida. Así nace la historia de un vagabundo pedófilo llamado Aqualung. Utilizó ese nombre (traducido al español: Pulmón acuático) porque quería transmitir que el resuello de aquel mendigo era igual al sonido que produce el borboteo de los equipos de buceo bajo el agua. 

Una obra maestra del rock progresivo, sentaros y disfrutar.

     Cross-Eyed Mary, otro de los temas más brillantes del disco y del grupo, dónde nos narran la historia de María la bizca, una joven que va la escuela y también ejerce como prostituta. María prefiere la compañía de viejos verdes a estar con sus compañeros de clase, y aunque hay muchos hombres ricos que pagarían por su compañía ella busca y prefiere estar con esos viejos verdes a los que acompaña como favor. En este tema vuelve a aparecer el personaje del anterior tema, pues Aqualung, el vagabundo pedófilo es uno de esos viejos a los que acompaña.

     Cheap Day Return, es un tema escrito a modo autobiográfico, pues 

Ian la compuso después de ir a visitar a su padre, el cuál se encontraba gravemente enfermo. tema acústico de apenas minuto y medio donde Ian nos habla de ese duro momento.

     Mother Goose, vuelve con otra composición donde en la primera parte es completamente acústica para pasar a la segunda metiendo ya guitarra eléctrica, donde Ian consigue darle al tema un aire totalmente medieval con su flauta, donde nos habla de Mama Ganso, un personaje muy típico en los cuentos ingleses.

     Wond'ring Aloud, otro tema corto y acústico, de apenas dos minutos donde Ian repite la fórmula de Cheap Day Return. Magnífica composición acústica de la cuál relizaría posteriormente una versión ampliada a la que llamaría Word'ring Again y que incluiría en el álbum Living in the Past.

     Up To Me, tema muy en la línea de Mother Goose, donde vuelve a dar ese aire medieval con su magistral flauta, para luego dar el giro al sonido con la guitarra eléctrica.

     My God, tema que abría la cara B del disco, donde comienza parafraseando el Génesis de la Biblia, una potente crítica dirigida a la iglesia de Inglaterra a la que calificaba de "sangrienta y maldita". Este tema hizo que en España, inmersa en una dictadura, se retrasara su salida al mercado debido a las ideas expresadas en el tema para evitar que fuera censurado, y cuando por fín vio la luz el disco sufrió recortes en algunos temas debido a la censura. Atentos al impresionante solo de flauta que se marca anderson en este tema.

     Hymn 43, uno de los temas más rockeros del disco, donde sigue con la temática del tema anterior. Es una velada crítica al Padre Nuestro y en definitiva a todos esos himnos que se cantan en las iglesias para alabar a Dios. 

     Slipstream, es tema anecdótico de poco más de un minuto de duración.

     Locomotive Breath, otra de las joyas del disco, comienza con una lenta y triste introducción de piano para luego ir cogiendo fuerza y como un tren de mercancias ir arrollando todo lo que encuentra a su paso, un magnífico tema. El tema trata de un hombre al que su mujer le engaña y encima sus hijos le han abandonado, por lo que este hombre, sin nada por lo que vivir y luchar ya decide suicidarse e ir al precipicio como una locomotora sin frenos. Tema que vuelve a ser una crítica a Dios, el cuál siempre gana frente al "eterno perdedor", el hombre.

     Wind-Up, tema que cierra el disco, donde la risa de Ian Anderson fue considerada como una burla hacia los críticos musicales, una risa que volvería a repetir en el disco Thick as a Brick.

     Aqualung es un disco clave dentro del rock progresivo, cargado de una clara crítica hacia Dios y hacia los estamentos religiosos, un disco que siendo considerado conceptual, el mismo Ian se encargó de repetir por activa y pasiva que no lo era, y que solo se trataba de un disco con canciones e instrumentaciones variadas, y que si tantas ganas tenían de un álbum conceptual el les enseñaría lo que es, y decidió concebir Thick as a Brick en 1972, una parodia sobre el género de disco conceptual. Parodia o no, conceptual o no, Aqualung es una maravilla, y Thick as a Brick otra.