El disco de la semana 325: Renaissance - Polyphia

Renaissance, Polyphia

     El Virtuosismo viene definido como una gran habilidad para hacer una cosa, especialmente para tocar un instrumento musical o para desarrollar el arte. Comenzamos con esta definición porque es la mejor manera de presentar el grupo de esta semana, cuatro virtuosos músicos que componen Polyphia, una banda instrumental fundada en la localidad de Plano, Texas, Estados Unidos, en el año 2010. La banda está conformada en la actualidad por los guitarristas Tim Henson y Scott LePage, el bajista Clay Gober y el baterista Clay Aeschliman.

Polyphia es una banda que ha evolucionado a partir de innumerables estilos musicales, si bien su sonido se basa principalmente en el rock instrumental, rock progresivo y rock matemático. Éste último, el llamado math rock o rock matemático fue un estilo de rock progresivo que surgió a finales de la década de los 80, principalmente en Estados Unidos y Japón. Dicho estilo se caracteriza por la complejidad de sus ritmos y la extraña composición de sus estructuras, siendo unos de sus grandes referentes bandas como King Crimson o Rush. 

El nombre de la banda, según ellos, mismos proviene de la palabra "Polyphony", que significa "música cuya textura se define por el entrecruzamiento de varias línas melódias". Jugando con esta definición, la banda aporta aporta el virtuosismo musical que cada uno atesora para entremezclar y transmitir un sonido con un gran potencial. Dicho sonido destaca por incorporar partes virtuosas de guitarra con otros estilos de música. Es cierto, que en sus comienzos, la banda se basó en un sonido orienado hacia el metal, para ir evolucionando hacia un sonido más progresivo, combinando, con el tiempo, otros estilos tan dispares como la música electrónica o el hip hop.  

El grupo ya tiene en su haber cuatro discos de estudio, dos EP y numerosos sencillos, y su fama y reputación ha ido creciendo de forma continuada y solida, hasta llegar a alcanzar con su cuarto álbum de estudio, Remember Taht You Die, publicado en 2022, el puesto número 33 en las listas estadounidenses Billboard 200, siendo ademas el  primer disco de la banda en conseguir colarse en dichas listas. Su primer éxito comercial fue al poco de formarse y llegó de la mano del tema Impassion, incluido en su EP Inspire, el cual se haría viral en el famoso canal de Internet Youtube. 

La recomendación para esta semana es su segundo álbum de estudio, Renaissance, publicado el 11 de marzo de 2016 bajo el sello discográfico Equal vision. Es precisamente en este disco donde la la banda comienza a alejarse del sonido metal para abrazar el rock progresivo y el math rock, comenzando también a jugar y mezclar otros elementos musicales como la música electrónica, jazz, funk, metal y hip hop entre otros. en Renaissance vamos a encontrar muchas partes melódicas con auténticas virguerías instrumentales y partes de música electrónica my bien integrada. Todo encaja desde el principio hasta el final con variedad de sonidos diferentes, pero todos bien conectados los unos con los otros. Estamos, para mí, ante uno de esos grandes discos de la música instrumental moderna, donde no sólo destaca el virtuosismo individual de la banda, sino la conexión y compenetración de todos para regalarnos una experiencia musical de grandes kilates. Vamos a encontrar grande temas como Culture Shock, donde las guitarras y la percusión nos atraen y nos va avanzando de lo que esta por llegar; Florence, con su juguetona y optimista melodía con toques funky; Paradise, que muestra la gran destreza técnica de la banda al unísono, y Euphoria y Light, que son, en mi opinión, dos de los mejores temas que la banda ha hecho hasta el momento. Renaissance es, en definitiva, una auténtica experiencia auditiva y sensorial, no sólo para los oídos, también para todos los sentidos.

El disco de la semana 209: Camel - Mirage

 

Mirage, Camel

     Para hablar de nuestra siguiente recomendación semanal pemitirme que primero me detenga en la llamada "Escena de Canterbury", también conocida como "Sonido de Canterbury", imprescindible para entender a uno de sus mayores precursores. Así se llama al grupo de músicos o bandas cuyo auge se sitúa a finales de los años 60 y principios de los 70, y que fue formado en torno a la ciudad de Canterbury. El denominador común fue la forma de entender la música, una magnífica mezcla de rock y jazz con tintes y aderezos de música psicodélica. 

Corría el año 1960, y un joven chico australiano llamado Daevid Allen se hospeda en la casa de huéspedes propiedad de los padres de Robert Wyatt, situada en la localidad de Lydden, a unos 16 km de Canterbury. Allen traía consigo una buena colección de discos de jazz, los cuales le influencian como músico. Allen y Wyatt hacen amistad, y en 1963, junto a Hugh Hopper fundan Daevid Allen Trío, que posteriormente pasaría a llamarse Wilde Flowers. Sería esa formación, Wilde Flowers, el caldo de cultivo que da orígen a todo el movimiento, pues en ella se encontraban los músicos que acabarían formando Soft Machine y Caravan, las cuales a su vez fueron las inspiradoras y precursoras de todas las bandas posteriores. En 1966 Daevid Allen, Kevin Ayers y Mike Ratledge fundan Soft Machine. Se acababa de asentar el movimiento de la Escena de Canterbury, alcanzando su pleno apogeo. Grandes bandas han representado este estilo, las citadas Soft Machine y Caravan, Gong, Hatfield and the North, National Heart, Egg, Gilgamesh, Quiet Sun, y la recomendada para ésta ocasión por 7dias7notas, Camel.

 Andrew Latimer (guitarra, flauta), Andy Ward (batería, percusión) y Doug ferguson (bajo), habían estado tocando como un trío llamado The Brew. En febrero de 1971 realizan una audición para ser la banda de respaldo del cantante Phillip Goodhand-Tait, con el que lanzan ese mismo año un álbum titulado I Think I'll Write A Song. El grupo decide reclutar al tecladista Peter Bardens y posteriormente cambian el nombre del grupo, acababa de nacer Camel. El 4 de diciembre de 1971 dan su primer concierto como Camel apoyando a Wishbone Ash en el Waltham Forest Technical College de Londres. Unos meses después, concretamente en agosto de 1972, consiguen su firmar con RCA Records, y en febrero de 1973 lanzan primer álbum de estudio, titulado Camel. El disco apenas tiene repercusión, lo que hace que el grupo cambie de discográfica, marchádose a Deram Records, subisidiaria de Decca Records. 

En noviembre de 1973, Latimer, Bardens, Ward y Ferguson graban entre los Island Studios, Decca Studios y AIR Studios, todos en Londres, el material que compondrá su segundo álbum de estudio. Un material que es publicado en marzo de 1974 bajo la discográfica Deram Records y bajo la producción de David Hitchcock. El título: Mirage. Un trabajo con el que Camel da un gran salto adelante para instalarse en el grupo de grandes formaciones de rock progresivo, y donde Latimer además de guitarrista, también se destapa como una gran flautista.

Abre este disco compuesto únicamente por cinco temas, Freefall, compuesta por Peter Bardens, donde nos encontramos las líneas maestras por las que va a discurrir el disco, una batería y un bajo marcando el rítmo y unos intercambios magníficos entre el teclado de Bardens y la guitarra de Latimer. Supertwister, suave tema instrumental dedicado a la formación holandesa Supersister , y donde destaca la elgante forma de tocar la flauta de Latimer y su exquisita técnica. The White Rider: Nimrodel/The Procession/The White Rider, compuesta por Latimer, podemos apreciar la influencia del escritor J. R. R. Tolkien en estos chicos. El tema consta de tres partes con una compleja composición y que ya deja entrever el camino que la banda seguirá en el futuro con la dificultad y maestría de estas composiciones. El tema nos relata la historia de Nimropel, una bella dama enamorada de Amroth, el rey élfo de Lothlórien. Un tema que es capaz de transmitirnos diferentes estados de ánimo según va avanzando, en definitiva, una maravilla dentro del rock progresivo. Earthrise, compuesta por Bardens y Latimer, tema donde cobran protagonismo los fuertes sólos de guiarra de Latimer acompañados de un trabajo descomunal de la batería de Ward. y llegamos al final con otra maravilla / obra maestra del rock progresivo, Lady Fantasy: Encounter/Smiles for You/Lady Fantasy, compuesta por los cuatro integrantes, Ferguson,Ward, Bardens y Latimer, dividido en tres partes y donde vuelven a demostrar la mestría a la hora de componer complejos temas. Es un épico tema y otro de los momentos cumbre del disco, donde podemos apreciar el clásico sonido rock que el grupo hace en su primer trabajo, y que según va avanzando el tema, va virando hacia un sonido más progresivo con los poderosos riffs de Latimer y un magnífico Bardens al frente del órgano Hammond. 

Latimer, Bardens, Ward y Ferguson con éste segundo trabajo, Mirage, establecieron lo que sería el sonido de Camel y que a la postre influenciaría a tantas otras bandas de rock progresivo.Sin duda es éste un álbum imprescindible en la biblioteca de cualquier seguidor del rock progresivo.

El disco de la semana 192: King Crimson - In the Court of the Crimson King

 

BIENVENIDOS A LA CORTE DEL REY CARMESÍ

 

"La vida es sueño" dijo Calderón De La Barca, y nos lo repitieron hasta la saciedad nuestros profesores de literatura en el colegio. Escuché esa frase, casi tantas veces, como la de "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no puedo acordarme..", y esa saciedad y cansancio me llevaron a alejarme de esos mensajes, dirigiendo mi atención a otros del tipo "Tengan cuidado ahí fuera" o "Que la fuerza te acompañe".

En un 2020 en el que tenemos que tener especial "cuidado ahí fuera", y afrontar los desafíos de una nueva realidad con toda la fuerza posible, las frases del colegio han acabado cobrando un nuevo significado para mí, tras la escucha de In the court of the Crimson King, la obra que supuso el debut de King Crimson, la formación comandada por el guitarrista Robert Fripp, que junto Greg Lake, Michael Giles, Ian Mcdonald y Peter Sinfield. Juntos, nos regalaron la primera gran obra del rock progresivo, y a través de sus evocadoras letras y sus brillantes pasajes musicales, este disco me ha abierto la puerta a su desbordante mundo paralelo, un derroche de imaginación e imágenes oníricas, y un refugio para la tormenta en la que a veces se convierte la vida real, que nos ha convertido a todos, de alguna manera, en "esquizoides hombres y mujeres del siglo XXI", como en este exuberante e impactante cuento musical en el que, canción a canción, el destino va conduciendo a un hombre hacia la imaginaria corte del Rey Carmesí.

21st CENTURY SCHIZOID MAN

En un lugar de una ciudad distópica y deshumanizada, de cuyo nombre no puedo acordarme, un hombre cualquiera vive agobiado bajo la sombra de los grandes edificios de metal, anclados al suelo como "garras de hierro de pie de gato". Las voces distorsionadas de Greg Lake y los poderosos riffs de Robert Fripp, en los que se encuentra la semilla de lo que después se conocería como "heavy metal", dibujan en nuestra mente un mundo contaminado y enfermo en el que "los neurocirujanos piden más a gritos" y la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños y morir de hambre a los poetas, y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad, y buscar una vida de sueño en el campo, en algún lugar en el que poder sentir el silencio, y hablar tranquilamente con el viento, que le pregunta ¿Dónde has estado? 

 

I TALK TO THE WIND

"He estado aquí y he estado allí, y también en el medio", contesta el hombre esquizoide, dejando que el viento se lleve sus palabras. El radical cambio, tanto en el estilo como en la intensidad de la música, no es en absoluto casual. Refleja la diferencia entre la locura de la ciudad de metal y la ansiada tranquilidad del campo. La bella melodía de flauta nos transmite poco a poco la tristeza que siente el personaje, al descubrir que "el viento no puede oír", lo cual le sume en la confusión...

 

EPITAPH

... Y en la desilusión. "La pared en la que escribieron los profetas se está agrietando", y él se siente como un condenado a muerte, "destrozado por sus pesadillas y sueños". Estamos ante la canción más brillante del disco y de la banda, una auténtica joya de la melancolía y la tristeza. Un himno para describir el dolor que supone comprobar que, el tan ansiado silencio, es el que ahora "ahoga los gritos" del hombre esquizoide, que se debate entre intentarlo o perder por completo la esperanza, y que siente que, después de todo, "La confusión será su epitafio".

 

MOONCHILD

Abatido y solitario, pasa la noche "soñando a la sombra de un sauce, hablando con los árboles de extraña telaraña" de un extraño jardín. Allí se encuentra con "la hija de la luna", "recogiendo las flores..." y "navegando en el viento con un vestido blanco como la leche". Estamos ante dos minutos y medio de pura belleza y melodía, en ese bucólico jardín en el que los sueños, como la fuerza, vuelven a acompañarle. Tras este breve y bello pasaje, se inicia un largo y tortuoso camino de mas de siete minutos, de improvisación y juegos de sonidos dispersos, como si realmente quisieran que oyéramos el ruido que hacen al caer las "piedras circulares en un reloj de sol" con las que la "hija de la luna" parece mostrar el camino hacia la corte del rey carmesí..

 

 

 

 

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING

Al llegar por fin a su destino, "a través de un camino en el que los horizontes van cambiando", descubre un mundo idílico de orquestas, bufones, marionetas, flautistas púrpuras y suaves coros interpretando canciones de cuna, actuando todos para "la corte de del rey carmesí". No podía terminar un disco tan enorme, sin una pieza épica y solemne como ésta que le da título. Lección magistral y vehículo experimental a partes iguales, se convirtió de inmediato en el tema más reconocido, y reconocible, de la banda de Robert Fripp. Revestido de grandilocuentes coros, y de densas y evocadoras florituras de melotrón y flauta, es el final majestuoso que habría encandilado al más exigente de los reyes, ese del que me declaro, para siempre y mientras la fuerza me acompañe, fiel vasallo. El Rey Carmesí.

El disco de la semana 102: Triana - El patio

El patio

     El disco elegido para la ocasión es un homenaje a los dos mundos a los que pertenezco.  En mi corazón llevo grabado a fuego el Rock, pero de niño me crié escuchando día y noche Flamenco, estilo del que no reniego ni mucho menos, es más se podría decir que también lo llevo grabado a fuego en mi corazón.
     Recuerdo sobre todo los fines de semana, cuando en el cassette de mi casa sonaban Camarón, Enrique Morente, Rafael  Farina, Ana Reverte, El Cabrero, El Lebrijano, y tantos otros. Pero los designios del destino me llevaron a descubrir el Rock.
     "Triana" es la fusión perfecta de esos dos estilos que llevo en el corazón. El Patio es todo un homenaje al Rock y al Flamenco.

"Abre la puerta niña

Y dale paso a la luz

Mira que destello tiene 

Esa nube con el sol

Por la mañana amanece

La vida y la ilusión "

     Jesús de la Rosa Luque (Teclista, vocalista y compositor), nace en 1948 en Sevilla, en los años 60 formó parte de la banda llamada "Los Nuevos Tiempos", cuyo estilo era el Rock, y cantaban en inglés. Posteriormente a esta aventura, cuando se encontraba en Madrid, intentó entrar en el famoso grupo "Los Bravos", no siendo aceptado por culpa de su remarcado acento andaluz. Ya en los años 70 tocó como teclista sustituto en una de los grupos de moda "Flor y Nata", donde adquirió mucha experiencia tocando por toda España, hasta que es despedido.

     Eduardo Rodríguez Rodway (Guitarrista), nace en Sevilla en 1945. En su juventud recorría ferias y plazas por su tierra junto con otros jóvenes, tocando la guitarra. Más tarde formó parte del grupo de Rock sevillano "Flexor's", donde tocaría fundamentalmente la guitarra eléctrica. Posteriormente estuvo en la formación del conocido grupo de la época "Los Payos", cuyo mayor éxito fue la célebre canción "María Isabel".

     Juan José Palacios Orihuela "Tete" (Batería), nace en Alcorcón, Madrid en 1943. Aunque empieza tocando la guitarra, su instrumento acabaría siendo la batería, la cuál toca para numerosos grupos, aunque debido a su estilo, no acaba de cuajar en ninguna.

"Vimos juntos el amanecer

y el lago reflejó nuestro sueño

En silencio fuimos a caer

junto al gran monte aquél

que nos dio el amor"

     En 1973, Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y "Tete", acaban coincidiendo en un grupo llamado "Tabarca", el cuál no llega a cuajar, pero que sentaría las bases de "Triana". Quedando los tres ya deciden llamarse "Triana" y se incorporan al grupo dos músicos más: "Dolores Montoya y Manuel Molina", aunque estos dos músicos duran muy poco y se marchan fundando el ´famosos dúo "Lole y Manuel".

     "Gonzalo García Pelayo", que trabajaba para el sello "Movieplay" como productor musical, cuando conoce a "Triana", estos ya tienen el disco casi hecho, y decide ficharlos apostando por la fusión musical que traen. Aunque antes que el grupo "Triana" había grupos como "Gong" y "Smash", que ya hablaban de Rock andaluz y fusión, esta no es una fusión verdadera, pues lo que hacen es alternar temas de rock progresivo, con temas flamencos. Y lo que "Triana" trae bajo el brazo es fusión de verdad, por lo que acabarían convirtiéndose en los padres del Rock andaluz.

      El disco, primero del grupo, ve la luz en 1975, y no tiene título; se le acaba llamando 'El patio" debido a la portada, donde aparece un patio andaluz. Debido a su escasa repercusión llegó a descatalogarse de las tiendas, pero por cosas del destino, aproximadamente año y medio después el grupo empieza a despuntar, y dicho disco se convierte en objeto de culto y colección.

     Este es el disco de esta semana, "El Patio", de la mítica banda "Triana", que supo mezclar como nadie el flamenco con el Rock progresivo, con un arte increíble, con unas letras dignas de cualquier poeta de renombre. "El Patio" es el resultado de tres incomprendidos que se juntaron para hacer algo maravilloso.
   
     Temas como "Abre la puerta", "Se de un lugar", ó "En el lago", donde los elementos flamencos se entremezclan a la perfección  con los elementos rockeros; o temas cómo "Luminosa mañana", "Recuerdos de una noche","Diálogo", y "Todo es de color ", donde el flamenco está mas presente, pero siempre acompañado de fondo con una instrumentación rockera que encaja como un guante.

Todos los temas fueron compuestos por Jesús de la Rosa, menos "Todo es de color" tema compuesto por "Juan José Palacios "Tete" y "Manuel Molina", que nos dejó este pequeño regalo antes de abandonar la banda con "Lole".

      En definitiva, siete temas, siete pequeñas obras maestras, antología poética,  oda al amor, que dejo que descubráis............

El disco de la semana 37: Allan Holdsworth - Road Games

Road Games

     Eddie Van Halen, Steve Morse, Tom Morello, Joe Satriani, Steve Vai, Greg Howe, Gary Moore, Carlos Santana, Yngwie Malmsteen, Frank Zappa, David Gilmour, John Petrucci, todos son enormes guitarristas de talla mundial, pero ¿Que nexo de unión y por consiguiente tienen todos en común? un nombre, Allan Holdsworth, todos los anteriores ha manifestado su admiración hacia este músico y la influencia que ha creado en todos ellos ¿pero quién es Allan Holdsworth?

    Allan Holdsworth, guitarrista británico de jazz fusión, nace en Bradford (Inglaterra) en 1946, y en 1969, con apenas 23 años forma ya su primera banda Igginbottom, con la que lanza un único álbum de estudio, Igginbottom Wrench, un disco donde ya muestra el tipo de sonido novedoso que hace, una mezcla de jazz fusión y rock progresivo. A raíz de aquí el famoso saxofonista de jazz Ray Warleig se fija en Allan y le introduce en el circuito profesional de jazz del Reino Unido.

 

En 1971 forma parte del grupo Sunship, una banda especializada en jam session donde Allan se destapa como un excelente músico de improvisación. Al año siguiente, 1972, Allan disfruta ya de una excelente fama y es considerado como uno de los músicos con mayor prestigio y potencial de la escena británica, lo que le vale para ingresar en el grupo de rock progresivo Tempest, una banda con un sonido más roquero  y con toques folk y jazz. Con Tempest graba el álbum llamado Tempest el cuál obtiene una gran recepción entre la crítica especializada pero no logra la mísma recepción en las listas de ventas. Con Tempest llega a grabar un segundo disco "pirata" en directo, y es justo después de grabarlo cuando decide abandonar el grupo, el motivo, Tempest quería fichar un segundo guitarrista para alternar los trabajos del grupo a la guitarra, algo con lo que Allan no estaba de acuerdo.

     Después de dejar Tempest, la actividad de Allan sigue siendo muy activa, forma parte de bandas como Soft Machine, a la que da un aire renovado con su estilo en el disco Bundles el cuál llama la atención de los medios especializados. Colabora con el el gran batería Tony Williams (famoso por tocar con gente de la talla de Miles Davis). Después de su paso por la formación de Tony Williams toca en varias bandas más como el grupo de Jean-Luc Ponty (Frank Zappa), UK ó Bruford.

     En 1980 Allan decide crear su propia formación, I.O.U., con la que graba su disco homónimo en 1982, un álbum que vuelve a recibir grandes críticas de los medios especializados. Por estas fechas Allan ya había llamado la atención del guitarrista Eddie Van Halen, que si bien ya había hablado del talento de Allan anteriormente, ahora llega a decir "Allan es capaz de hacer con cuatro dedos lo que yo hago con dos manos". su sonido ya había llamado la atención de famosos guitarristas, y consideraban a Allan como uno de los guitarristas más influyentes del panorama musical.

Van Halen pone en conocimiento de su productor Ted Templeman la existencia de este genial guitarrista y éste le ficha para la todopoderosa Warner Bros. Una vez fichado y bajo la producción de Templeman Allan publica Road Games, un disco del que llegó a declarar que era su peor trabajo publicado, por culpa de la presión ejercida por Templeman en la producción, lo que creó contínuas desavenencias a la hora de enfocar el trabajo.

El disco pese a su escasa repercusión en ventas, se convierte en disco de culto e incluso es nominado a los premios Grammy. Estos hechos hacen que Allan tome la determinación de no volver a fichar por una discográfica grande jamás.

     Holdswoth decide fichar por la discográfica Enigma, compañía que le permite fichar a sus propios músicos y además le deja controlar los aspectos creativos, y en 1985 publica Metal Fatigue, disco que es considerado por la crítica como el mejor trabajo hecho por él en toda su carrera musical.

     En 1986 publica Atavachron, un álbum que se convierte en referencia  y él en precursor del uso del SynthAxe, un controlador MIDI parecido a una guitarra eléctrica (creado por Bill Aitken, Mike Dixon y Tony Sedivy en 1986), y es básicamente un instrumento electrónico similar a una guitarra electrónica y que permite manejar el tono con el aliento.

     La actividad de Allan Holdsworth hasta abril de 2017, fecha de su fallecimiento seguió siendo muy prolífica, tanto en solitario como en multitud de colaboraciones y estilos como el acid jazz, free jazz, musica eléctrónica, metal progresivo ó rock.

     Me he dacantado como disco recomendado para esta ocasión por Road Games, precisamente el considerado peor trabajo por el mismísimo Allan, y lo hago precisamente porque cuando lo escuché me encantó, ¿Si éste era el peor trabajo de Allan Holdsworth, dicho por el mísmo, Cómo serían sus demás discos? Ahí lo dejo. Un disco con sólo seis temas, pero repletas del virtuosismo instrumental donde Allan demuestra como es capaz de fusionar estilos como el jazz o el rock progresivo con una facilidad y una naturalidad increíble.

     Allan, un músico que se quejaba amargamente de que sus trabajos no se pusieran más en los medios, pues de su música se decía que era demasiado rockera para ponerla en las emisoras de jazz y demasiado jazz para ponerlo en las emisoras de Rock.

Van Halen, Satriani, Morello, Moore, Petrucci, Malmsteem, Santana, y tantos otros no pueden estar equivocados al nombrar a Allan Holdsworth como una de sus grandes referencias de la guitarra, Frank Zappa llegó  a decir de él: "Allan es uno de los chicos más interesantes del planeta a la guitarra".

Allan Holdsworth, Guitarrista al que yo me atrevo a llamar "Maestro de Maestros", por su forma de entender y ser capaz de modernizar la forma de tocar la guitarra y marcar el camino de grandes guitarristas que se han declarado seguidores incondicionales de su estilo y sus técnicas innovadoras.
     

El disco de la semana 19: Jethro Tull - Aqualung

Aqualung, 1971 (Jethro Tull)

     Para la semana 19 en 7días7notas le toco al grupo de Ian Anderson y los suyos, Jethro Tull. Banda de Rock progresivo británica, liderados por el escocés Ian Anderson, dio sus primeros pasos en 1967, dando por finalizada su aventura en 2014, más de 25 años en activo, un tiempo en el que han editado más de 30 álbumes y vendido más de 60 millones de copias de los mismos.

     Nos vamos a centrar en su cuarto álbum de estudio, Aqualung, que junto al quinto Thick as a Brick, se convirtieron en discos de culto dentro del rock progresivo. Publicado en 1971 por  la compañía Chrysalis Records, fue considerado como un álbum conceptual basado en la temática de Dios y la religión, sin embargo el grupo siempre negó y rechazo el hecho de que el disco fuera considerado como tal, aunque si nos adentramos en la historia y los temas del mismo puede parecerlo.

El grupo estaba compuesto por aquel entonces por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Martin Barre (guitarra eléctrica), Clive Bunker (batería y percusión), Jeffrey Hammond (bajo) y John Evan (piano, órgano y melotrón).

     Para la portada se basaron en una fotografía que la esposa de Ian Anderson realizó a un vagabundo a orillas del río Tamesis. A partir de ahí se encargó de darle forma en forma de retrato de acuarela el dibujante Burton Silverman, donde se muestra a un hombre, un vagabundo con barba, el pelo largo y la ropa vieja.

     El disco arranca con el primer tema, titulado como el disco Aqualung. El tema surge a raíz de aquel mendigo que Ian y su esposa habían visto a orillas del Támesis, lo que captó el interés de ambos y como Ian reconoció posteriormente, aquella imagen le dio remordimientos y tuvo sentimientos de culpabilidad por aquel vagabundo, pues la gente así podía llegar a dar un poco de miedo e inseguridad, lo que le llevó a combinar con una ligera idea romántica de ellos ya que los veía también como espíritus libres que no quieren o no pueden encajar en la sociedad tal y como estaba concebida. Así nace la historia de un vagabundo pedófilo llamado Aqualung. Utilizó ese nombre (traducido al español: Pulmón acuático) porque quería transmitir que el resuello de aquel mendigo era igual al sonido que produce el borboteo de los equipos de buceo bajo el agua. 

Una obra maestra del rock progresivo, sentaros y disfrutar.

     Cross-Eyed Mary, otro de los temas más brillantes del disco y del grupo, dónde nos narran la historia de María la bizca, una joven que va la escuela y también ejerce como prostituta. María prefiere la compañía de viejos verdes a estar con sus compañeros de clase, y aunque hay muchos hombres ricos que pagarían por su compañía ella busca y prefiere estar con esos viejos verdes a los que acompaña como favor. En este tema vuelve a aparecer el personaje del anterior tema, pues Aqualung, el vagabundo pedófilo es uno de esos viejos a los que acompaña.

     Cheap Day Return, es un tema escrito a modo autobiográfico, pues 

Ian la compuso después de ir a visitar a su padre, el cuál se encontraba gravemente enfermo. tema acústico de apenas minuto y medio donde Ian nos habla de ese duro momento.

     Mother Goose, vuelve con otra composición donde en la primera parte es completamente acústica para pasar a la segunda metiendo ya guitarra eléctrica, donde Ian consigue darle al tema un aire totalmente medieval con su flauta, donde nos habla de Mama Ganso, un personaje muy típico en los cuentos ingleses.

     Wond'ring Aloud, otro tema corto y acústico, de apenas dos minutos donde Ian repite la fórmula de Cheap Day Return. Magnífica composición acústica de la cuál relizaría posteriormente una versión ampliada a la que llamaría Word'ring Again y que incluiría en el álbum Living in the Past.

     Up To Me, tema muy en la línea de Mother Goose, donde vuelve a dar ese aire medieval con su magistral flauta, para luego dar el giro al sonido con la guitarra eléctrica.

     My God, tema que abría la cara B del disco, donde comienza parafraseando el Génesis de la Biblia, una potente crítica dirigida a la iglesia de Inglaterra a la que calificaba de "sangrienta y maldita". Este tema hizo que en España, inmersa en una dictadura, se retrasara su salida al mercado debido a las ideas expresadas en el tema para evitar que fuera censurado, y cuando por fín vio la luz el disco sufrió recortes en algunos temas debido a la censura. Atentos al impresionante solo de flauta que se marca anderson en este tema.

     Hymn 43, uno de los temas más rockeros del disco, donde sigue con la temática del tema anterior. Es una velada crítica al Padre Nuestro y en definitiva a todos esos himnos que se cantan en las iglesias para alabar a Dios. 

     Slipstream, es tema anecdótico de poco más de un minuto de duración.

     Locomotive Breath, otra de las joyas del disco, comienza con una lenta y triste introducción de piano para luego ir cogiendo fuerza y como un tren de mercancias ir arrollando todo lo que encuentra a su paso, un magnífico tema. El tema trata de un hombre al que su mujer le engaña y encima sus hijos le han abandonado, por lo que este hombre, sin nada por lo que vivir y luchar ya decide suicidarse e ir al precipicio como una locomotora sin frenos. Tema que vuelve a ser una crítica a Dios, el cuál siempre gana frente al "eterno perdedor", el hombre.

     Wind-Up, tema que cierra el disco, donde la risa de Ian Anderson fue considerada como una burla hacia los críticos musicales, una risa que volvería a repetir en el disco Thick as a Brick.

     Aqualung es un disco clave dentro del rock progresivo, cargado de una clara crítica hacia Dios y hacia los estamentos religiosos, un disco que siendo considerado conceptual, el mismo Ian se encargó de repetir por activa y pasiva que no lo era, y que solo se trataba de un disco con canciones e instrumentaciones variadas, y que si tantas ganas tenían de un álbum conceptual el les enseñaría lo que es, y decidió concebir Thick as a Brick en 1972, una parodia sobre el género de disco conceptual. Parodia o no, conceptual o no, Aqualung es una maravilla, y Thick as a Brick otra.