1469.- Sir Duke - Stevie Wonder

"Sir Duke", compuesta e interpretada por Stevie Wonder para su álbum "Songs in the Key of Life" (1976), fue lanzada como single promocional del disco ya entrado el año 1977, y consiguió llegar al nº1 tanto del Billboard Hot 100 como de la lista paralela de singles de música negra en Estados Unidos. Su éxito no fue menor en Reino Unido, donde alcanzó la segunda posición de las listas de ventas, en un mercado en el que, hasta entonces, nunca había llegado a unos registros tan altos con ninguna otra canción en ese momento.

La letra de "Sir Duke" es principalmente un homenaje a la leyenda del jazz Duke Ellington, compositor, director de orquesta y pianista fallecido tan solo dos años antes, en 1974, al que Wonder quería honrar y agradecer la enorme influencia que había tenido en su música, aunque a lo largo de la canción aparecen también referencias a otros grandes músicos de jazz como Count Basie, Glenn Miller, Louis Armstrong o Ella Fitzgerald, a los que también quiso mencionar y mostrar agradecimiento.

Pese a ser un tributo al jazz y a sus intérpretes más reconocidos, la música de "Sir Duke" tiene un ritmo a medio camino entre el jazz y el funk, y el funk, con la impactante voz de Wonder magistralmente secundada por una impresionante sección de vientos. Es, sin duda, uno de los grandes temas de "Songs in the key of life", pero además es uno de los temas más legendarios de la carrera de "Sir Wonder", un artista que llegó por méritos propios a sentarse a la mesa de los músicos a los que tanto admiraba. 

1468 - Eagles - Hotel California

1468 - Eagles - Hotel California

Lanzada en 1976, "Hotel California" es probablemente la canción más icónica de la banda estadounidense Eagles. Esta obra maestra del rock clásico se convirtió rápidamente en un himno cultural, destacando tanto por su sofisticación musical como por sus letras enigmáticas. Incluida en el álbum homónimo, la canción ha resistido la prueba del tiempo, siendo tan relevante y cautivadora hoy como lo fue hace casi cinco décadas.

Desde el primer acorde de guitarra acústica, "Hotel California" transporta al oyente a un mundo cargado de misterio y simbolismo. La estructura musical de la canción, con su mezcla de rock, country y un toque de influencias flamencas, es un ejemplo brillante de la capacidad de los Eagles para trascender géneros. El solo de guitarra al final, interpretado por Don Felder y Joe Walsh, es considerado uno de los mejores en la historia del rock, con un fraseo melódico y una intensidad emocional que elevan la canción a un nivel épico.

La letra, escrita por Don Henley y Glenn Frey, ha sido objeto de innumerables interpretaciones. Narra la historia de un viajero que llega a un hotel aparentemente lujoso pero inquietante, donde "puedes registrarte cuando quieras, pero nunca puedes salir". Más allá de lo literal, muchos ven en esta metáfora una crítica al estilo de vida hedonista de California en la década de 1970, con alusiones al exceso, la adicción y la pérdida de identidad. La frase "This could be Heaven or this could be Hell" encapsula el contraste entre las promesas de glamour y las sombras que acechan detrás del brillo.

La interpretación vocal de Don Henley es impecable, transmitiendo un tono melancólico que refuerza la atmósfera de intriga. Combinada con los arreglos instrumentales minuciosamente elaborados, la canción tiene un magnetismo hipnótico que atrapa al oyente desde el principio hasta el final.

"Hotel California" no solo consolidó a Eagles como una de las bandas más influyentes de su tiempo, sino que también dejó un legado cultural que sigue inspirando a músicos y cautivando a nuevas generaciones. Su capacidad para abordar temas profundos y ambiguos, junto con su virtuosismo musical, la convierten en mucho más que una simple canción: es una obra de arte que invita a reflexionar sobre la naturaleza de los sueños y las trampas que pueden esconderse detrás de ellos.

"Hotel California" es una experiencia sonora y lírica inolvidable, una de esas raras composiciones que no solo se escuchan, sino que se sienten.

Daniel 

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1467.- Isn't She Lovely - Stevie Wonder

 

Isn't She Lovely, Stevie Wonder 

     Songs in the Key of Life es el decimoctavo álbum de estudio del cantante, compositor y músico estadounidense Stevie Wonder .Fue lanzado como un álbum doble el 28 de septiembre de 1976 por Tamla Records , sello discográfico subsidiario de Motown Records . Fue grabado principalmente en el estudio Crystal Sound en Hollywood , con algunas sesiones grabadas en los Record Plant Studios de Hollywood, los Record Plant de Sausalito y los The Hit Factory de Nueva York; la mezcla final se realizó en Crystal Sound. El álbum ha sido considerado por los periodistas musicales como la culminación del "período clásico" de Stevie Wonder.

En 1974, Wonder era una de las figuras más exitosas de la música; sus álbumes anteriores Music of My Mind (1972), Talking Book (1972), Innervisions (1973) y Fulfillingness' First Finale (1974) fueron éxitos de crítica consecutivos. Sin embargo, en marzo de 1975, Wonder consideró seriamente abandonar la industria musical y emigrar al país africano Ghana para ayudar a niños con discapacidades. Cuando los planes para un concierto de despedida ya habían comenzado, Wonder cambió de opinión y firmó un nuevo contrato con Motown Records el 5 de agosto de 1975. Este esbozaba un acuerdo de siete años y siete álbumes, con control artístico completo. En ese momento, fue el acuerdo de grabación más grande de la historia.

Songs in the Key of Life fue lanzado como un LP doble con un EP extra de cuatro canciones. Debutó en el número uno en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el tercer álbum en lograr esa hazaña, y el primero de un artista estadounidense. El álbum pasó trece semanas consecutivas en el número uno en el Billboard 200, convirtiéndose en el álbum con más semanas en el número uno durante el año, y fue el segundo álbum más vendido de 1977 en los EE. UU.

Incluido en este ĺbum se encuentra el tema Isn't She Lovely. Wonder escribió esto para celebrar el nacimiento de su hija, Aisha. 

La canción comienza con el llanto de un bebé recién nacido. Ese no es el tema de la canción, Aisha, pero al final de la canción, cuando Stevie dice: "Vamos, Aisha. Sal del agua, nena", el chapoteo y las protestas (familiares para muchos padres a la hora del baño) son en realidad de ella, grabados durante un momento memorable entre Stevie y su hija. Wonder tenía a Aisha con Yolanda Simmons, a quien menciona cerca del final de la canción. El músico tocó todos los instrumentos en esta canción, excepto algunos de los teclados, que fueron realizados por Greg Phillinganes. La canción dura 6:34 minutos con un fundido largo en el que Wonder interactúa con su hija. Gracias a un contrato que le permitía tener el control total de su música, firmado con Motown Records, pudo hacer que la canción se editara y se lanzara como sencillo en Estados Unidos, aunque no llegó a colarse en el Billboard Hot 100 de las listas de ventas a pesar de ser una de sus canciones más populares. La canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido, donde se redujo a 3:26.

 

Blur: los orígenes de una banda icónica y su álbum debut Leisure (Mes Blur)

Blur: los orígenes de una banda icónica y su álbum debut Leisure #mesBlur 

Durante este mes de enero, lo dedicaremos para explorar la historia, música e impacto de la banda Blur, una de las bandas más influyentes del Britpop y de la música británica en general. Su trayectoria, marcada por la experimentación y la reinvención constante, comenzó en Colchester, Inglaterra, a finales de los años 80, cuando Damon Albarn (voz y teclados), Graham Coxon (guitarra), Alex James (bajo) y Dave Rowntree (batería) se unieron con un objetivo común: crear música que reflejara las influencias de su tiempo mientras construían una identidad propia.

En sus inicios, Blur enfrentó el desafío de destacar en un panorama musical que ya contaba con movimientos como el shoegaze, el madchester y las secuelas del post-punk. Inicialmente conocidos como Seymour, el cuarteto cambió su nombre a Blur a sugerencia de su discográfica, Food Records, antes de lanzar su primer sencillo. Este cambio marcó el inicio de su carrera, una que eventualmente los llevaría a redefinir el sonido británico de los años 90.

Con su álbum debut, Leisure (1991), Blur dio su primer paso hacia la industria musical. El disco capturó el espíritu de su época y, aunque no representa el pico creativo de la banda, es un testimonio crucial de sus raíces y de su potencial. A continuación, contaremos los orígenes de Blur y este primer trabajo discográfico que marcó el inicio de su evolución artística. Y durante el mes de enero iremos conociendo sus álbumes en esto que solemos llamar el artista del mes #mesBlur. 

La historia de Blur comenzó en 1988, cuando Damon Albarn y Graham Coxon se conocieron en el Goldsmiths College de Londres, un entorno que fomentaba la creatividad y la experimentación artística. Ambos compartían un amor por la música y, junto con Dave Rowntree y Alex James, formaron una banda que inicialmente seguía las tendencias musicales predominantes de la época. Bajo el nombre de Seymour, el grupo comenzó a tocar en pequeños locales y a desarrollar su estilo.

El cambio a Blur llegó después de firmar con Food Records, que vio en ellos un potencial comercial que podía pulirse. A pesar de sus influencias iniciales del shoegaze y el madchester, Blur buscaba diferenciarse de sus contemporáneos, algo que no quedó completamente reflejado en Leisure, pero que se convertiría en su sello distintivo en álbumes posteriores.

En este contexto, Leisure nació como un esfuerzo por captar la atención del público y establecer a la banda en la escena musical británica.

Leisure, lanzado en agosto de 1991, refleja tanto las fortalezas como las debilidades de una banda joven aún en búsqueda de su identidad. Producido por Stephen Street, el álbum combina elementos del shoegaze, la psicodelia y el madchester, tendencias populares en ese momento. Si bien carece de la cohesión y la innovación que definirían los trabajos posteriores de Blur, el disco muestra destellos de la creatividad que más tarde los consagraría como una de las bandas más importantes del Britpop.

Canciones destacadas de Leisure

1. “She’s So High”

El álbum abre con “She’s So High”, una declaración de intenciones que combina guitarras distorsionadas, una línea de bajo hipnótica y la voz etérea de Damon Albarn. Este tema, que también fue el primer sencillo de Blur, establece el tono psicodélico del disco y deja entrever la capacidad de la banda para crear melodías pegajosas. Aunque sencilla en su composición, captura el espíritu de una banda que aún experimentaba con su sonido.

2. “There’s No Other Way”

El gran éxito comercial del álbum y uno de los puntos más altos de Leisure. Con un ritmo bailable, una guitarra distintiva de Graham Coxon y una estructura pegajosa, esta canción encapsula perfectamente el sonido madchester. Su éxito ayudó a establecer a Blur como una banda prometedora en la escena musical británica.

3. “Sing”

“Sing” es una de las canciones más destacadas y atípicas del álbum. Con un piano repetitivo y una atmósfera melancólica, este tema se aleja del tono festivo de otras pistas para explorar un lado más introspectivo y experimental. Anticipa el sonido más maduro que Blur desarrollaría en álbumes posteriores como Modern Life Is Rubbish (1993).

4. “Bang”

A pesar de ser uno de los sencillos del álbum, “Bang” es quizás la canción más criticada de Leisure. Aunque tiene un ritmo pegajoso y es claramente comercial, carece de la profundidad y originalidad de otros temas, lo que la convierte en un punto débil del disco.

El mayor mérito de Leisure es su capacidad para capturar el espíritu de principios de los años 90. La influencia de movimientos como el shoegaze y el madchester está presente en canciones como “Fool” y “Come Together”, mientras que temas como “Sing” y “She’s So High” muestran un lado más experimental y creativo.

Sin embargo, el álbum también refleja las limitaciones de una banda joven que aún no había encontrado su identidad definitiva. Algunos temas parecen excesivamente influenciados por las tendencias del momento, lo que les resta originalidad. Además, la falta de cohesión temática y sonora hace que Leisure se sienta como una colección de canciones más que como un álbum con una visión clara.

La importancia de Leisure radica en ser el punto de partida de una de las carreras más dinámicas e innovadoras de la música británica. Con álbumes como Modern Life Is Rubbish (1993), Parklife (1994) y The Great Escape (1995), Blur evolucionó para convertirse en el rostro del Britpop, redefiniendo el panorama musical de los años 90.

Leisure puede parecer un trabajo menor en comparación con la obra posterior de la banda, pero es esencial para entender sus raíces y su evolución. Es un testimonio de una banda en transición, influenciada por su entorno pero con un potencial que pronto explotaría.

Los orígenes de Blur y su álbum debut, Leisure, son piezas fundamentales para comprender la trayectoria de una de las bandas más importantes de la música británica. Aunque no es su trabajo más icónico, Leisure captura un momento único en el tiempo, cuando Blur estaba explorando su lugar en el panorama musical.

Durante este mes dedicado a Blur, exploraremos no solo sus discos, sino también su impacto cultural, sus influencias y cómo lograron trascender las etiquetas del Britpop para convertirse en una banda universalmente admirada. Con Leisure, Blur dio sus primeros pasos hacia un legado que, más de tres décadas después, sigue siendo tan relevante como en sus inicios.

Daniel 

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1466.- Evergreen - Barbra Streisand

Ha nacido una estrella es una especie de mito americano, una historia que se repite una y otra vez, y cuya forma varía apenas de una versión a otra. Ha nacido una estrella ha existido en Estados Unidos desde que existen celebridades en el mundo del espectáculo. Cuando Barbra Streisand hizo su versión de la historia, ya se había llevado al cine dos veces: primero en 1937, con Janet Gaynor y Frederic March, y luego en 1954, con Judy Garland y James Mason. En cada nueva versión (y oficialmente ya ha habido cuatro) es una fábula del mundo del espectáculo sobre una joven talentosa y sobre un hombre mayor y en decadencia que la ayuda a alcanzar el éxito y luego se resiente cuando ella lo eclipsa. Barbra Streisand ya era una estrella cuando hizo su versión de A Star Is Born . Había ganado un Oscar en 1969. Había tenido el single más exitoso de 1974 con " The Way We Were ". Y se había convertido en la actriz más rentable de Hollywood. La versión de 1976 de A Star Is Born es realmente solo un escaparate para Streisand, tanto como actriz como cantante. La versión de Streisand de A Star Is Born es la primera que se publicó durante la era del rock and roll y, según ella, el hombre que envejece es una estrella de rock autodestructiva que bebe constantemente hasta perderse en el olvido. Streisand quería elegir a Elvis Presley como el interés amoroso, pero el coronel Tom Parker quería demasiado dinero, así que eligió a Kris Kristofferson.

Barbra Streisand impuso trabajar con Paul Williams, los dos lograron el éxito con “Love Theme From A Star Is Born (Evergreen)”, una canción que Streisand y Williams escribieron juntos. Streisand casi nunca había escrito una canción antes, pero estaba aprendiendo a tocar la guitarra para poder tocarla en la película. Se le ocurrió la melodía de la canción, la tocó en la guitarra para Williams y se preguntó en voz alta si sería buena. Williams dijo que era genial y escribió la letra de la canción. A Star Is Born es, por encima de todo, un musical, y “Evergreen” básicamente cumple la misma función que “Shallow” de Lady Gaga y Bradley Cooper en la versión de 2018 de “A Star Is Born”, está ahí para decirnos dos cosas: Barbra Streisand y Kris Kristofferson se quieren muchísimo, y Barbra Streisand sabe cantar de verdad. En la película, Streisand y Kristofferson cantan la canción mientras se miran con avidez, y la voz de Streisand opaca por completo la de Kristofferson. En la versión grabada, Kristofferson está afortunadamente ausente. Musicalmente, “Evergreen” es un exuberante jarabe de los años 70, lleno de pianos y cuerdas y coristas arrullantes, en otras partes del exitoso álbum de la banda sonora, Kristofferson gruñó a través de un rock sintetizado genérico, mientras que Streisand hizo un par de intentos de cantar soul con un ritmo rápido. Pero “Evergreen” es Streisand en su zona de confort, tambaleándose pirotécnicamente, dejando que su voz se hunda, gire y se sumerja. Su interpretación de la canción está en algún lugar entre el brillo de Broadway y el melisma gospel, dos estilos muy vistosos que siempre fueron bastante compatibles, como ejercicio técnico, ese trabajo es enormemente impresionante. También es el tipo de cosa que tiende a exprimir todo el significado de las letras, así que tal vez fue bueno que la letra fuera insignificante.

1465.- Joan Armatrading - Love and affection

 

Joan Armatrading es sencilla, directa, y con mucho que contar, posee mucho más que una inclinación por la composición ingeniosa y una fuerza metafórica que impregnan su vasta obra. Es una gran músico que maneja bastante instrumentos además de una vocalista dinámica y una intérprete magnética…. Un dato, tocó el piano en algunos álbumes de Thin Lizzy, entonces, ¿por qué no es un nombre conocido? Porque somos locos ignorantes, tal vez. Joan nació en la isla antillana de St. Kitts antes de mudarse a Birmingham, Inglaterra, en 1958 a los ocho años. Su madre le dio a Joan su primera guitarra, intercambiando dos cochecitos de bebe en la casa de empeños local. Creció en los años 60, y estuvo influenciada por los muchos remolinos de música popular que confluían en ese momento, desde el rock, el reggae y el folk, hasta el jazz y el soul. Armatrading se convirtió en una fuerza única en la escena musical inglesa, con su piel oscura, su gran afro, su voz cordial y sus letras conmovedoras que son imposibles de negar. Fue nominada a varios premios Grammy, obtuvo discos de oro y platino y abrió el camino a través de su canto y su musicalidad a muchas cantautoras populares de la actualidad, desde Tori Amos y Ani DeFranco hasta Norah Jones. Pero su gama dinámica de estilos es probablemente la razón por la que no es más grande de lo que es. Joan Armatrading desafía la categorización, algo con lo que la industria musical siempre ha tenido problemas, menos en los años 70, pero particularmente ahora. En este sentido, es más parecida a Me'Shell NdegeOcello, otra brillante letrista y fuerte música que comparte tanto la obsesión de Armatrading con el amor y el dolor como su voluntad de fusionar múltiples géneros en cualquier canción.

Love And Affection es una canción de amor para entendidos, es un pudín de pan y mantequilla almibarado y salado, con miel quemada, un vino de postre sensual de color castaño, una canción de amor. También es un ensayo sobre el tema del dolor, arde, el primer verso es como una colilla de cigarrillo arrojada desde un auto a la maleza seca al costado de la carretera. Tiene necesidades. Anhela. Una cinta de humo blanco apenas se percibe contra la hierba quemada.

“Pero con un amante”

Esta frase es la clave de toda la canción, la nombra dos veces, le da la vuelta a la idea de que los amigos leales son más importantes que las relaciones románticas. Aquí las amistades parecen aventuras amorosas en comparación con la fusión de almas que ella busca. Amante es una palabra cargada en el mejor de los casos. Joan Armatrading la sobresatura de significado. Baja la voz en la palabra "pero", reserva esa profundidad suave y añeja del roble para hablar de amantes. Ese "pero" marca el comienzo de un descenso vocal hacia un mundo de tabaco, carbón y melaza. Una súplica de amor conmovedora, hecha de manera desgarradoramente hermosa por una voz que casi naufraga en la oleada de emoción, es seguida por repetidas peticiones de amor; repetición en el sentido más literal. A veces, los buenos amigos no son suficientes. Love And Affection es una canción de emociones desgarradoras, basada en una gran idea, interpretada por una voz de un registro exquisito, una obra de grandeza sublime.

Disco de la semana 411: Rainbow Race - Pete Seeger

Tras más de treinta años dedicado al folk más clásico y reivindicativo, Pete Seeger siguió el ejemplo de Bob Dylan y, sin perder un ápice de intensidad social y política en sus proclamas, se arriesgó a revestir sus canciones con instrumentos adicionales a sus tradicionales y característicos banjo y guitarra acústica. Al no electrificar su sonido, la decisión no fue tan arriesgada como la de Dylan, pero fue tanto o más acertada, ya que dotó a su octavo disco de estudio Rainbow Race (1971) de un sonido mucho más completo y accesible para el gran público. sin enterrar con ello la escucha de sus reivindicativas y afiladas letras.

Para lograr el sonido y el efecto deseados para Rainbow Race, Pete Seeger se encomendó a la efectiva producción de Bob Johnston, que precisamente había trabajado en varios de los discos de Bob Dylan y de Simon and Garfunkel, entre otros, y el resultado sorprendió a muchos, pero no defraudó a nadie, ya que todas y cada una de las diez piezas que lo componen brillan por la agradable sonoridad de sus melodías y sus sencillos pero efectivos arreglos orquestales. Ocho de ellas están firmadas por el propio Pete Seeger, que como siempre volcó en ellas mensajes reivindicativos sobre la problemática social y política del momento en Estados Unidos, y se lanzó además a versionar un par de temas de otros artistas del género.

El disco abre con la incisiva "Last train to Nuremberg" ("Último tren a Nuremberg"), en la que Seeger denuncia la responsabilidad colectiva de su país en la guerra de Vietnam, enumerando a los culpables a los que enviaría en tren a Nuremberg para ser juzgados por sus delitos: "Veo al presidente Nixon, a ambas Cámaras del Congreso, veo a los votantes, a mí y a ti. Último tren a Nuremberg...¡Todos a bordo!

La brillante canción de arranque no será la única en tratar las profundas heridas sociales y políticas de la participación en la guerra de Vietnam, ya que tras la también brillante "Sailing Down this Golden River" ("Navegando por este río dorado") el tema vuelve con fuerza en "Uncle Ho" ("El tío Ho"), en la que se inspira en una frase de Benjamin Franklyn ("Ama a tus enemigos: Ellos te descubren tus defectos"). La cara A se completa con la bella y melancólica "Snow Snow" ("Nieve, nieve") y "My Rainbow Race" ("Mi carrera del Arco Iris"), un efectivo tema con aires de canción infantil, con el que Pete Seeger dio título al disco.

En la cara B alterna buenos temas propios como "Our Generation" ("Nuestra generación"), "Old Devil Time" ("El Tiempo del viejo demonio") o "Words, Words, Words" ("Palabras, palabras, palabras") con las dos mencionadas versiones de temas ajenos: "The Clearwater", un tema de protesta ecológica que Bud Foote, un profesor de escuela de Georgia, había escrito tras escuchar a Seeger en un concierto, y "Hobo's Lullaby", un viejo tema de country de Goebel Reeves que Seeger aprendió de Woody Guthrie en los años cuarenta. Se dice que era la canción que Pete Seeger cantaba a Guthrie en sus últimos días, cuando iba a verle al hospital. Quizá por eso, y por ser el tema más antiguo, es también la interpretación más austera y desnuda del disco, un sentido homenaje al folk clásico de Guthrie con el que terminar de manera brillante un disco en el que Pete Seeger estaba dando un paso más allá de las sabias enseñanzas de su maestro. 

1464.- Jean Michelle Jarre - Oxygene, Pt 4

"Oxygen" es uno de los álbumes más famosos de Francia y una obra maestra de la música electrónica. Grabado en el estudio privado de Jean Michel Jarre en París, utilizando un 8-tracks, "Oxygen" es el ejemplo más directo de cómo un artista con el uso de sintetizadores analógicos y digitales puede simular una orquesta. Al escuchar "Oxygen" nos emocionamos por la poderosa magia que libera la música, es como si nuestra mente volara libre en el espacio, aterrizando, entonces, en un planeta lleno de flores y árboles, limpio y mágico. A lo lejos un castillo, protegido por un escudo mágico. Sin embargo, la amenaza inminente de una invasión desde el espacio. La guerra nos traerá de vuelta al espacio. Pero será derrotado por el bien. Musicalmente, "Oxygen" es una larga suite en 6 partes que no tiene otros pasos que una música dulce, altamente evocativa (incluso técnica, si nos fijamos bien) pero demasiado llena de atmósfera mágica. No hay ningún intento de utilizar sintetizadores para encontrar nuevos sonidos, sino que los sintetizadores están ahí para buscar nuevos horizontes en la música, como si quisieras continuar una conversación iniciada por Mozart o Beethoven.

'Oxygen, Part I' un comienzo acuático espacial, donde cuando el agua fluye de un agujero negro al final de su vida; el sonido tan único en ese momento, recuerda, aparte de VANGELIS, TANGERINE DREAM o Klaus SCHULZE, el ascenso solemne está llegando, lo recuerdas por supuesto, crepita por todas partes; hoy lo encuentro simplista, pero ayer era otra historia... 'Oxygène, Part Ii' continúa la senda, más de 20 minutos sin pausa, eso fue prodigioso e innovador, no sabemos cuándo si con esta forma de tormenta sintética, vemos salir las notas, parece fácil... vanguardista y simplista para quien toca un poco diferentes secuenciadores ahora, pero fue algo extraordinario y la melodía es excelente, aterciopelada, nos sumerge entre algodones; Sigue Oxygen, Part Iii' un momento corto, solemne, dantesco, lo básico que soñaste con escribir en un teclado. Con 'Oxygène 4' estamos en uno de los raros éxitos de radio que ha traspasado el tiempo, hermoso, sensual, metronómico, hipnótico, danzante, notas que se retuercen; el tubo interplanetario 'Oxygen, Part V' corta literalmente con burbujas llevándonos del hiperespacio a abismos profundos; palpitante, ruido rosa o casi, un himno, un himno, una canción basada en la contemplación; 4 minutos antes de salir a una Parte2 más mundana, más solemne, más majestuosa; así que sí podemos criticar, hablar del lado básico, pero ¿cuándo te vas a asentar y aceptar escuchar la belleza sin quejarte?. Vienen las olas, sabemos que el agua nos traerá de vuelta a la tierra 'Oxygen, Part Vi' mar, oxígeno, gaviotas y un sintetizador y la recta final con un sonido más apagado pero no necesariamente mejor en sí mismo; un poco más personal este sonido de olas rodantes, sí, es solo un sonido de sintetizador pero ¡qué bien hecho estaba, qué resuena bien todavía!

Jean Michel Jarre lanzó un álbum único en su tiempo, no lo olvidéis, eso es todo y es demasiado, no podemos olvidar estos álbumes iniciadores sin los cuales no estaríamos aquí escuchando música electrónica ahora. El único problema de “Oxygen” es haber sido compuesta, grabada y editada en 1976, el año cero del Punk, porque “Oxygen” fue, es y será siempre una obra maestra.

1463.- Sunny - Boney M

 

Sunny, Boney M

     Take the Heat off Me fue el álbum debut del grupo alemán de música disc Boney M. Fue grabado entre diciembre de 1974 y abril de 1976 bajo la producción de Frank Farian, y publicado el 28 de junio de 1976 por los sellos discográficos Atlantic Records, Atco Records y Hansa Records. El álbum se convirtió en un gran éxito de ventas en Europa, específicamente en los países nórdicos (número 1 en Suecia y Finlandia, número 2 en Noruega), pero en los EE. UU. el álbum no llegó a entrar en las listas de éxitos. Entre las canciones s eencuentra uno de sus grandes éxitos en Europa, Sunny.

Sunny  es un estándar de soul jazz escrito por el cantante y compositor estadounidense   Bobby Hebb en 1963. Es una de las canciones populares más interpretadas y grabadas , con cientos de versiones publicadas, y su progresión de acordes influyó en canciones posteriores. BMI llego a clasficar a Sunny en el puesto número 25 de su "Top 100 canciones del siglo". Los padres de Hebb, William y Ovalla Hebb, eran músicos ciegos. Bobby y su hermano mayor Harold actuaron en sus cominzos como dúo de canto y baile en Nashville, cuando Bobby tenía tres años y Harold nueve. Luego Bobby actuaría en un programa de televisión presentado por el productor de música country Owen Bradley. Bobby escribió la canción después de que su hermano mayor Harold fuera apuñalado hasta la muerte en la puerta de un club nocturno de Nashville. Quedó devastado por el suceso y muchos críticos dicen que este hecho inspiró la letra y la melodía. Según Bobby, simplemente escribió la canción como una expresión de su preferencia por tener  una "aptitud alegre en lugar de una disposición pésima" tras el asesinato de su hermano. El grupo de múscia disco Boney M grabó la canción para su álbum debut de 1976, Take the Heat off Me , producido por Frank Farian y arreglado por Stefan Klinkhammer. Sunny llegó a encabezar las listas alemanas y llegó también al top ten en muchos otros países, sobre todo en Europa.

1462 - La Máquina de Hacer Pájaros - Como mata el viento norte

1462 - La Máquina de Hacer Pájaros - Como mata el viento norte

La Máquina de Hacer Pájaros, una de las bandas más sofisticadas del rock progresivo argentino de los años 70, nos regaló con "Como mata el viento norte" una obra maestra que encapsula el virtuosismo y la poesía que caracterizan su breve pero influyente discografía. La canción, perteneciente a su álbum Películas (1977), es un viaje sonoro y emocional que refleja la capacidad de la banda para mezclar complejidad musical con una lírica cargada de simbolismo.

Desde los primeros acordes, “Como mata el viento norte” evoca una atmósfera melancólica que resulta envolvente. El piano y los sintetizadores, manejados con maestría por Charly García, quien lideró el proyecto tras la disolución de Sui Generis, construyen un paisaje sonoro etéreo que transporta al oyente a un espacio de introspección. El bajo y la batería, ejecutados por José Luis Fernández y Oscar Moro, respectivamente, brindan una base rítmica sólida que equilibra la fluidez de los teclados y las guitarras.

La estructura de la canción rompe con los esquemas convencionales de la música popular de la época, destacándose por su naturaleza progresiva. A lo largo de sus casi ocho minutos, la pieza transita por diferentes secciones, cada una con su propio carácter, pero unidas por una narrativa musical coherente. Esta evolución constante mantiene al oyente inmerso en la experiencia, mientras la banda demuestra su habilidad para experimentar sin perder emotividad.

La letra de “Como mata el viento norte” es otro de los grandes aciertos de la canción. El título, por sí solo, ya es evocador: sugiere un viento que no solo mueve el aire, sino que carga con un poder devastador, tanto físico como emocional. En sus versos, García utiliza un lenguaje poético que combina imágenes de la naturaleza con reflexiones existenciales. Es una meditación sobre la pérdida, el paso del tiempo y la fragilidad de la vida, temas universales que encuentran un eco en la profundidad de la música.

El tema es un testimonio de la creatividad de La Máquina de Hacer Pájaros, un grupo que supo adelantarse a su tiempo. A pesar de la corta duración de su carrera, dejaron un legado imborrable en el rock argentino, y “Como mata el viento norte” es una de las máximas expresiones de esa herencia. Su mezcla de técnica, emoción y lirismo sigue resonando décadas después, convirtiendo a esta canción en una pieza imprescindible para los amantes de la música progresiva y para quienes buscan un arte que no solo se escuche, sino que también se sienta.

Daniel 

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1461.- Río Ancho -Paco de Lucía

 

Río Ancho, Paco de Lucía

    Paco de Lucía fue una figura clave en la evolución del flamenco moderno y en la expansión de sus fronteras al fusionarlo con otros géneros musicales, especialmente el jazz. Su importancia radica no solo en su virtuosismo como guitarrista, sino también en su espíritu innovador, que transformó la manera en que se percibe y se interpreta el flamenco a nivel global. Rompió con la tradición más purista del flamenco, incorporando elementos armónicos, rítmicos y melódicos del jazz, Permitieno que el flamenco, un género profundamente arraigado en la cultura española, se conectara con un público y unos músicos más amplios. Realizó colaboraciones con grnades músicos del ámbito del jazz. Uno de los momentos más emblemáticos de esta fusión fue su trabajo con artistas de jazz de renombre internacional, como John McLaughlin y Al Di Meola. Juntos, grabaron el famoso álbum Friday Night in San Francisco (1981), que se convirtió en un referente para la guitarra en general, fusionando el flamenco con el jazz y otras tradiciones musicales. Adoptó elementos característicos del jazz, como la improvisación, algo que no era común en el flamenco tradicional. Su capacidad para improvisar y dialogar musicalmente con otros guitarristas permitió que el flamenco adquiriera una dimensión más libre y contemporánea. También Introdujo nuevas progresiones de acordes y armonías inspiradas en el jazz, que enriquecieron la paleta sonora del flamenco. Todo esto hizo que Paco de Lucía se convirtiera en uno de los principales artífices del "nuevo flamenco", un subgénero que integra diversas influencias como el rock, la música clásica, y el jazz, haciéndolo más accesible para oyentes de distintas culturas.

Cuando Paco de Lucía hizo el innovador álbum Almoraima, tenía apenas 28 años. Ya consagrado como un talento prodigioso, aprovechó la oportunidad para ampliar las posibilidades de la música flamenca que tanto amaba. No fue tanto la incorporación del bajo y las congas (que ya había empleado antes) como su replanteamiento total de lo que constituía el flamenco. El tema que da título al álbum, que abre el álbum, enfatiza la influencia morisca, no sólo en la presencia del laúd, sino en su melodía, que toma prestado de los sonidos árabes. El disco, que abarca estilos como el flamenco o el jazz, fue publicado en 1976 bajo el sello discográfico Philips Records.

Incluida en este innovador trabajo se enuentra la canción Rio Ancho, que nos transporta el ritmo de la rumba a Brasil, fusionándolo con un aire tomado de la bossa nova, lo que lo hace aún más sinuoso y sensual. La canción es una pieza de guitarra flamenca española que combina influencias del flamenco y el Gypsy jazz (jazz gitano). La pieza está en la tonalidad de mi menor y progresa a la menor , re, sol, do y si7. Las interpretaciones originales de la canción tenían solos de flauta notables hacia el final de la pieza, que recordaban a la música gitana española clásica con trompetas.

1460 - Bill Conti - Gonna fly now

1460 - Bill Conti - Gonna fly now

“Gonna Fly Now”, compuesta por Bill Conti, es una de las piezas musicales más icónicas del cine, conocida por su asociación con la película Rocky (1976). Esta canción no solo se convirtió en el tema principal de la saga, sino también en un símbolo universal de superación y motivación.

La composición es un ejemplo brillante de cómo la música puede captar la esencia de una narrativa. Desde el primer segundo, los acordes orquestales se combinan con una percusión contundente que evoca un sentido de urgencia y determinación. La melodía principal, interpretada por una sección de metales prominente, es simple pero poderosa, fácilmente reconocible, y transmite una energía que inspira acción.

La letra, aunque breve, es significativa. Con frases como “Gonna fly now, flying high now”, se enfatiza la idea de alcanzar metas, superar obstáculos y elevarse por encima de los desafíos. Las voces del coro, mezcladas con los arreglos instrumentales, añaden una dimensión emocional que conecta profundamente con el oyente.

La estructura musical de “Gonna Fly Now” refleja el arco narrativo de un entrenamiento o una lucha por el éxito. Comienza de manera pausada y se construye gradualmente hacia un clímax vibrante, simulando la progresión del esfuerzo y la eventual victoria. Este diseño fue perfecto para acompañar las icónicas escenas de entrenamiento de Rocky Balboa, especialmente aquella en la que corre por las calles de Filadelfia y sube las escaleras del Museo de Arte de Filadelfia.

El impacto cultural de “Gonna Fly Now” es innegable. Más allá de su función en la película, se convirtió en un himno utilizado en contextos deportivos, eventos de motivación y cualquier situación que requiera un empuje de energía positiva. Su influencia también se extiende a la música cinematográfica, marcando un estándar para los temas de películas deportivas.

El éxito de la canción se reflejó en las listas de popularidad. Alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 en 1977, consolidándose como un clásico instantáneo. Además, el trabajo de Bill Conti en Rocky le valió un lugar destacado entre los compositores de cine, y su estilo ha sido imitado en innumerables ocasiones desde entonces.

“Gonna Fly Now” es más que una canción; es un manifiesto de perseverancia y triunfo. Su combinación de arreglos instrumentales dinámicos, una letra esperanzadora y una ejecución impecable la convierten en una obra atemporal que sigue inspirando generaciones. Su relevancia trasciende décadas, recordándonos que, con esfuerzo y determinación, todos podemos "volar alto".

Daniel 

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Rod Stewart - Foot Loose & Fancy Free (Mes Rod Stewart)

 

Si hay un artista con el que siempre me ha costado conectar fue Rod Stewart, y es que desde joven fui expuesto a algunos de sus hits, considerando que a mis padres le encantaban, muchos de los temas sueltos que le escuché eran bastante malos, y años después supe que pertenecían a su etapa más cuestionada, los discos post 1978, así que a la tarea encomendada de reseñar este Foot Loose & Fancy Free no llegue con mucha confianza aunque es uno de sus trabajos más celebrados y vendidos en los 70, más sabiendo que abre con “Hot Legs”, tema del que nunca fui tan fan, pero que al menos si le tenía tolerancia, ya que había cierto desplante en el vocalista coqueteando con ese riff clásico. A Rod algo le salió terriblemente mal entre 1971, cuando Stewart lanzó el clásico Every Picture Tells a Story, y 1977, cuando Foot Loose & Fancy Free llegó a las estanterías de discos. ¿Qué había sido del Rod Stewart que vagaba por los bosques de abedules blancos de la provincia de Saskatchewan, cantando con todo su corazón? Se había convertido en un periodista, vendió su alma por un dinero inmundo, Sin embargo hubo un cambio de timon, lo que me encontré fue una grata sorpresa, ya que el buen Rod experimenta con varios géneros y cuenta con unos aliados bastante potentes, creando algunas de las mejores canciones de su catálogo. El álbum ofrece un valor tremendo desde la perspectiva de los éxitos, ya que contiene algunos de los éxitos más grandes, adiós a Hollywood y todo eso... con una mirada borrosa y embelesada, Rod Stewart mira fijamente desde la portada de este álbum, con su traje blanco arrugado. Tras deshacerse de Britt, Stewart no ha conseguido librarse del todo de su aburrimiento en Los Ángeles, pero ha hecho un buen intento, con lo que parece ser un retorno deliberado a tiempos pasados. El libreto interior del álbum enfatiza la imagen de peleas borrachas (ahí está Rod, bebiendo a todo trago). Una de las claves del vigor del álbum puede ser la elección de los músicos -no los músicos de sesión de los dos lanzamientos anteriores- sino la banda que Stewart trajo consigo al local Western Springs de Nueva Zelanda a principios de 1977, la empatía entre Stewart y su banda le da a la música una base mucho más firme.

El comienzo es espectacular con “Hot Legs”, una potente pieza de rock 'n' roll inspirado en los Rolling Stones con el enorme sonido de batería de Appice al estilo John Bonham, un gran riff de guitarra y Stewart lamentando memorablemente “I love ya honey” al final de cada estribillo. Se adentra en el territorio más funky de los Stones en “You're Insane”, que está impulsada por un ritmo cargado de bajos (cortesía del coautor Chen). Me encanta el ritmo escalonado que sigue a la última línea de los estribillos: “This whole mad town thinks you're insane”. Una de las baladas mas queridas de su carrera se encuentra a continuación, “You're In My Heart (The Final Acclaim)” fue un éxito Top 5 en los EE. UU, este lento shuffle es una declaración de amor a su novia en ese momento (“Eres una rapsodia, una comedia, eres una sinfonía y una obra de teatro. Eres cada canción de amor jamás escrita pero cariño, ¿qué ves en mí?”), pero admite que “ha habido muchos amoríos y muchas veces he pensado en irme”. Hasta hace poco no había notado la similitud vocal con Steve Forbert, cuyo debut se lanzó al año siguiente. Cierra la cara A con "Born Loose", otro tema rockero con aires de los Stones que es innecesariamente largo y, en última instancia, olvidable, algo que no se puede decir de las otras 7 canciones.

Su versión de 7 minutos y medio de “You Keep Me Hangin' On” de The Supremes se inspiró en la antigua banda de Appice, Vanilla Fudge, que grabó una versión similar a una versión más lenta una década antes, no coincide del todo con esa grabación anterior, pero la voz de Stewart es fantástica, el arreglo es ajustado y rockero y hay un solo de dos guitarras delicioso, a continuación se adentra en el territorio del deep soul con una versión del éxito de R&B número uno de Luther Ingram de 1972, “(If Loving You Is Wrong) I Don't Want To Be Right”. Aparentemente, esta canción fue grabada por The Faces a principios de los 70, pero nunca se lanzó oficialmente, por lo que esta fue la oportunidad de Stewart de corregir ese error (sin juego de palabras). “You Got A Nerve” es una balada folk inquietante en la línea de Fairport Convention, que se destaca por un sonido similar al del sitar (quizás cortesía de un sitar real). Rod tiene un don para interpretar baladas lentas, podría hacer llorar a un gigante tuerto y extrañar a su madre. Esta canción tiene a Rod cantando una balada encantadora sobre decirle a una antigua ex amante que se pierda y se vaya a la mierda, simplemente encantador. En el cierre del álbum, “I Was Only Joking”, lo encuentra en modo narrador completo, con melodías impresionantes, un arreglo principalmente acústico (que se interrumpe con un solo de guitarra eléctrica de un minuto de duración en 3:45) y un coro enérgico con toques del folk que hizo que los éxitos anteriores “Maggie May” y “You Wear It Well” fueran tan entrañables.

En resumen, este es un muy buen álbum de Rod, y sus fans deberían estar encantados. Los oyentes ocasionales tal vez prefieran limitarse a sus grandes éxitos, ya que este álbum es desenfadado y elegante, pero no gratuito, un disco bastante versátil y que sorprenderá gratamente. Menos mal no hice caso a mis prejuicios para llegar al que quizás es uno de los mejores discos de Rod Stewart… Lo que me hace preguntar: ¿Qué pasó después?  Si hay una crítica sobre el álbum, es que las canciones son demasiado largas y duran unos cinco minutos en promedio. Habría sido mejor acortar un poco y luego agregar un par de canciones más divertidas.

1459 - George Harrison - Woman Don't cry for me

1459 - George Harrison - Woman Don't cry for me

"Woman Don’t You Cry For Me" es la canción que abre el álbum Thirty Three & 1/3 de George Harrison, lanzado en noviembre de 1976. Este tema marca un punto de inflexión en la carrera del ex-Beatle, pues combina sus raíces musicales con un enfoque renovado y más relajado, reflejo de la madurez artística que había alcanzado en ese momento.

Musicalmente, la canción es un híbrido entre funk, soul y rock, un estilo poco habitual para George Harrison, quien es más conocido por sus exploraciones en la música espiritual y sus influencias del folk. Desde los primeros compases, el riff de guitarra slide, una marca registrada de George, se destaca como el elemento central del tema. Acompañado de un groove sólido en el bajo y una percusión rítmica que invita al movimiento, la canción se siente alegre y despreocupada, contrastando con algunas de las composiciones más introspectivas de su discografía.

El origen de esta pieza tiene una historia curiosa: George Harrison escribió "Woman Don’t You Cry For Me" en 1969, mientras estaba de gira con Delaney & Bonnie. La inspiración le llegó cuando Delaney Bramlett le enseñó a tocar un riff de slide guitar, un estilo que Harrison no había explorado a profundidad hasta entonces. Aunque la canción estuvo guardada durante varios años, finalmente encontró su lugar en Thirty Three & 1/3, encajando perfectamente con el tono ligero y optimista del álbum.

En cuanto a la letra, "Woman Don’t You Cry For Me" es sencilla pero efectiva. En ella, George Harrison se dirige a una mujer, pidiéndole que no se aflija por él y que no se deje llevar por la tristeza. Aunque el mensaje puede parecer convencional, la interpretación vocal de Harrison le da una dimensión emocional sincera, mostrando su talento para conectar con el oyente de manera íntima.

La producción del tema es impecable, como es característico del álbum en el que aparece. George Harrison trabajó con un grupo de músicos talentosos, incluidos Billy Preston en los teclados y Willie Weeks en el bajo, quienes aportaron energía y sofisticación al arreglo.

"Woman Don’t You Cry For Me" es una de esas joyas escondidas en el catálogo de George Harrison, que merece más reconocimiento del que ha recibido. Representa su habilidad para diversificar su sonido y su pasión por experimentar con diferentes géneros, mientras conserva el corazón y la autenticidad que lo definieron como artista. Esta canción, aunque menos conocida, es una muestra brillante de la creatividad que George Harrison siguió desplegando después de la separación de The Beatles.

Daniel 

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1458 - AC/DC - Problem Child

1458 - AC/DC - Problem Child

“Problem Child” es una de las canciones emblemáticas de AC/DC, incluida en su álbum Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976). La banda australiana, liderada en aquel entonces por Bon Scott, entrega aquí una pieza que encapsula su energía desenfrenada y actitud rebelde, características que los consolidaron como una de las mayores potencias del rock.

Desde el primer acorde, “Problem Child” establece un tono crudo y agresivo, marcado por el característico riff de guitarra de Angus Young. La introducción tiene ese toque de rudeza que distingue a la banda, con un ritmo que te engancha y te prepara para el despliegue de pura adrenalina. Malcolm Young, en la guitarra rítmica, aporta una base sólida, mientras que Phil Rudd, con su batería precisa, complementa la atmósfera intensa.

La letra de la canción está impregnada de un espíritu rebelde y desobediente. Bon Scott se presenta como el “chico problema” que desafía a la autoridad y a las normas establecidas. Con frases como “I'm hot, and when I'm not, I'm cold as ice”, Scott encarna un personaje audaz y descarado, alguien que no teme a las consecuencias de su actitud. La interpretación vocal de Scott añade un toque irónico y provocador, como si estuviera disfrutando de su rol de “chico malo”.

Musicalmente, la canción es un ejemplo perfecto del estilo de AC/DC: una estructura sencilla, pero contundente, que prioriza la energía sobre la complejidad técnica. El riff principal, repetitivo pero efectivo, crea un ritmo que invita al headbanging. La sección del solo, a cargo de Angus Young, demuestra su habilidad para combinar velocidad y emotividad, aunque aquí opta por un enfoque más directo y menos elaborado, manteniéndose fiel al espíritu del tema.

Aunque “Problem Child” no alcanzó el mismo nivel de popularidad que otros clásicos como “Highway to Hell” o “Back in Black”, es una pieza esencial para entender la identidad de AC/DC. Representa su esencia más pura: rock simple, directo y sin pretensiones. La canción también refleja el carácter de la banda en sus inicios, cuando aún estaban consolidándose como una fuerza mundial del rock.

“Problem Child” es una declaración de principios de AC/DC. Es un himno para los inadaptados, un grito de rebeldía que resonó con generaciones de fanáticos del rock. Aunque su enfoque lírico y musical puede parecer básico en comparación con obras más complejas, es precisamente esa simplicidad lo que la hace memorable. Con su actitud irreverente y energía sin límites, la canción se mantiene como un testimonio del espíritu indomable de la banda.

Daniel 

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Disco de la semana 410: Asfalto - Asfalto

 

Asfalto

     Asfalto fue una importante banda de rock progresivo formada a principios de los años 70. Está considerado como uno de los fundadores del rock español, pero siempre han tenido más éxito fuera que dentro de las fronteras del país, cosechando numerosos seguidores en Alemania, Suiza, Puerto Rico y Sudamérica entre otros. La historia de la banda comienza en Madrid cuando el grupo Tickets cambia su nombre por el de Asfalto en 1972. La formación original estaba compuesta por José Luis Jiménez (bajo y voz), Mario del Olmo (guitarra y voz) y Pancho Company (batería y voz), siendo esta formación la que publicó un par de singles en 1972 para el sello discográfico Acción con escasa repercusión. Posteriormente entran en la banda Félix García como nuevo batería y Armando de Castro (futuro Coz y Barón Rojo) como segundo guitarra. En 1974, Julio Castejón (guitarra y voz), Enrique Cajide (batería) y Lele Laina (guitarra y voz) se unen a José Luis Jiménez en lo que se puede considerar la primera formación oficial de Asfalto. En 1976 realizan un homenaje a The Beatles,​ grabando diferentes canciones del combo inglés y que se editan en formato cassette.

Ya en 1977, el grupo ficha por Chapa Discos, una nueva marca de la compañía discográfica Zafiro que es dirigida por Vicente Romero "Mariscal". En 1978 ve la luz su primer álbum bajo el título de Asfalto, un trabajo que, por motivos de producción y discrepancias musicales, deja insatisfechos a todos sus componentes. Aun así, el disco nos acabará regalando clásicos como Capitán Trueno,​ Días de escuela, Ser urbano o Rocinante. Jiménez y Laina deciden abandonar el proyecto para fundar Topo. Según Castejón, el motivo de la ruptura fue que Jiménez y Laina querían meter en el grupo a Terry Barrios (amigo de la infancia de Lele Laina) en lugar de Cajide. Castejón se negó, lo que llevó a la disolución del grupo. Entonces Mariscal Romero les dijo que Asfalto estaba inaugurando el sello discográfico Chapa y que, si se disolvían antes del lanzamiento del primer álbum, el sello se iba al garete, por lo que Castejón decidió seguir con el nombre Asfalto, invitando a Jorge García Banegas (teclados) y José Ramón Pérez "Guny" (bajo) a unirse al grupo.​ Esto traerá consigo un periodo de estabilidad y creatividad, que a la postre situará a Asfalto en lo más alto de la escena roquera española durante los años venideros.

El álbum Asfalto se convertirá uno de los discos más emblemáticos del rock progresivo y de la escena musical de la España post-franquista. Con un sonido que fusiona el rock sinfónico, el hard rock y el rock progresivo, el grupo marcó una etapa crucial en el desarrollo de la música rock en España. Este trabajo no solo presentó a la banda como una propuesta sonora novedosa, sino que también ofreció una serie de letras profundas y reflexivas sobre la vida, la política y las tensiones sociales del momento.

Comienza el disco con Ya está bien, que refleja de manera explícita el descontento de la gente y denuncia tanto la opresión de los años de dictadura como las promesas incumplidas de la nueva democracia. la paciencia de la gente ha llegado a su límite, y esta situación de desencanto era compartida por muchos jóvenes que, aunque ya habían vivido el fin del régimen franquista, continuaban enfrentándose a una sociedad que aún cargaba con muchas de las estructuras y mentalidades del pasado. La canción se convierte en una especie de grito de rebelión ante la situación política y social de la España post-franquista, un grito de frustración ante la falta de cambios reales en la vida cotidiana. El tema combina un estilo de rock directo, con un fuerte protagonismo de las guitarras eléctricas y la batería, con una estructura más cercana al rock progresivo. Esta mezcla de géneros se convierte en un reflejo sonoro de la dualidad de la canción: por un lado, el deseo de un cambio radical y directo, y por otro, la influencia de la tradición musical progresiva que caracteriza a la banda. Capitán Trueno. Al igual que el héroe del cómic, muchas personas esperaban cambios significativos en el país, tras la muerte de Franco, pero pronto se dieron cuenta de que esos cambios no ocurrirían de la manera tan rápida y efectiva como se había soñado. La frustración ante las limitaciones del sistema democrático que se estaba construyendo es un tema recurrente en muchas de las canciones de la banda, y esta no es una excepción. La figura del héroe que no puede cambiar el mundo puede verse como un reflejo de cómo, a pesar del cambio político, las estructuras de poder, la corrupción y la injusticia seguían muy presentes en la sociedad española. El idealismo y la esperanza en un cambio profundo chocaban constantemente con la realidad de un sistema que parecía estar diseñado para que las cosas no cambiaran sustancialmente. Estamos ante una canción que, más allá de su referencia al famoso personaje de cómic, se convierte en una alegoría de la frustración de toda una generación frente a la incapacidad de los ideales de transformar la realidad. Ser Urbano refleja la desconexión y alienación que puede generar la vida en una ciudad. En ella se habla de cómo el individuo se ve absorbido por el ritmo frenético de la ciudad, perdiendo su identidad en el proceso. La canción plantea una reflexión sobre el cambio que experimentan las personas al adaptarse a un entorno urbano, con sus luces, ruido y caos. El tema también puede interpretarse como una crítica a la vida moderna, llena de consumismo, superficialidad y falta de autenticidad. La ciudad, en este caso, no es un lugar que fomente el crecimiento personal, sino más bien un espacio donde el ser humano se ve arrastrado por las exigencias sociales, perdiendo su capacidad de introspección y su conexión con lo esencial. Musicalmente, la canción transcurre con una mezcla de elementos del rock progresivo y el hard rock, y las guitarras eléctricas y el ritmo enérgico le otorgan un toque de contundencia. Días de escuela es una canción nostálgica que refleja los recuerdos de la infancia y la etapa escolar. La letra de la canción habla de la mirada retrospectiva sobre los años de escuela, un período que, aunque en su momento pudo haber sido percibido como difícil o aburrido, con el paso del tiempo se convierte en un recuerdo cargado de sentimientos y reflexiones sobre el paso del tiempo y la pérdida de la inocencia. El grupo logra capturar el contraste entre la visión que se tiene de la escuela cuando se es niño —un lugar de reglas, disciplina y muchas veces de frustración— y cómo, al mirar atrás, esos mismos días se ven desde una perspectiva diferente, más suave y cargada de nostalgia. Es una reflexión sobre el proceso de maduración, el enfrentamiento con las responsabilidades y el alejamiento de un mundo más sencillo y libre. Todos los días, la canción que cierra la cara A, aborda una profunda reflexión sobre la rutina diaria y la monotonía de la vida cotidiana. La letra aborda el sentimiento de estar atrapado en un ciclo repetitivo, donde los días se convierten en una sucesión de acciones vacías y sin un propósito claro, nos describe la sensación de vivir una vida que, en su repetición constante, pierde significado. Los versos reflejan cómo, a pesar de los esfuerzos por escapar o encontrar algo que le dé sentido a la existencia, la vida cotidiana sigue siendo la misma, llena de obstáculos y de conformismo. Este sentimiento de alienación y de desconexión con lo que se desea o se sueña es un tema común en el rock, pero Asfalto lo aborda con una sensibilidad particular, utilizando una letra clara pero cargada de emociones.

Comienza la cara B con Quiero irme / La huída, otra gran reflexión, en este caso sobre el deseo de escapar, de huir de una realidad opresiva y desalentadora. Es un tema que toca la sensación de estar atrapado en un entorno del cual se quiere escapar, ya sea por las presiones sociales, la rutina o la insatisfacción con la vida en general. La canción transmite una fuerte carga emocional de angustia y desesperación, pero también una necesidad de libertad y de encontrar algo que le dé sentido a la existencia. Podemos entender la canción como una metáfora de la búsqueda de un cambio radical, de un nuevo comienzo. La letra expresa ese deseo de liberación, de romper con lo establecido para encontrar una identidad propia, sin las ataduras que impone la vida cotidiana. Este sentimiento de querer escapar es algo común en muchas composiciones de Asfalto, que a menudo abordan temas como la alienación, la insatisfacción con el sistema y el anhelo de libertad personal. Rocinante, canción cargada de poesía y simbolismo, es una referencia clara al caballo de Don Quijote, Rocinante, y utiliza esta figura para explorar temas como la libertad, los sueños y el anhelo de trascender la realidad cotidiana. La banda nos habla de la búsqueda de horizontes más amplios y de la lucha contra las limitaciones de la vida mundana. Rocinante, en este caso es un símbolo y representa un escape hacia un ideal quijotesco, un mundo donde los sueños y las aspiraciones tienen cabida, aunque sean inalcanzables o utópicos. La isla del amor está impregnada de lirismo y sensibilidad. Habla de un lugar idealizado, una isla metafórica donde el amor es el único refugio frente a las dificultades y la dureza del mundo real. La canción destaca por su melodía envolvente, marcada por el uso de guitarras suaves, teclados atmosféricos y una base rítmica que aporta profundidad emocional. El último tema del álbum es El emigrante, una conmovedora canción que aborda la experiencia del desarraigo y las dificultades enfrentadas por quienes se ven obligados a abandonar su hogar en busca de un futuro mejor. Es la historia de muchos que tuvieron que dejar su tierra natal debido a las circunstancias adversas, ya fueran económicas, políticas o sociales. Habla de la soledad, el sacrificio y la nostalgia que acompañaron a quienes se vieron empujados a buscar nuevas oportunidades lejos de su hogar. Es un retrato honesto y empático de una realidad muy presente en España y en muchos países durante los años 70.

Estamos ante un álbum muy importante para el rock español por varios motivos: Asfalto fue una de las primeras bandas en incorporar elementos del rock progresivo y sinfónico al panorama musical español. En los años 70, este estilo aún era un terreno relativamente nuevo en el país, y la banda contribuyó a desarrollarlo con letras poéticas, temáticas sociales y arreglos complejos; Su música emergió durante la Transición, el período de cambio político tras la dictadura de Franco. Las letras de Asfalto reflejaban los sentimientos y preocupaciones de una generación que buscaba libertad, justicia y un nuevo comienzo; y tuvieron un papel determinante en la fundación del sello discográfico Chapa Discos, dirigido por Vicente Romero, ayudando además a consolidar un movimiento de rock español que incluyó a otras bandas emblemáticas como Leño o Topo entre otras. Este sello fue crucial para el desarrollo del rock urbano en España.

1457 - AC/DC - Ain't no fun

1457 - AC/DC - Ain't no fun

La canción "Ain't No Fun (Waiting 'Round to Be a Millionaire)" es una de las joyas ocultas del álbum "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" (1976), una obra que encapsula el humor irreverente y el espíritu rebelde de AC/DC en sus primeros años. Escrita por Bon Scott, Angus Young y Malcolm Young, esta pieza destaca no solo por su estructura inusual, sino también por su tono desenfadado y sarcástico.

La temática de la canción gira en torno a las frustraciones y aspiraciones de alguien que sueña con convertirse en millonario, pero que se enfrenta a las limitaciones de la vida cotidiana. Bon Scott, con su característico estilo narrativo, convierte este tema aparentemente mundano en una historia cargada de humor negro y realismo crudo. Desde los primeros versos, Scott pinta una imagen de su vida antes de la fama, llena de dificultades económicas y sueños de grandeza, relatando con ironía las desventuras que enfrenta mientras espera su momento de gloria.

Musicalmente, "Ain't No Fun" es una canción de larga duración, con un tempo relajado que contrasta con el tono energético típico de la banda. Este enfoque permite que los riffs de guitarra de Angus y Malcolm Young brillen en su simplicidad, creando una base sólida y pegadiza que da espacio a la narrativa de Scott. La línea de bajo de Mark Evans y la batería de Phil Rudd aportan un ritmo constante que refuerza la sensación de monotonía y espera reflejada en la letra.

La composición también destaca por su estructura dinámica. En lugar de recurrir a un formato tradicional, AC/DC opta por un enfoque más libre, con pausas y momentos en los que la música acompaña las reflexiones sarcásticas de Scott. Esto le da un carácter casi teatral a la canción, como si estuviera compartiendo una historia personal en un bar lleno de humo.

"Ain't No Fun" no es uno de los éxitos más conocidos de la banda, pero tiene un lugar especial entre los fans más devotos. Es un ejemplo perfecto de cómo AC/DC utiliza el humor y la honestidad para conectar con su audiencia, demostrando que incluso en sus canciones menos comerciales, mantienen su autenticidad y su espíritu inquebrantable.

Esta pieza es una mezcla de introspección y diversión cruda, y aunque su duración y estilo pueden no ser para todos, es una representación brillante del talento narrativo de Bon Scott y del enfoque musical único de AC/DC en los años 70.

Daniel 

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1456.- Big Balls - AC/DC

Hay algo de la era de Bon Scott que me gusta, tenía sentido del humor, pero también era un muy buen compositor y su voz era muy diferente. Esta canción juega con las palabras con una connotación sexual, es claramente una canción juvenil, pero lo digo en el mejor sentido. La forma en que la canta la elegante voz de Scott... esta obra maestra fue escrita por Bon Scott, Malcolm y Angus Young. Las insinuaciones sexuales no son nada nuevo en el rock and roll, con canciones como My Ding-a-Ling de Chuck Berry (que me recuerda el espíritu de esta canción) y Great Balls of Fire de Jerry Lee Lewis. Esta canción estaba en su álbum Dirty Deeds Done Dirt Cheap que solo se lanzó en Europa y Australia en 1976. A Atlantic Records no le gustaron las voces ni la producción del álbum, por lo que en un principio lo rechazaron, pero terminaron lanzándolo en Estados Unidos cinco años después. El álbum finalmente se lanzó en 1981 en Estados Unidos y Canadá después de la muerte de Bon Scott. El nombre del álbum y la canción principal se basaban en una referencia a un dibujo animado llamado Beany and Cecil , que Angus veía cuando era niño. Uno de los personajes, “Dishonest John”, llevaba una tarjeta de visita que decía “Tratos sucios a muy bajo precio. Días festivos, domingos y tarifas especiales”. El álbum ha sido certificado seis veces platino en Estados Unidos por ventas de más de seis millones de copias. Es el quinto disco de AC/DC con mayores ventas, detrás de Back in Black, Highway To Hell, Black Ice y The Razor's Edge. 

Para Angus, “Big Balls es la otra canción de ese disco que se me quedó grabada en la memoria. Era solo una broma, un poco de diversión. Necesitábamos rellenar el álbum, alguien se le ocurrió una rumba o un tango y Bon comenzó a escribir esas palabras tan divertidas. A Bon le encantaban las insinuaciones y estaba obsesionado con sus pelotas”. El título es un juego de palabras sexual, la letra describe un cóctel, pero obviamente tiene un doble significado. AC/DC se toma la música mucho más en serio que las letras de la mayoría de sus canciones, a menudo recitan letras humorísticas para que no los tomen demasiado en serio. Chuck Berry es una gran influencia en su estilo lírico, escribió muchas canciones con letras muy sugerentes, pero las presentó de una manera cómica para que no parecieran ofensivas como la anteriormente mencionada My Ding-a-Ling. Una curiosidad es que las emisoras de radio a veces pasan la canción junto con "Rocker" porque está justo después de esta en el álbum y la canción comienza inmediatamente. Los DJ de radio simplemente dejan que suene la siguiente canción ya que ambas son cortas. Creo que esta canción se lleva el premio a la canción más sucia del álbum, me encanta el tono de su voz, cuando dice "el regalo de Dios para el salón de baile..." la forma en que la canta intenta sonar elegante, eso es lo que la hace tan graciosa, la cantan con tanta clase, mientras cantan sobre cosas pervertidas con ese canto de fondotan mitico"WE GOT BIG BALLS, WE GOT BIG BALLS"