Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock 

     En 2008, Joe Satriani, uno de los guitarristas más dotados técnicamente en la historia de la música rock, lanzó un álbum llamado Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock. Ese álbum no recibió el tipo de atención que Satriani normalmente ha recibido por sus grabaciones. Quizás no esté a la altura de su mejor trabajo, pero hay cosas muy interesantes; piezas que nos permitirán entender más sobre qué es lo que tiene la música de Satriani que emociona a la gente. El enfoque del álbum se centra principalmente en el desarrollo de su uso de la guitarra y en el uso de diferentes tipos de técnicas con las que combina su estilo de blues con su afición por la música funk.  

Para darle al álbum todo lo que se merece, no hay solo una melodía o ritmo sencillo y luego una secuencia de variaciones sobre él. Satriani nos da algo inusual y refrescante para escuchar en cada interpretación, y es este es el tipo de música en la que los oyentes querrán centrarse en cada nota. Satriani ha sido fuertemente influenciado por una variedad de instrumentistas virtuosos, y a pesar del increíble virtuosismo de todos estos músicos, es raro encontrar música que sea tan exigente técnicamente como la de Joe Satriani. La naturaleza del arte musical de Satriani radica en su dominio casi total de su instrumento, y eso significa que nunca te relajas al escucharlo. Puede hacer cosas con una guitarra que los músicos comunes nunca creerían que fueran posibles.

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock supuso su duodécimo álbum de estudio. Grabado en los Record Plant Studios de California y en 21 Studio de San Frncisco bajo la producción de John Cuniberti y del propio Satriani, fue  lanzado el 1 de abril de 2008, a través de Epic Records . El álbum consiguió alcanzar el puesto número 89 en el Billboard 200 de Estados Unidos y permaneció en esa lista durante dos semanas, además de llegar al top 100 en otros cuatro países. El título del álbum tiene dos significados: la primera parte es un homenaje al apodo de Satriani, "Satch" y su gusto por el funk, mientras que "Musterion" es una palabra grecobíblica que significa significa "cosa oculta","secreto" o "misterio". Desde la fecha de lanzamiento del álbum hasta el 11 de abril de 2008, Satriani comenzó una gira especial "Guitar Center Sessions", seguida de una gira mundial el 30 de abril.

El disco se aleja un poco del estilo de sus trabajos más conocidos y mezcla rock instrumental con elementos de funk, blues y fusión jazz. Comienza el disco con Musterion, un atmosférico tema que juega con sonidos oscuros y complejas técnicas de guitarras, dando a la canción un toque enigmático y sensación de misterio. Overdriver tiene un toque de groove y ya comienza a presentar una mezcla de rock ron toques funk. I Just Wanna Rock continúa con la exploración de lado humanista de los robots, algo que ya hizo Satch en Super Colossal (2006) con la canción "One Robot's Dream". La canción trata sobe las experiencias de un robot en un concierto de rock. Professor Satchfunkilus es el tema que da título al disco, donde destaca la estructura improvisada del tema sobre una atmósfera muy funky, mostrando el lado más experimental de Satch. Revelation cierra la cara A, y fue escrita sobre la muerta del padre de su amigo, el guitarrista Steve Morse. También es un tributo a la forma y estilo de de tocar de Morse.

La cara B comienza con Come On Baby, que, como explica Satriani, fue escrita en 1993 en medio de una tormenta de nieve durante unas vacaciones en el Lago Tahoe. Su hijo ZZ, quien colabora además en este disco con el saxofón, más tarde lo animó a terminar la pieza, con lo que se convirtió en la tercera canción dedicada a su esposa Rubina (después de "Rubina" de Not of This Earth '1986' , y "Rubina's Blue Sky Happiness" de The Extremist '1992' ). Más tarde también serái utilizada por el patinador artístico canadiense Vaughn Chipeur para su programa corto en el Campeonato  Canadiense de Patinaje Artístico de 2010. Out of the sunrise nos aporta una sensación relajante, invitando al oyente prácticamente a meditar, con sus tonos melódicos y suaves. Diddle-Y-A-Doo-Dat nos sigue aportando un toque muy funky y juguetón. Se nota que Satch está disfrutando con la dinámica y las armonías de esta canción. Asik Vaysel se inspiró en el fallecido músico turco Asik Veysel. Cuando Joe Satriani llegó a Turquía para dar un concierto, escuchó el disco del músico turco Asik Veysel y se sintió inspirado para escribir esta canción sobre él. En el álbum, el nombre de Asik Veysel está escrito incorrectamente: V a ysel. Satriani dijo que lo escribió correctamente en su cuaderno; pero en algún momento de la producción del álbum se produjo este error ortográfico. Cierra el álbum Andalusia, tema también dedicado a Asik Veysel. Es uno de los momentos más destacados del disco, y  Comienza con una introducción acústica inspirada en el flamenco, para luego transicionar a una parte eléctrica más potente y emocional. La canción presenta una melodía (de 1:40 a 1:53) que Satriani tocó previamente en su video de 1993 The Satch Tapes, durante un segmento de guitarra acústica. 

Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock quizás no tenga el mismo impacto que discos más icónicos como Surfing with the Alien o The Extremist, pero tiene momentos muy buenos, mezclando rock instrumental con elementos de funk, blues y fusión jazz, demostrando cómo Satriani puede transmitir emociones únicamente a través de su guitarra. También en una muestra de que a Satriani no le tiembla la mano a la hora de arriesgarse, innovar y no caer en el estancamiento.

1396.- A Passage to Bangkok - Rush

 

A Passage to Bangkok, Rush

     El 1 de abril de 1976 los candienses Alex Lifeson (guitarra), Geddy Lee (voz, bajo, teclados) y Neal Peart (batería), o lo que es lo mismo, el grupo Rush, publican su cuarto album de estudio, 2112, una de sus operas primas. El álbum es grabado en lo estudios Toronto Sound de Toronto, Canadá, bajo la producción del propio grupo y del británico Terry Brown. El disco llega a alcanzar un más que notable quinto puesto en las listas de ventas candienses. Y en Estados Unidos llega a alcanzar el puesto número 61 en la lista Billboard Top Lps & Tape, consiguiendo además la certificación de oro en dicho país.

El grupo ha editado ya tres discos de estudio y tiene serios problemas financieros, de hecho, su sello discografico, Mercury Records, quiere dejarlos abandonados a su suerte. Sin embargo, el mánager de la banda Ray Danniels consigue que la discográfica les de una última oportunidad y les concede la grabación de otro álbum, pero a cambio les exige que graben para éste un material más comercial y accesible. Lejos de arrugarse, Lifeson, Lee y Peart deciden que esa última oportunidad sea para reafimarse y seguir evolucionando con su sonido pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo.

Incluido en este álbum se encuentra el tema que abre la cara B A Passage To Bangkok, canción que habla sobre la marihuana. La canción es un pequeño y divertido viaje por todos los lugares del mundo donde se cultiva la mejor "hierba": Bogotá, Acapulco, Marruecos, Bangkok, Katmandú o Nepal. El guitarrista del grupo, Alex Lifeson, afirmaba que pensaban que sería divertido escribir la canción y que sentía que el baterista y letrista Neil Peart la había manejado de una "manera muy elocuente". Lifeson también creía recorar que la canción se escribió y esbozó con una guitarra acústica delante de un reproductor de casetes en la casa de campo. A Rush le gustaba hacer grabaciones iniciales de esa manera antes de ir al sótano a ensayar. Para el título de la cancion Neal Peart se basó en la novela A Passage To India de E. M. Forster. Sobre el tema de las drogas, Alex Lifeson llegó a admitir haber consumido hachís, y Neil Peart también llegó a firmar haber consumido drogas recreativas, incluida la marihuana y el LSD, cuando era joven.

1395.- 2112 - Rush

 

2112, Rush

     1976 es un año crucial para los canadienses Rush, pues tienen serios problemas financieros y su sello discográfico Mercury Records tiene la intención de dejarlos abandonados a su suerte, pero el mánager Ray Danniels consigue que la discográfica les de cuartel y les concede la grabación de otro álbum, pero les exige que graben material más comercial. Lejos de arrugarse, Geddy Lee (bajo y voz), Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (batería y percusión) publican el que será su cuarto álbum de estudio titulado 2112 con la ayuda en la producción de su productor habitual Terry Brown. En marzo / abril de 1976 sale publicado el álbum.

Y lejos de arrugarse deciden seguir evolucionando pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. Incluido en el álbum nos encontramos con el primer corte del disco, de título homónimo, 2112, el cuál ocupa todo el lado de la cara A del disco pues tiene una duración de más de 20 minutos. La letra del tema está basada en la novela Himno del novelista judío-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos cuenta una historia ambientada en la ciudad de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que residen en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuentra simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum.

El tema como si de una suite se tratase se divide en siete partes, La primera Obertura, es la introducción al año 2122 que comienza con la letra "Y los humildes heredarán la tierra...", referencia a los pasajes del Libro de Salmos 37:11 y San mateo 5:5; la segunda Los Templos de Syrinx, trata de estos mismos y los sacerdotes que los habitan; la tercera Descubrimiento, relata el descubrimiento por parte de un hombre de un artilugio antíguo que en realidad es una guitarra; la cuarta Presentación, relata la presentación de ese artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino; la quinta Oráculo, relata como el hombre vuelve a su cueva a dormir y sueña con que el Oráculo ó raza mayor lo lleve de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; la sexta Soliloquio, nos relata como el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y para ello su única esperanza es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y la séptima y última parte Gran Final, que deja paso al final del tema con un gran final instrumental.

Disco de la semana 401: Kids off the State - The Reytons

Los que ya tenemos unos años y vivimos el debut de Arctic Monkeys y el tipo de música de rock y desparpajo adolescente que hicieron en sus primeros discos, notamos sin duda el parecido que muchos le achacan a la música de los británicos The Reytons, quizá un poco más suaves en las guitarras pero con evidentes similitudes en la voz y los ritmos con el mítico grupo de Sheffield. Pero lejos de criticar este hecho, y teniendo en cuenta que Alex Turner y compañía llevan ya unos cuantos discos alejándose a propósito del sonido y la actitud que les hizo famosos, recibimos con los brazos abiertos a The Reytons y su sana intención de rellenar el hueco que los Monkeys han dejado como consecuencia de ese extraño giro introspectivo y "crooner" en el que andan enredados.

En esa tesitura, no nos extraña que la primera canción de Kids off the State (2021), disco debut de The Reytons, lleve el título de Mind the Gap ("Cuidado con el hueco"), la advertencia que puede leerse en los andenes del metro de Londres para que los usuarios, que de paso podría ser un guiño a "Red lights indicate doors are secured", la canción de Arctic Monkeys construida también sobre una advertencia en un transporte público, en aquella ocasión sobre la frase que puede leerse en las puertas de los taxis en el Reino Unido. Los ritmos y las voces recuerdan también a los Monkeys, en una canción tan intensa como urgente.

El ritmo y la intensidad no decaen en temas como Antibiotics o Expectations of a Fool, esta última posiblemente la mejor canción del disco, un tema redondo y pegadizo que sin duda tuvo buena parte de la culpa de que esta primera aventura musical tuviera su continuidad en discos posteriores. Hablamos de un disco de canciones cortas y vibrantes, y por su juventud no están todavía The Reytons para guiños conceptuales, pero llama la atención que la temática de los medios de transporte públicos vuelva a aparecer en Sales Pitch for the Bus Fare Home, en la que se arriesgan con cambios de ritmo y tramos más melódicos e intimistas, o en Nothing to declare ("Nada que declarar"), título que juega con otra frase típica de viajes, en esta ocasión en avión.

El disco se escucha con facilidad gracias a los enérgicos subidones en los estribillos y los intensos ritmos de guitarra, que no decaen en temas como Slice of Lime o Car Crash, otra referencia a un transporte, en esta ocasión un coche accidentado. Le sigue una rockera referencia a la mala vida en Low Life (en la que suenan más que nunca a los Monkeys de "Whatever people say I am that's what I'm not"), pero en este tramo la canción que nos hipnotiza es la por momentos épica What you fighting for, que junto a Broke Boys Cartel, de indudable gancho comercial, dan brillo al tramo final del disco.

Landslide baja la intensidad sonora y nos recuerda a grupos como The Killers, y y Shoebox es lo más parecido a una balada que podemos encontrar en el disco, sin llegar a serlo realmente, pero sí que parece que The Reytons buscaran dejar para el final los temas más cercanos y menos afilados, pero no por ello de menor calidad, como demuestran en la melódica Trials & Tibulations, otro de los momentos álgidos del disco. Y para cerrar, nos dejan buen sabor de boca con Kids off the State, la canción que da título al disco, y el mejor ejemplo de la actitud y la intensidad con la que estos "chavales fuera del sistema" presentaron en 2021 sus credenciales al mundo musical.

1394.- Hoy tengo ganas de ti - Miguel Gallardo

José Miguel Gallardo Vera nació un 29 de septiembre de 1950 en Granada, pero a la edad de 8 años se trasladó con su familia a vivir en Barcelona. Después de los estudios escolares pasó a la Universidad de Ingeniería Técnica de Vilanova i la Geltrú Barcelona, aunque el curso no lo finalizo, pues necesitaba trabajar para ayudar a su familia que se había trasladado a Sevilla en condiciones económicas precarias. Un día se le despertó el gustillo de la música y decide matricularse en el conservatorio donde estudio solfeo, guitarra y piano, participo en varias agrupaciones y también compuso algunos temas para otros cantantes sus primeros dos sencillos los lanzó bajo el nombre «Eddy Gallardo» en 1972 y 1973, respectivamente. En 1973 lanza otros dos sencillos más, esta vez con el nombre «Miguel Gallardo», el cual utilizaría el resto de su carrera. Durante 1974 lanza primeros sencillos que destacaron en el mercado, «Recordando a Glenn» y «Quédate», canción inspirada en el poema «Farewell de Pablo Neruda con la que logra su primer número uno en España. En 1975 lanza su primer gran éxito: «Hoy tengo ganas de ti» y publica su primer álbum «Autorretrato» convirtiéndose en el primer artista español en ser distribuido por el prestigioso sello EMI, que le ayuda a consolidarse en el mercado hispano americano. Temas como «Hoy tengo ganas de ti», con la cual ha alcanzado más de dos millones en ventas y que ha sido versionada en otras lenguas como: francés, inglés, portugués, chino, finlandés, griego, y otros como: «Otro ocupa mi lugar», «Gorrión», «Y tú dónde estás», «Saldré a buscar el amor», «Y apago la luz», ratifican su éxito. En la década de los 80 lanzó varios álbumes que alcanzaron discos de oro y platino en la mayoría de países de habla hispana. En 1990 recibe el premio ACE (Asociación de Críticos del Espectáculo) de Nueva York, como el mejor cantante latino. Hacia mediados de la década de los 90’ crea su propia editorial y productora musical denominada «Veramusic», dedicada a buscar y lanzar nuevos compositores y cuenta con canciones grabadas por artistas como: Azúcar Moreno, Sergio Dalma, Ana Torroja (Mecano), Ana Belén, Alejandra Guzmán, Lucero, Greta y Los Garbo, Mijares, Missiego, entre otros.

En la canción de ‘Hoy tengo ganas de ti’ se convirtió rápidamente en un himno del romanticismo español, una balada con su melodía envolvente y su letra cargada de pasión y deseo, ha trascendido generaciones y sigue siendo una de las canciones más populares y queridas de la música española, en ella expresa su deseo de encontrar su camino en la vida a través de la conexión con esta persona, anhelando que ella se sienta plenamente mujer solo a su lado. La canción habla de un deseo ardiente por reencontrarse con ella, por apagar la sed de amor y pasión que siente en su alma con los besos de la mujer amada, y por descubrir el amor junto cada día. La voz de Gallardo, con su inconfundible timbre, dota a la canción de una intensidad que conmueve al oyente. Su interpretación, llena de sentimiento y entrega, logra transmitir la angustia y el anhelo de un amor no correspondido o perdido. La repetición de la frase «hoy tengo ganas de ti» enfatiza la intensidad del deseo y la necesidad emocional que siente Miguel Gallardo en el presente. La canción también menciona el dolor y la amargura que trae el silencio y la ausencia de la persona amada, así como la búsqueda desesperada de su voz en la noche. 

1393.- Silly Love Songs - Paul McCartney and Wings

"Silly Love Songs" ("Estúpidas canciones de amor"), la canción acreditada a Paul y Linda McCartney incluida en el álbum "Wings at the Speed of Sound" (1976) de la banda británica Wings, era en realidad un mensaje de respuesta a unas declaraciones de John Lennon, en las que acusaba a McCartney de escribir "estúpidas canciones de amor".

Paul McCartney recogió el guante que le había lanzado su antiguo compañero de banda en The Beatles, y contraatacó precisamente con una canción que defendía abiertamente el tipo de canciones ligeras y románticas que Lennon le había criticado, con una letra que era un auténtico alegato de defensa del sentimiento y la candidez de las canciones de amor ("Algunas personas quieren llenar el mundo de estúpidas canciones de amor, ¿Y qué hay de malo en eso? Es lo que necesito saber, así que ahí voy de nuevo... ¡Te quiero!") 

Con la publicación en single de "Silly Love Songs", con la canción "Cook of the House" en la cara B, Paul McCartney consiguió su vigésimo séptimo top 1 en las listas de ventas, un récord que ningún otro compositor ha logrado. En Estados Unidos estuvo durante cinco semanas en el primer puesto del Billboard Hot 100, y fue también nº1 del chart de canciones pop del del año 1976. El single vendió más de un millón de copias, y fue además nº1 en Irlanda y nº2 en el Reino Unido. No está nada mal para tratarse solamente de otra "estúpida canción de amor".  

1392.- Dance Sister Dance - Santana

Supongo que en realidad sólo hay dos formas de escuchar Amigos, el séptimo álbum de estudio de Santana. La primera opción sería recordar estar allí de pie en el concierto, o incluso en un club, con esta música dominando la escena a todo volumen. Hay humo por todas partes, y tu último intento de rendirte ha fracasado cuando alguien te pasan uno, Santana está en plena forma, como siempre, dejando que su guitarra y sus habilidades como líder de banda funcionen para permitir que la música impregne la atmósfera. A pesar de los que ya saben que se trata de otra fase de cambio, esperas que la música se mantenga. La atmósfera y la música son así de buenas.

Si no estuviste presente, entonces tu experiencia será diferente. Compararás el álbum con la música de otros artistas; otros géneros; otras experiencias, tal vez por primera vez. "Rock latino" es realmente un nombre inapropiado desde el principio. Si has pasado de la cultura anglosajona a la española, y aparece un artista, y una banda, del calibre de Carlos Santana, sabes que has experimentado algo que realmente no tendrá fin. Si escuchas el trabajo de guitarra en el tema "Europa", entonces podrás adivinar algo. Para mí, este es simplemente el trabajo de guitarra que me ha dado uno de los mayores placeres musicales que jamás tendré. Incluso los músicos de Londres estaban de acuerdo. Este tipo, y esta banda, tenían (tienen) un talento enorme, influyente y duradero. Un gran talento, por favor escuchen Europa (Earth's Cry, Heaven's Smile) y díganme que no es bueno. Puede que no te atraiga en absoluto el lado espiritual del disco, pero eso no le quitaría nada a un análisis objetivo.

"Dance Sister Dance" (Baila Mi Hermana), es una invitación a la celebración universal a través de la música, esta pieza se convirtió rápidamente en un himno de la fusión latina, demostrando una vez más la capacidad de Santana para crear sonidos que trascendieran fronteras culturales. Se abre con una introducción rítmica irresistible, que combina elementos de la música latina con el rock psicodélico característico de Santana. La percusión, con sus congas y bongós, establece un ritmo contagioso que invita a mover el cuerpo, la guitarra de Santana, como siempre, es el corazón de la pieza, tejiendo melodías que se entrelazan con las voces corales, creando una atmósfera de júbilo y celebración. La letra es simple pero poderosa, es una llamada a la unidad y a la alegría. La repetición de la frase "Dance sister dance" (Baila mi hermana) crea un mantra que invita a todos a unirse en la danza, sin importar sus orígenes. Es una celebración de la diversidad y de la capacidad de la música para conectar a las personas. Los años 70 fueron una época de experimentación y fusión, en la que artistas de diferentes culturas se unieron para crear nuevos sonidos. Santana, con su mezcla única de rock, blues y música latina, fue uno de los principales exponentes de este movimiento, la canción refleja el espíritu de la época, con su mensaje de amor y unidad, en un mundo marcado por las divisiones y los conflictos, "Dance Sister Dance" ofrecía una alternativa: una celebración de la vida y de la música como un lenguaje universal.

Super Colossal - Joe Satriani (Mes Joe Satriani)

Álbum Super Colossal, Joe Satriani #mesSatriani

Super Colossal, lanzado en 2006, es el décimo álbum de estudio del virtuoso guitarrista Joe Satriani. Conocido por su dominio técnico y su capacidad para transmitir emociones complejas a través de la guitarra eléctrica, Satriani ofrece en este trabajo una colección de piezas instrumentales que consolidan su lugar como uno de los grandes maestros del rock instrumental. A lo largo de sus 13 canciones, el álbum explora una variedad de estilos y estados de ánimo, destacando la inimitable habilidad de Satriani para contar historias sin palabras.

Desde el título del álbum, Super Colossal, se sugiere algo grande, potente y expansivo. Y ciertamente, el álbum entrega en este sentido. La canción que da nombre al disco, “Super Colossal”, abre con un riff de guitarra masivo y grueso que inmediatamente llama la atención. Hay un tono robusto y musculoso en esta pista que define el tono general del álbum: guitarras llenas de textura, rítmicas intensas y una producción impecable. La canción es un viaje dinámico, pasando de pasajes sombríos a otros más llenos de energía, pero siempre manteniendo la complejidad que caracteriza el estilo de Satriani.

Sin embargo, Super Colossal no es simplemente una colección de piezas de rock pesado. Satriani también muestra su capacidad para crear melodías delicadas y emotivas, como lo demuestra en la segunda canción, "Just Like Lightnin'". A pesar de su nombre electrizante, la canción es más suave, con una línea melódica que parece fluir sin esfuerzo, como una corriente de agua. La sensación de libertad en la interpretación de Satriani es palpable, y es aquí donde su destreza como compositor brilla con más claridad. A lo largo del álbum, esta combinación de fuerza y sutileza crea un equilibrio que lo hace destacar.

Una de las características más notables de Super Colossal es la amplitud de estilos que Satriani aborda. Si bien es conocido principalmente por su habilidad en el rock instrumental, este álbum demuestra que no está limitado a un solo género. Canciones como "Redshift Riders" tienen una sensación más cercana al heavy metal, con riffs agresivos y solos rápidos, mientras que "A Cool New Way" lleva al oyente en una dirección más relajada y atmosférica, casi bordeando el jazz fusión. Este tipo de diversidad es lo que ha hecho de Satriani una figura tan influyente en el mundo de la guitarra, ya que su enfoque no se centra únicamente en demostrar su destreza técnica, sino en explorar y experimentar con diferentes sonidos.

"La diversidad es crucial para mantener un álbum instrumental interesante," ha dicho Satriani en entrevistas. Y este principio está claramente presente en Super Colossal. “It’s So Good” es otro ejemplo de este enfoque variado, con una vibra funky y grooves contagiosos que son difíciles de ignorar. El uso innovador del fraseo y los efectos sonoros hace que esta pista se sienta fresca, a pesar de que el funk no es un género que muchos asocien inmediatamente con Satriani.

Por otro lado, "Ten Words", es una canción de balada que proporciona un respiro emocional en medio del álbum. Con un enfoque más melódico y menos centrado en la velocidad o la complejidad técnica, esta canción demuestra que Satriani es igual de competente en momentos de serenidad y reflexión, lo que contrasta maravillosamente con las piezas más pesadas del disco.

En términos de producción, Super Colossal no decepciona. Satriani colaboró nuevamente con John Cuniberti, un veterano ingeniero de sonido y productor que ha trabajado con él en numerosos proyectos. La producción de Cuniberti es clara y precisa, lo que permite que cada capa de la música de Satriani se escuche con claridad. Esto es particularmente importante en un álbum instrumental, donde la guitarra es el principal vehículo para transmitir emociones e ideas.

El tono de guitarra que Satriani logra en Super Colossal es notable. Utiliza una variedad de efectos y técnicas para crear una paleta sónica rica. Por ejemplo, en "Theme for a Strange World", Satriani emplea sonidos espaciales y etéreos que contrastan con los riffs más pesados de otras pistas. Esta atención al detalle en el tono y la textura es lo que separa a Satriani de otros guitarristas virtuosos. No es solo velocidad y técnica, sino una verdadera comprensión de cómo moldear el sonido para servir a la música.

Uno de los aspectos más impresionantes de Super Colossal es la capacidad de Satriani para contar historias a través de su guitarra. A pesar de que el álbum es completamente instrumental, hay una sensación clara de narración en muchas de las pistas. “One Robot’s Dream”, por ejemplo, evoca imágenes de una historia de ciencia ficción, con su combinación de melodías mecánicas y líneas de guitarra más humanas y emotivas. Este tipo de composición narrativa es una de las razones por las que Satriani ha sido tan influyente. No es solo un guitarrista que toca rápido, sino un músico que utiliza la guitarra como una herramienta para explorar paisajes emocionales y temáticos.

Super Colossal es una obra que resume las fortalezas de Joe Satriani como uno de los grandes guitarristas de nuestra era. Con una mezcla equilibrada de técnica, emoción y diversidad estilística, este álbum demuestra que incluso después de décadas en la industria musical, Satriani sigue siendo un innovador incansable. Cada pista ofrece algo único, desde los momentos más agresivos y pesados hasta los pasajes más suaves y melódicos, todos ejecutados con una precisión impecable y un tono de guitarra perfecto. Si bien no todos los oyentes pueden disfrutar de un álbum puramente instrumental, para los amantes de la guitarra y el rock, Super Colossal es una obra maestra que merece un lugar destacado en cualquier colección.

Daniel 

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1391 - Invisible - El anillo del Capitan Beto

1391 - Invisible - El anillo del Capitan Beto

"El anillo del Capitán Beto" es una de las canciones más emblemáticas de la banda argentina Invisible, compuesta por el talentoso Luis Alberto Spinetta. Lanzada en 1976 como parte del álbum El jardín de los presentes, esta canción se convirtió en un himno del rock argentino, destacándose tanto por su complejidad lírica como por su profundidad musical.

El tema narra la historia de un colectivero (conductor de autobús) llamado Beto, quien tras obtener un anillo mágico se convierte en el Capitán Beto, un héroe que vaga por el espacio en su colectivo convertido en nave espacial. En esta travesía cósmica, Beto se enfrenta a su soledad, al olvido de la gente de su barrio y a la incertidumbre existencial de estar en el vasto e infinito universo. A través de esta premisa fantástica y surrealista, Spinetta logra retratar temas profundos sobre la condición humana, como la soledad, el desarraigo y la búsqueda de sentido en un entorno que puede ser hostil e indiferente.

Musicalmente, la canción es una joya del rock progresivo. El sonido de Invisible, que mezcla rock con elementos de jazz y fusión, se ve reflejado en la riqueza de los arreglos. La canción inicia con una atmósfera calmada, casi misteriosa, a medida que la narrativa de Beto se despliega. Luego, va escalando en intensidad, manteniendo un balance entre la melancolía de la historia y la grandiosidad de su odisea. La guitarra de Spinetta, siempre virtuosa y expresiva, junto con el bajo de Machi Rufino y la batería de Héctor "Pomo" Lorenzo, crean un paisaje sonoro que acompaña perfectamente el viaje espacial de Beto.

Una de las características más notables de la letra es la capacidad de Spinetta para crear metáforas complejas que hablan tanto de lo personal como de lo social. En "El anillo del Capitán Beto", el anillo puede interpretarse como una representación del poder o el destino, mientras que el colectivo espacial es una metáfora del aislamiento que muchas veces experimenta el hombre común en su día a día, separado del resto del mundo por barreras invisibles.

Además, muchos críticos han interpretado la canción en el contexto político de Argentina durante los años 70. La alienación de Beto, su alejamiento de la gente de su barrio y su sensación de desamparo, podrían leerse como una crítica sutil a la situación de incertidumbre y represión que vivía el país bajo la dictadura militar.

"El anillo del Capitán Beto" es una obra maestra que combina una narrativa fascinante con una ejecución musical impecable. Es una reflexión sobre la soledad, el poder y la condición humana, temas que trascienden su tiempo y lugar, manteniendo su relevancia y profundidad décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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Canciones escondidas: Water From A Vine Leaf - William Orbit (1993)

Si tuvieras que escuchar solo un álbum de William Orbit debería ser este Strange Cargo III, sin embargo, el disco más reconocible y el que más viaja de boca en boca es Pieces In A Modern Style al que se le etiqueta como su único álbum verdadero, pero sin el éxito de Strange Cargo III, puede que ni siquiera hubiera habido un Pieces In A Modern Style, vale, eso es exagerar. Orbit ya tenía una reputación en el mundo de los clubs a principio de los 90 como remezclador, proporcionando pinceladas para una variedad ecléctica de artistas (Prince, Nitzer Ebb, Erasure, Kraftwerk, Betty Boo, Peter Gabriel, Sven Väth, The Cure, The Shamen, The Human League, Madonna). También estaba publicando su música bajo distintos pseudonimos desde principios de los 80: synth-pop en el grupo Torch Song, house ravey del Reino Unido con Bassomatic. Sin embargo, William "Orbit" era el principal medio creativo de Wainwright, donde se entregaba artísticamente a la fusión de géneros ambient, pop, funk y cualquier otro que le atrajera en ese momento. Por lo tanto, Orbit no era un desconocido para los DJ de todo el mundo, en todo caso, eran bastante receptivos a cualquier música que produjera, aunque quizás con un oído cauteloso, ya que Orbit a menudo se movía entre las armas de club de elite y el material de crossover descarado. Sin embargo, cualquier recelo que los DJ pudieran haber tenido con el material anterior de Wainwright se apaciguó rápidamente cuando Water From A Vine Leaf se lanzó como el primer sencillo de Strange Cargo III, prácticamente una reintroducción de Orbit a toda una nueva generación de ravers y espectadores que no estaban familiarizados con su producción de los 80.

Water From A Vine Leaf se convirtió en un clásico instantáneo en los círculos de la música house balear y progresiva (los remixes de Spooky y Underworld ayudaron), y fue incluido en las listas de reproducción de los DJs más importantes de la escena e incluso fue elegida por la poderosa Virgin para su distribución, sería uno de los sencillos más exitosos de Orbit jamás lanzados bajo su propio nombre. Es una pista con mucho ritmo y una secuencia de notas hipnótica como base, la voz estuvo a cargo de Beth Orton, colaboradora frecuente de Will Orbit, su vívido diálogo sobre cuatro chicas jóvenes que le dan agua de una hoja de parra (simplemente dejándola caer sobre su lengua) la convirtió en una vocalista muy solicitada por los productores (Chemical Brothers se dieron cuenta). Los remixes realizados por Spooky fueron un gran éxito en las pistas de baile, May & Forbes despojaron la pista de sus sintetizadores y esqueleto eléctrico y dieron forma a dos trancers enérgicos. La versión de Xylem Flow es más enérgica, mientras que la versión de Acid Bath tiene tonos más sutiles. Las versiones de Underworld mantuvieron el tempo original y decidieron simplemente expandir las producciones de Orbit en dos grandes y deliciosas pistas etiquetadas como parte 1 y 2. La primera interpretación es esencialmente un gran refuerzo, el breakbeat se elimina a favor de un sólido four-on-the-floor, el bajo está mucho más acentuado y los paisajes sonoros son grandes y exuberantes. La segunda interpretación es lo opuesto a la primera, con una gran reducción ya que en la primera versión se reduce a sus paisajes sonoros y deja el ritmo a la mitad.

Es difícil superar un sencillo así, por lo que Orbit ni siquiera lo intenta, en su lugar pasa el resto de Strange Cargo III saltando de género en género y mezclando estilos de la época como solía hacer. Aparecen algunas melodías más progresivas ( Into The Paradise , The Story Of Light , A Touch Of The Night , Gringatcho Demento, completa con un solo de guitarra estridente), el proto trip-hop naturalmente tiene su lugar ( Time To Get Wize ; Best Friend, Paranoia)., aparecen indicios de su futuro flirteo con la música clásica moderna ( Harry Flowers , Water Babies ) y un poco de relax étnico-fusión ( A Hazy Shade Of Random , The Monkey King , Deus Ex Machina ). Strange Cargo III no es en absoluto un álbum perfecto, se arrastra con ciertos errores de Orbit en la segunda mitad, y algunas pistas han quedado anticuadas, pero, aun así, es mucho más interesante que gran parte de su trabajo y merece totalmente los elogios que recibió en su momento.

1390.- Island Girl - Elton John

Incluida en el disco de Elton John "Rock of the Westies" (1975) , "Island Girl" fue escrita por Elton John junto a su colaborador habitual Bernie Taupin, y destaca por su controvertida letra sobre una prostituta jamaicana que ejercía en Nueva York, a la que un hombre jamaicano quiere llevar de vuelta a su país de origen.

Quizá por la oscura y difícil temática, Elton John no volvió a interpretarla en directo desde 1990, a pesar de tratarse de una canción que, publicada como primer single de "Rock of the Westies", alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense y se mantuvo en esa privilegiada posición durante tres semanas, en lo que sería el último nº 1 del artista británico en USA durante más de veinte años.

El single de "Island Girl", con el tema "Sugar on the Floor" en la cara B (una canción escrita por Kiki Dee, con quién Elton John cantó a dúo un año en el éxito "Don't go breaking my heart") vendió más de un millón de copias en Estados Unidos, y llegó hasta el quinto puesto en las listas de ventas de Canadá y Nueva Zelanda, llegando además al puesto nº 20 en Reino Unido y Australia.

Joe Satriani - Is There Love In Space? (Mes Joe Satriani)

La vida de un virtuoso instrumental no siempre es fácil en el mundo de la música cuando se trata de aparecer con material nuevo y fresco en cada álbum. Considero que hay dos grandiosos guitarristas en este rock olvidado de Dios que están inventando de manera notable, esos hombres son Steve Vai y su maestro de corta duración, amigo de mucho tiempo y el hombre en cuestión aquí, Joe Satriani. Desde las excelentes instrumentaciones melódicas basadas en el groove de los años 80 hasta los toques más experimentales y basados ​​en la tecnología de los años 90, Satch ha producido álbumes a un ritmo constante y con una deliciosa variedad. Satriani nunca ha sido de los que evitan probar cosas nuevas y tomar riesgos. Is There Love In Space? es su noveno álbum de estudio, y debo decir que es mixto. Joe Satriani ha hecho del rock instrumental un arte. ¿Por qué, entonces, siguió intentando cantar? Creo que hablo por la mayoría de la gente cuando digo que las pistas instrumentales de Flying In a Blue Dream de 1989 eran el álbum "real", pero lamentablemente se vieron interrumpidas por una serie de pistas vocales bastante regulares, de hecho, eliminar esas pistas vocales y convertir todo en instrumental da como resultado una experiencia auditiva mucho más satisfactoria. Joe dejó de cantar por un tiempo, y sólo ofreció un mínimo esfuerzo vocal en su álbum homónimo con tintes blues de 1995, e incluso en ese entonces, su canto se vio atenuado por la distorsión y por estar oculto en la mezcla. Tal vez la grabación de Live In San Francisco de 2001 reavivó la necesidad de cantar de nuevo, porque incluía la pista vocal de Flying "Big Bad Moon". Luego Satriani volvió a sacar el micrófono en Is There Love In Space, que salió el 13 de abril de 2004, la fortaleza de Joe Satriani reside en su habilidad para crear música instrumental que puede cautivar tanto a los guitarristas como a los oyentes ocasionales, no hace falta saber nada de guitarra para apreciar el sentido de la melodía de este músico, y ese es realmente su mayor don. Puede que posea dedos de oro, pero lo que más llama la atención es la habilidad con la que maneja las canciones sin acompañamiento vocal.

El tema de apertura Gnaahh presenta un agradable ritmo funky que lleva el álbum hacia arriba con un excelente Groove, y destaca el riff de pedal whammy inquietante, hay mucho pedal whammy en este álbum, probablemente más que en los anteriores. Up in Flames se basa en un riff muy distorsionado que me recordó a algunas de las canciones de Strange Beautiful Music, el solo también recuerda al de Mystical Potato Head Groove Thing. En general, la canción fluye muy bien con una fusión de blues y rock. Hands in the Air es otra melodía que comienza con un riff muy distorsionado, no estoy seguro de si las guitarras están afinadas más abajo o se usa una guitarra de 7 cuerdas, porque suena un poco más bajo (algo similar a Mind storm de SBM), se muestra un Satriani sorprendentemente pesado en el trabajo con los grandes riffs de apertura. Cuando a uno le falta un vocalista en la mayor parte de la música, algún instrumento tiene que "tomar el control" del lugar del cantante, de alguna manera. Satch siempre ha sido un maestro en esto, usando la guitarra como un "vocalista" que lleva las melodías en lugar de tocar sin parar con velocidad. Lifestyle es una de las raras melodías en las que hay letra, a mí personalmente, no me gusta demasiado esta canción, tiene ese aire bluesero, pero la letra parece demasiado topica para una canción como esta. "And you never make sense because you're too busy having a blast; I know we have no future cause you just can't remember the past, whooaaa"... Oh, vamos, para un tipo que hizo canciones como Flying in a Blue Dream, Satch Boogie, Raspberry Jam Delta-V, etc., etc., cantar este tipo de cosas es un poco "raro". Aun así, creo que el solo es realmente bueno, la mejor parte de la canción. Su voz no ha cambiado mucho desde Flying In A Blue Dream, que considero su mejor momento, donde también canta en algunas pistas, pero las interpretaciones vocales no están realmente a la altura.

Is there Love in Space, tengo que decir que la canción principal no es mi favorita del álbum. Sin embargo, amigo, a pesar de su tono poco ortodoxo, te hace escucharla más de un par de veces antes de que realmente "la entiendas", no es una canción rápida de ninguna manera (al menos la primera mitad), aunque no la llamaría balada. La segunda mitad mejora bastante, llena del característico tono wah "cry-baby" de Joe, mi parte favorita de la canción es el final, muy suave y a la vez increíblemente rápido. If i could fly debe ser agregada a cualquier lista de los mejores momentos de Joe Satriani, la canción combina sus solos con una melodía pegadiza, enérgica y alegre que se queda en tu cabeza durante horas, es sin duda, mi canción favorita del álbum y una de las canciones favoritas de Satch de todos los tiempos. Comienza con un riff simple y limpio, que retoma con el solo de Joe, hay patrones fácilmente reconocibles en la canción, además de que es muy pegadiza. A veces, es imposible no asentir con la cabeza cuando la escuchas. ¡Brillantez pura! Y seguimos para bingo porque llega mi segunda canción favorita del álbum The Souls of Distortion, y sí, tiene tonos de distorsión, la canción está llena de fusiones realmente geniales de wah y distorsión que crean algunas entonaciones geniales en los riffs principales cuando llevas un tercio de la canción se rompe en un solo, que cambia un poco las cosas, el tono de la guitarra es lo que realmente hizo que me fijara en esta canción. Just Look Up es la única balada pura, recuerda mucho a canciones como Home, Cryin' y Until we Say Goodbye, la guitarra de Joe suena bien respaldada por un tono acústico suave, en general una melodía agradable y relajada. I like the Rain es la segunda canción en el álbum que realmente tiene letra, no soy fanático de las letras de Joe, pero aquellos de ustedes a quienes les gustó "Big Bad Moon", definitivamente disfrutarán de esta. En términos de estructura de la canción y riffs, las 2 canciones se recuerdan mucho entre sí, incluso los solos (aunque esta vez no hay armónica). Searching es un verdadero maratón de canción, en mi opinión, quitaria toda la parte del medio y la acortaba. La melodía comienza con un solo de Joe y rápidamente se convierte en un increíble riff de whammy que probablemente sea imposible de tocar. Sin embargo, justo después, la canción se convierte en un solo largo y aburrido. Sin subestimar la habilidad de Joe, toda esta parte podría haberse omitido fácilmente. El outro es prácticamente el mismo que el principio, y sí, el brillante riff de whammy está ahí, el único lado positivo de la canción. Finaliza el álbum con Bamboo que comienza con un riff de punteo limpio. Más tarde, la canción se convierte en un solo de jazz tocado sobre una línea de bajo interesante. Buena canción en general.

La producción del álbum es muy cruda y áspera, lo que funciona en su mayor parte, pero me hubiera venido bien un poco más de fuerza y ​​mordacidad en los sonidos. La batería también tiende a quedar sepultada en algunas partes, pero, por supuesto, la guitarra es el elemento principal aquí. En general, el álbum es una mezcla del rock estilo Surfing de los 80 de Satch y los sonidos más experimentales estilo Engines de los 90. No es su mejor trabajo, pero es un disco instrumental muy decente. Con algunos rockeros más animados, habría sido mucho mejor. Para aquellos que buscan un disco un poco más suave, pero aun así oscuro, este es definitivamente para ustedes.

1389.- Europa (Earth's Cry Heaven's Smile) - Santana

 

Europa (Earth's Cry Heaven's Smile, Santana

    En 1966 Carlos Santana decide dejar su empleo de lavaplatos para dedicarse por entero y perseguir su sueño, la música. Carlos era asíduo del mítico club Filmore East, y allí, con su sonido y su estilo tan personal consiguió llamar la atención del mismísimo dueño del local, Bill Graham, que quedó prendando la primera vez que lo escuchó en directo.  Animado por este hecho, Carlos Santana decide formar su primera banda, que tras más de cincuenta años en activo, sigue dando caña a día de hoy. La primera formación, y que sufrirá numerosos cambios a lo largo de la historia, estaba formada por David Brown (bajo), Marcus Malone (percusión) y Gregg Rolie (voz y teclados). Con esta formación consigue firmar un contrato discográfico con Columbia Records, y el grupo en principio se llama Santana Blues Band, nombre que le dura muy poco, pues acabará llamándose Santana. Es tanta la calidad que atesora la banda, que Bill Graham intercede y consigue que sean invitados a tocar en el Festival de Woodstock de 1969, y sin tener ningún disco ni material grabado todavía, si bien es cierto que por entonces estaban preparando su primer álbum pero todavía no había visto la luz. Santana tocaría en el mítico festival a mediados de agosto, y su primer álbum de estudio, titulado Santana, sería publicado el 30 de agosto de ese memorable año. Bendita la apuesta de Bill Graham.

Ya asentado en el panorama musical, la banda Santana publica en 1976 Amigos, su séptimo álbum de estudio. El disco, que apuesta por sonidos que van desde jazz fusion,el funk o el rock latino, es grabado, bajo la producción de David Rubinson, en los Wally Heider Studios de San Francisco, y publicado el 26 de marzo de 1976 bajo el sello discográfico Columbia Records. Este trabajo, que fue lanzado en formatos estéreo y cuadrafónico, se convirtió en el primero del grupo en llegar al top ten de las listas estadounidenses Billboard desde que lo consiguiera el grupo con Caravanseraí en 1972.

Incluido en este álbum se encuentra Europa, canción que fue lanzada como sencillo y llegó a convertirse en todo un éxito mundial. La canción, titulada en realidad Euopa (Earth's Cry Heaven's Smile), acreditada a los miembros del grupo Tom Coster y Carlos Santana, es una canción instrumental con una progresión de acordes de 16 compases que sigue el círculo de quintas muy similar a al estándar de jazz Autumn Lives (versión en inglés de la canción francesa "Les Feuilles Mortes" compuesta por Joseph Kosma en 1945). Al ver a un amigo que sufría una mala experiencia mientras estaba bajo los efectos de la Mescalina, Carlos Santana compuso una pieza titulada The Mushroom Lady's Coming to Town. Esta canción contenía el primer riff de Europa. Esta canción fue guardada y no se tocó durante bastante tiempo. Cuando Carlos santana estaba de gira con Earth, Wind & Fire en Manchester, Inglaterra, volvió a tocar esta melodía, esta vez con Tom Coster, quien le ayudó con algunos de los acordes. A The Mushroom Lady's Coming to Town se le cambió el nombre, y así es como nació Europa (Earth's Cry Heavcen's Smile). Hay quien afirma que durante una visita de Santana en la extinta Unión Soviética en 1987, surgió una controversia, ya que al parecer el compositor armenio Arno Babajanian reconoció los primeros ocho compases de la canción cundo la escuchó por primera vez, como su propia composición Мосты (Puentes), lanzada en 1959.

1388 - Elton John - Don't Go Breaking My Heart

1388 - Elton John - Don't Go Breaking My Heart

"Don’t Go Breaking My Heart" es una canción lanzada en 1976 por Elton John en colaboración con la cantante británica Kiki Dee. Esta alegre y pegajosa pieza destaca dentro del repertorio de John no solo por su energía y frescura, sino también por haber sido su primer sencillo en alcanzar el número uno en las listas de éxitos en Estados Unidos y Reino Unido.

Desde el primer acorde, la canción establece un tono optimista, con una melodía de piano brillante que guía a los oyentes a lo largo de la canción. La voz de Elton John, característica por su calidez y expresividad, encuentra el complemento perfecto en el tono dulce y claro de Kiki Dee. Ambos interpretan el tema como si estuvieran inmersos en un juego de seducción musical, con cada frase como un diálogo entre dos personas que están enamoradas y se prometen no herirse mutuamente.

Líricamente, la canción no presenta un mensaje profundo o filosófico, pero su encanto radica precisamente en su simplicidad. Es una declaración de amor ligera, en la que ambas partes piden que no se rompa el corazón del otro. Sin complicaciones ni dramas innecesarios, la letra se centra en la dulzura y el juego del romance. Es una canción que evoca la idea de amor juvenil y despreocupado, donde el mayor temor es perder la magia de una relación floreciente.

Musicalmente, "Don’t Go Breaking My Heart" se enmarca dentro del pop y soft rock de los años 70. La instrumentación es vibrante, con una marcada presencia de piano, bajos y baterías que refuerzan el ritmo alegre. El arreglo musical, producido por Gus Dudgeon, hace uso de cuerdas y vientos que le añaden una capa extra de dinamismo, lo que la convierte en una canción ideal para la radio y pistas de baile de la época. A pesar de su sencillez en cuanto a estructura, la producción es impecable y consigue un sonido atemporal.

El éxito de esta canción también se debe en gran parte a la química palpable entre Elton John y Kiki Dee. A lo largo de la interpretación, se siente la diversión y el carisma que ambos artistas comparten, lo que se transmite de manera natural a los oyentes. Es un tema que, si bien no revolucionó la música de los años 70, contribuyó a consolidar la imagen de Elton John como una figura prominente en la música pop.

"Don’t Go Breaking My Heart" es una canción que logra capturar la esencia del pop ligero de los 70, con su melodía optimista, letras simples y una interpretación que destila carisma. Aunque es un tema sencillo, su energía contagiosa y la icónica colaboración entre Elton John y Kiki Dee lo han convertido en un clásico atemporal.

Daniel 

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Disco de la semana 400: Paragon - Floor Jansen

Paragon, Floor Jansen

     "Mírame ahora, ¡ya estoy allí!". Renovarse y dar saltos hacia lo desconocido te hace crecer. Envejecer es un regalo que no todo el mundo tiene. Soy una mujer afortunada que pudo hacer un álbum que nunca supe que podía hacer. Uno que incluso me define, donde estoy en mi camino. ¡He alcanzado mi PARAGON! ¡Estoy muy orgullosa de este trabajo! ¡Y agradecida por todas las personas maravillosas en esta hermosa vida que me ayudaron a llegar aquí!"

                                                                                                              (Floor Jansen)

La palabra "paragon" hace referencia a cuando tenemos enfrente a una persona o cosa a la que abrazamos como un "role model" (líderes con características inspiradoras, susceptbles de ser imitadas por los demás para lograr objetivos). De esta manera definía Floor Jansen su album debut, Paragon, un reflejo de todo lo que la artista estaba viviendo en esos momentos, adhiriéndose a introspecciones y puntos de inflexión que permitieron que atesorara el aquí y ahora de su vida personal y profesional, musicalmente, alejándose de todo lo explorado sin cesar desde los 90's y proponiendo una sólida dirección más enfocada hacia otros estilos que poco o nada tienen que ver con el metal.

Floor Jansen es una cantante de metal holandesa, y es considerada una de las vocalistas femeninas más poderosas de la industria de la música metal mundial. Con una voz potente y operística y unos gruñidos guturales en el escenario, Floor se destaca en la escena de la música metal actual como una músico muy singular. Sus habilidades vocales inigualables y su poder puro han llegado a eclipsar a sus compañeros vocalistas masculinos en muchas de sus apariciones. Este enfoque sencillo pero humilde la convierte en un ejemplo perfecto de un personaje carismático y adorable. Floor Jansen es un regalo verdaderamente notable para el mundo de la música metal. Cada una de sus actuaciones es una mezcla de entrega emocional y habilidad vocal incomparable. Brilla tanto en notas más ligeras de cabeza como en números épicos y partes guturales exigentes. Su versatilidad vocal y su dedicación a la perfección, junto con su rica historia musical, son los elementos detrás de sus excepcionales actuaciones en vivo, que se salen de lo común.  Ya sea que se trate de un espectáculo individual, un gran concierto o una actuación como invitada con otros artistas, Jansen tiene el carisma vocal y el talento natural para destacar cualquier espectáculo. Ella entiende el mensaje de la canción y es capaz de transmitir su esencia emocionalmente, creando un vínculo emocional puro con el público, incluso en estadios de gran capacidad. Esa profundidad de carácter es lo que hace que Floor Jansen sea un hallazgo muy poco común en la industria del metal y la intérprete favorita absoluta de un público grande y diversificado. Este es un hecho verdaderamente notable y digno de admiración.

El 24 de marzo de 2023, Floor Jansen, conocida mundialmente como la poderosa vocalista de la banda de metal sinfónico Nightwish, lanzó su esperado álbum debut en solitario titulado Paragon. Este proyecto marca un nuevo capítulo en la carrera de Jansen, alejándose del sonido metalero que la ha definido durante años para explorar una mezcla más diversa de rock, pop y baladas emotivas. Cada pista ofrece una ventana al viaje personal y artístico de Jansen, permitiéndole conectar con su audiencia de una manera más íntima y personal. Según la propia artista: “Este álbum me permitió experimentar con diferentes estilos y emociones, algo que siempre quise hacer”. La producción del álbum también refleja esta diversidad, con arreglos que van desde lo minimalista hasta lo grandioso, siempre destacando la impresionante capacidad vocal de Jansen.

Paragon incluye diez canciones, cada una con su propio estilo y mensaje. Comienza el álbum con la canción que da título al disco My Paragon, toda una declaración de empoderamiento y autovaloración de uno mismo, con Floor Jansen celebrando sus logros. Daydream es una introspectiva balada que nos invita a reflexionar y soñar sobre la vida. Es una de las experiencias más minimalistas del álbum, y está construida alrededor del piano y con unas letras muy introspectivas. Invencible, con sus arreglos osquestales es un enérgico tema que nos habla sobre la resiliencia y la fuerza interior, todo desde la perspectiva de una ,luchadora contra el cáncer como Floor. Hope es una optimista canción que nos transmite un mensaje de esperanza y superación. Esta canción y la anterior adquieren un profundo significado para Floor, por su reciente batalla contra el cáncer. A pesar de la vulnerabilidad de la gente, nos anima y nos inspira a tener esperanza. Cierra la cara A Come Full Circle, que nos habla sobre cerrar ciclos y la importancia de seguir adelante y aprender de las experiencias pasadas.

La cara B comienza con Storm, una emocional poderosa canción que a través de una metáfora nos habla sobre los desafíos personales. Me Without You a través de una delicada instrumentación y con un toque teatral explora la dependencia emocional de las personas y nos anima a buscar nuestra propia identidad. Como muy bien indica The Calm, nos transmite una sensación de paz y calma después de la tormenta de la adversidad. Armoured Wings, contiene unos crescendos brutales y trata sobre la protección y la fortaleza que uno va adquiriendo a lo largo de la vida. Cierra la cara B y el álbum Fire, una explosión de energía y pasión con un toque rockero muy accesible y melódico que simboliza el renacimiento y la renovación de la persona después del sufrimiento y la lucha.

Cada canción en Paragon muestra la gran versatilidad vocal y la profundidad emocional de Floor Jansen, permitiéndole explorar diferentes estilos y temas. Con temas que no superan los cuatro minutos, el disco se enfoca en contar historias personales y emocionales, destacando la versatilidad de Jansen como cantante y artista. Paragon no busca competir con los épicos arreglos sinfónicos que caracterizan su trabajo en Nightwish, sino ofrecer una mirada íntima a la personalidad artística de Jansen. Estamos ante un trabajo muy importante en la carrera de Jansen, mostrando su capacidad para evolucionar y explorar nuevos territorios musicales más allá del metal sinfónico.

1387 - El reloj - El viejo Serafin

1387 - El reloj - El viejo Serafin

La canción "El Viejo Serafín", interpretada por la banda argentina El Reloj, es una obra emblemática dentro del rock progresivo y psicodélico que floreció en la escena musical de los años 70 en Argentina. Esta pieza, parte del repertorio de uno de los grupos pioneros en el rock pesado y progresivo en América Latina, refleja una mezcla compleja de sonidos instrumentales, letras profundas y una atmósfera envolvente que transporta al oyente a un viaje introspectivo y emocional.

El Reloj, fundado en 1971, es considerado uno de los pilares del rock progresivo argentino. Su estilo está fuertemente influenciado por bandas británicas como Deep Purple y King Crimson, lo que se percibe en su sonido denso y las largas progresiones instrumentales características del género. "El Viejo Serafín", una de sus canciones más representativas, se enmarca en este contexto de experimentación sonora, donde los tiempos cambiantes, los solos de guitarra y las secciones instrumentales predominan, creando un paisaje sonoro rico y lleno de matices.

Desde el inicio, "El Viejo Serafín" capta la atención con una introducción de guitarra poderosa y contundente que abre camino a una melodía que oscila entre lo melancólico y lo enigmático. La banda utiliza cambios rítmicos constantes, que son una marca registrada del rock progresivo, para mantener al oyente en una especie de suspenso musical. Estos cambios de ritmo, junto con la complejidad de los arreglos instrumentales, muestran la capacidad técnica de la banda y su maestría en la creación de atmósferas densas y detalladas.

En cuanto a la letra, "El Viejo Serafín" cuenta la historia de un personaje enigmático, posiblemente una figura mítica o una metáfora sobre el paso del tiempo, la sabiduría y la soledad. Las letras, aunque son algo crípticas, permiten diversas interpretaciones, lo que refuerza la naturaleza introspectiva de la canción. El viejo Serafín puede verse como una representación de alguien que ha vivido muchas experiencias y acumula una sabiduría particular, pero que también se enfrenta a una inevitable decadencia. Esto puede reflejar, en un nivel más amplio, la inevitable transitoriedad de la vida.

"El Viejo Serafín" no solo es una de las canciones más icónicas de El Reloj, sino que también es un testamento del desarrollo del rock en español y su capacidad para adaptarse a géneros tan complejos como el progresivo. La banda, a través de esta canción y su obra en general, demostró que el rock latinoamericano podía competir en calidad y complejidad con sus contrapartes anglosajonas. Hoy en día, "El Viejo Serafín" sigue siendo una referencia obligada para los amantes del rock progresivo en español, tanto por su calidad musical como por su profundidad lírica.

"El Viejo Serafín" es una joya del rock progresivo argentino, una canción que invita a la reflexión tanto por sus letras como por su rica composición musical, manteniendo su relevancia a lo largo de las décadas.

Daniel 

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