Grandes éxitos y tropiezos: Oasis

Volvemos con una nueva edición de Grandes Éxitos y Tropiezos, y en esta ocasión suben a la palestra los controvertidos hermanos Gallagher y su particular Oasis musical, que fueron punta de lanza del britpop en los noventa y dejaron grandes discos para la historia, pero también tropezaron lo suyo, hasta que el choque de estas dos fuertes personalidades les llevó a tomar caminos que, hasta hoy, y a pesar de que sus todavía miles de fans claman por una reunión, siguen siendo separados. Así que si te da por bucear en la discografía de los de Manchester, te vendrá bien esta breve guía antes de plantarte en la tienda de discos.

Estás tardando en comprarlo:

Gran parte de la culpa del desmedido éxito de Oasis en los noventa la tuvo su primer disco, Definitely Maybe (1994), con el que se presentaron al mundo armados con la actitud contestataria de los Sex Pistols (y cierto parecido en la manera de Liam de estirar la última palabra en cada fraseo con la peculiar manera de cantar de Johnny Rotten), y una estética sonora que tomaba cosas de Stone Roses, Rolling Stones y, como no, de su adorado Lennon y los Beatles. Este disco es, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos británicos de todos los tiempos, una sucesión de arrogantes hits de intensas y sobrecargadas guitarras y acertadas melodías. La lista de hits es apabullante: Rock ‘n Roll Star, Live Forever, Shakermaker, Supersonic, Cigarettes And Alcohol, Columbia, Slide Away... Si no conocieras al grupo, podrías incluso pensar que estabas escuchando el recopilatorio definitivo (o quizás) de sus mejores canciones.

Tengo que incluir aquí también al archiconocido (What’s The Story) Morning Glory? (1995), el mayor éxito de su carrera por temas como Wonderwall, Roll with it o Don't look back in anger, que en conjunto, y siendo también uno de los mejores discos del brit pop y de la historia de la música inglesa, en mi opinión está un escalón por debajo de su álbum de debut, aunque para ello haya que recurrir a la "photo finish". Este disco supuso un cambio sonoro respecto a su predecesor, las guitarras son aquí menos saturadas y aunque hay temas de rock intenso (Hello) o que encajarían estilísticamente en el anterior disco (Some might say), el tono general de Morning Glory es más pausado, con coros e instrumentaciones menos crudas y directas, e incluyendo arreglos de cuerda y, en general, una instrumentación más accesible y variada. La auténtica joya del disco es la excelsa Champagne Supernova, uno de los mejores temas de toda la discografía de la banda, y su momento más alto a nivel de épica y de intensidad tanto vocal como musical. Un final glorioso para un disco remarcable.

Si te queda pasta, llévate también: 

Don’t Believe The Truth (2005) Cuando ya nadie esperaba un buen disco de Oasis, tras varios tropiezos que veremos en la siguiente sección, aparece este disco en el que se nota el aire fresco y las contribuciones de otros miembros de la banda, en lugar del omnipresente Noel que empezaba a mostrar ya signos de desgana y agotamiento. Las tareas se reparten en el disco más democrático del grupo, firmando su mejor disco en muchos años, y el primero en contar con la batería de Zak Starkey (hijo de Ringo Starr), tras la salida del habitual Alan White. Los temas que aporta Liam Gallagher son mucho más robustos que los torpes acercamientos de discos anteriores, y las aportaciones de Noel, aunque más escasas, siguen siendo muestras de su genio creativo (The Importance Of Being Idle) o hits redondos y efectivos (Lyla). Las aportaciones de Andy Bell y Gem Archer están también a la altura, y toda la banda parece haber recobrado los bríos del pasado en esta nueva formación. Muy destacable también el intenso comienzo con Turn up the Sun, con la que de hecho consiguieron volver al número 1 en el Reino Unido, y alcanzar la mejor posición en las listas estadounidenses desde 1997, y el himno Beatle de Let there be love, un tema antiguo de Noel que encontró aquí su lugar privilegiado para brillar como merecía.

Be Here Now (1997) La continuación de Morning Glory es un disco bastante denostado con el paso de los años, y muchos lo incluirían en la sección de "Vuelve a dejarlo en el expositor" por su sobreproducción y por no resistir la comparación con sus dos antecesores. El primer pinchazo de Oasis surgió de unas difíciles sesiones de grabación, en las que las discusiones entre los hermanos, y el abuso de las sustancias, deterioraron un lanzamiento que yo reivindico aquí porque, pese a todo, sigue ofreciendo un buen puñado de canciones clave del repertorio de Oasis, junto con otras más criticables o descartables. Los temas en este disco se alargan demasiado en ocasiones, y las sobre-grabaciones de guitarra son también excesivas en algunos momentos, lo que no quita que temas como D’You Know What I Mean?, Stand by me, Don’t Go Away o All Around The World están a la altura de lo exigido y esperado de la banda. 

Dig Out Your Soul (2008) El hasta ahora último disco publicado por Oasis fue un claro intento de reinvención y modernización de su sonido y sus planteamientos, dejándose influenciar por otros estilos como la psicodelia y el rock alternativo, pero el tema que más brilla en el conjunto es The Shock of the Lightning, un tema al más puro estilo de Oasis. Este tema o el también intenso Bag it up dan muestra de lo que Oasis podía haber hecho en el futuro, de haber surtido efecto este renacer creativo. I’m Outta Time es el enésimo homenaje a su admirado Lennon (incluye, de hecho, una grabación de su voz) pero también es otro de los momentos álgidos del disco. Otros temas como (Get Off Your) High Horse Lady o Falling Down se acercan a lo que Noel haría después en solitario. El resultado en conjunto es un buen disco y una despedida digna para una banda de su nivel, sonando como nunca pero sin caer en la excesiva pompa de otros proyectos, y hasta explorando la sonoridad de Pink Floyd en Soldier on, diciendo adiós de la manera más curiosa y sorprendente posible. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Heathen Chemistry (2002) supuso un intento de vuelta al rock, con algún toque psicodélico, pero solo consiguieron transmitir el sonido de un grupo gastado y sin ideas, que replica o copia las estructuras que les habían llevado al éxito sin la gracia y la frescura de antaño. Es sin duda el disco más flojo de la banda, y salvo The Hindu Times, el tema más enérgico y destacable, y uno de sus mejores temas en años, el disco se centra en su mayor parte en los medios tiempos y las baladas, y aunque Stop crying your heart out, Little by little y Songbird son temas de calidad, el disco al completo carece del carácter y el carisma que anteriormente había mostrado la banda.

Standing On The Shoulder Of Giants (2000) marca el comienzo serio del declive de la banda. Pese a un comienzo enérgico y prometedor con el desatado instrumental de Fuckin' in the bushes, al que sigue Let it out, temazo marca de la casa a ritmo de mellotron y guitarra, y una no menos efectiva y psicodélica balada de sitar y toques electrónicos (Who feels love?), después es como si la ciudad de Nueva York de la portada sufriera el mayor apagón de su historia. El intento de mezclar la psicodelia de los sesenta con la electrónica del momento habría resultado curioso, de haber mantenido el resto de las canciones el nivel de las tres primeras. La primera aportación compositiva de Liam con Little James es un sonrojante y torpe intento de facturar su propio Hey Jude, y en temas como Put Yer Money Where Yer Mouth Is, I can see a liar o la progresiva Gas Panic! suenan encorsetados y repetitivos donde deberían sonar intensos y contundentes. Noel se pregunta en Where Did it All Go Wrong? ("Donde empezó todo a ir mal"), que pudo fallar en la "Cool Britannia” de Blair, pero con ese título era inevitable para mí pensar en por qué, y en qué momento, un disco con un arranque tan bueno acabaría en esta sección.

0621 - Dreams - The Allman Brothers

0621 - Dreams - The Allman Brothers

Pero si una canción podría representar todo lo que la música de una banda puede evocar, esa canción es Dreams, de la banda The Allman Brothers.

Gregg Allman escribió esta triste canción sobre sueños no realizados cuando vivía en Los Ángeles. Dejó Georgia para comenzar su carrera musical allí y escribió un montón de canciones antes de regresar y formar The Allman Brothers Band con su hermano Duane.  Esta fue la canción que conquistó a sus compañeros de banda.  

Allman escribió en su biografía de 2012: "Les mostré 'Dreams' y déjame decirte que se unieron de inmediato. Aprendimos esa canción de la forma en que la escuchas hoy, y yo estaba dentro, hermano". 

En su letra Gregg mitificó el ‘Nuevo Sur’, que se enorgullecía de sí mismo y de sus valores progresistas, así como de su capacidad de auto renovación y que años después culminaría con la elección de Jimmy Carter como presidente. Se trataba de una visión anti-industrial y mística; el mito del Sur recreado para una nueva generación.

Daniel 

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0620.- It's not my cross to bear - The Allman Brothers Band

 

Es raro cuando una banda triunfe con su álbum debut que no solo incluye una gran cantidad de material impresionante, sino que también tiene un sonido/estilo tan único como para crear su propio género musical, pero eso es exactamente lo que The Allman Brothers Band lo hizo en 1969. Esta colección de melodías, esta obra magna del rock sureño, creó un género musical estándar/convencional durante las próximas décadas y puso a esta banda en el camino hacia el merecido estrellato. Sin duda, sigue siendo uno de mis favoritos de todos los tiempos en el género, y las actuaciones de todos los componentes son sin duda alguna, brillantes. Duane y Gregg Allman podían ser muy jóvenes en 1969, pero tenían experiencia. Los hermanos habían sido miembros de tres bandas; The Escorts se formaron en 1963, seguidos por Allman Joys en 1965 y finalmente Hour Glass en 1967, con quienes lanzaron dos álbumes sin éxito comercial. La cuarta vez fue la vencida para Gregg y Duane. The Allman Brothers Band se formó en 1969 y rápidamente sería reconocida como una de las mejores y más creativas bandas del mundo. Los seis miembros originales incluían al vocalista/organista Gregg Allman, el guitarrista Duane Allman, el guitarrista Dickey Betts, el bajista Berry Oakley, el baterista Butch Trucks y el baterista Johanny “Jaimoe” Johnson. Lanzaron su álbum debut homónimo el 4 de noviembre de 1969. Sería un éxito en su sur natal, pero recibiría poca atención fuera de esa región del país. Alcanzaría el puesto 188 en la lista de álbumes de Billboard. La gente no sabía lo que se estaba perdiendo en ese momento cuando el álbum presentó al mundo el rock de estilo sureño, impulsado por uno de los guitarristas legendarios de la música.

 

Dentro del álbum y de muchas canciones más conocidas encontramos "It's Not My Cross to Bear", una pista lenta de blues que introdujo a un público desprevenido el poder áspero y áspero de la voz de Gregg Allman sobre un telón de fondo de órgano Hammond. Sin duda fue la presentación real de una de las mejores voces que ha dado el rock, me refiero a la de Gregg Allman que escribió esta canción dedicada a una novia y que repetiría en la siguiente canción del album "Blackhearted Woman," hablando de la misma chica. Estamos ante una canción casi perfecta, un ejemplo claro y perfecto de cómo incorporar ambos extremos del espectro dinámico, las partes suaves son acentuadas por guitarras ligeras y voces apasionadas. Curiosamente el titulo sirvió en medida para la publicación de la autobiografía de Greeg Allmand, “My Cross to Bear” artífice de una de las bandas más grandes que ha dado el rock sureño, cuenta sin tapujos su larga lucha contra el abuso de sustancias, sus fracasos matrimoniales y la trágica muerte de hermano Duane Allman, un repaso a la vida en la carretera en una de las bandas más legendarias del rock.

0619.- Trouble no more - The Allman Brothers Band

Los Allman Brothers grabaron Trouble No More para su álbum de debut The Allman Brothers Band (1969), realizando una impresionante versión de un tema blues grabado por primera vez por Muddy Waters en 1955. A su vez, la canción de Waters era una variación de "Someday Baby Blues" (1935) de Sleepy John Estes.

La banda grabó dos versiones de la canción, una fue la ya comentada versión de estudio, y la otra fue una interpretación en directo de 1971 en el Fillmore East que acabó siendo incluida en el disco Eat a Peach (1972). La canción tiene el honor de ser el tema con el que empezaron su primer ensayo juntos, y la interpretaron también en el momento de su despedida.

No es la única versión que se ha hecho de aquel viejo tema de Sleepy John Estes. Con algunas variaciones en la letra, el tema Concerned Life Blues de Big Maceo, o el Someday Baby grabado por Bob Dylan en 2006, son revisiones de aquel eterno blues de los años treinta, pero sin duda, la que ha quedado para la historia, con permiso de la versión de Muddy Waters, es la impactante versión, tanto en estudio como en directo, de The Allman Brothers Band.

Muy deficiente - Platero Y Tú #MesPlateroyTú

"El tercer disco de Platero y tú es Muy deficiente". La frase suena lapidaria, y lleva a la confusión. No creo que haya ningún disco de Platero y Tú que pueda ser considerado muy deficiente, y el grupo de Fito Cabrales e Iñaki Antón "Uoho" siempre facturó buenos discos desde sus inicios hasta su lamentada disolución, así que le daremos vuelta a la frase para que todo quede aclarado:

"Muy deficiente es el tercer disco de Platero y Tú". Ahora sí ¿No? Queda claro que no estamos suspendiendo al disco, solo informando del título de mismo, y especificando que es el segundo álbum de la banda, grabado entre febrero y marzo de 1992, y publicado el 12 de junio de 1992 por la discográfica DRO. Para poder llegar a una nota más ajustada a la realidad, tendríamos que valorar aspectos interesantes de ésta su segunda obra, como que lograran contar con la colaboración de Rosendo, no demasiado proclive a aparecer en discos de otros, en el tema Sin solución, o del genial teclista Ángel Muñoz, más conocido como "El Reverendo" y por sus entente colaborativa con El gran Wyoming, que aportó el toque de órgano Hammond en Cantalojas, un curioso ejercicio de blues rock.

Curiosidades aparte, los puntos fuertes de Muy deficiente están, seguramente, en las canciones que se publicaron como singles: Rompe los cristales, con los integrantes del grupo Arma Joven en los coros, y sobre todo El roce de tu cuerpo y la ya mencionada Sin Solución, que se convirtieron rápidamente en clásicos imprescindibles de la banda, con estribillos identificables y sustentadas en la potente guitarra de Uoho y en la peculiar voz de Fito, pero que no lograron que el disco tuviera la repercusión esperada. No sería hasta el siguiente disco (Vamos tirando) cuando los Platero y Tú dieron el salto definitivo a los primeros lugares del podio de rock español y lograron el reconocimiento de crítica y público del que, aún ahora ya desaparecidos, siguen gozando, pero ya en Muy deficiente encontramos todos los ingredientes y la calidad que definieron a esta banda mítica de rock and roll hispano.

Siempre emparentados con Extremoduro, hasta el punto de compartir el gusto por menospreciar sus obras en el título. Si los Platero y Tú denominaron esta obra como Muy Deficiente, Extremoduro hizo algo parecido con un disco que tenía de todo menos "Material Defectuoso" (2011), ya con los Platero disueltos y con Uoho entre sus filas. La relación de compadreo entre las dos bandas vino también producida por un gusto similar por el rock urbano, que Robe Iniesta llevaría al extremo de lo "transgresivo". Prueba de esa cadencia rock es el genial riff de Esa chica tan cara, otro de los momentos top del disco. Toda una declaración de amor a una guitarra y todo un clásico del rock español, como lo es también la ácida crítica a los rockeros de pose y artificio de la imprescindible No hierve tu sangre.

El resto de temas, salvando quizá los toques épicos con los que cierran el disco en la intensa Desertor, bajan algo el listón en cuanto a la espontaneidad y la fuerza de las canciones ya comentadas. Meando en la pared es prescindible, y ni el tono punk de tintes políticos de Estás Solo, ni la ligereza ecológica de Contaminamos pasan de ser meros rellenos en un disco que no necesitaba ese tipo de aliños para dejarnos un buen sabor de boca. Ninguna de ellas logra que nos decantemos por una nota de "muy deficiente" para el disco, aunque sí que consiguen que el "sobresaliente" se quede finalmente en "notable". Quizá seamos demasiado exigentes, pero a alumnos destacados como Fito y Uoho, que estaban a punto de convertirse en grandes maestros, siempre hay que exigirles al máximo. En definitiva, y en conjunto, estamos ante un disco a la altura de lo mejor de Platero y Tú, por más que quisieran titularlo como Muy Deficiente.

0618.- Whipping Post - The Allman Brothers Band

Whipping Post, The Allman Brothers Band

     El 4 de noviembre de 1969 se produce el debut de la mítica formación The Allman Brothers Band con su primer álbum de estudio, titulado como la misma  banda, The Allman Brothers Band. El disco es grabado entre el 3 y el 12 de agosto de 1969 en los estudios Atlantic de la ciudad de Nueva York, bajo la producción del músico y productor británico Adrian Barber, quien ya había trabajado con The Beatles en 1962. El disco es publicado por las discográficas Atco Records y Capricorn Records y es grabado y mezclado en dos semanas. Gran parte del material fue estrenado anteriormente a su grabación en vivo ante el público combinando grandes dosis de blues, jazz y música country. Curiosamente y pesar de recibir buenas críticas por parte de la prensa especializada como Rolling Stone que calificó el disco como "sutil, honesto y conmovedor", obtuvo una mala respuesta comercial, llegando únicamente a colocarse en Estados Unidos en los últimos puestos de la lista Billboard Top 200 Top Albums. Tras el aumento de la fama del grupo a principios de los 70, tanto este disco debut como el siguiente, Idlewild South, fueron reeditados en el álbum recopilatorio Beginnings en 1973.

Whiping Post fue compuesta por Gregg Allman, y la letra, que está escrita en un sentido metafórico, trata de una mujer malvada que ha traicionado a un hombre el cuál esta atado a un poste y está esperando su castigo. Gregg escribió este tema una noche sobre una tabla de planchar utilizando cerillas quemadas, pues en ese momento en mitad de la noche no fue capaz de encontrar un lápiz o bolígrafo y la escribió sobre la citada plancha. El tema se convirtió en un clásico en sus conciertos, tocándola además siempre a modo de Jam Session para evitar que el tema sonara igual dos veces. Una vez Gregg Allman fue preguntado cómo se le había ocurrido componer temas como Whipping Post donde las progresiones no tenían nada que ver con el blues o el rock & roll típico, a lo que respondió que realmente no sabía lo que estaba haciendo y que simplemente lo hizo.

Mocedades - Mocedades 4. Píldora #2

Mocedades 4 incluye el tema “Eres tú” una canción que batió records por todos lados. Ha sido la canción española más votada en la historia de Eurovisión, aunque hubo de conformarse con el segundo lugar. Entró en la lista Billboard Hot 100 la semana del 12 de enero de 1974 y se mantuvo en ella durante 17 semanas consecutivas alcanzando su puesto más alto las semanas del 23 y 30 de marzo en las que llegó al 9.º lugar, de ella se han hecho más de setenta versiones. Fue la primera canción de un intérprete español que cantada en castellano que alcanzó el top 5 USA, y Mocedades 4 fue el primer disco del grupo que llegó en España al número 1 absoluto de ventas en sencillos y LP. La trayectoria de Mocedades era larga cuando llega su apoteósica actuación en el festival de Eurovisión de 1973. Desde que las hermanas Uranga comenzaran en esto de la música en 1968, el grupo Mocedades había pasado por el folk hasta decantarse por la canción melódica. Como ocurre tantas veces, el tema no gustó al principio a su compositor, que en realidad unió dos temas previos, cogiendo de uno la estrofa y del otro el estribillo. Tampoco la letra convencía a Juan Carlos Calderón, que prefería menos metáfora y más víscera.

​El disco de la semana 292: Raro - El Cuarteto de Nos

​El disco de la semana 292: Raro - El Cuarteto de Nos   

Hacia mucho que no recomendamos una banda Uruguaya, por ello he rebuscado y encontrado esta banda que se llama El Cuarteto de Nos, que es una banda de rock alternativo y rap rock con elementos pop, electrónica y fusión de varios géneros latinoamericanos, formado en 1980.

Está integrada por el vocalista y guitarrista Roberto Musso, el bajista y corista Santiago Tavella, el baterista Álvaro Pintos, el guitarrista y corista Gustavo Antuña y el tecladista Santiago Marrero. En Uruguay El Cuarteto de Nos, se ha convertido en una banda de culto. Y Raro es el undécimo álbum de la banda de rock uruguaya El Cuarteto de Nos. Que fue producido por Juan Campodónico y lanzado a la venta el 20 de mayo de 2006 por Bizarro Records, con toda la intención de conquistar el mercado de música en Argentina, la banda lo había intentado anteriormente. 

En 2004 la banda se reunió con Juan Campodónico para realizar el álbum El Cuarteto de Nos, que contenía tres temas nuevos y quince versiones renovadas de temas clásicos. Como comentamos se tenía como objetivo que llegara al público argentino, pero no se logró. El Cuarteto de Nos tenía desde hace tiempo seguidores de culto en Argentina, pero los sellos discográficos no mostraban interés en la banda. 

En cambio con Raro la banda volvió a grabar de la mano de Juan Campodónico. El álbum, cuya portada es un retrato mezclado de los cuatro miembros, fue lanzado con pocas expectativas por Bizarro Records. Sin embargo, terminó siendo un disco bisagra, que permitió que la banda llegara popularmente a Argentina y también que empezara a tener repercusión en España, México y Colombia.

En este disco El Cuarteto de Nos muestra una faceta diferente de los discos anteriores. Se aleja de la predominancia de los chistes sexuales y personajes bizarros para experimentar con canciones con rimas complejas y con un sonido más roquero. 

Las canciones más populares del álbum «Yendo a la casa de Damián» y «Ya no sé qué hacer conmigo» fueron los dos hits principales del álbum y los más difundidos. 

En ambos casos se maneja la complejidad en la rima. La primera pertenece al género de rock y en la segunda se fusionan milonga y el son. El último tema del álbum «Autos nuevos», tiene la particularidad de que Riki Musso imita un solo de guitarra mediante la voz.

Obtuvo siete premios Graffiti a la Música Uruguaya, incluidos canción del año, video del año, disco del año, grupo del año, productor del año (Juan Campodónico) y grabación del año. Fue nominado a los Premios Grammy Latinos en la categoría Mejor canción rock por «Yendo a la casa de Damián».

El 6 de junio de 2006 logró superar las 2000 copias vendidas en Uruguay, por lo se le otorgó al álbum la certificación de disco de oro. Exactamente dos meses después, el 6 de agosto de ese mismo año, el volumen de ventas de Raro en ese país ascendió a las 4000 unidades, accediendo a la certificación de disco de platino.

En 2021 para conmemorar el 15 aniversario del disco, la banda publica una edición limitada del álbum en disco de vinilo, la cual se empezaron a vender en México y Argentina.

Por ello creemos que El Cuarteto de Nos es una de las bandas Uruguayas que no tenes que dejar pasar de largo, por ello te recomendamos este álbum bisagra según los expertos. 

Daniel 

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0617.- Golden Slumbers / Carry that weight – The Beatles

 

Cierra el álbum un medley o como se llama coloquialmente un popurrí de canciones que crearon, con respecto a este particular tema McCartney lo dejo claro, "Tenía un par de fragmentos que no estaban terminados, eran canciones que necesitaban tal vez un medio, un segundo verso o un final. Estaba tocando el piano en Liverpool en la casa de mi padre, y el libro de piano de mi hermanastra Ruth estaba en el atril, lo estaba hojeando y vi la letra de 'Golden Slumbers', no puedo leer música y no podía recordar la vieja melodía, así que comencé a tocar mi propia melodía. Me gustaban las letras, así que las conservé y encajaba con otra parte de la canción que tenía".

 

Paul McCartney compuso "Carry That Weight" como reacción a los diversos problemas de la banda. En Many Years from Now , McCartney le dijo al autor Barry Miles que “en ciertos momentos, las cosas me afectan tanto que ya no puedo estar optimista y esa fue una de esas veces. Estábamos tomando tanto ácido y tantas drogas y toda esta mierda con el abogado Allen Klein estaba revoloteando y todo se estaba complicando y se estaba volviendo más y más loco, llevar ese peso mucho tiempo, como si estuviera ahí para siempre, a eso me refería con esta canción.  Finaliza el popurrí “The end”, estamos en puertas de lo se convertiría en el género “Hard Rock” de la década de 1970, Paul decidió que la conclusión del popurrí debería tener un sonido pesado de guitarra, siguiendo la tendencia de finales de los 60, liderada por artistas como Jimi Hendrix, Mountain y Iron Butterfly, por citar solo algunos ejemplos, The Beatles tocaron un intrincado y bien ensayado instrumento instrumental de guitarra eléctrica distorsionada. Este segmento final simplemente titulado "Final", sólo duró un minuto y veinte segundos, concluyendo con una parada repentina. No fue hasta principios de agosto que a Paul se le ocurrió una idea lírica final para acompañar la conclusión temática de "The End". El libro de Paul “Muchos años a partir de ahora” dice: “Shakespeare terminó sus actos con un pareado en rima para que la audiencia supiera que habían terminado. Quería que terminara con un pequeño pareado significativo, así que seguí al Bardo y escribí un pareado”. John lo aprobó, como dijo en su entrevista de 1980: “Tenía la frase perfecta: ' El amor que recibes es igual al amor que haces '. Justo lo que han sido The Beatles, no se puede expresar mejor un final, el final de los mas grandes.

0616.- Here Comes The Sun - The Beatles

 

Here Comes The Sun, The Beatles

     El 26 de septiembre de 1969 se publica el undécimo álbum de estudio de The Beatles, Abbey Road. El disco es grabado en sesiones entre el 22 de febrero y el 20 de agosto de 1969 entre los Emi, Olympic y Trident estudios, todos en Londres, bajo la producción de George Martin, y con Geoff Emerick como ingeniero de sonido, quien se embarcaba en el proyecto tras haber abandonado un año atrás y dejando a medias la grabación de las sesiones del álbum The Beatles. Abbey Road ha sido catalogado por la crítica como uno de los álbumes mejor elaborados de The Beatles. En 2005 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 5 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Here Comes The Sun, escrita por George Harrison, una de sus dos contribuciones en la composición de temas del disco junto a Something. Here Comes The Sun fue escrita por Harrison y para su composición influyó la canción Badge del grupo Cream, que había sido coescrita por Eric Clapton y George Harrison. Esta fue una de las pocas canciones en las que no participó John Lennon en ningún instrumento. George Harrison se encargó de la voz, coros, guitarra acústica, sintetizador mog y palmas, Paul McCartney de los coros, bajo y palmas, y Ringo Starr de la batería y las palmas. Además, en la canción podemos escuchar 4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo, 2 piccolos, 2 flautas, 2 flautas altas y 2 clarinetes.

La canción fue escrita por Harrison mientras se encontraba en el jardín de la casa de Eric Clapton mientras descansaba de las interminables reuniones de negocios de Apple, la corporación del grupo. La canción se inspiró en los largos inviernos de Inglaterra, y según Harrison el día que la escribió estaba soleado: "Era un día soleado muy agradable, y tomé la guitarra, que era la primera vez que la tocaba en un par de semanas porque había estado muy ocupado". Y lo primero que salió fue lo que a la postre sería la canción, una canción que terminaría más tarde mientras se encontraba de vacaciones en Cerdeña.

Voy a acabar borracho - Platero y Tú - #MesPlateroyTu

Voy a acabar borracho - Platero y Tú - #MesPlateroyTu 

Mes Platero y Tú fue un grupo vasco de rock and roll formado a finales de los años 1980 y disuelto en 2001. 

Tiene influencias de grupos como Leño, AC/DC o Status Quo, y guitarristas como John Fogerty de Creedence Clearwater Revival, alejándose del rock radical vasco que triunfaba en el momento de la creación de la banda. 

Sus canciones hablan de bares, drogas y amores.

Voy a acabar borracho es el primer álbum de estudio, pero si contamos la maqueta Burrock'n roll del grupo Platero y Tú estamos hablando de su segundo álbum, grabado del 22 al 24 de febrero de 1991​ y editado como vinilo en junio de 1991 por Welcome Records, de Barcelona. El 29 de agosto de 1996, con el grupo en su punto álgido tras editar A pelo, el disco fue publicado en CD por Dro, su discográfica en ese momento. 

El original fue remasterizado, añadiendo alguna pista que se había perdido en las guitarras de Ramón y Mira hacia mí.

Algunos de los temas incluidos en el disco ya aparecían en su maqueta Burrock'n'roll, por lo que luego volverían a aparecer en la reedición posterior. Esto hace que algunos temas tengan dos versiones de estudio, una en la maqueta de 1990 y otra en este primer disco de 1991,  sin contar las versiones en directo o en el recopilatorio de 2002/2005, donde hay mucho Rock'n roll.

Voy a acabar borracho tiene un rock refrescante y sin complejos, el álbum es una mezcla de canciones nuevas y de su primera maqueta, "Burrock’n Roll" que entonces no salido, y luego fue reeditaría.

El álbum abre con “Voy a acabar borracho”, animado entremés muy ligerito de mensaje, pero en la que Uoho nos administra un solo muy técnico, siguiéndole una “Tiemblan los corazones” para la que el grupo se disfraza de unos improvisados Leño, apareciendo eso sí, los primeros elementos reivindicativos entre secuencias de acordes veloces y amartillados.

“Un abecedario sin letras” tiene un tono más pachanguero, acompañado de sus guitarras que parecen engañarnos con un amago de ska, y conduciéndonos a un estribillo bailable y reconocible a un golpe de voz. “Por detrás” tiene un punto más tranquilo, la guitarra de Uoho dibuja con una pentatónica un pespunte que le da a la canción el aspecto adecuado para hacerla presentable; apelan también al sentido del humor para mofarse un poco de la clase mandataria.

“Si tu te vas”, que es una versión de "Rockin’ all over the world" de los británicos Status Quo, parece jugar al despiste con su inicio 100% reggae que, sin embargo, desemboca en una progresión de rock stoniano sin mucho aliciente además de la algarabía; por el contrario “Mira hacia mí” se presenta más seria y compacta, con una resolución menos banal que el corte anterior. En una línea parecida Fito hace de cronista de la realidad; cuando los vaivenes de la vida ponen a cada uno en un extremo de la balanza en “No me quieres saludar”, que se consume como un reproche a destiempo, ardiendo con la mirada cómplice del que se reconoce como comburente.

Con una introducción de guitarras redobladas en un riff atrevido y desafiante, arranca “La maté porque era mía”, que inequívocamente recuerda en su temática al “Use to love her” de los Guns ’n’ Roses, “La mataré” de Loquillo. De alguna manera recuerda muchísimo al sonido de Iron Maiden pese a que la voz de Fito y la de Bruce Dickinson disten muchísimo; Juantxu Olano parece disfrazarse de Steve Harris quedando un tema bastante resultón y sin ningún complejo.

“Ya no existe la vida” parece evocar en el fondo a Simon and Garfunkel en su “The sound of silence”, cuando hablan de la incomunicación entre las personas; con un estilo musical absolutamente opuesto, los Platero y Tú nos invitan a pensar un poco y a conocernos mejor, engalanando la melodía con ejercicios de guitarra sugerentes y eclécticos. “Déjame en paz” incluye unos tímidos teclados y pisa terreno resbaladizo; y es que no termina de comprometerse del todo, las puñaladas de una guitarra a tope de distorsión se entremezclan con acordes limpios sin distorsión alguna y no termina de arrancar mientras los compases se van sucediendo, “Ramón” un himno grande e inmenso, descomunal canción que va de menos a más. 

Para acabar el disco “Imanol” se presenta como una canción sin más objetivo que el cachondeo.

Por fin Platero y Tú tiene su primer álbum, que como hemos dicho podría con codearse su segundo álbum de estudio. 

Daniel 

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0615.- Something - The Beatles

Tras las tensas sesiones del Álbum Blanco y Let it be, los rumores de un nuevo proyecto de The Beatles ponían los pelos de punta al personal de Abbey Road, anticipando los problemas y los conflictos de esas grabaciones. Sin embargo, en las sesiones de Abbey Road, Paul McCartney se mostró más conciliador, John Lennon menos sarcástico, Ringo igual de apacible, y George Harrison aportó la confianza y la madurez que había volcado en sus nuevas composiciones, brillando con luz propia en temas como Here comes the sun y, muy especialmente, Something, la primera canción de Harrison en aparecer como cara A de un single de The Beatles.

Harrison había empezado a trabajar en Something en la época en la que The Beatles grabaron su "disco blanco". Mientras McCartney grababa un overdub para otra canción de aquel disco, Harrison fue a una sala vacía y escribió los primeros versos de la canción, que no llegaría a entrar finalmente en aquel disco, porque ya habían completado todas las pistas que necesitaban, y porque la primera intención de Harrison fue cederla a otro artista, por considerarla demasiado simple. El primer candidato fue Jackie Lomax, pero acabó en manos de Joe Cocker, que llegó a grabarla y publicarla dos meses antes de que la versión de The Beatles encontrara por fin su momento estelar en single y su hueco en el disco Abbey Road. Durante la grabación, las primeras versiones duraban hasta ocho minutos, con una parte final de piano a cargo de Lennon y un cambio de melodía en mitad del tema. Ambos tramos fueron eliminados de la versión final, pero la parte del piano no se logró borrar del todo, y se escucha parcialmente en la pista de los coros. Lennon aprovecharía después el piano eliminado para construir su canción Remember, ya en su faceta en solitario. 

Para la difusión de la canción se rodó un video promocional, consistente en escenas de cada uno de los Beatles con sus respectivas parejas. Eso llevó a que muchos asumieran que la letra de la canción estaba inspirada en la pareja de Harrison (Pattie Boyd), pero él siempre dijo que escribió la canción sin pensar en nada o nadie en concreto, llegando incluso a comentar que, en el momento de escribirla, la única persona que tenía en mente era Ray Charles. Podemos asumir que su fuente de inspiración no tuviera nombre y apellidos concretos, pero entonces estaríamos hablando de la mejor canción de la historia inspirada en temas como la duda y la incertidumbre, y con una carga sentimental fuera de lo común para esos dos sentimientos o estados de ánimo. No es que no te creamos George, pero nos cuesta creer que no hubiera "algo" de amor en una obra tan grande.​

Grandes exitos y tropiezos: Paco de Lucia

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta cuarta visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hoy nos vamos a detener en unos de los grandes iconos de la música española, es cierto que no es un rockero al uso, pero su forma de tocar la guitarra es eterna y a todo el mundo enamora. Nos estamos refiriendo a Paco de Lucia.

Estás tardando en comprarlo:

“Fuente y caudal” (1973) un álbum donde Paco de Lucía aborda ocho "palos" (subgéneros flamencos) magistralmente dándoles espacio para respirar y espacio para brillar, destacando lo que hace especial a cada uno. Ocho buenos ejemplos que se convertirán en estándares con los que comparar otras obras. Ahora, entiendo que un álbum de guitarra solista puede ser decepcionante para los no iniciados, su sonido es tan limitado que es solo una guitarra. Pero, por supuesto, ese es el punto, es solo una guitarra, ¿qué puede hacer? O más bien, ¿qué puede decir? Esto tiene mucho más que ver con la expresión que con el virtuosismo. La música exige tu atención, cada nota cuenta, si escuchas atentamente puedes escuchar el corazón de Paco a través de sus uñas. La rumba "Entre dos aguas" es el único tema pop aquí, lo que puede ser engañoso. Lo más destacado es la canción principal "Fuente y caudal", un subgénero que se originó como un canto minero. Una pieza profunda que suena como el sufrimiento y las esperanzas de varias generaciones de mineros a lo largo del paisaje ibérico casi desértico. A veces, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta, pasión y fuego mezclados con emoción son los elementos clave de este álbum, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta, pasión y fuego mezclados con emoción son los elementos clave de este excelente álbum, las meras palabras no pueden resumir las cualidades de una música como esta.

Si te queda pasta, llévate también:

Nos vamos a llevar también Almoraima (1976) podemos describir este trabajo como "Flamenco", 'nuevo' o no, lo que está claro es que abre una lata que había que abrir en algún momento. Su guitarra virtuosa suena extravagante y apasionada, apoyado en un poco de percusión y muchas palmas que improvisa sobre los ritmos de las danzas españolas. Utiliza el modo frigio, combinando la influencia morisca con la tradición española y sus propias ideas modernas. Las técnicas especiales son rasgueado, trémolo y golpe. Las melodías son deslumbrantes con un trasfondo triste. El tema principal es una bulería, un baile en 12/8 con un patrón complejo de acentos. A la perla de Cádiz comienza como una cantiña, un género vocal. Río Ancho está influenciado por el jazz gitano.
Paco es de Andalucía en el sur de España, la región que vio nacer el flamenco, pero este disco no es ni el más típico ni el mejor trabajo del flamenco "andaluz", pero es tan buen punto de partida como cualquier otro, y por mucho que busques, pocos guitarristas que puedan tocar mejor la guitarra acústica que Paco de Lucía.

Vuelve a dejarlo en el expositor ( o no ):

“Luzia” (1998) fue sin duda un disco muy querido por el autor, el principal motivo es porque estamos ante una álbum homenaje a su madre, gravemente enferma en aquel momento, aun así es un gran disco, suena la guitarra acústica y te conmueve como la toca Pac , escuchando este disco y prestando atención te das cuenta de porque a este señor lo llaman el mejor guitarrista de flamenco del mundo. En este disco se escucha por primera vez la voz de Paco de Lucía cantando (su pasión frustrada): “Yo canté como referencia en la grabación para que luego un cantaor pusiese su voz encima, pero me parece mucho más intimista, mucho más de verdad y más directo, dar ese homenaje con mi propia voz, a pesar de que cualquier cantaor lo hubiese hecho mejor”.

0614 - Come Together - The Beatles

0614 - Come Together - The Beatles

Come Together es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles, escrita por John Lennon y acreditada a Lennon-McCartney. La canción es la pista de apertura de su álbum Abbey Road de 1969 y también fue lanzada como sencillo junto con Something. La canción alcanzó la cima de las listas de éxitos en los Estados Unidos y alcanzó el puesto número 4 en el Reino Unido.

Cuentan que Lennon escribió la canción después de ser inspirado por el gurú del LSD, Timothy Leary, para escribir una canción para su campaña contra el futuro presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, para convertirse en gobernador de California, pero los planes se hicieron añicos después de que Leary fuera encarcelado por posesión de drogas.

Su lanzamiento: Apple Records, el sello discográfico distribuido por EMI de The Beatles, lanzó Abbey Road el 26 de septiembre de 1969, con la canción Come Together secuenciado como pista de apertura.

La canción se publicó como un sencillo de doble cara A con Something de Harrison el 6 de octubre en Estados Unidos y el 31 de octubre en Gran Bretaña, comercialmente, el sencillo fue un gran éxito, permaneciendo en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. durante 16 semanas y alcanzando el número 1.

El sencillo fue lanzado el 31 de octubre de 1969 en el Reino Unido y alcanzó el número 4.

En mayo de 2021, Ringo Starr dijo que era su canción favorita de The Beatles en una entrevista en The Late Show con Stephen Colbert.

Daniel 

Instagram storyboy 

0613 - To Love Somebody - Janis Joplin

0613 - To Love Somebody - Janis Joplin

To Love Somebody es la segunda canción lanzada por los Bee Gees para el álbum debut internacional Bee Gees' 1st.

Editada en 1967, fue escrita por los hermanos Barry Gibb y Robin Gibb, con la producción a cargo de Robert Stigwood.

Janis Joplin realizó un cover en 1969 para su álbum I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

Pocas canciones tienen un cambio más drástico entre actuaciones que cuando Janis Joplin decidió tomar el clásico pop psicodélico del grupo To Love Somebody en su debut en solitario I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

Cuando Joplin fue a The Dick Cavett Show para promocionar el álbum, sacó su versión de 'To Love Somebody'.  Tomando más como referencia el sonido clásico de Stax de Otis Redding y Booker T. & the MG's, la versión de Joplin de 'To Love Somebody' prescinde del gancho monstruoso en el centro de la versión de Bee Gees para un trabajo vocal más elástico de Joplin.  

Por supuesto, Joplin le da un buen uso a su gruñido característico, y sin el conocimiento previo adecuado, sería imposible imaginar esta versión como una canción de Bee Gees. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0612.- Little girl blue - Janis Joplin

No es mucha la información disponible en internet sobre la versión de Little Girl Blue de Janis Joplin, la canción favorita de mi media naranja, y no quería que pensarais que la razón fundamental por la que esta canción estaba incluida entre las mejores de la historia fuera solamente esa (aunque debo decir que, y pese a que ella no lo crea, entiende mucho de música), así que decidí seguirle el rastro a la historia de la canción original, y sus posteriores apariciones en la voz de, para mi sorpresa, muchos más artistas de los que imaginaba.

Little girl blue fue escrita por Richard Rodgers (música) y Lorenz Hart (letra), y publicada por primera vez en 1935. Ese mismo año, la canción fue interpretada por la actriz Gloria Grafton en el musical de Broadway Jumbo. Años más tarde, en 1954, Frank Sinatra la interpretaría acompañado de Nelson Riddle, y en 1956 fue Ella Fitzgerald quién realizó una nueva versión. Sarah Vaughan y Judy Garland hicieron sus propias versiones en 1957, y en 1959 llegaría una de las versiones más conocidas, en la voz de Nina Simone.

En los sesenta, son destacables las versiones de Sam Cooke (1961) y Doris Day (1962), pero dónde es imposible no detenerse y recrearse es en la interpretación de Janis Joplin, incluida en su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! Para su particular versión de la "muchachita triste", Janis cambió bastante la letra de la canción, y la dotó de una sensibilidad y sentimiento que otras versiones no alcanzaron. Tan relevante fue esta canción para la malograda cantante estadounidense, que acabó dando título a un documental sobre su vida y obra. "Janis: Little Girl Blue", dirigida por Amy J. Berg, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2015 y se proyectó también en el Festival Internacional de Cine de Toronto de ese mismo año, recibiendo críticas muy positivas. Aunque, claro está, ningún galardón es comparable a ser la canción favorita de mi pareja. Eso sí que son palabras mayores.

Burrock'n Roll - Platero y Tú #MesPlateroyTú

 

Burrock'n Roll, Platero y Tú 

     Entramos en el mes de septiembre, mes en el que también hará su entrada el otoño, y nos toca despedir a The Smiths, quienes nos han acompañado durante agosto, y dar la bienvenida al grupo que nos va a acompañar durante este mes. Este grupo surgió en un lugar y una época donde lo que primaba y estaba en auge era el rock radical vasco. Con su apuesta clara por el rock consiguieron abrirse paso, convirtiéndose en una de las mejoras bandas que ha dado nuestro país y siendo una clara referencia para toda banda de rock que se precie. Bienvenidos pues al #MesPlateroyTú.

Bilbao, finales de la década de los 80, Iñaki Antón "Uoho" y Juantxu Olano "Mongol" comienzan tocando juntos en una banda llamada Qué, con la que llegan a grabar una maqueta de cuatro temas. El proyecto no dura mucho y se disuelve, entonces Uoho y Juantxu siguen ensayando juntos, unos ensayos a los que se une Jesús García "Maguila" tocando la batería. Un día de diciembre de 1989 Juantxu invita a un vecino suyo, de nombre Adolfo Cabrales "Fito" a ver los ensayos que estaba realizando con Uoho y Jesús. Aquel día estuvieron tocando versiones de Leño. La química surge y Fito se une al proyecto, quedando el grupo compuesto por Fito (guitarra y voz), Uoho (guitarra), Mongol (batería) y Maguila (batería).

El sonido de la banda está basado en el rock, con influencias de bandas como Leño, Status Quo, AC/DC o la Creedence Clearwater Revival, y se hace hueco curiosamente en una época donde en el País Vasco estaba en auge el rock radical vasco. El dinero que ganan en sus primeras actuaciones lo invierten en grabar su primera maqueta en los estudios Arion de Pamplona en julio de 1990. También es en esa época cuando deciden el nombre de la banda, Platero y Tú, en honor a la famosa obra de Juan Ramón Jiménez. 

La maqueta que graban es Burrock'n roll, la cual sale a la venta ese mismo año con la particularidad de que salen muy pocas copias y ahora es una pieza de coleccionista, formando parte además de una de las colecciones más grandes de este país, la colección de la mismísima Biblioteca Nacional. Más tarde, el grupo consigue que unos cazatalentos del sello discográfico DRO se interesen por ellos, y para empezar reeditan en 1992 Burrock'n roll, mejorando la producción y reconfigurando la lista de temas. 

La maqueta original grabada por el grupo y que supone su debut, es grabada en julio de 1990 en los estudios Arion de pamplona, bajo la producción misma del grupo, y publicada ese mismo año únicamente en formato cassette. Dicha maqueta con el tiempo se ha convertido no sólo en pieza de coleccionista debido a sus escasez de copias, también en un disco indispensable por el material que contiene, pues varios de sus temas se han convertido en indispensables en la discografía del grupo vasco. La portada de Burrock'n roll eran unos muñecos de plastilina que resultan ser los cuatro componentes del grupo y la foto fue hecha por ellos mismos. Según ellos "Era muy cutre pero tenía su gracia", y le pusieron ese título porque decían ser muy burros. 

A pesar de ser una maqueta, con sus consecuentes deficiencias técnicas y de sonido, quedan claras tanto la calidad del grupo como la  fuerza y energía que transmiten en su sonido, con temas que contiene temas que se han convertido en himnos de la banda. Podemos disfrutar de temas como Un ABC sin letras o Ya no existe la vida, compuesta por Fito, Ramón, quién no ha canturreado esta canción compuesta por Iñaki Antón "Uoho", Si tu te vas y Déjame en paz, temas con un toque humorístico pero llenos de calidad y compuestos por los cuatro componentes, o los trallazos y contundentes Esa chica tan cara y Desertor, que fueron descartados de la reedición y fueron incluidas posteriormente en el segundo álbum de estudio de la banda, Muy deficiente (1992), quedando la reedición definitiva en únicamente 10 temas en vez de los 12 de la maqueta original 

A continuación los temas de la edición de la maqueta original en cassette y los temas de la reedicicón posterior en vinilo y formato CD:

Canciones maqueta original (1990)

Cara A:

1. Un ABC sin letras
2. Ramón
3. No me quieres saludar
4. Ya no existe la vida
5. Vamos a ponernos muy bien
6. Si tú te vas

Cara B:

1. Déjame en paz
2. Canción pa' ti
3. Cómo has perdido tú
4. Esa chica tan cara
5. Desertor
6. Mira hacia mí

Lista de canciones de la reedición de DRO Music (1992)

1. Un ABC sin letras
2. Ramón
3. No me quieres saludar
4. Vamos a ponernos muy bien
5. Si tú te vas
6. Déjame en paz
7. Canción pa' ti
8. Cómo has perdido tú
9. Mira hacia Mí
10. Ya no existe la vida

0611.- Kozmic Blues - Janis Joplin

 

Kozmic Blues, Janis Joplin

     Una vez finalizada la aventura de Janis Joplin con la Big Brother And The Holding Compnay,  Janis Joplin junto con su mánager Albert Grossman deciden lanzarse a la búsqueda de los mejores músicos del país para formar una nueva banda. Así es como nace a principios de 1969 la Kozmic Blues Band, una formación que irá sufriendo cambios constantes en la formación a lo largo del año aproximado que dura.

Con la Kozmic Blues Band Janis Joplin publica su tercer disco de estudio, I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama!. El disco es lanzado al mercado el 11 de septiembre de 1969 bajo el sello discográfico Columbia Records y a los dos meses ya había alcanzado la certificación de disco de oro. Sin embargo ese cambio de estilo de Janis, dejando de un lado el Acid-Rock para centrarse en sonidos más blues, rock y soul no gusta a gran parte de la crítica y de sus seguidores, quienes piensan que ha traicionado su propio estilo y sonido y que tan brillantemente ha reflejado en Cheap Trills. Con el tiempo se acabará demostrando cuán injustas fueron todas aquellas críticas a su trabajo. Unas críticas que agudizaron más la presión sobre una Janis que acaba enganchándose a la heroina y al consumo desmedido de alcohol.

Sin embargo I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! fue el resultado de la constante inquietud, incoformismo y ganas de Janis Joplin por evolucionar, abranzo sonidos como el rock, el blues ó el llamado southern soul de de Memphis. Un álbum con una producción muy buena donde cobran mucha importancia los instrumentos de viento y los temas interpretados con mucho ritmo.

Incluido en este álbum se encuentra Kozmic Blues, un tema de los pocos que escribió durante su carrera Janis, compartiendo composición con el productor Gabriel Mekler. Kozmic Blues es un tema donde Janis nos habla que no importa la esperanza que tengas y lo positivo que seas ante las adversidades pues al final éstas te acabarán derribando. Curiosamente Janis comentaba que no solía escribir canciones porque para hacerlo necesitaba estar en una estado profundamente traumático y emocinalmente depresivo para hacerlo, y Kozmic Blues es un tema que describía como se sentía Janis en aquel momento, un canto al desamor y la desesperanza.

Elvis Presley - Elvis Presley. Píldora #1

 

Elvis no inventó el Rock n' Roll como tal, más bien fue una figura como la de Cristóbal Colón, estaba en el lugar adecuado, en el momento correcto, ya estaban Bill Halley y los Comets, pero no podemos pasar por alto el impacto de Elvis en la escena musical de ese momento. Con tan solo 21 años cuando salió el álbum, el joven Elvis hace alarde del alma y la arrogancia que impregnaron su música temprana, captura un momento en el tiempo que nunca se podrá repetimos, un álbum de un casi desconocido lanzado un mes antes de que "Heartbreak Hotel" se convirtiera en su primer sencillo #1.

"Elvis Presley" comienza a funcionar con "Blue Suede Shoes", aunque solo alcanzó el puesto 20, el sonido de rockabilly salvaje que impregnaba los discos de Sun se moderó un poco para hacer que el atractivo de sus propuestas músicales fueran más suaves, llegará a todo el público y de paso dar un poco de tranquilidad a los padres en ese momento. Casi todas las canciones de este álbum son excepcionalmente buenas, cualquier simple melodía de rockabilly se hundirá en tu alma después de escucharla, la energía con la que está hecho este álbum supera todos sus defectos (que los tiene) e incluso los convierte en virtudes. Por ejenploTutti Frutti es una fuerza de la naturaleza, aunque fuera un error tratar de igualarse en ingenio con el mismísimo Little Richard, quien hizo que "Tutti Frutti" sea imposible de igualar, no se puede imitar su pura potencia de fuego. Hay canciones como "Trying To Get To You", donde una aparente balada country tiene un bajo resonante y que aparece aquí buscando un sonido de Rhythm & Blues, y termina con un gran lamido de blues, demuestra en las baladas, como "Blue Moon", que puede hacerte llorar de melancolía.

Elvis Presley es esencial para la historia del rock 'n' roll y para la comprensión de la cultura juvenil de finales de la década de 1950, adorado por millones de adolescentes, sólo Frank Sinatra en la década de 1940 y The Beatles en los 1960 serían capaces de igualarlo, este trabajo no es de los mejores de la historia pero tiene su lugar en él.

0610.- Soul Sacrifice - Santana

Soul Sacrifice se convirtió, antes de ser incluida como tema de cierre del disco "Santana" (1969), con el que la banda del guitarrista de origen latino Carlos Santana presentaba por primera vez sus credenciales musicales al mundo, en un inesperado éxito de masas tras la incendiaria actuación del por entonces desconocido grupo en el Festival de Woodstock, la gran repercusión del documental sobre el evento, y el éxito de la banda sonora del mismo, que alcanzó el primer puesto del Billboard Top LP's.

La canción, surgida en la época en la que el bajista David Brown se unió al grupo, es una impresionante fusión de ritmos latinos y del rock de la época, una pieza excelsa que, aunque lo mereciera, no habría llegado tan lejos de no ser por el espaldarazo que para el grupo supuso la participación en Woodstock, a la que llegaron como un grupo desconocido que aún no había publicado ningún disco. Cerraron la histórica actuación con Soul Sacrifice, una explosiva mezcla de largos punteos de guitarra de Carlos Santana y de tramos en los que la percusión de Michael Shrieve tomaba el relevo y le daba el contrapunto perfecto a las mágicas notas del guitarrista.

Carlos Santana mencionó después que, como casi todos los grupos del momento, habían actuado bajo los efectos de algunas sustancias psicodélicas, en lo que describió como un viaje bastante intenso, casi tanto como el que experimentaron los asistentes de aquel concierto histórico al escuchar las notas de su guitarra en Soul Sacrifice.