0445.- Sittin' on the dock of the bay - Otis Redding

(Sittin' On) The Dock of the Bay es la canción más recordada de Otis Redding, un auténtico himno soul de los sesenta que fue publicado de manera póstuma tras la muerte del cantante en 1968. La letra es obra del propio Otis Redding, que la escribió a partir de la frase inicial: "Sittin' in the morning sun, I'll be sittin' when the evening comes..." ("Sentado al sol de la mañana, seguiré sentado cuando caiga la tarde"). Este primer verso se le ocurrió durante una gira junto a los Bar-Kays, y a aquella idea le dio en nombre provisional de "Dock of the Bay" ("El muelle de la bahía").

Continuó escribiendo la letra durante las giras posteriores de ese mismo año, y terminó la canción junto al productor y guitarrista Steve Cropper,  que con las suaves notas de su guitarra le dio a la canción una atmósfera totalmente distintiva con respecto al resto de la obra de Redding, que literalmente nos traslada a un viejo muelle a orillas de un mar en calma, y casi podemos sentir la brisa del mar en el rostro al escuchar la aterciopelada voz de Redding, que brilla y contrasta con la delicada austeridad del acompañamiento musical de la canción.

Percy Sledge, Willie Nelson, e incluso Pearl Jam, son muchos de los artistas y grupos que no han podido resistirse a la tentación de sentarse en el muelle de la bahía de Redding, para descansar los molidos huesos después de un largo camino, y convivir con esa "sensación de soledad que nunca nos dejará solos". Redding no pudo vivir el éxito de su canción, pero de haberlo hecho, seguro que habría encontrado el momento de conducir hasta la costa, y sentarse a contemplar el sol caer, en su remanso de paz del muelle de la bahía.

#MesAndresCalamaro: Bohemio - Andrés Calamaro

 

Bohemio, Andrés Calamaro

     Que mejor manera de empezar un álbum que rindiendo tributo a uno de tus maestros y referentes. Eso es lo que Andrés Calamaro hace precisamente en Bohemio rindiendo tributo al gran Luis alberto Spinetta, todo un referente en la música rock argentina y de habla española, y con quien colaboró allá por los años 80.

Así es como Calamaro gesta su decimotercer álbum de estudio, Bohemio. Este trabajo es grabado bajo la producción de Cachorro López, afamado músico, compositor y productor argentino que ha trabajado con grandes artistas latinoamericanos de la talla de Los Abuelos de la Nada, El Cuarteto de Nos, Diego Torres, Julieta Venegas, Miranda! y Biónica entre otros tantos. El disco es publicado en 2013 bajo el sello discográfico WMG, llegando a recibir una crítica muy positiva por parte de la crítica especializada, llegando incluso a ocupar el puesto número 1 en la lista de los 50 mejores discos de 2013 elaborada por la revista Rolling Stone. 

Tras unos años en los que Calamaro generaba más expectación por lo que generaba y ocurría con su vida personal, y tras dos discos de lo más ecléctico a sus espaldas, La lengua popular (2007) y On the Rock (2010), se saca de la manga Bohemio, un gran disco que nos recuerda que el Calamaro que era capaz de sacarse de la manga grandes obras como Alta suciedad (1997) y Honestidad Brutal (1999) sigue ahí, nunca se ha marchado. Deja de lado su lado más ecléctico y experimental para recuperar su parte más personal, autobiográfico y confesional en un disco que apenas supera los 35 minutos, rareza para un artista acostumbrado a regalarnos producciones mucho más extensas. Atrás quedó el Calamaro más polémico y descarado de finales de los 90 y principios de siglo XXI. 

Bohemio es un disco al que quizá le falten canciones gloriosas como en Honestidad Brutal o Alta Suciedad, pero en su conjunto es un buen disco, bien cohesionado y con buenas canciones, un disco que va ganando en riqueza y matices según vayamos acumulando escuchas. Belgrano, como el barrio de Buenos Aires, es la canción que abre el disco y todo un homenaje a su admirado Luis alberto Spinetta, quien había fallecido el año anterior. Cuando no estás fue el primer sencillo del disco, un perfecto ejemplo de la vuelta a la desnudez y la melancolía de las letras del artista mientras no habla de amores rotos. Tantas veces, una delicada balada que por momentos crece. Es uno temas que por momentos podría ser autobiográfico. Rehenes, uno de los temas que  rompen el paso marcado por las lentas melodías y los medios tiempos, uno de los temas más dinámicos y rítmicos del álbum. El artista nos recuerda lo importante que es que el corazón vibre y sienta, ya que es un músculo que necesita acción. Nacimos para correr, tema que nos recuerda al gran Bruce Springsteen aunque sólo sea en el título y esos aires de música americana aderezados por el Slide de la guitarra. Un tema donde nos anima a hacer cosas mientras podamos porque nacimos  para correr. Bohemio es la canción que da título al álbum, un acelerado tema con sabor a bolero donde vuelve el romanticismo melancólico que tan bien maneja el artista. Un tema que Calamaro interpreta como si de un tango se tratase, combinando todos estos matices con brillantez. Plástico fino es un medio tiempo donde vuelve con sus influencias del sonido americano y donde en la parte lírica hace un todo un guiño al maravilloso Veneno en la piel de Radio Futura. Inexplicable sorprende al romper la línea del disco, un tema con aires de música disco, rayando el funk. Contiene un más que destacable sólo de guitarra, el mejor de todo el álbum. Dentro de una canción vuelve a recordarnos al Calamaro mas desnudo y sentimental, y es la antesala del tema que cierra el disco, Doce pasos, un rock and roll pausado con unos buenos teclados. La letra, una referencia a los programas de desintoxicación, es obra del gran Marcelo Scornik, creador de otras tantas letras de temas de Calamaro. 

Andrés Calamaro se alejaba de su lado más polémico e irreverente para acercarnos a su lado más íntimo, personal, melancólico y romántico, ese que ya nos enamoró en la década de los 90.

0444.- Delilah - Tom Jones

0444 - Delilah - Tom Jones 

Delilah es una canción grabada por el cantante galés Tom Jones en diciembre de 1967.

La letra fue escrita por Barry Mason, y la música por Les Reed, que también contribuyó con el título y el tema de la canción. A quienes le valió el premio Ivor Novello de 1968 a la mejor canción musical y letra.

Aunque la canción tiene un sentir conmovedor, el género de la canción puede considerarse una balada poderosa con la tradición de las baladas británicas. 

Delilah producida por Peter Sullivan, la versión de Jones cuenta con un acompañamiento de big-band a ritmo de flamenco. El flamenco fue una elección sorprendente, ya que no hay ninguna referencia a España en ninguna parte de la canción, posiblemente se deba a las similitudes con el argumento de Carmen, en el que Don José apuñala a Carmen hasta la muerte cuando ella le dice que le deja por otro hombre.

La canción cuenta la historia de un hombre que pasa por la ventana de su novia y la ve dentro haciendo el amor con otro hombre. Espera fuera toda la noche y se enfrenta a ella por la mañana, pero ella se ríe en su cara. La apuñala hasta la muerte y espera a que la policía eche la puerta abajo y lo detenga. La letra se desarrolla desde el punto de vista del asesino y está llena de sus emociones, a menudo contradictorias. 

Habla de Delilah en términos posesivos, pero también se refiere a sí mismo como su esclavo, pide a su novia muerta que le perdone, pero sigue viéndose claramente perjudicado por ella.

Cuando Jones interpretó la canción en The Ed Sullivan Show, los censores insistieron en que la línea "At break of day when the man drove away" se cambiara por "At break of day I was still 'cross the way", ya que la versión original implicaba que había pasado la noche con Delilah. Jones describió más tarde el cambio como una mierda.

Un proceso judicial que duro por dos años en el Tribunal Superior de Justicia, en 1983, la ex esposa de Barry Mason, Sylvan Whittingham, hija del guionista de la película de Bond Thunderball, Jack Whittingham, alegó que ella había escrito la mitad de la letra de Delilah y de varias otras canciones. La batalla legal se resolvió fuera de los tribunales en 1986.

Daniel 

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0443.- Here she comes - The Velvet Underground

 

La canción más corta del álbum White Light/White Heat es una pequeña delicatesen de poco más de dos minutos titulada Here She Comes Now, la interpretación y la mezcla de la canción se consideran simples y tradicionales, lo que la hace algo distinta de las otras canciones del álbum, todas las cuales contienen cierto grado de experimentación o vanguardia. elementos en términos de sonido, aunque había que romper moldes y el título hace referencia a un orgasmo, convirtiéndola en una elegante y tierna miniatura de pop rock mágico y embrujado, una estampa melancólica e hipnótica que lleva a la perfección la sensación de trance onírico, precursor directo de lo que luego harán los Velvet Undergroung en su tercer álbum. Sin embargo, no le falta ni un ápice de una sensación latente de peligro inminente, escondida tras el hipnótico beat de Maureen Tucker, el tono oscuro y ominoso del canto mántrico y el giro casi cursi de las guitarras, que regularmente se hunden en repetitivas, rasgueos ligeramente distorsionados, como si presagiaran una explosión rumorística que nunca llega. Heres he comes es sin duda una de las pistas más bellas de White Light/White Heat, dotada de una instrumentación como delicada y en un señorío acústico excelente, es algo espectacular detenerse en los sonidos porque la guitarra es muy delirante y la batería se suma a una hermosa atmósfera, la reverberación retardada le da a la canción un borde dulce y melancólico sobre el resto del álbum dejándonos como un mantra calmante que sirvió como un breve momento de descanso entre el ruido abrasador, una luz vacilante en la oscuridad agitada.

Lou Reed originalmente tenía la intención de que Nico cantara la canción, quien la había cantado en algunas ocasiones durante los eventos de Exploding Plastic Inevitable , sin embargo, su colaboración con el grupo había terminado antes de que comenzara la grabación de White Light/White Heat asi que Lou Reed decidió hacerse cargo de la voz de la canción

Disco de la semana 267: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

El disco de la semana 0261: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

Vamos con la recomendación de esta semana, vamos con una banda Argentina que tiene un estilo muy particular, no sólo su Rock and roll, sino una fusión de estilos latinos como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, el folklore y el candombe. 

Estamos hablando de Bersuit Vergarabat y vamos con su álbum doble que es la expresión del sentir nacional (Argentino). 

La Argentinidad al Palo es un disco doble editado en abril de 2004, con la producción de Gustavo Santaolalla y las canciones del álbum tienen letras de protesta social tras la crisis del 2001 en Argentina. 

Si hablamos de su difusión La Argentinidad al Palo fue un disco doble que salió a la calle en dos etapas. El primero en salir fue La argentinidad al palo (se es), mientras que el segundo, con un mes de diferencia en su salida a la venta, y se llamó La argentinidad al palo (lo que se es). Posteriormente saldría una edición que contendría los dos álbumes.

Pero vamos a la esencia del álbum donde el humor y la crítica están en primera persona. La argentinidad al palo, título que revelaría, a priori, algún tipo de exacerbación de lo nacional. O una versión devaluada y deformada de aquel frustrado Argentina potencia. 

La canción que da título al álbum una primera parte de un álbum doble que tiene como subtítulo Se es y una segunda parte que se llamará Lo que se es. 

Por ello las letras mezclan, como en un cambalache, toda la esencia como hemos dicho del sentir nacional, el dulce de leche, el Che, Cavallo (ex ministro de economía), el río más ancho del mundo, Favaloro (cardiologo argentino), la birome y la propia banda donde todos embarrados en la misma argentinidad. 

Pero esta lectura crítica del ser nacional adquiere otra simbología cuando La argentinidad al palo pasa a ser el título de este álbum. La banda del Pelado Cordera (su vocalista) casi siempre coqueteó con lo político desde siempre para denunciar el accionar de los políticos. 

La Argentinidad al Palo con mensajes políticos y bajo la visión artística de Gustavo Santaolalla, la Bersuit Vergarabat refuerza los ingredientes de un cóctel que más se ajustan a estos tiempos compromiso con el cambio contante de la banda, pero desde un pesimismo esencial, un vamos que tú puedes, a pesar de que eres un desastre igual que yo, el sentir de se es o lo que se es. 

El álbum fue muy bien sembrado en la Argentina, pero con expectativas de cosecha en el resto de Latinoamérica, fundamentalmente en México, y tuvo un éxito inimaginable, temas como El baile de la gambeta apuntan en esa dirección. Un poco de color local y otro poco de guiño genérico al rebelde estándar del sur del Río Grande hacia acá. Inclusive, esa alusión a la argentinidad peca de etnocentrismo, en tanto proyecta a nivel de conciencia nacional rasgos que cuadran más específicamente en el arquetipo del farabute porteño. 

El álbum tiene, como casi todos los álbumes de la Bersuit, notables hallazgos de humor y algunas dosis de mal gusto. 

Como es el humor áspero y cínico, de perdedores a los que les está yendo bien sin saber por qué. Habrá quienes se enganchen con el pegadizo Va por Chapultepec. En varios temas, lo que prevalece es una sensación de extrañar y de pérdida, como si los autores de las canciones quisieran manifestar su situación equívoca respecto del mundo. 

Así transcurre este álbum, siguiendo el andar ciclotímico de la banda, descubriendo sus fisuras anímicas y sus contradicciones porteñas. 

Los versos finales de la canción principal  del disco acaso ilustren lo que le pasa al país y lo que, en escala menor, les ocurre a ellos: Del éxtasis a la agonía/ oscila nuestro historial./ Podemos ser lo mejor/ o también lo peor, con la misma facilidad.

Un álbum realmente completo que muestra toda la fascinación por los estilos musicales y los mensajes de protesta.

Daniel 

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0442.- Sister Ray - The Velvet Underground

 

Sister Ray, The Velvet Underground

     Tras el mediocre resultado en las listas de ventas de The Velvet Underground & Nico, el álbum debut de The Velvet Underground, en 1967 la banda prescinde de los servicios del mánager de la misma, Andy Warhol, y posteriormente de la cantante Nico. A mediados de septiembre la banda se encierra en los Scepter Studios de Nueva York y en tan sólo unos días graba el material que compone su segundo disco de estudio, White Light/white Heat. El resultado es el disco con el sonido más crudo que la banda publicará en su carrera, conteniendo sonidos que van desde el rock experimental, pasando por el proto-punk y el art rock, hasta el noise rock (subgénero del rock alternativo que incorpora elementos de disonancia, guitarras distorsionadas y feedbacks a una estructura basada en otros subgéneros del rock como el rock alternativo, el punk y el metal). De hecho este disco está considerado como uno de los más saturados y distorsionados de la historia del rock.

Incluido en White Light/White Heat se encuentra el tema Sister Ray. Acreditada a Lou Reed, John Cale, Maureen Tucker y Sterling Morrison, y escrita la letra por Lou Reed, es un canción donde el vanguardismo se entremezcla con el punk rock, rock psicodélico y noise para regalarnos el tema más largo de álbum con casi 18 minutos de duración. El tema contiene más de 10 minutos de improvisaciones y fue grabado en una sola toma, aceptando la banda cualquier error que se cometiera durante la grabación. Curiosamente carece de bajo, John Cale, el bajista de la banda, toca el órgano en esta canción. La canción comienza de una forma convencional, con un riff de guitarra basado en el rock psicodélico y en la experimentación con sonidos del proto-punk, pro el tema de repente vira y se convierte en una larga improvisación llena de noise, sonidos propios del avant-garde (Vanguardismo), efectos de distorsión y feeedback, destacando el órgano de John Cale, el cual fue grabado utilizando un amplificador de guitarra distorsionado  para sacar su sonido. En cuanto a la letra, Lou Reed nos relata la historia de varios personajes, centrándose en Sister Ray. Una historia donde se entremezclan las drogas, la violencia, la homosexualidad y el travestismo, temáticas poco habituales, pero no para esta banda, pues ya las había tratado en su álbum debut. Sobre la letra, Lou Reed afirmaba que escribió "una historia que contiene ocho personajes, un tipo es asesinado y nadie hace nada. Una historia que escribió sobre una escena de total  libertinaje y decadencia. Pensaba en Sister Ray como una travesti traficante de heroína, una historia donde varios drag queens se llevan a varios marineros a su casa, les dan heroína y tienen una orgía que termina con la llegada de la policía".

0441.- White Light White Heat - The Velvet Underground

White Light/White Heat fue el single de lanzamiento del segundo disco de The Velvet Underground, que llevó además el título de la que era su canción estrella del momento. Grabada en los Scepter Studios de Manhattan, es junto a I'm Waiting for the Man un claro ejemplo de la música vanguardista que la Velvet Underground estaba realizando en aquella época, con un fuerte ritmo de piano de rock and roll pesado, acompañado de un bajo eléctrico distorsionado y de la oscura y pesarosa voz de Lou Reed.

La canción comparte además temática con Heroin, otro de los temas emblemáticos de la Velvet, pero dónde el mítico tema del disco The Velvet Underground & Nico reflejaba el proceso completo de un episodio de consumo de heroína, en White Light/White Heat se detallan las sensaciones producidas por el consumo de meta-anfetamina.

Lou Reed grabó una versión en solitario de este tema para su disco en vivo Rock 'n' Roll Animal de 1974, y son notables las versiones de The Raconteurs, Julian Casablancas, Metallica o David Bowie. Este último la adoptó de manera regular para sus conciertos desde las giras de Hunky Dory y Ziggy Stardust, llegando a publicarla como sencillo en 1983. En la celebración del 50 cumpleaños de Bowie en un concierto en el Madison Square Garden, Reed salió al escenario para interpretar a dúo Queen Bitch, I'm Waiting For The Man, Dirty Boulevard y, por supuesto, White Light/White Heat.

El palacio de las flores - Andrés Calamaro (Mes Andres Calamaro)

El Palacio de las Flores - Andrés Calamaro #mesAndresCalamaro

El Palacio de las Flores es el resultado de la vuelta de Andrés Calamaro a los estudios de grabación, tras los éxitos del álbum El Salmón y los álbumes de versiones El Cantante y Tinta Roja, Para este nuevo álbum Andrés confió en el prestigioso músico argentino Litto Nebbia, que se encargó de la producción y los arreglos. 

Este álbum fue grabado en Buenos Aires, en el Estudio del Nuevo Mundo, desde diciembre de 2005 a mayo de 2006.

Tras los dos álbumes de versiones, en los que adoptó el papel de intérprete aunque El Cantante sí contenía algunas canciones propias, el Andrés Calamaro autor regresa en este disco El Palacio de las Flores, en el que sobresale la influencia de Litto Nebbia. 

Litto Nebbia, el que fuera líder de Los Gatos logra un delicado acabado pop para El Palacio de las Flores, que sin embargo parece adolecer de cierta falta de canciones y está lejos de obras maestras como Alta Suciedad o Honestidad Brutal. 

El Palacio de las Flores pese a no ser uno de los mejores álbumes de Andrés Calamaro, también contiene hallazgos interesantes, que muestran una nueva faceta de cantautor. 

Abre el disco Corazón en venta, canción que fue elegida como single. Tiene una luminosa melodía pop que contrasta con una letra más bien agria: "Mi corazón en venta / dicen que se revienta / qué versión violenta / la que se cuenta por ahí".

Mi bandera es un himno vitalista que Calamaro compuso durante la época post-Salmón y al que profesa especial cariño. Al igual que Corazón en venta, pero con un tono más dulce, afirma la apuesta personal pese a los reveses que conlleva ser como uno es: “Algo fue que me olvidé cuando me fui / de cada lugar donde viví / no pude darme cuenta hasta hoy / no pedí nacer así, pero así soy”.

El Palacio de las Flores en el tema que da título al disco, Andrés traza un crudo retrato de su país natal, ahogado entre políticos corruptos, miseria material y distracciones populares: “Cómo nos dan, / cómo nos dan en la Argentina. / Nos dan Boquita y ritmo tropical / y base para la latita / en el extrarradio y en Capital”.

El tilín del corazón es otra canción existencialista que hace hincapié en la sinceridad para salir adelante. Da pie a Contigo aprendí, la joya de Armando Manzanero, un bolero aquí lujosamente arreglado por Nebbia, que aporta de su autoría la siguiente pieza del disco, “El compositor no se detiene”. También afirma la capacidad de las personas para encontrar la felicidad tras las etapas más grises, un tema recurrente en el álbum, esperanzado y humanista.

Y tras este trayecto llegamos a la perla del disco, Tengo una orquídea, firmada por el dueto Nebbia-Calamaro. Es una canción embriagadora y ciertamente novedosa en la carrera del músico argentino, que aquí canta una emotiva declaración de amor sobre un colchón hecho a medida con un exquisito arreglo de cuerdas: “Voy a gastármelo todo / comprándote flores / y cuando no queden más / es que voy a plantar / una en tu propio jardín”.

Patas de rana, también de la época inmediatamente posterior a El Salmón, es una de las composiciones más amargas del álbum. Punto argentino retoma el perfil de su tierra de origen, bramando contra la dictadura, la injerencia del poder extranjero y el fútbol como opio del pueblo: “¿Viste cuántos países que ya no existen?”.

Cuando una voz sea de todos recupera el impulso optimista y habla del orgullo del cantor, con la colaboración de otro tótem del rock argentino, Vicentico, que junto a Calamaro y Nebbia completa una bonita interpretación. “Antes” supone un remanso acústico en el trayecto, antes de Corte de huracán, un tema desangelado.

Miami, firmada de nuevo a medias por Calamaro y Nebbia, es una canción de amor agradecido. Precede a Rosemary, una bonita versión de un clásico pop de Nebbia escrito casi cuarenta años antes.

La siguiente parada es la anhelante Lo que nunca se olvida, otra buena canción de Nebbia, con una buena interpretación de Calamaro, que canta a lo perdido: “La felicidad es casi imposible recuperarla / todo lo que fue dolor siempre vuelve a la memoria. / Yo sé que siempre hay algo que no podemos olvidar / son esas cosas que ni siquiera el tiempo borrará”.

La apuesta y Ser feliz completan el álbum y resumen su filosofía, exhibiendo la recuperación para la causa de un Calamaro que parecía haber dejado atrás una etapa difícil, tanto en lo artístico como en lo personal: “Tiro afuera la melancolía / ahora vivo los mejores días de mi vida”, canta el trovador bonaerense en la primera.

El Palacio de las Flores es un disco falto de pegada. Muestra a un Calamaro menos convulso, aunque lejos de los días de mayor esplendor creativo, tanto con Los Rodríguez como en sus dos primeros discos en solitario. Es su trabajo más vitalista y también seguramente el de sabor más genuinamente argentino, con un Nebbia excelso en los arreglos y la producción.

Daniel

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0440.- I'd Rather Go Blind - Etta James

 

I'd Rather Go Blind, Etta James

     I'd Rather Go Blind es un maravilloso tema, grabado por Etta james en 1967 en los famosos FAME Studios de Muscle Shoals, Alabama, y publicado por el sello discográfico Cadet en 1968 como sencillo ocupando la cara B. La cara A fue ocupada por la canción Tell Mama. Durante 1967, Etta James deja de lado durante un tiempo su adicción a la heroína, y aprovechando este hecho se marcha a los FAME Studios, en la localidad de Muscle Shoals, para grabar algunos temas de entre los que sale I'd Rather Go Blind. El hecho de elegir estos estudios en parte fue porque era un lugar ciertamente aislado y era difícil conseguir y acceder al alcohol y las drogas.

Este clásico de blues sureño cargado de una gran calidad emocional y poética es concebido por Etta durante una visita a la prisión para ver a su amigo Ellington "Fugi" Jordan, quién se encontraba allí recluido. En dicha visita Etta escuchó a Ellington cantar un esbozo donde se lamentaba por estar encarcelado y no saber cuando iba a salir. Partiendo de ahí, Etta escribió el resto de la canción junto a Jordan. Cuando llegó el momento de acreditar la canción, Etta además de acreditar a Jordan y a ella, por temas fiscales tuvo que acreditar también a su pareja en aquel momento, Billy Foster, quién era miembro del grupo de doo-wop The Medallions. En 1968 el propio Ellington Jordan lanzó su propia versión de I'd Rather Go Blind apoyado por el grupo de funk rock psicodélico Black Merda. 

La canción alcanza el puesto número 10 en las listas de Billboard R&B, y el puesto número 23 en la lista Billboard Hot 100. Desde entonces este tema ha sido versionado en muchísimas ocasiones, siendo de las más destacadas, las realizadas por Chiken Shack, Little Milton, Koko Taylor, Rod Stewart, BB King, Paul Weller y Joe Bonamassa & Beth Hart entre otros. 

0439.- Sweet Sweet Baby Since You've Been Gone - Aretha Franklin

0439 - Sweet Sweet Baby Since You've Been Gone - Aretha Franklin

Sweet Sweet Baby Since You've Been Gone es una canción de la cantante Aretha Franklin. Lanzada de su álbum Lady Soul en 1968, la canción tuvo éxito, debutando en el número 31 y alcanzando el número 5 en el Hot 100 durante cinco semanas, y pasó tres semanas en el número 1 en la lista Hot Rhythm & Blues Singles. El lado B, "Ain't No Way", también fue un éxito, alcanzando el puesto 16 en el Billboard Hot 100 y el número 9 en la lista Hot Rhythm & Blues Singles.

Una grabación en vivo apareció en el álbum de 1968 Aretha in Paris. La canción fue coescrita por Franklin y su esposo Ted.

El éxito que tuvo Sweet Sweet Baby Since You've Been Gone de Aretha Franklin fue brutal, vendió más de 450.000 copias en una semana, y el productor Jerry Wexler aprovecho la racha de éxitos de Aretha Franklin la sección rítmica de Muscle Shoals y el estudio de grabación con sede en Nueva York de Atlantic Records, dejar que la interpretación del piano de Franklin interactúe con ellos y, por supuesto, combinar esto con grandes canciones. el productor comento "Agregue talento de la Gran Manzana como Sweet Inspirations, el ingeniero Tom Dowd y el arreglista Arif Mardin, y lo que tiene es una fórmula de éxito imperdible". "Sweet Sweet Baby Since You've Been Gone" estaba en el modo "grosero" ganador del éxito anterior de la cantante, "Respect". De su LP dorado Lady Soul, Franklin le dio a Franklin otro millón de ventas de R&B en las listas de éxitos y un éxito pop Top Five en la primavera de 1968. La otra cara de la moneda fue la dulce balada "Ain't No Way" escrita por su hermana Carolyn Franklin, un éxito del Top 10 R&B/Top 20 del pop.

Daniel
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0438.- (You make me feel like) A natural woman - Aretha Franklin

(You make me feel like) A natural woman fue escrita por el matrimonio y pareja de compositores Gerry Goffin y Carole King para la cantante estadounidense de soul Aretha Franklin. Ambos se inspiraron en las palabras del copropietario y productor de Atlantic Records, Jerry Wexler, que en un viaje en coche le contó a Carole King que, siendo un estudiante de cultura musical afroamericana, había pensado mucho en el concepto del "hombre natural", y que lo que necesitaban para el nuevo disco de Aretha Franklin era una canción que ensalzara a la "mujer natural".

Partiendo de esa idea básica, Goffin y King escribieron la canción esa misma noche, y en agradecimiento a Wexler le incluyeron en los créditos por la autoría de la canción. A posteriori, aquello se convirtió en un gesto de gran valor para Wexler, ya que el sencillo de (You make me feel like) A natural woman, publicado en 1967 en el sello Atlantic, fue un gran éxito de crítica y público que alcanzó el número 8 en el Billboard Hot 100 estadounidense, y su éxito se ha mantenido a lo largo de los años, tanto en la versión de Aretha Franklin como en las de Mary J. Blidge o Celine Dion, entre otras.

La propia Carole King grabó la canción para su álbum de 1971 Tapestry, y muchos años después, Aretha Franklin la interpretó en honor de la compositora e intérprete en una entrega de premios en el Kennedy Center Honors en 2015, en lo que, sin duda, fue una manera de agradecer el impresionante regalo que supuso para ella poder cantar esta atemporal composición, creada por la magia creativa del genial tándem que formaron Gerry Goffin y Carole King.

El cantante - Andres Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

 

Andrés Calamaro, después de su derroche primero con Honestidad brutal (1999), lanzado a la categoría de mito de la música en español, y con razón, y un año después con la publicación de El Salmon (2000) compuesto por 103 canciones, estuvo un largo tiempo sin sacar nada al mercado, el caso que Calamaro había pasado unos tormentosos años, de excesos y grabaciones y El salmón fue su punto culminante…y desapareció del primer plano,  fue en 2004 cuando estrena un disco, en el que canta a los clásicos exceptuando tres canciones de factura propia. “El cantante”, el disco no contenía apenas canciones propias, sino que era una suerte de disco de versiones de grandes clásicos latinoamericanos que iban del Tango a la Salsa, pasando por el Folklore es decir, Calamaro se salía con un disco nada calamarista para sus parámetros pero que iba a marcar buena parte de su rumbo en los próximos años, nos sirve un trabajo para escuchar tranquilamente, en el que cada detalle ha sido cuidado, editado en el tradicional formato de 12 canciones, podría decirse que Calamaro, por fin, se rindió a la industria, aunque escuchando se llega a la conclusión de que lejos de seguir las tendencias rumberas de los antes rockeros nacionales, el compositor argentino apuesta por un trabajo diferente. No será del gusto de todos, pues es una apuesta arriesgada, con canciones tan viejas como imperecederas, pero marca la diferencia en el panorama musical.

Comienza el álbum con “Malena” de Lucio Demare, este clásico tango clásico de Lucio Demare y Homero Manzi que Andres Calamaro canta con una pasión inusitada acompañado de la excelsa guitarra de Niño Josele, que consigue llevarla a un nivel superior. La segunda parada es el súper clásico de Gardel, “Volver”, gran versión, macarra en algún momento y a la que dota de una personalidad brutal, con la misma base de la guitarra de Josele y la voz de Calamaro aunque aquí se incorporan más instrumentación. Llega uno de los platos más exquisitos del álbum, la versión de “La distancia” de Roberto Carlos que hizo, adopta un tono todavía más nostálgico, destacando los coros y la incorporación de la trompeta de Jerry González que le da una nueva cadencia a la canción. La primera canción de cosecha propia que encontramos es “Estadio Azteca”, construida a partir de una misteriosa letra del escritor argentino Marcelo Scornik, parece hablar de fútbol y miseria, del sentimiento del hincha en los países más desfavorecidos de América Latina, donde el aficionado vuelca en su equipo toda su ilusión: “Agarrándome / dándole mi vida / a ese para-avalanchas”. Es una extraordinaria canción que se convirtió en un éxito inmediato en parte porque fue el primer single del disco y una letra brillante de la que el coautor fue Marcelo Scorni. El Tango retorna con “Sus ojos se cerraron”, también de Gardel y Lepera, con una interpretación intensa que va creciendo por momentos y en la adopta un tono personal. Cierra la primera parte del álbum “Algo contigo” de Chico Novarro. otro clásico que también le sale redondo, de nuevo interpretado con un gran sentimiento.

 

También de diez es “El arriero” de Atahualpa Yupanqui, un clásico el Folklore argentino con un tono de la canción brutal. Con Gringui Herrera compone “La libertad”, uno de los tres temas propios, con otra letra muy celebrada, aunque a mí es una canción que me deja un tanto frío, no llega al pelotazo de Estadio azteca pero es otra canción que del disco a la que el público le tiene una gran estima. Volvemos a los clásicos, para sumergirnos en “Alfonsina y el mar” el clásico argentino de Ariel Ramírez y Félix Luna que popularizó Mercedes Sosa, con Niño Josele destacado, incluyendo un fragmento de «Zamba de mi esperanza» de Luis Profili (Morales), que se convierte en uno de los momentos más brillantes del disco. “Las oportunidades” es la única canción que compone en solitario Calamaro y nos enlaza con Honestidad brutal, tanto en su música como en la letra, una rumba nostálgica con una melodía llena de gancho y una letra que contiene versos certeros: “La culpa es un invento muy poco generoso / y el tiempo, tremendo invento sabandija / será que será suficiente con que uno elija / porque si no la buena fortuna pasa de largo”. Es una canción que mira hacia atrás y parece plantear una recapitulación de lo vivido, sin olvidar el tono rumbero de la canción, quizás sea la más floja de las nuevas canciones del álbum. “Voy a perder la cabeza por tu amor”, escrita por Manuel Alejandro y Ana Magdalena y popularizada por José Luis Rodríguez «El Puma» y que también interpretó Julio Iglesias, comienza con la trompeta de Jerry González y luego Calamaro la dota de una intensidad que no tiene la versión de Rodríguez. El cierre del álbum lo protagoniza la canción que da título al disco “El cantante”, de Rubén Blades que interpretó Héctor Lavore, un tema autorreferencial, en el que Calamaro sigue ajustando cuentas, y realiza una gran versión.

 

“El cantante”, es un trabajo para escuchar tranquilamente, en el que cada detalle ha sido cuidado. Editado en el tradicional formato de 12 canciones, podría decirse que Calamaro, por fin, se rindió a la industria, aunque escuchando se llega a la conclusión de que lejos de seguir las tendencias rumberas de los antes rockeros nacionales, el compositor argentino apuesta por un trabajo diferente. No será del gusto de todos, pues es una apuesta arriesgada, con canciones tan viejas como imperecederas, pero marca la diferencia en el panorama musical.

 

0437.- Chains of fool - Aretha Franklin

 

La autoría de la canción es confusa, aparentemente Don Covay la escribió siendo joven mientras cantaba gospel con sus hermanos y cantantes, pero existe "Pains of Life", que es de un años antes de la grabación de "Chain of Fools", y tiene exactamente la misma melodía, prácticamente el mismo arreglo y el mismo coro de llamada y esta acreditada en el sello discográfico Reverend Fair como por C. Davis. El productor de Atlantic Records, Jerry Wexler, le pidió a Don Covay que escribiera algunas canciones para Otis Redding, y Covay grabó una demostración de "Chain of Fools" cantando y tocando la guitarra él mismo, al escuchar que Wexler decidió grabar la canción con Aretha Franklin en lugar de Otis. Aretha Franklin grabó su magnífica "Chain of Fools" en 1967, donde Joe South proporciona una introducción de guitarra de blues, y luego la canción pasa a la conducción, ritmo de soul y blues de ritmo medio acelerado con guitarra insistente, piano eléctrico, bajo y batería, The Sweet Inspirations brinda coros femeninos apasionados que incluyen llamadas y respuestas en los coros, La sensacional voz de Aretha se ve obligada a admitir que, a pesar de que ha descubierto la infidelidad de su hombre hacia ella, ella, como todas sus otras cadenas de mujeres, es impotente para dejarlo a pesar de todo.

 

Aretha Franklin ya era una estrella cuando grabó "Chain of Fools", Respect había encabezado las listas unos meses antes, y Franklin ahora tenía una libertad artística y una influencia que pocas artistas negras de su tiempo lograrían. A pesar del éxito de su carrera, la vida personal de Franklin iba muy mal, hacía poco que se había separado de un marido que la maltrataba y encontró en la creación de Don Covay, una canción que serviría como su declaración personal de liberación. “Chain of Fools” no es solo Aretha Franklin, todos lo que le acompañaban brillan a un gran nivel a guitarra de South, el platillo resonante y el redoble de la bateria de Roger Hawkins prácticamente traspasan los altavoces. Si bien Aretha está al mando en todo momento, el canto de respaldo "cadena, cadena, cadena" de The Sweet Inspirations demuestra ser un complemento digno al blues bajo y sucio de la Reina del Soul. Canta con tal tenacidad y valor que uno piensa que explotará, pero ojo con los chicos de Muscle Shoals porque esas guitarras y tambores siguen su cadena para echar una mano y traerla de vuelta. Un gran tema, y un buen ejemplo de cómo la música puede capturar tu alma.

 

 

0436.- Acid - Ray Barretto

 

Acid, Ray Barretto 

     Ray Barretto fue un percusionista estadounidense de origen puertorriqueño nacido en Nueva York en 1929. Ray se convirtió por méritos propios en uno de los más destacados compositores, intérpretes y músicos de jazz latino, destacando especialmente en jazz afrocubano, salsa, son cubano, boogaloo y pachanga. La trayectoria musical de Barretto muestra una gran inquietud por una amplia gama de influencias musicales. Se cree que este interés por multitud de géneros es debido a que su aproximación a la música afro-caribeña  y los ritmos latinos fue a partir del jazz. El mismo afirmaba que llegó a dominar el estilo swing mucho antes que los ritmos latinos.

En 1968 Ray publica su decimocuarto álbum de estudio, Acid, bajo el sello discográfico Fania Records. El disco es una magnífica mezcla de géneros latinos y soul donde la salsa instrumental y el soul latino están muy presentes. Puede parecer, que por el título, nos encontramos ante un álbum de corte psicodélico, nada que ver, lo que realmente nos encontramos es un gran disco donde los  ritmos latinos, el jazz, el funk y el soul confluyen con un gran gusto y calidad. Una gran muestra es precisamente el tema que da nombre además al álbum, Acid, un perfecto ejemplo de la transición estilística que la música latinoamericana empezaba a experimentar en esa década. La gran calidad de los músicos que participan y el virtuosismo de Ray con las congas elevan el nivel del tema a cotas muy importantes. De hecho, Acid está considerado uno de los mejores álbumes de ritmos latinos que se conocen.

0435.- Summertime Blues - Blue Cheer

0435 - Summertime Blues - Blue Cheer

Estamos en el año 1958, en las radios de Estados Unidos suena Summertime Blues es una canción escrita por Eddie Cochran y Jerry Cape Hart, que cuenta las experiencias y tribulaciones de vida de un adolescente en los Estados Unidos. 

Summertime Blues fue el lado B de un sencillo, pero su popularidad hizo que llegara al puesto n.º 8 en Billboard el 29 de septiembre de 1958. Las palmas fueron realizados por Sharon Sheeley, y la voz de bajo profundo al final de cada verso es la del propio Eddie Cochran. La canción se utilizó en 1980 en la película Caddyshack. En marzo de 2005, la revista Q la colocó en el puesto n.º 77 de su lista de los 100 Mayores Canciones de Guitarra de la historia.

En el año 1968 la banda Blue Cheer graba está canción en el álbum Vincebus Eruptum. Su versión, que omite toda las réplicas líricas de la versión original de Cochran, en favor de respuestas instrumentales por cada miembro de la banda, fue destacada como uno de los primeros registros de heavy metal y se incluyó una grabación de 2005 en el documental Metal A Headbanger's Journey.

Durante los años 1980 la MTV presentó un vídeo en blanco y negro de la canción, tomada del programa de TV Beat-Club, en sus Vh1 Closet Classics. La canción también se destaca en la película Arrastra de 1986, y en la película Night on Earth de 1991 así como en la película I Shot Andy Warhol de 1996.

Otra de las versiones famosas es la de The Who, donde aparece una versión en su álbum Live at Leeds de 1970. Resulta más agresiva y de mayor volumen sonoro también que en la forma original.

Daniel
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Disco de la semana 266: Coming up - Suede

 

Después de alcanzar su punto máximo en 1995, Britpop entró en un estado extrañamente tranquilo de limbo comercial a partir de 1996. Suede acababa de perder a su guitarrista principal Bernard Butler y estaba en la cuerda floja por las decepcionantes ventas de (el ahora venerado) Dog Man Star. Sin embargo, a pesar de tener ser los menos estimados de los "Cuatro Grandes" de Britpop, Suede de alguna manera logró entregar el álbum de Britpop más exitoso de 1996 con Coming Up y le valió a la banda su segundo álbum #1 en el Reino Unido. Lo que encontramos en Coming Up es una colección sorprendentemente de melodías que se inclinan fuertemente hacia el extremo radical, lejos del espectro del glam rock. Brett Anderson aludia a que este enfoque tan directo fue una respuesta al fracaso comercial de Dog Man Star, y fue una decisión comercial brillante, pero ha dado lugar a un conjunto de pistas. A pesar de lo buenos que son sus dos primeros álbumes (y de hecho son muy buenos), encuentro el rechazo rutinario del tercer álbum bastante injusto. Coming Up es el álbum que detuvo el patrón de declive que siguieron muchos de los actos de guitarra británicos de los años, un álbum repleto de melodías accesibles que aún resisten el escrutinio hoy en día, pero aparentemente, debido a que Bernard Butler no está involucrado, se considera uno de los trabajos menores de Suede .

 

Arranca el álbum con "Trash", absoluto pelotazo, una canción increíble que contiene letras muy urbanas y que refleja el sentir de la gente que se siente menospreciada, como siempre la temática casi central dentro del género, una gran canción de amor llena del sarcasmo de los 90 que solo se puede encontrarse en una gran canción de amor. La letra es veraz, realistas y poco halagadoras, pero también totalmente sentidas, expresivas y llenas de emoción. Del mismo modo, las guitarras se mueven dentro y alrededor del acompañamiento del bajo y la batería con éxtasis, con velocidad y también con paciencia, creando un tipo único de ritmo que, dependiendo de tu estado de ánimo, puede ser rápido o lento, luego está la armónica a las 2:20 una barbaridad. "Filmstar" es una canción que nos cuenta acerca de la vida de la persona con dicho estado, destaco aquí la percusión que se siente muy profunda y marcada, con un cambio de tiempo espacial increíble en el estribillo y una letra ingeniosa. “Lazy" es una de las canciones más melódicas del disco, nuevamente el énfasis lírico en una vida muy normal y corriente, quizás queda un poco deslucida tras los dos primeros trallazos, mas normalita, y por momentos puede llegar a aburrirte, pero despertaras con el baladon que nos tiene preparados a continuación, “By the sea” es apoteósica desde el comienzo, tiempo de teclados, tiempo de una voz que te hipnotiza con ramalazos de guitarra que te absorben, y un letra devastadora en la que la pareja espera su suicidio, mientras Brett Anderson canta con calidez "Él puede caminar en cualquier momento a través de la arena, hacia el mar, hacia el agua salada”. Tiempo para el glam rockero de medio tiempo "She", es un buen tema con esos coros que te sacan y te despiertan del sueño, cuerdas a mansalva, grandes cambios de ritmo y una guitarra de ataque compiten por su espacio en la canción, el resultado es tan agotador como estimulante, es el equivalente en rock de un excelente éxito de taquilla que casi rezas porque te encante.

 

"Beautiful Ones", escrita por Oakes, que combina guitarras estilo Oasis con una de las melodías vocales glam rock más distintivas de Anderson, lástima que el estribillo relativamente ordinario de la canción no esté a la altura de las alturas gloriosas que definen la carrera de los versos de Anderson, una canción que es imposible no cantarla. Vamos con el tramo más débil del álbum, empieza con “Starcrazy” un corte más Rockero, agresivo, aunque no deja de ser una canción Pop en el fondo. "Picnic by the Motorway" es atrapante, un coro y unos vocales que te quedan totalmente enganchados con la canción. "The Chemistry Between Us" viene a calmar un poco las aguas cerca del final, es una canción larga pero totalmente necesaria, calmada y serena nos conduce a una de las mejores canciones del disco… "Saturday Night" es la mejor balada del álbum, una canción realmente hermosa y uno de los muchos puntos destacados del álbum Coming Up, me encanta el sonido de la guitarra, al principio es suave y conmovedor, mientras que más cerca del final tiene la cantidad perfecta de retroalimentación para darle algo de poder. La melodía es genial, la letra es genial y el video es absolutamente excelente, presenta todas las ventajas y desventajas que puede encontrar en una estación de metro a última hora de la noche del sábado, y hay una gran secuencia de personas que viajan en el vagón y están solos, mientras que antes bailaban borrachos sin preocuparse por nada, el video cuenta con la actriz Keeley Hawes.

Casi dos décadas después de su lanzamiento, todavía escucho Coming Up y todavía me emociono con esos pequeños riffs vibrantes, los coros y las melodías de neón, como mucho de lo que se denomina britpop, está casi completamente enraizado en el período en que fue lanzado, pero en este caso me lleva a una época en mi adolescencia cuando no tenía compromisos, un poco de dinero excedente y una cabellera razonable.

 

0434.- Goin' back -The byrds

 

"Goin' Back” es otra canción inquietante y excepcional que The Byrds hicieron famosa, pero un tema escrito por Carole King y Gerry Goffin, y si bien The Byrds pueden haber sido expertos en hacer versiones de canciones, y ciertamente los maestros de esa guitarra tintineante, es evidente que simplemente no tenían la preparación o las experiencias de vida para escribir un material interpersonal tan maravilloso como este. Escuchas el tema y tienes una sincera sensación de country flotando a su alrededor, aunque no de forma rotunda, y más cuando te detienes en la letra, que describe la pérdida de la inocencia que viene con la edad, y la lucha de la que todos somos culpables, arrastrándonos en un esfuerzo supremo tratando de frenar las manecillas del tiempo, para si no conseguir otra cosa que recordar con cariño y atesorar con calidez los recuerdos de nuestra juventud. Aun así, aunque no conocíamos la historia de fondo durante los embriagadores días de los años 60, nos sumergimos en la idea de que la canción era un reflejo de todo lo que The Byrds habían perdido con la muerte de tantos miembros. No nos pongamos demasiado trascendentales, y disfrutemos de lo que es una canción enorme que afortunadamente The Byrds llegaron a haber tocado (antes las primeros en grabar este número, la banda de rock exclusivamente femenina Goldie & The Gingerbreads hizo una versión, aunque cambió la letra que no le sentó bien a Carole King, por lo que se eliminó la versión, y la grabo ella misma, antes de pasárselo a Dusty Springfield hasta que llego a The Byrds) ya que su versión está muy por encima de todas las demas, esa postura entre el pop y el country, mezclada con armonías fluidas, una discreta guitarra de pedal de acero y la naturaleza susurrante del Rickenbacker de 12 cuerdas de McGuinn. . “Goin' Back” es nada menos que una delicada alfombra mágica de sonido y visión, una canción que para mí siempre estará de la mano con “In My Room” de los Beach Boys.

El Salmón - Andrés Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

Es complicado reseñar un disco de las características de El Salmón y conseguir ser conciso, y al mismo lograr mostrar todo el detalle que un disco de su envergadura merece. Si "Alta Suciedad" fue un disco brillante y pulido en el que nada sobraba, y "Honestidad Brutal" una obra maestra más áspera y urgente, que habría sido aún más grande con algunas canciones menos, El Salmón llevó esa tendencia al exceso y hasta sus últimas consecuencias, convirtiéndose en una obra desmedida e inabarcable, pero que fruto de esa misma incontinencia, escondía en su interior lo que podrían haber sido varios discos a la altura de sus alabados predecesores.

La idea de El Salmón es tan brillante como arriesgada. Ayudado solo por unos pocos amigos y colaboradores cercanos, como el habitual Marcelo Scornik, Niño Bruno, o Candy Caramelo, Andrés Calamaro se encerró durante meses en su apartamento de Buenos Aires, dedicado en exclusividad a la creación musical, y grabando en su estudio casero todo lo que se le pasara por la cabeza, sin apenas filtro alguno, y con la ayuda del consumo de diversas sustancias. Tras la fase de creación y con más de 300 canciones bajo el brazo, Calamaro se desplazó a Madrid para grabarlas y darles lustre en el estudio Sintonía. En Madrid coincidió con Ariel Rot, que acabó tocando la guitarra y haciendo coros en algunos temas. Las canciones crecieron en el estudio y con la banda de acompañamiento, pero en el disco final hubo también espacio para muchas de las maquetas originales, con solo algunos retoques posteriores. El resultado conjunto fueron las 103 canciones que acabaron formando parte de los cinco discos que conformaron la primera publicación del El Salmón en noviembre de 2000.

El disco incluye un buen puñado de temas destacables del cancionero de Calamaro, arrancando con la divertida y rockera Output-Input, en la que reflexiona sobre las mujeres que han pasado por su vida ("hay tantos nombres de mujer, que no puedo recordar es una lista sin fin, seguro se me cuela una Drag Queen"), y pasando a continuación al brillante tema que da título a toda la obra. El Salmón (canción) es el auténtico manifiesto que abandera este proyecto suicida y contracorriente ("Siempre seguí la misma dirección, la difícil la que usa el salmón"), asumiendo que los demás puedan pensar que esta desmedida obra es fruto de la locura ("revíseme el aceite, el aire y el agua, revíseme a mí el coche no tiene nada"). El concepto de filosofía de vida asociado al salmón aparece también en otras canciones, como en Horarios esclavos ("Vas a tener que esperar si quieres llevar el pescado al agua...") o las rockeras Días Distintos ("No voy a tomar la ruta de los sacrificios, prefiero el vicio, la música y el amor) o No se olvidar ("Porque el amor te espera en la esquina, y el dolor te espera en cualquier lado, ya no quiero mi aliento oxidado solo para mí").

Otras canciones exploran los sentimientos de nostalgia y dolor de Calamaro sobre amores perdidos y relaciones pasadas. A este grupo pertenecen las destacables Tuyo siempre, Ok, perdón o Nos volveremos a ver, que juega con los ritmos de tango que tanto le gustan como buen argentino. El disco tiene también sus momentos "pop", como en la pegadiza Revolución Turra o en la curiosa parodia del particular modo de cantar de Iggy Pop que es All You Need Is Pop, canción sobre la sensación de abandono tras una ruptura, en la que al salmón le dejan las maletas en la puerta. La melancolía y el arrepentimiento le sumen en el abatimiento y le convierten en un Pálido Reflejo de lo que fue, hasta el punto de plantearse que la única salida es Dejar de Vivir, pero ninguno de esos sentimientos consigue que su determinación y su espíritu libre flaqueen, y el salmón acaba siempre reponiéndose, como avisa en Crucifícame ("... y clávame una lanza en la panza... Cuidado nena, que puedo resucitar"), asumiendo que es un Culo sin asiento y que ya nada le puede hacer cambiar (Porque soy así).

Y simplemente porque es así, en una obra tan amplia hay espacio también para repescar y lavarle la cara a antiguos temas (No se puede vivir del amor, No te bancaste), y para incluir guiños a canciones de otros discos (Querrámonos incluye el verso "Debería estar prohibido haber vivido y no haber amado" de Jugar con fuego), y sobre todo para experimentar con diferentes géneros musicales, desde el rock y el tango ya mencionados, al spoken word de aires blues (Qué ritmo triste) y los ritmos sudamericanos (Ojos dos ojos). Pero el auténtico exceso viene de la mano de la larga lista de versiones, a cuál más diferente y unidas todas por el común denominador del descaro y el atrevimiento de un artista que en ese momento había tomado la decisión de grabar lo que le daba la gana, y que unidas habrían podido conformar hasta dos discos bastante variopintos de canciones ajenas.

El primero de los "discos ocultos" de versiones lo conformarían las revisiones de temas en castellano que se encuentran diseminadas a lo largo de los cinco discos de El Salmón: Alfonsina y el mar (Ariel Ramírez, Félix Luna), Cafetín de Buenos Aires (Discépolo, Mores) Laura va (Spinetta), Durazno sangrando (Spinetta), Río manso (C. Aguirre), El día que me quieras (Carlos Gardel, Alfredo Le Pera), Barrio de tango (Manzi, Troilo), Los ejes de mi carreta (Atahualpa Yupanqui, Romildo Risso), Libros sapienciales - parte II (Ricardo Soulé, Willy Quiroga, Juan Carlos Godoy), Malena (Manzi, Demare) y Así (Sandro, Anderle).

Y por si no había ido ya bastante a contracorriente con esas versiones, el segundo "disco escondido" dentro de El Salmón es una recopilación de temas en inglés, con los que Calamaro se atreve a dar el último, y más inesperado, giro a contracorriente. Con su descaro y falta de vergüenza torera característicos, se lanza a lidiar con toros de la talla de The Rolling Stones (Time Is on My Side, Under My Thumb) Bob Marley (No Woman No Cry), J.J. Cale (Cocaine) y hasta cinco temas de The Beatles (The Long and Winding Road, I Will, You Won't See Me, Oh! Darling y Sexy Sadie).

Después de todo esto, y aunque todos sus defectos de incontinencia y falta de filtro hagan imposible que El Salmón compita en calidad con Honestidad Brutal, nadie podrá negarle que el esfuerzo y la dedicación a esta obra fueron desproporcionadamente honestos, y que el efecto de semejante artefacto en el organizado y arquetípico mercado musical fue, simplemente, brutal. Al final del disco, después de toda la locura desatada, el atribulado personaje del salmón reconoce, en el título del tema que cierra esta aventura sin límites, que a lo mejor se ha pasado de la raya, y se plantea si Este es el final de mi carrera. No lo fue, porque eso habría sido lo normal para cualquier otro tipo de pescado sumergido en aguas peligrosas, pero El Salmón siempre termina remontando contracorriente el curso del río, sintiendo llegar el vacío total, y soltándose de nuestra mano. Es su naturaleza, la que le llevó a entregar un disco inabarcable, lleno de exquisito sabor pero también de incómodas espinas, sin importarle demasiado las consecuencias: "Me llegó una carta que me dice The End, no tiene remitente déjame de joder".

0433.- Pictures of Matchstick Men - Status Quo

La banda británica Status Quo publicó en 1968 su álbum Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo, y la canción que cerraba aquel disco, Pictures of Matchstick Men ("Imágenes de los hombres cerilla"), fue la elegida como single de lanzamiento, a pesar de que inicialmente se pensó en ella como cara B del single, en favor de "Gentleman Joe's Sidewalk Cafe".

Debieron acertar con el cambio, porque en el mismo día del lanzamiento del que fue su single de debut, llegó al top 10 de las listas en el Reino Unido, donde permaneció durante siete semanas consecutivas y llegó a alcanzar el séptimo puesto. Se convirtió además en su single de mayor éxito en Estados Unidos, dónde llego al puesto 12 del Billboard.

Escrita por el cantante y guitarrista Francis Rossi, e inspirada en la obra del pintor L.S. Lowry, comienza con un riff de guitarra, al que se unen poco a poco el bajo, la guitarra rítmica, el órgano, la batería y la voz, pero existen dos versiones de Pictures of Matchstick Men, en estéreo y en mono, con algunas diferencias relevantes, ya que la versión en mono del single original tenía unos interesantes tramos de guitarra "wah-wah" entre las estrofas, que desaparecieron en la versión en estéreo.

Grandes éxitos y tropiezos: Los Rodríguez

 

Como cada semana, toca darnos una vuelta por la sección de Grandes éxitos y tropiezos de 7dias7notas, y aprovechando que estamos en el #MesCalamaro nos vamos a detener en su obra cuando formo parte de Los Rodríguez, una carrera escasa, pero que tuvo una gran repercusión a nivel nacional, un cuarteto afincado en Madrid, compuesto por Andrés Calamaro (voz, guitarra y teclados), Ariel Rot (guitarra), Julián Infante (guitarra) y Germán Vilella (batería), y que protagonizó una carrera breve pero intensa (desde 1990 a 1996), firmando algunos de los mejores discos de la historia del rock & roll en castellano.

 

Estás tardando en comprarlo:

Sin documentos fue el álbum que les llevo a la fama, y se convirtió rápidamente en un clásico del rock en español donde nos encontramos un puñado de buenas canciones con el rock stoniano como unión de ellas, pero con otros estilos conviviendo en algunas canciones como la rumba, el reggae o la clara influencia de la música latina. Cada una de las canciones de “Sin documentos” podría ser un single en potencia: el repertorio es magistral y muestra sobre todo el torrencial talento de Andrés Calamaro, que poco a poco iría ganando protagonismo como líder de la banda. Destacar alguna canción sería estúpido ya que todas tienen un gran nivel y no hay bajones a lo largo de un disco que se escucha bien y combina a la perfección grandes canciones con buenas letras guitarras de gran calidad una gran voz por parte de Calamaro y además son temas bastantes accesibles para radioformulas y el público en general. Como por ejemplo la inolvidable Sin Documentos, la canción, es un hit de lo mejor de los últimos 30 años y Sin Documentos, el disco, está entre los mejores discos del rock de la historia en cualquier idioma

 

Si te queda pasta, llévate también:

En 1995 Los Rodríguez lanzó su cuarto disco de estudio, “Palabras más, palabras menos”, el último escalón para Los Rodríguez, que pusieron punto y final a su trayectoria con la ropa vieja de éxitos de “Hasta Luego” (DRO, 1996) y consigue lo que parecía imposible, mantener el listón que había inaugurado “Sin Documentos” (DRO, 1993). Fue el disco con el que Los Rodríguez alcanzaron el éxito definitivo, una paradoja puesto que a nivel interno las discrepancias entre sus integrantes eran cada vez más evidentes, y la ruptura parecía -y lo fue- inevitable. Con casi la misma cantidad de canciones, este álbum guarda cierta relación con su predecesor, en cuanto a la notoria influencia de Calamaro en la composición. Por supuesto que Rot e Infante en menor medida han aportado sus letras, como en “Mucho Mejor” y “Extraño”; pero el desarrollo que Andrés estaba teniendo por entonces marcaba una de sus mejores épocas de inspiración. El álbum nos deja otras trece joyas al ya extenso repertorio de Los Rodríguez y confirmaba que estábamos ante un grupo imbatible, una colección de talentos que no se volvería a reunir. Por destacar algún tema lo hacemos con “Milonga del Marinero y el Capitán”, uno de los clásicos de la banda, tiene esa melancolía de las desventuras de los hombres de mar, pero con un toque más alegre, “Aquí no podemos hacerlo” se erige como una de las más recordadas del disco. Aunque “Para No Olvidar”, es un verdadero clásico marca Calamaro que tuvo mucha repercusión en la Argentina, especialmente. El resto del disco mantiene el nivel de los primeros temas, como “La Puerta de al Lado” y “Diez Años Después”. Las ventas acompañaron a este material que además se vio favorecido por la presencia de Joaquín Sabina en una gira que la banda realizó por territorio español a mediados de los noventa.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

En 1991 publican su primer álbum “Buena Suerte”, un disco que tuvo un gran recorrido en Argentina, especialmente por el tema “Mi Enfermedad”, es un buen debut este de Los Rodríguez, si ponemos alguna pega es que quizás demasiado largo, se marcaron un disco de 16 canciones, quizás con 3 o 4 canciones hubiera quedado un disco más compacto y sin ningún bajón, pero hay que quedarse con los grandes momentos como "a los ojos", "engánchate conmigo" o "mi enfermedad" que daban esperanzas a posteriores mejores discos como así ocurrió. Como recordatorio al año siguiente Los Rodríguez editaron “Disco Pirata” que tuvo un mayor impulso. Buena Suerte pasó sin pena ni gloria por las tiendas españolas (en Argentina sí alcanzó mayor difusión), el nivel de ventas fue pobre y dejó una sensación de frustración entre los integrantes de la banda. Guille Martín abandonó el grupo, que a partir de entonces contaría únicamente con cuatro integrantes. Sin embargo, el álbum es el preferido de muchos seguidores y deja entrever la fuerza del ciclón que vendría después.

 

Si por el contrario, lo que quieres es empezar a conocer a Metallica a través de sus canciones, te recomendamos que empieces por

Nuestro TOP 5:

1.- Sin documentos

2.- Para no olvidar

3.- Mucho mejor

4.- Engánchate conmigo                                                                                                       

5.- Milonga del marinero y el capitán

0432.- Brown Eyed Handsome Man - Nina Simone

 

High Priestess of Soul, Nina Simone

     Mediada la década de los años 60, Nina Simone sigue con sus actos y su música luchando por los Derechos Civiles y la igualdad del pueblo afroamericano. Entre 1965 y 1966 graba en Nueva York el material que aparece publicado en su álbum High Priestess Of Soul, publicado posteriormente en 1967, y será precisamente así como sera conocida a partir de entonces Nina Simone, como la Suma Sacerdotisa del Soul. Un apodo que por el contrario no le gustaba porque consideraba que la encasillaba como artista. High Soul Priestess Of Soul es uno de los discos donde tienen espacio el jazz, el folk, el gospel,el soul ó el pop, siendo precisamente uno de los discos donde más se acerca al género pop. Este disco también supuso el último trabajo para la discográfica Philips, pues se marcharía posteriormente a RCA. Muy destacable el trabajo de la sección de viento con una magnífica trompeta y los coros de acompañamiento.

Nina cuenta con el acompañamiento de una banda orquestal dirigida por Hal Mooney, quien también se encarga de los arreglos y de la producción del disco. Hal trabajaba por entonces para el sello Mercury Records, el cual pertenecía a Philips Records. Hal Mooney fue un importante compositor y arreglista de la época que trabajó con gente como Bing Crosby, Frank Sinatra, Juddy Garland, Peggy Lee, Sara Vaughan, Dinah Washington ó la propia Nina Simone. Incluido en éste álbum nos encontramos con Brown Eyed Handsome Man, Nina nos regala una gran versión de este rock & roll compuesto y escrito por el gran Chuck Berry el cual lo publicaría por primera vez en 1956. La letra del tema hace referencia a las minoría raciales. Chuck se inspiró para grabarla después de visitar varias zonas afroamericanas e hispanas de california y presenciar allí un episodio donde un policía trataba de arrestar a un hombre hispano, y durante la intervención se acercó una joven pidiendo que no lo hiciera y lo dejara ir, intentando disuadirle del arresto.