Extremoduro - Deltoya (Mes Extremoduro)

 

Deltoya, Extremoduro

Atrás queda ya el año 1987, año en el que un jovencísimo Robe Iniesta, oriundo de Plasencia, Cáceres, tras la ruptura de la banda Dosis Letal, de la que formaba parte, decide crear su propia formación de rock, Extremoduro. Así comenzaba la aventura de Robe (guitarra y voz), junto a Kaíto (bajo) y William (batería). Una formación que salvo Robe, líder y alma de la formación extremeña, irá sufriendo continuos cambios en sus filas. Atrás queda ya su primer viaje a Madrid, con la mochila cargada de sueños, donde Extremoduro graba su primera maqueta. Pudieron costear el precio de aquella maqueta vendiendo papeletas que equivalían a una copia de la maqueta cuando ésta estuviera grabada y editada. Así es, señores y señoras, hasta en ese invento del crowdfunding  el "Rey de Extremadura" fue pionero, aunque apenas llegaron a vender unos 250 boletos.

Atrás queda también la grabación de su primer disco, Tú en tu casa, nosotros en la hoguera (1989), disco que fue distribuido por la región extremeña, y que años después fue reeditado con un mejor sonido y bajo el título de Rock Transgresivo. Atrás queda también el año 1991, cuando fichan por la discográfica Avispa Music, que se había fijado en ellos, pero ante las escasas expectativas que el sello tiene para ellos deciden romper el contrato y fichar por el sello independiente Área Creativa de Pasión Cía. Discográfica, con la que publican su segundo disco, Somos unos animales. Sin embargo, el grupo decide romper también con Área Recreativa, por diferencias económicas motivadas por no haber cobrado los derechos de autor.

Nos encontramos en 1991, y Extremoduro, que en ese momento está formado por Robe (guitarra y voz), Salo (guitarra), Carlos "El Sucio" (bajo) y Luis "Von Fanta" (batería), consigue fichar por DRO (Discos Organizados Radiactivos), el sello de música independiente más importante del país. La gestación del fichaje comienza a raíz del contacto del bajista Carlos "El Sucio", con el cazatalentos de DRO José Antonio Gómez, al que conocía personalmente. Curiosamente, la gran calidad que el Robe compositor y escritor descarga en cada una de sus letras, no es la razón para fichar a los extremeños, sino la cantidad de gente que llevaban detrás y que arrastraban a los shows que montaban en los conciertos, motivo por el que las revistas heavys ya se habían empezado a fijar en ellos y en su música, alejada del típico rock standard que se hacía en la época.

Con un contrato discográfico en el bolsillo y con las garantías de un sello fuerte, el grupo se mete en los estudios Box de Madrid y graba el material que compondrá su tercer álbum. En junio de 1992 se publica Deltoya, que sentará las bases del despegue de la banda, y que la pondrá en la senda del éxito y reconocimiento absoluto como grupo de culto. Deltoya no consiguió inicialmente el reconocimiento que merecía, en parte por la escasa promoción del disco, y no por la falta de interés de DRO, sino porque el propio Robe se negaba a convertir al grupo y al disco en un producto, lo que da una idea de la gran personalidad del líder de la banda extremeña. 

El resultado es un doble álbum compuesto por doce temas, de los que muchos se han convertido ya en imprescindibles en la historia del rock español. Las condiciones del grupo han mejorado considerablemente, y esto hace que puedan centrarse única y exclusivamente en lo que mejor saben hacer, la música, y entonces el resultado salta a la vista. En Deltoya se da, además, la circunstancia de que el grupo, al sentarse a discutir que temas descartar, se dan cuenta de que no hay ningún tema que pueda considerarse de relleno, por lo que deciden apostar por todos, y la discogŕafica DRO, en un gesto de confianza hacia la banda, decide dejarles incluir los doce temas compuestos en forma de doble álbum.

El título del álbum, Deltoya, proviene de la contracción "del todo ya", y tenía un significado especial para la banda, pues por fin, habían podido grabar todas las canciones que tenían preparadas, con buen sonido y sin tener que elegir o sacrificar ninguna, por lo que decían que tenían un disco deltoya (del todo ya). El vinilo del disco tiene dos portadas, una creada por el artista de Trujillo (Cáceres), Chuty, quien era miembro de la asociación cultural Tope Ganso, y consiste en un dibujo en que un hombre de espaldas mira desde un balcón hacia la noche, bajo la atenta mirada de la luna. La otra portada es una ilustración de Carlos Azagra, un ilustre del mundo del cómic, responsable de personajes como Pedro Pico y Pico Vena de la publicación El Jueves. La ilustración muestra a una familia desnuda contemplando el mar desde una playa.

Para la grabación del disco, la banda cuenta con la colaboración de músicos adicionales, los que se encuentran Ariel Rot en el tema Volando solo, Salvador Domínguez (Banzai) en De acero y Relación convencional, o Rafa Kas (Los Toreros Muertos, Ilegales, Desperados) en Lucha contigo. El disco contiene una mayor complejidad que los dos álbumes anteriores, fruto de la constante evolución de Robe, quien pretendía que la gente se devanara los sesos y que le diera su propia interpretación a lo temas cuando los escuchara. El disco es un recorrido donde Robe, con sus letras, nos transporta y deleita con temazos como Volando solo, donde pone el grito en el cielo en defensa de la ecología y podemos disfrutar de la guitarra de Ariel Rot; Última generación, donde además de tocar la temática ecologista también lanza una llamada con toques anti-sistema, Ama, ama, ama y ensancha el alma, poema escrito por el poeta Manolo Chinato y al que Robe pone la música, toda una llamada a la fraternidad y el amor colectivo, Estado Policial, un potente rock and roll con el que cierran el disco; o la potente Deltoya, escrita por Robe basándose en un poema de Kiko Luna Creciente, artista de la asociación Tope Ganso de Trujillo.

Robe, siempre perfeccionista, no acabó del todo contento tras la publicación del disco, pues consideraba que a Deltoya le había faltado tiempo de cocción. Lo que si es cierto es que Deltoya significó un salto cualitativo para el grupo, que iba camino de convertirse en lo que es ahora, un grupo de culto. El cambio a una discográfica como DRO les permitió a Robe y a Extremoduro dejar de lado muchas preocupaciones adicionales, pues por fin no tenían que preocuparse de tener que hacerlo todo ellos, para centrarse "del to ya" en lo que mejor sabían hacer. Rock transgresivo lo llamaban, una efectiva receta a base de generosas dosis de pura música y poesía.

0065: Shout - The Isley Brothers

 

Shout, Isley Brothers

     El 1 de noviembre de 1959 se publica Shout!, el álbum debut de los Isley Brothers, bajo la producción de los reputados productores discográficos Hugo Peretti y Luigi Creatore. El álbum es grabado en el Studio A de RCA Victor's Music Center of the World (Nueva York), y publicado por la discográfica RCA, propietaria de dichos estudios. Un disco donde podemos enontrar rhytm and blues, doo - woop, gospel ó rock and roll.

Incluido en éste disco se encuentra el tema Shout, que había sido lanzado como sencillo unos meses antes, concretamente en agosto de 1959, y que incluía Shout parte I en la cara A y Shout parte II en la cara B. El tema se acabaría convirtiendo en una influyente canción dentro del género rock and roll, siendo muy versionada a lo largo de la historia, y donde una de las más exiosas fue la versión de la cantante escocesa Lulu en 1964. 

El tema originalmente fue escrito por Rudolph Isley, aunque aparece acreditado también a los otros dos componentes, Ronald y O'Kelly Isley. En 1958 los hermanos solían terminar sus actuaciones interpretando una versión del tema Lonely Teardrops de Jackie Wilson. En una de esas actuaciones, cuando el trío se encontraba en el Uptown Theatre de Filadelfia, y mientras interpretaban este tema, en un momento dado a Ronald al ver al público de pie y gritando enfervorecido le dió por gritar algo así como "Wellllllll........sabe que me dan ganas de gritar!", y automáticamente Rudolph y O'Kelly se unieron a la improvisación. La gente se volvió loca.  

Los Isley Brothers en un principio no consideraron que éste tema tuvieran que grabarlo, pues para ellos se trataba simplemente de una improvisación que hacían en el escenario, pero el por entonces ejecutivo de RCA Records Howard Bloom lo tuvo muy claro y propuso que aquello había que publicarlo como sencillo. Este tema revolucionó el efecto de llamada y respuesta que tan bien conocían los hermanos, pues crecieron cantando en una iglesia. 

La música en el cine: You Could Be Mine (Guns & Roses) - Terminator 2: El Juicio Final

 

You Could Be Mine, Guns & Roses

     En julio de 1991 se estrenaba en Estados Unidos Terminator 2: el juicio final, película de acción escrita, producida y dirigida por el genial director canadiense James Cameron. Tras el éxito de la primera película de la saga, y aprovechando el tirón y popularidad que había alcanzado Arnold Schwarzenegger, James Cameron sacó está segunda parte repitiendo los esquemas de la primera producción. 

La película también tiene el honor de ser una de las primeras películas en las que se utilizaron imágenes generadas por ordenador. En su momento fue la producción más cara de la historia, con un costo aproximado de unos 100 millones de dólares, y se convirtió en la segunda película más taquillera de la historia, detrás de E.T., el extraterrestre, recaudando alrededor de unos 520 millones de dólares. 

Como olvidar el argumento de la famosa película, donde las máquinas, en su intento fallido de matar a la embarazada protagonista Sarah Connor, interpretada por Linda Hamilton, deciden continuar con su cometido, pero esta vez cambiando de objetivo, el adolescente John Connor, interpretado por Edward Furlong. Para este cometido, las máquinas envían al avanzado modelo T-1000, interpretado por Robert Patrick. Menos mal que John Connor recibirá la ayuda de un modelo T-800 CSM-101, interpretado por Arnold Schwarzenegger, que viene también del futuro para salvarlo.

Y como olvidar también un tema que aparece en la banda sonora de la película, y que siempre que lo escuchamos lo asociamos inmediatamente a ésta, nos referimos a You Could Be Mine, de nuestros amigos de Guns & Roses. Esta canción, escrita y compuesta por Izzy stradlin y Axl Rose, que supuso un auténtico pelotazo, está considerada como una de las mejores y más populares canciones del grupo californiano. El tema fue lanzado el 21 de junio de 1991 para promocionar el álbum donde aparecía editado, Use Your Ilusion II, que fue lanzado a su vez en septiembre de 1991 por la discográfica Geffen Records. El tema no fue ideado para la película, fue seleccionada por el propio James Cameron, quien organizó en su momento una cena con los miembros de la banda en su casa para negociar el acuerdo.

En realidad, el tema fue ideado con anterioridad a la grabación del álbum Appetite for Destruction, publicado en 1987, y no fue incluida en éste disco porque al parecer no fue terminada a tiempo. Slash siepre creyó que este tema tenía que haber sido incluido en Appetite for Destruction, ya que éste representaba el espíritu musical de la banda en aquel momento. De una forma u otra, el tema acabó convirtiéndose en uno de los grandes de Guns & Roses. La temática del tema se basó en una relación fallida entre Izzy Stradlin y su novia en aquel momento Angela Nicoletti.

Y como olvidar el vídeo musical de promoción del tema y de la película, donde podemos observar a Schwarzenegger en su rol de Terminator llegando a un concierto de Guns & Roses, ya que tiene órdenes de asesinar a los componentes de la banda. Al final del tema el Terminator evalúa a cada miembro de la banda, y al llegar a Axl Rose decide que matarlo sería un desperdicio de munición, y tras observarlo durante unos instantes se da la vuelta y se marcha. Las imágenes del concierto utilizadas para el vídeo fueron rodadas durante el que llevaron a cabo en el Ritz Club de Nueva York el 16 de mayo de 1991.

I'm a cold heartbreaker

Fit ta burn and I'll rip your heart in two

And I'll leave you lyin' on the bed

I'll be out the door before you wake

It's nuthin' new to you

'Cause I think we've seen that movie too

'Cause you could be mine

But you're way out of line

With your bitch slap rappin'

And your cocaine tongue

You get nuthin' done

I said you could be mine

Now holidays come and then they go

It's nothin' new today

Collect another memory

When I come home late at night

Don't ask me where I've been

Just count your stars I'm home again

'Cause you could be mine

But you're way out of line

With your bitch slap rappin'

And your cocaine tongue

You get nuthin' done

I said you could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine, mine, mine, mine

You've gone sketchin' too many times

Why don't you give it a rest

Why

Must you find

Another reason to cry

While you're breakin' down my back n'

I been rackin' out my brain

It don't matter how we make it

'Cause it always ends the same

You can push it for more mileage

But your flaps are wearin' thin

And I could sleep on it 'til mornin'

But this nightmare never ends

Don't forget to call my lawyers

With ridiculous demands

An you can take the pity so far

But it's more than I can stand

'Cause this couchtrip's gettin' older

Tell me how long has it been

'Cause five years is forever

And you haven't grown up yet

You could be mine

But you're way out of line

With your bitch slap rappin'

And your cocaine tongue

You get nuthin' done

I said you could be

You should be

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

You could be mine

0064: Money (That's what I want) - Barrett Strong

 

Barrett Strong nació en Mississippi en 1941. Fue uno de los primeros artistas contratados por Berry Gordy para la empresa Gordy's Motown Records. Aunque Barrett Strong tiene el cartel de "One hit wonder” la realidad es que tuvo una carrera larga y distinguida en Motown Records ya que se asoció con su colaborador Norman Whitfield para escribir y producir varios éxitos icónicos de Motown. La canción por los que todos conocemos a Barrett es Money (That's What I Want) tema que Anna Records se encargó de lanzar a nivel nacional en 1959. La canción alcanzó el número 2 en las listas de Hot R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100 y se ha convertido en una canción icónica que ha sido versionada por al menos 100 grupos. Os dejamos unos ejemplos: los Rolling Stones, The Doors, The Beatles y Led Zeppelin.

 

"Money", fue grabada en 1959 y fue el primer éxito nacional para la Motown lo que le proporciono una credibilidad y una vital inyección de dinero. Money se lanzó inicialmente en Tamla Records (en ese momento, el sello Motown aún no existía) sin embargo, la canción fue luego transferida a Anna Records, un sello que lleva el nombre de la hermana de Berry Gordy. La letra de Money es extremadamente simple y directa, el cantante relata varias cualidades, y declara que todas ellas carecen de importancia, en comparación con el dinero contante y sonante. La melodía Money tiene más una sensación de "banda de garaje" que los discos clásicos de "sonido de Motown" que incluían a la banda de acompañamiento The Funk Brothers. El tema es extremadamente cruda y directa, comienza con Barrett Strong al piano, luego acompañado de una pandereta a la que se unen la guitarra, el bajo y la batería, antes de que Strong abra con su voz áspera. Barrett también está acompañado durante el coro de un grupo de chicas, que se unen al estribillo de ‘That´s what I want’.

 

Este tema también arrastra una polémica que paso a relatar, Money (That's What I Want) se le atribuye a Berry Gordy y Janie Bradford, Barrett Strong siempre ha mantenido que fue cocreador de la canción. En un principio Strong figuraba como creador de la misma, sin embargo, su nombre fue posteriormente eliminado del registro de derechos de autor, dejando a Gordy y Bradford como los únicos creadores registrados. Berry Gordy afirma que Strong fue incluido inicialmente como coguionista por un error administrativo, y siempre ha sostenido que a él se le ocurrió la música, todo el primer verso y el coro, se lo enseñó a Janie Bradford, quien sugirió un par de líneas para el segundo verso que le dejo encantando por lo que le dio el 50% de la creación, a continuación llegó Barrett Strong, se sentó con ellos, y sin ser invitado comenzó a cantar, pero no contribuyó en nada a la escritura de la canción. Sea cual sea la realidad, el caso es que podemos disfrutar de una canción enorme.

0063: Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

 

 “Put Your Head on My Shoulder” es una de las canciones de amor más apreciadas de todos los tiempos. Paul Anka la escribió y grabó en 1959, en el apogeo de su fama, convertiendose en el cantante adolescente más exitoso de los años 50 que escribiera su propia canción. Había conocido el éxito en 1957 con su canción "Diana". Al igual que sus éxitos anteriores, “Put Your Head on My Shoulder” capturó la tímida ternura de la cultura popular adolescente de la década de 1950. La inspiración de Anka vino de sus fans, al fijarse en ellas durante sus actuaciones.  "Fui consciente del ambiente, mis conciertos estaban llenos de adolescentes y cuando tocaba una balada todos se abrazaban, y yo estaba allí arriba cantando mientras veia sus cabezas sobre los hombros del otro ”, dijo Anka. "Fue algo importante en los años 50, una época de inocencia y romance, nunca había escuchado una canción que expresara tal sentimiento, así que una noche volví a mi habitación de hotel y escribí Put Your Head on My Shoulder”, Pon tu cabeza sobre mi hombro. Sostenme en tus brazos, cariño. Aprietame oh-tan-fuerte. Muéstrame que tú también me amas. Pon tus labios junto a los míos, querida. ¿No me besarás una vez? Solo un beso de buenas noches, tal vez tú y yo nos enamoremos”, dice la canción, bastante explicito y atrevido para la época.

“Put Your Head on My Shoulder” alcanzó el número 2 en la lista Hot 100 de Billboard. Nueve años más tarde, la canción volvió a ser popular en el puesto 44 de las listas con la versión de 1968 de The Lettermen. El cantante canadiense Michael Bublé, que comenzó como el protegido de Anka, también hizo una versión de “Put Your Head on My Shoulder” en su exitoso álbum debut homónimo en 2003.

Pero nadie lo hace mejor que Paul Anka. La leyenda de la música comenzó a ser uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de los 50. En 1961, cuando la locura de los ídolos adolescentes comenzó a enfriarse, Anka podía presumir de las más de 125 composiciones en su haber, así como de su propio sello discográfico llamado Spanka, en lugar de dormirse en los laureles, Anka pasó a la esfera adulta y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, artista de grabación y empresario musical que se mantuvo tan bien entrado el nuevo milenio.

Un país, un artista: Francia - Phoenix

 

El cuarteto francés, Phoenix se ha ganado un espacio muy importante dentro de la escena alternativa mundial. Vamos a hablar de sus primeros cuatro albums de estudio, donde encotnramos un sonido elegante y bailable a la vez, la banda envuelve a los melómanos de todo el mundo en una fantasía pop, con melodías electrónicas. Los guitarristas Laurent Brancowitz y Christian Malazzai, el bajista Deck D’Arcy y el vocalista Thomas Mars componen Phoenix. La banda se formó en 1999 en el barrio parisino de Versalles, dentro del mismo movimiento que vio nacer a Air y Daft Punk a finales de los 90, con el tiempo, y cada uno en su estilo, estos tres nombres han ido conformado la Santísima Trinidad de la música francesa de los últimos quince años. La relación entre Phoenix y Daft Punk son muy cercanas ya que Laurent Brancowitz, guitarrista de Phoenix, tuvo un grupo con Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter , llamado Darlin. La relación entre estas dos grandes bandas es tan estrecha que durante una presentación de Phoenix en el Madison Square Garden en 2010, Daft Punk hizo su aparición en el escenario haciendo un mash up entre algunos de sus éxitos y la canción 1901 de Phoenix. 

 

Phoenix empezó haciendo un remix del sencillo "Kelly Watch the Stars" de Air. Se volvieron rápidamente un éxito "underground" gracias al sonido loungy/mellow y sin pretensiones que implementaron en su álbum del 2000 United. Potentes líneas de bajo, elegantes guitarras rítmicas y teclados que, junto a la personal voz de Thomas Mars deslizándose entre los instrumentos, convencían a la primera escucha. La aparición del tema “Too Young” en la película Lost in Translation, (En 2011, el vocalista de Phoenix, Thomas Mars, se casó con la prestigiosa directora de cine Sofia Coppola) contribuyó a propulsar su álbum debut con la suficiente fuerza para lograr un contrato para un segundo disco en 2004. De título "Alphabetical", el álbum trajo a la banda un éxito comercial moderado, con sencillos como "Everything Is Everything" y "Run Run Run" en buenas posiciones en las listas de popularidad. Para presentar "Alphabetical", Phoenix se embarcaron en una larga gira mundial, que quedó plasmada en el álbum "Live! Thirty Days Ago".

“It's Never Been Like That” (2006) constituyó la tercera entrega de estudio de los parisinos, un trabajo autoproducido con el que Mars y compañía se acercaron a sonidos más directos y contundentes, logrando con ello el aplauso de la crítica. Al disco siguió de nuevo una gira masiva a lo largo de Estados Unidos y Europa. La música y la moda convergen en este disco ya que en esta ocasión con el exitoso diseñador de Dior, Hedi Slimane, diseño la portada del álbum «Alphabetical» y utilizó la canción «Victim of crime» para mostrar una de sus colecciones para la casa de moda.

La banda celebró sus diez años de trayectoria con la edición de “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009), cuarto disco de estudio en el que contaron con la acertada producción de Philippe Zdar (Cassius). Con esta nueva obra llegan de nuevo las melodías inspiradas y los ritmos bailables que recuerdan a las grandes canciones incluidas en su ópera prima “United”. Con motivo de gira la banda estrenó un documental de 52 minutos, dirigido por Antoine Wagner, (quien dirigió también el video de «Lisztomania») llamado From the mess to the masses, en el que se narra la historia de la banda y su ascenso al éxito. En el documental se ven imágenes que Wagner capturó durante más de un año de gira en la que Phoenix, presentó su cuarta producción, llamada Wolfgang Amadeus Phoenix. El tour que grabó el director por Berlín, Estados Unidos y otras ciudades de Europa, comenzó el 20 de mayo del 2009.

Conocer su discografía es algo que les invitamos a hacer de manera personal y sin presiones, basta con escuchar alguna canción y deleitarse con estos sonidos, analizarlos y concluir lo que cada uno produce en el cuerpo y en la mente, porque al fin y al cabo eso es lo que la música de estos franceses consigue: tocar los sentidos, otorgarles emociones y hacerlos explotar en reacciones.

0062: So What, Miles Davis

No sabemos que "tipo de tristeza" es la que puede generar la publicación de la que muchos consideran la obra maestra del jazz, pero a veces la tristeza, como el llanto, pueden ser reconfortantes. Así es Kind of Blue ("Una especie de tristeza"), el disco que el genial trompetista grabó en tan solo dos sesiones de estudio repartidas en dos días diferentes (el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959) en el estudio de Columbia Records en Nueva York. De las improvisaciones de aquellas dos sesiones históricas, en las que se rodeó de un equipo deslumbrante de músicos de la talla de John Coltrane o Julian "Cannonball" Adderley, entre otros, salieron los cinco temas que componen Kind of Blue. 

El 2 de marzo se completaron los temas que compusieron la primera cara del disco, que abría con So What ("¿Y qué?"), uno de sus temas más emblemáticos del trompetista, y un claro ejemplo de "jazz modal", el tipo de música con el que Miles Davis estaba entonces experimentando. Comienza con unas líneas del piano de Bill Evans y el contrabajo de Paul Chambers, que junto a la batería de Jimmy Cobb componen el leve colchón rítmico sobre el que se van sucediendo las improvisaciones de Davis, Coltrane y "Cannonball" Adderley. Músicos de primer nivel, siguiendo una consigna de Davis tan sencilla como innegociable. Ninguno de ellos debía ensayar antes de llegar al estudio, y tan solo dispondrían de unos leves bocetos sobre la estructura básica sobre la que giraba la canción.

¿Y entonces, qué? Pues que todos dieron lo mejor de sí mismos, registrando uno de los momentos más brillantes de la historia del jazz, en un tema y un disco que han tenido una enorme influencia en las estructuras y los planteamientos de muchas obras de jazz posteriores. Y, desde luego, si esto es una "especie de tristeza", no hay que perder tiempo en acercar la aguja al disco y comprobar que la tristeza puede ser también una forma impresionante de hacer música.

Extremoduro - Rock transgresivo (Mes Extremoduro)

Extramoduro - Rock transgresivo #MesExtremoduro

Todos tenemos un comienzo, y el comienzo de esta banda, que marcara el mes de Marzo, no es más ni menos que su primer álbum, una joya en bruto que fue creciendo de una simple maqueta que la banda, realizo en 1989, a publicar como primer disco de estudio con el nombre de  "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera", y finalmente re editado nuevamente en 1994 nuevamente recuperando su nombre original de "Rock Transgresivo". 

Un disco de este calibre no pasa desapercibido en su historia, y anécdotas no faltan, junto al empeño de una banda que ha crecido muchísimo en la escena musical Española, quien puede negar que Extremoduro no sea un referente, y este referente de la música tuvo en sus inicios, más de un desafío como toda banda de rock, logra sacar su primera maqueta gracias al apoyo en sus fans, pre vendiendo la maqueta por 1.000 pesetas, el apoyo de sus fans les permite pre vender 250 y juntar el dinero necesario para su edición. 

Y así sale a la luz en 1989 bajo el nombre de "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera", Extremoduro logra en un mismo año tener su maqueta y un primer disco de estudio, la maqueta se edita con 7 temas, y la banda en su disco de estudio agrega una canción más. Ambos discos conviven en las tiendas y es muy bien recibido por los fans. 

Extremoduro ira por más y decide en 1994 volver a re editar este primer álbum, una banda ya consolidada y reconocimiento internacional, agregar en esta re edición de "Rock Transgresivo" dos nuevos canciones, y no se quedan atrás en el año 2011, redoblan la apuesta y vuelven con un "Rock Transgresivo" recargado con 15 canciones de la banda. 

Así que Extremoduro un clásico en la escena del Rock Español, que se merece este reconocimiento por toda su trayectoria y un disco con historia.

Daniel 

Instagram Storyboy 

0061: What'd I Say - Ray Charles

 

What'd I say, Ray Charles

     En octube de 1959 Ray Charles lanza bajo el sello discográfico Atlantic Records, What'd I Say en 1959, el sexto álbum de estudio del genial artista. El disco alcanza la certificación de disco de oro, en parte gracias al tema que da nombre al disco, What'd I Say, el cuá supuso para el artista todo un pelotazo. 

What'd I Say es grabada en el estudio el 18 de febrero de 1959, y lanzada como single dividido en dos partes, I y II, en julio de 1959, adelantándose al lanzamiento del disco. Este tema está considerado como uno de los primeros de la música soul. Entre 1954 y 1960, Ray Charles solía realizar unas 300 actuaciones al año con una orquesta de siete miembros. Además charles formó un trío femenino para que le hiciera los coros al que bautizó como Raelettes, y que anteriomente era conocido como The cookies. Es precisamente en 1954 cuando Charles empieza a fusionar sonidos y elementos de la música gospel con letras que abordaban temas más mundanales. Su primer intento fue el tema I Got a Woman, siendo con What'd I Say con el que alcanzaría mayor repercusión.

Las influencias de gospel, mezclados con rumba y con una letra con insinuaciones de caracter sexual convierten a What'd I Say en un tema muy controvertido a la vez que popular tanto entre el público blanco como el público negro. Para el estilo del tema de llamada y respuesta, Ray Charles se inspiró en la iglesia en la que creció, donde el predicador preguntaba algo y los feligreses respondían algo así como "What'd I Say". El tema se gestó en 1958 en un club de Brownsville, Pensylania, durante una actuación de Ray Charles, que había tocado ya todos los temas de su repertorio y le sobraban todavía 12 minutos que tenía que rellenar. Así que se le ocurrió decirle a su grupo de coristas, las Raelettes que le siguieran y únicamente repitieran lo que el dijera, y a su la banda le dijo que no sabía como acabaría aquello y que simplemente le siguieran. Cuenta la leyenda que al final todos los asistentes a aquella actuación se arremolinaron alrededor del artista para preguntarle el título de aquel temazo que acababan de escuchar para poder comprar el disco.

La música en historias: Black Sabbath, Gillan y el circuito de carreras

 

Born Again, Balck Sabbath

     Black Sabbath publica en 1983 su undécimo disco de estudio, Born Again, en agosto en el Reino Unido, y en octubre en Estados Unidos. Este fue el primer y único disco que cuenta con Ian Gillan como vocalista de la banda. en un principio Gillan no quería ser computado como miembro de la banda, por lo que propone una colaboración en este disco, un proyecto que iba a ser conocido como Gillan/Iommi/Butler, pero la discográfica, Vertigo Rerords se negó a publicar cualquier cosa que no llevara el nombre de Black Sabbath. Al final la discográfica se salió con la suya. 

Born Again recibió principalmente críticas negativas, sin embargo el disco resulto ser un éxito comercial, llegando al Top 5 en Reino Unido. Incluido en este undécimo trabajo de la banda se encuentra el tema Trashed, que a la larga se convertiría en el tema mas exitoso del disco, y que cuya letra fue compuesta por Ian Gillan basándose en una anécdota que sufrió mientras se encontraba con el resto de la banda grabando dicho álbum en The Manor Studio de Oxfordshire, Inglaterra.

En los terrenos donde se encontraba el estudio The Manor, donde la banda estaba grabando Born Again, había una pequeño circuito de carreras y una piscina. Una noche, Ian Gillan se emborracho en un pub cercano a los estudios de grabación, y al coger el coche en un absoluto y contundente estado de ebriedad, se le ocurrió la brillante idea de dar una vuelta al circuito de carreras que había en las cercanías. La idea no salíó como esperaba, pues acabó volcando el vehículo quedando éste boca abajo muy cerca de la piscina. Afortunadamente Gillan salió ileso, pero el coche no tanto pues quedó destrozado. Al día siguiente, Gillan se enteró de que el coche que habia destrozado no era precisamente el suyo, era el del baterista Bill Ward. La gerencia de la banda había tenido a bien comprar un coche a cada miembro de la banda durante aquellas sesiones para que pudieran desplazarse, y Gillan en aquel estado, completamente ebrio, se equivocó de coche. Ese mismo día, el siguiente al día del suceso, Gillan escribió la letra del tema, la cual grabó sobre una pista que había sido grabada por sus compañeros de banda por aquel entonces, Tony Iommi, Gerard Butler y Bill Ward. 

It really was a meeting

The bottle took a beating

The ladies of the manor

Watched me climb into my car and

I was going down the track about a hundred and five

They had the stop-watch rolling

I had the headlights blazing I was really alive

And yet my mind was blowing

I drank a bottle of tequila and I feel real good

I had the tape deck roaring

But on the twenty-fifth lap at the canal turn

I went of exploring

I knew I wouldn't make it the car just wouldn't make it

I was turning tires burning

The ground was in my sky

I was laughing the bitch was trashed

And death was in my eye

I had started pretty good and I was feeling my way

I had the wheels in motion

There was Peter and the Green fly laughing like drains

Inebriation

The crowd was roaring I was at Brands Hatch

In my imagination

But at the canal turn I hit an only patch

Inebriation

Ooh Mr. Miracle you saved me from some pain

I thank you Mr. Miracle I won't get trashed again

Ooh can you hear my lies

Don't you bother with this fool just laugh into my eyes

So we went back to the bar and hit the bottle again

But there was no tequila

Then we started on the whiskey just to steady our brains

'Cause there was no tequila

And as we drank a little faster at the top of our hill

We began to roll

And as we get trashed we were laughing still

Well bless my soul

0060: I Got Stripes - Johnny Cash

 

I Got Stripes, Johnny Cash

     El 12 de marzo de 1959 Johnny Cash graba I Got Stripes, tema que es lanzado por el sello discográfico Columbia Records como single en julio de ese año junto con el tema Five Feet High And Rising en la cara B, el cual tamién fue grabado en esa misma sesión. El tema fue escrito por Johnny Cash y por Charlie Williams, un amigo suyo que trabajaba como DJ en Los Ángeles.

Para la composición de I Got Stripes se basan en la canción On a Monday (1943), de Lead belly. A su vez, para la composición de On a Monday Lead belly también se basó en un tema suyo de 1939, Yallow Women's. Lead Belly fue un músico y compositor estadounidense de blues y folk que destacó por sus claras y poderosas interpretaciones, de las cuales muchas se han convertiso en clásicas, y por el virtuosismo con que tocaba la guitarra de 12 cuerdas, si bien dominaba también piano, violín, acordeón y armónica.

I Got Stripes se apoya en una atractiva melodía donde predomina la guitarra en primer plano, mientras Johnny nos narra la amarga experiencia de ser arrestado y las limitaciones a las que está sometido mientras se encuentra en la carcel. La letra se basa en un sencillo patrón que se repite durante todo el tema, "El lunes me arrestaron... / El martes me encerraron en la carcel / El miércoles se celebró mi juicio / El jueves me declararon culplabe...". El tema no acabó de despegar todo lo que se esperaba en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 43 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 4 en la lista Billboard Hot Country Songs.

Extremoduro - Iros todos a... (Mes Extremoduro)

Empezar estas líneas diciendo "Iros todos a tomar por culo" es, probablemente, la peor manera de empezar una reseña y un mes dedicado a un nuevo artista. Pero todo cambia si el mes en cuestión es el #MesExtremoduro. Ahí, todo cobra de repente sentido, porque es el título del primer álbum en directo de la banda del genial Robe Iniesta, el único letrista español capaz de alternar momentos de excelsa lírica con golpes de incontinencia verbal tan directos como el del título de este disco, y conseguir que en el conjunto de sus letras todo encaje siempre a la perfección, convirtiendo ese modo de escritura bipolar e imprevisible en poco menos que la marca Extremoduro. Poco importa que sus ataques de ira carguen "Contra todo" y contra todos, nos gusta tanto que nos damos por satisfechos en lugar de darnos por aludidos. Cuenta el propio Robe que, en una rueda de prensa de promoción de "Iros todos a tomar por culo" (1997), un periodista le preguntó a quién iba dirigido realmente ese mensaje, a lo que el músico respondió: "Yo creí que el mensaje era suficientemente claro, iros todos a tomar por culo".​

El disco recoge los mejores momentos de los últimos conciertos de una gira conjunta de Extremoduro y Platero, la otra banda del guitarrista Iñaki Uoho, que pasaría a ser "cien por cien Extremo" cuando los Platero decidieron apearse definitivamente del burro. Era también la gira en la que hacían promoción de Agila (1996), el disco que elevó su carrera y su status a la categoría de grandes estrellas de la música rock patria, un trono del que ya nunca se han bajado. Grabado durante las últimas actuaciones de la gira, y producido por el propio Uoho, es todo un compendio de los mejores momentos de  la discografía del grupo.

Comienza con Amor Castúo (de Rock Transgresivo) y Buscando una Luna (de Agila), grabados en el Auditorio de la Cartuja de Sevilla, para saltar después a los temas grabados en la Sala Cuattro de Avilés (De acero, del disco Deltoya, y Correcaminos, estate al loro, de Agila). La Hoguera, de Rock Transgresivo, es el único tema registrado en la Sala Gares de Puente de la Reina (Navarra), y a partir de ahí, el disco corresponde en su totalidad a grabaciones de las dos noches que actuaron en el madrileño Palacio de los Deportes (ahora Wizink). La descarga continuada de decibelios de esta "sedentaria" segunda parte del disco incluye éxitos del nivel de Jesucristo García (de Rock Transgresivo), Bri, bri, bli, bli (de ¿Dónde están mis amigos?) o Ama, Ama, Ama y ensancha el alma (de Deltoya), entre otros grandes temas de la banda.

No hemos mencionado todas las que están en el disco, al igual que no podremos reseñar todos los discos de la banda, pero en el #MesExtremoduro intentaremos dar un amplio repaso a lo mejor de una banda considerada por muchos como la mejor banda de rock en español de la historia. Disfrutadlo, tanto los que estéis de acuerdo como los que no lo estéis tanto, y pasaros a mirar los que andeis dudosos, pero, por favor, que nadie se nos vaya a ningún sitio. Comienza el #MesExtremoduro.

0059: Maybellene - Chuck Berry

En los años 50 y 60, el formato single predominaba sobre el álbum, y era la mejor baza de los artistas para entrar en las listas de ventas y en las programaciones de las radio-fórmulas. En ese escenario, los discos eran, en su mayor parte, meras recopilaciones de los últimos singles de éxito, completados con material de relleno y versiones de temas de otros intérpretes. En esa categoría podríamos incluir a "Chuck Berry Is On Top", publicado en julio de 1959 en Chess Records, y compuesto casi en su totalidad de singles que Chuck Berry había publicado previamente (la única canción nueva era "Blues for Hawaiians").

Uno de esos singles era precisamente Maybellene, su primer sencillo y su primer número uno en las listas de ventas, considerado como uno de los primeros temas de "Rock and Roll" de la historia. La canción fue escrita por el propio Chuck Berry, que se basó en una melodía de violín de un tema western y swing llamado "Ida Red".

Las temáticas habituales dentro del género del Rock and Roll están ya presentes en la letra de este pionero tema, en el que las chicas y los coches tienen un lugar predominante. Un hombre persigue, preso de los celos, a su chica infiel por la autopista, y una carrera tan desenfrenada como esa no podía ser contada bajo los esquemas musicales clásicos del momento. Muy al contrario, requería lo que Chuck Berry le dio, una manera de tocar la guitarra que alumbraría un nuevo género. Larga vida al Rock and Roll.

Gary Moore - Scars (Mes Gary Moore)

Llegamos al final del #MesGaryMoore, y lo hacemos con Scars (Cicatrices) el décimo quinto álbum de estudio del genial guitarrista de jazz rock, blues rock y hard rock. Mencionamos, una vez más, varios de los grandes estilos en los que se movió, porque Scars fue, tras diez años dedicado a explorar los terrenos musicales del blues rock, una especie de vuelta a los discos de sus orígenes, sin dejar por ello de lado al blues y, sobre todo, a las influencias de grupos como Cream o The Jimi Hendrix Experience.

Publicado en 2002, el disco fue grabado por una banda en formato power trío, algo muy del gusto de Gary, que ya había explorado esa fórmula en "BBM" con Jack Bruce y Ginger Baker. En esta ocasión, los elegidos fueron Cassie Lewis (ex-bajista de Skunk Anansie) y Darrin Mooney (batería de Primal Scream). Este último impresionó a un Moore conocido por ser extremadamente exigente con los baterías, que pensó que con el sonido que el baterista podía dar a sus canciones, lo que realmente pegaba era un disco más crudo y directo que lo que normalmente venía haciendo, por lo que una vez reclutado el bajista, decidió que esa sería la banda de Scars.

A diferencia del trabajo realizado en el combo Bruce-Baker-Moore, que en todo momento se trató como un trabajo puntual y paralelo a su discografía, Scars tiene en todo momento el sello de un disco personal de Gary Moore, empezando por el propio título. Las "Cicatrices" pueden hacer referencia a la experiencia y los momentos difíciles vividos a los largo de toda una carrera en la música, o más directamente a las propias cicatrices físicas en el rostro del guitarrista norirlandés, a consecuencia de una reyerta en un pub a finales de los años setenta.

When the sun goes down es el tema de apertura, y la primera muestra clara de la fuerza y la química de Moore, Lewis y Mooney. Si las cicatrices pueden a veces ser bastante profundas, también lo son las raíces del rock gestado por los tres músicos, siempre con la guitarra de Moore y su sonido wah wah típico de Hendrix mandando en cabeza. Rectify sigue la misma línea cruda y guitarrera, con un riff más pesado y el mismo tono amargo en la voz de Moore, más grave y rasposa que en discos anteriores. Gary no nació en Chicago, como reza el título de siguiente tema, pero en Wasn't born in Chicago se maneja a sus anchas sobre una batería de estilo jazz y sonidos electrónicos que bien podrían haber nacido en uno de los oscuros bares de jazz y blues de la ciudad estadounidense.

Tras la rítmica y efectiva Stand Up, con sus peculiares silencios al final de cada vez que se pronuncia el título, llega el turno del Moore más lento y melódico en la balada Just Can't Let You Go, intenso tema de estructura blues y de más de 7 minutos de duración. Es sólo un alto en el camino, porque el blues rock de garaje y carretera vuelve con fuerza en My Baby (She's so good to me). Vuelven también las influencias de Hendrix, tanto en World of Confusion, que juega con la estructura de Manic Depression, como en Ball and Chain, tema de casi 13 minutos, que bebe de las fuentes de Voodoo Child. La cosa no queda ahí, porque en el abrasivo arranque de World Keep Turnin' Around y en su acelerado riff se vislumbran guiños evidentes a Foxy Lady.

Y después, como a todo disco, y como al #MesGaryMoore, a Scars le llega el momento de decir adiós. A estas alturas, y pese a las visibles cicatrices que las ramas de los árboles le han producido por el camino, el caballo que galopa Gary se sabe ya ganador, y se permite el lujo de aminorar el paso y disfrutar del paisaje en los metros que le separan de la meta final en Who Knows (What Tomorrow May Bring?), que además de un gran tema lento, es una gran pregunta. ¿Quién sabe lo que el mañana traerá? Nadie lo sabe, y esperamos que sean más alegrías en forma de discos como este, ideales para cerrar para siempre, y a golpes de blues y rock, algunas profundas cicatrices.

0058: Mack the knife - Bobby Darin

 

La canción cuenta la historia de un asesino en serie que mata a sus víctimas con una navaja  y aunque para muchos el asesino de "Mack the Knife" se basaba en el infame y misterioso asesino en serie de la vida real Jack el Destripador del Londres de la década de 1880, nada más lejos de la realidad, el verdadero origen de la canción está en “The Beggar´s Opera”, que el inglés John Gay, dio al mundo en 1728 al popular personaje de un salteador de caminos llamado capitán MacHeath, basado en un criminal real llamado Jack Sheppard que había sido ejecutado cuatro años antes. Dos siglos después, el compositor Kurt Weill y el dramaturgo Bertolt Brecht decidieron actualizarlo, pero eliminaron los rasgos caballerosos del personaje y lo hicieron más cruel, además de darle a la obra el consabido matiz político anticapitalista propio de Brecht. Ese musical fue un gran éxito, quizá el mayor del género durante la República de Weimar, y la canción donde presentaban la entrada a la acción del protagonista lo fue aún más, rara era la noche en que no sonaba en los cabarets.

En Alemania llegó al poder Adolf Hitler, y Kurt Weill tuvo que huir a Estados Unidos, aquella composición quedó en el olvido, hasta que en Estados Unidos, Marc Blitzstein decide hacer una versión dándole el toque clásico de Jazz para homenajear a Weill. La propuesta llegó a oídos del jefazo de la Columbia Records que quedó prendado ofreciéndosela a distintos cantantes, entre ellos a Louis Armstrong. De este movimiento tuvo conocimiento la MGM que hizo su versión en piano, regalando a Bobby Darin un numero uno incontestable, hubo quienes creían que grabar una canción de una ópera podría dañar su carrera, en ese momento Darin era más conocido como uno de los primeros artistas del rock & roll, y su mayor éxito hasta ahora había sido "Splish Splash" que durante 1958 había estado entre los 5 primeros de la lista de éxitos, pero nada mas lejos de la realidad, "Mack the Knife" daría un cambio absoluto a la carrera de Bobby Darin convirtiéndole en una de las estrellas de la Lounge Song.

Como curiosidad y para entender hasta donde llegó el tema, contaros que Pedro Navaja, la famosa canción de Ruben Blades no es ni más ni menos que una versión en salsa de este Mack the knife y si queremos redondear la curiosidad el protagonista de los tebeos de “Makinavaja: el último choriso” de Ivá tiene su origen también en la canción creada por Bretch. La revista Rolling Stone clasificó a "Mack the Knife" como la canción número 251 más grande de todos los tiempos y el magnate de la música pop y el juez de reality shows Simon Cowell dijo en "Desert Island Discs" de BBC Radio 4 que "Mack the Knife" es la mejor canción jamás escrita

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1958

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1958 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la cancion, ademas de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 18 canciones reseñadas de 1958. Disfrútenlas

All I have to do is dream - The Everly Brothers

At the hop - Danny and the Juniors

Blue Train - John Coltrane

C´mon Everybody - Eddie Cochran

Come fly with me - Frank Sinatra

Fever - Peggy Lee

Johnny B. Goode - Chuck Berry

La bamba - Ritchie Valens

Lollipop - The Chordettes

Rama Lama Ding Dong - The edsels

Rock and roll music - Chuck Berry

Smoke gets in your eyes - The Platters

Summertime blues - Eddie Cochran

Sweet Little Sixteen - Chuck berry

Tequila - The Champs

The twist - Hank Ballard

You´ve changed - Billie Holiday

You are my destiny - Paul Anka

0057: How Many More Years - Howlin' Wolf

 

Moanin' In The Moonlight, Howlin' Wolf

     En 1959 se publica bajo el sello discográfico Chess Records, Moanin' In The Moonlight, el primer álbum de estudio de Howlin' Wolf. Dicho disco es un compendio de canciones grabadas y publicadas anteriormente como singles. Nos vamos a detener en el tema del disco titulado How Many More Years, un tema que fue escrito y grabado por primera vez en 1951 bajo el sello discográfico Chess Recrods, y fue lanzado como cara B, ocupando la cara A Moanin' In he Midnight. El tema pese a ocupar la cara B, se convirtió en el tema más exitoso de Howlin' Wolf.

Corre el año 1948, y Howlin' después del servicio militar ya ha conseguido establecerse dentro de la comunidad de Memphis como una celebridad local del blues, y ya ha formado su propia banda llamada The Howlin' Wolf. El tema es grabado en 1951 el Memphis Recording Service de Memphis, que posteriormente se convertiría en los estudios Sun Records, ubicado en 706 Union Avenue, y Howlin' se encarga de las tareas vocales y la armónica, siendo acompañado por Ike Turner al piano, Willie Johnson a la guitarra y Willie Steele a la batería.

Howlin' por entonces trabajaba en un programa local de radio donde tenía un espacio de unos 15 minutos que le ayudaban a publicitarse. El tema es grabado bajo la producción del sello Chess Records en los citados estudios Sun Records, fundados por Sam Phillips, que también había escuchado a Howlin' en su programa de radio radio y sabía de su potencial. Por entonces era habitual que Chess Records alquilara los estudios Sun Records para realizar las grabaciones de sus artistas. El tema se convertirá a la postre en el mayor éxito de Howlin', alcanzando el puesto número 4 en la lista de discos de R&B de Juke Box, y el puesto número 8 en las listas de discos de R&B de Estados Unidos. Gente como el famoso músico, compositor y productor discográfico T-Bone Burnett, citan How Many More Years como el primer tema de Rock and Roll de la historia.

El disco de la semana 214: Los Auténticos Decadentes - Hoy Trasnoche

El disco de la semana 214: Hoy Trasnoche - Los Auténticos Decadentes

Hoy Trasnoche es el sexto álbum de la banda argentina de ska, Los Auténticos Decadentes publicado el 14 de septiembre de 2000, podría poner como nota destacada, pero lo cierto es que sería muy injusto en decir o encasillar a Los Auténticos Decadentes en un solo género.

Y esto se demuestra en este, su sexto álbum que tiene 15 canciones que encierran 14 diferentes géneros, desde el Ska, se podría decir su originario sonido de la banda, más el Pop Rock, Pop, Hard Rock, Ska Punk, Jazz, Reggae y el mismísimo Rock, pero Los Auténticos Decadentes suman muchos más ritmos populares como la Murga, Bossa Nova, Cumbia, Guaracha, o sonidos aún menos convencionales como el Ragtime, que me han costado hasta encontrar, y sin pecar de creerme con un oído muy aguado o preciso no están ausentes la música Disco y las Baladas. 

Ahí están 14 diferentes géneros nos deleita esta banda, que acostumbrados a bandas de rock con 4 o 5 integrantes también se enorgullecen de ser 13 los integrantes, será que la diversidad de sus géneros les obligan a ser un verdadero ejército de músicos. Pero lo cierto es que esta banda fusiona en sus canciones muchos ritmos populares que le hacer única, logrando un alcance mayúsculo entre el público de todos los géneros. 

Hoy Trasnoche es un disco que me cuesta mucho catalogar en mi discografía personal, pero tiene todo lo que llevaría a un fiesta, por ello es la recomendación del disco la semana no podría faltar esta recomendación, con solo seguro de escuchar los tres cortes de promoción que tuvo el disco te enganchara para escucharlo, así que apunta "No puedo" que ocupa el número 2 en la lista de canciones del disco, y los temas "El dinero no es todo" y "Besándote", que son las canciones 6 y 7 respectivamente del disco. 

Así que amigos, no dejar de escuchar esta particular banda de Rock Argentina, que tiene un sonido propio, y tan particular, que sus seguidores podrían ser desde un viejo Heavy Metal como un amante de la cumbia colombiana, así que todo puede pasar. 

Daniel 
Instagram Storyboy

0056: Come Softly To Me - The Fleetwoods

 

Come softly To Me, The Fleetwoods

     En 1958 Gary Troxel, Gretchen Christopher y Barbara Ellis formaban el trío de pop y doo-wop llamado The Fleetwoods, y su primer éxito no se haría esperar, su primera composición antes de formarse, mientras asisten a la escuela secundaria en olympia, Washington, (Estados Unidos).

La gestación de la canción comienza cuando los amigos Gary y Gretchen se encuentran en la escuela esperando a ser recogidos para ir a casa. En un momento dado Gary comienza a tararear algo así como "Dum, dum, domby doo wha...", entonces Gretchen se da cuenta que aquello que Gary tararea tiene la misma sucesión de acordes que una canción que acaba de escribir, "Come softly", por lo que le pide a él que reduzca el ritmo y ella comienza a cantar letra de su tema sobre el tarareo de Gary. Posteriormente ambos se lo muestran a Barbara Ellis, compañera de canto de Gretchen, a quien le gusta mucho. A partir de ahí deciden fromar un trío llamado Two Girls and Guy, que luego acabaría transformándose en The Fleetwoods.

como Two Girls and Guy interpretan el tema dos veces en vivo, en una asamblea de estudiantes de último año y en un baile posterior a un partido de fútbol, y tienen tanto éxito que los compañeros de clase y de escuela les piden copias de la canción para poder aprenderla y escucharla. El trío tardó seis meses en grabarlo, se hizo a capella, sin instrumentación, la cual se añadiría después. Como curiosidad se puede apreciar que la única percusión del tema es la originada por Gary al agitar las llaves de su coche con las manos cerradas. 

Sería el el propietario de la discográfica Dolphin Records, con la que graban el tema, Bob Reisdorf, el que les sugiere que le pongan al grupo un nombre más comercial. Acabarían llamandose The Fleetwoods porque los tres tenían la misma compañía telefónica, Fleetowood. Sería también Bob Reisdorf el que cambia el título de la canción, pues originalmente se llamaba Come Softly, y creyó que podía ser demasiado atrevido, por lo que la transformó en Come Soflty To Me. 

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