0086: I Just Want To Make Love To You - Etta James

 

I just Want To Make Love To You

Nos encontramos todavía en el año 1960, año en el que asoma la cabeza por primera vez Jamesetta Hawkins, más conocida como Etta James, la magnífica y versátil cantante estadounidense que abrazó diversos estilos durante su carrera, como blues, soul, R&B, rock and roll, jazz y gospel entre otros.

Etta James acaba de firmar un contrato con Chess Records, y a través del sello Argo Records, el cual pertenece a Chess Records, debuta con su primer álbum de estudio, At Last!. Etta James graba el material del disco entre enero y octubre de 1960, y el 15 de noviembre de ese mismo año es publicado por Argo Records. El disco, aunque no consigue ser todo lo exitoso que se espera de él, consigue alcanzar el puesto número 12 en la lista estadounidense Billboard Top Catalog Albums chart.

Incluido en el álbum, concretamente como primer tema de la cara B, se encuentra el tema I Just Want To Make Love To You, compuesto por Willie Dixon, que en aquella época trabaja para el sello Chess Records como músico de respaldo y que además había conseguido establecerse como uno de los compositores principales del sello. El tema fue escrito en 1954 y grabado por primera vez por Muddy Waters. Habría que esperar 6 años para deleitarnos con la versión que de este clásico hace Etta, que además introdujo variaciones en la letra con respecto a la versión de Muddy Waters. Si en la versión de Muddy, él no espera que ella asuma las responsabilidades domésticas como hacer la cama, cocinar, lavar la ropa o limpiar, pues hacer el amor con ella es lo único que necesita, en la versión de Etta, ella dice claramente que ella sí quiere realizar todas esas tareas y además hacer el amor con su chico. 

0085: Are you lonesome Tonight? - Elvis Presley

A pesar de que la canción es de 1926 estamos ante un tema que íntimamente asociada con Elvis Presley a pesar de que numerosos cantantes lo grabaron antes que él. Are You Lonesome Tonight? Fue escrita por Lou Handman y Roy Turk, en 1927, ambos estaban fallecidos cuando Elvis hizo su versión. Es difícil precisar qué inspiró a Elvis a grabar una de las canciones más tristes jamás escritas, donde nos encontramos a Elvis preguntándole a su ex si está sola y triste, pensando en los buenos momentos que tuvieron y esperando su regreso. Algunas fuentes citan que fue el coronel Parker quien le sugirió que hiciera una versión, aunque otras versiones hablan que Elvis se encapricho con ella tras escucharla cantarla a Jaye P. Morgan, que alcanzaria el puesto 65 en las listas en 1959. En ese momento, Elvis estaba en el ejército y buscaba canciones que grabar a su regreso. Elvis era un rockero transgresor, pero en esta época grababa canciones antiguas. Su sencillo anterior, también un gran éxito, fue " It's Now Or Never ", que utilizó la melodía de la vieja canción italiana O Sole Mio " asi que Elvis la grabó en Nashville en las primeras horas de la mañana del 4 de abril de 1960. Los músicos que trabajaron en la sesión fueron los guitarristas Scotty Moore y Hank Garland, el bajista Bob Moore, los bateristas DJ Fontana y Buddy Harman y el pianista Floyd Cramer. Los Jordanaire proporcionaron su habitual acompañamiento vocal.

Cuando se lanzó a principios de noviembre de 1960, tanto Variety como Billboard predijeron el estado de éxito que iba a tener, considerando los dos sencillos anteriores de Presley ese año, Stuck on You y It's Now or Never lo había disparado a lo más alto de las listas. La reseña de Billboard decía: "Elvis Presley ofrece una actuación cálida y conmovedora, que también presenta una parte recitada en vez de cantada". Porque precisamente esa fue la huella personal que Elvis trajo a la canción. La parte hablada no formaba parte de la letra original publicada, por lo que creció la especulación sobre quién había escrito esas palabras. Se ha sugerido que se basó en el discurso de Shakespeare, puede que sea así, pero ¿quién escribió las líneas adaptadas para la canción? En un breve artículo de su edición del 12 de diciembre de 1960, Billboard afirmó haber encontrado la respuesta. “Después de mucho trabajo por parte de The Billboard”, explicó la revista, “desvelamos esta semana que el autor de la parte recitada en la canción fue escrita por el veterano músico y escritor Dave Dreyer

Elvis no fue el único en sacar provecho de su exitosa grabación. Al menos cinco cantantes se subieron al carro de Presley grabando sus versiones. Mientras tanto, el coronel Parker estaba extasiado por todo el furor creado por el último mega éxito de Elvis. En los premios Grammy de 1960, fue nominada a "Mejor interpretación de un artista pop individual" y "Mejor interpretación vocal" de un artista masculino. Perdió en ambas categorías ante Ray Charles y su grabación de Georgia on My Mind. 

0081: Stay - Maurice Williams & The Zodiacs

 

Stay, Maurice Williams & The Zodiacs

     El tema que nos ocupa en esta ocasión, Stay, del género Doo-wop, supuso un exitazo la primera vez que fue grabada en 1960, pero para hablar de la gestación de la canción nos tenemos que remontar unos años atrás. La canción fue escrita en 1953 por Maurice Williams, cuando este contaba con apenas 15 años. En 1960 Williams y su banda, The Zodiacs, grabaron la canción en una demo a la que no prestan apenas atención hasta que es escuchada por una niña de 10 años, y llama la atención al grupo la gran reacción positiva de ésta a la canción.

Es entonces cuando el productor de la banda, Phil Gernhard, decide llevarla junto con algunas demos más de la banda a Nueva York y enseñarla a numerosos productores  de discos de allí. Será Al Silver, productor del sello discográfico Herald Records, el que se interese por la canción, pero insiste en que la canción vuelva a ser grabada porque la grabación de la demo era demasiado baja y no era todo lo óptima que debiera. También insiste en que quiten una frase de la letra para que no tengan problemas y pueda ser comercializada en las emisoras de radio (Let's haver another smoke / vamos a fumar otra vez). 

Maurice Williams escribió la letra del tema a raíz de una experiencia con una chica. Sucedió en Lancaster, Carolina del Sur, donde vivía Maurice, era sábado por la tarde y estaba teniendo una cita con una chica de 15 años, los mismos que él. Se acercaban las 10 de la noche, hora en la que la chica debía estar en casa y él trataba de convencerla para que se quedara un poco más con él, pero los padres de ella eran muy estrictos y Maurice después de tanta súplica sólo pudo ver como el hermano de aquella joven la recogía para acompañarla a casa. Las palabras de aquellas suplicas dieron lugar a Stay.

El tema es grabado y publicado en agosto de 1960 por el sello discográfico Herald Records, llegando a alcanzar en noviembre de 1960 el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Stay, con su duración de 1 minuto y 36 segundos aproximadamente, sigue siendo el tema más corto en alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas estadounidenses. 

0080: Save the last dance for me - The Drifters

 

The drifters alcanzaron la gloria con esta canción que guarda entre sus líneas una de las historias más bonitas que se puede escuchar, la historia de una pareja en un baile. Doc Pomus el autor de la canción narra un hecho casi autobiográfico, durante gran parte de su vida a causa de la polio estuvo postrado en una silla de ruedas, y durante la celebración de una boda le dice a su esposa que es libre de bailar y socializar con otros hombres durante la noche. Fue en esa boda mientras veía a bailar a su esposa con su hermano cuando le llego la inspiración para relatar la situación, incluso en el segundo verso hay un momento de debilidad cuando escribe "Si te pregunta si estás sola y puede llevarte a casa, debes decirle que no, porque no olvides quien te lleva a casa y en cuyos brazos vas a estar, así que cariño, guarda el ultimo baile para mí”. Algunos han criticado "Save the Last Dance for Me" por ser sexista, con el narrador masculino de la canción exigiendo que este último baile sea reservado para él, aunque solo sea por el hecho de que está casado con esta mujer. Si bien es cierto que podemos descubrir como las peticiones a su esposa, se hacen principalmente en broma y al mismo tiempo llevan un trasfondo romántico, yo creo que más bien es una canción sobre el amor, la confianza y la frustración. El tema introduce unos ritmos latinos que fluye de forma magistral con la seductora melodía de Mort Shuman. 

 

El cantante principal de Drifters para esta canción fue Ben E. King, (No olvidemos que The Drifters era un grupo que constantemente estaba cambiando sus componentes) quien unos meses más tarde comenzó a componer éxitos en solitario como " Spanish Harlem " y " Stand By Me " y tiene la oportunidad de mostrar casi todo su rango vocal, tanto en el aspecto emocional como vocal. La voz de Ben E. King se eleva sobre la melodía, ofreciendo una sexualidad tímida y una ternura genuina, disfrutando de ver a su pareja como baila con otra persona, sintiéndose completamente seguro de que ella regresará con él cuando todo termine.  Para The Drifters fue el chispazo final que ayudó a cimentar su éxito comercial y más tras la salida de Ben E. King del grupo para iniciar una carrera en solitario, es cierto que King todavía estaba en el grupo cuando se grabó la canción, por lo que su ausencia futura ausencia requirió un esfuerzo extra para evitar que The Drifters se perdiera el impulso que les proporcionó el single, pero lo lograron lo suficientemente bien como para anotar varios éxitos en el futuro como "Up on the Roof", "On Broadway" y "Under the Boardwalk".

 

Esta fue la última canción que interpretó Leonard Cohen. El canadiense acostumbraba a tocar esta canción al final de sus conciertos y aquel final de su "Grand Tour" en Auckland, Nueva Zelanda, el 21 de diciembre de 2013, no iba a ser una excepción.

0079: You mean everything to me - Neil Sedaka

 

Hijo de Mac Sedaka, un taxista judío sefardí de origen turco, y de Eleanor Appel, judía de origen polaco y ruso. Con nueve años Neil Sedaka ya tocaba el piano con maestría, y a los doce, fue admitido en la prestigiosa Julliard School of Music. Junto a Howie Greenfield, su vecino, comienza a componer canciones y en 1955 crea The Tokens, grupo de doo-wap con los que obtiene un pequeño hit en Nueva York, I love my baby, para separarse después. Unos años más tarde, los Tokens tendrían el éxito mundial: The lion sleeps tonight. En un comienzo, el timbre de su voz, -un poco chillona para lo que a fines de los 50’s estaba de moda-, no convencía a los editores musicales, pero Sedaka era xapaz de escribir unas canciones de indudable calidad y con un ritmo y arreglos diferentes al estilo du-duá tan en boga en aquellos años. Su primer éxito como compositor lo constituyó el tema “Stupid Cupid” que, en 1958, grabara Connie Francis quien en su exitosa carrera como cantante grabara luego, otros temas del dúo Sedaka-Greenfield. A partir de entonces, Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista posición desde la cual obtuvo sus mayores éxitos y canciones como “Oh Carol”, (dedicada según se dice- a la que fue su novia en el instituto como compañera de clase, la también compositora y cantante Carole King), alcanzó de manera fulminante los primeros puestos del Top 100 del Billboard y se mantuvo hasta 1963, momento de la llegada de The Beatles y toda la invasión británica que paro de golpe la carrera de Sedaka y muchos artistas de su estilo. RCA no renovó el contrato de Sedaka cuando expiró en 1966 y Neil comenzó a realizar giras en el extranjero.

 

Puede que este no sea el tema más famoso de Neil Sedaka, quien tuvo muchos éxitos en los años 60, pero You mean everything to me tiene para mí un encanto especial… esa voz con esa melodía tan pegadiza y unos coros femeninos que suenan lejanos como envolviendo la voz de Sedaka, pero quizás lo que más destaco de este tema es esa aura dramática-épica que han sabido imprimirle con distintos tonos vocales durante la canción, y esas percusiones que son casi militares mientras escuchas como el amor puede significar todo para él y que lo único que desea es tenerte a su lado.

0078 La música en canciones: Apache - The Shadows

 

Los londinenses The Shadows (anteriormente conocidos como The Drifters, el grupo de acompañamiento de Cliff Richards) fueron uno de los grupos de moda en los guateques de los primeros años 60. Podría decirse que hasta la llegada de un grupo formado por cuatro adolescentes de Liverpool, el binomio de Cliff Richards y The Shadows eran el grupo más relevante de Inglaterra. Su característico sonido de guitarra, arropado por una sección rítmica de batería y bajo con aires soul, encajaban como un guante en la penumbra de los bailes de los adolescentes de la época, y no tardaron a elevarles a la categoría de grupo puntero que hasta llegó a participar en el Festival de Eurovisión, cosechando un meritorio segundo puesto con la canción "Let me be the one" en 1975. Mucho antes, en 1960, lanzaron el que a la postre sería su mayor éxito, la inconfundible "Apache". 

Compuesta por Jerry Lordan, e inspirado en la película del mismo nombre de 1954, Apache fue grabada en los míticos estudios de Abbey Road, y podría ser considerada como la primera prueba viviente de lo que después sería el llamado rock instrumental británico, y el mejor ejemplo del particular estilo de música de The Shadows, imitado hasta la saciedad y convertido en los últimos años en el sonido característico de las películas de Quentin Tarantino, todo un experto en recuperar temas de bandas de los 60 y 70 que siguieron la senda de The Shadows y su peculiar forma de crear atmósferas "western" con un característico trémolo de guitarra.

La fórmula de facturar temas instrumentales, en los que la guitarra llevaba el peso de la melodía principal, que a priori pudiera parecer repetitiva y de corto recorrido comercial, les permitió seguir en activo hasta los años 90, si bien sus cotas de popularidad descendieron drásticamente cuando a la puerta de los guateques llamaron los chicos y chicas de música disco de los 70, relegando a las sombras al tipo de música con la que The Shadows habían puesto banda sonora al momento en que un chico se atrevía a acercarse a una chica que estaba sentada distraída en una silla en un rincón del guateque, para invitarla a mover el esqueleto al ritmo de "Apache".

0074: The Twist - Chubby Checker

 

The Twist, Chubby Checker

     Quién le iba a decir a Ernest Evans que se iba a convetir en el Rey del Twist con la publicación de un tema que había sido grabado un año antes. En 7dias7notas ya hablamos anteriormente del tema, The Twist, el cual originó y revolucionó el baile del twist.

El 11 de noviembre de 1958 Hank Ballard graba con su grupo, The Midnighters, The Twist con la discográfica Cameo-Parkway records. El tema aparece publicado en 1959. Hank Ballard tuvo la idea del tema al fijarse en como se movía su grupo, The Minighters, en el escenario, pues bailaban como si estuvieran tratando de apagar un cigarrillo. La canción obtuvo un éxito moderado, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

La canción se había hecho popular en un programa de televisión de Baltimore, presentado por Buddy Deane. Éste presentador recomendó la canción al famoso presentador del programa musical American Bandstand, Dirk clark. A Clark, que tenía intereses en varias discográficas (no directos, pues legalmente no le estaba permitido), le encantaba la canción, pero entre que no se fiaba demasiado de Hank Ballard, por su historial de canciones obscenas, y que en ese momento no estaba disponible, decide buscar a alguien con un registro de voz similar al de Hank para interprete el tema en su programa. 

Y aquí entra en acción Ernest Evans, un joven nacido en Spring Gully, Carolina del Sur (Estados Unidos), que había tomado lecciones de piano y que tenía un grupo de armonía que se ganaba la vida en las calles versionando temas de Jerry Lee Lweis, Fats Domino y Elvis Presley. Ernest después de la escuela, se ganaba la vida con diversos trabajos, y uno de ellos era en el mercado de productos agrícolas donde trabaja desplumando pollos. En dicho mercado solía cantar y hacer imitaciones con lo que conseguía divertir y hacer reír a todo el mundo allí. El por entonces jefe de Ernest, Tony A., queda tan impresionado por las actuaciones del joven en el mercado que se pone en contacto con su amigo Kal Mann, quien trabajaba como compositor en Cameo-Parkway Records, y juntos consiguen que Ernest realice una audición para Dirk Clark que está buscando un joven talentoso para grabar The Twist en su programa. Clark quedó impresionado con el chico y lo contrató.

En junio de 1960, bajo el pseudónimo de Chubby Checker (puesto por la mujer de Dirk Clark, es un juego de palabras del nombre del artista Fats Domino), Ernest graba The Twist. Básicamente lo que hacen en esa sesión de grabación es duplicar el tema original para que Chubby lo grabe en la misma tonalidad, consiguiendo que el joven suene como el mismo Hank Ballard. Ese mismo mes Cameo-Parkway Records publica el tema, y un mes después, en julio, Chubby lo interpreta por primera vez en vivo en el Rainbow Club de Wildwood, Nueva Jersey. La canción tiene tanto éxito que el 6 de agosto de 1960 lo está interpretando en vivo en el programa Amercan Bandstand, resultando ser todo un éxito el plan de Dirk Clark.

Como ya comentamos anteriormente, el tema de Chubby es prácticamente un clon de la versión original, incluso Hank Ballard pensó que era el mismo la primera vez que lo escuchó. Este tema originó aquel singular baile, un baile que no requería ninguna habilidad especial, pues podía ser practicado por cualquier tipo de público, desde niños hasta ancianos, y ahí es donde radicaba el secreto del éxito de éste baile. 

The Twist catapultó al éxito a Chubby Checker, pero también le condenó en cierto modo, pues como el mismo reconocería más adelante: "...de alguna manera The Twist realmente arruinó mi vida. Tuve la posibilidad de ser un gran artista de club nocturno y The Twist lo aniquiló. Nadie creyó nunca que realmente tuviera talento." Interiormente pensaba que el tema le había arruinado en parte su reputación y su carrera, pero también le catapultó hasta el éxito, pues fue el único artista discográfico en tener 5 de sus albumes dentro del Top 12 de popularidad al mismo tiempo. Tambien sufrió críticas por cierto sector de crítica y público por haber cambiado de golpe la manera de entender y bailar la música.

0073: Brenda Lee - I´m sorry

 

Brenda Lee es una verdadera reina de la música country, tras de sí una carrera de más de 60 años, de hecho, está catalogada como la tercera intérprete estadounidense más exitosa de la década de 1960, después Elvis y Ray Charles. Cuenta con 47 canciones que alcanzaron la cima de las listas de éxitos solo en esa década. Su primer éxito fue una canción que escribió y grabó cuando tenía tan solo 15 años; 'I'm Sorry' y alcanzó el número uno en la lista "Billboard Hot 100". Una de las cosas que más llama la atención al escuchar este tema es comprobar la edad en la que fue grabada, es difícil creer que una voz tan poderosa pueda provenir de alguien tan joven, a la edad hay que sumar su figura, con apenas 150 cm y ese chorro de voz que rápidamente te impacta, algo que le valió el apodo de "Little Dynamite" (pequeña dinamita), después de grabar su primera canción, "Dynamite", a la tierna edad de 12 años.

Nacida en Atlanta empezó a mostrar su capacidad vocal con tan sólo 3 años, ganó su primer concurso como cantante a los 5 y a partir de los 7 ya actuaba regularmente en la emisora local. Por esas fechas fue cuando un productor de televisión la presentó por primera vez con su nombre artístico, Brenda Lee. El cantante de country Red Foley la oyó cuando tenía alrededor de 10 años y maravillado con su voz la invitó a participar con él en un popular espacio de televisión. En 1956, ya con 12 años, Brenda fichó por Decca Records grabando su primer sencillo pop, pero "sólo" alcanzó un modesto puesto 43 en las listas estadounidenses. No fue hasta 1960 cuando Brenda consiguió su primer top 10 con un número 4 gracias a Sweet Nothin's, lo que ya hizo que definitivamente se ganará el conocimiento y el favor por parte del gran público. I'm sorry fue grabada a principios del año 1960 pero la discográfica tenía muchas reticencias para publicar la canción por esas cosas del puritanismo estadounidense. Una canción que hablaba de amor no parecía apropiada para una niña de tan sólo 15 años. De esta manera pasaron muchos meses antes de que el sencillo viera la luz y fue bajo la estrategia de montar I'm sorry en la cara B y promocionando principalmente la otra cara titulada That's all you gotta do. Pero, aunque esta brilló con luz propia llegando a un puesto 6, I'm sorry fue definitivamente la que pegó más fuerte consiguiendo el ya mencionado número 1 y desmontando definitivamente los prejuicios de los de de Decca.

"I'm Sorry" es un ejemplo temprano del estilo countrypolitan de Nashville, con sus coros dulces y sus cuerdas suspirantes, el suave drama de ese arreglo sirvió muy bien a la canción, que se ha convertido en un clásico y ha sido versionada por otros cantantes y reconocida alrededor de todo el mundo.

0071: (What a) Wonderful World - Sam Cooke

 

Wonderful World, Sam Cooke

     En 1960 se publica el temazo Wonderfoul World, de la mano de uno de los padres del soul, Sam Cooke, tema que nada tiene que ver y no debemos confundir con el temazo de Louis Armstrong.

El tema es escrito por el famoso mánager, compositor y productor discográfico Lou Adler y el cantante y trompetista Herb Alpert, y los arreglos musicales corren a cargo del compositor, pianista, arreglista, director de orquesta y productor Belford Hendricks. La canción en un principio trata de como ni la educación ni el conocimiento pueden dictar los sentimientos, y de como el amor puede vencerlo todo y hacer del mundo un lugar maravilloso. Sin embargo Sam Cooke que quiere orientar la canción hacia el tema de la escolarización, decide revisarla y retocar la letra. 

El tema aparece acreditado al trío Adler, Alpert y Cooke bajo el pseudónimo Barbara Campbell (así se llamaba su segunda esposa de Cooke), y es grabado en una sesión de grabación el 2 de marzo de 1959 en los estudios Radio Recorders de Los Ángeles, y publicado por el sello discográfico Keen Records. Éste tema es grabado por Sam Cooke poco antes de abandonar dicho sello discográfico por una disputa por los derechos de autor surgidos en 1959. Sam cooke ya había fichado por RCA Records cuando Keen Records lanzó en abril de 1960 el sencillo Wonderful World al poseer los derechos de autor del tema. El tema fue uno de los 29 sencillos de cooke que a lo largo de su carrera alcanzaron el top 40 en las listas de éxitos estadounidenses, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B de Estados Unidos, el número 12 en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos, y el puesto número 27 en las listas de sencillos del Reino Unido. 

0069: Percy Faith - A summer place

 

Pensamos que en el mundo del cine también hay infinidad de melodías y canciones (unas con mas rock que otras) realmente buenas, por eso poco a poco intentaremos meter temas que tengan relación con el mundo del séptimo arte. Para empezar nada mejor que esta A summer place, una pieza musical que suena tan atemporal que es difícil creer que fuera escrita en 1959. A todo eso le sumamos que pasó 9 semanas consecutivas en el número 1 del billboard siendo un tema completamente instrumental y tenemos la excusa perfecta para meternos en ella.

 

 “A Summer Place”, pertenece a la banda sonora de la película del mismo título y que en España se conoció como “En una isla tranquila al sol” y el responsable de la misma es Percy Faith, un aclamado arreglista y director de orquesta canadiense, es posiblemente la más conocida de cuantas se hicieron tras el estreno de la película, sus padres lo empujaron a tomar clases del violín y el piano, instrumentos que le habían labrado un nombre dentro del mundo de la música clásica, pero sus manos se quemaron gravemente en un incendio y derivo su carrera a la dirección, y su orquesta se convirtió en un elemento básico en la radio CBC durante la década de 1930. Pronto el cine puso sus ojos sobre él y recibió una oferta para componer la música de la siguiente película de los rompecorazones Troy Donahue y Sandra Dee. Al final puso su granito de arena pero ni siquiera fue el tema principal de la película que resultó ser un gran éxito entre los adolescentes de todo Estados Unidos, que acudían en masa a los cines para babear por la escandalosa aventura romántica de sus ídolos, y esa fue la chispa que desencadeno la gran demanda de la banda sonora y que fuera uno de los discos más vendidos de aquel año, que aunque ya estábamos en plena explosión del rock and roll y nuevos subestilos como el Twist, el Doo Wap lo cierto es que esta melodía caló entre el público no solo Americano ya que en Europa también fue un gran éxito.

0068: Neil Sedaka - Oh Carol

 

Oh! Carol, Neil Sedaka

     La canción Oh! Carol fue escrita en 1958 por Howard Greenfield y por el propio Neil Sedaka., y publicada en 1959 por el sello discográfico RCA Victor como cara A, siendo el tema One Way Ticket el que ocupó la cara B. Antes del lanzamiento de este sencillo, Neil Sedaka se encontraba en una situación ciertamente comprometida con RCA Victor, pues sus anteriores lanzamientos no habían ido todo lo bien que se esperaba, y el sello discográfico iba a prescindir del artista. Es el productor y compositor estadounidense Al Nevins el que connvence a los ejecutivos de RCA para que den una última oportunidad a Sedaka.

Con toda la presión que esto conlleva, según el propio Neil, cogió algunos de los mejores singles de la época y se puso a escucharlos, dándose cuenta que estos eran muy similares en cuanto a progresión de acordes, melodía y estilo lírico. Luego uso todo ese conocimiento para componer Oh! Carol. También hay quien dice que fue el productor Don Kirshner, quien era amigo de Sedaka, quien le dijo que escribiera una canción con el nombre de una chica en el título y hablara en el medio de la misma como lo hicieron The Diamonds en la canción Little Darlin. En cualuier caso, de una u otra forma Sedaka dio en el clavo, salvando su contrato con RCA Victor, pues el tema pasó 18 semanas consecutivas en la lista estadounidense Billboard Hot 100, llegando a alcanzar el puesto número 9, el puesto número 3 en las listas del Reino Unido, y el puesto numero 1 en las listas de Holanda y en parte de Bélgica.

El nombre de Carol fue puesto en honor a Carol Klein, con quien Sedaka había salido cuando se encontraba en la escuela secundaria. Sedaka había formado su primer grupo en la escuela secundaria, los Linc-Tones, y Carol fue miembro del grupo. Más tarde, Carol Klein se convertiría en Carol King. El letrista Gerry Goffin, esposo de Carol en aquel momento, tomó la melodía de la canción y escribió el tema respuesta ¡Oh Neil!, el cual grabó y lanzó Carol King como sencillo aquel mismo año, aunque obtuvo escaso éxito.

0067: Don't let the sun catch you cryin' - Ray Charles

 

Para su séptimo álbum de estudio, Ray Charles optó por dar un giro en su carrera, alejándose de los esquemas clásicos de rhythm and blues en los que se había movido en sus discos anteriores, y encaminándose hacia una producción más elaborada y con el respaldo de una big band y una sección de cuerdas para sus nuevas canciones. La salvedad, en este caso, fue que ambos recursos de acompañamiento no acabaron mezclados en The Genius of Ray Charles (1959, Atlantic Records), sino que la primera cara albergó los temas grabados junto a la big band, mientras en la cara B encontraron su sitio las baladas con arreglos de cuerda y terciopelo.

Esta dualidad se reflejó también en los dos singles publicados, ya que Let the good times roll es un claro ejemplo del swing de la primera cara, mientras que Don't Let the Sun Catch You Cryin' fue la carta de presentación de la colección de baladas de piano y cuerda que poblaban la segunda cara. Ambas tenían en común que eran versiones de temas que Louis Jordan había grabado previamente, convirtiendo ambos singles en una especie de homenaje al saxofonista y líder de "Louis Jordan and his Tympany Five".

En una hipotética carrera para decidir cual de los dos singles era más brillante, ambas llegarían casi empatadas a la meta, pero nos decantamos por la elegancia de la voz y el piano de Ray Charles en las distancias cortas, y ahí es donde Don't let the sun catch you cryin' llega a romper la cinta antes en la "photo finish" con su sincera recomendación: "No dejes que el sol te pille llorando, frente a la puerta de mi casa". Paul McCartney hizo suyo este consejo durante sus conciertos de promoción del disco Flowers in the dirt, y su más que correcta versión de este tema formó parte de "Trippin' the live fantastic", el disco en directo que recopilaba los mejores momentos de aquella gira.

0066: Ne me quitte pas - Jacques Brel

 

Primera incursión en lengua francesa en La historia de la música en canciones, cruzamos los Pirineos y de paso toda Francia para llegar a Bélgica, lugar de nacimiento del cantautor Jacques Brel, uno de los máximos representantes de la Chanson Française. El tema que nos ocupa es sin duda el más conocido del autor, cuya primera versión apareció el 11 de septiembre de 1959 en el disco La Valse à mille temps. En 1961, Brel grabó una versión en neerlandés Laat me niet alleen. Os ponemos en situación para contar la intrahistoria de esta canción, corría el año 1953, Brel tenía en su Bélgica natal esposa e hija, un trabajo gris y muchos sueños de cantautor que le llevan en 1953 a dejar Bruselas y marchar solo a París para hacer realidad sus sueños. Mientras sobrevivía dando clases de guitarra, iba componiendo canciones en un principio románticas que poco a poco van encontrado su público hasta que en 1954 actúa por primera vez en el Teatro Olympia y empieza a componer para otros. Dos años después alcanza su primer gran éxito con Quand on n'a que l'amour, pero sin duda la canción que le convirtió en leyenda es este Ne Me Quitte Pas, que al principio no tuvo demasiada repercusión pero que con el tiempo ha sido versionada por centenares de intérpretes en decenas de idiomas.

 

No mentimos cuando decimos que Ne me quitte pas es una de las canciones más bonitas de todos los tiempos. Pero ¿qué se esconde detrás de la triste y a la vez bonita letra de esta canción? Una historia dramática, sin duda. Jacques Brel conquistaba a la audiencia con su dramatización en el escenario, ya que era una especie de “Dandy”, que hacía suspirar a las mujeres con ese idioma tan sensual como es el francés. Pero en realidad en este tema encontramos la historia del propio cantautor una especie de autohumillación. Durante su etapa como artista en clubes conoce a una mujer llamada Suzanne Gabriello, actriz cómica, sensual e inteligente. El enamoramiento entre ambos no tardó en llegar, pero a la vez, ese sentimiento se traduce en detestable, él se entregará completamente a ella durante cinco años, repletos de desencuentros, intrigas y juego sucio, hasta que ella queda embarazada, pero Briel niega ser el padre y dice que no va a reconocerlo. Ese es el comienzo del fin para una historia realmente patética. Loca de ira, Zizou amenaza con denunciarlo en los tribunales y que toda la gente se entere del tipo de persona que es. Entones, él se va a Bruselas con su esposa legítima. En ese momento aprovecha para redactar la letra del tema “Ne me quitte pas”. Podría decirse que el mismo Brel odiaba esa canción, porque le traía muchos recuerdos de su amante Zizou, la palpable definición de lo que pasaba por su mente y por su corazón. Una especie de catarsis por sus pecados. En relación a la música, esta canción aprovecha la melodía de la “Rapsodia Húngara Número 6”, de Franz List (aunque él mismo lo niega). Disfruten de la que es sin duda una de las mejores canciones de amor/desamor de la historia.

0065: Shout - The Isley Brothers

 

Shout, Isley Brothers

     El 1 de noviembre de 1959 se publica Shout!, el álbum debut de los Isley Brothers, bajo la producción de los reputados productores discográficos Hugo Peretti y Luigi Creatore. El álbum es grabado en el Studio A de RCA Victor's Music Center of the World (Nueva York), y publicado por la discográfica RCA, propietaria de dichos estudios. Un disco donde podemos enontrar rhytm and blues, doo - woop, gospel ó rock and roll.

Incluido en éste disco se encuentra el tema Shout, que había sido lanzado como sencillo unos meses antes, concretamente en agosto de 1959, y que incluía Shout parte I en la cara A y Shout parte II en la cara B. El tema se acabaría convirtiendo en una influyente canción dentro del género rock and roll, siendo muy versionada a lo largo de la historia, y donde una de las más exiosas fue la versión de la cantante escocesa Lulu en 1964. 

El tema originalmente fue escrito por Rudolph Isley, aunque aparece acreditado también a los otros dos componentes, Ronald y O'Kelly Isley. En 1958 los hermanos solían terminar sus actuaciones interpretando una versión del tema Lonely Teardrops de Jackie Wilson. En una de esas actuaciones, cuando el trío se encontraba en el Uptown Theatre de Filadelfia, y mientras interpretaban este tema, en un momento dado a Ronald al ver al público de pie y gritando enfervorecido le dió por gritar algo así como "Wellllllll........sabe que me dan ganas de gritar!", y automáticamente Rudolph y O'Kelly se unieron a la improvisación. La gente se volvió loca.  

Los Isley Brothers en un principio no consideraron que éste tema tuvieran que grabarlo, pues para ellos se trataba simplemente de una improvisación que hacían en el escenario, pero el por entonces ejecutivo de RCA Records Howard Bloom lo tuvo muy claro y propuso que aquello había que publicarlo como sencillo. Este tema revolucionó el efecto de llamada y respuesta que tan bien conocían los hermanos, pues crecieron cantando en una iglesia. 

0064: Money (That's what I want) - Barrett Strong

 

Barrett Strong nació en Mississippi en 1941. Fue uno de los primeros artistas contratados por Berry Gordy para la empresa Gordy's Motown Records. Aunque Barrett Strong tiene el cartel de "One hit wonder” la realidad es que tuvo una carrera larga y distinguida en Motown Records ya que se asoció con su colaborador Norman Whitfield para escribir y producir varios éxitos icónicos de Motown. La canción por los que todos conocemos a Barrett es Money (That's What I Want) tema que Anna Records se encargó de lanzar a nivel nacional en 1959. La canción alcanzó el número 2 en las listas de Hot R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100 y se ha convertido en una canción icónica que ha sido versionada por al menos 100 grupos. Os dejamos unos ejemplos: los Rolling Stones, The Doors, The Beatles y Led Zeppelin.

 

"Money", fue grabada en 1959 y fue el primer éxito nacional para la Motown lo que le proporciono una credibilidad y una vital inyección de dinero. Money se lanzó inicialmente en Tamla Records (en ese momento, el sello Motown aún no existía) sin embargo, la canción fue luego transferida a Anna Records, un sello que lleva el nombre de la hermana de Berry Gordy. La letra de Money es extremadamente simple y directa, el cantante relata varias cualidades, y declara que todas ellas carecen de importancia, en comparación con el dinero contante y sonante. La melodía Money tiene más una sensación de "banda de garaje" que los discos clásicos de "sonido de Motown" que incluían a la banda de acompañamiento The Funk Brothers. El tema es extremadamente cruda y directa, comienza con Barrett Strong al piano, luego acompañado de una pandereta a la que se unen la guitarra, el bajo y la batería, antes de que Strong abra con su voz áspera. Barrett también está acompañado durante el coro de un grupo de chicas, que se unen al estribillo de ‘That´s what I want’.

 

Este tema también arrastra una polémica que paso a relatar, Money (That's What I Want) se le atribuye a Berry Gordy y Janie Bradford, Barrett Strong siempre ha mantenido que fue cocreador de la canción. En un principio Strong figuraba como creador de la misma, sin embargo, su nombre fue posteriormente eliminado del registro de derechos de autor, dejando a Gordy y Bradford como los únicos creadores registrados. Berry Gordy afirma que Strong fue incluido inicialmente como coguionista por un error administrativo, y siempre ha sostenido que a él se le ocurrió la música, todo el primer verso y el coro, se lo enseñó a Janie Bradford, quien sugirió un par de líneas para el segundo verso que le dejo encantando por lo que le dio el 50% de la creación, a continuación llegó Barrett Strong, se sentó con ellos, y sin ser invitado comenzó a cantar, pero no contribuyó en nada a la escritura de la canción. Sea cual sea la realidad, el caso es que podemos disfrutar de una canción enorme.

0063: Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

 

 “Put Your Head on My Shoulder” es una de las canciones de amor más apreciadas de todos los tiempos. Paul Anka la escribió y grabó en 1959, en el apogeo de su fama, convertiendose en el cantante adolescente más exitoso de los años 50 que escribiera su propia canción. Había conocido el éxito en 1957 con su canción "Diana". Al igual que sus éxitos anteriores, “Put Your Head on My Shoulder” capturó la tímida ternura de la cultura popular adolescente de la década de 1950. La inspiración de Anka vino de sus fans, al fijarse en ellas durante sus actuaciones.  "Fui consciente del ambiente, mis conciertos estaban llenos de adolescentes y cuando tocaba una balada todos se abrazaban, y yo estaba allí arriba cantando mientras veia sus cabezas sobre los hombros del otro ”, dijo Anka. "Fue algo importante en los años 50, una época de inocencia y romance, nunca había escuchado una canción que expresara tal sentimiento, así que una noche volví a mi habitación de hotel y escribí Put Your Head on My Shoulder”, Pon tu cabeza sobre mi hombro. Sostenme en tus brazos, cariño. Aprietame oh-tan-fuerte. Muéstrame que tú también me amas. Pon tus labios junto a los míos, querida. ¿No me besarás una vez? Solo un beso de buenas noches, tal vez tú y yo nos enamoremos”, dice la canción, bastante explicito y atrevido para la época.

“Put Your Head on My Shoulder” alcanzó el número 2 en la lista Hot 100 de Billboard. Nueve años más tarde, la canción volvió a ser popular en el puesto 44 de las listas con la versión de 1968 de The Lettermen. El cantante canadiense Michael Bublé, que comenzó como el protegido de Anka, también hizo una versión de “Put Your Head on My Shoulder” en su exitoso álbum debut homónimo en 2003.

Pero nadie lo hace mejor que Paul Anka. La leyenda de la música comenzó a ser uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de los 50. En 1961, cuando la locura de los ídolos adolescentes comenzó a enfriarse, Anka podía presumir de las más de 125 composiciones en su haber, así como de su propio sello discográfico llamado Spanka, en lugar de dormirse en los laureles, Anka pasó a la esfera adulta y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, artista de grabación y empresario musical que se mantuvo tan bien entrado el nuevo milenio.

0062: So What, Miles Davis

No sabemos que "tipo de tristeza" es la que puede generar la publicación de la que muchos consideran la obra maestra del jazz, pero a veces la tristeza, como el llanto, pueden ser reconfortantes. Así es Kind of Blue ("Una especie de tristeza"), el disco que el genial trompetista grabó en tan solo dos sesiones de estudio repartidas en dos días diferentes (el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959) en el estudio de Columbia Records en Nueva York. De las improvisaciones de aquellas dos sesiones históricas, en las que se rodeó de un equipo deslumbrante de músicos de la talla de John Coltrane o Julian "Cannonball" Adderley, entre otros, salieron los cinco temas que componen Kind of Blue. 

El 2 de marzo se completaron los temas que compusieron la primera cara del disco, que abría con So What ("¿Y qué?"), uno de sus temas más emblemáticos del trompetista, y un claro ejemplo de "jazz modal", el tipo de música con el que Miles Davis estaba entonces experimentando. Comienza con unas líneas del piano de Bill Evans y el contrabajo de Paul Chambers, que junto a la batería de Jimmy Cobb componen el leve colchón rítmico sobre el que se van sucediendo las improvisaciones de Davis, Coltrane y "Cannonball" Adderley. Músicos de primer nivel, siguiendo una consigna de Davis tan sencilla como innegociable. Ninguno de ellos debía ensayar antes de llegar al estudio, y tan solo dispondrían de unos leves bocetos sobre la estructura básica sobre la que giraba la canción.

¿Y entonces, qué? Pues que todos dieron lo mejor de sí mismos, registrando uno de los momentos más brillantes de la historia del jazz, en un tema y un disco que han tenido una enorme influencia en las estructuras y los planteamientos de muchas obras de jazz posteriores. Y, desde luego, si esto es una "especie de tristeza", no hay que perder tiempo en acercar la aguja al disco y comprobar que la tristeza puede ser también una forma impresionante de hacer música.

0061: What'd I Say - Ray Charles

 

What'd I say, Ray Charles

     En octube de 1959 Ray Charles lanza bajo el sello discográfico Atlantic Records, What'd I Say en 1959, el sexto álbum de estudio del genial artista. El disco alcanza la certificación de disco de oro, en parte gracias al tema que da nombre al disco, What'd I Say, el cuá supuso para el artista todo un pelotazo. 

What'd I Say es grabada en el estudio el 18 de febrero de 1959, y lanzada como single dividido en dos partes, I y II, en julio de 1959, adelantándose al lanzamiento del disco. Este tema está considerado como uno de los primeros de la música soul. Entre 1954 y 1960, Ray Charles solía realizar unas 300 actuaciones al año con una orquesta de siete miembros. Además charles formó un trío femenino para que le hiciera los coros al que bautizó como Raelettes, y que anteriomente era conocido como The cookies. Es precisamente en 1954 cuando Charles empieza a fusionar sonidos y elementos de la música gospel con letras que abordaban temas más mundanales. Su primer intento fue el tema I Got a Woman, siendo con What'd I Say con el que alcanzaría mayor repercusión.

Las influencias de gospel, mezclados con rumba y con una letra con insinuaciones de caracter sexual convierten a What'd I Say en un tema muy controvertido a la vez que popular tanto entre el público blanco como el público negro. Para el estilo del tema de llamada y respuesta, Ray Charles se inspiró en la iglesia en la que creció, donde el predicador preguntaba algo y los feligreses respondían algo así como "What'd I Say". El tema se gestó en 1958 en un club de Brownsville, Pensylania, durante una actuación de Ray Charles, que había tocado ya todos los temas de su repertorio y le sobraban todavía 12 minutos que tenía que rellenar. Así que se le ocurrió decirle a su grupo de coristas, las Raelettes que le siguieran y únicamente repitieran lo que el dijera, y a su la banda le dijo que no sabía como acabaría aquello y que simplemente le siguieran. Cuenta la leyenda que al final todos los asistentes a aquella actuación se arremolinaron alrededor del artista para preguntarle el título de aquel temazo que acababan de escuchar para poder comprar el disco.

0058: Mack the knife - Bobby Darin

 

La canción cuenta la historia de un asesino en serie que mata a sus víctimas con una navaja  y aunque para muchos el asesino de "Mack the Knife" se basaba en el infame y misterioso asesino en serie de la vida real Jack el Destripador del Londres de la década de 1880, nada más lejos de la realidad, el verdadero origen de la canción está en “The Beggar´s Opera”, que el inglés John Gay, dio al mundo en 1728 al popular personaje de un salteador de caminos llamado capitán MacHeath, basado en un criminal real llamado Jack Sheppard que había sido ejecutado cuatro años antes. Dos siglos después, el compositor Kurt Weill y el dramaturgo Bertolt Brecht decidieron actualizarlo, pero eliminaron los rasgos caballerosos del personaje y lo hicieron más cruel, además de darle a la obra el consabido matiz político anticapitalista propio de Brecht. Ese musical fue un gran éxito, quizá el mayor del género durante la República de Weimar, y la canción donde presentaban la entrada a la acción del protagonista lo fue aún más, rara era la noche en que no sonaba en los cabarets.

En Alemania llegó al poder Adolf Hitler, y Kurt Weill tuvo que huir a Estados Unidos, aquella composición quedó en el olvido, hasta que en Estados Unidos, Marc Blitzstein decide hacer una versión dándole el toque clásico de Jazz para homenajear a Weill. La propuesta llegó a oídos del jefazo de la Columbia Records que quedó prendado ofreciéndosela a distintos cantantes, entre ellos a Louis Armstrong. De este movimiento tuvo conocimiento la MGM que hizo su versión en piano, regalando a Bobby Darin un numero uno incontestable, hubo quienes creían que grabar una canción de una ópera podría dañar su carrera, en ese momento Darin era más conocido como uno de los primeros artistas del rock & roll, y su mayor éxito hasta ahora había sido "Splish Splash" que durante 1958 había estado entre los 5 primeros de la lista de éxitos, pero nada mas lejos de la realidad, "Mack the Knife" daría un cambio absoluto a la carrera de Bobby Darin convirtiéndole en una de las estrellas de la Lounge Song.

Como curiosidad y para entender hasta donde llegó el tema, contaros que Pedro Navaja, la famosa canción de Ruben Blades no es ni más ni menos que una versión en salsa de este Mack the knife y si queremos redondear la curiosidad el protagonista de los tebeos de “Makinavaja: el último choriso” de Ivá tiene su origen también en la canción creada por Bretch. La revista Rolling Stone clasificó a "Mack the Knife" como la canción número 251 más grande de todos los tiempos y el magnate de la música pop y el juez de reality shows Simon Cowell dijo en "Desert Island Discs" de BBC Radio 4 que "Mack the Knife" es la mejor canción jamás escrita

0057: How Many More Years - Howlin' Wolf

 

Moanin' In The Moonlight, Howlin' Wolf

     En 1959 se publica bajo el sello discográfico Chess Records, Moanin' In The Moonlight, el primer álbum de estudio de Howlin' Wolf. Dicho disco es un compendio de canciones grabadas y publicadas anteriormente como singles. Nos vamos a detener en el tema del disco titulado How Many More Years, un tema que fue escrito y grabado por primera vez en 1951 bajo el sello discográfico Chess Recrods, y fue lanzado como cara B, ocupando la cara A Moanin' In he Midnight. El tema pese a ocupar la cara B, se convirtió en el tema más exitoso de Howlin' Wolf.

Corre el año 1948, y Howlin' después del servicio militar ya ha conseguido establecerse dentro de la comunidad de Memphis como una celebridad local del blues, y ya ha formado su propia banda llamada The Howlin' Wolf. El tema es grabado en 1951 el Memphis Recording Service de Memphis, que posteriormente se convertiría en los estudios Sun Records, ubicado en 706 Union Avenue, y Howlin' se encarga de las tareas vocales y la armónica, siendo acompañado por Ike Turner al piano, Willie Johnson a la guitarra y Willie Steele a la batería.

Howlin' por entonces trabajaba en un programa local de radio donde tenía un espacio de unos 15 minutos que le ayudaban a publicitarse. El tema es grabado bajo la producción del sello Chess Records en los citados estudios Sun Records, fundados por Sam Phillips, que también había escuchado a Howlin' en su programa de radio radio y sabía de su potencial. Por entonces era habitual que Chess Records alquilara los estudios Sun Records para realizar las grabaciones de sus artistas. El tema se convertirá a la postre en el mayor éxito de Howlin', alcanzando el puesto número 4 en la lista de discos de R&B de Juke Box, y el puesto número 8 en las listas de discos de R&B de Estados Unidos. Gente como el famoso músico, compositor y productor discográfico T-Bone Burnett, citan How Many More Years como el primer tema de Rock and Roll de la historia.