Novedad Musical 2024: Blue Electric Light - Lenny Kravitz

 

Artista: Lenny Kravitz

Album: Blue Electric Light

Fecha de Publicacion: 24 mayo 2024

Genero: Pop Rock, Pop Soul

Estrellas: 3,5 / 5

 

35 años después del lanzamiento de su álbum debut “Let Love Rule”, Lenny Kravitz demuestra por qué es una de las últimas verdaderas estrellas del rock que quedan, con su nuevo lanzamiento titulado “Blue Electric Light”. Su último álbum de 2018, “Raise Vibration”, fue aclamado como uno de los mejores de su carrera, y el artista de 60 años fácilmente podría simplemente hacer colaboraciones o incluso simplemente salir y tocar en vivo por el resto de su carrera, pero está claro que tiene planes más grandes. Pero Lenny Kravitz hace lo que mejor sabe hacer, y es muy difícil valorar el nuevo disco de Lenny Kravitz porque sigue haciendo lo que viene haciendo desde hace mucho tiempo y lo hace bien. Su pop rock funky y blusero ha sido durante mucho tiempo su especialidad y es fiel a sí mismo. El álbum está lleno de amor, canciones pausadas, riffs de guitarra pegadizos y disfrute de la vida. Y a pesar de que Kravitz es predecible, hace su música tan bien que el álbum definitivamente no puede considerarse aburrido o poco interesante. “It's Just Another Fine Day (In This Universe of Love)” comienza el álbum y es una revisión optimista de la realidad sobre por qué todos deberíamos mirar hacia el futuro y centrarnos en los buenos tiempos. “Paralyzed” y “TK421” llevan el bajo al frente con su fusión de pop y funk de los 80, el video de este último ciertamente llamó mucho la atención, especialmente entre las fans femeninas cuando se lanzó como sencillo, no os lo perdais. “Honey” se convierte en una canción de amor con tintes de los 70, pero no la llames balada, lo mismo ocurre con “Bundle Of Joy”. “Love Is My Religion” es una canción de rock pura de Marc Bolan, con Lenny predicando las buenas vibraciones y esperando que todos los demás saquen algo de ella para sí mismos.

El talento de Kravitz como escritor, productor y multiinstrumentista resuenan mientras él mismo escribió y tocó la mayoría de los instrumentos, con el veterano guitarrista Craig Ross. En última instancia, creó 12 temas que reflejan su legado como pionero del género, pero que también están firmemente arraigados en la energía del siglo XXI y más allá, además se anunció que Kravitz encabezará el espectáculo inaugural de la final de la UEFA Champions League entre el Real Madrid y el Borussia Dortmund el 1 de junio en el estadio de Wembley en Londres, uniendo a los fanáticos del fútbol y la música de todo el mundo.

1245 - Queen - Stone cold crazy

1245 -  Queen - Stone cold crazy

"Stone Cold Crazy" es una de las canciones más emblemáticas de Queen, incluida en su álbum "Sheer Heart Attack" lanzado en 1974. Este tema, con una duración de apenas dos minutos y diecisiete segundos, destaca por su energía explosiva y su estilo adelantado a su tiempo, lo que lo convierte en un precursor del género thrash metal.

La canción fue escrita colectivamente por los miembros de Queen: Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon. "Stone Cold Crazy" es una composición que se distingue por su velocidad y agresividad, elementos que eran inusuales para la época. Desde el inicio, la canción atrapa al oyente con un riff de guitarra rápido y contundente, interpretado por Brian May, que sienta las bases para el resto del tema. Este riff se combina con la batería frenética de Roger Taylor y el bajo sólido de John Deacon, creando una base rítmica imparable.

Freddie Mercury, conocido por su versatilidad vocal, adopta en esta canción un estilo de canto más agresivo y acelerado, acorde con la intensidad de la música. Su interpretación vocal es poderosa y urgente, complementando perfectamente la atmósfera frenética del tema. La letra de "Stone Cold Crazy" es igualmente intensa, describiendo una serie de situaciones caóticas y desordenadas, que van desde referencias a la vida criminal hasta una sensación general de confusión y anarquía.

Uno de los aspectos más destacados de "Stone Cold Crazy" es su estructura musical. La canción es un torbellino de cambios de tempo y dinámicas, lo que demuestra la habilidad de Queen para experimentar y empujar los límites del rock. A pesar de su corta duración, la canción se siente completa y bien desarrollada, un testimonio de la capacidad de la banda para crear música impactante y memorable en un formato breve.

En cuanto a su legado, "Stone Cold Crazy" ha sido reconocida como una influencia significativa en el desarrollo del thrash metal, un subgénero del heavy metal caracterizado por su velocidad y agresividad. Bandas como Metallica han citado a Queen como una influencia, y de hecho, Metallica realizó una versión de "Stone Cold Crazy" en 1990, la cual ganó un premio Grammy en 1991 a la Mejor Interpretación de Metal.

La producción de la canción también merece mención. Roy Thomas Baker, el productor de "Sheer Heart Attack", logró capturar la energía bruta de la banda, manteniendo la claridad y el impacto de cada instrumento. La mezcla resalta la habilidad técnica de cada miembro de la banda, desde los solos de guitarra precisos de Brian May hasta la batería potente de Roger Taylor.

"Stone Cold Crazy" es una pieza fundamental en el catálogo de Queen y en la historia del rock. Representa un momento en el que la banda estaba dispuesta a explorar y romper moldes, sentando las bases para futuros desarrollos en la música rock y metal. Su energía implacable, su estructura innovadora y su interpretación apasionada la convierten en una de las canciones más memorables de Queen, y un clásico que sigue resonando con los fans de la música rock de todas las generaciones.

Daniel 

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Electric Light Orchestra - Zoom (Mes Electric Light Orchestra)

Zoom, Electric Light Orchestra

 

     Zoom es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock sinfónico Electric Light Orchestra. Grabado entre los años 2000 y 2001 bajo la producción del líder del grupo Jeff Lynne, fue publicado el 12 de junio de 2001 bajo el sello discográfico Epic Records. Este fue el primer álbum oficial del grupo tras Balance of Power, publicado en 1986. El disco fue concebido en su mayoría únicamente por Jeff Lynne, que contó  con músicos invitados como George Harrison y Ringo Starr. Fue también el primer trabajo que no presentaba al baterista original Bev Bevan, y fue una de las últimas grabaciones de George Harrison antes de su muerte. El único miembro, además de Lynne, que aparece en el álbum es Richard Tandy, que aparece en la canción de apertura y actuó en vivo en conciertos promocionales.

A diferencia de las producciones con sintetizadores que se escuchaban en la década de los 80, Zoom tiene un sonido más orgánico, y vuelve a utilizar una sección de cuerdas mediante chelos. El 19 de abril de 2013, el sello discográfico Frontier Records publicó una versión remasterizada de Zoom con dos canciones extra: una versión en directo de "Turn to Stone", interpretada en CBS Television City de Los Ángeles durante la grabción de Zoom Tour Live, y "One Day", una canción inédita grabada en 2004.

El proceso creativo de Jeff Lynne para el disco fue a través de un viaje personal y musical, suponiendo un regreso a las raíces. Después de una pausa de 15 años, Lynne decidió revivir ELO, quería volver a las raíces del sonido clásico de la banda, fusionando rock, pop y elementos clásicos. Para ello el artista mezcló la mayor parte del álbum en su estudio casero, lo que le dio libertad creativa para experimentar con arreglos y sonidos. Las letras del disco reflejan experiencias personales y reflexiones de Lynne. El artista utilizó gran variedad de instrumentos, incluyendo chelos, para darle al disco un sonido más orgánico. La mezcla de melodías pegajosas y armonías vocales distintivas fue otra de las características del proceso creativo de Lynne. 

Hay quien se pregunta por qué no fue este un álbum en solitario de Jeff Lynne, pues quizás porque fue diseñado para que fuera un regreso al sonido clásico de ELO. Además de eso, la producción, aunque claramente no es producto de los años 70 / 80, evita gran parte del estilo de sobreproducción moderna, que imperaba en la época, y suena calida y acogedora. También hay quien acusaba a Lynne de no inventar nada nuevo, lo que está claro es que su propósito no era ese, sino regresar al clásico sonido de la banda. Lynne nos regala un álbum con canciones increíblemente bien elaboradas, no cayendo en la sobreproducción, ofreciendo un álbum final de pop clásico con unos arreglos magníficos de rock y sinfónicos. 

Como he comentado anteriormente, Lynne retoma la esencia del sonido clásico de la ELO, caracterizado por la fusión de rock, pop y elementos sinfónicos. Lynne asumió la mayor parte de la producción y grabación en su estudio casero, lo que le dio tiempo para experimentar con gran cantidad de arreglos y sonidos diferentes. También contó con colaboraciones, como la de George Harrison, dándole a la canción "Alright" un toque distintivo. En cuanto a las letras, la inspiración de Lynne proviene de diversas fuentes y experiencias personales y reflexiones, componiendo estas con su característico estilo lírico y melódico. En cuanto a las canciones, muy destacables Alright, una optimista canción donde la voz de Lynne cuenta con la colaboración de la guitarra de George Harrison. La amistad de Lynne y Harrison se remonta a los días de The Traveling Wilburys, y eso se nota en esta posterior colaboración; la emotiva Moment in Paradise, un claro ejemplo de donde podría venir la letra, de experiencias personales, reflexiones sobre la vida y la búsqueda de momentos especiales de Jeff Lynne; y State of Mind, canción llena de energía que era un fiel reflejo del estado de Lynne en ese momento. En cuanto a las letras de esta canción, estas sugieren una lucha interna y la búsqueda de la racionalidad.

Zoom no obtuvo un gran éxito comercial, pero con el tiempo se ha ido ganando el aprecio y respeto de los fans de la banda, que apreciaron el regreso a sus raíces musicales. Estamos ante un disco que combinaba muy acertadamente nostalgia, creatividad y buenas colaboraciones, y que se acabó convirtiendo en algo más que un simple álbum, un álbum de culto para los verdaderos fans de Lynne y del grupo.

1244.- Brighton Rock - Queen

Brighton Rock nunca fue single, pero fue el tema con el que abre el tercer disco de estudio Sheer Heart Attack (1974), fue escrita por Brian May y las voces estuvieron a cargo de Freddie y Brian. May escribió la canción durante las sesiones de Queen II, pero sintieron que no encajaba en ese álbum, así que la trabajaron un poco más y la incluyeron en el siguiente álbum. La canción trata sobre dos niños "Mod" enamorados, Jenny y Jimmy, que viajan a Brighton de vacaciones, no creen que las vacaciones vayan muy bien porque Jenny tiene miedo de meterse en problemas. Lo increíble de esta canción es simplemente Brian May. El solo de guitarra es probablemente uno de los mejores que ha hecho jamás, sin lugar a dudas. Es la pieza central de la canción. Hay un interludio completo en la canción en el que solo aparecen Brian y esa guitarra. Su uso del retardo para la armonía que distingue la canción, Brian estaba jugando mucho con un Echoplex (una máquina de retardo de cinta) para obtener los efectos que quería, la canción contiene un sonido de guitarra normal y luego uno con efecto retardado y hay que oírlo para creerlo ya que no sé cómo describirlo con palabras. Es una verdadera experiencia de audio. La voz principal de Freddie Mercury añade algo de sabor a la historia, ya que encarna a los dos personajes principales, Jimmy y Jenny, bajando y subiendo su espectacular voz.

May utiliza un inglés adornado y adecuado para darles a estos amantes modernos una sensación anticuada. "Jenny, ¿te quedarás conmigo? Reza. Nada debe interponerse entre nosotros. Dinos amor, ¿qué dices?", suplica Jimmy. Pero Jenny se demora, temerosa de la reacción de su madre ante la cita. El coro pide ayuda desde arriba para la liberación segura de este romance: "Oh Roca de los siglos, no te desmorone, el amor aún respira / Oh Señora Luna, haz brillar un poco de magia de gente si quieres". Después de que May ataca al oyente desde todos los ángulos en el solo extendido, su letra da un pequeño giro sorprendente en el verso final. Jenny expresa su devoción en cartas amorosas a Jimmy, quien, a su vez, le revela que su corazón ya estaba hablado: "Oh, no, estoy comprometida, debo disculparme/ Si mi señora descubriera cómo pasé mis vacaciones". Resulta que, después de todo, la magia de Lady Moon es tan voluble como los mortales a quienes la otorga.

“Brighton Rock” contiene un poco de todo lo que hizo a Queen tan especial: una sección rítmica dinámica (John Deacon y Roger Taylor), las acrobacias de May, el carisma de Mercury, dosis de grandilocuencia, talento para el espectáculo y corazón. 

1243.- Killer Queen - Queen

 

Killer Queen, Queen

     Sheer Heart Attack es el tercer álbum de estudio de la banda de rock británica Queen. Grabado entre julio y octubre de 1974 bajo la producción de Roy Thomas Baker y del propio grupo, fue publicado el 8 de noviembre de 1974 por EMI Records en Reino Unido y por Elektra Records en Estados Unidos. A diferencia de sus trabajos anteriores, donde había temas de corte progresivo, el grupo se centró en este álbum en temas más centrados en el pop y el rock convencional, marcando un paso hacia el sonido clásico que caracterizó a Queen. Este trabajo lanzó al grupo a la popularidad en el Reino Unido y en gran parte del mundo al grupo.

Incluido en este álbum se encuentra Killer Queen, escrita por Freddie Mercury, canción que se convirtió en el primer éxito internacional de la banda. Mercury tocó un piano vertical y un piano de cola para la grabación. Gracias al éxito de la canción el grupo apareció interpretándola en el famoso programa Top of the Pops. Killer Queen llegó a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 12 en las listas de ventas de Estados Unidos. La historia de la canción gira en torno a una mujer misteriosa y seductora, una mujer descrita con elegancia y sofisticación, comparada con María Antonieta, y que siempre está lista para disfrutar de lujos como el champán y el caviar. La letra resalta su exquisita elegancia y su habilidad para ser encantadora y letal al mismo tiempo, como una "reina asesina". Su aura es irresistiblemente peligrosa y atractiva, manteniendo a todos cautivados con su perfume parisino y su precisión en cada detalle. También tiene un lado juguetón y salvaje, siendo comparada con un gato que puede volverse completamente feroz al instante.

Freddie Mercury afirmaba sobre esta canción: "Se trata de una prostituta de clase alta. Estoy tratando de decir que las personas de clase alta también pueden ser putas. De eso se trata la canción... aunque prefiero que la gente le de su propia interpretación, que lea lo que quiera".

1242 - Espiritu - La casa de la mente

1242 - Espiritu - La casa de la mente

Espíritu, una banda argentina de rock progresivo formada en los años 70, ha dejado una huella significativa en el panorama musical con su propuesta innovadora y distintiva. "La casa de la mente" es una de las piezas más emblemáticas de su álbum debut, Crisálida (1975). Este tema no solo destaca por su complejidad instrumental, sino también por su profundidad lírica y conceptual.

La canción abre con un enigmático preludio instrumental que establece un ambiente místico y envolvente. Desde los primeros acordes, Espíritu demuestra su destreza técnica y su capacidad para fusionar diferentes estilos musicales. Las influencias del rock progresivo británico son evidentes, recordando a bandas como Genesis y Yes, pero con un toque latinoamericano que le da una identidad propia.

La estructura de "La casa de la mente" es un viaje musical que se despliega en varias secciones, cada una con su propia atmósfera y dinámica. La primera sección está dominada por una base rítmica sólida y precisos arpegios de guitarra, acompañados por un teclado que añade capas melódicas y armónicas. La voz de Osvaldo Favrot, el vocalista principal, entra de manera casi espectral, aportando una narrativa introspectiva y filosófica.

Líricamente, la canción explora temas como la introspección, la búsqueda de la verdad y la exploración de la conciencia. La metáfora de la "casa de la mente" sugiere un espacio interior complejo y lleno de misterio, donde cada habitación representa diferentes aspectos del ser y del conocimiento. Las letras, poéticas y abstractas, invitan al oyente a reflexionar sobre su propio viaje interno y la naturaleza de la percepción y la realidad.

A medida que la canción progresa, se despliega una rica paleta de colores sonoros. Los cambios de tempo y los contrastes dinámicos mantienen al oyente en un estado de anticipación constante. El uso de instrumentos tradicionales del rock, como la guitarra eléctrica y el bajo, se complementa con elementos menos convencionales en el rock de la época, como flautas y sintetizadores, que añaden texturas únicas y enriquecen el paisaje sonoro.

Uno de los momentos más memorables de "La casa de la mente" es su sección instrumental central, donde los músicos de Espíritu demuestran su virtuosismo. Aquí, la banda se embarca en una serie de improvisaciones y desarrollos temáticos que llevan al oyente a través de paisajes sonoros cambiantes. La interacción entre los instrumentos es impecable, y cada miembro de la banda aporta su propio talento y creatividad al conjunto.

El clímax de la canción llega con una explosión de energía y emotividad, culminando en una poderosa conclusión que deja al oyente reflexionando sobre el viaje sonoro y conceptual que acaba de experimentar. La capacidad de Espíritu para combinar elementos técnicos complejos con una expresión emocional profunda es lo que hace que "La casa de la mente" sea una obra maestra del rock progresivo argentino.

"La casa de la mente" de Espíritu es una pieza fundamental que refleja la esencia del rock progresivo de los años 70, con su fusión de virtuosismo instrumental, riqueza lírica y exploración conceptual. La canción no solo destaca dentro del repertorio de la banda, sino que también se erige como un testimonio de la capacidad del rock para abordar temas profundos y universales a través de medios musicales innovadores. Para cualquier amante del rock progresivo y de la música que desafía los límites convencionales, esta obra es imprescindible.

Daniel 

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"Time" de Electric Light Orchestra con la reseña de sus canciones más destacadas: (Mes Electric Light Orchestra)

"Time" de Electric Light Orchestra con la reseña de sus canciones más destacadas: 

#MesElectricLightOrchestra

Electric Light Orchestra (ELO) es una banda legendaria que ha dejado una marca indeleble en la historia del rock. Fundada en Birmingham, Inglaterra, en 1970 por el talentoso músico Jeff Lynne, la banda combinó la energía del rock con la sofisticación de la música clásica para crear un sonido único y distintivo. Uno de los álbumes más destacados de ELO es "Time", lanzado en 1981, que marcó un punto de inflexión en su carrera y demostró la versatilidad y la genialidad de la banda.

"Time" es un álbum conceptual que narra la historia de un hombre que viaja en el tiempo desde 1981 hasta el año 2095. Este concepto futurista y la temática del viaje en el tiempo proporcionan un marco fascinante para el álbum, que se refleja tanto en su música como en sus letras. Desde la apertura con "Prologue", donde se introduce la premisa del viaje en el tiempo, hasta el cierre con "Epilogue", que reflexiona sobre las experiencias del protagonista, "Time" te sumerge en un viaje emocionante y lleno de aventuras.

Una de las características más sobresalientes de "Time" es la habilidad de Jeff Lynne para combinar elementos de rock, pop y música electrónica con arreglos orquestales elaborados. Esto se evidencia en canciones como "Yours Truly, 2095" y "Ticket to the Moon", donde los sintetizadores y las guitarras eléctricas se entrelazan con cuerdas exuberantes y coros grandiosos para crear una experiencia auditiva épica y cinematográfica. Además, la producción impecable de Lynne le otorga al álbum una calidad atemporal que lo hace sonar tan fresco y relevante hoy como lo era en su lanzamiento.

Las letras de "Time" también son dignas de mención, ya que exploran temas como el amor, la nostalgia y la humanidad en el contexto de un mundo futurista. Canciones como "The Way Life's Meant to Be" y "From the End of the World" capturan la melancolía y la esperanza de un hombre que se encuentra fuera de lugar en una era desconocida. Además, la habilidad de Lynne para escribir letras pegadizas y emotivas se destaca en canciones como "Hold on Tight" y "Twilight", que se han convertido en himnos atemporales de la banda.

A lo largo de "Time", la ejecución magistral de los miembros de la banda, incluidos Bev Bevan en la batería, Richard Tandy en los teclados y Kelly Groucutt en el bajo, complementa perfectamente la visión creativa de Jeff Lynne. La química entre los músicos y su habilidad para fusionar diferentes estilos y géneros musicales son fundamentales para el éxito del álbum.

En cuanto al impacto cultural y el legado de "Time", es innegable que este álbum ha dejado una marca indeleble en la música popular. Su combinación única de rock, pop y elementos electrónicos sentó las bases para el sonido de la década de 1980 y ha influido en innumerables artistas y bandas desde entonces. Además, la narrativa futurista de "Time" sigue siendo relevante en la actualidad, ya que aborda temas universales como el paso del tiempo y la búsqueda del significado en un mundo en constante cambio.

Por último, las canciones individuales de "Time" ofrecen una experiencia musical variada y emocionante que complementa perfectamente la narrativa del álbum. Desde la apertura con la atmósfera evocadora de "Prologue" hasta el cierre reflexivo de "Epilogue", cada canción contribuye a la riqueza y la profundidad del álbum. Destacan canciones como "Twilight", con su melodía pegajosa y letras melancólicas, y "Hold on Tight", con su ritmo animado y estribillo contagioso, que se han convertido en favoritas de los fanáticos y han perdurado a lo largo de los años como ejemplos clásicos del talento creativo de Electric Light Orchestra.

"Time" es un álbum magistral que encapsula lo mejor del talento creativo y la visión artística de Electric Light Orchestra. Con su mezcla ecléctica de estilos musicales, letras evocadoras y producción impecable, este álbum sigue siendo un hito en la historia del rock y un testimonio perdurable del genio musical de Jeff Lynne y su banda.

Daniel 

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1241.- Fox On The Run - Sweet

 

Fox On The Run, Sweet

     Desolation Boulevard es el tercer álbum de estudio de la banda británica de glam rock Sweet. Grabado en los Audio International Studios de Londres bajo la producción de Mike Chapman junto con Nicky Chinn, fue publicado el 15 de noviembre de 1974 por el sello discográfico RCA Records. De dicho trabajo se lanzaron dos versiones diferentes, una para Europa por RCA Records, y otra para Estados Unidos, Canadá y Japón por Capitol Records. La portada del álbum fue realizada por el reputado grupo de diseño artístico Hipgnosis, famoso por su trabajos con artistas como Pink Floyd, The Alan Parsons Project o Led Zeppelin entre otros. La foto fue tomada cerca de la entrada de un club de música rock llamado Filthy McNasty's, ubicado en 8852 Sunset Boulevard en West Hollywood, California.

Incluido en este álbum se encuentra el mayor éxito de la banda, Fox On The Run, de la cual se grabaron dos versiones, una de ellas más orientada al pop y lanzada como sencillo de 7" en 1975, que es la versión más familiar de la canción. La canción es un clásico del glam rock y la letra parece hablar de una mujer que ha cambiado su apariencia y actitud, lo que lleva al narrador a perder el interés en conocerla. La repetición del  estribillo "Fox on he run" sugiere la idea de una persecución, donde "Fox" (zorra), podría ser una metáfora de la mujer mencionada, la cual esa huyendo y buscando donde esconderse. La canción juega con la dualidad de presentar a la mujer como alguien deseable, pero que debido a su comportamiento superficial y su preocupación por las apariencias, ha perdido su encanto. La canción también es toda una critica a la falta de autenticidad y la tendencia a seguir modas pasajeras. 

Fox On The Run es una de las grandes canciones representativas del género glam rock, el cual se caracteriza por melodías pegajosas, armonías vocales y un enfoque hacia la imagen y el espectáculo. La canción es un fiel reflejo de la cultura pop de la época, donde la imagen y la fama eran a menudo tan importantes como la música misma. Sweet nos invita a reflexionar sobre la importancia de ser auténticos y no dejar que la presión social nos aleje de nuestra verdadera esencia.

1240.- The End - Nico

"The End", la mítica canción de The Doors de su disco de debut "The Doors" (1967), fue versionada siete años después por la cantante alemana Nico, dueña de una interesante carrera musical en solitario, pero sobre todo conocida por haber sido junto a Lou Reed la vocalista del disco "The Velvet Underground & Nico", y que además había sido pareja sentimental de Jim Morrison, líder de The Doors.

La versión de Nico de "The End" dio titulo al que fue su cuarto álbum de estudio, el primero que publicaba desde la muerte de su antiguo novio, y en el que además de la canción titular, en su propia composición "You forget to answer", Nico describe la tristeza que sintió cuando llamó a Morrison por teléfono esperando poder hablar con él, para poco después enterarse de que había muerto. En su recuerdo, la canción principal del disco y el título de aquel proyecto acabó siendo "The End".

Producida por John Cale, con un marcado y oscuro piano de acompañamiento, extraños efectos de teclados atmosféricos y la colaboración de Phil Manzanera en un destacable solo de guitarra eléctrica, esta versión de "The End" es mucho más desnuda e intimista que la original, pero también menos intensa, lisérgica y psicodélica que la impactante pieza que firmaron The Doors. La crítica en general valoró el esfuerzo creativo y el homenaje que implicaba, pero las ventas le dieron la espalda, y ese fracaso fue también "el final" de su relación contractual con la discográfica Island.

Disco de la semana 379: Leak 04-13 (Bait Ones) - Jai Paul

 

Lamentablemente, la filtración de música siempre ha sido un problema desde que se ha podido descargar música de Internet, tanto de forma legal como ilegal. A lo largo de los años, ha habido muchas ocasiones en las que un artista ha descubierto que alguien ha conseguido hacerse con sus archivos, ya sea mediante piratería informática o mediante alguien en quien confiaba enviándolos. Es un acto increíblemente inmoral y tremendamente cruel con el artista en cuestión, especialmente cuando el álbum en cuestión no está terminado. Esto da como resultado que en algunas ocasiones las fechas de lanzamiento del álbum se adelanten, como en Whatever People Say I Am That's What I'm Not de Arctic Monkeys o Future Nostalgia de Dua Lipa, pero en estos casos al menos eran la versión terminada del álbum. En el otro extremo de la escala está el disco fundamental de Sza de 2017, Ctrl, que su sello sintió la necesidad de filtrar y publicar, ya que sentían que ella siguió modificando tanto el álbum que nunca vería la luz si no lo hubieran hecho. Sin embargo, la filtración más cruel puede remontarse hace diez años a un artista británico excepcionalmente talentoso llamado Jai Paul.

 

En 2013, Jai Paul es un nombre que muchos amantes de la música conocían desde hacía bastante tiempo, había sido nombrado en la lista BBC Sound of 2011 debido a su demo de BTSTU, que se grabó en 2007, despegó durante 2010 y recibió mucha atención, a medida que crecía el revuelo en torno a esta canción, Jai Paul se mantuvo alejado de la atención del público, no concedió muchas entrevistas y se contentó con calendarios de lanzamiento inconsistentes para garantizar que las canciones se lanzaran en sus formas finales. Si bien generó frustración en algunos que estaban hambrientos de más música suya, esto también generaría un interés aún mayor en él y muchos estarían anticipando ansiosamente su próximo lanzamiento. A principios de 2013, todo lo que el mundo tenía de Jai Paul eran dos demos lanzados como singles y una aparición especial en la canción Higher Res del ex miembro de OutKast, Big Boi. Naturalmente, hubo interés en su música, pero no hubo noticias oficiales sobre si un álbum estaba en camino o no. Hasta el 14 de abril de 2013, llegó el día que ningún artista querría que sucediera: un usuario desconocido subió varias pistas sin título a Bandcamp y se pusieron a la venta como un álbum. A las pocas horas de su aparición la prensa musical se dio cuenta y publicitó que finalmente había surgido un álbum de Jai Paul. Debido a la naturaleza misteriosa de Jai Paul en ese momento, esto generó un escepticismo generalizado, como si él o su sello XL lo filtraran con fines publicitarios o si Paul lo filtró él mismo para vender música fuera de su sello y editor, aunque en una carta abierta, en 2019, Jai Paul no solo reveló que nunca fue responsable de la filtración ilegal, sino que le molestó que la gente asumiera que lo había hecho a pesar de decir en ese momento que no tenía nada que ver con la filtración. La principal frustración para Paul fue que el álbum se filtró en un formato inacabado y estaba decepcionado de que el mundo escuchara su trabajo en una versión incompleta, lo cual es totalmente comprensible si se considera que no lanzó ningún sencillo hasta que sentía que estaban listos, mostrando una vena perfeccionista que llegaba a su música. Por supuesto, puedes imaginar lo desgarrador que fue para él, horas de esfuerzo y pasión puestas en un álbum solo para que una versión inacabada se filtrara al mundo y no pudiera hacer nada al respecto.

 Empieza este trabajo incompleto con dos chicos escuchando música de Jai Paul y gritándolo en lo que tiene el audio equivalente a un teléfono plegable de la década de 2000, pero rápidamente toma un giro futurista en Str8 Outta Mumbai, la nota de sintetizador de piano es muy prominente en esta canción e inmediatamente exige atención al dulce estribillo donde Jai canta, haciendo de esta canción una favorita instantánea antes del minuto 1, me encanta el sentimiento futurista de esta canción con el autotune en la voz de Jai y los sintetizadores durante el estribillo entrecortado que es increíblemente pegadizo y los instrumentos que se agregan a lo largo de la canción, como el saxofón y las voces femeninas cantando, que le dan mucha vida a esta canción, me encanta lo genial y bailable que es esta canción, estoy realmente impresionado. Zion Wolf es más melancólica con la producción de estilo synthwave y la batería, así como las voces lentas de R&B, casi suena como si pudiera ser una canción de Blade Runner o algo parecido, me gustan mucho las voces de esta canción, donde dan una sensación de anhelo que se muestra en la letra, sin duda, a fuego lento. Garden of Paradise es otra canción con sonido de onda sintética que sirve más bien como interludio, pero realmente me gusta este ritmo y muestra el oído de Jai para las melodías. Genevieve tiene una vibra más alegre como Str8 Outta Mumbai, pero desde el punto de vista de la producción creo que es mucho mejor, el sonido electrónico en capas que se produce durante la mayor parte de la canción proporciona un ritmo agradable y el tono más alto de la voz de Jai funciona muy bien aquí, me gusta cómo esta canción utiliza el espacio vacío de manera más consistente y mejor que las otras canciones aquí hasta el punto en que realmente no parece efectista ni distrae la atención de la canción (probablemente un subproducto de que la canción no está completa) y el estribillo. Cerca del final cambia la dirección de la canción de una pista de baile muy pesada a una canción más dulce y emotiva. Raw Beat es un interludio instrumental rápido y simple que creo que en realidad suena divertido y desearía que ampliara más la producción real. Me encantan las guitarras y el sintetizador corto en Crush y cómo conducen a la estrofa, lamentablemente creo que las estrofas son bastante poco interesantes en sí mismas, pero el estribillo realmente salva esta canción con el sintetizador volviéndose más largo y con más profundidad. Good Time es otro interludio que desearía que se convirtiera en una canción real, Jai tiene muy buen oído para la melodía y esta pequeña canción alegre lo demuestra también, corta y dulce. Jasmine es otro punto destacado de este ya fantástico álbum, todo encaja en su lugar con facilidad y nada parece acaparar demasiado la canción. Las diferentes guitarras en esto, como la guitarra rítmica en la introducción, hacen que esta canción sea realmente oscura y sombría, y la guitarra eléctrica principal con la forma en que se lamenta le da a esta canción una atmósfera fuerte junto con las letras realmente tristes y anhelantes y los sintetizadores que aumentan más adelante en la canción que hacen de esta una favorita instantánea, increíblemente triste pero hermosa. Adoro los sintetizadores que se reproducen en 100.000, lo que le da un sonido muy eléctrico, así como las muestras e improvisaciones que incorpora Jai. Lamentablemente, esta es otra canción que la lastra el que este inacabada porque las voces tienden a ser ahogadas por el sintetizador, lo cual es una pena porque en realidad me gusta cómo Jai fluye en esta canción. La guitarra en Vibin' le da una sensación realmente tropical a la canción que funciona bien con las voces ahogadas, esta es, con diferencia, la canción más relajada y tranquila del álbum (bastante obvio dado el título), una canción extremadamente fácil de escuchar por lo discreta y suave que es, realmente hermosa y relajante. No me gusta la muestra vocal de Baby Beat, pero creo que la producción real es bastante buena. Desert River tiene un sintetizador similar a 100,000 que le da a la canción una sensación eléctrica, pero Desert River es mucho más oscuro con lo bajos que llegan los sintetizadores y la suave interpretación vocal de Jai, partes de esta canción se sienten como si hubieran sido de Genevieve, sobre todo en el comienzo del coro. Lo primero que escucho cuando escucho a Chix es Flashing Lights de Kanye West, donde ambas canciones tienen un sintetizador de luz con algo de estática, no creo que sea algo malo, pero cada vez que escucho esta canción es todo lo que puedo imaginar. All Night es otra canción que suena tropical, pero tiene un sentimiento más feliz que Vibin', me gusta el sintetizador ascendente pero no me gustó mucho la guitarra o el ritmo lento. Creo que las voces en All Night tampoco son interesantes y Jai no usa las partes de espacio vacío tan bien como lo hizo Genevieve, probablemente la canción más débil del álbum sin contar los ritmos cortos/interludios. BTSTU es un cierre fantástico que utiliza las mejores partes de cada canción del álbum, la canción comienza muy tranquila con el canturreo de Jai y los versos agudos que dicen "no me jodas, no me jodas" se entregan de una manera tan poderosa que conduce a las trampas consecutivas que finalmente explotan con el sintetizador y la voz fuertemente autoajustada de Jai solo para apagarse y volver a crecer con más muestras introducidas a lo largo de la canción y los sintetizadores volviéndose más fuertes, más nítidos y más esporádicos. Me encanta la yuxtaposición entre los dulces versos y el estribillo explosivo que le dan a esta canción tanta energía y vida y el saxofón que se introduce y se vuelve realmente vibrante en los sintetizadores, una obra maestra absoluta.

 

Este álbum realmente llama la atención con su producción variada, sintetizadores brillantes y la dulce voz de Jai, el aspecto inacabado del álbum le da mucho carácter y creo que agrega a la experiencia. Es increíblemente triste que esto nunca sea un proyecto terminado y nos tengamos que conformar con lo que tenemos aquí, pero aun así es fantástico e incluso florece a pesar de esa inconclusión, creo que es un álbum absolutamente fantástico. Es terrible que alguien haya sentido la necesidad de subir demos inacabados del álbum de Jai Paul, ya que va en contra del proceso creativo de esperar hasta que un proyecto esté terminado antes de lanzarlo al mundo. Sin embargo, lo sorprendente es que, para una filtración ilegal e inacabada llena de demos, es la alta calidad que hay aquí, con tantas pistas simplemente adelantadas a su tiempo y con una escucha impresionante. Si bien se podría argumentar que estamos contentos de tener un álbum de Jai Paul, solo podemos preguntarnos qué pasaría si realmente tuviera la oportunidad de completar el álbum y si le hubieran dejado hacer su trabajo.

1239.- You're No Good - Linda Ronstadt

La nostalgia es una droga increíble. En los años 70, los baby boomers crecían, se casaban, tenían hijos y extrañaban sus días de juventud, mirando hacia atrás en la cultura pop de los años 70, hay un montón de evidencia del tiempo que los boomers pasaron de luto por su juventud colectiva, recordando con cariño el rock 'n' roll de los años 50 y principios de los 60. "You're No Good" de Linda Ronstadt fue el sexto sencillo número uno de 1975, y fue el tercer sencillo número uno que era una versión de una cacnion de los años 60. Cuando “You're No Good” de Ronstadt llegó a las listas de éxitos, la canción tenía 12 años, pero este tercer tema consiguió llegar de una manera diferente, Ronstadt aprovechó un éxito menor, lo sacudió, lo giró e hizo que sonara como si le perteneciera. Todo un acierto. Surgió de la era pop de Brill Building, la época en la que los profesionales de la composición de canciones de Nueva York producían regularmente piezas de R&B inteligentes y pulidas. La versión de Dee Dee Warwick de “You're No Good”, que no llegó al Hot 100 por completo, fue una pieza clásica de la canción de principios de los 60, con un ritmo fuerte y casi latino y una voz principal de blues. Más tarde, en 1963, Betty Everett llegó al puesto 51 con una versión más lenta y coqueta de la canción. Y un año después, Swinging Blue Jeans, la banda de Merseybeat, llegó al puesto número 3 en el Reino Unido y al puesto 97 en los EE. UU. con su propio “You're No Good”, con cambio de género. Así que la canción ya había pasado por algunas manos y había tenido algunas interpretaciones diferentes cuando Linda Ronstadt grabó su versión. Ronstadt llegó a Los Ángeles, venía de Tucson, hija del dueño de una ferretería con profundas raíces en Arizona, y había abandonado la universidad durante su primer año para hacer música. Comenzó cantando para un trío de folk-rock llamado Stone Poneys, y llegaron al puesto 13 con su sencillo de 1967 " Different Drum ", se separaron en 1968 y Ronstadt se hizo solista, cantando una forma cálida y acogedora de country-rock que, sinceramente, era más country que rock. Principalmente cantaba nuevas interpretaciones de canciones antiguas, y la radio country la acogió antes que la radio pop.

Heart Like A Wheel, el quinto álbum en solitario de Ronstadt, resultó ser su gran avance, una mujer ridículamente hermosa, estaba saliendo con Jerry Brown, el joven político que había sido elegido gobernador de California en 1974, el mismo mes en que se estrenó Heart Like A Wheel . Un cierto nivel de fascinación popular vino junto con eso, pero Heart Like A Wheel también fue donde Ronstadt descubrio completamente su sonido, una combinación difícil de precisar de country, folk, rock y soul, Ronstadt no sonaba como si estuviera realizando acrobacias conscientes cuando combinaba estos sonidos, en cambio, los había internalizado a todos por completo, con ella, sonaban naturales. Ronstadt llevaba un tiempo tocando en directo “You're No Good” cuando la grabó. Su bajista, el ex Stone Poney Kenny Edwards, había sugerido la canción. Necesitaba un cierre entusiasta para su set lleno de baladas, y la canción funcionó, fue una elección de último segundo para su inclusión en Heart Like A Wheel, pero se convirtió en la primera pista y el sencillo principal. La versión de Ronstadt de “You're No Good” no es muy diferente de cualquiera de las versiones que salieron una década antes. La sustancia de la canción es la misma. Es un gruñido a un ex reciente, una acusación: “Aprendí la lección, me dejó una cicatriz / Ahora veo cómo eres realmente”. Pero la narradora también admite que ella no siempre ha sido del todo buena: "Rompí un corazón que es gentil y verdadero / Bueno, rompí un corazón por alguien como tú". Esa es la clásica economía de composición de principios de los 60, un personaje y una situación completos esbozados en un par de líneas. Y la voz de Ronstadt, enorme, expresiva y vibrante, vende esa canción y la convierte en un lamento casi country. El arreglo es de blues, construido sobre ronroneos de órganos depredadores y guitarras punzantes. Ronstadt y sus coristas no hacen mucho para actualizarlo, pero lo alargan y hay un gran colapso hacia el final. Los órganos y las guitarras se desvanecen y regresan, regresando con cuerdas tensas, palmadas apagadas y un pequeño riff helado. Honestamente, desearía que más de la canción sonara como el desvanecimiento. Pero todo funciona.

1238.- Junior's Farm - Paul McCartney & Wings

"Junior's Farm" es una canción escrita por Paul McCartney (y acreditada Paul & Linda McCartney), basada en los casi seis meses que en 1970, tras la turbulenta separación de The Beatles, pasó retirado junto a su familia en una cabaña en Escocia. La idea de escribir una canción sobre la tranquila y bucólica vida en una granja le rondó en la cabeza durante mucho tiempo, y finalmente en 1974 decidió hacerla por fin realidad y grabarla con su grupo Wings.

Inspirada en la temática de otro tema a favor de "escapar a una granja" ("Maggie's Farm" de Bob Dylan), "Junior's Farm" no fue ni mucho menos la única canción que el de Liverpool escribió en aquella cabaña en mitad de la campiña, pero sí la que mejor refleja la sensación de alivio y de paz que sentía al recluirse allí y alejarse del estrés y la formalidad del mundo de las discográficas, y pasar el día componiendo tranquilamente en vaqueros y camiseta.

El sencillo de "Junior's Farm" fue publicado por Apple Records en octubre de 1974 con la canción "Sally G" como cara B, y siguiendo la típica pauta de los años sesenta de publicar algunos singles independientes con canciones que no aparecían en los LPs, ninguno de los dos temas fue incluido en su siguiente disco "Venus and Mars" (1975). El single fue un éxito en Estados Unidos, llegando al tercer puesto de las listas de ventas, y tuvo una recepción más moderada en Reino Unido, dónde solo alcanzó el puesto 16.

Electric Light Orchestra - Discovery (Mes Electric Light Orchestra)

Después del gran, bullicioso y fantástico "Out of the Blue", era difícil adivinar hacia dónde iría el cerebro de Jeff Lynne en términos de composición, con ese álbum que abarca tantos temas y al mismo tiempo se une como algo increíble. Y si bien es comprensible que el álbum sea abrumador para algunos con sus 17 pistas, mostró a la banda en su forma más diversa, conmovedora y grande, debido a esto, es comprensible que el próximo álbum inevitablemente no sea tan bueno. Y, por supuesto, eso es lo que pasó, eso no significa que este álbum no sea genial por sí solo, porque está muy subestimado. Aunque este álbum se centra más en la música disco, no es exactamente lo que yo llamaría un álbum disco completo, sino más bien un álbum de rock con mucho pop, muy parecido a los dos álbumes anteriores de la banda, solo que esta vez, más cursi. Eso no es necesariamente algo malo, ya que puede ser divertido si se ejecuta correctamente, y este álbum lo hace bien, pero no de la forma que piensas. Porque aunque sea más cursi, la banda sigue siendo muy disciplinada y con música avanzada. Me gusta escuchar este álbum de vez en cuando, a pesar de ser casi una creación completamente disco-pop. ELO terminó su transformación de una banda creativa con tendencia orquestal a una máquina de éxitos con Discovery, justo a tiempo para el final de una década de brillante música progresiva. Si bien los arreglos corales y de cuerda todavía están aquí como en álbumes anteriores de ELO, uno debe tener cuidado si escucha este álbum por primera vez (lo cual es difícil de imaginar a menos que haya vivido bajo una roca durante las últimas dos décadas). Junto con el ritmo disco, hay un uso casi abrumador de sintetizadores para crear todo tipo de sonidos interesantes, desde ruidos de multitudes hasta secuencias de sueños, campanas, silbatos de trenes y sonidos para los que no tenemos instrumentos naturales

“Shine a Little Love” abre el álbum y no deja dudas sobre el tipo de música que se presenta (Discovery = disco-very, como aprendimos rápidamente en ese entonces), ritmo trepidante, más sintetizador que instrumentos en su mayor parte (aunque Lynne logra algunos riffs de guitarra decentes) y Kelly Groucutt con una línea de bajo que enorgullecería a una banda de funk. Un sencillo de gran éxito mundial, nada más que música de baile popular, ni siquiera lo pretendamos y que marca el tono y el estado de ánimo del álbum: canción disco-pop alegre que te lleva a la suave pista de baile con sintetizadores brillantes, cuerdas arremolinadas y letras que celebran la sensación de estar enamorado de alguien (además de un descarado grito "ELO" en la coda). Sí, no es la canción más compleja o hermosa que jamás hayan hecho, ¡pero qué melodía tan pegadiza! Que así sea. “Confusion” es más de lo mismo, aunque con un ritmo un poco más lento y con algunos teclados y voces de vocoder interesantes, mantiene la bola de espejos girando, aunque sea para un baile lento y romántico. Esta canción continúa y enfatiza el enamoramiento de toda la vida de Lynne por el muro de sonido de Phil Spector, así como por el falsete-pop melodramático de Roy Orbison. “Need Her Love” es una de las dos baladas (“Midnight Blue” es la otra) y fue muy popular durante la parte de baile lento de una buena noche disco en esa época. La guitarra tocando los lánguidos arreglos de cuerdas es bastante seductora. “The Diary Of Horace Wimp” es una especie de “Irene Wilde” cursi, suponiendo que no clasifiques ya a esta última como cursi. Es una canción con historia, que personalmente me gusta, pero lo más importante es que confirmó que la banda al menos estaba tratando de hacer música que fuera más que pistas de baile, si no te importa el uso excesivo del vocoder, un concepto un poco tonto que gira en torno a los días de la semana y un poco de elementos de los Beatles en la mezcla, esta pista es muy divertida.

Con diferencia, la canción más simpática del álbum es “Last Train to London”, otra canción con historia, trata sobre un chico que pierde su tren para poder pasar tiempo con una mujer. También tiene un ritmo de baile, pero los arreglos de cuerdas y la guitarra de Lynne son ELO antiguos y, combinados con el tempo alegre y la voz cómoda de Lynne, se ha convertido en una canción para los amantes a lo largo de los años. El coro es contagioso y los violines disco son el paraíso, el bajo es ligero y juguetón, lo que me gusta es que todavía puedes escuchar rastros de ELO antes de la fama, como mi odiado ELO 2, en estas canciones. Sorprendentemente, la canción decididamente no disco, “Midnight Blue”, es también probablemente la más aburrida, debido en gran parte al arreglo poco ambicioso y al molesto falsete de Lynne. “On the Run” es pura felicidad ELO con sintetizadores fantásticos y extravagantes. “Wishing” con su introducción de sintetizador de ensueño suena como si fuera una película de tu infancia que nunca has visto, quizás estas son las dos canciones mas flojas. El álbum cierra con “Don't Bring Me Down”, que no necesita descripción ya que fue un éxito disco-pop intergaláctico en 1979 que todavía se reproduce regularmente en la radio FM en la actualidad.

Cinco de las nueve canciones del álbum se convirtieron en éxitos en Europa, Estados Unidos o ambos: “Shine a Little Love”, “Confusion”, “The Diary of Horace Wimp”, “Last Train to London” y la primera y Único sencillo #1 “Don't Bring Me Down”. La única manera justa de calificar este álbum es en su contexto con el resto del trabajo de ELO; de lo contrario, cualquier valoración debe considerar su relevancia como estándar de danza, o como trabajo progresivo (obviamente no lo es), o como álbum pop, que en realidad tampoco lo es. Como se dijo anteriormente, Lynne y el resto de la banda hicieron tantas paradas para su álbum anterior, que no dejaron una dirección clara para su próximo álbum, lo que significó que sin duda tendrían dificultades con su próximo lanzamiento en términos de encontrar uno. Entonces, parece que simplemente popificaron lo que funcionó y lo condensaron, y aunque eso no arruinó el álbum de ninguna manera, se siente mucho menos como un paso adelante, sino más bien como una forma de atraer a la audiencia cuando se lanzó este álbum. Sigue siendo bueno, pero la ambición era menor, ya que la mayor parte ya se usó en su álbum anterior. Además, creo que el álbum también podría haber fluido mucho mejor, porque si bien la estructura del álbum no es mala, el ritmo se sintió un poco incómodo, lo que también hizo que el álbum se sintiera un poco desigual. Aparte de eso, si mezclas el excelente material antes mencionado con la excelente composición y producción habitual, lo que tienes aquí es una joya subestimada en la discografía de ELO, un gran álbum en una situación incómoda, ya que viene justo después de un lanzamiento tan monumental, además de que falta una dirección musical clara. De hecho, el hecho de que siga siendo tan bueno es casi increíble, con muchas secuelas de álbumes increíbles que generalmente apestan. Se centra en la función sobre el estilo, porque si bien no es nada alucinante de ninguna manera, la música sigue siendo excelente y los tecnicismos detrás del álbum están bien hechos. Puede que no sea la banda en su mejor momento, pero está lejos de ser la banda en su peor momento, y es una banda por la que no puedo evitar mostrar un poco de amor, ya que, a pesar de sus defectos, no me deprime.

1237.- Slow Train - Status Quo

Los Status Quo de principios de los setenta eran una banda de cuatro melenudos que bajaban sus cabezas, subían el volumen de sus amplis a tope y rockeaban sin rivales. Para los amantes de las efemérides deciros que fueron los pioneros del doble punteo (sí,sí!), los que impusieron la estética heavy rockera gracias a la brutal portada para la época de Piledriver (1972) e hicieron que muchos chavales se interesasen por el hard rock, incluidos gente tan famosa y grandes fans de la banda como Lars Ulrich de Metallica o Bob Rock. En 1974 Status Quo ya tenía suficiente base de fans para que tuviera exito casi todo lo que hacían y llegara directamente a los niveles más altos de las listas. Queriendo ser tomado en serio como un acto de valor propio, 'Quo' varía ligeramente la fórmula exitosa. En general dieron un toque más duro a las canciones y actuaciones, con menos énfasis en el lado más pop de la banda. 'Quo' por lo tanto es rock n roll desde la cabeza a los pies, algunas canciones ofrecen solos de guitarra adecuados y/o duelos, otras ofrecen muchos actos destacados por parte del baterista, a pesar de que constantemente parecen entrar en mi cerebro imágenes de bateristas explotando, también conocidos como Spinal Tap. Al final, todo es muy divertido, ya que Quo ha construido su base de fans a través del trabajo duro y presentaciones en vivo bien recibidas. 'Quo' es un álbum para complacer a un fan del rock, es un álbum que contiene una sección media magníficamente sólida, suficiente variación para que el oyente no se aburra y una gratificación instantánea cuando escuchas el disco por primera vez.

El tema elegido del disco es la canción que cierra el disco y en sus casi ocho minutos de duración nos recuerda a un tren con sus constantes cambios de ritmo que pudieran ser las paradas y salidas de las diferentes estaciones con sus viajeros subiendo y bajando en este tren lento, todo ello con el particular ritmo, santo y seña de los Quo, con arreglos de nuevo a doble guitarra, con un final de canción con un mini solo de batería incluido que da paso a un estruendoso final donde puedes imaginarte perfectamente, gracias a la evidente potencia que desprende, a toda la banda al unísono menear sus larguísimas melenas mientras sus piernas se entrecruzan para hacer una piña demoledora. Su portada demuestra la fuerza del disco, donde las cuatro cabezas emergen voluptuosas de la faz de la Tierra sin poder contener toda su energía. Y recordad que es un disco de 1974. Ya les gustaría a muchas bandas de hoy día sonar así, so,lo os queda preparaos para disfrutar del paisaje y de la compañía que a cada uno os haya tocado en el vagón de este tren, disfrutad de la música y de las vistas que podemos contemplar a través de las ventanillas al paso de este tren mientras el tiempo avanza lento pero imparable a través de las bucólicas praderas. 

1236.- Autobahn- Kraftwerk

 

Autobahn, Kraftwerk

     Autobahn es el cuarto álbum de estudio de Kraftwerk, lanzado en 1974. La banda alemana, conocida por su enfoque pionero en la música electrónica, quería capturar la sensación de conducir en una autopista alemana. La canción homónima, Autobahn, es la pieza central del álbum y se extiende a lo largo de 22 minutos en la versión original del álbum. Sin embargo, también se lanzó una versión más corta para sencillo. La canción comienza con el sonido de un motor de automóvil arrancando, seguido de una línea de bajo pulsante interpretada en un sintetizador Minimoog. A medida que la canción avanza, se incorporan elementos acústicos, como una flauta y guitarras atmosféricas, creando una sensación de movimiento constante. La voz procesada con vocoder agrega un toque futurista y robótico a la canción.

Las letras en alemán describen la experiencia de conducir por una autopista, con referencias a señales de tráfico, paisajes y la sensación de velocidad. El estribillo principal, “Fahren Fahren Fahren” (que significa “conducir, conducir, conducir”), se repite a lo largo de la canción. Aunque algunos oyentes pensaron que la frase era “Fun Fun Fun” en inglés, no hay relación directa con la canción de The Beach Boys con el mismo título. 

La canción fue un éxito para Kraftwerk, alcanzando el puesto número 11 en las listas británicas y el número 25 en el Billboard Hot 100 de EE. UU. La canción se convirtió en un himno para la banda y estableció su reputación como innovadores en la música electrónica, y su enfoque en la repetición rítmica y la creación de paisajes sonoros influyó en géneros posteriores como el techno y el ambient.

Autobahn se ha convertido, por derecho propio, una obra maestra que combina elementos electrónicos y acústicos para evocar la experiencia de viajar por una autopista. Su influencia perdura hasta hoy y sigue siendo un hito en la historia de la música electrónica.

Electric Light Orchestra - Out of the Blue (Mes Electric Light Orchestra)

"Out of the Blue" (1977) es el séptimo disco de estudio de la Electric Light Orchestra. Como en discos anteriores, Jeff Lynne se encargó de la composición de las canciones y de la producción del álbum, escribiendo todos los temas durante un mes que pasó "encerrado" en un chalet alquilado en los Alpes Suizos. Algo más complejo fue el proceso de grabación, que se llevó a cabo durante dos meses en un estudio en Munich.

El disco comienza con el tema "Turn To Stone", un tema de pop rock aderezado por arreglos de cuerdas y efectivas armonías en falsete, creando un juego de llamada y respuesta con la voz principal de Jeff Lynne, en un efecto que es aún más potente cuando el resto de instrumentos se detienen y un trabalenguas de voces superpuestas se desata al ritmo de la solitaria batería de Bev Bevan. Tras este brillante comienzo, le llega el turno a "It's Over", una canción de corte más clásico y sencillos acordes, dónde de nuevo destaca la intensidad de las voces y los arreglos de cuerda. Con "Sweet Talkin' Woman" llega el primer gran cambio de tercio del disco, en un giro hacia ritmos más bailables y cercanos a la música disco, en un gran trabajo del batería Bev Bevan, sin dejar de lado por ello el toque de pop clásico en las melodías y las voces, y los arreglos de piano y cuerdas marca de la casa. Y para terminar la cara A del primer disco, llegan los aires mexicanos de "Across the Border", con un destacable solo de violín a cargo de Mik Kaminski.

En la cara 2 encontramos grandes canciones, pero sin duda la más top es "Night in the City", uno de los mejores temas de la discografía de la banda británica. Canción redonda y de brillante estribillo, que comienza con un teclado que simula el intenso ruido producido por un atasco de tráfico, mezclado con una sección de cuerdas. No es gratuito ni azaroso el orden de las canciones, porque tras este reflejo de una ajetreada y ruidosa noche en la ciudad, en "Starlight" Jeff Lynne busca el contraste extremo y nos escribe una noche mirando las estrellas en su retiro de los Alpes Suizos, y nada más lejos del asfalto y el ruido de automóviles que "Jungle", plagada de sonidos que recuerdan a Tarzán en una frondosa jungla plagada de elefantes, en la que probablemente sea la canción más extraña del disco. Tras esta rareza, en esta cara aún encontramos espacio para un breve interludio de piano y orquesta ("Believe Me Now"), y para "Steppin' out", la tierna balada a la que sirve de orquestal introducción, un tema de suaves arreglos y letras sobre el momento de abandonar el hogar y buscar tu propio destino, que en el último tramo de canción se vuelve más compleja entre capas y capas de guitarras y coros, cerrando la cara 2 en lo más alto.

La cara 3 está dedicada a las cuatro partes de una suite musical completa, plagada de arreglos orquestales y titulada "Concerto for a Rainy Day" ("Concierto para un día de lluvia"). La suite se inspira en la lluvia de las montañas de Suiza, y por tal motivo salteada de efectos de lluvia y truenos entre cada una de las diferentes partes, tituladas "Standin' in the Rain", "Big Wheels", "Summer and Lightning" (la mejor pieza de esta mini obra y una de las mejores canciones que nos dejó la ELO a lo largo de su carrera discográfica) y "Mr. Blue Sky", una canción que celebra la llegada del amanecer después de una intensa tormenta nocturna en el chalet de Lynne en las montañas de Suiza, y que fue publicada como segundo single del disco.

En la última cara del segundo disco encontramos piezas de corte funk y pinceladas de glam rock ("Sweet Is the Night"), temas instrumentales y atmosféricas ("The Whale", inspirada en un programa de televisión sobre la caza de las ballenas), canciones de blues rock de carretera y manta ("Birmingham Blues") y sobre todo "Wild West Hero", el que fuera tercer single del disco, una canción que cierra en lo más alto Out of the Blue, un disco que se convirtió en su obra de más éxito a nivel comercial, pues vendió cerca de cuatro millones de copias en su lanzamiento, con cinco singles de éxito (fue el primer disco doble en tener cuatro singles que alcanzaran el top 20 de las listas británicas), y llegó a la friolera de diez millones de copias vendidas en 2007. En resumen, "un disco increíble", entrecomillado y en cursiva porque no (solo) lo decimos nosotros, sino que son las palabras con las que lo definió Axl Rose, declarado fan de la Electric Light Orchestra, nuestra protagonista del mes de mayo de 2024 en 7dias7notas.

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

Bob Marley and the Wailers es una de las bandas más influyentes de la música reggae, y su legado se extiende mucho más allá de las fronteras de Jamaica. Fundada en 1963 bajo el nombre original de The Wailing Wailers, la banda se consolidó como un pilar fundamental del género, liderada por la icónica figura de Bob Marley. Marley, junto a los miembros originales Peter Tosh y Bunny Wailer, creó una mezcla única de reggae, ska y rocksteady que resonó con audiencias globales, difundiendo mensajes de amor, resistencia y unidad.

Bob Marley y los Wailers comenzaron su carrera en una Jamaica marcada por la desigualdad y la agitación política. Las primeras canciones de la banda, como "Simmer Down" y "One Love", se centraban en temas de paz y amor, con un ritmo pegajoso que capturó la atención tanto de los locales como de un público internacional emergente. En 1974, Peter Tosh y Bunny Wailer abandonaron la banda, y Bob Marley continuó con los Wailers, añadiendo nuevos miembros como los hermanos Barrett, Aston en el bajo y Carlton en la batería, quienes contribuyeron significativamente al sonido distintivo del grupo.

El éxito internacional llegó con álbumes como "Catch a Fire" (1973) y "Rastaman Vibration" (1976), pero fue "No Woman, No Cry" la canción que se convertiría en un himno universal. Este tema, incluido en el álbum "Natty Dread" de 1974 y popularizado por la versión en vivo de "Live!" de 1975, encapsula la esencia de la música de Marley: un mensaje de esperanza y consuelo frente a la adversidad.

"No Woman, No Cry" es, sin duda, una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and the Wailers. Escrita por Marley y Vincent Ford, un amigo cercano de su juventud, la canción se inspira en las experiencias de la vida en los barrios pobres de Trenchtown, Kingston. A través de sus letras, Marley pinta una imagen vívida de la lucha diaria y la resiliencia de las comunidades empobrecidas, mientras ofrece un mensaje de consuelo a las mujeres y a todos los que sufren.

El título, a menudo malinterpretado como una declaración contra las mujeres, en realidad significa "No, mujer, no llores". Es un llamado a mantener la esperanza y la fortaleza a pesar de las dificultades. La canción recuerda tiempos más simples, momentos de camaradería y apoyo mutuo, como se refleja en líneas como:

> "Good friends we have, oh, good friends we've lost along the way.

> In this great future, you can't forget your past;

> So dry your tears, I say."

La versión en vivo de "No Woman, No Cry" es particularmente poderosa, con la emotividad de la voz de Marley y el acompañamiento instrumental que crea una atmósfera cálida y reconfortante. Esta versión, grabada en el Lyceum Theatre de Londres en 1975, se convirtió en un éxito masivo y consolidó la reputación de Marley como un artista que podía tocar el alma de su audiencia con su música.

El impacto de "No Woman, No Cry" trasciende lo musical. La canción ha sido interpretada como un símbolo de resistencia y esperanza, y ha sido versionada por numerosos artistas de diversos géneros, lo que atestigua su relevancia y universalidad. Bob Marley, a través de esta y otras canciones, se convirtió en una voz para los oprimidos y un ícono del movimiento rastafari, que aboga por la paz, el amor y la igualdad.

Marley utilizó su plataforma no solo para entretener, sino también para educar y movilizar a las masas. Canciones como "Get Up, Stand Up" y "Redemption Song" complementan "No Woman, No Cry" en su mensaje de lucha por la justicia y la libertad. Su influencia se siente en movimientos sociales y culturales en todo el mundo, y su música sigue siendo una fuente de inspiración para generaciones enteras.

Bob Marley and the Wailers, y en particular la canción "No Woman, No Cry", representan mucho más que simples expresiones artísticas. Son testimonio de la capacidad de la música para unir a las personas, para proporcionar consuelo en tiempos difíciles y para inspirar cambios sociales significativos. La historia de Marley y su banda es una de superación, creatividad y un profundo compromiso con los principios de igualdad y justicia. Su legado perdura, y "No Woman, No Cry" sigue siendo un faro de esperanza y resistencia en un mundo que a menudo necesita ser recordado de la importancia de ambos.

Daniel 

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1234 - Kiss - Parasite

1234 - Kiss - Parasite

Kiss es una banda de rock estadounidense formada en Nueva York en enero de 1973. Conocidos por su estilo glam rock, maquillaje icónico y actuaciones en vivo llenas de energía, Kiss ha dejado una huella indeleble en la historia del rock and roll. Entre sus numerosas canciones, "Parasite" destaca como una joya menos conocida pero igualmente poderosa. Este tema, incluido en su segundo álbum de estudio, *Hotter Than Hell* (1974), captura la esencia cruda y vibrante de la banda durante sus primeros años.

"Parasite" fue escrita por el guitarrista principal de la banda, Ace Frehley, quien en ese momento era una de las fuerzas creativas más importantes de Kiss. Aunque Frehley escribió la canción, fue interpretada vocalmente por el bajista Gene Simmons, ya que Frehley no se sentía cómodo cantando en ese momento de su carrera.

Musicalmente, "Parasite" se destaca por su riff inicial, un patrón de guitarra agresivo y pegadizo que inmediatamente capta la atención del oyente. Este riff establece el tono de la canción: directo, enérgico y sin concesiones. La batería de Peter Criss proporciona un ritmo sólido y contundente que complementa perfectamente las guitarras de Frehley y Paul Stanley.

La letra de "Parasite" refleja una temática de traición y desilusión. La figura del "parásito" se utiliza como una metáfora para describir a alguien que se aprovecha de otra persona, drenando su energía y recursos. Gene Simmons canta con un tono de desprecio y resignación, transmitiendo la frustración y el dolor de sentirse utilizado.

El estribillo es simple pero efectivo, con la repetición de la palabra "parasite" que refuerza la idea central de la canción. La letra, aunque no es excesivamente compleja, es directa y efectiva en su mensaje, lo que resuena con el estilo general de Kiss en esa época.

La producción de *Hotter Than Hell* ha sido objeto de críticas mixtas a lo largo de los años. Algunos fans y críticos consideran que el sonido del álbum es más "sucio" y menos pulido en comparación con otros trabajos de la banda. Sin embargo, este enfoque de producción añade una capa de autenticidad y crudeza a "Parasite" que, de otra manera, podría haberse perdido.

La mezcla destaca los elementos más importantes de la canción: las guitarras y la batería. La voz de Simmons está bien equilibrada con la instrumentación, permitiendo que las letras sean claramente audibles sin opacar la fuerza musical de la pista. El solo de guitarra de Frehley en "Parasite" es otro punto culminante, mostrando su habilidad técnica y su estilo característico que mezcla velocidad y melodía.

Aunque "Parasite" no fue lanzada como sencillo, ha sido una favorita de los fans en los conciertos de Kiss. La energía bruta y la actitud desafiante de la canción la han convertido en una pieza esencial en muchos de sus setlists en vivo. Con el tiempo, ha sido reconocida como una de las mejores composiciones de Ace Frehley y un ejemplo representativo del sonido clásico de Kiss.

El legado de "Parasite" se ha mantenido fuerte a lo largo de las décadas, siendo versionada por varias bandas y apareciendo en numerosos recopilatorios de Kiss. La canción es un testimonio del impacto duradero de la banda y su capacidad para crear música que resuena con generaciones de fans del rock.

"Parasite" es una muestra vibrante de la destreza musical y la actitud sin concesiones de Kiss en sus primeros años. La canción encapsula perfectamente la mezcla de energía cruda, letras provocadoras y habilidad técnica que define a la banda. A pesar de ser una pista menos conocida en comparación con sus éxitos más grandes, "Parasite" es una pieza esencial en el catálogo de Kiss y un recordatorio del poder duradero de su música.

"Parasite" no solo destaca como una de las mejores canciones de *Hotter Than Hell*, sino también como un testimonio del talento de Ace Frehley y la química inigualable de Kiss como banda. Su energía cruda y su mensaje directo continúan resonando con los fans, asegurando su lugar en la historia del rock.

Daniel 

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1233.- It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT) - The Rolling Stones

 

It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT)

     It's Only Rock 'N Roll es el duodécimo álbum de estudio de la banda inglesa The Rolling Stones. Fue grabado en varias etapa entre 1972, 1973 y 1974, bajo la producción de The Glimmer Twins, y publicado el 18 de octubre de 1974 bajo el sello discográfico The Rolling Stones, propiedad del propio grupo. Fue el último álbum que contó con el guitarrista Mick Taylor. Curiosamente, la canción que da título al disco tuvo una conexión con el eventual reemplazo de Taylor, Ronnie Wood. Es este un disco que combina el sonido del blues y el rock and roll con elementos de funk y reggae. A pesar de no tener tanto éxito como su álbumes anteriores, llegó a alcanzar el puesto número uno en Estados Unidos y el número dos en Reino Unido.

Tras la salida del productor Jimmy Miller, el álbum fue autoproducido por el guitarrista Keith Richards y el cantante Mick Jagger bajo el pseudónimo "The Glimmer Twins". Taylor, el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts tocaron en la mayoría de las pistas, mientras que lo colaboradores habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins y Billy Preston contribuyeron con la instrumentación adicional. También contó el disco con la primera colaboración del percusionista Ray Cooper, quien continuó trabajando con los Rolling Stones hasta la década de los años 80.

La canción principal, It's Only Rock 'N Roll (But I Like It), se grabó por separado del resto del disco. La pista rítmica básica había sido creada por miembros del grupo The Faces, incluidos Ronnie Wood, durante una sesión improvisada con Jagger, David Bowie y el bajista Willie Weeks. A Jagger le gustó tanto la canción que le llevó la pista básica a Keith Richards, quien añadió alguns sobregrabaciones de guitarra, y después de pulirla un poco, se incluyó en el álbum tal cual.

Estamos ante una sencilla pero efectiva celebración del rock and roll, en la que el guitarrista de The Faces, Ron Wood, que todavía no estaba en el grupo, tuvo un papel importante. Wood vivía en una finca londinense llamda The Wick, que más tarde compraría Pete Townshend. Fue allí donde surgió aquella improvisada canción con Jagger en la voz, Bowie cantando de fondo, Willie Weeks en el bajo, y el compañero de Woods, Kenney Jones, en la batería, además del citado Woods en la guitarra. Más tarde le serían añadidas al tema algunas guitarras de Keith Richards.

sobre este tema el propio Mick Jagger explicó: "El título ha sido usado muhco por los periodistas, la frase se haconvertido en una gran cosa. Esa versión que está allí es la versión original, que fue grabada a medias en el sótano de Ron Wood, si mal no recuerdo. Ea una Demo. Es una canción muy de Chuck Berry, pero tiene un sentimiento diferente a de una canción de Chuck Berry. En realidad, no puedes hacer imitaciones de las personas. En la pintura, siempre tienes que empezar imitando a algún artista famoso. Siempre comienza siendo un impresionista y luego se convierte en el artista abstracto más famoso. O un actor comienza imitando el estilo de otra persona y luego desarrolla el suyo propio. Y creo que eso es lo que pasó con esta banda y todos los músicos que la componen. Has jugado con él. Comienzas con una cosa y luego mutas en otra, pero aún reconoces el hecho de que estás influencias vienen de aquí y de allí, porque no todos lo saben... Con toda esa música diferente, todo este blues, toda esa música country, todo este jazz, música dance y reggae, ya sabes, haces algo que es tuyo".