Disco de la semana 381 - Ópera Rock Triunfo - Mojinos Escocíos

Nunca una broma debió ser tomada tan en serio como la Ópera Rock Triunfo (2003), el sexto álbum de los Mojinos Escozíos, un grupo que, al contrario que el resto, que se esmeran toda su vida en que sus obras sean valoradas y tomadas en serio, parece esmerarse en que todo sea una eterna gran broma en la que el descaro y la sorna nunca tienen límites, pero la realidad es que por más que lo intenten, no logran ocultar que tras la infinita y ocurrente sátira en la que envuelven sus temas más populares se esconde un grupo con un nivel musical muy alto, que en ningún caso puede ser considerado a la ligera.

Y eso les legitima aún más en su crítica parodia de Operación Triunfo, construida en base a desternillantes letras pero a la vez basada en una estructura musical tan sólida como vibrante. Especialmente apreciable es, además, que esta Ópera Rock con todas las letras, distribuida en 5 actos, fuera interpretada en directo en un concierto único y especial. Para que nadie se llevara a engaño, la primera pista es una Intro vocal en la que "El Sevilla" explica el proyecto y avisa al público de que lo que van a ver no es un concierto normal. Tras esta introducción, arranca el primer acto de un auténtico disco conceptual en vivo y en directo.

El Acto I (Tó er día cantando) comienza con La infansia de Federico, hilarante canción en la que describen el nacimiento y primeros años de vida del protagonista, tan predestinado a dedicarse a la canción como alérgico a cualquier otro tipo de trabajo. La revisión de su infancia continúa con Las tablas de multiplicá y con la brillante Federico el Cantarín, con momentos en los que, como en todo buen musical, los músicos vuelven a los ritmos y las frases centrales que le dan cohesión y entidad a la obra completa.

En el Acto II (Pacto satánico) entra en escena el personaje del representante que contrata a Federico, tan maléfico y retorcido que resulta ser el mismísimo Satán, en El mánager que venía de las tinieblas, una figura oscura con la que Federico hace un pacto al más puro estilo de Robert Johnson n el mítico cruce de caminos. Entre paródicos ramalazos de ritmos funky disco, el mánager da su particular consejo a Federico sobre como triunfar en el mundo de la música en El consejo (pon el culo) y Federico vende su alma bajo el lema de Que trabajen los romano (que tienen el pecho de lata).

Los acontecimientos se van desencadenando en el Acto III (Pó vale, pó me apunto) en el que Federico toma la decisión de inscribirse en la "Ópera Rock Triunfo", un programa televisivo en el que cantantes aficionados compiten por ser los ganadores del concurso y lograr así el ansiado éxito. En este acto, Federico agradece el apoyo de sus familiares y entorno, que lógicamente le consideran un portento por encima de cualquier otro, en temas como Los consejo de papá o Es de bien nasíos ser agradesíos. Toda esa coba desmedida desemboca en el hit Qué guapo que soy, una de las canciones más populares de los Mojinos o, en este caso ficticio, del simpar Federico.

El Acto IV (La gran finá) es una hilarante representación del gran duelo entre los dos cantantes finalistas (Federico, Mateo y Manolito), y tiene la particularidad de que, en un guiño al formato característico de Operación Triunfo, las canciones con las que los finalistas se baten el cobre en directo son en su mayoría versiones de otros artistas en lugar de temas propios de los Mojinos. Comienza con la Presentación de Federico, que acto seguido interpreta el Supermán de Miguel Bosé (mezclada con toques del “Thunderstruck” de AC/DC, y prosigue después con la Presentación de Mateo, que a continuación interpreta Dejad que las niñas se aserquen a mí de los Hombres G. Por último, conocemos al tercer finalista en Presentación de Manolito Márquez, y en su interpretación de Que se mueran tó los feos.

El Acto V (La decepción) muestra a Federico la dura realidad de que, pese a tener una buena voz y llegar a la final, no acaba llevándose la victoria. El título de Federico se comió un mojón es bastante clarificador del fracaso del protagonista, que busca entonces apoyo en su satánico manager, que le consigue algunos conciertos con los que intentar relanzar su carrera. Sin embargo, en El día del consierto las cosas no salen todo lo bien que a Federico le hubiera gustado, y el último tema del disco es tan cruel como brillante en la versión de los Mojinos del clásico de Status Quo "Whatever you want", con los coros del estribillo transformados en "No vale pa ná", y repetidos a lo largo de los más de nueve minutos de duración de este apoteósico final de la "Ópera Rock Triunfo" de los Mojinos Escozíos, una obra maestra del humor satírico que todo amante de la música rock debería tomarse más en serio, porque nunca falla. Es escucharla, y pasarse inmediatamente después "Tó er día cantando..."

1254.- Shelter From The Storm - Bob Dylan

 

Shelter From The Storm, Bob Dylan

     Shelter from the Storm, canción de Bob Dylan, es toda una joya poética. Compuesta por el genial compositor y músico estadounidense, fue publicada en su álbum de estudio de 1975, Blood on the Tracks. A lo largo de los años, la canción, gracias a una evocadora lírica y una emotiva melodía, ha dejado una huella profunda en los corazones de todo aquel que la escuha. 

La canción se sitúa en un momento de reflexión y nostalgia. El narrador, que ha experimentado las dificultades y desafíos de la vida, busca refugio y consuelo. La figura femenina de la canción, posiblemente una amante o una musa, le ofrece "Shelter from the storm" (refugio de la tormenta). Ella le ofrece refugio del mundo exterior hostil y tumultuoso, le ofrece un lugar seguro donde encontrar paz y consuelo.

Uno de los versosmás icónicos dice: "Twas in anothr lifetime, one of toil and blood / When blackness was a virtue and the road was full of mud / I came in from the wilderness, a creature void of form / 'Come in', she said, ''ll give you shleter from the storm" (Fue e otra vida, una de trabajo y sangre / Cuando la oscuridad era una virtud el camino estaba lleno de barro / Llegué del desierto, una ciratura sin forma dijo / Entra, te daré refugio de la tormenta). Estos versos capturan a la perfección la sensación de vulnerabilidad y la búsqeda de refugio del narrador en medio de la adversidad.

Shelter form the Storm ha sido interpretada en vivo en muchas ocasiones por Dylan, y versionada por multitud de artistas, lo que da una idea del alcance y la importancia de esta canción. La belleza de esta canción radica en su ambigüedad: ¿Es la figura femenina una persona real o una metáfora de la esperanza?. Estamos ante una de las canciones favoritas de los fans de Dylan, así que, si alguna vez te encuentras bajo la lluvia de la vida, recuerda estas palabras: "I'll give you shelter from the storm".

1253.- Cancion para la navidad - Jose Luis Perales

1973 fue el pistoletazo de salida de la carrera de José Luis Perales: lanzó su primer álbum de estudio titulado "Mis canciones". Este álbum marcó el inicio de su carrera como cantante solista, aunque ya había logrado cierto reconocimiento como compositor para otros artistas, tuvo un gran éxito gracias canciones como Celos de mi guitarra, o Cosas de Doña Asunción, sin duda este lanzamiento fue crucial para su carrera, ya que le permitió presentar al público su estilo único y su capacidad para escribir canciones emotivas y melódicas. Antes de este lanzamiento, Perales había escrito canciones para otros artistas, pero "Mis canciones" le dio la oportunidad de interpretar sus propias composiciones y establecerse como un cantante de baladas románticas. El éxito de este álbum le abrió las puertas a una carrera musical prolífica que se ha extendido por décadas. 1974 sería el año de la confirmación con la publicación del “temido” segundo álbum, “El pregón”, el álbum incluye una mezcla de baladas románticas y canciones con temáticas sociales y personales, consolidando aún más su reputación como un maestro de la canción en español, mantiene su estilo característico de baladas suaves, con arreglos orquestales que realzan la emotividad de sus letras con unas melodías muy melódicas. La canción que da título al álbum, "El pregón", es especialmente significativa por su contenido lírico profundo y su capacidad para conectar emocionalmente con el oyente y retrotraernos a otras épocas en los pueblos, otro tema a destacar es Quiero ser agua fresca, otra muestra más del arte poético que atesora en su interior Jose Luis Perales expresando sentimientos profundos y universales a través de palabras sencillas.

Nos vamos a detener en un tema que quizás no es el más brillante pero si el que más impacto tuvo, me refiero a Canción para la navidad, una composición describe la “forma de vida” de marineros, caminantes y soldados en estas fechas tan importante como era la Navidad y más en la época que se publicó el álbum, una época con una fuerte inmigración interior y donde esos días representaban el encuentro de las familias, quizás ahora tengamos muy olvidado la  importancia de las mismas en una sociedad tan mercantilizada. La habilidad de José Luis Perales para capturar la esencia de las emociones humanas en sus canciones provoca que este tema aun siga siendo recordado durante las festividades navideñas. Su enfoque en la mezcla de alegría y melancolía refleja la profundidad y la dualidad de la experiencia humana, algo que resuena profundamente en el contexto de la Navidad y nos incita a la reflexión, a buscar la felicidad y compartir momentos, dejando atrás tristezas y recuerdos desagradables, es una de esas melodías que se han convertido en parte del repertorio navideño en muchos hogares hispanohablantes.

Novedad Musical 2024: Can We Please Have Fun - Kings of Leon

Artista: Kings of Leon 

Album: Can We Please Have Fun

Fecha de Publicacion: 10 de mayo 2024

Genero: Pop Rock, Indie Rock

Estrellas: 4 / 5

Kings of Leon ha llegado a su noveno disco de estudio, y ya podemos considerar a este excelente cuarteto como una banda con un buen catálogo y no solo como a una banda de música del momento, una banda pasajera, un desafío en estos días que nuestras bandas favoritas tratan de seguir sobreviviendo mientras al mismo tiempo, llegan bandas más nuevas para apoderarse de su merecida participación de mercado y nuestro tiempo de escucha. Kings of Leon se abre camino, con la carga que le suponen su nombre y de la fuerte expectativa que provoca como una banda de rock cuyos días de gloria ocurrieron en la época en que Foo Fighters emergía a la superficie. Mantener este tipo de forma y permanecer en la esfera de la actualidad se seguir siendo relevante es una rareza. Y por eso puedo decir que Can We Please Have Fun es una grata sorpresa que nos regala la banda formada en Nashville porque deciden cambiar el tono de su trabajo, pero mientras buscan nuevos horizontes, hay una sensación de familiaridad con la parte principal de estas pistas. Enhebran bien la aguja en su noveno álbum, Can We Please Have Fun es desesperado y arañante mientras busca atraer a nuevos fans en un mundo que se va al garete, un ejemplo es la canción con la empieza el disco, Ballerina Radio, tiene el habitual lamento sincero que puede parecer anticuado pero que te atrae con las inconfundibles texturas frágiles de Caleb, mientras que el muro de sonido del bajo funciona bien con el tono que buscaba la banda, la pista tiende a la simplificación permitiendo que las voces ocupen un lugar central, que por sí solas llevan la melodía. Es sorprendente ver crecer a la banda y que el álbum parezca diferente pero respetuosos con sus álbumes anteriores, en Rainbow Ball se escucha a Caleb Followill en buena forma, este tema y en otros que podemos encontrar como Nowhere to Run, que aportan una sección alegre y llena de ritmo a la discografía de la banda, reflejada en el toque rítmico de la batería y saltando de la serenidad a estallidos de agresión, cubriendo una variedad de emociones a lo largo de la canción y creando un mensaje de rock ligero con muchos matices de estilo nuevos, pero también en las profundidades duras y bien mezcladas, como ejemplo Actual Daydream. Otro aspecto que me ha gustado es la influencia del shoegaze en “Seen” es probablemente donde la banda más brilla, con un crescendo muy bien elaborado y melodías pegadizas en todas partes. Don't Stop The Bleeding es una pieza elegante que perdura como un riff de Arctic Monkeys con los mismos atractivos de sus trabajos anteriores. Piezas de rock rígidas y rectas como Nothing to Do persisten como suaves intentos de atraer a una vieja multitud, aunque no llegan a ser el boom de la vida del rock and roll como alguna vez fueron percibidos.

Kings of Leon necesitaba una reorganización, aceptar la necesidad de una nueva imagen y buscarla es un paso más grande que el que la mayoría daría, y el resultado es un conjunto de pistas de relleno sólidas y algunos sencillos de interés en los que arremeten contra su yo pasado por no haberse saltado las normas antes, Can We Please Have Fun está destinado a ser una pieza culturalmente aceptable, tiene el tono, el estilo y la estructura de un álbum que reproduce los estilos de la época y lo mejor es que funciona, suenan cómodos consigo mismo. Quizá la banda no ha logrado renovar su sonido lo suficiente como para evitar las comparaciones con artistas que trabajaban en estas escenas de rock indie hace una década, pero al menos lo hace funcionar y durante gran parte de este álbum hay una replicación del tono a medida que se abren camino a través de nuevos estilos de género. 

Elton John - Elton John (Mes Elton John)

 

El segundo álbum de Elton John es una combinación interesante de estilos enfrentados, algunos de ellos suenan como el clásico Elton John y otros suenan como si realmente no supiera cómo quiere sonar. A mí me suena mucho a un debut en el sentido de que parece que no ha encontrado su voz. Una cosa por la que no se puede criticar a Elton John, en mi opinión, es por su fuerte sentido de la melodía, además, cuanto más presto atención a las letras de Taupin, más pienso que es realmente bueno. Escuchar este álbum me hizo leer sobre su proceso y me sorprendió saber que, durante la mayor parte de su carrera, Taupin nunca se había juntado con John en el estudio y que Taupin simplemente le enviaba a John las letras y John componía la música, es fascinante que tantas canciones icónicas se hayan escrito de esta manera. Así la asociación de compositores de Elton John y Bernie Taupin fue imparable durante la mayor parte de la década de 1970, un gigante que derribó cualquier canción que se interpusiera entre él y el puesto número uno en las listas. Pero su éxito no se debió a las letras de Taupin, no hay mayor testimonio de la prodigiosa habilidad y talento compositor de Elton que el hecho de que fue capaz de hacer tantas canciones geniales con letras tan horribles. Elton estaba en tan buena racha en la primera mitad de los años 70 que casi cualquiera podría haberle dado casi cualquier letra y él podría haberle sacado oro glam rock.

 

El álbum de Elton John se puede dividir fácilmente en dos conjuntos de canciones: canciones con letras que tienen sentido y significado, y canciones que no. Apostaría mi vida a que si a 50 oyentes al azar se les pidiera que clasificaran las canciones de Elton John en estas dos categorías, más del 95% de las veces las clasificarían todas de la misma manera. “Your Song” entra en la primera categoría; parte de lo que hizo de esta una de las canciones más importantes de Elton fueron esas exquisitas líneas: “Puedes decirle a todos que esta es tu canción... Espero que no te importe que lo haya escrito en palabras/Qué maravilloso”. la vida es, ahora estás en el mundo”. ¿A quién no le gustaría una letra así? Escribí esta canción para ti, espero que no te importe, pero haces que mi mundo sea tan maravilloso que no puedo evitarlo. Justo lo que toda mujer quiere escuchar. Y la mayoría de los hombres, aunque no quieran admitirlo por miedo a parecer sensible. Taupin hace un trabajo tan magistral al pintar una imagen de la vida que inevitablemente pasa de largo a los jóvenes amantes y el tiempo que los separa inexorablemente. Realmente me encanta ésta canción. Y lo odio, porque me muestra de lo que Taupin era capaz con sus letras y de lo que podría haber sido en los años venideros. Por mucho que me gusten las canciones de Elton John de principios de los 70, esta canción me muestra cuánto podrían haber sido mejores. “I Need You to Turn To” no sólo tiene una letra que tiene sentido, la considero una de las mejores canciones de Elton John de todos los tiempos, el clavicémbalo inicial es encantador, el arreglo de cuerdas en este es excepcional y el violonchelo después del primer estribillo es muy efectivo: las orquestaciones de Paul Buckmaster en los primeros álbumes de Elton John son maravillosas, y este es uno de los mejores. Elton inicialmente se acercó a George Martin para producir el álbum, pero Martin también quería hacer las orquestaciones si él producía el álbum, y a Elton le gustó tanto el trabajo de Buckmaster que decidio rechazar al legendario George Martin, así que en su lugar El álbum fue producido por Gus Dudgeon. 

Absolutamente acertada, Paul Buckmaster merece mucho crédito por el éxito de las canciones de Elton de principios de los 70. Esta canción es el ejemplo perfecto de la habilidad de Buckmaster como arreglista, simplemente una hermosa, hermosa canción. En “Take me to the Pilot” el estribillo es pegadizo, pero ¿de qué diablos trata esta canción? “Llévame al piloto de tu alma”??? Incluso sus autores no tienen ni idea al respecto, Elton dijo una vez sobre la canción "No creo que ninguno de nosotros sepa de qué se trata". Estamos ante una canción sin sentido que Elton logra hacer aceptable dándole al coro una gran inyección de melodía, pero la canción realmente no llega a ninguna parte ni comunica nada. ¿Me gusta? Está bien, supongo, pero hay tantas otras canciones en el álbum que realmente dicen algo, que me cuesta mucho emocionarme con esta. No llamaría "sofisticado" el arreglo de "No Shoe Strings on Louise", pero sí interesante, la guitarra slide y la voz medio gruñida me recuerdan las primeras grabaciones en solitario de John Lennon. En realidad, todo el álbum tiene algunos arreglos elegantes a pesar de la dominante orquestación: el trágico defecto del álbum. Quizas es una de las canciones más flojitas. No estoy seguro de por qué “First Episode at Hienton” no es más apreciada, es una canción tan encantadora y una historia coherente de novios de la infancia que crecen juntos, estoy dispuesto a perdonar la atroz frase sobre que los muslos de Valerie son los cojines de su amor, pero el resto de la canción es genial, y por alguna razón el Moog no parece fuera de lugar, encaja perfectamente con el ambiente embrujado de la canción.

“Sixty Years On” es más o menos comprensible líricamente, pero con el arpa, las cuerdas y la maravillosa melodía, me hubiera encantado la canción de todos modos. Y si la vejez es tan vacía para mí como lo es para el narrador de esta canción, pues tampoco deseo vivir cuarenta años más. "Border Song" es un himno clásico a la igualdadeste tipo de canciones nunca pasan de moda, supongo que será así hasta que el mundo alcance una verdadera igualdad, fue el primer sencillo de Elton en las listas de Estados Unidos, alcanzando el puesto 34 y preparando el escenario para Your Song. “The Greatest Discovery” fue grabada virtualmente en vivo en Trident Studios en Londres, con Elton cantando al piano y acompañado por una orquesta, que se escucha en particular al comienzo de la canción, la letra, de Bernie Taupin, trata sobre un niño que descubre la llegada de un nuevo hermanito, habla de un niño que escucha sonidos nuevos y extraños en su casa y sale a explorar para ver qué son. Se da cuenta de que hay una cama extra en su casa… ¿qué es esto? Resulta que tiene un nuevo hermanito. Conocer a esta nueva criatura de aspecto extraño es un nuevo descubrimiento extraño y emocionante para el niño. Lo que hace que The Greatest Discovery sea único es que es un territorio inusual para una canción, y eso es emocionante. La canción es tierna e imagina la maravilla de ser un niño y conocer a tu nuevo hermano por primera vez. Las letras de Taupin ayudan a brindar esa sensación de asombro y extrañeza que debe sentir alguien que llega a tu casa cuando es un niño. La melodía de John es acertada: suena como un viaje a través del punto de vista de los niños y la canta con delicadeza. “The Cage” la letra tiene sentido, tiene un funk maravilloso, me gusta, también me encanta el falsete de Elton en esta canción. Ha aprendido a lo largo de los años a sonar genial con su rango vocal reducido, pero debo decir que extraño esos falsetes del Elton de principios de los 70. “The King Must Die” es sólo una mezcla de líneas que parecen tener algo que ver con complots reales y cortesanos, podría haber sido una buena canción con algunas letras enfocadas y tal vez algo parecido a una narrativa, pero Taupin cree que puede tirar algunas imágenes relacionadas tangencialmente y eso será suficiente. Hay una pereza lírica en la canción que representa bastante bien el enfoque de Taupin durante el resto de la década. Hay potencial allí y Elton logra crear un estribillo memorable, pero no es la gran canción que podría ser.

Elton John es fácilmente el mejor álbum de Elton: aquí se encuentra en la encrucijada con su letrista, varias canciones excelentes, coherentes y con las que se puede identificarse en la mano, y la oportunidad de elegir un camino que conduzca a muchas más como ellos en los años venideros. Pero con Tumbleweed Connection, Taupin había girado bruscamente hacia la izquierda en el camino hacia letras impenetrables y perezosas que a veces evocaban imágenes, y tal vez con una o dos líneas que despertaban tu interés, pero casi nunca con letras que se mantenían unidas a lo largo de toda una canción. Por Madman Across the Water estaba demasiado lejos para volver atrás, y me puede gustar “Levon” y al mismo tiempo desear algo mejor, puedo adorar “Tiny Dancer”, puedo admirar la melodía y la orquestación de “Madman Across the Water” y fingir que no escucho “Volveremos el próximo jueves por la tarde/Los suegros esperan verte muy pronto”. Si bien todavía puedo disfrutar de estas canciones, eso no me impide desear que tuvieran la letra que se merecen.

1252.- James Dean - Eagles

 

James Dean, Eagles

     On the Border es el tercer álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Eagles. Grabado en los Olympic Studios de Londres y en los Criteria Studios de Miami bajo la producción de Bill Szymczyk y de Glyn Johns, fue publicado el 22 de marzo de 1974 por el sello discografico Asylum Records. A parte de Johns, la banda contó con la producción de Szymczyk porque quería un sonido más orientado hacia el rock en lugar del sonido country-rock de sus dos primeros álbumes. El disco llegó a alcanzar el puesto número 17 en la listas estadounidenses Billboard, consiguiendo vender más de dos millones de copias. Durante la realización del disco surgió algún que otro desacuerdo entre el grupo y el productor Johns, ya que el grupo quería inclinarse más hacia el rock y Johns tiraba más hacia el sonido country de sus primeros trabajos.

Incluído en este disco se encuentra la canción James Dean, todo un homenaje al actor James Dean, quien ganó gran fma en la década de los años 50 antes de su prematura muerte a una edad temprana. La canción cuenta la historia del actor, quien protagonizó las películas Gigante, Rebelde sin causa y Al este del edén antes de morir en un accidente automovilístico el 30 de septiembre de 1955 en un vehículo Porsche Spyder 550, apodado "El pequeño bastardo". Es una de varias canciones de los Eagles que tienn como tema héroes muertos o las consecuencias de un estilo de vida imprudente, como por ejemplo "Life in the Fast Line" o "Good Day in Hell". Si bien la canción hace hincapié en el famoso dicho "Vive rápido, muere joven", no fue precisamente ese estilo de vida lo que lo mató, pues su accidente de coche no fue causado por exceso de velocidad, siendo más bien un caso de muy mala suerte pues el pasajero del coche de James Dean y el conductor del otro vehículo sobrvivieron. Dean tenían 24 años cuando murió. Jackson Browne y JD Souther, ambos amigos del grupo, ayudaron a escribir esta canción junto a Don Henley y Glenn Frey.

1251. - Ave Rock - Ausencia

1251 - Ave Rock - Ausencia

"Ausencia" es una de las canciones destacadas de la banda argentina de rock progresivo Ave Rock, incluida en su álbum homónimo lanzado en 1974. Esta pieza se caracteriza por su complejidad musical y la profundidad de sus letras, lo cual refleja las influencias tanto del rock progresivo europeo como de la rica tradición musical de Argentina.

La canción inicia con una atmósfera serena y melódica, estableciendo un tono introspectivo que persiste a lo largo de la obra. El uso de teclados y guitarras es prominente desde el principio, creando una textura sonora que evoca una sensación de melancolía y reflexión. La introducción instrumental es extensa, permitiendo que los músicos muestren su virtuosismo y establezcan una base sólida sobre la cual se desarrollará el resto de la canción.

La voz entra de manera suave pero segura, con una entrega que enfatiza la letra poética y cargada de emoción. Las palabras narran una historia de ausencia y pérdida, tocando temas universales de desamor y añoranza. La letra es un aspecto crucial de la canción, ya que no solo complementa la música, sino que también profundiza la conexión emocional con el oyente. Las imágenes evocadas son vívidas y conmovedoras, haciendo que el oyente se sienta inmerso en la narrativa.

Uno de los puntos fuertes de "Ausencia" es la habilidad de Ave Rock para mezclar elementos de diferentes géneros musicales dentro del marco del rock progresivo. A lo largo de la canción, se pueden identificar influencias del jazz, el blues y la música clásica, que se integran de manera fluida y natural. Esta fusión de estilos enriquece la composición y la hace única, manteniendo al oyente interesado y sorprendido por los cambios dinámicos y las transiciones inesperadas.

El trabajo instrumental es impresionante, con solos de guitarra y teclados que destacan por su técnica y expresividad. Los cambios de ritmo y las variaciones en la intensidad musical añaden una capa adicional de complejidad, permitiendo que la canción evolucione y se desarrolle de manera orgánica. Los miembros de Ave Rock demuestran no solo su destreza técnica, sino también una profunda comprensión de la estructura y la dinámica musical.

La producción de "Ausencia" es otro aspecto a destacar. A pesar de las limitaciones tecnológicas de la época, el sonido es claro y bien balanceado, permitiendo que cada instrumento se escuche con nitidez. La mezcla resalta los matices y detalles de la interpretación, lo que contribuye a la riqueza y profundidad de la experiencia auditiva.

"Ausencia" de Ave Rock es una obra maestra del rock progresivo argentino que combina una lírica emotiva con una composición musical sofisticada. La canción destaca por su habilidad para transmitir sentimientos profundos a través de una estructura musical compleja y variada. Los miembros de la banda muestran un alto nivel de virtuosismo y creatividad, haciendo de esta pieza una joya atemporal que sigue resonando con los oyentes décadas después de su lanzamiento. "Ausencia" no solo es una muestra del talento de Ave Rock, sino también un testimonio del potencial artístico del rock progresivo en América Latina.

Daniel 

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1250 - Eagles - The best of my love

1251 - Eagles - The best of my love

"The Best of My Love" es una de las baladas más icónicas de The Eagles y refleja la profundidad emocional y la habilidad lírica del grupo. Lanzada en 1974 como parte del álbum "On the Border", la canción no solo marcó el primer gran éxito comercial de la banda al alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100, sino que también solidificó su reputación como maestros de la balada rock.

Escrita por Don Henley, Glenn Frey y J.D. Souther, "The Best of My Love" captura la complejidad de las relaciones amorosas con una honestidad y sensibilidad que resonaron profundamente con los oyentes. La letra aborda los altibajos de una relación romántica, explorando tanto los momentos de cercanía como los de distanciamiento. La frase "Here in my heart, I give you the best of my love" subraya el compromiso emocional y el esfuerzo de ofrecer lo mejor de uno mismo a pesar de las dificultades.

La voz de Don Henley es un componente crucial en la canción, transmitiendo una mezcla de anhelo y resignación que le da a la balada su poder emocional. Henley canta con una claridad y sinceridad que hacen que las letras se sientan personales y universales al mismo tiempo. Su interpretación vocal está respaldada por armonías vocales características de The Eagles, que enriquecen la textura sonora de la canción.

Desde el punto de vista musical, "The Best of My Love" es un ejemplo perfecto del estilo de country rock que The Eagles dominaron. La guitarra acústica de Glenn Frey establece una base suave y cálida, mientras que la pedal steel guitar, tocada por Bernie Leadon, añade un toque melancólico y etéreo. Esta combinación de instrumentos crea un ambiente introspectivo y relajado, ideal para la temática de la canción.

El arreglo musical es relativamente sencillo, pero está cuidadosamente diseñado para resaltar la letra y la melodía. La sección rítmica, con el bajo de Randy Meisner y la batería de Henley, proporciona un soporte sutil pero firme, manteniendo el ritmo sin distraer de los elementos más destacados de la canción. La producción, a cargo de Glyn Johns, es limpia y equilibrada, permitiendo que cada instrumento y voz tenga su espacio.

Uno de los aspectos más notables de "The Best of My Love" es su capacidad para evocar una respuesta emocional genuina. La canción habla de experiencias y sentimientos que son universales, lo que la ha mantenido relevante a lo largo de las décadas. Esta balada no solo es un testimonio del talento de The Eagles como compositores e intérpretes, sino también de su habilidad para conectar con su audiencia a un nivel profundo y personal.

El impacto de "The Best of My Love" se puede ver no solo en su éxito en las listas de éxitos, sino también en su influencia duradera en la música rock y country. La canción ha sido versionada por numerosos artistas y sigue siendo un pilar en las estaciones de radio de música clásica. Su éxito ayudó a cimentar el lugar de The Eagles en la historia de la música y demostró su capacidad para crear canciones que trascienden el tiempo y las tendencias.

"The Best of My Love" es una pieza fundamental en el repertorio de The Eagles. Con su mezcla de letras conmovedoras, armonías vocales exquisitas y una instrumentación cuidadosamente elaborada, la canción ha dejado una marca indeleble en la música popular y continúa siendo una fuente de inspiración y emoción para los oyentes de todo el mundo.

Daniel 

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1249.- All I want is you - Roxy Music

"All I want is you" es la canción más destacada del álbum "Country Life" (1974), el cuarto disco de estudio de la banda británica de "art rock" Roxy Music, considerado como la obra cumbre de su carrera discográfica. Publicada como single promocional del disco, con la canción instrumental "Your Application's Failed" en la cara B, se convirtió en el cuarto gran éxito del grupo liderado por Bryan Ferry y Phil Manzanera, alcanzando el puesto 12 de las listas de ventas del Reino Unido.

Todo en "All I want is you" roza la perfección musical, empezando por la reverberante y magistral guitarra de Phil Manzanera con la que arranca el tema, pasando por la aterciopelada voz de Bryan Ferry sonando mejor que nunca, y terminando por el estimulante tramo instrumental en el que toda la banda al completo tiene su espacio para brillar. Si no eres todavía fan del grupo, y quieres empezar a descubrirlo, esta es la canción con la que todo debería comenzar.

1248.- Sugar Baby Love - The Rubettes

The Rubettes fue una exitosa banda de glam rock de segundo nivel que llegó demasiado tarde para ser parte de la explosión T-Rex/Bowie/Slade de principios de los 70. Aunque carecían en cierto modo de glamour real, tenían una imagen fuerte y tonta (trajes blancos y gorras flexibles) e hicieron tres o cuatro discos pop decentes. Una banda que comienza su carrera con un sencillo número uno internacional con tres millones de ventas solo tiene un camino por recorrer aunque lograron lanzar algunas cosas interesantes en su pronunciado descenso. Eran típicos de la segunda ola de bandas de glam rock del Reino Unido que apuntaban directamente al extremo más joven del mercado del pop adolescente que en el 74, se montaron en el espíritu de la época del Graffiti americano, casando rock y pop deliberadamente cursi de los años 50 y principios de los 60 con una imagen extravagante que hacía referencia al glamour, evitando al mismo tiempo el hecho de que no eran tipos andróginos de Bolan/Bowie, pero un grupo de músicos de sesión que no exudaban exactamente un poder de estrella brillante. La discografía de los Rubettes cubre una extraña variedad de estilos sin siquiera establecer una identidad musical distintiva para la banda, el grupo se reunió apresuradamente después de que su sencillo debut “Sugar Baby Love”, elaborado con músicos de sesión, ocupara un lugar destacado en las listas y todas sus mejores canciones provienen de las mismas sesiones de demostración originales que produjo “Sugar Baby Love”. De los músicos en esa grabación, el versátil cantante y guitarrista Alan Williams se convertiría en la cara de la banda, mientras que el baterista y cantante John Richardson también mantendría el rumbo durante los años 70 y el dúo contribuiría a la composición de los álbumes de la banda.

Vamos con la "sobredosis de azúcar", vamos a con un tema que está construida a partir de unos claros ingredientes: acordes potentes, batería robusta, coros y una gran mirada al pop de principios de los sesenta. “Sugar baby love, Sugar baby lo-ove, no quise ponerte triste...” El cantante está tratando de hacerle el favor a su novia, tratando de disculparse por un delito menor no especificado. Si fuera ellos, me habría limitado a una carta o una llamada telefónica. ¿Puedes imaginar a alguien haciendo esto afuera en la ventana del dormitorio de una niña por la noche y, con suerte, llamar a la policía? Pero lo petaron, incomprensiblemente todos hemos tatareado ese estribillo y lo confieso, no puedo odiar esta canción, no importa lo que represente. Mis pies avanzan bastante felices, tengo una tolerancia extremadamente alta hacia las secciones de palabras habladas en las canciones pop y, por supuesto, 'Sugar Baby Love' tiene que ir ahí. Gente, sigan mi consejo. Si aman a alguien, no lo piensen dos veces... no le canten nunca esto, pero deja que sus acordes os rodeen cualquier noche mientras os mirais a los ojos.

1247.- In the cage - Genesis

 

A mediados de noviembre de 1974, Genesis lanzó su ambicioso álbum doble The Lamb Lies Down On Broadway. ¿Es The Lamb el momento brillante de la banda o su calamidad final con Peter Gabriel en el grupo?. La historia de fondo es que Genesis comenzó a trabajar en su sexto y último álbum con Gabriel a mediados de 1974, la banda decidió trabajar en Headley Grange, la cabaña rural de piedra que Led Zeppelin hizo famosa por ser el “estudio de grabación” de partes de Led Zeppelin III, Led Zeppelin IV, Houses of the Holy y Physical Graffit. El edificio estaba en ruinas, infestado de ratas y algunos dicen que estaba embrujado. Para empeorar las cosas, la agitación personal y familiar rodeó al grupo: divorcio y problemas de embarazo, entre ellos. Mientras estuvo allí, Gabriel decidió despedirse (¿dejar?) de la banda para trabajar en un proyecto con el director de cine William Friedkin de The Exorcist. Mientras él estuvo fuera, los miembros restantes del grupo continuaron escribiendo y grabando música sin letra. Cuando el proyecto Friedkin fracasó, Gabriel se reincorporó a la banda en una recepción mixta. Presionó para ser el único escritor lírico de un concepto que él creó y prevaleció. Un personaje llamado Rael, un habitante de la calle puertorriqueño sería el protagonista de una ópera rock semiautobiográfica que refleja el estado de ánimo de Gabriel en ese momento. Rael deambula por las calles de Nueva York buscando a su hermano desaparecido. La inocencia, representada por el cordero tirado en medio de la vorágine de Broadway, se confronta con una serie de situaciones escabrosas y surrealistas perfectamente descritas por unos títulos que juegan con la poesía por sí mismos. En su momento no fue muy bien recibido por casi nadie, aunque el tiempo lo ha acabado engalanando con esa aura de obra de culto absolutamente fundamental en el canon de la banda inglesa.

 

La canción elegida es “In the Cage”, uno de los aspectos más destacados del álbum, un tema que en sí genera tensión con tiempos y ritmos extraños, ya que todos los instrumentos parecen estar haciendo su propio trabajo independientes pero, de alguna manera, todos conviven. Hay ritmos excepcionales de Rutherford y Collins y fantásticos protagonistas de varias partes de Banks en la larga sección media. Al darse cuenta de que está atrapado en una de varias jaulas unidas, Rael ve a su hermano John en el primero de varios encuentros que añaden una metáfora a la historia más profunda. Esta canción siempre ha funcionado bien en vivo y puedo entender por qué estaban interesados en mantenerla en los conciertos durante tanto tiempo. También me gusta la ligera aceleración antes del último verso. Creo que subraya perfectamente el drama de esta canción. Especial atención al organo, latido del corazón sintetizado (creo que pensando en el clásico posterior de Jean Michel Jarre "Oxygene II"), el ruido de viento arremolinado (otro toque parecido al oxígeno) que simula un sonido tipo ruido de canto de garganta tibetano... en el sintetizador. Melodía de teclado galopante, órgano alegre y algunos golpes lentos y fuertes en la batería, lo cual es interesante. Esta es una de mis canciones favoritas de Génesis.

Disco de la semana 380: Destroyer - Kiss

 

Destroyer, Kiss

     Destroyer es el cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense Kiss. Fue grabado entre el 3 y el 6 de septiembre de 1975 y en enero de 1976 entre los Electric Lady Studios y los Record Plant Studios de Nueva York bajo la producción de Bob Ezrin, y publicado el 15 de marzo de 1976 por el selo discográfico Casablanca Records en Estados Unidos. Fue el tercer álbum de Kiss en alcanzar el top 40 en Estados Unidos, y marcó un alejamiento del sonido crudo de los primeros tres álbumes de la banda, marcando los cimientos del clásico sonido del grupo.

Después de lograr un modesto éxito comercial con sus primeros tres discos de estudio, Kiss logró un gran avance comercial con la publicación de su directo de 1975 Alive!, siendo el primer trabajo que conseguía obtener la certificación de oro en ventas. Este éxito, además de beneficiar al grupo, consiguió salvar de la quiebra a su sello discográfico, Casablanca Records. Todo esto se tradujo en un nuevo contrato con dicha discográfica a finales de 1975, ya que el sello había sido un gran apoyo desde el comienzo de la carrera del grupo.

El grupo comenzó a trabajar en Destroyer en agosto de 1975, mientras el grupo se embarcaba en la gira de apoyo de Alive!. Para dicho trabajo fue contratado el productor Bob Ezrin, quien ya había trabajado anteriormente con Alice Cooper. Stanley, Simmons y compañía creían que este productor era la persona adecuada para ayudarlos a llevar su sonido al siguiente nivel y mantener el éxito comercial que habían logrado con Alive!. Antes de reunirse con Ezrin, la banda ya había escrito y grabo una demo de 15 canciones en agosto de 1975. Bob Ezrin rechazó gran parte del material grabado, del cual únicamente pasaron el corte versiones muy reelaboradas de God of Thunder y Detroit Rock City. El grupo estuvo abierto a sugerencias e ideas externas, en particular de los compositores Kim Fowley y Mark Anthony, quienes se convirtieron en importantes contribuyentes en el proceso de composición del álbum. Otras canciones de la demo fueron aprovechadas y reelaboradas para el siguiente disco, Rock an Roll Over, y para el álbum en solitario de Gene Simmons de 1978, y algunas otras permanecieron inéditas hasta el lanzamiento en 2021 de Destroyer como una reedición de 2 CD y una caja Super Deluxe.

La primeras sesiones de grabación del disco tuvieron lugar del 3 al 6 de septiembre de 1975 en los Electric Lady Studios de Nueva York, durante un breve descanso entre Dressed to Kill y Alive!, ambos de 1975. Las pistas básicas del álbum se grabaron durante ese tiempo, y la moyoría de las sesiones de grabación tuvieron lugar posteriormente, en enero de 1976, después de la conclusión de la gira Alive!. Ezrin presentó al grupo arreglos tales como los efectos de sonido, las cuerdas, un coro de niños gritando o la batería invertida (God of Thunder). Así, por ejemplo, en la canción Great Expectations se utilizó la primera frase del tema principal del segundo movimiento de la Sonata para piano nº 8 de Beethoven en do menor, op 13, mayormente conocida como Sonata Pathétique.

Durante las citadas sesiones de grabación, Ezrin recurrió a numerosas tácticas enfocadas al aumento de la calidad de la música que Kiss grababa. El hecho de que ninguno de los componentes de la banda fuera en aquel momento un músico capacitado, hizo que Ezrin llegara a detener las sesiones de grabación para dar unas lecciones de teoría musical básica al grupo. Para inculcar el sentido de disciplina, Ezrin llevaba un silbato alrededor del cuello y motivaba a la banda con dichos como: "¡Campistas, vamos a trabajar!". Muestra del duro aprendizaje al que fueron sometidos se da en momentos como el que se dio cuando Simmons dejó de tocar durante lun grabación y Ezrin le gritó: "¡Nunca detengas una toma a menos que yo te lo diga!". Más tarde, Paul Stanley comparó la experiencia de trabajar con Ezrin como un "Campo de entrenamiento musical", Simmons afirmaba al respecto que "era exactamente lo que el grupo necesitaba en aquel momento". Destroyer fue el primer trabajo del grupo que presentó de manera destacada a múscos externos, como miembros de la Filarmónica de Nueva York. Un músico no acreditado fue Dick Wagner, de la banda Alice Cooper, que reemplazó a Ace Frehley en le tema Sweet Pain. Wagner también tocó la guitarra acústica que se encuentra en la canción Beth.

La portada de Destroyer fue diseñada por el artista de fantasía Ken Kelly. Kelly fue invitado en una ocasión a un concierto de Kiss, le dieron un pase detrás del escenario. Sobre aquella actuación dijo que le dejó impresionado. Más tarde Kelly también se encargó de diseñar la portada del disco de Kiss, Love Gun (1977). La versión original de la portada de Kelly para Destroyer fue rechazada por la discográfica, ya que pensaba que la escena parecía demasiado violenta con los escombros y las llamas. La portada muestra al grupo caminado sobre un montón de escombros y un fondo desolado salpicado de edificios destruidos, algunos de los cuales están envueltos en llamas. La contraportada muestra una escena similar, pero con más edificios en llamas. El frente de la funda interior presentaba un gran logo de Kiss y la letra de "Detroit Rock City". El otro lado mostraba la letra de "Shout It Out loud" (Grítalo en voz alta), así como un anuncio del Club de Fans de Kiss Army. 

Destroyer se vendió bien tras su lanzamiento el 15 de marzo de 1976 y obtuvo la certificación de oro el 22 de abril del mismo año. El disco obtuvo unas cifras muy por encima de cualquiera de los tres primeros álbumes de estudio de la banda. Después de alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard 200 el 15 de mayo, el disco cayó rápidamente en dicha lista hasta el puesto 192. Los primeros tres sencillos, "Shout It Out Loud", "Flaming Youth" y "Detroit Rock City", no lograron impulsar más las ventas, aunque "Shout It Out Loud" le dio a la banda su primer número uno en Canadá.

Destroyer consiguió tener buenas cifras gracias a una muy buena producción y a canciones como Detroit Rock City, escrita originalmente por Paul Stanley como un tributo a la escena musical de dicha ciudad, pero cuando Bob Ezrin escuchó la demo le ayudó a reelaborar la canción para convertirla en algo mucho más completo y complejo. La canción rompía con las letras de estilo fiestero que eran típicas en el grupo en aquel momento, y la convirtieron en una canción sobre un joven fan que muere en un accidente automovilístico camino a un concierto de Kiss, una tragedia adolescente; God of Thunder, conocida como la canción insignia de Gen Simmons, en realidad fue escrita por Paul Stanley, quien la había escrito como un tema mucho más dinámico sobre él como el "Dios del Trueno" y el Rock and Roll. Bob Ezrin la escuchó y le encantó, pero para disgusto de Stanley, se la dio a Simmons para que la cantara, por su estilo de canto, más lento, laborioso y amenazante. Los ruidos extraños de fondo son los hijos del productor Bob Ezrin, David y Josh, a quienes grabó haciendo ruidos espeluznantes a traés de un walkie-talkie barato. Tres años antes Ezrin ya había utilizado a sus hijos en la canción de Lou Reed "The Kids". Flaming Youth, escrita por Ace Frehley, Paul Stanley, Gene Simmons y Bo Ezrin. Ezrin tomó piezas musicales escritas previamente por los otros tres y las organizó en una sola canción. Por ejemplo, uno de los riffs principales de la canción era una canción que Simmons escribió llamada "Mag Dog", que apareció posteriormente en el lanzamiento del grupo en 2001 "The Box Set"; Shout It Out Loud, antes de formar Kiss, Stanley y Simmons tenían una banda llamada Wicked Lester, la cual incluía la canción "I Wanna Shout" en su set. Dicho grupo la grabó con el título "We Want To Shout Out Loud", pero su versión no fue lanzada. Unos años más tarde, cuando el grupo estaba trabajando en Destroyer, a Simmons se le ocurrió una variación de la letra, y Stanley y Ezrin dieron cuerpo a la canción en unos 30 minutos, convirtiéndola en una melodía de fiesta salvaje y en uno de los himnos del grupo; o Beth, otra de las grandes joyas de toda la discgrafía de la banda. Canción que se remonta a una banda llamada Chelsea, donde formó parte el baterista de Kiss, Peter Criss, entre 1970 y 1972, junto al guitarrista Stan Penridge. A Criss y Penridge se les ocurrió una canción llamada "Beck", que trataba sobre la esposa del guitarrista de aquella banda llamado Mike Brand, cuyo nombre era Becky. Ella constantemente interrumpía las prácticas de la banda preguntando cuándo volvería Mike a casa, y la canción fue compuesta como una broma hacia él. Penridge, en agosto de 2000, poco antes de fallecer, afirmó sobre la canción: "Beck fue escrita, casi palabra por palabra, a partir de las respuestas de Mike Brand a las constantes llamadas de su esposa que interrumpían nuestros ensayos. LLegó al punto en el que escribí sus comentarios durante un periodo de tres o cuatro días en lo que llamé mi "libro mágico". Era simplemente un pequeño cuaderno que llevaba para notar dichos tontos, esbozar y guardar ideas. Si miras las letras y las ves como los comentarios de un esposo molestando a su molesta esposa, verás lo que quiero decir. Haz una pausa después de cada frase y finge que hay una mujer al otro lado de la línea, lo entenderás". Penridge y Criss grabaron una demostración de "Beck" pero nunca llegaron a lanzarla. En 1976, despuésde que Criss se uniera a Kiss, él y Penridge revivieron la canción y, con la ayuda de Bob Ezrin, cambiaron el título a "Beth" y la hicieron más sentimental, cambiando el final del primer verso.

Destroyer, con la producción de Bob Ezrin, consiguió un sonido más pulido y sofisticado, sin perder la energía característica de la banda, y marcó un cambio significativo en la dirección musical del grupo, ayudando a consolidar la imagen de Kiss como una banda extravagante y teatral. El éxito de Alive! y posteriormente de Destroyer, permitieron al grupo mirar hacia cotas más altas, consiguiendo embarcarse en su primera gira por Europa, lo que da una idea de la proyección que estaba empezando a alcanzar Kiss.

1246 - Queen - Now I'm Here

1246 -  Queen - Now I'm Here

"Now I'm Here" es una de las canciones más emblemáticas de la legendaria banda británica Queen. Publicada en su álbum "Sheer Heart Attack" de 1974, esta pista fue escrita por el guitarrista Brian May y ha sido un pilar fundamental en sus presentaciones en vivo. La canción se destaca no solo por su energía vibrante y su ritmo contagioso, sino también por su capacidad de mostrar la versatilidad y el talento del grupo.

Desde los primeros acordes, "Now I'm Here" establece un tono poderoso y dinámico. La canción comienza con un riff de guitarra que es a la vez pegajoso y contundente, capturando inmediatamente la atención del oyente. Este riff se convierte en la columna vertebral de la canción, proporcionándole una base sólida sobre la cual se desarrollan otros elementos musicales. La destreza técnica de Brian May se hace evidente a lo largo de la pieza, ya que su ejecución es impecable y su creatividad como compositor brilla intensamente.

La voz de Freddie Mercury, como siempre, es una fuerza de la naturaleza. En "Now I'm Here", Mercury despliega una gama impresionante de tonos y matices, desde notas altas y poderosas hasta susurros más sutiles. Su interpretación vocal está llena de emoción y pasión, capturando perfectamente el espíritu de la letra. La letra, que es un homenaje a la experiencia de la banda en su primera gira por Estados Unidos, refleja una mezcla de asombro, euforia y nostalgia. Líneas como "Down in the city, just Hoople and me" aluden a la banda Mott the Hoople, con la cual Queen había girado, mostrando el respeto y la gratitud de May hacia ellos.

El ritmo de la canción es otro de sus aspectos destacados. Roger Taylor, en la batería, y John Deacon, en el bajo, proporcionan una base rítmica sólida y pulsante que impulsa la canción hacia adelante. La sincronización perfecta entre los miembros de la banda es evidente, y esta cohesión es lo que permite que "Now I'm Here" tenga su energía imparable y su impulso contagioso. El cambio de tempo en la mitad de la canción añade una dimensión adicional, demostrando la capacidad de la banda para experimentar con estructuras musicales sin perder el ritmo ni la coherencia.

Además, "Now I'm Here" se ha ganado un lugar especial en los conciertos de Queen. La canción era a menudo un punto culminante en sus presentaciones en vivo, gracias a su capacidad para conectar con el público y su potencial para el espectáculo. Mercury solía utilizar la canción para interactuar con los fans, haciendo que su interpretación en vivo fuera una experiencia única y electrizante.

"Now I'm Here" es una muestra clara del talento y la versatilidad de Queen. La combinación de la brillantez de la guitarra de Brian May, la poderosa voz de Freddie Mercury, la sólida sección rítmica de Roger Taylor y John Deacon, y la capacidad de la banda para innovar dentro de los confines del rock, hacen de esta canción una joya en el repertorio de Queen. Su energía, emoción y musicalidad aseguran que "Now I'm Here" siga siendo un favorito tanto para los fanáticos acérrimos como para los nuevos oyentes, destacando el legado duradero de una de las bandas más grandes de la historia del rock.

Daniel 

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Novedad Musical 2024: Blue Electric Light - Lenny Kravitz

 

Artista: Lenny Kravitz

Album: Blue Electric Light

Fecha de Publicacion: 24 mayo 2024

Genero: Pop Rock, Pop Soul

Estrellas: 3,5 / 5

 

35 años después del lanzamiento de su álbum debut “Let Love Rule”, Lenny Kravitz demuestra por qué es una de las últimas verdaderas estrellas del rock que quedan, con su nuevo lanzamiento titulado “Blue Electric Light”. Su último álbum de 2018, “Raise Vibration”, fue aclamado como uno de los mejores de su carrera, y el artista de 60 años fácilmente podría simplemente hacer colaboraciones o incluso simplemente salir y tocar en vivo por el resto de su carrera, pero está claro que tiene planes más grandes. Pero Lenny Kravitz hace lo que mejor sabe hacer, y es muy difícil valorar el nuevo disco de Lenny Kravitz porque sigue haciendo lo que viene haciendo desde hace mucho tiempo y lo hace bien. Su pop rock funky y blusero ha sido durante mucho tiempo su especialidad y es fiel a sí mismo. El álbum está lleno de amor, canciones pausadas, riffs de guitarra pegadizos y disfrute de la vida. Y a pesar de que Kravitz es predecible, hace su música tan bien que el álbum definitivamente no puede considerarse aburrido o poco interesante. “It's Just Another Fine Day (In This Universe of Love)” comienza el álbum y es una revisión optimista de la realidad sobre por qué todos deberíamos mirar hacia el futuro y centrarnos en los buenos tiempos. “Paralyzed” y “TK421” llevan el bajo al frente con su fusión de pop y funk de los 80, el video de este último ciertamente llamó mucho la atención, especialmente entre las fans femeninas cuando se lanzó como sencillo, no os lo perdais. “Honey” se convierte en una canción de amor con tintes de los 70, pero no la llames balada, lo mismo ocurre con “Bundle Of Joy”. “Love Is My Religion” es una canción de rock pura de Marc Bolan, con Lenny predicando las buenas vibraciones y esperando que todos los demás saquen algo de ella para sí mismos.

El talento de Kravitz como escritor, productor y multiinstrumentista resuenan mientras él mismo escribió y tocó la mayoría de los instrumentos, con el veterano guitarrista Craig Ross. En última instancia, creó 12 temas que reflejan su legado como pionero del género, pero que también están firmemente arraigados en la energía del siglo XXI y más allá, además se anunció que Kravitz encabezará el espectáculo inaugural de la final de la UEFA Champions League entre el Real Madrid y el Borussia Dortmund el 1 de junio en el estadio de Wembley en Londres, uniendo a los fanáticos del fútbol y la música de todo el mundo.

1245 - Queen - Stone cold crazy

1245 -  Queen - Stone cold crazy

"Stone Cold Crazy" es una de las canciones más emblemáticas de Queen, incluida en su álbum "Sheer Heart Attack" lanzado en 1974. Este tema, con una duración de apenas dos minutos y diecisiete segundos, destaca por su energía explosiva y su estilo adelantado a su tiempo, lo que lo convierte en un precursor del género thrash metal.

La canción fue escrita colectivamente por los miembros de Queen: Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon. "Stone Cold Crazy" es una composición que se distingue por su velocidad y agresividad, elementos que eran inusuales para la época. Desde el inicio, la canción atrapa al oyente con un riff de guitarra rápido y contundente, interpretado por Brian May, que sienta las bases para el resto del tema. Este riff se combina con la batería frenética de Roger Taylor y el bajo sólido de John Deacon, creando una base rítmica imparable.

Freddie Mercury, conocido por su versatilidad vocal, adopta en esta canción un estilo de canto más agresivo y acelerado, acorde con la intensidad de la música. Su interpretación vocal es poderosa y urgente, complementando perfectamente la atmósfera frenética del tema. La letra de "Stone Cold Crazy" es igualmente intensa, describiendo una serie de situaciones caóticas y desordenadas, que van desde referencias a la vida criminal hasta una sensación general de confusión y anarquía.

Uno de los aspectos más destacados de "Stone Cold Crazy" es su estructura musical. La canción es un torbellino de cambios de tempo y dinámicas, lo que demuestra la habilidad de Queen para experimentar y empujar los límites del rock. A pesar de su corta duración, la canción se siente completa y bien desarrollada, un testimonio de la capacidad de la banda para crear música impactante y memorable en un formato breve.

En cuanto a su legado, "Stone Cold Crazy" ha sido reconocida como una influencia significativa en el desarrollo del thrash metal, un subgénero del heavy metal caracterizado por su velocidad y agresividad. Bandas como Metallica han citado a Queen como una influencia, y de hecho, Metallica realizó una versión de "Stone Cold Crazy" en 1990, la cual ganó un premio Grammy en 1991 a la Mejor Interpretación de Metal.

La producción de la canción también merece mención. Roy Thomas Baker, el productor de "Sheer Heart Attack", logró capturar la energía bruta de la banda, manteniendo la claridad y el impacto de cada instrumento. La mezcla resalta la habilidad técnica de cada miembro de la banda, desde los solos de guitarra precisos de Brian May hasta la batería potente de Roger Taylor.

"Stone Cold Crazy" es una pieza fundamental en el catálogo de Queen y en la historia del rock. Representa un momento en el que la banda estaba dispuesta a explorar y romper moldes, sentando las bases para futuros desarrollos en la música rock y metal. Su energía implacable, su estructura innovadora y su interpretación apasionada la convierten en una de las canciones más memorables de Queen, y un clásico que sigue resonando con los fans de la música rock de todas las generaciones.

Daniel 

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Electric Light Orchestra - Zoom (Mes Electric Light Orchestra)

Zoom, Electric Light Orchestra

 

     Zoom es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock sinfónico Electric Light Orchestra. Grabado entre los años 2000 y 2001 bajo la producción del líder del grupo Jeff Lynne, fue publicado el 12 de junio de 2001 bajo el sello discográfico Epic Records. Este fue el primer álbum oficial del grupo tras Balance of Power, publicado en 1986. El disco fue concebido en su mayoría únicamente por Jeff Lynne, que contó  con músicos invitados como George Harrison y Ringo Starr. Fue también el primer trabajo que no presentaba al baterista original Bev Bevan, y fue una de las últimas grabaciones de George Harrison antes de su muerte. El único miembro, además de Lynne, que aparece en el álbum es Richard Tandy, que aparece en la canción de apertura y actuó en vivo en conciertos promocionales.

A diferencia de las producciones con sintetizadores que se escuchaban en la década de los 80, Zoom tiene un sonido más orgánico, y vuelve a utilizar una sección de cuerdas mediante chelos. El 19 de abril de 2013, el sello discográfico Frontier Records publicó una versión remasterizada de Zoom con dos canciones extra: una versión en directo de "Turn to Stone", interpretada en CBS Television City de Los Ángeles durante la grabción de Zoom Tour Live, y "One Day", una canción inédita grabada en 2004.

El proceso creativo de Jeff Lynne para el disco fue a través de un viaje personal y musical, suponiendo un regreso a las raíces. Después de una pausa de 15 años, Lynne decidió revivir ELO, quería volver a las raíces del sonido clásico de la banda, fusionando rock, pop y elementos clásicos. Para ello el artista mezcló la mayor parte del álbum en su estudio casero, lo que le dio libertad creativa para experimentar con arreglos y sonidos. Las letras del disco reflejan experiencias personales y reflexiones de Lynne. El artista utilizó gran variedad de instrumentos, incluyendo chelos, para darle al disco un sonido más orgánico. La mezcla de melodías pegajosas y armonías vocales distintivas fue otra de las características del proceso creativo de Lynne. 

Hay quien se pregunta por qué no fue este un álbum en solitario de Jeff Lynne, pues quizás porque fue diseñado para que fuera un regreso al sonido clásico de ELO. Además de eso, la producción, aunque claramente no es producto de los años 70 / 80, evita gran parte del estilo de sobreproducción moderna, que imperaba en la época, y suena calida y acogedora. También hay quien acusaba a Lynne de no inventar nada nuevo, lo que está claro es que su propósito no era ese, sino regresar al clásico sonido de la banda. Lynne nos regala un álbum con canciones increíblemente bien elaboradas, no cayendo en la sobreproducción, ofreciendo un álbum final de pop clásico con unos arreglos magníficos de rock y sinfónicos. 

Como he comentado anteriormente, Lynne retoma la esencia del sonido clásico de la ELO, caracterizado por la fusión de rock, pop y elementos sinfónicos. Lynne asumió la mayor parte de la producción y grabación en su estudio casero, lo que le dio tiempo para experimentar con gran cantidad de arreglos y sonidos diferentes. También contó con colaboraciones, como la de George Harrison, dándole a la canción "Alright" un toque distintivo. En cuanto a las letras, la inspiración de Lynne proviene de diversas fuentes y experiencias personales y reflexiones, componiendo estas con su característico estilo lírico y melódico. En cuanto a las canciones, muy destacables Alright, una optimista canción donde la voz de Lynne cuenta con la colaboración de la guitarra de George Harrison. La amistad de Lynne y Harrison se remonta a los días de The Traveling Wilburys, y eso se nota en esta posterior colaboración; la emotiva Moment in Paradise, un claro ejemplo de donde podría venir la letra, de experiencias personales, reflexiones sobre la vida y la búsqueda de momentos especiales de Jeff Lynne; y State of Mind, canción llena de energía que era un fiel reflejo del estado de Lynne en ese momento. En cuanto a las letras de esta canción, estas sugieren una lucha interna y la búsqueda de la racionalidad.

Zoom no obtuvo un gran éxito comercial, pero con el tiempo se ha ido ganando el aprecio y respeto de los fans de la banda, que apreciaron el regreso a sus raíces musicales. Estamos ante un disco que combinaba muy acertadamente nostalgia, creatividad y buenas colaboraciones, y que se acabó convirtiendo en algo más que un simple álbum, un álbum de culto para los verdaderos fans de Lynne y del grupo.

1244.- Brighton Rock - Queen

Brighton Rock nunca fue single, pero fue el tema con el que abre el tercer disco de estudio Sheer Heart Attack (1974), fue escrita por Brian May y las voces estuvieron a cargo de Freddie y Brian. May escribió la canción durante las sesiones de Queen II, pero sintieron que no encajaba en ese álbum, así que la trabajaron un poco más y la incluyeron en el siguiente álbum. La canción trata sobre dos niños "Mod" enamorados, Jenny y Jimmy, que viajan a Brighton de vacaciones, no creen que las vacaciones vayan muy bien porque Jenny tiene miedo de meterse en problemas. Lo increíble de esta canción es simplemente Brian May. El solo de guitarra es probablemente uno de los mejores que ha hecho jamás, sin lugar a dudas. Es la pieza central de la canción. Hay un interludio completo en la canción en el que solo aparecen Brian y esa guitarra. Su uso del retardo para la armonía que distingue la canción, Brian estaba jugando mucho con un Echoplex (una máquina de retardo de cinta) para obtener los efectos que quería, la canción contiene un sonido de guitarra normal y luego uno con efecto retardado y hay que oírlo para creerlo ya que no sé cómo describirlo con palabras. Es una verdadera experiencia de audio. La voz principal de Freddie Mercury añade algo de sabor a la historia, ya que encarna a los dos personajes principales, Jimmy y Jenny, bajando y subiendo su espectacular voz.

May utiliza un inglés adornado y adecuado para darles a estos amantes modernos una sensación anticuada. "Jenny, ¿te quedarás conmigo? Reza. Nada debe interponerse entre nosotros. Dinos amor, ¿qué dices?", suplica Jimmy. Pero Jenny se demora, temerosa de la reacción de su madre ante la cita. El coro pide ayuda desde arriba para la liberación segura de este romance: "Oh Roca de los siglos, no te desmorone, el amor aún respira / Oh Señora Luna, haz brillar un poco de magia de gente si quieres". Después de que May ataca al oyente desde todos los ángulos en el solo extendido, su letra da un pequeño giro sorprendente en el verso final. Jenny expresa su devoción en cartas amorosas a Jimmy, quien, a su vez, le revela que su corazón ya estaba hablado: "Oh, no, estoy comprometida, debo disculparme/ Si mi señora descubriera cómo pasé mis vacaciones". Resulta que, después de todo, la magia de Lady Moon es tan voluble como los mortales a quienes la otorga.

“Brighton Rock” contiene un poco de todo lo que hizo a Queen tan especial: una sección rítmica dinámica (John Deacon y Roger Taylor), las acrobacias de May, el carisma de Mercury, dosis de grandilocuencia, talento para el espectáculo y corazón. 

1243.- Killer Queen - Queen

 

Killer Queen, Queen

     Sheer Heart Attack es el tercer álbum de estudio de la banda de rock británica Queen. Grabado entre julio y octubre de 1974 bajo la producción de Roy Thomas Baker y del propio grupo, fue publicado el 8 de noviembre de 1974 por EMI Records en Reino Unido y por Elektra Records en Estados Unidos. A diferencia de sus trabajos anteriores, donde había temas de corte progresivo, el grupo se centró en este álbum en temas más centrados en el pop y el rock convencional, marcando un paso hacia el sonido clásico que caracterizó a Queen. Este trabajo lanzó al grupo a la popularidad en el Reino Unido y en gran parte del mundo al grupo.

Incluido en este álbum se encuentra Killer Queen, escrita por Freddie Mercury, canción que se convirtió en el primer éxito internacional de la banda. Mercury tocó un piano vertical y un piano de cola para la grabación. Gracias al éxito de la canción el grupo apareció interpretándola en el famoso programa Top of the Pops. Killer Queen llegó a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 12 en las listas de ventas de Estados Unidos. La historia de la canción gira en torno a una mujer misteriosa y seductora, una mujer descrita con elegancia y sofisticación, comparada con María Antonieta, y que siempre está lista para disfrutar de lujos como el champán y el caviar. La letra resalta su exquisita elegancia y su habilidad para ser encantadora y letal al mismo tiempo, como una "reina asesina". Su aura es irresistiblemente peligrosa y atractiva, manteniendo a todos cautivados con su perfume parisino y su precisión en cada detalle. También tiene un lado juguetón y salvaje, siendo comparada con un gato que puede volverse completamente feroz al instante.

Freddie Mercury afirmaba sobre esta canción: "Se trata de una prostituta de clase alta. Estoy tratando de decir que las personas de clase alta también pueden ser putas. De eso se trata la canción... aunque prefiero que la gente le de su propia interpretación, que lea lo que quiera".