Clics Modernos" de Charly García: Un Hito Musical que Desafió su Época #mesCharlyGarcia

Clics Modernos" de Charly García: Un Hito Musical que Desafió su Época #mesCharlyGarcia 

Clics Modernos es mucho más que un álbum de música. Es un punto de referencia en la historia de la música argentina y, en muchos sentidos, un reflejo de una época de cambios sociales y políticos en Argentina. Cuando Charly García lanzó este segundo álbum de estudio el 5 de noviembre de 1983, no solo estaba ofreciendo una colección de canciones innovadoras, sino que también estaba transmitiendo un mensaje profundo que trasciende el tiempo y el espacio. En esta reseña, exploraremos la riqueza de este álbum icónico, desde su contexto histórico hasta su influencia duradera en la música y la cultura.

El Contexto Histórico y Político

Para comprender completamente la importancia de “Clics Modernos”, es esencial sumergirse en el contexto en el que fue concebido y lanzado. En 1983, Argentina estaba emergiendo de una época oscura marcada por la dictadura cívico-militar, que se prolongó hasta poco antes del lanzamiento del álbum. Este régimen autoritario dejó cicatrices profundas en la sociedad argentina, con desapariciones forzadas, represión y censura.

Charly García, conocido por su compromiso social y político, aprovechó esta oportunidad para canalizar la agitación y el anhelo de cambio en su música. El álbum “Clics Modernos” no solo refleja la transición que se vivía en el país, sino que también critica de manera inteligente y sarcástica la opresión del pasado. Las letras de las canciones, como "Nos siguen pegando abajo" y "Los dinosaurios", capturan la atmósfera de cambio y despertar social, empleando un tono humorístico y provocativo para abordar temas delicados. En "Los dinosaurios", por ejemplo, Charly García se refiere a los desaparecidos por la última dictadura argentina, dejando en claro su desacuerdo con el régimen.

La Producción Vanguardista de Charly García

Un aspecto notable de “Clics Modernos” es que Charly García se desempeñó no solo como compositor e intérprete, sino también como productor del álbum. Esta autonomía creativa le permitió llevar a cabo su visión sin restricciones, y el resultado es un trabajo que se distingue por su innovación.

El álbum fue grabado principalmente en los Electric Lady Studios de Nueva York, lo que ya es un indicativo de la búsqueda de un sonido novedoso y vanguardista. Además, Charly García tomó la decisión de utilizar una batería electrónica Roland TR-808 en lugar de un baterista convencional. Esta elección es fundamental en la evolución del sonido del álbum. La batería electrónica no solo aporta un toque único a las canciones, sino que también representa una desviación del enfoque tradicional del rock. Esta audaz experimentación con la percusión estableció un precedente para futuros músicos y destacó la disposición de Charly García para explorar nuevas fronteras musicales.

Diversidad Musical en "Clics Modernos"

Aunque el álbum está orientado principalmente al género del new wave, “Clics Modernos” no se limita a una sola etiqueta musical. En su lugar, incorpora elementos de varios subgéneros del pop. Esto es evidente en la diversidad de sonidos y estilos presentes en el álbum.

Canciones como "No soy un extraño" y "Ojos de video tape" muestran la versatilidad musical de Charly García. "No soy un extraño" es una de las canciones más icónicas del álbum y ha perdurado en el tiempo gracias a su creatividad y profundidad lírica. La canción aborda temas de alienación y búsqueda de identidad en un mundo en constante cambio, lo que la hace relevante para audiencias de todas las edades. Por otro lado, "Ojos de video tape" explora la influencia de los medios de comunicación en la sociedad, un tema que sigue siendo relevante en la era digital actual. Esta diversidad musical permite que el álbum atraiga a una audiencia amplia y mantenga su frescura a lo largo de las décadas.

Recepción Inicial y Legado Duradero

Cuando “Clics Modernos” fue lanzado, no todos los críticos estaban listos para abrazar su singularidad. Algunos menospreciaron el impacto, la composición y el alcance tanto del disco como de su intérprete en su carrera como solista. Sin embargo, con el tiempo, el álbum ha ganado el reconocimiento que merece. Figuró en varias listas de los mejores discos de todos los tiempos de América Latina, incluyendo las de las revistas Al Borde y Rolling Stone. Esto demuestra la influencia duradera de la obra de Charly García en la música latina y su importancia en la historia de la música.

Para promover el álbum, se lanzaron dos sencillos comerciales. Estos sencillos contribuyeron a la difusión del álbum y a su éxito en el mercado musical. Después del lanzamiento del álbum, Charly García realizó la presentación en vivo del mismo en el estadio Luna Park de Buenos Aires en el mismo año. Esta presentación en vivo fue un momento emblemático en la carrera del músico y un testimonio de la popularidad del álbum.

Conclusión: Un Icono de la Música Argentina

“Clics Modernos” no es simplemente un álbum de música; es una obra maestra que fusiona la creatividad musical con un compromiso social y político profundo. Charly García logró capturar la esencia de una época de cambios en Argentina y transmitirla a través de su música, dejando una huella imborrable en la historia de la música latina. Este álbum es un testimonio de la capacidad de la música para influir en la sociedad y reflejar la realidad de su tiempo. “Clics Modernos” continúa inspirando a nuevas generaciones de músicos y oyentes, y su legado perdurará mucho más allá de nuestra época.

Daniel 

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1041.- The Great Gig in the Sky - Pink Floyd

"The great gig in the sky", incluida en el mítico disco "Dark Side of the Moon" (1973) de los británicos Pink Floyd es una suave pieza de piano escrita por Rick Wright, responsable de los teclados de la banda, que rompe con la dinámica acústica o electrónica de otros temas del disco. El piano es simplemente la base de un tema originalmente instrumental, y el acompañamiento de fondo para que la intensa voz de la colaboradora  Clare Torry lleve la canción a unas cotas de emoción inigualables.

La creatividad y la experimentación sonora son las bases de todo el disco de Pink Floyd, considerado por muchos como el mejor disco de la historia, y desde luego el mejor de una banda con bastantes discos memorables. "The great gig in the sky" no es ajena a ese planteamiento, y pese a su aparente sencillez (la canción está totalmente desprovista de letra), consigue que únicamente con la calidez y potencia de la interpretación vocal de Torry, sintamos que nos encontramos ante un disco realmente grande y una pieza de enorme intensidad lírica.

"The great gig in the sky" forma parte del puñado de canciones que le dan a "Dark Side of the Moon" (1973) ese toque triste y apocalíptico que lo hace tan grande, y seguramente no pueda entenderse ni valorarse en toda su magnitud sin escuchar el disco completo, porque forma parte de un clímax que no llegará a su máximo esplendor hasta que, con "Brain Damage" y "Eclipse", se afronta el que probablemente sea el mejor final de un álbum que se haya escuchado jamás.

1040.- The Faith Healer - The Sensational Alex Harvey Band

Después de años de intentar encontrar el vehículo musical adecuado para transportarlo a las listas de éxitos, en 1973 Alex Harvey aparentemente había encontrado la banda de acompañamiento que había estado buscando durante toda su vida adulta al asociarse con los componentes de Tear Gas para formar la llamada Sensational Alex Harvey Band , su álbum debut, Frame, se publico rápidamente y, al darse cuenta de que estaban en algo bueno, se aseguró de regresar al estudio lo antes posible. para mantener el impulso, el álbum resultante fue Next y consolidó la posición de la banda con un toque teatral apropiado. SAHB era una banda que no encajaba cómodamente en ningún casillero en ninguna etapa de su carrera. En Harvey tenían un líder con océanos de actuación y experiencia de vida, y la presentación en el escenario era un punto fuerte particular de la banda, con los cinco miembros contrastando trajes escénicos (mientras que el propio Harvey a menudo se vestía como un pirata callejero, los primos de los McKenna, Ted y Hugh en la batería y los teclados, respectivamente, siempre parecían refugiados de un acto de salón de mala calidad, el bajista Chris Glen a menudo tocaba Glam Rock, mientras que el guitarrista Zal Cleminson habitualmente usaba maquillaje de payaso) y un poder en vivo innato y una presencia combinada en el escenario que pocos los actos de la época podrían igualar.

Faith Healer es una composición fascinante y estimulante que profundiza en el intrigante tema de lo sobrenatural y el poder de la fe. Lanzada en 1973, esta canción ha trascendido el tiempo y continúa cautivando al público con sus inquietantes melodías y letras introspectivas. En esencia explora la idea de ilusión, engaño y las líneas borrosas entre la realidad y la fantasía. El protagonista de la canción es un carismático curandero que posee la capacidad de manipular y cautivar a su audiencia. Predica palabras de curación, infundiendo esperanza y fe en los corazones de quienes buscan consuelo en su presencia. Sin embargo, a medida que avanza la canción, queda claro que hay más en este curandero de lo que parece. A lo largo de la canción, la letra insinúa los aspectos más oscuros de la personalidad del personaje. El pegadizo estribillo, “Él es un mentiroso y yo debería saberlo”, sugiere una sensación de escepticismo hacia los supuestos milagros del curandero. La letra continúa explorando las complejidades de su personaje, describiéndolo como un “hijo del trabajo con manos cachondas”, lo que refleja tanto su poderoso carisma como sus métodos cuestionables. A medida que la canción avanza, la espeluznante composición y las voces teatrales se intensifican, pintando una vívida imagen de un hombre que se nutre de la vulnerabilidad y la desesperación de los demás. La música de Faith Healer juega un papel vital a la hora de realzar el significado de la canción y transmitir su mensaje. Las inquietantes melodías, la instrumentación dramática y las voces teatrales crean una atmósfera oscura y misteriosa, brindando a los oyentes una visión del enigmático mundo del curandero.

1039.- Pink Floyd - Money

1042 - Pink Floyd - Money

La canción "Money" de Pink Floyd es una obra maestra del rock progresivo que ha resistido la prueba del tiempo y se ha convertido en una de las piezas más emblemáticas del catálogo de la banda. Lanzada en su álbum "The Dark Side of the Moon" en 1973, "Money" se destaca por su inconfundible riff de bajo, el sonido de las monedas tintineando y su distintivo compás de 7/4.

La canción es un comentario mordaz sobre la obsesión de la sociedad por el dinero y cómo esta obsesión puede corromper y consumir a las personas. La letra, escrita por Roger Waters, canta sobre el poder y la influencia del dinero en la vida de las personas, y cómo puede distorsionar valores y relaciones. La famosa frase "Money, it's a crime" (Dinero, es un crimen) encapsula la crítica social de la banda a la codicia y la materialismo.

El virtuoso solo de guitarra de David Gilmour en "Money" es legendario y su estilo de slide guitar le agrega un toque distintivo a la canción. La combinación de la guitarra, el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Mason crea un ritmo hipnótico que se mantiene a lo largo de la canción.

La estructura de la canción, con sus cambios de tempo y su uso creativo de efectos de sonido, muestra la destreza musical de Pink Floyd. La inclusión de grabaciones de efectos de sonido, como el sonido de cajas registradoras y monedas, añade una dimensión sonora única a la canción.

"Money" es una pieza emblemática de Pink Floyd que sigue siendo relevante en la actualidad debido a su mensaje atemporal sobre la búsqueda del dinero y su influencia en la sociedad. Es un recordatorio de que, a pesar de las décadas transcurridas desde su lanzamiento, la música de Pink Floyd continúa siendo una crítica aguda de las preocupaciones humanas universales.

Daniel

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Charly Garcia - Yendo de la cama al living (Mes Charly Garcia)

 

Carlos Alberto García Moreno mas conocido por Charly Garcia es sin duda uno de los más reconocidos intérpretes y compositores de rock y de rock progresivo de Argentina y no ha sido fácil, su entrada en el mundo musical fue a la temprana edad de cuatro años, edad con la que ya tocaba el piano con gran habilidad hasta el punto que a los doce recibió el diploma de concertista de música clásica. Con catorce años formó su primer grupo, To Walk Spanish, en donde interpretaba versiones de The Beatles y The Rolling Stones, más tarde formó Sui Generis, junto a Nito Mestre y Carlos Piegari y editó su primer disco, Vida, que salió a la venta en 1972, pero en 1975 el grupo se disolvió. Poco después formó PorSuiGieco, grupo de efímera vida que no llegó a editar ningún disco. Y más tarde, en ese mismo año de 1975, lo intentó con otra nueva banda, La máquina de hacer pájaros, grupo que lanzó al mercado dos discos: La máquina de hacer pájaros y Películas, en los años 1976 y 1977, respectivamente. En 1978 Charly formó otra banda, Serú Girán; aunque no obtuvo con ella gran popularidad, grabó cinco discos hasta el año 1982, año en que este grupo dejó de existir y nuestro protagonista enfilo su carrera en solitario, busco a unos músicos solventes, esta vez con Andrés Calamaro a los teclados y obtuvo por fin el reconocimiento popular, sobre todo a raíz de la edición de su primer álbum en el que nos vamos a detener: Yendo de la cama al living, acababa de cumplir 30 años y no se imaginaba lo que le esperaba.

 

El disco comienza con el tema que da titulo al álbum, Yendo de la cama al living y fue un clásico instanteneo, a pesar que de primeras puede parecer un tema claustrofóbico, aislante y muy hipnotizante. Todos conocemos este himno. La carrera solista de Charly García empieza con un desperezamiento, una especie de gemido estirado sobre unas notas de bajo y una percusión programada en una máquina de ritmos Roland TR-808. En plena transición del rock progresivo hacia la new wave (de Genesis a Talking Heads), García encontró la horma de su zapato: un desafío artístico, alteró su metodología habitual, diseñó una línea de bajo y las dos notas complementarias para cerrar los acordes esenciales: SOLm7, Do7, RE7. El ritmo constante y aletargado del track destilaba el clima de asfixia y paranoia que se había vivido en Buenos Aires, pero tenía un origen doméstico. Charly había encontrado a su hijo Migue escuchando una y otra vez el comienzo de una canción de Serú Girán. Cuando cambiaba el ritmo, la rebobinaba y volvía a escuchar esa parte. “Me acerqué a preguntarle si la parte que venía no le gustaba, y me dijo que para él los temas tenían que tener sólo una parte”. Superhéroes es un tema que con reminiscencias a la música brasileña la melodía no es tan llamativa pero no decepciona esencia nostálgica sostenida por un ritmo azucarado de samba -disparado por una caja de ritmos, la prosa de García incita al movimiento en medio de un paisaje militar en plena decadencia. El tema tiene su origen a mediados de los años '70, cuando Charly formaba parte del supergrupo La Máquina de Hacer Pájaros. No bombardeen Buenos Aires, compuesto en pleno conflicto bélico entre Argentina e Inglaterra. Son 4 minutos y 3 segundos en los que, además de la letra llena de ironía y cinismo que millones de argentinos y argentinas se saben de punta a punta y un groove irresistible que invita a mover los pies (¡una canción sobre la guerra para bailar!), se escuchan tantas referencias históricas, mediáticas, políticas y culturales que sería imposible enumerarlas sin aburrir: desde escondidos chistes sobre drogas (“fumate un joint, fumate un joint, fumate un joint, mamá”) y gritos desesperados en primer plano (“¡Tengo hambre! ¡Tengo miedo! ¡Déjenme dormir!”) a menciones más o menos sutiles a la censura, a “Margarita” Thatcher y a la afición de Galtieri por la bebida; todo montado sobre infinitos riffs de teclados y fills de batería como ametralladoras a cargo de Willy Iturri, el único músico convocado por Charly para grabar con él. Tarea para el hogar: escuchar el tema con auriculares y a volumen alto. El ejercicio es fascinante. Vos también estabas verde es un hermoso tema de Charly altamente evocativo. Debería citar la letra entera para hacerle justicia pero os dejo que la es. Punto altísimo del LP. Injustamente pasado por alto por los oyentes casuales de García, misterio y soledad como elementos para otra fuga hacia delante de García colocado y un poco herido, fijaros como va aumentando la tensión y bajando hasta que explota por un momento.

 

Yo no quiero volverme tan loco iba a formar parte del quinto disco de estudio de Serú Girán, la versión original estaba más cerca de la velocidad eléctrica de "Popotitos" que como la publicó en este disco, con el ritmo desacelerado pero sin perder intensidad. Nació como un adrenalínico rock New Wave bajo el título “Pena en mi corazón”. Grito de rebeldía juvenil de Charly ante una sociedad pacata, contiene una frase genial que se volvió eslogan popular: “La alegría no es sólo brasilera”. Canción de dos por tres. Es un tema injustamente olvidado. "No tengo nada que hacer, no tengo nada que dar, tiene un solo de guitarra a cargo del más grande: Luis Alberto Spinetta, una de las piezas mas tenues y melancólicas de Yendo de la cama al living, explora temas de desilusión, nostalgia y la complejidad de las relaciones humanas. Las letras hablan de los sentimientos de vacío y insatisfacción del narrador, expresando una sensación de desorientación y falta de propósito. Peluca telefónica parece ser una crítica humorística y satírica de la comunicación moderna y las normas sociales. Las letras utilizan imágenes absurdas y sin sentido para transmitir una sensación de frustración y descontento con el estado de las cosas. En los versos, los artistas mencionan su desapego de las compañías de telecomunicaciones tradicionales y su falta de obligaciones hacia ellas. Esto podría simbolizar un deseo de libertad de las expectativas y limitaciones sociales. Inconsciente colectivo es un clásico del rock en español, una letra hermosísima y esperanzadora, una canción desfasada de su sonido primordial, melodía y letra disueltos en un estado de ánimo que conjuga el miedo y los sueños de libertad de una época. Al escuchar “Nace una flor, todos los días sale el sol”, lo primero que resuena en la mayoría es Mercedes Sosa, esa especie de voz en off de la conciencia musical argentina. La letra habla sobre el nacimiento de una flor y el sol que se eleva, y cómo de vez en cuando escuchamos una voz llena de alegría. Esta voz es como el sonido de las cigarras que residen en los aleros de nuestras mentes. Sin embargo, la canción continúa diciendo que también hay un transformador que destruye lo mejor de nosotros y pide más y más hasta que llegamos a un punto en el que no podemos soportarlo más.

En comparación con su obra previa, el Charly solista ostentaba un sonido “más racional, no tan cargado de cosas, donde los silencios funcionaban también como notas musicales”, este gran comienzo de discografía va a tener una trilogía de discos que son de los mejores que escuche (Yendo de la cama, Clics y Piano Bar). Es un álbum que todos deberíamos escuchar por lo menos una vez y apreciarlo. Una portada representativa y el comienzo del mito Charly Garcia, lo recomendaría a todo el mundo.

1038.- No more Mr. Nice Guy - Alice Cooper

"No More Mr. Nice Guy" es un himno de rebeldía de Alice Cooper y su legendario frontman, al que en un principio, y así se quedó hasta nuestros días, todo el mundo asoció el nombre de la banda. Escrita por el propio "Alice Cooper" (de nombre real Vincent Damon Furnier) y Michael Bruce, "No More Mr. Nice Guy" fue publicada como single e incluida en su sexto álbum de estudio "Billion Dollar Babies" (1973), y es una muestra fidedigna de la actitud teatral y burlesca de la mítica banda estadounidense de heavy metal.

La canción comienza con un distintivo riff de guitarra, acompañando a una mordaz letra sobre la hipocresía y la presión social para que todos encajemos en un modelo establecido, y sobre como el protagonista se harta de las imposiciones de la sociedad y decide no ser nunca más "el chico agradable" que todo el mundo espera que sea, para emprender un viaje sin retorno hacia un lado mucho más oscuro y excitante.

Su pegadizo estribillo y su mensaje de rebelión y contracultura resonó con fuerza en el momento de su lanzamiento, con la voz carismática y siniestra de Alice Cooper liderando una pieza de instrumentación contundente y enérgicas guitarras, que durante décadas ha sido imprescindible en los conciertos de la banda, y que ha sido utilizada en numerosas bandas sonoras de películas y en series como "The Simpsons" o "Family Guy". Fue además regrabada para ser incluida en el videojuego "Guitar Hero: Warriors of Rock", y el propio Alice Cooper aparece interpretándola en un cameo en el film "Dark Shadows".

1037.- Time - Pink Floyd

 

Time,Pink Floyd

     Dark Side of the Moon es, por derecho propio, uno de los álbumes más icónicos y alclamados de la música, obra del grupo de rock británico Pink Floyd. El disco es grabado en dos sesiones entre el 31 de mayo de 1972 y el 9 de febrero de 1973 en los EMI Studios de Londrs, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 1 de marzo de 1973 bajo el sello discográfico Harvest Records en Reino Unido y Capitol Records en Estados Unidos. Este fue el octavo álbumde estudio de la banda y fue desarollado durante presentaciones en vivo antes de que la banda comenzara la grabación. Concebido como un álbum conceptual, se centró en las presiones a las que se enfrentó el grupo durante su difícil y complicado estilo de vida. También abardó los problemas de salud mental del ex miembro de la banda Syd Barrett, quien había dejado el grupo en 1968.

El disco está basado en ideas exploradas en grabaciones y actuaciones anteriores del grupo, omitiendo los instrumentales extendidos que caracterizaron el trabajo anterior de la banda. Para ello usaron grabaciones multipista, bucles en cinta y sintetizadores analógicos, incluidos los experimentos con varios sintetizadores. Estamos ante un disco que se centra en la idea de la locura, explorando temas como el conflicto, la codicia, la muerte, las enfermedades mentales o el tiempo. Se encuentra entre los álbumes más aclamdos por la crítica de todos los tiempos y le dio a Pink Floyd la consagración, una gran fama internacional y una gran reputación. Este disco ayudó además a impulsar la venta de discos en toda la industria musical durante la década de los 70. 

Inncluido en este álbum se encuentra Time, la cuarta pista del disco, donde la voz principal es compartida entre el teclista Richard Wright y el guitarrista David Gilmour. Este es uno de los temas que afronta la temática del tiempo. Sorprendente y memorable es la primera vez que escuchamos la canción y oímos por primera vez la multitud de relojes sonando a todo volumen. A Roger Waters se le ocurrió la idea cuando se dio cuenta de que ya no se estaba preprando para nada en la vida, sino que estaba sin haberse dado cuenta en mitad de ella. Los sonidos reales de relojes y alarmas fueron grabados en una tienda de antigüedades realizados a modo de prueba cuadrafónica por el ingeniero Alan Parsons. Este experiemtno fue previo al disco y fue rescatado para la ocasión. Esta es la única pista del álbum que da crédito a los cuatro miembros del grupo, y sería la última en hacerlo en toda la discográfia de la banda.

Disco de la semana 351: Montrose - Montrose

 

Montrose, Montrose

     Para la recomendación de esta semana traemos desde Estados Unidos un álbum conocido por su enérgico rock y por sus potentes riffs de guitarra, el álbum debut de la banda estadounidense Montrose.

Montrose fue una banda estadounidense de hard rock formada en 1973 y que lleva el nombre del guitarrista y fundador de la misma, Ronnie Montrose. Antes de formar la banda, el guitarrista Ronnie Montrose había sido un reputado y codiciado músico de sesión, habiendo tocado para artistas de la talla de Van Morrison en su disco Tupelo Honey, para Beaver & Krause y Herbie Hancock entre otros muchos. También formó parte de Edgar Winter Group, tocando en su canción más famosa, Frankestein, del álbum más vendido del grupo, The Only Come Out at Night.

La formación original del grupo estaba compuesto por Ronnie Montrose (guitarra), por un desconocido por entonces Sammy Hagar (vocalista), Bill Church (bajo) y Denny Carmassi (batería), y se formó a principales de 1973, después de que Montrose abandonara Edgar Winter Group. Hagar y Carmassi habían trabajado anteriormente juntos y fueron reclutados de bandas locales del área de San Francisco, mientras que Church y Montrose se conocían por su trabajo como músicos de sesión para Van Morrison junto con el productor Ted Templeman, quien será a la postre el productor de su álbum debut. El grupo, que por aquel entonces no tenía nombre, hace su debut bajo el nombre Ronnie Montrose and Friends. 

Bajo el nombre Montrose, la banda hace su debut con su disco homónimo, grabado entre varios estudios entre Hollywood y San Francisco, bajo la producción de Ted Templeman y del propio grupo. El disco es publicado el 17 de octubre de 1973 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Al principio este disco no tuvo una ventas muy buenas, llegando a alcanzar unicamente el puesto número 133 en las listas de ventas de Estados Unidos. Con el tiempo llegó a convertirse en un éxito internacional, llegando a vender durante décadas más de un millón de copias. Este disco a menudo es citado por muchos críticos como "La respuesta estadounidense a Led Zeppelin", llegando a ser una de las bandas influyentes del género hard rock y heavy metal. Muchos consideran este primer trabajo del grupo como "El primer álbum de heavy metal estadounidense", llegando a ser votado como el cuarto mejor álbum de metal de todos los tiempos por la reputada revista Kerrang! en 1989. 

Estamos ante un disco con sobresalientes composiciones y con una buena dosis de rock and roll, blues, rock y psicodelia. No vamos a encontrar estructuras sorprendentes, pero si vamos a disfrutar de una compenetración magnífica de los músicos con un ritmo contundente, abrasivo y arrollador. Podemos disfrutar de composiciones magníficas, entre las que destacan Rock the Nation, la canción que abre el álbum y que ya nos da una clara idea de lo que nos espera, enérgicos riffs de guitarra y unas letras que festejan la música rock como una música unificadora; Bad Motor Scooter, posiblemente la canción más conocida de la banda y que contiene un magnífico y demoledor solo de guitarra de Ronnie Montrose. Esta canción fue la primera que escribió Sammy Hagar para la banda, y en ella se encuentra invitando a una chica a subirse en su scooter defectuosa y hacerle una visita. Los efectos de la moto fueron realizados por Ronnie Montrose con su guitarra y con unos toques de Slide; Space Station #5, otro de los puntos culminantes del disco y que se ha convertido también en un clásico del hard rock gracias a su atmósfera espacial y a su poderosos ritmo. La canción fue coescrita por Hagar y Montrose, y ha llegado a ser versionada por Iron Maiden; Good Rockin' Tonight, que es la única versión que el grupo graba en este álbum, un clásico Rock and Roll de Roy Brown al que Montrose y compañía le dan un buen chute de energía; o Rock Candy, pista con un ritmo pegadizo y unas letras que contagian la esencia del rock and roll. Atentos a la memorable interpretación de Sammy Hagar, de hecho es una canción que volvió a grabar en solitario y que ha seguido interpretando. Magnífica es también la introducción de batería interpretada por Denny Carmassi. La canción se originó a partir de la experimentación de Carmassi con alternativas a la introducción del baterista de Led Zeppelin, John Bonham en la canción When the Levee Breaks. 

Estas canciones son solo una muestra de lo que ofrece el álbum homónimo y debut de Montrose, un disco lleno de potentes y enérgicos riffs de guitarra, poderosas y contundentes interpretaciones vocales y un estilo de rock directo que a la postre han influenciado en muchas bandas posteriores de hard rock y heavy metal. Estamos ante un álbum clásico dentro del género y que se ha hecho por derecho propio un importante hueco dentro de la historia del rock.

1036.- Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree - Tony Orlando

 

“Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree” de Tony Orlando estuvo 11 semanas en el número 1 de la lista Billboard durante 1973. La canción se convirtió en un fenómeno cultural, hasta el punto de que las emisoras de radio rogaban a los oyentes que dejaran de llamar para pedirla. La inspiración de la alegre melodía pop llegó más de cien años antes de que los compositores decidieran escribir esta canción a principios de los años 70. Sin embargo, todavía se hace referencia al símbolo titular gracias a la influencia de la canción.

El símbolo de la cinta amarilla se remonta al siglo XIX. Una historia de amor publicada en Reader's Digest sobre la época de la Guerra Civil es lo que impulsó por primera vez a los compositores L. Russell Brown e Irwin Levine a escribir esta canción. "Había un artículo... trataba sobre un soldado que regresaba a casa de la prisión de Andersonville durante la Guerra Civil y se dirigía a Pensilvania. Le dijo a su chica en una carta: "Lo entenderé si debo quedarme en la diligencia". Pero si no debería, ata un gran pañuelo amarillo en el gran roble en las afueras de la ciudad. Y entonces sabré que si está ahí, debería largarme, pero entenderé que encontraste a alguien más en los últimos tres años." La canción sigue una historia similar, la letra cuenta la historia de un hombre que pasó tres largos años en prisión y ahora intenta hacer un balance de su relación. Utiliza la cinta amarilla como señuelo para saber si es bienvenido o no a casa. A pesar de cualquier inquietud, el hombre se asoma por la ventana del autobús y ve 100 cintas atadas alrededor del árbol para darle un final conmovedor.

 El trabajo vocal de Tony Orlando es sólido como siempre, y me gustan mucho las flautas de Telma y Joyce, así como la hermana de Joyce, Pamela, como acompañamiento. Todo encaja muy bien en este tipo de narración. La música está bien, aunque no sea nada especial. Las cuerdas en el coro y ese pequeño riff (¿suena como si lo tocara algún tipo de órgano?) son realmente agradables. Sin embargo, todo es un poco ñoño debido a las voces.

1035 - Al Green - Here I am

1038 - Al Green - Here I am

La canción "Here I Am" de Al Green es una verdadera joya en la corona del soul y el rhythm and blues. Sin utilizar la palabra "icónica", es innegable que esta canción es un hito en la carrera de Al Green y un referente indiscutible en la historia de la música.

Desde el primer acorde, "Here I Am" te sumerge en un mundo de emociones y pasiones. La voz distintiva de Al Green es como un faro que guía a los oyentes a través de las complejidades del amor y la entrega. Sus letras, aunque sencillas, son profundamente conmovedoras y expresan un anhelo universal de amor y conexión.

La instrumentación de la canción es un componente esencial de su magia. La suavidad de las cuerdas, los vientos melódicos y el ritmo cautivador crean un ambiente que envuelve a los oyentes en un abrazo musical. La habilidad de Al Green para mezclar estos elementos de manera tan magistral es una prueba de su maestría musical.

La interpretación de Al Green es inigualable. Su voz transmite una sinceridad y pasión que llegan directamente al corazón. Cada nota está impregnada de emoción, lo que hace que la canción sea más que una simple grabación; es una experiencia profunda y personal para cada oyente.

A lo largo de las décadas, "Here I Am" ha perdurado como un himno del amor y la conexión humana. Muchos artistas han intentado replicar su magia, pero ninguno ha capturado la autenticidad y la intensidad de la versión original de Al Green.

"Here I Am" es una obra maestra musical que sigue tocando las fibras más profundas del alma. Esta canción es un recordatorio eterno de la capacidad de la música para transmitir emociones y conectar a las personas de maneras que trascienden el tiempo y el espacio.

Daniel 

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1034.- Raw Power - The Stooges

"Raw Power" ("Fuerza Bruta") da título al tercer disco de The Stooges, publicado en 1973 como una continuación de la línea punk rock de los dos discos anteriores, pero dando también un paso más allá con la producción de David Bowie y las nuevas composiciones del siempre salvaje Iggy Pop, todo un compendio de energía cruda en un disco que no podía tener un título más adecuado.

En "Raw Power" la batería de Scott Asheton acompaña de manera frenética a un áspero y abrasivo riff de guitarra firmado por James Williamson, que en este tercer disco desplaza a Ron Asheton al bajo. Iggy canta desafiante y con contundencia en este torbellino de energía convertido en canción, describiendo la "fuerza bruta" poderosa y salvaje de la música rock, capaz de conducir a la liberación y el cambio social.

La actitud rebelde y la desafiante letra hicieron de "Raw Power" un himno del "protopunk" de los setenta, adelantándose a la explosión del punk promovida años después con bandas como The Clash o Sex Pistols con un alegato salvaje y visceral que ha influido a multitud de bandas posteriores. Como curiosidad, incluso los Guns and Roses se rindieron ante la "fuerza bruta" de The Stooges, haciéndola suya dentro del disco de versiones de temas punk "The Spaghetti Incident" (1993).

1033 - Alice Cooper - Hello Hooray

1035 - Alice Cooper - Hello Hooray

La canción "Hello Hooray" de la banda Alice Cooper es un tema que destaca por su poderosa energía y su capacidad para elevar el ánimo. Con una apertura dramática y grandiosa, la pista establece de inmediato un tono teatral y emocionante. La voz distintiva de Alice Cooper se luce con su entrega apasionada y ligeramente siniestra.

La instrumentación es rica en detalles, con guitarras y teclados que se entrelazan para crear una atmósfera vibrante. La canción evoca una sensación de celebración y triunfo, con un estribillo pegajoso que invita a los oyentes a unirse en un coro de alegría. La producción cuidadosamente elaborada resalta la habilidad de la banda para crear una experiencia auditiva inmersiva.

"Hello Hooray" es un ejemplo destacado del estilo teatral y provocador de Alice Cooper, que ha influido en generaciones de músicos. Esta canción en particular captura la esencia de su capacidad para cautivar a la audiencia y llevarla a un mundo de emoción y extravagancia musical.

Daniel 

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1032 - The Stooges - Gimme danger

1032 - The Stooges - Gimme danger

"Gimme Danger" es una destacada composición de la banda The Stooges. Esta pista, incluida en su álbum "Raw Power" de 1973, resalta por su intensidad y carácter distintivo.

La canción se inicia con un memorable riff de guitarra que establece su atmósfera característica. La voz única de Iggy Pop, llena de pasión y rebeldía, toma el centro del escenario mientras canta sobre el deseo y el peligro, creando una sensación de urgencia y anhelo palpable.

La instrumentación de "Gimme Danger" es cruda y poderosa, con riffs de guitarra contundentes y una sólida sección rítmica proporcionada por los hermanos Asheton. La combinación de estos elementos da como resultado una canción que se mantiene vigente a lo largo del tiempo y sigue siendo una pieza fundamental en la historia del rock.

"Gimme Danger" es una canción que destaca por su autenticidad y su capacidad para transmitir emociones crudas. Su poderosa mezcla de letras apasionadas y música enérgica la convierte en una obra que ha dejado una huella duradera en el panorama musical.

Daniel 

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El artista del mes: Black Sabbath - Mob Rules #MesBlackSabbath

El artista del mes: Black Sabbath - Mob Rules #MesBlackSabbath

"Mob Rules" es el décimo álbum de estudio de la banda de heavy metal Black Sabbath, lanzado en 1981. Este álbum llegó dos años después de su exitoso "Heaven and Hell", el cual marcó la entrada del vocalista Ronnie James Dio en la banda, reemplazando a Ozzy Osbourne. "Mob Rules" continuó con esta alineación renovada y consolidó la posición de Dio como un frontman destacado en la historia del metal. A lo largo de aproximadamente 600 palabras, exploraremos en profundidad este álbum y su impacto en la escena musical.

El álbum se abre con la poderosa "Turn Up the Night", una canción llena de energía que establece el tono desde el principio. La voz distintiva de Ronnie James Dio se destaca de inmediato, demostrando su capacidad vocal excepcional y su habilidad para infundir pasión en cada palabra. La combinación de su voz con la guitarra de Tony Iommi y los poderosos riffs establece un estándar alto para el álbum.

Uno de los aspectos más notables de "Mob Rules" es la habilidad de Black Sabbath para crear atmósferas oscuras y siniestras a través de la música. Esto se evidencia en canciones como "Voodoo" y "Sign of the Southern Cross", donde la instrumentación y la voz de Dio se entrelazan para crear una sensación de misticismo y misterio. Estas canciones son ejemplos perfectos de la capacidad de la banda para contar historias a través de su música, transportando a los oyentes a mundos oscuros y desconocidos.

El título de la pista principal, "The Mob Rules", captura la esencia de la época en la que se lanzó el álbum. La canción presenta un mensaje poderoso sobre la conformidad y el control de masas, temas que eran relevantes en ese momento y que aún resuenan en la sociedad actual. La canción es impulsada por un ritmo fuerte y un coro pegajoso que invita a los oyentes a unirse a la revuelta contra las reglas impuestas.

"Country Girl" es una de las pistas más accesibles del álbum, con un ritmo más rápido y un ambiente más ligero. Muestra la versatilidad de Black Sabbath para explorar diferentes estilos dentro del metal, demostrando que no se limitan a un solo sonido.

El álbum cierra con la épica "Falling Off the Edge of the World" y la enigmática "Over and Over". Estas canciones demuestran la destreza musical de la banda y su capacidad para crear paisajes sonoros intensos y emocionales. La guitarra de Tony Iommi brilla especialmente en estas pistas, con solos melódicos y emocionantes que dejan una impresión duradera.

En cuanto a la producción, "Mob Rules" cuenta con un sonido más pulido en comparación con algunos de los álbumes anteriores de Black Sabbath. Esto se debe en parte a la colaboración con el renombrado productor Martin Birch, conocido por su trabajo con bandas como Deep Purple e Iron Maiden. La producción cuidadosa resalta la calidad de la música y permite que cada instrumento brille.

En retrospectiva, "Mob Rules" es un álbum que ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo uno de los pilares del género del heavy metal. La influencia de Ronnie James Dio como vocalista y letrista se siente en cada nota, y su química con los miembros originales de Black Sabbath resultó en un sonido que es instantáneamente reconocible y perdura en la memoria de los fanáticos. La capacidad de la banda para crear música que es al mismo tiempo poderosa, melódica y emocional es un testimonio de su talento y longevidad en la industria musical.

En conclusión, "Mob Rules" de Black Sabbath es un álbum que sigue siendo un hito en la historia del heavy metal. Con sus letras intrigantes, su instrumentación magistral y la voz inconfundible de Ronnie James Dio, este álbum continúa cautivando a nuevas generaciones de amantes del metal y es esencial para cualquier fanático de la música rock y metal.

Daniel 

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1031.- Search and Destroy - The Stooges

 

Search and Destroy, The Stooges

     Raw Power es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense The Stooges. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1972 en los CBS Studios de Londres bajo la producción de David Bowie e Iggy Pop, y publicado el 7 de febrero de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. Para este tercer trabajo, la banda se apartó de canciones de ritmo y basadas en los sentimientos para darle un enfoque más agresivo y más pesado, tirando hacia el hard rock. Parte de este cambio vino por parte del nuevo guitarrista de la banda, James Williamson, quien coescribió las ocho canciones del disco junto a Iggy Pop. Fue lanzado bajo el sobrenombre de Iggy Pop and The Stooges, en contraste con los dos primeros álbumes, que fueron acreditados a The Stooges. Aunque el disco inicialmente no tuvo éxito comercial, con el tiempo fue ganando exponencialmente seguidores de culto y está considerado junto con los dos primeros álbumes del grupo como precursor del punk rock. 

Incluido en este disco se encuentra Search and Destroy, que fue uno de las dos canciones lanzadas como sencillo. En 2004 la revista Rolling Stone clasificó esta canción en el puesto 468 de su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos". Fue escrita por Iggy Pop y por el guitarrista James Williamson, y su título proviene de un artículo de la revista Time que vio Iggy sobre la Guerra de Vietnam. Una potente canción con letras plagadas de referencias a la guerra, incluido el napalm, las bombas nucleares, los tiroteos o la radiación. El título es también una referencia a una táctica militar usada por el ejército estadounidense en la Guerra de Vietnam: Buscar al enemigo, destruirlo y retirarse. En una entrevista en el año 2013, el guitarrista James Williamson afirmaba sobre la canción: "Bueno, se me ocurrió un poco ese 'bum bum bum bum bum bum bum', pero se trataba más de imitar una ametralladora, por así decirlo. Porque estábamos en la era de la Guerra de Vietnam. Y entonces estábamos jugando con eso. Luego, el resto de la canción giraba en torno a eso".

En 1997 Search and Destroy junto con el resto del álbum fue remezclado y remasterizado por Iggy Pop y Bruce Dickinson, dando como resultado un tema más agresivo y sencillo que el lanzamiento original, que había sido mezclado por David Bowie. Con este tema el grupo estableció un modelo a imitar en el punk rock. Estamos ante una canción con una potente e inmejorable combinación, por un lado unas letras que nos hablan de caos, destrucción y rebeldía, y por el otro un potente riff de guitarra distorsionada, que juntos convierten esta canción en una de las más emblemáticas del punk rock.

1030.- Paris 1919 - John Cale

"Paris 1919", incluida en el disco del mismo nombre publicado en 1973, es una de las canciones más relevantes de la carrera del músico, compositor y productor galés John Cale, conocido especialmente por formar parte de la mítica banda The Velvet Underground junto a Lou Reed, y por una más que interesante y prolífica carrera en solitario, que nada tiene que envidiar a la de su famoso compañero de banda.

El título de la canción evoca la elegancia y el glamour de los años veinte en la mágica ciudad francesa, y su contenido intenta también plasmar la musicalidad romántica y melancólica de aquella época de sofisticación y esplendor, consiguiéndolo a través de su exquisita melodía y sus elaborados arreglos orquestales de cuerdas y vientos, todo ello comandado por la elegancia del piano como instrumento clave y principal junto a la voz profunda y melancólica de John Cale. 

La letra es poética y enigmática, y ajena a una narrativa lineal, logrando generar en el oyente una sucesión de imágenes mentales de poderosa belleza y abstracción ("Calles doradas...", "Sangre en el ojo de un faisán..."), que permiten que quién la escuche pueda darle su propia interpretación. Así, algunos críticos vieron en ella una nostálgica reflexión sobre la pérdida de la inocencia, mientras que otros la consideran una oda al romanticismo y la belleza de tiempos pasados. Sea como fuere, lo que no es discutible es que "Paris 1919" es ya un clásico atemporal del repertorio de John Cale.

El disco de la semana 350: New Gold Dream (81–82–83–84) - Simple Minds

 

Simple Minds es conocido por muchos por ser los autores de la canción en The Breakfast Club", consideramos “Don't You Forget About Me” es su canción más tocada en vivo, han tenido otros éxitos, sí, pero cuando se menciona Simple Minds en una conversación (lo que imagino que rara vez ocurre hoy en día), esa es la canción que a casi todo el mundo se le viene a la mente. Pero asa canción… no está en este álbum, ni en ningún otro álbum, la canción fue escrita pero aún no había sido grabada para The Breakfast Club por un productor llamado Keith Forsey, un fan de la banda, quien la presentó a los ejecutivos discográficos como una demostración, tenía en la cabeza que Simple Minds serían los más adecuados para grabar la canción, ya que la había escrito pensando en ellos. Dijeron que no por dos razones, solo querían grabar su propio material, y la otra era que no habían logrado ingresar al mainstream estadounidense y tenían dudas de que la canción fuera la que rompiera esa maldición. Tras ofrecerla a otros grupos y rechazarla, Simple Minds finalmente aceptó grabarla. Predijeron que sería simplemente una “canción desechable en la banda sonora de una película olvidable”, pero la historia muestra que no podrían haber estado más equivocados. Asi que no os asusteis, ni este éxito está en “New Gold Dream” y ninguna de las canciones del album suena similar a ella, os vamos a presentar 9 canciones, la mayoría de las cuales tienen sus propios encantos especiales, pero no tiene nada que ver con “Don't You Forget About Me”.

Lo primero que destaca en el disco son las texturas que están extremadamente cuidadas, cada nota parece puesta con una delicadeza exquisita, uno de esos raros casos en los que todo encaja, pero es que además es un disco pop lleno de estribillos inolvidables realizados por una producción y sonido de enorme meticulosidad y perfeccionismo y que al mismo tiempo resulta natural. La carrera incial de Simple Minds sonaba emocionalmente distante, y de pronto cse transformaron en rock y apareció el factor de fanfarronería vacía. New Gold Dream los encuentra en transición de una fase de su carrera a la siguiente, quizás combina los mejores elementos de ambas fases, también combina ambos aspectos negativos.

 

El álbum se abre con “Someone Somewhere in Summertime”, el mejor tema del grupo y uno de los mejores temas de synthpop de toda la década, hay una oscuridad subyacente que impregna toda la pista, y ese coro de cuatro palabras es simple pero también extrañamente catártico. Fue el tercer sencillo del álbum, pero como tema inicial fue el vehículo perfecto para anunciar el futuro más melódico y menos experimental de la banda, y desde el principio deja claro el mensaje: se trata de melodías pegadizas, líneas de fondo insistentes, fondos fascinantes, las majestuosas letras de Kerr y fragmentos de influencias de una gran variedad de fuentes, todo ello forjando un nuevo sonido y un futuro instantáneo, claramente fue un mensaje directo: Esto es Simple Minds, aquí estamos, no te olvides de nosotros. 

La segunda canción que encontramos es “Colours Fly and Catherine Wheel”, que está dominado por una línea de bajo que se te quedará en la cabeza durante días. No hay mucho en la canción estructuralmente, ya que el 'estribillo' es breve, puede sonar un poco repetitivo para oídos nuevos, quizás puedes encontrate de regreso a un sonido anterior de Minds, con partes de bajo completamente serpenteantes, efectos incidentales, guitarras procesadas y la voz cambiante de Kerr que te balancea entre Roxy Music y Ultravox. “Promised You a Miracle” es una pista bailable con el mejor trabajo de sintetizador hasta ahora en el disco, y una de las dos únicas canciones del disco que se abre inmediatamente con su estribillo, atentos a la guitarra solista y palmas falsas con eco a mitad de la canción, así como la batería en el último minuto de la canción antes del desvanecimiento. En el momento en que grabaron la canción, la banda estaba muy endeudada y necesitaba algo parecido a un milagro que los sacara de allí y alguna de sus canciones llegara a alguna lista de éxitos, lo consiguieron con esta canción que no solo les daría ese éxito, sino que les brindaría una nueva dirección y el comienzo de una racha récord de éxitos en las listas. La promesa y el milagro ciertamente se cumplieron. “Big Sleep” es un tema bastante flojito, pero encontramos todos los elementos están aquí para el futuro de Simple Minds. Con grandes riffs de sintetizador, un arreglo en evolución y momentos de manos en el aire, Big Sleep está casi diseñado como un futuro favorito en los estadios y el vehículo perfecto para el nuevo estilo vocal de Kerr que sonaría en los principales lugares durante el próximo año. cuatro décadas aproximadamente. “Somebody Up There Likes You” es completamente instrumental, pero de todos modos es una pieza maravillosa, me encanta la sensación de inmensidad que evoca la pista, como si estuviera presenciando una vista de pájaro de las llanuras del oeste de África mientras me deslizo sin ninguna preocupación en el mundo. Ni siquiera sé si esa descripción encaja, pero sonaba precisa en mi cabeza.

 

A continuación viene la canción principal “New Gold Dream (81-82-83-84)” que domina todo absolutamente, al igual que la segunda pista, esta establece un ritmo y se apega a él, excepto que esta es mucho más dinámica e impulsa la canción hacia adelante sin mirar atrás. Para mí, esta es la música de mayor éxito, y encuentro que la entrega del título del álbum es una fuente de hilaridad involuntaria. Simplemente escuche la forma en que Jim Kerr grita “OCHENTA Y UNO, OCHENTA Y DOS, OCHENTA Y TRES, OCHENTAAAA Y CUATRO”. Realmente no tengo más remedio que sentarme y aplaudir la pasión de este hombre por los números, tiene algunos de los mejores riffs y ritmos más importantes: casi se puede ver al productor Peter Walsh dirigiendo a los dos bateristas, por lo estridente que es la sección rítmica, Pero es una pieza memorable de Simple Minds unos 40 años después. Bandas como Utah Saints y USURA produjeron versiones del tema con las principales melodías y letras muestreadas o reinterpretadas. Después viene “Hunter and the Hunted”, una canción de la que probablemente no diría mucho si no hubiera sabido que el breve solo de teclado lo toca Herbie Hancock, mantiene el mismo sonido que el resto del álbum, pero es posiblemente la canción más olvidable de New Gold Dream , ¡casi un pastiche del nuevo sonido incluso antes de que se establezca como el nuevo sonido!. Finaliza el álbum con “King is White and in the Crowd” no es un buen cierre de álbum en parte debido a que es demasiado largo, siete minutos. Y unque el álbum no termina tan bien como comenzó, sería un error decir que “New Gold Dream” termina mal. Abre con ritmos electrónicos similares a los que abren la canción principal, pero no alcanza la misma altura, quizás porque posee un ritmo más lento y una sensación bastante sensiblera, pero no importa: se han escalado las cimas, el nuevo plan está firmemente en marcha y Simple Minds          tienen un sonido que conquistará el mundo. Estados Unidos llama y el sonido está preparado.

 

"New Gold Dream (81-82-83-84)" es el disco referente de Simple Minds, la banda más famosa de Escocia del período New Wave. Parafraseando a una frase que encontré en una revista de crítica musical, dijo que éste álbum fue "cima y sima" del grupo, fue su pico creativo, pero también el inicio de su declive en cuanto a producción de LP's(aunque seguirían sacando singles brillantes)

1029.- Over the hill - John Martyn

Lanzada en 1977 como parte del álbum "One World", "Over the Hill" ("Sobre la colina") es una de las más relevantes canciones del cantautor británico John Martyn, y se ha convertido con el tiempo en todo un himno del folk, por la fuerte carga melancólica de su música y la profunda introspección de sus letras, característica además en toda la obra de Martyn.

"Over the Hill" comienza con unos suaves acordes de guitarra acústica, instrumento por antonomasia del folk, y la inconfundible voz áspera del cantautor británico, desgranando de una manera simple y conmovedora sus pensamientos sobre lo efímero de la vida y sobre un amor que ha quedado atrás, recordándolo sin amargura y relativizándolo desde la aceptación de lo inevitable que es que todo cambie y tenga un final.

Esa visión diáfana solo llega cuando, en nuestras vidas, llegamos a lo alto de la colina, y podemos ver con claridad lo que hay tras ella. En "Over the Hill", John Martyn nos traslada a ese momento de aceptación única, a través de un sonido y un mensaje tan evocadores como etéreos, creando una atmósfera en la que consigue sumergirnos, o sería más correcto decir elevarnos, hacia esa imaginaria colina sobre la que nos habla en una canción atemporal y conmovedora.

1028.- Eres tu - Mocedades

 

La historia de Mocedades empezó a finales de los años sesenta en Bilbao, España. Después del espectacular triunfo internacional que obtuvo con Eres Tú, Mocedades siguió éxito tras éxito a lo largo de los años setenta y los ochenta. En un principio, el grupo lo conformaban sólo las llamadas Hermanas Uranga, es decir, Amaya, Izaskun y Estíbaliz Uranga Amézaga. Poco a poco, se añadieron más hermanos y amigos a sus ensayos, y acabaron fundando un nuevo grupo bajo el nombre de Voces y Guitarras. Cuando comenzaron a tener sus primeros éxitos, cambian su nombre a Mocedades. Su tema estrella es «Eres tú» una canción eterna en nuestro país y con la que participaron en el Festival de Eurovision de 1973 en Luxemburgo obteniendo el segundo lugar. La obra musical, lanzada en 1973, es considerada una de las canciones más emblemáticas, logrando tener un impacto positivo y duradero a lo largo de los años. Convirtiéndose en un éxito instantáneo en España, alcanzando rápidamente los primeros lugares de las listas de éxitos. Su melodía pegadiza, la emotiva interpretación vocal del grupo y la letra romántica y sentimental conquistaron los corazones del público. La canción fue compuesta por Juan Carlos Calderón (1938-2012), uno de los más importantes autores, productores y arreglistas que ha dado España. De hecho, trabajó con algunos de los nombres más importantes de la música patria, como Nino Bravo o Joan Manuel Serrat, en aquellos primeros años de los 70. Más tarde, produciría algunos de los discos más exitosos del mexicano Luis Miguel.

Eres tú de Mocedades alude al amor incondicional. Puede aplicarse al amor hacia un ser especialmente querido, como un amante, o un familiar. El foco, en este sentido, podríamos ponerlo en un hijo o hija. Otra interpretación que podríamos asumir a partir de la letra, sencilla pero clara y robusta, es el de la importancia de la familia. Hemos de tener en cuenta el momento histórico en el que se lanza esta canción, son los últimos años de la dictadura franquista en España. El tema llegó a vender más de un millón de copias en Estados Unidos, todo un éxito teniendo en cuenta el momento en el que se publica y que, entonces, la comunidad latina no tenía el peso que atesora en la actualidad, pero no solo eso, en Estados Unidos cuando no mucha gente entendía el castellano, Mocedades protagonizó un auténtico bombazo y ojo que la canción aún hoy sigue sonando con insistencia en las radios de oldies goldies, tipo Kiss FM, 40Classic… Para que te hagas una idea. Además consiguió una nominación a los Grammy’s en la categoría de Mejor interpretación vocal pop de un grupo, aunque no ganó el premio, la nominación destacó la calidad y popularidad de la canción. Incluso tuvo su versión en japonés titulada Anata wa, interpretada por el grupo Pink Lady. Esta versión fue lanzada en 1973 y se convirtió en un éxito en el país asiático, logrando el primer lugar en las listas de popularidad.

#MesBlackSabbath - Heaven and Hell

 

Heaven and Hell, Black Sabbath

     Heaven and Hell, el noveno álbum de estudio de la banda inglesa Black Sabbath, representa el fín de la era Ozzy y el inicio de otra con la inclusión de uno de los vocalistas más grandes que ha dado el metal, Ronnie James Dio. El disco es grabado entre octubre de 1979 y enero de 1980 entre los Criteria Studios de Miami y los Ferber Studios de París, bajo la producción del gran Martin Birch, y publicado el 18 de abril de 1980 por el sello discográfico Vertigo Records. En Estados Unidos tuvo un gran éxito comercial, llegando a vender más de un millón de copias. Tampoco le fue nada mal en Reino Unido.

Las sesiones iniciales del álbum comenzaron con Ozzy Osbourne tras la conclusión de la gira Never Say Die!. La banda se reunió en Los Angeles durante once meses para grabar el nuevo disco, un proceso descrito por Tony Iommi como interminable y frustrante. Ozzy estaba harto de la experimentación en los discos anteriores Technical Ectasy y Never Say Die!, y prefería el sonido más pesado que hacía la banda anteriormente. Todo esto acabaría desembocando en la marcha de Ozzy del grupo. 

Por otro lado, Ronnie James Dio e Iommi se conocen en 1979 gracias a Sharon Arden, quien más tarde se convertirá en la esposa de Ozzy. En un principio ambos discuten sobre la formación de una nueva banda en lugar de la continuación de Black Sabbath, y todo queda ahí. La pareja se volvería a encontrar más tarde, ese mismo año y por casualidad en Los Angeles, y su situación era similar, Dio estaba buscando un nuevo proyecto, mientras fue Iommi necesitaba imperiosamente un vocalista. La pareja mantuvo el contacto telefónico hasa que Dio se presentó en Los Angeles para una sesión relajada e improvisada y así conocerse mejor. Ese mismo día el dúo terminó Children of the Sea, canción que había comenzado a gestarse cuando todavíia estaba Ozzy en la banda y de cuyo proyecto Iommi conserva una grabación con este vocalista. A pesar de las dudas, pues Butler y Ward tienen dudas sobre si seguir o no, la banda se prepara para entrar en el estudio y grabar lo que acabará siendo Heaven and Hell. Butler hace un amago de marcharse debido a sus problemas cosu separación y un difícil divorcio, por lo que Iommi le sustituye en un primer momento por Geoff Nicholls. El guitarrista se pone en contacto con su amigo Frank Zappa para que le ayude a encontrar un bajista, Zappa ofrece a su bajista para las sesiones del disco, pero Iommi prefiere un miembro permanente. Al final Butler decide regresar al grupo y Tony Iommi deja como teclista no oficial de la banda a Nicholls. Bill Ward estaba luchando con una serie de problemas personales que le obligaron a dejar unos meses la banda, pero regresaría finalmente, aunque en un principio no estaba muy de acuerdo con el rumbo que había tomado la banda con Dio. Durante esa época también colabora el bajista Graig Gruber, pero no está clara cual es su contribución en el disco. 

En cuanto a la producción, en seguida se nota la mano de Martin Birch que es el primer productor externo de Black Sabbath desde que la banda se había separado de Rodger Bain. Y en cuanto a la portada, esta fue tomada de una pintura del artista Lynn Curlee, llamada Smoking Angels, inspirada en una fotografía de 1928 de mujeres vestidas como ángeles fumando detrás del escenario durante un descanso en un concurso universitario. La ilustración de la contraportada del disco fue dibujadada por el artista Harry Carmean. El disco se convirtió en el más exitoso del grupo desde Sabotage (1975), alcanzando el puesto número 9 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 28 en las listas de Estados Unidos. Se situó en el tercer disco más vendido de la banda detrás de Paranoid y de Master of Reality. 

Entramos en materia, y ya desde la primera canción, la enérgica Neon Knights, queda claro el nuevo rumbo tanto en la composición como en el tono imprimido por la voz de Ronnie James Dio. Esta fue la última canción escrita por la banda para el álbum. La letra fue escrita por Dio y es la única que cuenta con la participación del bajista Geezer Butler debido a sus problemas personales. Con un ritmo enérgico y pegadizo, Dio nos habla sobre leyendas inglesas de mitos y cultura medieval. Esta canción era la primera del álbum, y por tanto suponía mucha presión para el grupo, pues era la puesta en escena del nuevo vocalista del grupo, y era muy importante que a los fans les gustara. El segundo corte es una de las joyas absolutas de ese álbum, Children of the Sea, una conmovedora balada que destaca por el impresionante despliegue vocal de Dio, que demuestra por qué es uno de los mejores vocalitas del metal. Originalmente se comenzó a escribir mientras estaba en la banda todavía Ozzy, y fue retomada por el dúo Iommi / Dio. La melodía y la letra fueron escritas por Dio, mientras que Iommi se encargó de gran parte de la letra. El bajo fue grabado por el bajista Geoff Nicholls debido a los problemas por los que atravesaba Geezer Butler. Tony Iommi afirma tener una grabación de demostración muy temprana del tema con Ozzy Osbourne, aunque con una melodía y letras diferentes. Estamos ante una de las canciones más enigmáticas debido a sus letras de fantasía. Después de habernos relajado llega otro subidón con una de las canciones más pesadas del disco con el sonido característico del grupo, Lady Evil. Fue escrita por Dio junto con le resto de la banda, Iommi, Ward y Butler. La canción además refleja el giro poético de Dio con la letra que se aleja de la era del grupo con Ozzy. Cierra la cara A con otro de los grandes momentos del álbum, la canción que da nombre al mismo, Heaven and Hell. La canción se ha convertido en una de las más icónicas de Dio y del grupo por su melódica y reflexiva letra. El responsable de la línea de bajo de la canción fue Nicholls. Dicha línea de bajo se parece mucho a la canción de "Mainline  Riders" del grupo Quartz, del cual Nicholls fue miembro. La canción trata sobre la capacidad de cada ser humano de elegir entre el bien y el mal, ya que cada persona tiene en uno mismo "el cielo y el infierno" dentro de sí. Memorables son las interpretaciones en directo de la banda de esta canción, a menudo esta se extendía con solo extendido de Iommi y con la participación del público, con letras improvisadas sobre apariciones angelicales y demoníacas.

La cara B abre con una de las canciones menos atractivas del álbum, la optimista Wishing Well. Con un ritmo pegajoso, Dio le canta a una niña que el será su pozo personal de los deseos, tírale un centavo y él te hará realidad tu sueño. Si bien es cierto que las letras de Dio a menudo tratan sobre el bien y el mal, en esta se desmarca con una letra que bien podría ser para una película de Disney. Le llega el turno a Die Young, canción muy cañera con unos riffs y solos marca de la casa de Tony Iommy mientras que Dio aborda temas como la mortalidad y el envejecimiento. Dio profundiza sobre la inutilidad de la vida frente a la efímera naturaleza del hombre. Walk Away, es una canción con un tono más ligero y un ritmo más alegre, y es por eso por lo que quizás sea la canción menos atractiva del disco. Un pequeño bajón que se encarga de levantar la última pista, Lonely Is the World, que vuelve a la senda del sonido más oscuro y pesado el grupo. En cuanto a las letras, estamos ante una canción muy triste y solitaria donde Dio nos habla de la muerte. Este tipo de letras tristes y taciturnas no son muy corrientes en el heavy metal pero sí en el blues, el country o el soul. Atentos al solo de guitarra de Tony Iommi porque con razón mucha gente lo cita como uno de los mejores de su carrera. 

Heaven and Hell está considerado como uno de los álbumes más destacados de la carrera de Black Sabbath, y uno de los más influyentes del heavy metal. La inclusión de Ronnie James Dio a la banda le dio un nuevo impulso creativo y un sonido distintivo que abría otra fructífera etapa después de la era Ozzy Osbourne.

1027.- Little Jack - The Velvet Underground

 

Little Jack, The Velvet Underground

     

     Squeeze es el quinto y último álbum de estudio de The Velvet Unerground. Este útlimo trabajo es grabado durante el otoño de 1971 en Londres, y publicado en febrero de 1973 por la compañía discográfica Polydor Records. El disco presenta a Doug Yule en la formación, quien se había unido al grupo en octubre de 1968 antes de que el grupo grabara su tercer álbum homónimo. Yule tras ls salidas de los miembros fundadores Lou Reed y Sterling Morrison, se posicionó como líder del la banda y grabó este disco con los músicos adicionales Malcolm (saxofón) e Ian Paice (batería). Tras una breve gira promocional del disco acompañado de músicos de acompañamiento, Yule decidió poner fín al grupo. El grupo volvería a aparecer en una reunión en el año 1993.

Aunque este último trabajo está considerado como uno de los trabajos menos influyentes de la banda, contiene alguna que otra notable canción, como Little jack, la canción de apertura que con un alegre ritmo nos relata la historia de un niño llamado Jack, quien ha tenido una difícil infancia, siendo ignorado hasta por su madre. A medida que crece, decide no tener ningún tipo de familiay vivir de forma libre e independiente. Squeeze es a menudo considerado como un desastre oportunista, un equivocado y descarado intento de continuar con el legendario sonido de la era Reed. Esto es así porque quizás no se han detenido a escuchar detenidamente el disco, pues tiene algunos destacables temas además de Little jack, y muestra una fase diferente y evolucionada, que puede se acertada o no, de The Velvet Underground después de la marcha de Lou Reed. Y es precisamente ese intento de evolucionar y de hacer algo diferente lo que hay que valorar en su justa medida.