Guns N' Roses - Chinese Democracy (Mes Guns N' Roses)

Chinese Democracy, el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense Guns N' Roses, es una obra que ha sido ampliamente debatida y criticada desde su lanzamiento en 2008. Con un proceso de gestación que duró más de una década y un cambio radical en la alineación de la banda, este disco ha generado opiniones encontradas entre los fanáticos y críticos de la música. En esta reseña, exploraremos las canciones que componen Chinese Democracy y analizaremos los aspectos positivos y negativos que definen este trabajo icónico.

1. "Chinese Democracy":

El tema principal y título del álbum se abre con una introducción orquestal épica que establece un tono grandioso y ambicioso. Axl Rose demuestra su habilidad vocal en esta canción, que aborda temas de opresión y represión. La complejidad musical y las capas instrumentales hacen de esta una canción destacada en el disco.

2. "Shackler's Revenge":

Con una fuerte influencia industrial y electrónica, esta canción es energética y poderosa. Los riffs de guitarra y los elementos electrónicos se combinan para crear una atmósfera intensa. Sin embargo, algunos críticos consideran que la producción excesiva puede opacar la esencia de Guns N' Roses.

3. "Better":

Uno de los puntos más destacados de Chinese Democracy, "Better" muestra a la banda en su mejor momento. La guitarra de Robin Finck y el solo de Buckethead son brillantes, mientras que la letra refleja la búsqueda de redención y superación personal. Es un claro ejemplo de la capacidad compositiva de Axl Rose.

4. "Street of Dreams":

Una balada conmovedora, "Street of Dreams" destaca por la emotividad de la voz de Axl Rose. La instrumentación melódica y las letras introspectivas crean una atmósfera melancólica. Sin embargo, algunos críticos consideran que la canción se extiende demasiado, perdiendo parte de su impacto.

5. "If the World":

Esta canción presenta una mezcla de estilos, desde el rock hasta el rap, con un enfoque en la lírica. Aunque tiene un ritmo pegajoso y una producción sólida, algunos oyentes pueden encontrar que no encaja completamente con el estilo característico de Guns N' Roses.

6. "There Was a Time":

Una épica canción que supera los nueve minutos de duración, "There Was a Time" es una muestra de la habilidad compositiva de Axl Rose. Con cambios de tempo, secciones instrumentales complejas y letras profundas, esta canción se convierte en una experiencia auditiva inmersiva. Sin embargo, su extensa duración puede ser desafiante para algunos oyentes.

7. "Catcher in the Rye":

Inspirada en la novela homónima de J.D. Salinger, esta canción es una balada con una instrumentación rica y emotiva. Axl Rose muestra su capacidad para transmitir emociones con su voz única. Sin embargo, la estructura de la canción puede resultar confusa para algunos, ya que mezcla diferentes secciones sin una transición clara.

8. "Scraped":

Con una energía frenética y un enfoque más directo, "Scraped" muestra una faceta más agresiva de Guns N' Roses. La canción cuenta con riffs de guitarra potentes y la voz enérgica de Axl Rose. Sin embargo, algunos críticos consideran que carece de la profundidad lírica y la complejidad musical de otras canciones del álbum.

9. "Sorry":

Una balada cargada de emociones, "Sorry" muestra la vulnerabilidad y el arrepentimiento en la voz de Axl Rose. La instrumentación es suave y complementa la letra introspectiva. Es una de las canciones más accesibles del álbum y destaca por su calidad lírica.

10. "I.R.S.":

Con una influencia marcada del rock industrial, "I.R.S." es una canción llena de energía y actitud. Los riffs de guitarra potentes y los elementos electrónicos se fusionan para crear una atmósfera intensa. Sin embargo, algunos críticos consideran que la canción puede sonar un tanto repetitiva.

11. "Madagascar":

Esta canción es notable por su uso de samples y su mensaje político. Combina fragmentos de discursos famosos y la voz de Martin Luther King Jr. para crear una declaración poderosa. La instrumentación y la producción son sólidas, aunque algunos oyentes pueden encontrarla excesivamente densa.

12. "This I Love":

Una balada emocional y desgarradora, "This I Love" muestra la sensibilidad lírica de Axl Rose. Con una instrumentación melódica y la voz llena de sentimiento, es una de las canciones más conmovedoras del álbum. Sin embargo, algunos críticos consideran que la duración de la canción puede ser excesiva.

Chinese Democracy de Guns N' Roses es un álbum que ha generado opiniones encontradas desde su lanzamiento. Con canciones que abarcan una amplia gama de estilos y emociones, este álbum demuestra la diversidad musical y la capacidad compositiva de Axl Rose. Si bien algunas canciones son destacables por su intensidad, emotividad y calidad lírica, otras pueden resultar excesivamente largas o con una producción excesiva. En general, Chinese Democracy es un disco polarizante que muestra el talento y la evolución de Guns N' Roses, pero no logra alcanzar la misma grandeza que sus álbumes clásicos.

Daniel

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0941.- It's a Rainy Day, Sunshine Girl - Faust

It's A Rainy Day, Sunshine Girl, Faust

     Faust es una banda alemana de rock formada en Hamburgo en 1971 por el productor y ex periodista musical Uwe Nettelbeck. El grupo originalmente estaba compuesto además de por el propio Uwe, por Werner "Zappi" Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff. El trabajo de esta banda se orientó hacia la improvisación y la música electrónica y experimental, siendo una de las bandas precursoras del llamado movimiento Krautrock de la década de los 70 en Alemania Occidental.

Faust So Far es el segundo álbum de estudio del grupo. El disco fue grabado en marzo de 1972 en los estudios Wümme de Bremen, Alemania, bajo la producción del propio Uwe Nettelbeck, y publicado ese mismo año bajo el sello discográfico Polydor. Este segundo disco apuesta por un sonido más comercial y mucho más accesible que su disco anterior, apareciendo también algunas de las canciones más importantes de la banda. Este disco apuesta por un sonido más convencional y la estructura de las canciones se asemejan al movimiento krautrock de la época. 

Uno de sus grandes temas, y que aparece publicado en este segundo álbum, es It's A Rainy Day, Sunshine Girl, compuesta por Rufolf Sosna. La canción comienza  con un compás repetitivo de 4/4 tocado con tambores y piano, y durante los más de siete minutos que dura la canción, se van agregando instrumentos, incluyendo una línea de sintetizador analógico, y terminando con la memorable interpretación de un saxofón. La canción tiene una mezcla ecléctica de sonidos con suaves voces y melodías que contrastan con otros momentos donde impera el ruido y la disonancia. La letra, poética y enigmática, acaba dando ese toque y sensación de surrealismo que rodea la música de la canción. It's A Rainy Day, Sunshine Girl, con su estilo psicodélico y experimental, se destaca por su enfoque innovador y por romper con las convenciones establecidas del rock de la eṕoca, y al igual que en todo el disco Faust So Far, incorpora elementos de rock, música eléctronica, de vanguardia e improvisación, lo que valió a la banda el reconocimento como pioneros en su país del rock experimental y del llamado movimiento Krautrock.

0940.- Burning love - Elvis Presley

"Burning Love" era una canción escrita por Dennis Linde, y publicada por primera vez por Arthur Alexander a principios de 1972, pero fue la versión que Elvis Presley publicó en single en agosto de ese mismo año, con la canción "It's a matter of time" en la cara B, la que se llevó las mieles del éxito en las listas de ventas, en lo que sería el último gran hit de su carrera.

Curiosamente, la guitarra eléctrica que suena en la apertura, y los riffs a lo largo de la canción, fueron interpretados por el propio Dennis Linde y añadidos como arreglos a la toma grabada por Presley. "Burning Love" fue el último single de Elvis en llegar al Top 10 en las listas de ventas estadounidenses, alcanzando el segundo puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y el primer puesto del Cashbox's Top 40 Charts.

Elvis cantó la canción en varias ocasiones durante sus últimos años, quedando algunas de sus interpretaciones registradas, como en la grabación del concierto "Elvis on Tour" (leyendo la letra de una hoja. porque aún era demasiado nueva y no la había memorizado) o en el concierto "Aloha from Hawaii", y pese al éxito cosechado, ha quedado para la posteridad como una rareza de su discografía, poco emparentada estilísticamente con sus éxitos más celebrados.

Disco de la semana 337: But Here We Are - Foo Fighters

Cuando surgió la noticia de la muerte de Taylor Hawkins todo el mundo de la música se puso de luto. Hawkins se unió a Foo Fighters en 1997 y fue en gran medida el asesino sonriente del grupo, golpeando la vida en su bateria todas las noches mientras sus largos y desgreñados mechones se agitaban de un lado a otro, siempre con una sonrisa en su rostro. Su relación con el líder, Dave Grohl, era obvia. “Desde el primer encuentro, nuestro vínculo fue inmediato y nos hicimos más cercanos cada día, cada canción, cada nota que tocábamos juntos”, escribió Grohl en sus memorias, The Storyteller: Tales of Life and Music. Su muerte dejó un hueco irreparable dentro de la banda. Dave no solo tuvo que lidiar con la pérdida de un amigo, sino que menos de seis meses después, su madre también falleció. Virginia Grohl había criado a su hijo mientras era madre soltera, e incluso le permitió abandonar la universidad para seguir una carrera en la música. No sorprende ver que, But Here We Are, está rodeada de dolor, tristeza y toda la emoción que conlleva la pérdida, sin embargo, de ese sufrimiento, Foo Fighters ha hecho algo verdaderamente hermoso, Here We Are es el álbum que nunca quisieron hacer, sin embargo, podría ser el mejor hasta ahora publicado. 

El primer sencillo principal es la canción de apertura, “Rescue Me”, mantiene al estilo clásico de Foo, la guitarra limpia se encuentra rápidamente con una fuerte distorsión y una batería aporreada, mientras Grohl grita: "¿Estás sintiendo lo que estoy sintiendo?", la canción no es nada novedosa, pero después de los eventos recientes, es muy edificante tener nueva música de la banda y no sólo eso, sino que es buena música, la banda esta tocando mientras canaliza toda la emoción del año pasado en la escritura. Seguramente esta es probablemente la canción menos representativa del álbum, pero suena mucho más como una canción estándar de foo fighters que CUALQUIER otra que vamos a escuchar. “Under You” es una canción de pop rock absolutamente espectacular con una gran voz de Dave, se las arregla para ser pegadizo mientras mantiene una atmósfera agridulce. Esta canción casi actúa como el puente entre Rescued y el resto del álbum y hace que quieras darle un abrazo a Dave, atentos a ese solo de fondo justo antes del coro final, un toque increíble. “Hearing Voices” muestra a Grohl en su punto más vulnerable, para un hombre que a menudo es considerado uno de los 'chicos más agradables del rock', es difícil escucharlo cantar con tanto dolor sobre la pérdida y dolor. “He estado escuchando voces / Ninguna eres tú”, o la desesperación de “Háblame, mi amor”, hace que sea difícil no atragantarse. Me gusta mucho el final con el piano y las voces comprimidas, es muy inquietante y hermoso al mismo tiempo. “But Here We Are” es una canción más ruda y brusca que las anteriores, pero no te preocupes, esto sigue siendo Foo Fighters. Dave grita y grita apasionadamente antes de que un hermoso solo de guitarra tome el relevo, y el resultado es simplemente perfecto, además nuevamente, la percusión aquí es realmente una locura en algunas partes, especialmente durante el outro, un gran cambio de ritmo que realmente te hace sentir el dolor de Dave. Su gruñido característico está siempre presente, mientras canta "Te di mi corazón / Pero aquí estamos", y el clímax épico de los solos de guitarra y los salvajes rellenos de batería hacen que esta canción sea una verdadera joya, te puedes imaginar ver a Hawkins mirando hacia abajo y sonriendo. “The Glass” constituye otro giro desde la anterior pista, al menos al principio, comienza con un rasgueo de guitarra acústica pero rápidamente estalla en el coro. Es una balada, mantiene el nivel con algunas capas de guitarra geniales y Dave brindando otra interpretación sincera. Mientras que la última canción te hizo sentir su dolor como si Dave estuviera golpeando el micrófono, aquí simplemente suena deprimido.

“Nothing at All” suena bastante optimista, no hay mucho más que decir, no es una canción mala de ninguna manera y puede resultar pegadiza, pero nada se te graba en la mente como las anteriores, podría haber sido más de desarrollada, pero sigue siendo decente. Saber que la banda priorizó la escritura antes que la música ha dotado de una profundidad muy necesaria a su sonido. “Show Me How” es un ejemplo perfecto de esto,escuchar a Dave cantar junto a su hija Violet sobre las luchas de adaptarse a la vida sin alguien, mientras estas hermosas guitarras de ensueño flotan entre la mezcla, hace que este álbum sea perfecto para una escucha detallada, Violet diciendo "Me encargaré de todo" justo cuando se cierra la cancion, se siente como una respuesta directa al anhelo de Dave, "¿Dónde estás ahora? / ¿Quién me mostrará cómo?”, un final perfecto para una hermosa canción, un momento que ninguno de los dos olvidará jamás. Sé que la gente lo ha estado comparando con el dream pop, y realmente tiene sentido, el arpegio, las voces somnolientas pero bonitas, la batería enérgica pero de buen gusto, todo se suma para hacer una versión realmente soñadora de una canción de Foo Fighters, y me encanta. “Beyond Me” es otra balada pero, al igual que The Glass, es jodidamente buena, no es material de primer nivel de Foo Fighters, pero es lo suficientemente agradable y me gusta cómo toda la canción sigue creciendo y construyendose hasta un final trascendente. Las dos pistas finales son las más fuertes del disco. Dejando a un lado la nostalgia, “The Teacher” podría ser la mejor canción que la banda ha escrito. Con poco más de diez minutos, es la pista más larga de Foo Fighters, pero nunca se resiente. Comenzando con esta apertura inspirada en el grunge, mientras Grohl canta suavemente, "¿Quién está en la puerta ahora?", los riffs al estilo de Cure que llegan más tarde proporcionan el interludio perfecto antes del clímax épico del sonido que sigue. La confusión y el vacío inimaginables que surgen al perder a un padre son claros a lo largo del mismo ("Me mostraste cómo vivir / Nunca me mostraste cómo decir adiós") pero también esa constatación de la mortalidad y la naturaleza finita de la vida (“Intenta hacer las paces con el aire que queda / Contando cada minuto, respiración a respiración”). Es difícil escuchar una canción de esta calidad sabiendo que surgió de tanta tristeza y sufrimiento. “Rest”, es el final perfecto, es difícil pensar en un momento en el que la banda haya estado tan expuesta emocionalmente “Acostarte con tu ropa favorita, elegida solo para ti”, sin duda una referencia al proceso de elegir la ropa para enterrar a un ser querido, es dolorosamente real. Cuando las de guitarras y sintetizadores chocan contra el sonido de las épicas etapas finales de la canción, es difícil no echarse a llorar. La tristeza que se muestra en la letra se amplifica a alturas aún mayores. El álbum termina con Grohl cantando, "Levantate / juntos tenemos otro sueño / En el cálido sol de Virginia/ Alli nos reuniremos". Es una forma increíblemente conmovedora y hermosa de cerrar el disco.

 En cierto modo, uno se siente mal disfrutar tanto de un álbum, sabiendo las circunstancias en las que se hizo. Sin embargo, puedes sentir que la realización de este disco ha sido como una terapia para los muchachos. Es el homenaje perfecto tanto a Taylor como a Virginia. El album no es perfecto, tampoco necesita serlo, para recuperar a la banda, con hacer música hubiera sido más que suficiente pero que lo hagan con tanta calidad y tanta convicción hace que But Here We Are sea aún más impresionante.

0939 - Creedence Clearwater Revival - Someday never comes

0939 - Creedence Clearwater Revival - Someday never comes

"Someday Never Comes" es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival, lanzada en 1972 como parte de su álbum "Mardi Gras". Escrita por el talentoso líder de la banda, John Fogerty, esta canción refleja la habilidad única de CCR para combinar letras reflexivas y una melodía cautivadora.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, "Someday Never Comes" evoca una sensación de nostalgia y melancolía. La canción trata sobre la pérdida de la inocencia y la desilusión que puede surgir cuando las promesas y sueños no se hacen realidad. Fogerty canta con una voz llena de emoción, transmitiendo la profunda decepción y la tristeza de la letra.

La letra de la canción es una reflexión sobre la importancia de aprovechar el presente y cumplir nuestras metas y sueños mientras aún podemos. Fogerty expresa el lamento de un padre que no pudo transmitir esa lección a su hijo a tiempo, y cómo la idea de "algún día" puede ser engañosa y nunca llegar. La melodía y el ritmo son suaves pero convincentes, lo que contribuye a la entrega emotiva de la canción.

La instrumentación en "Someday Never Comes" es igualmente destacable. La guitarra acústica suena limpia y clara, mientras que la guitarra eléctrica agrega textura y profundidad a la canción. El bajo y la batería proporcionan un ritmo suave pero constante que acompaña a la melodía de manera excelente.

Esta canción destaca por la habilidad de Creedence Clearwater Revival para crear un ambiente y una atmósfera emocionalmente cargada. Con su estilo distintivo de rock sureño y letras introspectivas, la banda captura la esencia de la desilusión y la esperanza perdida.

"Someday Never Comes" es una obra maestra musical de Creedence Clearwater Revival. Con su combinación de letras conmovedoras, melodía cautivadora y entrega emotiva, la canción se ha convertido en un clásico atemporal que resuena con muchos oyentes. Su mensaje sobre la importancia de aprovechar el presente y cumplir nuestros sueños sigue siendo relevante hoy en día.

Daniel
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0938 - Deep Purple - Pictures of home

0938 - Deep Purple - Pictures of home

"Pictures of Home" es una canción de la legendaria banda británica de rock, Deep Purple. Apareció por primera vez en su álbum de 1972, "Machine Head", que es considerado uno de los mejores álbum de la banda y uno de los más influyentes en la historia del hard rock.

La canción comienza con un riff de guitarra memorable y enérgico, interpretado por Ritchie Blackmore, que establece el tono agresivo y poderoso de la pista. La sección rítmica formada por el bajista Roger Glover y el baterista Ian Paice impulsa la canción con un groove fuerte y sólido, mientras que el teclista Jon Lord aporta una capa adicional de textura y profundidad con sus arreglos de teclado.

La letra de "Pictures of Home" es enigmática y abierta a la interpretación. El cantante Ian Gillan canta sobre un lugar misterioso lleno de imágenes y recuerdos del hogar, donde se mezclan la realidad y la fantasía. Las letras sugieren un sentido de nostalgia y deseo de regresar a un lugar familiar y reconfortante.

Una de las características más destacadas de la canción es su sección instrumental central, donde cada miembro de la banda tiene la oportunidad de mostrar su virtuosismo individual. El solo de teclado de Jon Lord es particularmente impresionante, mientras que el solo de guitarra de Ritchie Blackmore es frenético y lleno de energía.

"Pictures of Home" encierra el sonido distintivo y la intensidad de Deep Purple. La combinación de guitarras poderosas, teclados atmosféricos y una sección rítmica contundente hace de esta canción un verdadero himno del hard rock. La canción ha resistido el paso del tiempo y continúa siendo una favorita de los fanáticos, así como una muestra de la habilidad musical y la creatividad de Deep Purple como banda.

Daniel

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0937.- When A Blind Man Cries - Deep Purple

When A Blind Man Cries, Deep Purple

     When A Blind Man Cries fue grabado en el Grand Hôtel de Montreux, Suiza entre diciembre de 1971, formando parte del material que el grupo estaba preparando para su sexto álbum de estudio, Machine Head. Dicho material iba a ser grabado en el Casino de Montreux, pero un desafortunado incidente que provoca el incendio del Casino mientras actúa Frank Zappa obliga al grupo a buscar alternativas. Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo) y Jon Lord (teclados) deciden mudarse junto con el productor Martin Birch y concebir Machine Head en el Grand Hôtel de Montreux.

Dentro de las sesiones de grabación para el álbum el grupo al completo compone otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, When A Blind Man Cries, pero el tema no es del agrado de Ritchie Blackmore, y aunque al resto del grupo si le gusta se impone Ritchie, por lo que el tema no se publica en Machine Head que aparece publicado el 25 de marzo de 1972. El tema aparece publicado como cara B del single Never Before, el cuál aparece en la cara A, el 18 de marzo de 1972.

When A Blind Man Cries, al igual que Smoke On The Water, tiene como temática el incidente del incendio del Casino de Montreux, de la misión que tenía el grupo de grabar el álbum en esas fechas que coincidían con un breve descanso de la gira y de como tienen que reubicarse apresuradamente, encontrando el Grand Hôtel de Montreux. La habitación del casino donde se graba el material para Machine Head era en realidad un pasillo que tenía forma de T, los instrumentos se se instalaron cubriendo todos los rincones del pasillo y se instalaron bombillas rojas para crear un ambiente más cómodo.

El tema nunca ha sido tocado en presencia de Ritchie Blackmore, la primera vez que se toca en directo es el 6 de abril de 1972 en Quebec, Canadá, debido a que Ritchie se encuentra enfermo y es sustituido por el guitarrista Randy California. Habrá que esperar a la gira The Battle Rages On en 1993 donde el guitarrista es Joe Satriani para degustar el tema en directo. Con la llegada del guitarrista Steve Morse al grupo el tema se convierte en un habitual dentro del repertorio de la banda.  Además, el tema acabó incluyéndose dentro de la reedición especial del 25º aniversario del LP Machine Head en 1997.

0936.- Smoke on the water - Deep Purple

El riff más famoso de la historia del rock fue compuesto por Ritchie Blackmore e interpretado con una Fender Stratocaster. Tan famoso es el riff, y la canción que Deep Purple construyeron a partir de él, que si no hubiéramos puesto el nombre en el título, a estas alturas de párrafo estoy seguro de que todos habrías adivinando ya de que canción estoy hablando. Incluida en el disco Machine Head del año 1972, Smoke on the water ("Humo sobre el agua"), se basaba en un riff tan mágico como sencillo, acompañado por un órgano Hammond tocado a través de un amplificador Marshall distorsionado.

La letra de la canción es obra del cantante Ian Gillan, y cuenta lo ocurrido en el Casino de Montreaux, el 4 de diciembre de 1971, un día antes de que el grupo fuera a grabar allí algunas de las canciones de Machine Head. Ese día, Frank Zappa estaba dando un concierto en el Festival de Jazz de Montreux, y alguien del público arrojó una bengala al techo del escenario, provocando un incendio en las instalaciones. El humo del incendio sobre el Lago Leman fue la inspiración para que el bajista Roger Glover le pusiera nombre a la canción, y lo demás ya es historia.

Tan relevante fue este suceso para los integrantes de la banda (tuvieron que trasladar la grabación del disco a otro lugar) que en contra de lo que inicialmente habían planeado, acabaron por incluir la nueva composición en el disco, aún sin ser conscientes de que no estaban incluyendo una canción más, sino que estaban lanzando al mundo una de las canciones más famosas y representativas del rock de todos los tiempos, conocida como la "Para Elisa" del rock, por ser la canción con la que muchos empiezan a practicar con las seis cuerdas.

Curiosamente, se acusó a Deep Purple de haber copiado el riff de la canción "Maria Moita" (1964) del cantautor brasileño Carlos Lyra, algo que Ritchie Blackmore siempre ha negado, entre otras cosas porque dijo haber llegado a él tras tocar con la guitarra la melodía principal de la Quinta Sinfonía de Beethoven al revés, y probar después una variación de los acordes que la componían. El genial guitarrista se tomó a broma las acusaciones de plagio de Smoke on the water, alegando que "de deberle dinero a alguien, sería a Beethoven".

0935.- Highway star - Deep Purple

¡Un clásico! Eso es el album Machine Head, un clásico en todo el sentido de la palabra. La influencia que esta disco tuvo en otras bandas también es enorme, muchos de los grupos de heavy metal no tocarían si no hubiera salido este disco. Sí, es así de influyente. Después de la reacción ligeramente decepcionante a "Fireball",se habían atrevido a ralentizar el tempo y entregar una pieza folk que había hecho saltar las alarmas entre sus seguidores. Por ello todo el mundo miraba con expectación lo que sería capaz de hacer a continuación. Deep Purple decidió dejar de lado un tiempo de grabación específico para el próximo álbum y grabarlo de una sola vez en lugar de en sesiones más cortas. "Machine Head" fue lanzado en marzo de 1972 y se volvieron mas Deep Pruple que nunca, quizá para erradicar las dudas, abren el disco con la potencia de un clásico instantáneo y cañero que los moteros tomarían como himno, esa joya titulada 'Highway Star' el arquetipo de primera cancion en el escenario con que se presenta una banda, resonando a un millón de millas por hora pero sin sacrificar la melodía o la sutileza, para algunos es la grabación perfecta de Deep Purple y sigue siendo tan fresca y relevante hoy como lo fue en su lanzamiento. Blackmore brindando una de sus interpretaciones más rápidas y pesadas, magníficamente complementada por el remolino característico del órgano de Lord, la voz chillona de Gillan y el siempre confiable poder impulsor (gemido) de la sección rítmica de Paice y Glover. Aunque llamarlos simplemente una sección rítmica es algo así como un perjuicio. Highway Star tiene esa sintaxis de rock'n'roll que a veces se convierte en heavy metal, hay más frescura en los elementos barrocos de la canción, como la guitarra principal y las partes del órgano, a veces.

La leyenda dice que "Highway Star" fue escrita rápidamente durante el viaje en autocar de Deep Purple a Portsmouth, Inglaterra, para el concierto de apertura de la gira británica de 1971, el grupo abrió su concierto esa misma noche con el furioso himno de la carretera abierta... ¡y el resto de la historia es historia callejera!. No importa cuándo o dónde se escribió "Highway Star", el corte devorador de gasolina del legendario Machine Head de Deep Purple, es un tema definitvo, y la mejor canción para conducir conocida por el hombre. No hay competencia, ya que las revoluciones de "Highway Star" son difíciles y agregan la importantísima referencia a las chicas. ¡Tomar esas curvas a alta velocidad es increíble!. "Highway Star" es oro puro del poderoso Deep Purple. Sube el volumen y trata de evitar que tu pie toque el suelo. Joder, no puedes. "Highway Star" está destinado a sonar desde la radio de un Boss 429 hasta un Mustang de 1970, derribando un amplio tramo abierto de la interestatal estadounidense plana, en una soleada tarde de junio. ¡"Highway Star" es alto octanaje, poder de desgarro en la carretera! Sientes la necesidad de velocidad...

Guns N' Roses - Live Era 87-93 (Mes Guns N' Roses)

Tras el derroche creativo que supuso la creación de Use Your Illusion I & II (1991), los chicos malos de Guns and Roses parecían haber agotado todos sus recursos, con un decepcionante disco de versiones (The Spaghetti Incident, 1993) del que apenas un par de canciones recordaban lo que habían sido capaces de ofrecer en discos anteriores. Para paliar la larga travesía del desierto, y con el grupo ya roto por las rencillas internas y los choques entre los grandes egos de sus integrantes, en 1999 decidieron sacar un disco que lograra atrapar la fuerza de la banda en directo, durante su período de máximo esplendor artístico.

Así surgió la idea para lo que acabó llamándose Live Era '87–'93, un doble álbum en directo que, como su nombre indica, estaba compuesto por grabaciones de conciertos entre los años 1987 (durante la gira del álbum Appetite for destruction) y 1993 (hasta el final de la larga gira mundial de los "Use your Illusion"). La selección de temas corrió a cargo de Del James, un colaborador cercano a la banda, que trabajó con la supervisión directa de Axl Rose, que hacía de filtro y que, a través de sus abogados, compartía los temas seleccionados con Slash y Duff McKagan para que dieran su aprobación, en lo que sirve de claro ejemplo de las frías relaciones que mantuvieron durante la segunda mitad de los noventa. Slash valoró el resultado final del disco, reconociendo que sonaba demasiado rudo y sin pulir, pero mostrándose satisfecho con lo fiel que éste era al sonido de los conciertos que daban por entonces. Para el guitarrista, no tenía que sonar perfecto, tenía que sonar a Guns & Roses, y ese objetivo lo cumplía con creces. En sus propias palabras: "No suena bonito y tiene algunos errores de directo, pero esto es Guns & Roses, no la puñetera Mahavishnu Orchestra".

Pocos datos se incluyeron sobre las fechas y los lugares en los que se grabaron las canciones incluidas en el disco. El único comentario hace referencia a que fueron "grabadas a lo largo del universo entre 1987 y 1993", y solo recurriendo al truco de buscar la presencia de Steve Adler (primer batería de la banda) en las canciones para verificar que, salvo en los tres temas en los que se le acredita, el resto de disco proviene de grabaciones de la gira de "Use your Illusion". Como todo disco de Guns & Roses, no estuvo exento de cierta polémica, y en este caso a nivel interno, porque no fue un plato de buen gusto que miembros de la banda que tocaban en la mayor parte de los temas, como Matt Sorum (que ya era responsable de la batería en los "Illusions") o Gilby Clarke, que sustituyó a Izzy Stradlin nada más publicarse los dos míticos discos, fueran acreditados solamente como "músicos adicionales".

Llama también la atención que dos temas habituales de aquella gira, "Live and Let Die" y "Civil War" fueran descartados para el disco, mientras que temas menos habituales como "Pretty Tied Up" o "Move to the City" fueran de la partida, y no menos curioso es que algunos de los temas incluidos ya hubieran sido publicados en otros formatos por la banda. El caso más llamativo quizá sea "Knockin' on Heaven's Door", porque la interpretación corresponde a la del concierto de homenaje a Freddie Mercury, que había sido ya publicada por Guns & Roses como cara B del single de la versión de estudio. Igual ocurre con la versión en directo de "Yesterdays", que es la misma que ocupó la cara B del single de la canción de Use your Illusion.

La cosa no queda ahí, porque las grabaciones de "Estranged," "Don't Cry," "November Rain," "Pretty Tied Up", "You Could Be Mine" y "Move To The City" son los audios del concierto de la gira de Use your Illusion que fue publicado en vídeo, pero ejercicios de reciclaje aparte, es difícil resistirse a una compilación de interpretaciones en directo que cuente, además de las ya mencionadas, con la plana mayor de Appetite for destruction: "Nightrain", "Mr. Brownstone", "It's So Easy" "My Michelle", "Rocket Queen", y por supuesto "Welcome to the Jungle", "Sweet Child O' Mine" o "Paradise City", o los mejores momentos de Lies (1988), con "Patience", "Used to love her" (más eléctrica que en la versión original), "You're crazy" (más blusera y a medio camino entre la versión eléctrica del "Appetite" y la acústica de "Lies") y la ya mencionada "Move to the City".

Como últimas curiosidades, la banda incluyó una versión del tema "It's Alright" de Black Sabbath y, en la versión japonesa, una versión en directo de "Coma", también procedente de las grabaciones de la gira de Use Your Illusion. Como en toda compilación o concierto, habrá quién eche de menos algunas canciones, y también (como yo) quien no entienda que otras canciones sí que fueran incluidas (en mi caso, Out to get me o Dust and bones me parecen canciones menores) pero lo cierto es que Live Era '87–'93 roza el sobresaliente como documento de la era triunfal de unos Guns & Roses que nunca volvieron al nivel de aquellos conciertos, en los que estuvieron tocados por la varita mágica del talento y la actitud rock.

0934.- The Kids - Lou Reed

 

The Kids, Lou Reed

     En octubre de 1973 aparece publicado el tercer álbum de estudio del músico estadounidense Lou Reed, Berlin. El disco es grabado en los estudios Morgan de Londres y los Record Plant de Nueva York, bajo la producción de Bob Ezrin, quien además colabora en el álbum tocado el piano, el mellotron y con los arreglos. Berlin es publicado bajo el sello discográfico Rockart Records. 

Berlin es un álbum conceptual que nos relata la historia de la lucha de una pareja contra la adicción y el abuso de las drogas. Estamos ante una opera rock muy oscura que gira en torno a dos bohemios drogadictos. La portada del disco fue concebida por Pacific Eye & Ear, quien también se encargó del diseño de Muscle of Love de Alice Cooper ese mismo año. Las primeras líneas líricas de Berlin se muestran debajo de una collage donde aparecen los personajes de este trabajo conceptual.

Inicialmente la recepción de la crítica ante este álbum fue mixta, hay quien lo consideró un gran trabajo, y quien lo catalogó como un desastre, como la revista Rolling Stone en su momento. Sin embargo, con el tiempo este disco ha ido cogiendo fuerza e importancia, hasta el punto de ser catalogado por la misma Rolling Stone, quien lo defenestró en su momento, en el puesto 344 de su lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos" en el año 2012. 

En su debut, alcanzó el puesto número 7 en las listas del Reino Unido, sin embargo en Estados Unidos consiguió muy bajas cifras, llegando únicamente al puesto número 98 en sus listas de ventas. Todo esto hizo que Lou Reed se sintiera muy desilusionado con el disco. 

Incluido en este álbum se encuentra The Kids, una canción que habla de una madre a la que las autoridades le quitan a sus hijos. No hay nada peor para una madre, quien en la siguiente canción, The Bed, acaba quitándose la vida en la cama donde fueron concebidos los niños. El productor Bob Ezrin usó a sus propios hijos, David y Josh, para los sonidos de los niños llorando y gritando por su mamá. Hay una leyenda urbana, que no deja de ser precisamente eso, que dice que Bob les dijo a sus hijos que su madre había muerto para que los niños se sintieran devastados y se notara en la grabación. Esta canción contiene una última curiosidad, el grupo británico The Waterboys tomó su nombre de una línea de la canción: "And i am the water boy, the real game's not over here" (Y yo soy el chico del agua, el verdadero juego no esta aquí).

0933.- Caroline Says II - Lou Reed

“Caroline Says II”, llamada así por tratarse de una canción separada en dos partes (“Caroline Says I" y “Caroline Says II”), ambas incluidas en el disco conceptual Berlin (1973) de Lou Reed, es además una revisión de “Stephanie Says”, un tema que Reed ya había grabado previamente con The Velvet Underground.

Lou Reed quiso enfocar su tercer disco en solitario como un trágica "ópera rock" conceptual, y como tal, todas las canciones de Berlin giran en torno a una historia o temática determinada, en este caso la relación entre Caroline y Jim, una pareja de drogadictos en la capital germana. A lo largo de la historia, la triste vida de la pareja va pasando por sórdidos momentos de abuso de drogas, prostitución, violencia doméstica, depresión y deseos de suicidio.

La idea conceptual fue del productor Bob Ezrin (que posteriormente produciría también The Wall, el disco conceptual por excelencia), tras comentar a Reed que creía que sus canciones tenían grandes comienzos y desarrollos, pero adolecían siempre de un final, como en "Berlin", una canción del primer disco en solitario de Reed, de la que siempre había querido saber qué había pasado finalmente con la pareja protagonista, y con el disco Berlin se propuso que Reed contara la historia completa.

Con ese punto de partida, era lógico que el disco abriera, precisamente, con una revisión (más breve y solo con acompañamiento de piano) de la canción Berlin, y que “Stephanie Says” acabara convirtiéndose, hasta en dos ocasiones, en “Caroline Says”. La reconvertida canción de Reed ha tenido desde entonces una gran influencia y reconocimiento en el mundillo musical "underground", y como curioso ejemplo, la cantante mexicana-española Alaska tomó su nombre artístico de una célebre frase de esta dramática canción: "Hace mucho frío en Alaska".

0932 - Lou Reed - Berlin

0932 - Lou Reed - Berlin

"Berlin" es una canción emblemática de la banda liderada por Lou Reed, lanzada en 1973 como el título principal de su álbum conceptual del mismo nombre. La canción y el álbum en su conjunto exploran temas oscuros y desgarradores, narrando la historia de dos personajes principales, Jim y Caroline, y su relación destructiva en la ciudad de Berlín.

La canción "Berlin" captura la esencia de la tristeza y la desesperación a través de su letra poética y la emotiva interpretación de Lou Reed. Con una melodía melancólica y una instrumentación orquestal envolvente, la canción te sumerge en un estado de ánimo sombrío desde el primer compás.

La lírica de "Berlin" retrata una relación tóxica y autodestructiva. Las letras pintan imágenes vívidas de escenas desgarradoras y emocionalmente cargadas, mientras exploran temas de soledad, adicción, angustia y desesperanza. Lou Reed logra transmitir una intensidad emocional cruda y poderosa con su distintiva voz y entrega vocal.

Musicalmente, "Berlin" es una mezcla magistral de rock, música orquestal y elementos del género cabaret. La orquestación dramática agrega una profundidad y una sensación de opresión a la canción, acentuando aún más la historia sombría que se cuenta. A medida que avanza la canción, la intensidad se va construyendo gradualmente, hasta llegar a un clímax desgarrador.

En su conjunto, "Berlin" es una obra maestra de la música que ejemplifica la habilidad de Lou Reed para contar historias a través de sus canciones. Es una composición audaz y emocionalmente impactante que desafía las convenciones y se adentra en los rincones más oscuros de la experiencia humana.

"Berlin" es un testimonio del talento artístico y la creatividad de Lou Reed y su capacidad para crear música que va más allá de lo convencional. Es una canción que deja una impresión duradera y que continúa siendo una pieza fundamental en el legado musical de Lou Reed y su influencia en la escena del rock.

Daniel 

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Disco de la semana 336: Use you Illusion II - Guns & Roses (Mes Guns N' Roses)

La publicación conjunta de los discos Use your Illusion I y Use Your Illusion II (1991) fue un auténtico golpe sobre la mesa de una banda que mostraba orgullosa toda la fuerza y la capacidad creativa que habían moldeado y trabajado en la cocina desde el genial Appetite for destruction (1987) y el deslavazado Lies (publicado en 1988 con una cara en directo y otra de apreciables temas acústicos), pero aunque en realidad ambas "Ilusiones" fueran parte de la misma obra, la distribución de las canciones en uno u otro les dotó (sorprendentemente, porque afirmaron haberlas repartido por sorteo) de una identidad diferencial muy marcada y característica.

Así, dónde en Use your illusion I predomina el rock rotundo y luminoso (Right next door to hell, Double Talkin' Jive) complementado por grandes baladas de heavy épico (November Rain, Don't Cry), en Use your Illusion II las canciones tienen una carga de reflexión y melancolía que no encontramos en ningún otro disco de la banda californiana, haciendo de este disco una curiosa gema de su discografía. Pero hablar del tono de tristeza y oscuridad que transmiten letras como la de la larga e intensa Civil War con la que comienza el disco ("en mis primeros recuerdos dispararon a Kennedy, y me volví insensible cuando aprendí a ver") o la desgarrada mirada al pasado de 14 years ("Han sido catorce años de silencio, catorce años de dolor") no significa que nos encontremos ante un disco lento o musicalmente apagado. Todo lo contrario, estamos ante un mastodóntico disco de rock, en el que la tristeza de las composiciones viene acompañada siempre de una buena dosis de rabia contra lo establecido, y tanto Slash como Stradlin dan buena cuenta de ella con sus afiladas guitarras.

La mirada melancólica al pasado continúa en los primeros versos de Yesterdays, pero la rabia se abre paso y la banda parece rebelarse contra su propia melancolía ("De repente, en este momento, he descubierto que estoy solo y en la calle, y los días de ayer no me aportan nada, son solo viejas fotos que siempre estoy mirando"). Es la rabia del que se sabe deprimido y al borde del abismo, y la diferencia conceptual respecto al primer "Illusion" es todavía más clara si nos fijamos en una curiosa pauta: Cada "Illusion" incluye una versión de una canción de otro artista, pero si en el primero optaron por el luminoso y orquestal Live and let die ("Vive y deja morir") de Wings, en éste optan por una intensa revisión del melancólico Knockin' on heaven's door ("Llamando a las puertas del cielo") de Bob Dylan.

Get in the ring, con efectos de falso directo o de la audiencia de un combate de boxeo, es la pieza más rabiosa del álbum, en la que un presentador radiofónico presenta a los Guns & Roses en un lado del cuadrilátero, mientras en el otro van desfilando, con nombre y apellidos, y a través de la desafiante voz de Axl Rose, un buen puñado de críticos musicales a los que el cantante desafía a subirse al ring. La intensidad no decae en Shotgun blues, tan acelerada que no merece el calificativo de "blues", y que habría encajado más en la dinámica de temas de Use your Illusion I. ¿A cambio de qué canción? A estas alturas del disco, una canción como Dead Horse habría encajado mucho más dentro del disco más introspectivo e inquietante de unos Guns & Roses en estado de gracia.

Cambios deseados aparte, la sensación de bajada de pistón de Shotgun blues dura poco, porque una canción tan oscura y reflexiva como Breakdown, y a la vez tan rotunda y rabiosa, resucitaría cualquier momento valle de cualquier disco. Recuperada de nuevo la "ilusión", llega el momento de la polémica misógina de Pretty tied up, un tema que habría encajado en cualquiera de las dos entregas, y de la brillante Locomotive, un tema largo e intenso que es como una gran locomotora atravesando el disco a gran velocidad. Una pena que todo descarrile en So fine, la aportación compositiva del bajista Duff McKagan, que queda sosa en un conjunto de tanta profundidad lírica y de tanta intensidad sonora.

No puedo evitar rasgarme las vestiduras, al pensar en lo que habría sido terminar el subidón de Locomotive y, casi sin pausa, haber empezado con el piano y la dolorosa voz de Axl Rose en el arranque de Estranged, probablemente la obra maestra del disco, un tema largo, épico y desgarrador en el que toda la banda está a un nivel excelso, pero en el que la voz desgarrada de Axl destacan sobre el conjunto, aderezados por los siempre efectivos solos de Slash. Y en este punto, sí que consiguen mantener la llama en todo lo alto, porque el último redoble de batería de Estranged encaja a la perfección con el rotundo ritmo de batería con el que Matt Sorum comanda el arranque de You could be mine, un éxito mundial que no necesita presentación. Fue el tercer sencillo de mayores ventas de la banda (solo por detrás de Sweet Child o' Mine y November Rain), llegando a vender más de 7 millones de copias. Buena parte de la culpa de su éxito la tuvo, sin duda, que fuera incluida como tema principal de la banda sonora de Terminator 2: El Juicio Final, y que el mismísimo Arnold Schwarzenegger participara en el videoclip promocional de la canción.

Dicen los buenos contadores de historias que hay que saber terminarlas en un punto alto, y en You could be mine debería haber acabado este disco, porque ni la alternativa versión de Don't cry, que no mejora la incluida en el primer disco, ni la anecdótica pseudo canción electrónica de My world, deberían siquiera haber sido parte de ese sorteo con el que aparentemente decidieron las canciones que irían a uno y otro Illusion. Y si el azar les puso en bandeja la creación de dos discos tan acertados y con una personalidad tan propia y diferente, no habría estado de más algún que otro pequeño ajuste para que ambos discos hubieran sido, si cabe, aún más "ilusionantes". No hacía falta tocar mucho, simplemente darse cuenta de que, descartando los temas ya mencionados, una canción tan depresiva y atormentada como Coma habría tenido más sentido y sitio como cierre de este segundo disco. Pero no fue así, y a cambio hizo también más grande a su hermano gemelo, y entre los dos lograron que, en los albores de los noventa, no perdiéramos nunca la ilusión por el rock.

0931.- Listen To The Music - The Doobie Brothers

The Doobie Brothers se formó cuando el baterista John Hartman contactó con Johnston a través de Skip Spence de la banda de rock Moby Grape. Unieron fuerzas con el bajista Greg Murphy para formar el trío llamado Pud, que actuó en San José. En 1970, se unío el cantautor Simmons y el guitarrista Dave Shogren para formar lo que se convertiría en The Doobie Brothers. Cuando Tiran Porter reemplazó a Shogren como bajista en 1972 y el guitarrista Jeff Baxter se unió en 1974, seguido por el teclista Michael McDonald al año siguiente, el grupo estableció su formación más famosa. Un amigo de la banda y compañero músico, Keith Rosen, fue quien sugirió el nombre The Doobie Brothers, ya que la palabra "doobie" es un apodo para un porro de marihuana que los miembros de la banda solían disfrutar. Johnston admite que no encontraban un nombre para la banda y no esperaba que la sugerencia de Rosen se mantuviera en el tiempo. The Doobies Brothers presentaban un sonido suave, pero rockero, entretejido con un trabajo de guitarra impecable, voces armónicas entremezcladas respaldadas por un marco exploratorio con un contratiempo contagioso. Dicho esto, es imposible, por más que lo intente, no dejarse llevar por la interacción acústica y eléctrica, proporcionando un marco de simetría fluida que se envolvió muy suavemente alrededor de sus dinámicos solos y ejecuciones teñidas de blues. Aunque quizás la revista Billboard lo expresó con mayor precisión cuando dijo: “La música de los Doobie Brothers gira en torno a una ligereza musical sin artificios y una cantidad refrescante de pura vitalidad y espíritus cautivadores y optimistas. La sensación general es un poco campestre, buena música de época”.

El álbum debut de The Doobie Brothers en 1971 fue un fracaso comercial; su primer sencillo no llegó a las listas de éxitos al igual que el álbum en sí, pero fue su álbum de 1972 Toulouse Street el que se convertiría en un álbum que definiría su carrera y con él llegó el primer gran éxito de la banda, 'Listen To The Music', escrita por el vocalista principal de la banda, Tom Johnston, quien también tocó la guitarra en la pista. En una entrevista contó cómo surgió: "Todo se basó en esta visión un tanto utópica del mundo. La idea era que la música elevaría al hombre a un plano superior, y que los líderes mundiales, si pudieran sentarse en algún un gran montículo cubierto de hierba donde brillaba el sol y escuchar música, como la que estaba tocando, se daría cuenta de que todos tenían más en común que lo que no tenían en común, y ciertamente no valía la pena ponerse en un estado tan malo. Por lo tanto, todo el mundo se beneficiaría de este punto de vista. Básicamente, la música mejoraría todo. Johnston ha visto a la industria de la música cambiar dramáticamente, y para peor, desde que formó The Doobie Brothers en 1970. Ver a las compañías discográficas fallar al no confiar en los artistas de forma natural, un ejemplo: el primer álbum homónimo de The Doobie Brothers fue un fracaso, pero Warner Brothers Records se quedó con ellos, nunca los presionó para que produjeran un éxito, y The Doobies se convirtió en una banda de rock muy exitosa. Las estaciones de radio fueron víctimas de la desregulación y fueron absorbidas por grandes corporaciones en los años 90. Musicalmente la combinación de voces y guitarras de Tom Johnston y Patrick Simmons es un golpe de gracia como de costumbre y la música simplemente fluye, Listen To The Music es una de las canciones más conocidas de The Doobies, un jugueteo divertido.

0930.- I love every little thing about you - Stevie Wonder

"I Love Every Little Thing About You" fue lanzada en 1972 como parte del álbum "Music of My Mind" de Stevie Wonder. La canción es una alegre y desenfadada declaración de amor, con una romántica letra en la que el cantante declara a voz en grito que le gustan todos y cada uno de los rasgos y detalles de su pareja ("todas tus pequeñas cosas").

Musicalmente, "I Love Every Little Thing About You" es una pegadiza combinación de sonidos del soul, el funk y el R&B, los géneros por los que el popular cantante estadounidense más ha transitado a lo largo de su extensa carrera. La línea de bajo va tejiendo la animada red sonora de la canción, y un agradable acompañamiento de arreglos de viento y cuerdas envuelve a la siempre brillante y apasionada voz de Stevie Wonder.

La canción no fue lanzada como sencillo de "Music of My Mind" , pero eso no ha impedido que se haya convertido en uno de sus temas más destacados y reconocidos de la extensa discografía de Wonder, y que haya sido versionada por otros artistas, entre los cuales quiero destacar la de Miki Howard a dúo con Terence Trent D'Arby, quizá una versión poco conocida pero no por ello menos interesante. Ambos cantantes consiguen, como hizo su creador en su momento, que nos gusten todas las pequeñas partes y matices de esta gran canción.

Guns N' Roses - Use Your Illusion I (Mes Guns N' Roses)

 

Use Your Illusion I, Guns N' Roses

1991 sería un año para recordar para el grupo estadounidense Guns N' Roses, pues el 17 de septiembre de ese año aparecen publicados sus determinantes Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Nos vamos a centrar en el primero, Use Your Illusion I, del cual se han vendido la nada despreciable cifra de alrededor de 17 millones de copias en todo el mundo.

Use Your Illusion I es grabado en varios estudios de California (Estados Unidos) y Ontario (Canadá), bajo la producción de Mike Clink y los propios Guns N' Roses, y publicado bajo el sello discográfico Geffen Records en formatos de vinilo, cassette, CD, descarga digital y streaming. Este disco comenzó arrasando desde su publicación, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, alzándose 7 veces con el ansiado disco de platino. Fuera de casa también consiguieron cifras demoledoras en todo el mundo, en países como Argentina, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Japón, Islandia O Noruega. Todo esto se vería recompensado en 1992 con un premio Grammy. 

Use Your Illusion I representa un punto de inflexión y un cambio en el sonido del grupo, pues a pesar de no dejar de lado sus influencias con el hard rock, se atreven con otros estilos como el blues, la música clásica, el heavy metal, el punk rock o el rock n' roll de la vieja escuela. Para la grabación del álbum, el grupo tuvo que prescindir del batería Steven Adler, que no había superado superar sus problemas con las drogas, y sustituirlo por Matt Sorum. Varios temas habían sido ya escritos en los primeros días de la banda, temas como Back Off, Bitch, Bad Obsession, Don't Cry, November Rain y The Garden, atreviéndose también con una versión de Live and Let Die de Paul y Linda McCartney. 

Otra de las diferencias con sus inicios es que apuestan por un formato de canciones más largas, como por ejemplo November Rain, con una duración de casi 9 minutos, y Coma, que tiene una duración de más de 10 minutos. También apuesta el grupo por temas cantadas por otro de los integrantes de la banda aparte de Axl Rose, así Dust N' Bones, You Ain't the first y Double Talkin' Jive fueron interpretadas por Izzy Stradlin. Para la portada usaron una sección de la pintura "La escuela de atenas" de Rafael, que fue creada por el artista estonio -estadounidense Mark Kostabi. Dicha portada, de color roja y amarilla, fue utilizada también para el Use Your Illusion II, con la particularidad de que se usaron los colores púrpura y azul. 

Entramos a desgranar este apasionante doble álbum, el cual abre la traca con Right Next Door to Hell, la cual trata sobre la discusión que Axl Rose tuvo con su vecina de West Hollywood, Gabriella Kantor, y que denunció a Axl cuando este le arrojó una botella de vino en 1990. Dust N' Bones, escrita por Slash, izzy Stradlin y Duff McKagan. Como hemos comentado anteriormente, es la primera canción en ser interpretada por Izzy Stradlin en vez de Axl. También es la primera donde aparece el tecladista Dizzy Reed al piano y contiene una guitarra con el efecto Talkbox. Live and Let Die es un cover de la banda inglesa Wings, y fue compuesta por Paul y Linda McCartney. Don't Cry es uno de los grandes momentos del disco. Este es un tema anterior a los inicios del grupo, y fue escrita por Axl Rose e Izzy Stradlin después de que ambos se enamoraran de la misma chica. Ella no quiso elegir y le dijo a Axl mientras estaba sentado en un banco en el parque: "Don't Cry Bill", lo que dio origen al título. Intentaron grabar este tema para su Appetite for Destruction (1987), pero tuvieron que dejarlo al no obtener el sonido que buscaban para la canción. Cierra la cara 1 Perfect Crime, tema que fue escrito por Axl rose, mientras que la música corrió a cargo de Slash e Izzy Stradlin. 

La cara 2 comienza con You Ain't the First, uno de los pocos temas del disco que no contiene guitarras eléctricas, en su lugar se usaron guitarras acústicas, siendo una de ellas tocada con la técnica del Slide. Bad Obsession, escrita por Izzy Stradlin y West Arkeen. Una canción que habla de la adicción a las drogas que había perseguido a la banda antes de que se hicieran famosos. En la versión de estudio colabora Michael Monroe, de Hanoi Rocks, quien toca la armónica y el saxofón. Back Off Bitch, otra de las canciones escrita en los comienzos de la banda. Esa canción ya hbia sido interpretada por el grupo en conciertos antes el lanzamiento de Appetite For Destruction (1987). Double Talkin' Jive cierra el lado 2. Es otro de los temas escritos y cantados por Izzy, y el final de la canción contiene un particular solo de guitarra de estilo flamenco, interpretado por Slash. Sin embargo, en vivo la canción solía ser interpretada por Axl incluso cuando todavía estaba Izzy. 

El lado 3 abre con otro de los grandes momentos del disco, la balada November Rain. La letra está basada en una historieta escrita por el músico, escritor, periodista y artista estadounidense Del James, y que forma parte de una colección llamda The Language Of Fear. La versión original de la canción tenía una duración de unos 25 minutos, y finalmente fue acortada hasta los casi 9 minutos de duración. The Garden cuenta con la colaboración de Alice Cooper, quien se marca un interesante duelo con Axl Rose. Comienza Rose cantando sobre la bonanzas de un jardín, pero Cooper se encarga con su voz amenazante, de hablarnos de los inconvenientes de ese jardín. Hay quien interpreta este tema como una referencia a las drogas, de como surge la atracción por ellas, y como los inteligentes, en voz de Cooper, saben arreglárselas sin ellas. Garden of Eden, escrita por Axl y Slash, fue escrita mientras la banda se encontraba ensayando en Chicago. Don't Damn Me se encarga de cerrar el lado 3. La canción fue escrita como respuesta a la polémica que surgió en torno al grupo después del lanzamiento de G N' R Lies (1988), que contenía pistas con contenido explícito, como One in a Million. Esta es la única canción del álbum que nunca ha sido interpretada en vivo. 

El lado 4, y último de este álbum doble, es abierto por Bad Apples, escrita durante la estancia del grupo en Chicago. Esta canción si ha sido tocada en vivo, aunque únicamente un par de veces. Dead Horse fue escrita por Axl rose, quien además toca una guitarra acústica. La canción tiene dos curiosidades más, la primera es que al interpretarla en vivo en algunos conciertos, Axl Rose tocaba la guitarra acústica al comienzo, y la otra es que al comienzo de la canción se escucha un efecto como el rebobinado de un cassette. Llegamos al final del álbum con el tema más largo, Coma, con una duración de más de 10 minutos. La letra corrió a cargo de Axl, mientras que la música fue obra de Slash, aunque Axl siempre la  ha descrito como el "bebé" de Slash. Axl escribió la letra cuando tuvo una sobredosis, la cual fue, según el propio Axl, provocada por el estrés: "Tomé un frasco de pastillas en una discusión y me las tragué... Terminé en un hospital, pero me gustó que ya no estaba luchando. Mis primeros pensamientos reales fueron, 'no has trabajado lo suficiente, el disco va a ser olvidado, tienes trabajo que hacer, vete de esto', y me desperté. Pero al describir esto, la  gente podría malinterpretarlo y pensar que significa ponerse en coma". También comentaba Slash sobre la canción, "Escribí 'Coma' en mi delirio de heroína... Esa es una canción de la que todavía estoy orgulloso, no hay mucha técnica, pero tiene un enfoque bastante directo". también comentaba el genial guitarrista que lo realmente interesante de la canción era la progresión de acordes giratoria que nunca terminaba, la misma progresión de acordes cada vez, pero que seguía cambiando de tono. Todo un descubrimiento musical matemático para Slash, "Me topé con él y es mucho yo haciendo lo mío...pero funcionó". 

0929 - Stevie Wonder - Superwoman (Where Were You When I Needed You)

0929 - Stevie Wonder - Superwoman (Where Were You When I Needed You)

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" es una canción del legendario cantante y compositor estadounidense Stevie Wonder. Fue lanzada como parte de su álbum de 1972, "Music of My Mind", y desde entonces se ha convertido en un clásico atemporal dentro de su discografía.

La canción es un himno conmovedor y poderoso que refleja la habilidad de Stevie Wonder para combinar letras significativas con una melodía cautivadora. "Superwoman" narra la historia de una mujer fuerte y valiente que ha enfrentado muchas adversidades en su vida, pero que a pesar de ello ha encontrado la fuerza para seguir adelante. Stevie Wonder utiliza su voz distintiva y llena de emoción para transmitir el mensaje de apoyo y solidaridad hacia esta "Superwoman" en su lucha diaria.

La melodía de "Superwoman" es suave y melancólica, con elementos de soul y R&B característicos del estilo musical de Stevie Wonder. El piano y los arreglos de cuerda añaden una profundidad y riqueza al sonido general de la canción, creando una atmósfera nostálgica y conmovedora.

Una de las cosas destacables de "Superwoman" es la habilidad de Stevie Wonder para capturar las emociones y transmitirlas al oyente. Su voz es verdaderamente expresiva y llena de pasión, lo que hace que la canción sea aún más impactante y memorable. Además, las letras son poéticas y profundas, abordando temas de superación, amor y apoyo mutuo.

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" muestra la habilidad innegable de Stevie Wonder como compositor y letrista, así como su talento para conectar con el público a través de la música. La canción ha dejado una marca indeleble en la historia de la música y sigue siendo una joya en el catálogo musical de Stevie Wonder.

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" es una canción icónica que combina una melodía cautivadora, letras profundas y la inigualable voz de Stevie Wonder. Es una oda a la fortaleza y la resistencia humana, y una muestra del genio creativo de este legendario artista.

Daniel 

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0928.- Pink Moon - Nick Drake

Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 de padres Molly y Rodney Drake en Yangon Myanmar cuatro años después del nacimiento de su hermana Gabrielle Drake. Poco después en 1950 se mudaron a Inglaterra, Warwickshire donde Nick viviría el resto de sus días hasta su fallecimiento el 25 de noviembre de 1974 a la edad de 26 años. La causa de la muerte fue una sobredosis de Tryptizol vendido bajo la marca Amitriptyline, que es un antidepresivo que le recetaron a Nick para combatir sus crecientes problemas de salud mental. No se ha resuelto si su muerte fue un suicidio intencional o un error devastador, pero citando a su hermana Gabrielle Drake, ella "prefirió que muriera porque quería ponerle fin a su vida a que fuera el resultado de un trágico error". Y creo que la mayoría estaría de acuerdo.

En octubre de 1971, Nick Drake se acercó al productor John Wood, el hombre que diseñó a Bryter Layter y comenzó a trabajar en su último álbum, Pink Moon es Nick Drake en su forma más cruda y vulnerable, no queda ni rastor de la amplia gama de instrumentación y orquestación que definió sus 2 álbumes anteriores, solo se trata de la voz de Nick, su guitarra y, en la canción principal de apertura, su piano. Este álbum es una aventura seria en la mente de un músico brillante y talentoso que enfrenta dificultades extremas, para muchos la mente es el lugar más difícil para estar, y esa es una de las mejores cualidades de este álbum: la capacidad de relacionarse y cómo la música puede hablarle al alma. Hay un momento en el disco devastador cuando dice. "Ahora soy más oscuro que el mar más profundo". 'mostrando cómo la depresión puede arruinar a una persona y su perspectiva de la vida, su perspectiva deprimida le hace ver cómo son realmente las cosas y está deprimido por eso y sus pensamientos y estado de ánimo son oscuros. Otra letra que se te clava es aquella en la que dice "Puedo tomar el camino que me llevará a través", siempre he interpretado esta letra como una declaración de despedida del camino que lo verá. Nick se ve a sí mismo como una carga para los demás y nada más que un parásito repugnante este siendo enfatizado aún más en la línea 'puedes verme en la tierra', esta puede ser otra alusión al suicidio y estar bajo tierra, también podría significar que se siente muerto por dentro e inútil para quienes lo rodean sintiéndose como si estuviera mejor muerto. A principios de 1972, después del lanzamiento del álbum, Nick sufrió una crisis nerviosa y fue ingresado en un hospital psiquiátrico durante 5 semanas, su ex psiquiatra creía que podría haber tenido esquizofrenia

La canción de apertura 'Pink Moon', comienza con una alegre y hermosa melodía de guitarra seguida por la voz relajante y magníficamente inquietante de Nick cantada en un rango clásico de barítono. él canta sobre una luna rosa y cómo todos sucumbiremos a ella, esto se demuestra en la línea 'La luna rosa los atrapará a todos'. La luna rosa de la que habla podría aludir a la muerte y podría presagiar su propia muerte. Drake tranquiliza al oyente con acordes agradables y letras repetitivas, deja que la audiencia se deleite en una ola de tranquilidad. La falta de otros instrumentos nos permite conectarnos directamente con Drake, casi como si estuviéramos en la misma habitación que él. Se siente personal, como si te estuviera contando un secreto: "Una luna rosa está en camino". Esta pista se usó en un anuncio de Volkswagen que impulsó la popularidad de Nick y aumentó sus ventas de discos en los EE. UU. de solo 6.000 a 74.000 para el año 2000. En febrero de 1973, Drake se puso en contacto con el ex productor Wood y le dijo que estaba listo para trabajar en su cuarto álbum de estudio. La sesión inicial se realizó en julio de 1974. Luego, el 25 de noviembre de 1974, falleció, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas puestas debajo de un roble en la iglesia. Nick Drake vivirá a través del arte que creó durante su breve vida y seguirá impactando a millones con su música.