Disco de la semana 271: Faith - George Michael

 

Despues de haber publicado varios sencillos en solitario de un gran calado popular en solitario "Careless Whisper", "A Different Corner" y "I Knew You Were Waiting (For Me)" mientras formaba parte del grupo Wham!, había llegado el momento en que George Michael publicara su primer álbum en solitario. Fue un gran esfuerzo de un hombre decidido a poner el mundo del pop a sus pies de una vez por todas, y a fe que lo consiguió, este Faith contenia 6 éxitos a nivel mundial y fue el detonante de una gira mundial solo superada en aquellos momentos por Michael Jackson, una gira donde no paro de recaudar premios y recompensas. Faith va más allá del reputado sonido “adolescente” de sus trabajos con Wham!, hacia un territorio más maduro musicalmente y áreas más escandalosas líricamente, Michael quería separarse de los cortos días de antaño, por lo que trató de tocar temas más adultos. Atrás quedaron los días frívolos de rapear sobre divertirse en el paro y regalar su corazón para Navidad: este era un artista serio. Vamos a desgranar un disco que para los que hemos nacido en los 70, fue un verdadero shock tanto musicalmente como en imagen.

 

El álbum abre con una referencia consciente a sus días en Wham! con una breve interpretación de órgano en solitario de su antiguo sencillo "Freedom", que es un poderoso mensaje simbólico de que sus días de adolescente habían terminado y estaba buscando algo más serio y artístico. De repente, un riff nítido de guitarra acústica revienta la canción de par en par con un infeccioso boogie de ritmo de Bo Diddley y comienza la icónica canción principal "Faith", el ritmo boogie, la batería ligera y la línea de bajo dan paso a un George Michael completamente nuevo, resaltado por la interpretación vocal arenosa pero coqueta de Michael que arroja apartes vocales sin esfuerzo como un rock 'n' roll de los años 50 de James Brown. La canción se nos hace corta con solo dos versos y tres coros junto con el solo de guitarra endiabladamente animado que canaliza a Chuck Berry y Elvis en su versión más country en igual medida. George Michael lo ha conseguido con su primera canción, ha realizado la canción pop perfecta, es breve y dulce, líricamente coqueta y segura, un estribillo para morirse en su simplicidad, un preestribillo que es posiblemente aún más, en menos de tres minutos, George Michael cambia toda su imagen de un rompecorazones adolescente a alguien que rezuma encanto y frescura de una manera completamente nueva y más madura. 

Y sin dejarte respiro en la siguiente canción nos regala la primera de muchas baladas apasionadas asombrosamente conmovedora "Father Figure", que comienza con un exuberante arreglo de sintetizador y el regreso del órgano gospel antes de que la canción se ponga en marcha con chasquidos de bajo impactantes y unos lujosos teclados que proporcionan la base para una interpretación vocal verdaderamente conmovedora de George Michael. Aquí se deshace de la astucia de "Faith" por algo más parecido a Aretha Franklin en la forma en que construye magistralmente la tensión no resuelta en los versos reservados con una entrega susurrada y coros de himnos antes de que el coro dé paso a una explosión de evangelio puro con un sonido completo la canción son seis minutos de soul puro que van desde los silenciosos y reservados hasta las improvisaciones escalofriantes y apasionadas que terminan la canción. Y no paramos en la tercera canción es otro éxito brutal, el tercero, un épico sex-jam en dos partes "I Want Your Sex (Parts 1 & 2)", que es muy provocativo y sensual para la época, sin embargo, aún más evidente es la marca de funk sintético sexy de Prince, quien es una gran influencia en casi todos los cortes de aquí. La primera parte de la canción es la más parecida a Prince con sus pesados ​​riffs de sintetizador, licks de bajo absolutamente gordos, golpes de cencerro y pausas funky de cuerno que convierten esta bagatela de synth-pop en un ejercicio completo de pop-funk.  George Michael interpreta a un hombre cuya amante se niega a complacerlo y él intenta todos los trucos del libro para convencerla de que esté con él. Si bien las técnicas de seducción idiosincrásicas de Michael no son tan suaves y pervertidas como las de Prince, lo da todo y su voz es admirablemente sensual, incluso si a veces parece más enojado que sexy. 

El primer lado concluye con otro gran éxito (hasta ahora, cada canción fue un éxito número uno o número dos, ¡qué hazaña!), la escalofriante e impactante balada poderosa "One More Try", el punto más alto del álbum hasta el momento y el verdadero tour de force vocal de George Michael, la canción comienza con tonos de teclado melancólicos pero relajantes que establecen el triste telón de fondo para la interpretación vocal más dramática y conmovedora de George Michael en su carrera. Su voz está al frente y al centro, por una buena razón, respaldada solo por teclados lujosos y batería y bajo de jazz, asegurándose de que sea la estrella legítima de la canción que se convierte en un punto culminante lírico, donde George teje la súplica semiambigua pero aún poderosa a su amante mayor a quien teme decepcionar y sus intentos de reconciliar su amor por ellos con su deseo de ser él mismo, es el golpe emotivo del álbum debido a la melodía verdaderamente hermosa pero simple y la interpretación de la voz completa de Michael que desafía a los mejores cantantes que lo precedieron.

 

El álbum se convierte con el synth-funk implacablemente maravilloso de "Hard Day", el pastiche de Prince más obvio del álbum, una canción montada en una pista de batería que golpea duro, un bajo funk palpitante y sintetizadores angulares, mientras que George Michael ofrece una súplica sensual y enfática a su amante para que deje su equipaje en la puerta y se lance con la pasión. Un tema engañosamente complejo, con pasajes de flauta sintetizada, líneas vocales rápidas y la hilarante coda de la pista donde Michael convierte la pista en un dúo improvisado con un alter ego femenino al estilo de Camille ala "U Got the Look". El álbum ofrece su única canción con cierta protesta con una lujosa balada de sintetizador "Hand to Mouth", una canción que narra desde tiroteos masivos hasta adopción, prostitución y viceversa, mientras condena el obsceno privilegio y la falta de caridad de la clase. Mientras que líricamente ofrece bastantes imágenes sólidas y melodías encantadoras, carece de coherencia general y de angustia, pero el arreglo es maravillosamente detallado, guitarra española, piano clásico melodioso y un ritmo de sintetizador, no deja una interpretación vocal discreta pero bonita que le da a la canción una emoción bien merecida. A continuación, llega el funky soul-rock de "Look at Your Hands", que parece ser la versión personal del arrogante Mick Jagger y The Rolling Stones con licks de guitarra blues, piano borracho, vientos metálicos, y una sección de ritmo oscilante. La canción es el rock and roll más directo que George Michael jamás escribiría y teje la historia de un ex que lo rechazó y terminó en un matrimonio abusivo y las súplicas de Michael para que ella se escape con él. Tiempo para otro sencillo de gran éxito, tiempo para la discoteca y "Monkey", un tema que luce la instrumentación más directa del álbum con un riff de sintetizador en espiral, tambores de club contundentes y un golpe de bajo impactante en el que Michael se enfrenta a su posible amante, obligándolos a elegir entre él y su adicción a las drogas. Si bien la canción es más que un poco anticuada, también está escrita de manera experta con múltiples ganchos, puentes y versos para que no se vuelva obsoleta como la mayoría de las pistas de club demasiado repetitivas. 

El álbum se cierra con el mejor y más subestimado corte del álbum (mi segunda favorita después de One More try), la dolorosamente hermosa balada de jazz de club nocturno “Kissing a Fool”, George Michael ha entregado un álbum lleno de grandes voces hasta este punto, pero aquí muestra un lado completamente nuevo de su voz, con un canto muy seguro y suave que evoca el encanto natural y el romanticismo de los cantantes de jazz de los años 40 y 50. La canción cuenta con el mejor arreglo de George Michael hasta la fecha, con una exuberante banda de jazz en vivo con batería ligeramente tocada, un trabajo de piano de jazz melodioso y contrabajo. La canción también es jazzística en su estructura, carece de un estribillo tradicional y en su lugar cuenta con un verso repetido hermoso y texturizado y dos puentes diferentes, el primero en un modo más conmovedor y de bajo perfil y el segundo llevando la canción a un clímax impactante con la melodía ascendente alcanzando los alcances más altos del rango de Michael de manera espectacular antes de cerrar la canción con un último verso desgarrador. Toma pistas de los grandes como Sinatra y Ella Fitzgerald, pero hace que la canción sea completamente suya imbuyéndola de una gran cantidad de alma y agregando algunos riffs vocales deslumbrantes en los puentes. El álbum termina con una nota perfectamente dulce y melancólica con el elegante verso final, entregando la letra del título desgarradora en la línea final de la canción con un aire de resignación.

Digamoslo alto, George Michael ha creado un disco pop perfecto, no solo es notablemente consistente sino también encantador y elegante, una palabra que no suele asociarse con el género ​​un álbum realmente magistral y aunque su futura carrera sería aún más madura, aquí encontró la combinación perfecta de vértigo pop y madurez conmovedora. Una obra maestra y uno de los mejores y más conmovedores discos de la década de 1980.

0469.- Paraules D'Amor - Joan Manuel Serrat

 

Joan Manuel Serrat aparece por primera vez en nuestro repaso, es sin duda uno de los mejores artistas que ha dado España, nace en 1943 en Barcelona el día 27 de diciembre de 1943. Fue un brillante estudiante pero la música y la poesía habían hecho presa en él. En 1965 ve la luz su primera grabación, el EP “Una Guitarra” (Edigsa, 1965), para su grabación Serrat cuenta con la ayuda de Marc Blond, como director de orquesta, y Salvador Gratacòs, que ejercería de director técnico de sus primeras grabaciones. Graba un segundo EP “Ara Que Tinc Vint Anys” (Edigsa, 1966) y obtiene un gran éxito obtenido, por lo que todo el mundo comienza a conocer a Serrat y a catalogarle como uno de los fundadores de la Nova Cançó catalana, al realizar su sus primero discos en la bella lengua catalana, posteriormente títulos como Ara Que Tinc Vint Anys su primer LP en 1967 o un año después Com Ho Fa El Vent donde encontramos esta bellísima Paraules d'amor, seguirían siendo publicados en su lengua natal, demostrado una gran sensibilidad y sobre todo un gran amor a su tierra y a todas aquellas tradiciones que desde bien joven habían calado profundamente en su espíritu. En 1968 ve la luz su primera grabación en castellano, el single “El Titiritero” (Zafiro / Novola, 1968) en cuya portada aparece como Juan Manuel Serrat y posteriormente la publicación del álbum La Paloma. Pero el gran éxito a nivel nacional le vendría dos años más tarde gracias a la valentía de adaptar musicalmente los poemas de poetas marginados por republicanos como Antonio Machado con Dedicado a Antonio Machado, Poeta y Miguel Hernández en Miguel Hernández donde encontramos esas maravillosas Nanas De La Cebolla y Para La Libertad. En 1970 en su disco Mi Niñez encontramos Fiesta que tendrá gran éxito y un año más tarde compone el que es, según nuestra opinión, el mejor disco en español de la historia como es Mediterráneo que le convierte en ídolo en todos los países de habla hispana y con el que iniciará una gira por todo el mundo.

Paraules d'amor es sin duda una de sus canciones más famosas y bellas de esos primeros años, la letra nos habla de ese primer amor lleno de ignorancia donde todo es novedad, pero también pleno de pasión y de verdad y aunque pases muchos años han conseguido un rincón en nuestro corazón y nunca olvidaremos ya que fue nuestro primer contacto y nuestro referente a lo largo de nuestra vida, podrás amar más, o menos pero nunca amaras como aquella primera vez. Fue su primera gran canción de amor, un amor adolescente, y a pesar de las décadas transcurridas sigue siendo una de las preferidas por parte de su público. La música arranca con unas notas de piano que preceden a la melancólica sección de viento y de cuerda. Entonces entra el bajo y la voz cantarina llena de ternura y sentimiento que nos trasmiten ese amor primero.

1 artista, 3 canciones: Frankie Goes To Hollywood

Una nueva entrega de esta sección donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones del artista que la redacción propone.

FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD

Frankie Goes to Hollywood surgió de la histórica ciudad musical de Liverpool, Inglaterra. El vocalista Holly Johnson había adquirido formado parte de una banda anterior de Liverpool, Big in Japan. El vocalista y bailarín Paul Rutherford tocó con The Spitfire Boys y Opium Eaters antes de unirse a Frankie Goes to Hollywood. Los demás miembros fueron Mark O'Toole en el bajo, Peter "Ped" Gill en la batería y Brian "Nasher" Nash en la guitarra. Iniciaron su andadura en 1980 actuando como teloneros de Hambi & The Dance, ya en 1982 consiguieron colocar una canción en la radio durante una sesión en vivo con el DJ David "Kid" Jensen. Pocos días después le llegó el turno a su debut televisivo: el programa era el famoso "The Tube", emitido por Channel 4, la ocasión era ideal para presentar también su primer vídeo, un cortometraje que "ilustraba" el tema que más tarde se convertiría en ‘Relax’.

 

Aún pasaría casi un año antes de que el single “Relax” se publicara en Inglaterra, cuando, en octubre de 1983 vio la luz, se desencadenó un alboroto: la letra de la canción escandalizaba a los "pulcros" ciudadanos de la clase media europea, e Inglaterra fue invadida por camisetas con frases como "Relax" o "Frankie says... Relax". Entre tanto, la primera versión del vídeo fue vetada por la televisión estatal, lo que obligó a la banda a rodar una segunda versión más casta, sin embargo, la prohibición acompañada de publicidad impulsó al sencillo de 1983 al número uno en la lista de éxitos del Reino Unido durante cinco semanas. “Two Tribes”, el segundo sencillo, alcanzó el número uno seis meses después, un himno contra la Guerra Fría que fue acompañado por un video popular que muestra al ex presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, y al ex líder del Partido Comunista Soviético, Konstantin Chernenko, peleando en un ring de lucha libre. Los dos primeros sencillos se convirtieron en platino, vendiendo más de un millón de copias cada uno, lo que convierte a Frankie Goes to Hollywood en el único grupo que tiene sus dos primeros lanzamientos de sencillos alcanzando este nivel de ventas. En 1984, su tercer sencillo, "The Power of Love", llegó a lo más alto de la lista, igualando el récord de los primeros tres lanzamientos de una banda que alcanzaron el número uno, un récord establecido por Gerry and the Peacemakers 20 años antes. El lanzamiento se utilizó más tarde como pista de acompañamiento para el primer anuncio de condones en televisión del Reino Unido. El cuarto sencillo, "Welcome to the Pleasuredome", llegó hasta el número dos, deteniéndose un lugar antes de lo que habría sido un récord de los primeros cuatro lanzamientos que alcanzaron el número uno.

 

Frankie Goes to Hollywood lanzó su álbum debut en 1984, Welcome to the Pleasuredome. en 1985, recibieron tres premios BRIT: Mejor debutante británico; Mejor Sencillo Británico por "Relax" y Mejor Productor, Trevor Horn. En agosto salió ‘Rage hard’, un pequeño adelanto de su nuevo álbum, Liverpool, que se publicó en octubre. Ya en 1987, el grupo comenzó en Manchester su última gira, no había mucho interés en la música de la banda, el exceso de éxito parecía haber extinguido la carga agresiva de FGTH en favor de un funky-pop moderado. Frankie Goes to Hollywood se separó en 1987, cuando tres de los miembros (sin incluir a Johnson o Rutherford) intentaron recrear el grupo, justo antes de firmar con Circa Records, Johnson impidió el uso del nombre de Frankie Goes to Hollywood y no se llegó a un acuerdo, Johnson firmó con RCA, y emprendio una lucha en los juzgados por el nombre del grupo, los miembros restantes de formaron The Lads e intentó capitalizar hasta la última nota con ¡Bang! The Greatest Hits of Frankie Goes to Hollywood, que fue lanzado por Atlantic en 1994. También en 1994, Johnson lanzó una autobiografía muy aclamada, A Bone in My Flute, así como el sencillo "Legendary Children". Casi diez años después de su lanzamiento inicial, "Relax", Welcome to the Pleasuredome , "The Power of Love" y "Two Tribes" fueron reelaborados y relanzados, experimentando un éxito comercial moderado en las listas del Reino Unido una vez más.

 

 

VOTACIONES

1.- Relax: En esta canción hay que detenerse sobre todo en la voz, cierto no es nada sublime, pero en el contexto de esta canción y la escena pop de la época, las voces funcionan muy bien son crudas, particularmente en los constantes estribillos del coro. También hay que destacar la sección electrónica en el medio de la canción con una versión más lenta del estribillo que rompe la canción y como no, una canción muy bailable, lo que probablemente fue un factor clave en sus ventas. Puedo imaginar que la gente se enamoró perdidamente de esta cancion en ese momento.

2.- Welcome to Pleasuredome: La búsqueda del máximo hedonismo que prevalece en las letras ciertamente fue un tema contemporáneo de mediados de los 80 como el siguiente paso lógico de las políticas de Thatcher, y el uso de la línea del exquisito poema de Coleridge sobre Kubla Khan fue una inspiración y reflejaba que estos los scousers tal vez tenían algo de talento después de todo. El ritmo rodante nos lleva en un viaje en autobús similar al de Speed, mientras Holly, casi gritando, nos da placer en su alcance para esos placeres terrenales sin límites.

3.- The power of love: Sin sonar como sus éxitos anteriores, 'The Power of Love' reflejó un lado más prosaico, hasta ahora invisible en la producción del grupo una balada lenta, a la deriva, casi orquestada, fue disfrazada en el video promocional como si tuviera un sentimiento navideño, pero la letra ciertamente no puede atestiguar lo mismo. El doloroso anhelo del Sr. Johnson eleva esta típica canción de amor, prometiendo protección contra todos los intrusos, incluso los sobrenaturales. Luchar contra demonios nunca ha sido tan precioso.

0468.- Born to be Wild - Steppenwolf

 

Born to be Wild, Steppenwolf

     El 29 de enero de 1968 la banda de rock,hard rock y rock psicodélico con base en California Steppenwolf debuta con su primer álbum de estudio, llamado también Steppenwolf. Este primer trabajo supuso un gran éxito para la banda gracias a temas como The Pusher, pero sobre todo a Born to be Wild. Para hablar de Born to be Wild hay que hacerlo también de cine, ya que este tema va ligado a este género,. Quién no recuerda la película Easy Rider al escuchar este tema y se imagina viajando sin ataduras y con total libertad por las interminables carreteras de Estados Unidos viviendo experiencias únicas.

     Easy Rider se gestó como una película independiente dramática, incluida en el genero llamado road movie, dirigida por Dennis Hopper e interpretada por el mismo y por Peter Fonda y Jack Nicholson. Esta película se inspiró en la película italiana de culto Il Sorpasso  (La Escapada) de 1962, dirigida por Dino Risi y protagoniazada por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. En Easy Rider sus personajes realizan un viaje en motocicleta cruzando el sur de Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Grass en Nueva Orleans, el famoso carnaval que se celebra un día antes del miércoles de ceniza. Por el camino, nuestros intrépidos motoristas se van encontrando a personajes de lo más diverso.

     Una película de culto como Easy Rider tiene a su vez una banda sonora también considerada de culto, donde podemos encontrar temas de The Jimi Hendrix Experience, Smith, The Birds, The Holy Modal Rounders, Fraternity Of Man, The Electric Prunes, Roger McGuinn y Steppenwolf. Una banda sonora que sería reeditada en edición de lujo en 2004 con los temas originales en la cara A y otros tantos añadidos como cara B.

     Incluida en la banda sonora de la película nos encontramos con el tema Born To Be Wild, que incialmente no fue un tema que agradara a los editores de la película demasiado y que incluyeron simplemente por el hecho de que estaba compuesta por Mars Bonfire. En un principio, Peter Fonda, uno de los protagonistas de la película quería que se encargaran de la banda sonora de la misma Crosby, Still & Nash, pero al final serían Steppenwolf y los demás artistas anteriormente citados los que aparecerían en la BSO.

     Born To Be Wild aparece en el primer disco de Steppenwolf en 1968, titulado también Steppenwolf. La banda por entonces estaba formada por John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo). Steppenwolf era una banda canadiense, aunque se gestó y formó en California sobre la base de la banda canadiense Sparrow. El tema fue compuesto por Mars Bonfire, nombre artístico de Dennis Edmonton, quien era a su vez hermano de Jerry Edmonton, el batería de Steppenwolf. Mars escribiría además de esta algunas canciones más para la banda a lo largo de su historia.

     Mars Bonfire relataba cómo se le ocurrió la composición del tema: un día mientras estaba paseando por Hollywood Boulevard se fijó en un cartel que había en una ventana que rezaba "Born to Ride" con una imagen de una motocicleta saliendo de la tierra y rodeada de fuego alrededor. Por aquel entonces Mars se acababa de comprar su primer coche, un Ford Falcon, y rápidamente asoció la idea de la motocicleta saliendo en busca de la libertad al igual que la alegría y la libertad que sentía él con aquel coche, el cuál podía conducir cuando le apetecía e ir donde quería. Es en este tema donde aparece por primera vez el término "heavy metal", y hay quien define este tema como la canción original que dio el primer paso al género. Si es la primera o no eso dejo que lo valoréis vosotros, pero lo que si hay una cosa clara, cuando se referían a "heavy metal", se estaban refiriendo a una moto.

#MesU2: Rattle and Hum - U2

 

Rattle and Hum, U2

     A pesar de haber conseguido el cartel de ser una de las bandas con más éxito de la década de los 80, los irlandeses de U2 habrían de esperar hasta 1987 para alcanzar el estrellato absoluto. Sería con la publicación de su quinto álbum de estudio, The Joshua Tree, cuando alcanzarían dicho estatus, siendo además el primer disco de la banda irlandesa en alcanzar el puesto númer uno el las listas de ventas de Estados Unidos, y el tercero en alcanzar tal puesto en Reino Unido.

U2 decide dar un paso más allá y para su siguiente lanzamiento deciden filmar una película documental que captura y graba las experiencias del grupo durante la gira estadounidense del Joshua Tree Tour, grabando además un doble disco con canciones en vivo junto con material nuevo. A este proyecto se le llamó Rattle and Hum. El álbum incluía nueve pistas en estudio y seis presentaciones en vivo, incluidas colaboraciones con Bob Dylan y BB King. La película documental lograba unas pobres críticas por parte de los especialistas en la materia, y el álbum Rattle and Hum si lograba un gran éxito, si bien es cierto que en un principio una pequeña parte de la crítica musical mostró su incomprensión y menosprecio. Le costó entender a la crítica que este album era un homenaje a las raíces de la música popular norteamericana, y que además funcionaba como bisagra en la trayectoria del grupo, serviría como eje para cerrar su exitosa etapa que había tenido su momento cumbre con The Joshua Tree, y abrirse a nuevos horizontes musicales, pues en la década de los 90 la banda se reinventrá a través de una nueva dirección musical e imagen pública. 

El proyecto Rattle and Hum captura sus contínuas experiencias con la música de raíces estadounidense en el Joshua Tree Tour, incorpora elementos de blues rock, folk rock y música gospel en su sonido, y se nutre de una serie de canciones nuevas de estudio, presentaciones en vivo y versiones de canciones, incluyendo además colaboraciones con Bob Dylan, BB King y el coro de gospel Harlem's New Voices of Freedom. El álbum es grabado entre finales de 1987 y el primer semestre de 1988, Producido por Jimmy Lovine, y publicado el 10 de octubre de 1988 bajo el sello discográfico Island Records. Se grabaron 11 canciones nuevas que de por sí podrían haber configurado un disco enteramnte nuevo, pero el grupo quería hacer algo distinto, por lo que finalmente lanzaron un doble disco que se basaba en tres elementos: Versiones en directo de la gira Joshua Tree Tour (1987), grabaciones originales realizadas durante el tour (casi todas en los Sun Studios de Memphis, Tennessee), y nuevos temas grabados en su mayoría en los A&M Studios de Los Ángeles. Por ese hecho dos de los 11 temas grabados, Hallelujah y A Room At The Heartbreak Hotel, serían descartados y editados como lados B.

Entramos en materia en el álbum y comenzamos con la maravillosa versión de los Beatles grabada en vivo de Helter Skelter, a la que sigue Van Diemen's Land, escrito por The Edge, quien además la interpreta en su totalidad. La canción trata sobre la Gran Hambruna Irlandesa que ocurrió entre 1845 y 1849 debido a la falta de alimentos causada por las políticas económicas británicas. El título es además una referencia a a la deportación que sufrió, a la que a día de hoy es la actual Tasmania, el líder irlandés John Boyle O'Reilly por orquestar una rebelión contra los ingleses. Desire, escrita por Bono, fue además el  primer sencillo del álbum. Una canción que trata sobre la ambición y la dedicación necesarias de un grupo musical para tener éxito. También hace crítica a los predicadores estadounidenses que estafan dinero a sus fieles seguidores. Este tema incorpora el llamado "Bo Diddley Beat", un ritmo que el genial músico hizo famoso. Hawkmoon 269 es un tema inspirado en la localidad de Hawkmoon, en Dakota del Norte, por la que el grupo había pasado durante su gira. El número 269 hace referencia a la cantidad de mezclas que sufrió la canción antes de la grabación final. Según The Edge la banda estuvo trabajando en este tema unas tres semanas. Seguidamente viene la magnífica versión en diecto que se marcan de All Along The Watchtower de Bob Dylan, tema antesala de la interpretación en directo de la maravillosa I Still Haven't Found What I'm Looking For, uno de los grandes temas de siempre de la banda, y que había sido publicado en el anterior disco The Joshua Tree. Freedom For My People es un pequeño entreacto de paenas 40 segundos hecho a partir de una canción escrita por Sterling Magee, Bobb Robinson y Macie Mabins, y que era interpretada en las calles por el propio Magee y Adam Gussow, dos músicos que tocaban en las calles y que luego grabarían tres álbumes como dúo de blues bajo el nombre Satan and Adam. Tema que sirve de antesala para los dos temas que cierran el primer disco, Silver And Gold, interpretada en directo. Fue escrita por Bono después de viajar a una misión de ayuda en Etiopía. Es una canción que critica claramente el Apartheid, denunciando también como el dinero parece ser más importante que la libertad de las personas, y Pride (In The Name Of Love), interpretada también en directo. Esta canción fue el primer sencillo lanzado del álbum The Unforgettable Fire (1984).

El segundo vinilo de este doble álbum comienza con la poderosa Angel Of Harlem, otro de los grandes temas la historia de la banda. El tema es todo un tributo a la gran cantante estadounidense de jazz Billie Holiday, "El Ángel de Harlem". Billie Holiday se mudó a Harlem cuando era adolescente en 1928. Allí tocó en infinidad de clubes nocturnos haciéndose famosa por su capacidad para llegar a la gente. Tuvo que lidiar durante casi toda su vida con el racismo, las malas relaciones y los problemas con el alcohol. Love Rescue Me, basada en una antigua canción de Gospel. Bono había estado trabajando en un tema que empezó a componer una noche después de despertarse habiendo soñado con Bob Dylan. Curiosamente, durante la gira, Bono Recibió una llamada telefónica en la que le preguntaban si le gustaría visitar a Dylan, no se lo pensó dos veces. Bono visitó a Dylan en Malibú y éste le ayudo a terminar la canción en la que había estado trabajando. Bono le dió los créditos como coautor de la canción. When Love Comes to Town, tema que se convirtió en el tercer sencillo del doble álbum y en el que colabora BB King poniendo su voz junto a Bono. En 1987 BB King había tocado en Dublín, en aquel concierto descubrió que entre el público se encontraban los componentes de U2, los cuales acababan de lanzar al  mercado The Joshua Tree. El maestro blusero se sintió muy honrado de saber que eran grandes admiradores no sólo de él, tembién del género blues. Acabado el concierto King pudo conocer a la banda y le pidió a Bono que pensara en él y en algún tipo de colaboración cuando escribiera una canción, y este tema fue el resultado. Heartland, canción que se gestó a raíz de un viaje que el bajista Adam Clayton y Bono hicieron. La canción está llena de pequeños fragmentos de los viajes que había plasmado Bono en un diario. La canión comenzó a escribirse en 1984 durante las sesiones de The Unforgettable Fire, siendo retomada durante las sesiones de The Joshua Tree. God (Part II), es una respuesta a la canción God de John Lennon. En God, Lennon nombraba una lista de las cosas en las que no creía, y en este tema Bono sigue la misma formula creando su propia lista. The Star Spangled Banner, interpretada en directo, es el tributo de la banda a la performance que Jimi Hendrix hizo del himno nacional estadounidense. Bullet the Blue Sky, la banda toca en directo este tema, grabado en su anterior álbum, The Joshua Tree, toda una crítica a las políticas exteriores de los países del primer mundo que tenían como fín defender su bienestar a base de promover o mantener guerras en países del tercer mundo. El Broche de oro de este segundo vinilo y que cierra por tanto el álbum lo pone All I Want Is You, tema que fue además el cuarto y último sencillo publicado de Rattle and Hum. La canción fue un homenaje de Bono a su esposa, donde le expresaba a partir de los tranquilos versos del tema su amor hacia ella, y donde los potentes riffs de guitarra de The Edge al final del tema son la reacción de ella a su declaración de amor. 

U2 cerraban con Rattle and Hum una etapa que habían abierto con The Joshua Tree, su Ópera Magna hasta el momento. La década de los 80 se esfumarían, y U2 como los conocíamos hasta ese momento también, pues volverían en la siguiente década reinventándose a sí mismos y agrandando más si cabe su leyenda... 

0467 - Lazy Sunday - Small Faces

0467 - Lazy Sunday - Small Faces 

Lazy Sunday es una canción de la banda inglesa Small Faces, que alcanzó el número dos en la lista de singles del Reino Unido en 1968.

Fue escrita por el dúo de compositores de Small Faces, Steve Marriott y Ronnie Lane, y apareció en el álbum de la banda de 1968 Ogdens' Nut Gone Flake. 

Lazy Sunday tiene un sonido de music-hall tradicional del East End de Londres. La canción se inspiró en las rencillas de Marriott con sus vecinos y también destaca por sus marcados cambios vocales. Marriott canta gran parte de la canción con un acento cockney muy exagerado, lo hizo en parte debido a una discusión que tuvo con los Hollies, que decían que Marriott nunca había cantado con su propio acento. En el puente final y los dos últimos estribillos, vuelve a su acento transatlántico habitual. 

John Lydon citó a los Small Faces como una de sus pocas influencias como vocalista de los Sex Pistols, y la evidencia de la influencia de Marriott se puede encontrar en esta canción.

Según el teclista de los Small Faces, Ian McLagan, las líneas vocales "rooty dooty di" de Lane eran una imitación de un miembro del equipo de carretera de los Who; las dos bandas habían realizado recientemente una gira conjunta por Australia. 

Lazy Sunday aparece como pista seis en el álbum Ogdens' Nut Gone Flake, y es la última pista de la cara A de la edición en vinilo.

La canción se utilizó en la película cómica británica de 2009 The Boat That Rocked

Daniel 

Instagram storyboy 

Grandes éxitos y tropiezos: Mecano

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grupos que más éxito ha tenido en nuestro país: Mecano. El grupo surge en Madrid, en la década de los ochenta, como un grupo surgido de lo que se denominó la movida madrileña, pero nadie les ha englobado en esa corriente, tampoco se les puede equiparar en lo que en Europa se denominó New Romantic. Mecano iban por libre, se les tildaba de demasiado comerciales, pero en el fondo eran gente joven, con ganas de hacer cosas y con hambre de música con un inicio muy situado en el tecno-pop, aunque a lo largo de los años fueron capaces de transformarse y adaptarse a los tiempos cambiantes. El trío Mecano estaba compuesto por los hermanos José María y Nacho Cano, además de la vocalista Ana Torroja. Su ambición por hacerse un hueco en el mundo de la música les lleva rápidamente a contactar con distintas discográficas, despertando el interés de la CBS, con la que firman un contrato. Tras algunas audiciones graban su primer sencillo, "Hoy no me puedo levantar". Tras lanzar el sencillo y darle muy poca promoción, la CBS se desentiende un poco del grupo, sin estar muy convencidos de que la historia pueda funcionar, pero ellos no iban a tirar la toalla, ellos mismos compran varias copias del sencillo y empiezan a promocionarlo por su cuenta en emisoras de radio y gente relacionada con el mundillo. La reacción del público es muy positiva y la canción comienza a sonar en todos los locales de moda de Madrid. Y por fin, en 1982 Mecano publica su primer álbum, titulado "Mecano", tras una presentación espectacular y una promoción masiva por parte de la compañía, el disco se convierte en un auténtico éxito, vendiendo más de 100.000 copias en pocas semanas. Mecano aparecía en todas las fiestas que se celebraban en Madrid y aparecían en infinidad de programas de televisión, aumentado espectacularmente el caché del grupo e iniciando una carrera imparable hasta su disolución en 1992.

Estás tardando en comprarlo:

La repercusión que tuvo Mecano en España con Descanso dominical fue impresionante; se sacó casi entero en singles. Todo el mundo tarareaba las canciones, representó el cúlmen de una carrera. Abordaron temas diversos, desde el lesbianismo en "Mujer contra mujer" al ligue urbano en "Los amantes", retrataron a los españolitos en "Un año más" y el trato al español en EE.UU. en "No hay marcha en Nueva York" con mucha ironía en ambos casos. Otras canciones importantes fueron "El cine", "Eungenio Salvador Dalí", "El blues del esclavo", "Héroes de la Antartida" y "Laika". Esta última junto con "Hermano Sol, hermana Luna" no aparecieron originalmente en el vinilo. Para mí, a partir de este disco vino la cuesta abajo del grupo, por otro lado, normal, por su edad y la calidad alcanzada en él. También tuvo éxito la canción instrumental "Por la cara" interpretada a la guitarra por Tomatito y que fue usada en algún programa de radio como entrada. Seamos serios: Mecano no fueron los Beatles, pero fueron tan grandes que demostraron que se podía hacer música netamente comercial (nadie más ha vendido como ellos) no exenta de calidad.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con una combinación de letras sublimes que cantan al amor y temas que abordan la crítica social, con este disco subieron varios peldaños de golpe y superaron por mucho lo que habían hecho anteriormente. En Entre el cielo y el suelo canción es como una crónica o un cortometraje con el sello inconfundible de Ana Torroja como vocalista, que, si bien no posee una voz impresionante, le atribuye características definidas al grupo integrado también por los hermanos Cano. En Hijo de la luna, Mecano presenta de forma magistral el origen de la leyenda gitana sobre las fases lunares. Cruz de Navajas, un clásico de este trío, es una extraordinaria composición que plantea una historia de amor e infidelidad entre sus protagonistas, Mario y María, dejando a la imaginación del que escucha cuál sería la tercera cruz. Con una manera particular y poética de contar las cosas, Ana, Nacho y José María saben llevar a su público por un fascinante viaje que dura entre 2 a 4 minutos. Me cuesta tanto olvidarte es una de las canciones más hermosas que jamás haya presentado Mecano.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Ya viene el sol se lanzó y publicitó como el disco "arriesgado" de Mecano. Los notables primeros singles del disco: 'No pintamos nada' y 'Japón', se acercaban un sonido tecnopop más contundente y rompedor con incluso algún tímido flirteo semi-industrial en el caso de Japón, aunque por supuesto las melodías ultrapegadizas marca de la casa, odiables o adorables, o ambas cosas a la vez, seguían estando allí. Aún así, el disco fue inicialmente un fracaso total, no vendió ni la décima parte que el debut, aunque cuando ya se daba al disco ( y casi al grupo también) por muerto el último single del disco, la anodina 'Hawaii - Bombay', se convirtió inesperadamente en una de las canciones del verano del 85. 'Ya viene el sol' quedó para la historia como disco de transición entre el nuevo y el viejo sonido, no marcó época, pero cerró dignamente su primera etapa.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Hijo la luna

2.- Me cuesta olvidarte

3.- Barco a Venus

4.- Maquillaje

5.- Mujer contra mujer

0466.- La La (Means I Love You) - The Delfonics

La La (Means I Love You) es el sencillo título del single de éxito de los Delfonics lanzado en 1968. Con letra y música de Thom Bell y William Hart, llegó al cuarto puesto del Billboard estadounidense, y a un meritorio puesto 19 en las listas del Reino Unido. Tuvo un éxito casi instantáneo, pero la auténtica medida del valor intrínseco de esta oda en clave soul al sentimiento de alegría que se experimenta al estar enamorado, es la influencia que ha tenido en las generaciones de músicos y cineastas posteriores.

Con su estribillo facilón (los la-la-la's del título) y su irresistible y suave melodía, consiguió conquistar a directores de la talla de Spike Lee, que la incluyó en la banda sonora de Crooklyn (1994), o Quentin Tarantino, que la incorporó a la música de Jackie Brown (1997). Es, además, la canción que Nicolas Cage le canta a su amada (Tea Leoni) en The Family Man (2000).

En el ámbito de la música, son remarcables las versiones de Booker T. and The MG's (para su disco Soul Limbo de 1968) o la de Michael Jackson y sus Jackson 5 en su álbum ABC (1970). Otras versiones interesantes serían las de Todd Rundgren en el disco A wizard, a true star (1973) y la de The Manhattan Transfer en Tonin' (1995). En 1996, Prince hizo una versión de la canción para su álbum Emancipation, adaptando el título a su particular escritura ("La, La, La Means Eye Love U") y convirtiéndola en la que probablemente sea la única canción versionada y grabada en estudio por los dos grandes tótems de la música negra de los ochenta.

0465.- Summer Wine - Lee Hazlewood and Nancy Sinatra

 

Curiosa pareja la que traemos hoy, a la izquierda Nancy Sinatra, la hija mayor de Frank Sinatra y Nancy Sinatra (de soltera Barbato), y es ampliamente conocida por su gran éxito publicado en 1965, These Boots Are Made for Walkin y muchos de nosotros consideramos que 'You Only Live Twice' es el tema definitivo de Bond y ella estaba a la voz. A la derecha, Lee Hazlewood, hijo de un trabajador petrolero, pasó sus años de juventud moviéndose por los estados del sureste de los EE. UU. y creció escuchando la música pop y de raíces de la región, ingresó en el negocio de la música, inicialmente como disc jockey, pero rápidamente logró el puesto de productor musical y compositor de gran éxito y a raíz de esto fue Frank Sinatra quien se acercó a Hazlewood y le preguntó si podía resucitar la carrera de su hija mayor, Nancy. Cuenta la leyenda que Lee Hazlewood, en su rol de productor libertino, demiurgo malintencionado y genio en la sombra tomando todas las decisiones, aconsejó a Nancy Sinatra que cantara la letra de “These boots are made fo walking” como si fuera una quinceañera que entra en un bar de camioneros. O sea, que su interpretación apuntara directamente a la entrepierna de los hombres que tienen el cerebro justo ahí mismo.

El dúo es hoy en día una rara elección en la música popular, podría decirse que los mejores resultados son cuando se combinan voces masculinas y femeninas para crear un tono contrastante pero complementario. Su escasez contemporánea es algo desconcertante cuando se escuchan los ejemplos clásicos de años pasados. Nancy Sinatra y Lee Hazelwood hicieron muchas de estas colaboraciones, siendo la primera el clásico de tema ambiguo "Summer Wine". Sinatra es quizás una seductora siniestra, una prostituta con el robo en mente, con Hazelwood habitando el papel de un vaquero cansado que se convierte en su víctima involuntaria. ¿O es quizás una historia de los peligros del uso de drogas, Hazelwood el adicto lánguido y Sinatra la voz de su droga preferida? De cualquier manera, la cautivadora melodía y la exuberante orquestación de esta canción elaborada por expertos hechizan al oyente. Agregue algunos cuernos estilo James Bond y el evocador arreglo cinematográfico de barrido no puede dejar de conquistarte con su encanto seductor. Al igual que el narcótico que tal vez informa el subtexto de las canciones. La canción describe a un hombre (parte cantada por Hazlewood) que conoce a una mujer (Sinatra) que le invita a tomar una copa de vino con ella. Más tarde el hombre se despierta resacoso y la misteriosa mujer le ha robado su dinero. ¡Así que ya saben señoras y señores! tengan cuidado con quién se toman más de un vino.

Si hablamos de versiones de la misma, se han atrevido con ella artistas de la talla de Lana Del Rey junto a Barrie-James O'Neill de Kassidy, The Coors, Ville Valo de HIM junto a Natalia Avelon o Conchita Wurst, aunque desde mi humilde punto de vista, ninguna ha conseguido ese encanto especial de la que nos ocupa, si es verdad que en 2017 la cadena de ropa H & M utilizó este tema en su campaña de primavera/verano y resucitó la canción para las nuevas generaciones.

The Unforgettable Fire - U2 #mesU2

The Unforgettable Fire - U2 #mesU2

En el mes de U2, vamos con este álbum que se llama The Unforgettable Fire es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock irlandesa U2. Fue producido por Brian Eno y Daniel Lanois, y lanzado el 1 de octubre de 1984 por Island Records.

La banda quería seguir una nueva dirección musical siguiendo el rock más contundente de su álbum anterior, War (1983). Como resultado, contrataron a Eno y Lanois para producir y ayudarlos en su experimentación con un sonido más ambiental. El cambio de dirección resultante fue en ese momento el más dramático de la banda. El título del álbum es una referencia a "The Unforgettable Fire", una exhibición de arte sobre el bombardeo atómico de Hiroshima.

The Unforgettable Fire fue lanzado el 1 de octubre de 1984. El álbum tomó su nombre y gran parte de su inspiración de una exposición itinerante japonesa de pinturas y dibujos en el Museo de la Paz en Chicago por sobrevivientes de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki, Japón. 

La banda pasó unos días conduciendo por Irlanda con el fotógrafo Anton Corbijn en busca de ubicaciones potenciales. El castillo representado en la portada es Moydrum Castle. A la banda le gustó la ambigüedad de la imagen y el misticismo irlandés que vieron en ella. La fotografía, sin embargo, era una copia virtual de una imagen en la portada de un libro de 1980 In Ruins: The Once Great Houses of Ireland de Simon Marsden. Fue tomada desde el mismo lugar y usó las mismas técnicas fotográficas, pero con la adición de los cuatro miembros de la banda. Por esta infracción de derechos de autor, la banda tuvo que pagar una suma desconocida a Marsden.

Pride (In the Name of Love) fue lanzado como el sencillo principal del álbum en septiembre de 1984, y en ese momento fue el mayor éxito de la banda. Alcanzó el Top 5 del Reino Unido y el Top 40 de EE. UU. y, en última instancia, se convertiría en la canción que el grupo toca con más frecuencia en los conciertos.

The Unforgettable Fire fue lanzado como el segundo sencillo en abril de 1985. La canción se convirtió en el tercer éxito Top 10 de la banda en el Reino Unido, alcanzando el número seis en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 8 en la lista de sencillos holandesa, pero no funcionó como bien en los estados unidos

Tras su lanzamiento, las críticas fueron en general favorables. Paul Du Noyer de NME elogió el álbum y el nuevo equipo de producción de Eno-Lanois. La reseña decía: "La vieja unidad de rock de cuatro cuadrados ha sido deconstruida. En su lugar hay un paisaje sonoro panorámico, texturas múltiples, cambios sutiles en el énfasis". ¡Tony Fletcher de Jamming! dijo que no era "un álbum lleno de éxitos. Sin embargo es una colección contundente de ideas y temas atmosféricos, olvidables al principio pero extrañamente inquietantes y pronto firmemente implantados". Fletcher agregó que la producción de Eno eliminó parte del "heavy metal" de U2 y reemplazó la "emoción como fuerza impulsora". Hot Press elogió la llegada del productor Brian Eno como "un movimiento audaz". El crítico Liam Mackey dijo que el álbum era "rico y gratificante".

En Melody Maker, Adam Sweeting dijo: "The Unforgettable Fire es la otra cara de la moneda de War. Donde este último se abrió con el demoledor ritmo paramilitar de 'Sunday Bloody Sunday',... Fire se lanza al largo resplandor de 'A Sort Of Homecoming', cuya letra un tanto mística adorna la romántica carátula granate y dorada. El hecho es que si traes tu concepción establecida de U2 a este disco, te decepcionarás". Kurt Loder fue más crítico en Rolling Stone: "U2 parpadea y casi se desvanece, su fuego acumulado por una estrategia de producción mal concebida y ocasionales interludios de autocomplacencia empapada y sin canciones. Este no es un álbum 'malo', pero tampoco es la belleza irrefutable de la banda. los fanáticos anticiparon". El crítico de The Village Voice, Robert Christgau, sintió que el "idealismo romántico salvaje" y moralizante de Bono resultó ser descuidado, específicamente en "Pride" y "Elvis Presley and America", pero concluyó que esas cualidades funcionan lo suficientemente bien para él a lo largo del resto del disco "un escéptico cree temporalmente en los milagros". A fines de 1984, fue votado como el 29º mejor disco del año en Pazz & Jop, una encuesta anual de críticos estadounidenses publicada en The Village Voice.

Retrospectivamente, Bill Graham de Hot Press escribió en 1996 que The Unforgettable Fire fue el álbum más fundamental de U2 y que fue "su mayoría de edad lo que les salvó la vida como unidad creativa". Niall Stokes, también de Hot Press, dijo que "una o dos pistas no estaban bien cocidas" debido a la fecha límite, pero que fue el "primer álbum con un sonido cohesivo" del grupo en el que "U2 renació". Por el contrario, también se incluyó en el libro de 1991 The Worst Rock and Roll Records of All Time. En 2009, al revisar la edición de lujo del álbum, Will Hermes de Rolling Stone apodó el álbum como un "conjunto de transición, impredecible", pero señaló: "Cuando las cosas hacen clic, une la arena de lucha contra el poder de War. rock con la textura fetichista de... The Joshua Tree". Ryan Dombal de Pitchfork elogió a The Unforgettable Fire como "un álbum de transición de la más alta magnitud" que "fluye y refluye a lo largo del espectro entre el post-punk puntiagudo U2 de antaño y el impresionista U2 asistido por Eno en el que anhelaban convertirse".

Daniel 

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0464.- Folsom Prison Blues - Johnny Cash

Folsom Prison Blues fue escrita en 1953 por Johnny Cash, pero no se grabó hasta 1955 para ser incluida en su disco debut Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar! (1957). La canción original alcanzó en 1956 el cuarto puesto del Billboard, pero no fue hasta 1968, con la versión que grabó en directo desde la prisión estatal de Folsom para su álbum en vivo At Folsom Prison (1968), cuando la canción se convirtió en un éxito absoluto, ganando el Grammy a la mejor interpretación vocal country y llegando al primer puesto de las listas de música de ese género y al 32 del Billboard Hot 100 estadounidense.

Para la grabación original, Cash se inspiró en la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), pero tomó además prestados elementos de la letra y la melodía de la canción Crescent City Blues, publicada en 1953 en el álbum conceptual Seven Dreams de Gordon Jenkins. Cash no incluyó a Jenkins en los créditos de la canción, y cuando Folsom Prison Blues se convirtió en un éxito, tuvo que llegar a un acuerdo compensatorio de 75.000 dólares para evitar que la demanda de Jenkins siguiera su curso.

Grabada en los estudios Sun Studio en Memphis (Tennessee) con Cash a la voz y guitarra, con el acompañamiento de Luther Perkins (guitarra) y Marshall Grant (bajo), salvaron la circunstancia de no disponer de un batería insertando un billete de un dólar bajo las cuerdas de una guitarra, y rasgueando para lograr un sonido similar al de una caja. El resultado es una obra maestra cuyo sonido mezcla magistralmente elementos del country, el rock and roll y el folclore popular de canciones de trenes y prisiones, y una de las piezas más emblemáticas de la carrera de Johnny Cash, considerada por la revista Rolling Stone como la 51 de la lista de 100 mejores canciones country de todos los tiempos.

0463.- Mi calle - Lone Star

Quizás no tengan el nombre y la fama de otros grupos de los inicios del pop rock en España, pero en cambio, han tenido una trayectoria impecable, ha sido pionera del rock en España y han cantado sus temas en tres idiomas como el español, catalán e Inglés y sin duda pocos han sentido el rock de una manera tan intensa y palpitante como el grupo catalán Lone Star. La historia de Lone Star rebosa de momentos inolvidables. En 1959 Pedro Gené, natural de Barcelona y un gran músico de conservatorio, decide irse a Inglaterra y allí vive en primera persona toda la explosión y el nacimiento del rock. Regresa a España, con la intención de formar un grupo de rock and roll, contacta con sus antiguos compañeros y a la idea se le unen Rafael de la Vega al bajo, Enrique López a la batería, Enric Fusté al piano y el propio Pedro Gené a la guitarra y voz. Esta sería la primera composición de Lone Star. El nombre de “Lone Star” (estrella solitaria), se debe a la influencia que el blues sureño ejerce sobre Pedro Gené.

Ademas de amigos todos poseen una educación musical superior al resto de bandas contemporáneas, auténticos profesionales que sienten pasión por mitos como Little Ricahrd o Elvis Presley y por estilos como el Jazz, Soul, Rock o el Rythm And Blues, un estilo de música que en aquella época casi era inédita en España, Lone Star traía una propuesta demasiada moderna e innovadora para la incultura musical que reina en aquellos tiempos. En cierto modo, fueron un grupo célebre, pero al mismo tiempo semidesconocido y en ocasiones incomprendido. En 1963, son contratados por la compañía EMI, con la que graban una buena cantidad de EP’S, sin embargo, se ven condicionados ya que tienen que versionar hits extranjeros pertenecientes a otras formaciones y de alguna manera, los condenan al “versionerismo”. En 1964 llega su punto álgido de su carrera gracias a una versión que aparece en su sexto EP, el clásico “The House of the Rising Sun”. Otro de los momentos culminantes de su carrera les vino en 1967, gracias a su primer álbum “Un conjunto con antología”, en el que se recopila varios de los temas de sus anteriores EP’S, versiones, y lo que tiene una importancia vital: composiciones propias, destacando “Río sin fin”, o “La Leyenda”. Con estos temas conseguirían llegar a un acuerdo con EMI, el disco constaría de dos partes, una de versiones y en la otra se incluyen canciones propias. Y aquí en esta etapa, es donde entra el guitarrista Alex Sánchez. También ofrecen memorables conciertos de Jazz en España, algo nunca visto en nuestro país.

Y de estas mezclas sale Mi calle, que catapulta a la banda a una fama que no les duró lo que merecían. La canción es el germen del rock duro hecho en España y esta revestida de un épico texto que habla sobre la marginalidad. La canción según los miembros del grupo esta inspirada en la Calle del Robador de Barcelona, sin embargo puede aplicarse a cualquier otra calle de la gran ciudad puede ser intercambiable a cualquier nombre de cualquier ciudad. Pobreza, miseria, niños descalzos sin salud, viviendas demacradas, tabernas de mala reputación quedan reflejadas. Magnifico el poderoso fraseo con los vientos que aportan elegancia a un bajo magistral. El estribillo acelera con una batería imponente y unos coros inolvidables completan la obra maestra.

Disco de la semana 270: Guitarras Callejeras, Pata Negra

No creo que haya, en el panorama musical español, un disco con pasajes de guitarra tan densos, virtuosos y, como su propio nombre indica, tan callejeros como los de Pata Negra en Guitarras Callejeras (1986). Tampoco hay en la discografía de los hermanos Amador un disco de las características y la particularidad de esta obra. Concebido y grabado en 1979 como una serie de sesiones en las que daban rienda suelta a la innovadora técnica de tocar blues con guitarras flamencas y púa, no fue hasta 1986, y tras la publicación de dos discos de estudio con Universal - Pata Negra (1981) y Rock gitano (1983) - cuando Raimundo y Rafael se decidieron a publicar esta pequeña rareza con la discográfica Nuevos Medios. Y mira por dónde, la pequeña curiosidad que pensaban serían sus "Guitarras Callejeras" es para muchos su mejor disco.

Me incluyo entre esos muchos, porque sin ser un gran aficionado al flamenco rock o a la fusión del blues y el rock con el arte gitano, disfruto a menudo de un disco cuya escucha pasa volando y te deja con una gran sonrisa de admiración y satisfacción en el rostro cuando ha terminado. Y todo ello es culpa, principalmente, de la música de dos guitarras entrelazadas y absolutamente desbocadas, de las que emana a borbotones el intenso mestizaje de una música que proviene, a partes iguales, los oscuros callejones de su Sevilla, y de las icónicas carreteras de la ruta 66 y las fértiles orillas del Mississipi.

La paleta de estilos de Pata Negra es tan amplia, que se atreven con un corrido mexicano en el arranque con Juan Charrasqueado (un personaje y una canción que emparentan con el Hey Joe de Jimi Hendrix, pero que lo superan en intensidad y espíritu canalla), o a superar con nota una versión desnuda y acústica de Los managers, con el mismo desparpajo con el que se lanzan a los brazos del rock and roll en las excelsas Pata Palo o Rock del Cayetano, que poco después fue versionada por Los Ronaldos.

Las letras son por momentos afiladas y ocurrentes, como en la certera postal del extrarradio y la mala vida que es Ratitas Divinas, pero no pasan de ser un acompañamiento a las auténticas protagonistas del disco: Las guitarras, descarriladas e imparables, dibujando paisajes llenos de energía y colorido, en una enorme demostración de descaro y poderío callejero. Por eso no se echan en falta los versos, en instrumentales de la talla de Morao Mellizo o La Pata Negra. No es que sobren las palabras, es que es difícil cantarlas al unísono cuando te has quedado literalmente boquiabierto.

Habrá voces, más entendidas en la materia, que prefieran discos más trabajados y producidos como el célebre Blues de la frontera’ (1987), pero yo lo tengo muy claro. No llego a tanto, y la frontera para mí queda demasiado lejos. Prefiero perderme en los serpenteantes callejones de una obra tan intrincada como directa, tan desnuda como exuberante. Yo no me subo todavía, yo me quedo en la calle, que aún es pronto para recogerse, y me parece oír unas guitarras a lo lejos.

1 artista, 3 canciones: The Supremes

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.

THE SUPREMES

Formado en Detroit en los años 60 por unas adolescentes, The Supremes se convirtieron en el grupo más grande de Motown de los años 60 y el "grupo de chicas" más exitoso de todos los años 60. Originalmente llamadas Primettes, el grupo estaba formado por Diane Ross, Florence Ballard, Mary Wilson y Betty McGlown (luego reemplazada por Barbara Martin, quien dejó el grupo como un trío por 1964). Se juntaron en 1959 y pronto hicieron realidad el sueño de muchos habitantes de Detroit, ser contratados por el nuevo sello musical Motown.

El éxito tardo en llamar a su puerta, durante el periodo comprendido entre 1962 y 1964, las Supremes lanzaron una serie de sencillos sin éxito, trabajando con diferentes compositores y vocalistas principales alternos. Barbara Martin que estaba embarazada, dejo el grupo y redujo la formación a un trío, y tras sugerencia de Gordy, Ballard fue reemplazada como la vocalista principal habitual del grupo por Diana Ross. En 1964, Gordy los unió a Holland-Dozier-Holland y publicaron "Where Did Our Love Go”, al fin dieron con la tecla, la canción alcanzó el número 1 en las listas de Pop y Soul y marcó el camino para el éxito del grupo durante la próxima media década, la formula era publicar una serie de sencillos engañosamente simples y pegadizos donde destacaba la voz tenue de Ross y los coros cantados de Ballard y Wilson. El grupo lanzó cinco sencillos #1 consecutivos en el siguiente año, incluidos "Baby Love", "Stop! In the name of love”, “Come See About Me” y “Back In My Arms Again. Todos estos sencillos giraban en torno a ritmos insistentes, muy bailables, con letras y melodías repetitivas, que no suponían un gran esfuerzo para la frágil voz de Ross. Con su aspecto de chicas de al lado y su comportamiento encantador y poco sofisticado, The Supremes se convirtieron en modelos a seguir para los jóvenes estadounidenses negros. El magnetismo de Ross en el escenario y la creciente obsesión personal de Berry Gordy con ella, la llevaron a convertirse en la primera entre iguales, y en 1967 el grupo fue rebautizado como "Diana Ross & the Supremes", con las talentosas Wilson y Ballard en un desafortunado segundo plano. Aquello afecto a las dos integrantes del grupo que estaban siendo eclipsadas, Florence Ballard se había vuelto cada vez más infeliz en el papel secundario al que Berry Gordy la había enviado, y su comportamiento ocasionalmente errático y problemático se usó como un excusa para obligarla a salir del grupo, fue reemplazada por la ex Bluebell Cindy Birdsong. En 1967 se iba a producir un hecho que iba a tambalear el camino de éxito de The Suprems, Holland-Dozier-Holland dejaron la Motown para formar su sello Invictus y The Supremes se quedaron sin sus exitosos compositores. Aun asi durante los siguientes dos años, el grupo continuó publicando éxitos (aunque también algunos fracasos) con escritores de The Motown como Ashford & Simpson, incluidos "Love Child" y "The Happening". A pesar de la creciente fricción dentro del grupo, las Supremes eran más grandes que nunca y habían conquistado tanto Las Vegas como la televisión. En 1968 también formaron equipo con The Temptations, y su dúo "I'm Gonna Make You Love Me" se convirtió en un éxito instantaneo.

Diana Ross dejo el grupo e inicio su carrera en solitario, fue reemplazada por Jean Terrell, hermana del boxeador de peso pesado Ernie Terrell. La nueva formación, con Terrell y Mary Wilson alternando las funciones vocales principales, obtuvo un éxito inmediato con "Up The Ladder To The Roof" a principios de 1970, y con "Stoned Love", el mayor éxito del grupo en el Reino Unido durante cuatro años, revivió recuerdos de sus primeros éxitos con su base rítmica y gancho repetitivo. The Supremes también intentaron revivir la atmósfera de sus grabaciones anteriores con Temptations , en esta ocasión con una serie de álbumes junto a Four Tops. Gradualmente, su impulso se fue perdiendo, y cuando Motown cambió su centro de actividad de Detroit a California, las Supremes se quedaron atrás. El último éxito del grupo con Ross, el conmovedor "Someday We' ll Be Together”, fue un “testamento” muy apropiado para una de los grupos de Soul más exitoso de todos los tiempos.

Pasados los años comprobamos como la luz de las Supremes ardió como un cometa, brillando increíblemente brillante y breve, y aunque sus éxitos masivos de 1964 a 1969 no han envejecido tan bien como el trabajo The Temptations de ese período, en cualquier medida todavía deben ser considerados como uno de los mayores éxitos del pop/soul de esa época y del grupo: Diana Ross, Flo Ballard, Mary Wilson y Cindy Birdsong, fueron las prtoagonistas uno de los grandes grupos de Soul de todos los tiempos.

VOTACIONES

1.- You keep me hangin' on: Diana Ross combina la intensidad de la música con una de sus interpretaciones vocales más poderosas, mientras que Mary Wilson y Florence Ballard brindan su presencia habitual, la cancion sirvió como una especie de puente entre el pop inmaculado de los primeros éxitos de Motown y los sonidos más duros de la música soul de finales de los sesenta. cuenta la historia de un 'homme fatal', que atormenta sádicamente a una mujer sensible que en realidad no quiere, un tema fascinante para una canción pop.

2.- You can´t hurry love: Diana Ross está describiendo cuánto anhela el amor y, en su propia impaciencia, le pide consejo a su madre, presumiblemente anticipando algo concreto y satisfactorio al instante, pero su madre no quiere decepcionarla con cuentos de hadas y promesas de pociones de amor u otros. soluciones de aceite de serpiente, fingiendo que sabe exactamente lo que se necesita para encontrar el amor, por lo que en cambio es completamente honesta: "no puedes apurar amor, solo tienes que esperar, el amor no es fácil, es un juego de dar y tomar, tienes que confiar y darle tiempo sin importar cuánto tiempo tome”.

3.- Where Did Our Love Go: Fue la primera canción de The Supremes en encabezar las listas pop estadounidenses, una hazaña que el grupo lograría una docena de veces, incluso con los cuatro sencillos consecutivos lanzados después de este. Aunque relativamente simplista en su construcción, la pista de 1964 es una pieza inmaculada de perfección pop.

0462.- Shapes of Things - Jeff Beck

 

Shapes of Things, Jeff Beck

     En 1968 se produce el debut del guitarrista inglés Jeff Beck con Truth. Este álbum debut es publicado por el sello discográfico EMI, subsidiario de Columbia Records, en Reino Unido y por el sello Epic records en Estados Unidos. Después de dejar The Yardbirds, Jeff había publicado tres sencillos en solitario, y todos habían tenido una gran recepción en las listas de ventas del Reino Unido. Animado por este hecho, decide publicar su primer álbum de estudio, y para ello cuenta con Rod Stewart en la voz principal, Ronnie Wood al bajo, y Micky Waller a la batería.

El disco es grabado entre los estudios Abbey Road, Olympic y De Lane Lea, todos de Londres, entre el 14 y el 26 de mayo de 1968. Incluido en este álbum debut se encuentra el tema Shapes of Things, el cual no era nuevo, pues la canción ya había sido grabada por el mismo Jeff Beck junto con The Yardbirds. La canción había sido publicada en 1966 por el grupo, y presentaba un sonido oriental, un sólo de guitarra cargado de un efecto de ganancia llamado retroalimentación. y unas letras en pro del medioambiente y en contra de la guerra. De hecho este tema está considerado por muchos expertos en la materia como uno de los primeros temas de rock psicodélico. El tema fue escrito y compuesto por los componentes del grupo Jim McCarty, Keith Relf y Paul Samwell-Smith. Jeff Beck decidió grabarla de nuevo en su álbum debut en solitario, y para ello realizó nuevos arreglos. El tema con estos nuevos arreglos fue considerado como uno de los precursores del género heavy metal, y ha sido incluida en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" de "Las canciones que dieron forma al Rock and Roll".

0461.- Daydream Believer - The Monkees

0461 - Daydream Believer - The Monkees

John Stewart escribió "Daydream Believer" como la tercera de una trilogía de canciones sobre la vida suburbana, recordando: "Recuerdo que me fui a la cama pensando: 'Qué día más perdido, todo lo que he hecho es soñar despierto'. Y a partir de ahí escribí toda la canción. Nunca pensé que fuera una de mis mejores canciones. En absoluto".

La canción fue rechazada por We Five y Spanky and Our Gang. Mientras asistía a una fiesta en la casa de Hoyt Axton en el Laurel Canyon de Hollywood, el productor Chip Douglas le dijo a Stewart que ahora estaba produciendo a los Monkees y le preguntó si tenía alguna canción que pudiera funcionar para el grupo. Stewart ofreció "Daydream Believer" La canción se grabó durante las sesiones para el álbum de los Monkees de 1967 Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd., pero finalmente se incluyó en su álbum de 1968 The Birds, The Bees & the Monkees. 

Los cuatro Monkees aparecen en el tema; además de la voz principal de Jones, Michael Nesmith toca la guitarra principal, Peter Tork toca el piano y Micky Dolenz hace los coros. Tork creó la introducción al piano, y el arreglo orquestal fue creado por el trompetista y compositor de jazz Shorty Rogers, que incluyó la misma frase de siete notas que precede al estribillo y que se puede escuchar en "Help Me, Rhonda" de los Beach Boys.

Daydream Believer como hemos dicho es una canción compuesta por el compositor estadounidense John Stewart poco antes de dejar el Kingston Trio. Fue grabada originalmente por The Monkees, con Davy Jones como cantante principal. El sencillo alcanzó el número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos en diciembre de 1967, donde permaneció durante cuatro semanas, y llegó al número 5 en la lista de singles del Reino Unido. Fue el tercer y último éxito número 1 de The Monkees en Estados Unidos.

Daniel 

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