Canciones que no soporto: My Sharona, The Knack

My Sharona, The Knack (1979)

     The Knack y su tema My Sharona, dejando la calidad del tema a parte que lo tiene y mucho, es otro claro ejemplo de cómo las emisoras de radio consciente o inconscientemente, a base de fusilar indiscriminadamente un tema a todas horas, pueden llegar a generarnos una sensación de hastío, repulsa y cansancio hacia éste.

     The Knack fue un grupo fundado en Los Ángeles, California (Estados Unidos) a finales de los años 70, formado en sus inicios por Doug Fieger (vocalista), Berton Averre (guitarra), Prescott Niles (bajo) y Bruce Gary (percusión), sus estilos musicales fueron desde el New Wave, pop, power pop hasta el pop rock, aunque también tantearon más estilos cómo el punk, el hip hop y el heavy metal.

En 1979 publicaron su primer álbum, de título Get the Knack, un disco con el que alcanzaron la fama de forma inmediata, ocupando el puesto número 1 en las listas de ventas durante 6 semanas y consiguiendo doble disco de platino en ventas. 

     Y gran parte de culpa del éxito de éste disco la tiene uno de los temas que contiene éste, My Sharona, el cuál como sencillo alcanzó el puesto número uno en la famosa lista de Billboard Hot 100, y además alcanzó el disco de oro tan sólo 8 semanas después de su publicación.

Ooh, my little pretty one, my pretty one

When you gonna give me some time, Sharona

Ooh, you make my motor run, my motor run

Got it coming off o' the line, Sharona

Never gonna stop, give it up, such a dirty mind

I always get it up, for the touch of the younger kind

My, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-my Sharona

Come a little closer, huh, a-will ya, huh?

Close enough to look in my eyes, Sharona

Keeping it a mystery, it gets to me

Running down the length of my thigh, Sharona

Never gonna stop, give it up, such a dirty mind

I always get it up, for the touch of the younger kind

My, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-my Sharona

M-m-m-my Sharona

When you gonna give to me, a gift to me

Is it just a matter of time, Sharona?

Is it d-d-destiny, d-destiny

Or is it just a game in my mind, Sharona?

Never gonna stop, give it up, such a dirty mind

I always get it up, for the touch of the younger kind

My, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-m-m-m-m-my, my, my, aye-aye, whoa!

M-m-m-my Sharona

M-m-m-my Sharona

M-m-m-my Sharona

M-m-m-my Sharona

Ooooooo-ohhh, my Sharona

Ooooooo-ohhh, my Sharona

Ooooooo-ohhh, my Sharona

    El tema está compuesto por Doug Fieger y Berton Averre. Berton se encargó de componer la música, la cuál que incluye ese famoso y mítico riff de guitarra, y de la letra se encargó Doug. 

Para la composición de la letra Doug se inspiró en una chica a la que vió por primera vez en una tienda de ropa. Doug entró en dicha tienda de ropa con su novia con la que por entonces mantenía por entonces una seria relación, entonces se fijó en una chica que trabajaba allí y de la cuál quedó prendado al instante. Esa chica se llamaba Sharona Alperin y por entonces estudiaba secundaria, y Doug no perdió la ocasión, y aunque estaba su novia delante se acercó  Sharona y la invitó a un concierto de su grupo The knack, Sharona aceptó y se presentó a aquel concierto con su novio. 

Poco después de aquello Doug dejó su relación con su novia, y a pesar de que él tenía ocho años más que ella consiguió que Sharona saliera con él, manteniendo ambos una relación que duró unos cuatro años, justo cuando la vida de Doug estaba entrando en una espiral de rock, drogas y alcohol. No obstante Sharona y Doug mantuvieron su amistad hasta la muerte de este en 2010 a causa de un cancer de pulmón. 

Es la propia Sharona la que posa en la portada del sencillo My Sharona, aunque por entonces todavía no estaban saliendo con Doug.

     En un momento dado me llegue a plantear la posibilidad de que My Sharona fuera el único tema que The Knack habían publicado en su historia, pues no, este grupo de Los ángeles tienen unos cuantos discos más aparte del ya famoso sencillo incluido en su álbum debut Get the knack, algo de lo que las emisoras de radio parecen no haberse dado cuenta...........

La música en historias: Los Rolling Stones en Jacksonville

The Rolling Stones en concierto (1965)

     Corría el año 1965, y a Ronnie, que por entonces ya contaba con 17 años, ya se le había pasado por la cabeza en numerosas ocasiones la posibilidad de no sólo dedicarse por entero a la música, sino también a vivir de ella. Por eso cuando se enteró que los Rolling Stones, dentro de su primera gira americana que se encontraban realizando por tierras canadienses y estadounidenses, iban a tocar en el estadio Coliseum de su Jacksonville natal (Florida, Estados Unidos) no se lo pensó dos veces. 

     El 8 de mayo de 1965 Ronnie se acercó al Coliseum de jacksonville junto con un amigo para ver a los Rolling Stones. Meses atrás, concretamente el 11 de septiembre de 1964 ya habían tocado los mismísimos Beatles en el Gator Bowl (estadio de fútbol americano de la ciudad) ante nada menos que unos 20.000 espectadores enloquecidos.

     Aquella tarde de mayo se habían congregado unas 8.000 personas para ver a Jagger y compañía, y de aquella experiencia Ronnie sacó varias conclusiones, aquellos chicos no vestían uniforme ni parecían señoritos como los Beatles, y no llevaban el pelo corto, lo tenían más bien largo, también le causó impresión la forma de moverse de los Stones, esa pasión y ese desenfreno que aplicaban en el escenario. El sonido de aquellos chicos también le impresionó sobremanera, ese rock directo de los chicos de Londres le dejó maravillado.

     Aquel concierto marcó un antes y un después tanto en Ronnie como en banda, siendo los Rolling Stones una de las influencias de las que se nutrirían. Y como la vida da muchas vueltas, poco podía imaginar que Ronnie Van Zant y sus amigos, con su grupo Lynyrd Skynyrd acabarían tocando unos años después, concretamente en 1975 en el mismísimo Gator Bowl de su ciudad natal siendo teloneados por 38 Special (banda de Donnie Van Zant, hermano de Ronnie) y por los mismísimos Rolling Stones, esos que años atrás, en 1965 había descubierto y que tanto le marcarían. 

Y por si fuera poco, dicha experiencia volverían a repetirla en 1976 cuándo serían ellos esta vez los que telonearían a los Rolling Stones, pero esta vez en Inglaterra y ante nada menos que unas 250.000 personas.

Cartel Rolling Stones y Lynyrd Skynyrd

El disco de la semana 135: Radio futura.- La cancion de Juan Perro

En un baile de perros

Empieza como un rock and roll pero rápidamente se mezcla con Blues los instrumentos de viento y el teclado aletea durante los tres minutos, en un tema ideal para bailar, que nos da un calesdocopio que nos vamos a encontrar durante las 10 canciones. Un comienzo de gran calidad.

El hombre de papel

Un tema de apariencia sencilla, aunque de indudable calidad, en tan solo 2 minutos y medio y con una cadencia entre cansina y lamentosa nos desgrana la historia de un pobre hombre que trata de sobrevivir en sus circunstancias acompañada de unas cálidas notas de guitarra.

Era un hombre de papel

Era un juguete del viento

Que en el cielo de la ilusión hallo su propio infierno.

Y al llegar la madrugada laberinto de intensidad

En la esquina morada de la mano de soledad.

A cara o cruz

Dos temas cortos con un estilo completamente rockero clásico que gira en este tema de más de cinco minutos, donde Radio Futura da rienda suelta al estilo que marcara a este álbum, el denominado Rock latino con historias corrientes en lugares comunes dentro del marco de la España profunda e interior. Acompaña a este tema falsetes mágicos, una letra entre filosófica, callejera y burlona, una acertada mezcla de estilos, y sobre todo esa pegadiza melodía.

Esta noche hay rock and roll vecino

pero ha empezado a llover

los del grupo ya están en camino y

y no sabemos que hacer vamos a ver

Pues vamos a ver dijo Don Rufio Datura

porque tenéis que perder la razón

pues sin esfuerzo consigue Natura 

lo que ansía vuestro corazón

No esperes hoy la tormenta de ayer

no duran siempre las penas de este infierno

y aunque el azul del cielo no es eterno

hasta mañana no vuelve a llover

La canción surgió cuando el grupo fue a actuar a la plaza de toros de Molina de Aragón: “Llovía muchísimo, pero un paisano con la boina hasta las cejas y un pito en los labios insistía en que no llovería más. Es el personaje al que llamamos Don Rufio Datura en la letra, que, curiosamente, está escrita con la estética de carretera de la literatura estadounidense”.

La lluvia del porvenir

Tema inspirado en la obra de Juan Rulfo, «Pedro Páramo», en ella se relata la historia del pueblo de Comala poblado de fantasmas que envenan el aire, es uno de los temas más conocidos de Radio Futura, y su letra está plagado de un lirismo grandioso, suponen un homenaje al Realismo Mágico latinoamericano. Suma de rock y poesía, Lluvia del porvenir es un bello canto de esperanza para los que quieren empezar de nuevo.

Ella entiende lo que yo no sé decir

y ahora renace mi orgullo guerrero.

Su pureza me conmueve tanto

como la extraña libertad de sus costumbres.

Y sale del agua con un cuerpo nuevo

sin memoria para los dos.

La negra flor

Historia de amor y prostitución con tintes de reggae jamaicano mezclado con pop, uno de los iconos de Radio Futura que tuvo si continuación con Paseo con la negra flor. Pero además de esa historia de amor es una declaración de amor a la ciudad con la que siempre se han sentido muy unidos e identificados.

Y al final de la Rambla

Me encontré con la negra flor

Que creció tan hermosa

De su tallo enfermizo

Y al final de la Rambla

Me encontré con la negra flor

¯ ¿Dónde vas negra rosa

me regalas tu amor?

37 grados

Fue el primer sencillo extraído del álbum, una canción de rock latino fronterizo, con una poderosa letra y onírica que te lleva directo a encontrarte en medio de una historia que te hace volar la cabeza.

Annabel Lee

El álbum oscurece y se vuelve misterioso con este magnífico tema, una canción inspirada en el poema homónimo de Edgard Allan Poe, el amor adolescente toma el control de la canción

acompañado de fantasmas, espíritus y dolor. Es la canción que menos tiene que ver con el conjunto del disco, un proyecto ambicioso y apoyado en un videoclip que el grupo grabó dentro de las producciones del programa de TVE “La Bola De Cristal”, con Santiago Auserón comportándose como un noble que reside en su mansión y con Kike Sierra y Luis Auserón convertidos en “ángel del cielo y demonio del mar”, jugando una peculiar partida de ajedrez. El sonido de la canción es rotundo, con algunas notas de guitarra afiladas en las partes instrumentales sencillamente increíble, que también se apoya en una orquestación de teclados fabulosa.

Luna de Agosto

Volvemos al comienzo del disco y aquí se marcan una parte instrumental que se convierte en es uno de los grandes momentos del álbum.

Luna de agosto

perla madura del cielo

vengo a buscar tu consuelo

luna de agosto.

En otros ojos de agua más clara

quería mirarme

mas siempre vuelvo a buscar tu sonrisa

de sorna cruel.

La mala hora

Con este tema nos movemos en un blues de manual, con un protagonismo absoluto del piano que arranca los mejores momentos de la canción

El canto del gallo

Y llegamos al fina y es imposible no terminarla con una gran sonrisa, porque de canción hemos pasado a una micro-novela costumbrista, donde nos cuenta, con ciertos aires Lorquianos una historia de fatalidad y enfrentamiento en un pueblo perdido en la meseta. El canto del gallo trata sobre un pobre músico bohemio que va interpretando sus canciones en las fiestas de cada pueblo, animando así a la gente. Esta canción muestra un claro cuadro rural, con esos sonidos medio charangueros y pueblerinos, que solamente Radio Futura supo llevar a ejecución sin la obviedad de caer en el sonrojo o en la vergüenza ajena.

El músico ambulante se agarró del vaso

y sintió que flotaba en la luz artificial

apuró el trago de madrugada

un borracho imitaba el canto del gallo.

Se deslizó por una callejuela

antes de que empezase a clarear

y al pasar por la ventana enrejada

suavecito empezó a silbar.Pero nadie conocía la tonada

que era inventada para la ocasión

y se fue por el camino a contemplar

los desvelos de las ultimas sombras.

Historia del rock and roll: 5.- Chuck Berry y Little Richard

El rock and roll acaba de nacer y vamos a dedicar este articulo a dos de los grandes de este inicio, dos autores que han quedado como referente para las siguientes generaciones

En 1955 comenzó Chuck Berry su carrera al estrellato, en 1956 lanzaría su archiconocida canción "Roll over Beethoven", y trata sobre la locura del rock 'n' roll que se estaba apoderando de América. Beethoven y Tchikovsky eran compositores clásicos que estaban siendo apartados por el rock. En ese momento, muchos críticos descartaron la música rock como una moda pasajera.
En 1957 lanza "School Day", la canción habla de la vida de la escuela secundaria en los años 50. Los adolescentes fueron el público objetivo de la mayoría de la música rock en esa época, y Berry, de 30 años cuando escribió la canción, sabía que podía vender muchos discos al atraer a esta multitud. Los días escolares no habían cambiado mucho desde que estuvo allí, por lo que su historia sobre cómo superar el agitado día mientras pensaba en bailar y estar con su chica aún era relevante.

Tambien en ese año lanza "Rock And Roll Music", versionada posteriormente por grupos como The Beach Boys o The Beatles, el tema habla sobre un chico que solo bailará al rock and roll. Es una de varias de las canciones de Berry donde expresa fidelidad al género, que ayudó a crear. El distintivo riff de guitarra que creó en la pista influyó en muchas de las pistas de rock posteriores. En Enero de 1958 publica la canción habla de una chica que le encanta el rock and roll y cuando cumple 16 años pide a sus padres que la dejen ir a un concierto. Los Beach Boys usaron la melodía de esta canción en su éxito de 1963 " Surfin 'USA ". Berry obtuvo el crédito de composición en la canción de Beach Boys a mediados de la década de 1970 como resultado de una demanda amenazada.

Pero el pelotazo absoluto fue "Johnny B. Good", a todos os sonara ya que es muy celebre su aparición en la película de 1985 Regreso al futuro . El personaje de Michael J. Fox se remonta en el tiempo y lo reproduce ante una multitud aturdida mientras Marvin Berry observa. Marvin llama a su primo, Chuck, diciendo que cree que ha encontrado el nuevo estilo que está buscando, luego apunta el teléfono para que capte la mayor parte de la música que proviene de Marty McFly. Esta escena produjo una línea clásica cuando McFly aparece en el escenario y le dice a la banda: "Es un riff de blues en B, mírame los cambios y trata de seguir el ritmo". En 1977, la NASA envió una copia de esto en la sonda espacial Voyager como parte de un paquete destinado a representar lo mejor de la cultura estadounidense. Algún día, los alienígenas podrían encontrarlo y descubrir a Chuck Berry. La canción está basada en la vida de Berry. Cuenta la historia de un niño con comienzos humildes con talento para la guitarra.
En 1959 lanza "Back in the U.S.A." de nuevo un riff al comienzo de la canción, muy similar a otra canción de Berry, " Roll Over Beethoven ". La canción habla de la felicidad que le produce estar de vuelta en casa en América. Las ciudades de Nueva York, Los Ángeles, Detroit, Chicago, Chattanooga y Baton Rouge reciben una mención, pero lo que mas feliz le hace es ver su "hogar en el viejo St. Louis". Berry estaba de gira en Australia antes de grabar la canción. Paul McCartney se inspiró en este tema para escribir su "Back in U.R.S.S."
En 1964 con "You Never Can Tell" vuelve Berry al éxito absoluto después de ser liberado de la prisión en 1963 tras cumplir 20 meses por "transportar a una mujer menor de edad a través de las fronteras estatales con propósitos inmorales". Berry había conocido a una niña de 14 años en México, a quien trajo de regreso a St. Louis para trabajar en su club nocturno. Una de las características de esta cancion es que el control lo toma el piano y el saxofón, siendo casi anecdotico el sonido de guitarra. En 1994 suena en la película de Quentin Tarantino, Pulp Fiction, ya que esta canción fue utilizada en la escena donde Uma Thurman y John Travolta bailan en el concurso de giros en Jack Rabbit Slim's siendo una de las escenas mas míticas de la película.

Otro de los grandes de aquella época es Little Richard, natural del Nueva Orleans, en 1953 formo un grupo, The Upsetters pero no encontraban la formula del éxito y viendo que su carrera está estancada, decide en 1955 enviar una maqueta a Specialty Records. Seis meses más tarde llega la respuesta de Specialty para una sesión de grabación en Nueva Orleans, con la condición de que acepte dejar a su grupo para ser acompañado por músicos de prestigio, fue allí donde improviso la canción de "Tutti Frutti", con uno de los estribillos mas famosos del rock and roll .
Era una canción de fuerte contenido sexual y se consideraba demasiado sugerente para las audiencias blancas, por lo que se arregló considerablemente cuando la grabó para Specialty Records. Esta canción introdujo el famoso "Whooooo" de Little Richard, y también un gran grito "Aaaaaaahhh" que canta justo antes del tenor saxo solo de Lee Allen. El grito de Richard tenía un propósito práctico: hacerle saber a Allen cuándo empezar a jugar. También puedes escuchar la frase mítica de Richard en esta canción, el "A wop bop a lu bop, a wop bam boom!" Que la creo porque sentía que podía expresar sus emociones sin cantar palabras reales. Esta canción fue una gran influencia para muchas estrellas de rock aspirantes, pero tuvo un significado especial para David Bowie, ya que fue la primera canción de rock que escuchó. El padre de Bowie, quien dirigía una sala de conciertos de Londres, trajo el disco a casa cuando David tenía 9 años. "Mi corazón casi estalla de emoción", dijo Bowie. "Había oído a Dios".
Otro de sus exitos fue "Rip It Up", escrita por Robert Blackwell y John Marascalco. Fue lanzado por primera vez por Bill Haley & His comets y Little Richard a la vez en 1956, pero fue la versión de Little Richard, con ese toque tan particular la que alcanzó el número uno en las listas de R&B Best Sellers, duro en ella dos semanas y alcanzó el número diecisiete en la lista pop.
"Long Tall Sally" fue otro de sus éxitos en 1957, la canción fue escrita según los recuerdos del propio Richard, explicó que Sally era una amiga de la familia que siempre estaba bebiendo whisky; ella afirmaba que tenía un resfriado y bebía bebidas calientes todo el día. Él la describió como alta y fea, con solo dos dientes y desvergonzada. Es quizás el gran éxito de publico de Little Richard.
En marzo de 1957 publica "Lucille", la letra nos habla del desconsuelo por la marcha de su “amada” y como clama porque vuelva aunque ya esté casada y feliz como una perdiz. La música arranca con un ritmo acelerado de piano, sección de viento, bajo, guitarras y batería con esa voz frenética, ronca con gritos agudos del solista. El interludio musical lo realiza el saxo.

Canciones que nos emocionan: T.N.T., AC/DC

Portada álbum T.N.T (editado sólo en Australia)

     Para esta ocasión traigo un tema de una de mis bandas fetiches, AC/DC, el tema en cuestión es T.N.T un verdadero petardazo de esos que nos suben la adrenalina y hace que el pulso se nos acelere como si el mismísimo demonio hubiera venido a visitarnos.

     AC/DC se crea en 1973 de la mano de los hermanos Young, y ya en en 1975 publican su primer disco de larga duración, de título High Voltage, un disco que graban en tan sólo diez días y que básicamente se trata de diez temas dónde la composición de la letra corrió a cargo de Angus y Malcolm Young, y la letra a cargo de Bon Scott.

A finales de 1975, la formación, que está compuesta por Malcolm y Angus young a las guitarras, Bon Scott como vocalista, Mark Evans al bajo y Phil Rudd a la batería, publican el que sería su segundo lp publicado también sólo en Australia. Más tarde, a comienzos de 1976 y bajo el sello Atlantic Records publican el álbum High Voltage para el resto del mundo, dicho disco eran temas escogidos de sus dos primeros discos editados sólo en Australia.

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi

Oi, oi, oi

See me ride out of the sunset

On your color TV screen

Out for all that I can get

If you know what I mean

Women to the left of me

And women to the right

Ain't got no gun

Ain't got no knife

Don't you start no fight

'Cause I'm T.N.T. I'm dynamite

T.N.T. and I'll win the fight

T.N.T. I'm a power load

T.N.T. watch me explode

I'm dirty, mean and mighty unclean

I'm a wanted man

Public enemy number one

Understand

So lock up your daughter

Lock up your wife

Lock up your back door

And run for your life

The man is back in town

Don't you mess me 'round

'Cause I'm T.N.T. I'm dynamite

T.N.T. and I'll win the fight

T.N.T. I'm a power load

T.N.T. watch me explode

T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

I'm dynamite (oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

And I'll win the fight (oi, oi, oi)

T.N.T. (oi, oi, oi)

I'm a power load (oi, oi, oi)

T.N.T.

Watch me explode

     Tanto en la edición australiana del álbum T.N.T cómo en la edición internacional del disco High Voltage aparece el tema T.N.T, un tema que fue compuesto por los hermanos Young y por Bon Scott, y la letra hace alusión al típico chico malo, el cuál es puro T.N.T (trinitrotolueno), el terror de todos los hombres e irresistible para todas las mujeres. 

La edición internacional de High Voltage tuvo muy buena acogida en Europa, pero no tanto en Estados Unidos donde se encontró con más dificultades, la revista Rolling Stone llegó a realizar una voraz crítica de éste álbum, algo que en ese momento mucho no ayudó.

La grabación del disco es AC/DC en estado puro, con un sonido muy crudo, directo y enérgico, el cuál fue suavizado en la producción por el famoso productor Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm) los cuáles eran en ese momento miembros del famoso grupo The Easybeats. 

T.N.T es uno de los temas que más me gustan de ellos precisamente porque define perfectamente lo que es AC/DC y su identidad, con ese sonido rock crudo y salvaje y esas letras de chicos malos. 

Edición internacional de High Voltage (1976)

Canciones que nos emocionan: Las 5 de los Rolling Stones

La portada del disco "Love you live" (1977) de los Rolling Stones siempre me ha cautivado desde muy pequeño. Así como no hay que juzgar a un libro por su cubierta, siempre me he dejado llevar por las buenas portadas, aunque no siempre detrás se ocultara un gran disco. En ésta en concreto, aparece Mick Jagger mordiendo enérgicamente la mano de alguien. La postura de la mano es extraña, recuerda al gesto de la realeza de acercar la mano para que sus súbditos la besen, pero en ese caso no esperan encontrarse con un mordisco de semejante magnitud.

¿Estaba Mick mordiendo la mano que le daba de comer, en un gesto de rabia y rebeldía acorde con su título de Satánica Majestad? No pude asegurarlo, así que lo aparté de mi mente y me centré durante años en otras preocupaciones más mundanas. Siendo ya menos pequeño, por fin el vinilo de "Love you live" cayó en mis manos y, para mi asombro, descubrí que en la parte interior el resto de miembros de los Rolling Stones aparecían también mordiendo otras partes del cuerpo de alguien, en una especie de collage "pseudo caníbal".

De nuevo ante la falta de una explicación coherente a lo que esas imágenes me evocaban, dejé de preocuparme al respecto hasta hace tan solo una semana, cuando en @7dias7notas decidimos lanzar de nuevo la votación de @las5canciones. En el preciso momento en que, tras una breve deliberación, decidimos que los elegidos serían The Rolling Stones, tuve la necesidad imperiosa de ser yo quién escribiera esta reseña, sometido a una especie de ansia enfermiza y descontrolada por hincarles el diente a estas canciones:

Las cinco canciones de The Rolling Stones

Puesto nº 5, con 54 votos: (I can't get no) Satisfaction

Publicada como sencillo en 1965, e incluida en la versión estadounidense del álbum Out of our heads del mismo año, es uno de los himnos imperecederos de la banda y contiene uno de los riffs más famosos de la historia del rock, pese a que a Keith Richards no terminaba de convencerle y se opuso sin éxito a que fuera single. Fue grabada en los estudios RCA de Hollywood, ya que su composición les pilló en mitad de una gira por Estados Unidos. La letra de Mick Jagger refleja la frustración de un adolescente de los 60 y los temas que preocupaban a su generación, desde la sexualidad al rechazo al sistema capitalista y el orden establecido. Ha sido versionada por muchos grupos, aquí recomiendo especialmente las versiones de Otis Redding y Devo.

 

Puesto nº 4, con 62 votos: You can't always get what you want

Casi en respuesta al "No puedo conseguir satisfacción", habéis votado por el "No siempre puedes conseguir lo que quieres" del disco Let it bleed de 1969. Surgió inicialmente como un tema sencillo y acústico compuesto por Jagger con la guitarra, y acabó convirtiéndose en el himno de cierre del disco, engalanada por la colaboración del London Bach Choir que le dió el tono gospel / épico que la hizo memorable. La letra es un compendio de amor, drogas y menciones políticas que describe la desilusión del final de la década de los 60:
"No puedes conseguir siempre lo que quieres, pero si lo intentas, a veces, tienes lo que necesitas"




Puesto nº 3, con 112 votos: Paint it black

Alegato de la desolación y la depresión, que sirvió como himno contra la guerra de Vietnam y que basa su letra en los sentimientos de una persona en lo que parece ser un funeral, con claras influencias del libro Ulysses de James Joyce. Al sonido tan especial de esta canción contribuyeron principalmente Bill Wyman y Brian Jones. Wyman buscó experimentar con sus líneas de bajo, dándole un tono mucho más pesado que en grabaciones anteriores. Brian Jones estaba en aquella época muy influenciado por músicas orientales e instrumentos étnicos, y en concreto su utilización del sitar le da a la canción el toque de sonido diferencial que la hace tan especial. La canción está incluida en el disco Aftermath de 1966, pero solo en su versión estadounidense, en la versión inglesa fue sustituida por Mother's little helper, otro buen tema de la banda pero sin el calado de Paint it black.


Puesto nº 2, con 139 votos: Gimme Shelter

Otro temazo de ese gran disco que es Let it Bleed (1969), que combina la música creada por Keith Richards con la apocalíptica letra compuesta por Mick Jagger sobre guerras, asesinatos y violaciones "a tan solo un disparo de distancia".
La idea de la canción le vino a Keith Richards mirando por la ventana del apartamento de su amigo Robert Fraser en Mount Street (Londres), dónde estaba practicando con la guitarra acústica. El cielo se oscureció y comenzó a llover fuerte, y la gente empezó a correr de un lado a otro "buscando refugio" para no mojarse.
Un tema crudo y brillante, de nuevo con posibles referencias a la guerra de Vietnam, que alcanza su climax con la excelsa contribución vocal de la cantante de gospel y soul Merry Clayton.






Y en el nº 1, con 141 votos, la canción que les bautizó como "Sus Satánicas Majestades"... ¡SYMPATHY FOR THE DEVIL!


Incluida en el disco Beggars Banquet de 1968, e inspirada en la novela "El Maestro y Margarita" de Mijail Bulgakov y en la obra "The Devil and Daniel Webster" de Stephen Vincent Benet, es una carta de presentación del diablo en el momento de descubrirse ante la humanidad, reconociendo todos los crímenes y sucesos históricos que llevaron su firma, desde la crucifixión de Jesucristo o el asesinato de J.F. Kennedy, hasta sus vivencias devastando a su paso al mando de un tanque en la II Guerra Mundial o asesinando a los Romanov mientras Anastasia gritaba en vano.
En el tramo final, en el que son más marcados los ritmos tribales y los coros parecen emular una locomotora sin control, participaron con sus voces Marianne Faithfull y Anita Pallenberg, las novias de Jagger y Richards cuya influencia fue grande en la inspiración y rumbo de muchas de las canciones de la banda.

Cinco grandes canciones, las más votadas, entre las que curiosamente se encuentran solo dos de las canciones que se incluyeron en el directo "Love you live" que acabé comprando. Será otro ejemplo más de lo desacertado de mi tendencia a elegir los discos por su portada, porque el criterio de los votantes está fuera de toda duda, son todas canciones míticas de un grupo tan grande que hasta puede presumir de tener dos nombres... "Sabemos que es solo rock and roll", pero nos encantan "Los Rolling" y disfrutamos con "Los Stones".


Otras de las casi 100 canciones que habéis votado:

6. Wild horses 53 votos
7. Honky tonk woman 52
8. Angie, Brown sugar 50
9. She's a rainbow 49
10. Jumpin Jack Flash 44
11. Tumblin Dice 39
12. Start me up 38
13. Beast of burden, Street fighting man, Under my thumb 36
14. Miss you 35
15. Dead flowers, Sweet Virginia 34
16. Ruby Tuesday 23
17. Mixed emotions 12
18. Anybody seen my baby, Out of control, Rocks off 11
19. It's only rock and roll, Monkey man, Shattered 10
20. Can't you hear me knocking, Let it bleed, Midnight rumbler, Shine a light, Sister morphine 9
21. Let it loose, Memory motel 8
22. 20000 lights year from home, Fool to cry, Get out of my cloud, Let's spend the night together, Out of time, Route 66, Sway 7
23. Love is strong, Stray cat blues, Waiting on a friend, Mother's little helper, Plundered my soul 6
24. All down the line, Emotional rescue, If you can't rock me, Little by little, Thru and thru, Torn and frayed, You gotta move 5
25. Child of the moon, It's all over now, Love in vain, No expectations, Now I've got a witness, Rip this joint, Rock and a hard place, She's so cool, The girl with far away eyes 4...

...Y no seguimos más porque con 3, 2, y 1 voto hay 30 canciones más. Grandes los Rolling Stones y grandes vosotros por enviarnos vuestros votos a @las5canciones

Grupos Emergentes: Tangerine Flavour

Grupos Emergentes: Tangerine Flavour 

La sala El Sol a tope, luego de bajar las escaleras unas 300 almas a la espera de Tangerine Flavour, nosotros nos apresuramos en buscar un lugar privilegiado en primera fila.

Son las 21.30 hs y como el té de las 5 en Londres, el escenario se puebla de 7 integrantes de una banda, Tangerine Flavour sale a escena, puedo ver 3 guitarras, un bajo, un teclado, el batería y una corista, y todo estalla con un tema de country, debo decir que me sorprendió esta banda de primer momento, nunca antes había tenido la oportunidad de ver una banda de country rock delante mío, y la sensación se sintió agradable.

Se sentía que iba a ser una buena noche, porque conocería una nueva banda de rock, de la cual no había escuchado nada aún, y creo que eso fue lo mejor, estaba todo por descubrir.

Desde 7dias7notas apostamos al descubrimiento de nuevos grupos de rock, quizás hoy un vicio cada vez menos frecuente, las grandes cadenas digitales, la música comercial, no ayudan a encontrar nuevos grupos, como lo que descubrimos este viernes por la noche en la sala El Sol en Madrid.

Tangerine Flavour una banda de aquí de Madrid, conformada por 4 integrantes, Pablo Martín (voz y guitarra), Fernando Lima (voz y bajo), Miguel Polonio (voz y guitarra) y Pablo García (batería), entre ellos se ve muy buena química en el escenario, presentan un show con una estética impecable, que hace creer (con perdón) que no fueran de aquí, sino una banda americana de gira por Madrid, y por ser yo un madrileño de adopción, da orgullo saber que Tangerine Flavour han nacido en Madrid y los podemos disfrutar.

Volviendo a la noche del viernes en la sala El Sol, presentaban su disco "No Hard Feelings", un disco de estudio que contiene 11 canciones, que te invito a escuchar, la banda se ha atrevido a un formato de vinilo, con muy buena "pinta" con una tapa muy bien producida y en su interior un LP al menos curioso de color naranja, te dejo debajo para que vayas entrando en calor uno de los temas del disco, que debo decir que me encantó.

Tangerine Flavour - Argentinian Accent

https://youtu.be/2hQmttOWyqg

Y la noche fue pasando muy rápido, eso no es ni más ni menos que sabemos que la estamos pasando muy bien, la banda se fue con un clásico de ellos Crazy Rachel.

Tangerine Flavour - Crazy Rachel

https://youtu.be/50xWpy44w2A

Pero no dejaron con ganas a sus fans, que a esa altura satisfechos pero con ganas de más, Tangerine Flavour se despidió con un bis muy arriba y clásico "Hey Jude" de los Beatles.

Tangerine Flavour han conseguido tener a los integrantes de 7dias7notas como sus nuevos fans, y esperamos volver a verlos, a nuestros seguidores invitarlos a conocer a esta banda que vale la pena y mucho.

Nos queda agradecer como siempre a nuestra amiga Davinia (@davmpinto) que nos enseña que no todo está perdido en la música y lo demuestran estos grandes artistas.

Daniel

Instagram Storyboy

La música en historias: Searching for Sugar Man

Sixto Rodríguez

     Searching for Sugar Man es el título de un fantástico documental producido entre Suecia y Reino Unido y publicado en 2012 que fue premiado con multitud de galardones, entre ellos el Oscar al mejor documental largo ó premio BAFTA entre otros. Hace tiempo Nevermind me adviritió que debía ver este documental pues trataba de un curioso caso real y que no se suele dar mucho, ¿Cómo puede ser que un músico intente abrirse paso en el mundo de la música, no lo consiga (o eso cree) y años después se entere de que ha tenido un rotundo éxito en la otra punta del mundo?

     Sixto Díaz Rodríguez nace en Detroit, Michigan (Estados Unidos) en 1942, de ascendencia mexicana pues sus padres habían emigrado en los años 20 desde México a Estados Unidos.
Su actividad musical comienza en 1967 cuando bajo el nombre de Rod Riguez saca bajo el modesto sello discográfico Impact el sencillo I'll Slip Away. Tras la publicación de este sencillo no aparecería actividad musical suya hasta tres años después, 1970, cuando ficha por la discográfica Sussex Records, cambia su nombre profesional pasando a llamarse Rodríguez y publica dos discos con dicha discográfica, Cold Fact (1970) y Comming from Reality (1971). Debido a la escasa repercusión en ventas y críticas no muy favorables Sixto es despedido de Sussex Records. Este hecho unido al hecho de que consideraba que había fracasado en el intento de triunfar en Estados Unidos hace que renuncie por completo a su carrera musical.

     Sin embargo, curiosamente, lo que sixto no sabía es que sus discos empezaron a venderse y tener éxito a mediados de los 70 en Sudáfrica, Zimbabue, Nueva Zelanda y Australia. Viendo el éxito de Sixto en estos lugares, el sello australiano Blue Goose Music compra los derechos de su catálogo musical para Australia y reedita sus dos álbumes allí más un recopilatorio llamado At His Best, el cuál contenía también grabaciones inéditas de Sixto. En Sudáfrica también crece su popularidad y consigue el disco de platino, todo esto sin el enterarse, convirtiéndose rápidamente allí en músico de culto.

     Todo esto generó que Sixto en 1979 hiciera una gira con conciertos en Australia. De la gira en Australia se edito sólo para ese país un lp en directo llamado Alive (Vivo), un juego de palabras, pues se llegó a extender el rumor anteriormente mientras sin el saberlo y su popularidad crecía de que él había muerto.
En 1991 en Sudáfrica se editan por primera vez sus discos en CD siendo un rotundo éxito en ventas y en 1998 realiza su primera gira por tierras Sudafricanas.

     Durante los siguientes años irían apareciendo más reediciones y presentaciones en conciertos de Sixto en varios países, y en 2012 se estrena el documental sobre la vida y su curioso caso y tardío éxito llamado Searching for the Sugar Man, una producción sueco-británica. Searching for the Sugar Man es un fantástico documental que narra cómo cómo dos fans sudafricanos al escuchar la obra de Sixto Rodríguez y quedar fascinados con ésta se empeñan en averiguar que ha sido de él. Un documental más que recomendable que cuenta con la esperanza, la fe y el poder de la música como hilo conductor.

Searching for the Sugar Man

     

El disco de la semana 134: The Good, the Bad and the Queen

Un artista es su obra. Y el público es soberano. Nunca dos frases hechas tuvieron juntas tanto sentido, como al referirnos a este disco. Ambas son la razón por la que el grupo "The Good the Bad and the Queen" se llama así, aunque realmente ese fuera simplemente el nombre del disco y de la brillante canción que lo cierra, y la banda se creara originariamente sin un nombre.

Ocurrió entonces que, entre todos, decidimos llenar el vacío y la extrañeza que nos producía seguir a una banda sin nombre, y asumimos fácilmente que ellos eran su disco. Un músico es, al fin y al cabo, su obra, así que no se hable más, el público es soberano y Damon Albarn (líder de Blur y Gorillaz), Paul Simonon (bajista de The Clash), Simon Tong (guitarrista de The Verve) y Tony Allen (batería de Africa 70) son "The Good, the Bad and the Queen" desde que en 2007 publicaron su obra maestra histórico - conceptual sobre la vida en un Londres apocalíptico.

Todo el disco gira en torno a la vida de la gente común y corriente en las calles de Londres, viviendo su humilde día a día mientras los políticos les meten en guerras que no han pedido y les niegan las pocas oportunidades de mejora. Las canciones reflejan la melacolía, la desilusión y la añoranza de un futuro mejor que van creciendo poco a poco en las calles. Estamos ante un disco de atardeceres otoñales en los canales y las fábricas de la ciudad, de hastío y desesperación bañados en pintas al calor del pub de la esquina, en el marco de una bella ciudad que se ha visto afeada por el clima, la inundación de drogas en los barrios pobres y la bajeza de sus políticos.

El disco arranca con la sencillez de la repetitiva guitarra y los sonidos de organillos de "History Song", a la que le sigue la nostálgica "80s life", mirada melancólica al pasado por el miedo a la guerra y a un futuro incierto. Musicalmente, tiene un tono más alegre y luminoso marcado por el piano de Damon Albarn y los efectos de sonido que salpican el tema. Ya empieza a dibujarse en nuestra mente el tipo de mundo apocalíptico que nos están presentando, pero es en "Northern Whale" dónde esa imagen se vuelve aún más nítida y potente gracias a la historia de una ballena del Norte que ha quedado varada en las aguas del Támesis. 

Para describir este paisaje sonoro y lírico, nada mejor que las letras de las canciones del disco, lo vemos en "Herculean", la canción que fue single de adelanto de esta espectacular obra:

"Sobre el oscuro canal,
junto a la refinería de gas,
celebrando la marcha de los fantasmas
que aparecen cuando el amor duele
Y el camello pasa por aquí,
todos los días, todas las semanas (...)
Por la mañana, nos lavamos la cara para ir al trabajo,
No hay peligro alguno.
Y todo se vuelve mejor cuando la vida continúa,
es algo más grande que tú, es el estado de bienestar
Seguiremos cantando que no es demasiado tarde para tí"

Ese estado de bienestar impuesto por los medios de comunicación, esas voces apagadas a base de inundar de drogas los barrios en los que pudieran surgir las protestas, se reflejan en lo más profundo de la desesperación del personaje que da voz al "reino de la desesperación" (Kingdom of Doom):



Viernes por la noche, en el reino de la desesperación
los cuervos vuelan a través de la habitación
Sobre todo ahora, hay un sonido en el cielo:
sigue todas las reglas y no preguntes por qué
Y cuando el atardecer del mundo comienza,
convirtiéndose en la noche,
veo todo en blanco y negro y entonces...
Bebo todo el día, porque el país está en guerra.




El disco entra entonces en una zona más sosegada con temas como "Behind the Sun", con cierto toque a Beach Boys pero manteniendo el tono taciturno y melancólico. "The Bunting Song" recupera el halo de misterio y el sabor a canción tradicional, mientras "Nature Springs" vuelve a la línea de guitarras leves y agradables, para romper al final en un amasijo de silbidos, violines y chirriantes efectos. La sencillez y los arreglos de cuerdas de "A soldier's tale" nos traen la esperanza y la defensa de un modo de vida en contacto con la Naturaleza, pero en el fondo ese tipo de vida nunca estará al alcance de los habitantes del reino de la desesperación.

Nadie escapa a la trampa de la rutina de cada día, le ocurre al bueno, al malo y a la reina por igual. Es precisamente en "The good, the bad and the queen" dónde el título de la obra cobra sentido. El sentimiento que intentan transmitir estas canciones puede ser aplicable a cualquier hijo de vecino, y al reconocernos en alguno de sus versos empezamos a vislumbrar la realidad en la que estamos atrapados, la rutina controlada por un gobierno al que le conviene que las drogas mantengan a la masa social suavemente adormecida:

Voy caminando hacia la parte alta de la ciudad,
 pero sé que es el lugar en el que debo estar.
Las calles están en silencio
y nadie dice nada en ellas
El sol sale entre las nubes y recarga los satélites
Recuperamos nuestra energía y comenzamos a hablar de nuevo
Es la bendita rutina para el bueno, el malo y la reina
Saliendo de los sueños sin daño físico alguno.
No echéis fuera a los camellos, son parte del partido político.
Los niños nunca se cansarán, porque todo se ha calmado lentamente...

Y cómo no podía ser de otra manera, el disco culmina en un apocalíptico final de sonido enloquecido y ascendente, en el que los cuatro músicos llevan sus instrumentos hasta el límite de lo físico y lo posible, transmitiendo al oyente la angustia y la rabia a través también de la música, y bajando magistramente el telón de la historia de un disco espectacular y fallidamente anónimo por decisión soberana.