Tina Turner - Acid Queen #MesTinaTurner

Para Acid Queen (1975), su segundo álbum en solitario, Tina Turner se inspiró en su papel de Acid Queen en la película de la ópera rock Tommy de The Who, e incluyó en el disco la canción del mismo título que interpretaba en el film. El disco obtuvo críticas mixtas, y en general se valoró positivamente la interpretación vocal de Tina, y se criticó la inconsistente selección de canciones, que parecía reflejar que el proyecto no tenía un objetivo claro, o que el primer objetivo quedó incompleto y se optó después por completarlo con otras canciones del fondo de armario del proyecto paralelo Ike and Tina Turner.

Para comprobar esto, no hay más que fijarse en la composición de las dos caras. La primera es una prometedora lista de versiones de canciones rock, para arropar a la canción titular y mostrar esa faceta rockera que tan bien le fue después a la voz de Tina en sus discos de los ochenta y noventa. Comienza con Under my thumb y Let's spend the night together, versiones de temas de The Rolling Stones, antes de revisitar la ya mencionada interpretación del Acid Queen de The Who, que repiten también en la versión de Tina de su I can see for miles. La cara rockera se completa con una brillante versión del Whole Lotta Love de Led Zeppelin, y dejando en general un buen sabor de boca y ganas de más.

Sin embargo, al dar la vuelta al disco, la reina ácida se evapora incomprensiblemente, y la sombra de Ike planea sobre el proyecto, borrando del mapa toda referencia al rock lisérgico al que se rendía pleitesía en los temas anteriores. Acid Queen fue el último disco en solitario de Tina Turner antes de su separación definitiva de Ike & Tina Turner, pero al estar todavía bajo el influjo de su pareja, llama la atención que pese a ser un disco de Tina en solitario, el single de lanzamiento fuera Baby, get it on, el dúo con Ike que abre la segunda cara. El resto de temas del disco (Bootsey whitelaw, Pick me tonight y Rockin' and rollin) están también firmados por su famoso y conflictivo marido, como si hubiera irrumpido en su dormitorio para despertar a la reina de su sueño ácido, y llevarla de nuevo a los caminos del soul y el R&B.

En conjunto, y a pesar de la gran disparidad entre ambas caras, es un disco destacable que se puede entender incluso como dos interesantes EP's publicados en un solo producto, y una evidente transición entre el pasado (Ike and Tina) y el futuro que Tina empezaba ya a construirse. Habrá quién prefiera una cara antes que la otra, pero no se puede negar que cada una, a su manera y estilo, son por igual demostraciones de la energía y el derroche de una artista única, merecedora de que este mes de Junio se convierta en el #MesTinaTurner. Así que Dios salve a la Reina, en cualquiera de sus diferentes caras.

0524.- Born on the Bayou - Creedence Clearwater Revival

Born on the Bayou es una de las canciones más especiales de los estadounidenses Creedance Clearwater Revival, y la elegida para abrir su segundo álbum de estudio en 1969. Escrita por John Fogerty en el pantano que describe, transmite a la perfección el ambiente sureño y los recuerdos del calor del verano de una infancia pasada en el "Bayou" a pesar de que el autor no había estado nunca allí hasta el momento de escribir la canción.

Para escribirla, se inspiró en el estilo de canciones de Howlin' Wolf y Muddy Waters, y buscó la inspiración mirando a las paredes vacías de su apartamento, y escribió la letra sin ayudarse de su guitarra ni de ningún otro instrumento, tal y como lo haría un escritor. Pronto quedó claro que aquella letra surgida de las paredes desnudas de aquel pequeño apartamento crecería con un buen ropaje eléctrico, y se lo dieron con una guitarra Gibson ES -175 que fue la responsable de la mítica intro de la canción y de unos acordes de marcado sabor a blues rock sureño.

Curiosamente, la guitarra Gibson utilizada en Born on the Bayou fue robada del coche de Fogerty poco después de la grabación, como si el destino hubiera querido que el sonido de una canción tan mítica no pudiera nunca más intentar repetirse, o al menos no con la misma guitarra. Hay momentos que son únicos, y así se deberían quedar en nuestra memoria. Born on the Bayou es sin duda uno de ellos.

0523.- For once in my life - Stevie Wonder

For once in my life (Por una vez en mi vida) es una de las baladas más recordadas de Stevie Wonder, pese a no tratarse de un tema original del artista estadounidense. Fue grabado por primera vez por Barbara McNair, aunque se publicaría antes la versión de Jean DuShon, y posteriormente ha sido interpretado también por artistas de la talla de Diana Ross, The Four Tops o The Temptations, pero ninguna de esas versiones alcanzó la fama y el reconocimiento que consiguió la versión de Stevie Wonder de 1968.

Curiosamente, Stevie Wonder grabó la canción casi al mismo tiempo que la versión que de la misma canción hicieron The Temptations, y en aquel momento Berry Gordy, el capo de la Motown, prefirió la versión de los Temptations. Esto hizo que la versión de Wonder, mucho más rítmica y positiva, quedara archivada y sin fecha de publicación prevista, hasta que Billie Jean Brown, jefe del departamento de control de calidad de Motown, convenció a Gordy de que estaban ante un hit en potencia.

Y así era. El For once in my life de Stevie Wonder se convirtió en un enorme éxito desde su publicación en octubre de 1968, alcanzando el segundo puesto del Billboard estadounidense. Por una vez en la vida, el olfato le había fallado al normalmente infalible Berry Gordy, y a punto había estado de dejar que uno de los grandes temas de los años sesenta se llenara de telarañas en algún almacén de la discográfica. Sin desmerecer a The Temptations, eso habría sido un error imperdonable a la vista del resultado de la mágica interpretación de Stevie Wonder.

0522.- Oscillations - Silver Apples

Silver Apples fue una de esas bandas pioneras del rock protoelectrónico que surgió en los años 60 experimentales y a pesar de no ser un nombre tan reconocido como muchos otros grupos de la época, logró sembrar sus semillas en el tejido del mundo del rock, solo para encontrarlos brotando varios años después. La banda era esencialmente un dúo compuesto por Simeon Oliver Coxe III, que simplemente pasaba por The Simeon y Danny Taylor. Ambos miembros surgieron de la banda de rock The Overland Stage Electric Band, que tocaba regularmente en East Village, Nueva York, pero después de la fascinación de Simeon con un oscilador de audio de la década de 1940 que estaba tratando de incorporar a la banda, pronto se separó y trajo al baterista Danny. Taylor a lo largo del viaje. Después de algunos ajustes ingeniosos en su oscilador, el dúo se dispuso a grabar un álbum extremadamente experimental para el tiempo que siguió al gran año 67 cuando The Beatles cambiaron todas las reglas con "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club". Lanzaron su debut homónimo en Kapp Records apenas seis meses después y solo unos meses después que los otros grandes pioneros electrónicos estadounidenses, The United States of America. Donde SILVER APPLES se diferenció de los otros pioneros electrónicos de la época fue en el hecho de que no usaron efectos electrónicos como meros generadores atmosféricos envueltos en los aspectos rockeros de la música. De hecho, lo fusionaron todo con la música rock en sí, creando así algo del primer minimalismo sintetizado en un contexto de rock, como el que reverberaría en el mundo Neu!, Can y, sobre todo, Kraftwerk y, a su vez, la técnica se adelantó mucho a su tiempo y encontró su camino en toneladas de música dance de los 70 e incluso en el indie rock de los 90.

El primer trabajo de nuestros Silver Apples, grabado a primeros de 1968 y editado por el sello local Kapp en Junio de ese mismo año, lleva el mismo título de la banda y se alinea fielmente en el estilo de música electrónica de la época. Estilo que, pretendiendo transmutar al oyente hacia una nueva experiencia psíquica, intenta con sus pulsaciones una suerte de reacción interna y externa en el mismo, una amalgama de sensaciones "innerspace" y "outerspace" que le conduzcan hacia territorios de examen interior y de comunión colectiva en un cosmos alejado de su espacio más cercano. Lo que se persigue, en definitiva, es lograr que el receptor entre en trance, ese estado propiciado por un "medium" que trata de lograr efectos paranormales, mediante la repetición sistemática de un ritmo que conduzca hacia un estado controlado de tensiones casi hipnóticas.

La pista de apertura "Oscillations" establece el tono para todo el álbum a seguir. Comienza la canción con un oscilador que cambia de tono antes de que se una un maravilloso ritmo de batería de los años 60. La yuxtaposición de lo familiar con lo poco ortodoxo es lo que hace de esta una mezcla interesante, es una canción increíblemente primitiva en concepto e instrumentación, sonando casi tribales. El trabajo de abstracción absoluta para crear lo más básico con lo más avanzado es tremendo, demostrando ser una canción muy adelantada a la época, y esto lo consiguen simplemente a través de una serie de pitidos distantes, electrónica burbujeante, melodías computarizadas de la era espacial, respaldadas por un ritmo de batería vagamente sincopado y una línea de bajo funky.

0521.- Spinning Wheel - Blood, Sweat & Tears

 

Spinning Wheel

     Blood, Sweat & Tears es un banda de música de jazz rock fundada en Nueva York en 1967, y que se caracteriza por sus complejos arreglos fusionando rock, blues, pop y jazz. Con su peculiar sección rítmica clásica y su sección de instrumentos de viento, crearon también una peculiar forma de entender el R&B y el soul. En enero 1969, bajo la discográfica Columbia Records, publican Blood , Sweat & Tears, el segundo álbum de estudio de la banda. El disco es grabado en octubre de 1968 en los CBS Studios de Nueva York bajo la producción de James William Guercio. El disco alcanzó un gran éxito comercial, alcanzando tres sencillos del álbum el top 5 en las listas de Estados Unidos, y ganando un premio Grammy por el Álbum del Año en 1970.

Incluido en el álbum se encuentra la canción Spinning Wheel, escrita por el  vocalista principal del grupo, el canadiense David Clayton-Thomas. La canción fue lanzada como sencillo en mayo de 1969, y logró alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, permaneciendo en esa posición durante tres semanas. También fue nominada a tres premios Grammy en 1970, en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental, Grabación de Año y Canción del Año, ganando el premio en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental. La canción tiene una curiosidad, termina con la melodía austriaca de 1815 O Du Lieber Austin, seguido de un comentario del baterista Bobby Colomby que dice: "Eso no fue demasiado bueno", para finalizar on las risas del resto del grupo. Según el productor de la canción, James William Guercio, esta sección final se agregó en el último instante después de que uno de los ingenieros de sonido lo grabara accidentalmente en el final de la cinta maestra. En cuanto a la temática de la canción, Spinning Wheel (La rueda giratoria) era una metáfora intrigante de los ciclos y las cosas por las que pasamos durante la vida. La canción estaba inspirada en una canción de Joni Mitchell llamada The Circle Game, donde la cantante hablaba sobre los ciclos estacionales. El cantante y compositor de la canción, David Clayton-Thomas, era canadiense al igual que Joni Mitchell y conocía muy bien la obra de la cantante y compositora. Tal fue el éxito de esta canción, que Blood, Sweat & Tears se convirtieron por entonces en un banda muy solicitada, formando parte del famoso Festival de Woodstock de 1969 y siendo los segundos mejor pagados del citado festival, sólo por detrás del gran Jimi Hendrix.

Tina Turner - Tina Turns the Country On! #MesTinaTurner

 

Tina Turns the Country On!, Tina Turner

      Comienza un nuevo mes, junio, y toca despedir y dejar marchar a Led Zeppelin, grupo que nos ha acompañado durante el mes de mayo, y dar la bienvenida al artista que nos va a acompañar durante este mes que entra. Damos la bienvenida a una cantante, compositora, bailarina, actriz y coreógrafa de nacionalidad suiza y origen estadounidense que, con una carrera de más de cincuenta años, se ha convetido por derecho propio en uno de los mayores referentes musicales de la historia, siendo apodada "Queen of Rock 'n' Roll". Bienvenidos al mes de Tina Turner, una mujer que primero saltó a la fama junto con su por entonces esposo Ike Turner con el dúo Ike & Tina Turner. Pero no fue un camino fácil, pues mientras probaba las mieles del éxito junto con Ike Turner, paralelamente sufría continuos episodios de violencia domestica por parte de éste. Tina, todo valentía y carácter, fue capaz de dejar todo aquello atrás y de lanzarse hacia una exitosa carrera en solitario. Y precisamente aquí, en 7dias7notas vamos a dedicar el mes de junio a desgranar la discografía en solitario de esta maravillosa artista.

Nos encontramos en 1974 y Tina todavía forma parte del dúo Ike & Tina Turner.  Su todavía esposo Ike Turner quería que Tina llegara a una audiencia más amplia, y en ese contexto se graba el primer álbum de estudio en solitario de Tina, Tina Turns the Country On!. El disco es grabado en junio de 1974 en los Bolic Sound estudios de Inglewood, California, propiedad de Ike Turner, quien no participó en la grabación del álbum ni estuvo presente mientras se grababa el mismo. El álbum es producido por el reconocido productor de Nashville Tom Thacker, y publicado bajo el sello discográfico United Artists en septiembre de 1974. Para la grabación del material Tina cuenta con la colaboración de Mark Creamer, James Burton y JD Minnis a las guitarras, Glen Hardin y John Hammond al piano, Joe Lamano al bajo, Mike Botts a la batería, Tom Scott al saxo y la flauta, y Terrance Lane a la percusión.

El disco debut de Tina es un compendio de versiones de varios artistas de música country y folk, entre los que se encuentran Kris Kristofferson, Bob Dylan, Olivia Newton-John, James Taylor o Dolly Parton. La cantante se abre a otros estilos como el country, el folk y el soft rock, y es capaz de moldear su voz desde los registros y tonos más suaves hasta los más fuertes y ásperos, siendo capaz de adaptarse a cada tema y hacerlo suyo, demostrando una gran habilidad para cantar otros géneros musicales. De este álbum no se lanzó ningún sencillo y aún así le valió a Tina su primera nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación vocal de R&B. 

El álbum, como ya hemos comentado, es un compendio de versiones que Tina realiza, de forma brillante, de clásicos de la música country y del folk, entre las que destacan There'll  Always Be Music de Dolly Parton; Help Me Make It Through the Night escrito por Kris Kristofferson en 1970, inspirándose para escribirla en una entrevista de Frank Sinatra que había aparecido en la prestigiosa revista Esquire, y en la que el cantante afirmaba que era creyente en cualquier cosa que le ayudara a pasar la noche, mujeres, alcohol o una biblia...; Tonight I'll Be Staying Here With You, compuesta por Bob Dylan en 1969. Un tema donde la letra nos relata la devoción del protagonista por su amante y su deseo de quedarse con el/ella; La balada pop con sabor a country If You Love Me (Let Me Know), escrita por John Rostill, integrante del grupo The shadows, y que había sido popularizada en abril de 1974 por Olivia Newton-John; He Belongs to Me, otra composición de Bob Dylan, compuesta por el artista en 1965, y de la que siempre se especuló que podía haber sido escrita sobre la ex novia de Dylan, Suze Rotolo o también sobre Joan Baez, Nico o Sara Lownds, esta última con la que el artista se casaría en 1965; o I'm Moving On, escrita por el artista de música country canadiense-estadounidense Hank Snow en 1949, grabado por él mismo en 1950, y que supuso su primer gran éxito. Una canción que también había sido versionada anteriormente por artistas como Ray Charles, Rolling Stones o Elvis Presley. 

Tina Turns the Counry On! es consierado el primer álbum en solitario de Tina, aunque todavía formaba parte del dúo Ike & Tina Turner. Fue grabado en un contexto algo atípico, en un intento de Ike Turner porque Tina llegara a una audiencia de otros géneros musicales, más amplia, y Tina lo grabó sin ninguna aportación ni colaboración de Ike, dando como resultado un excelente álbum, y demostrándose a sí misma que no le hacía falta estar bajo el represivo yugo de nadie para triunfar. Dos años después de la grabción de este álbum Tina abanonaría la represiva y tóxica relación con Ike Turner y empezaba a forjar su leyenda en solitario.

0520.- Stray Cat Blues - The Rolling Stones

 

Stray Cat Blues, The Rolling Stones

     Beggars Banquet supuso el séptimo álbum de estudio en el Reino unido y el noveno en Estados Unidos de la banda británica The Rolling Stones. El álbum fue grabado entre marzo y julio de 1968 entre los Olympic Studios de Londres y los Sunset Sound de Los Ángeles, y publicado el 6 de diciembre de 1968 por el sello discográfico Decca Records para el Reino Unido y por el sello London Records para Estados Unidos. Este álbum es considerado como el primero de los cuatro álbumes considerados como la cima de la obra de los Stones, y al que seguirían Let It Bled (1969), Sticky Fingers (1971) y Exile On Main St. (1972). Este disco cuenta con una base de rhythm & blues con la que la banda regresaba a un sonido más basado en sus raíces, abandonando sus experiencias con los sonidos psicodélicos de sus anteriores trabajos.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Stray Cat Blues, escrita por Mick Jagger y Keith Richards, y producida por Jimmy Miller. La canción es muy representativa del estilo característico de la banda británica, y cuenta con Brian Jones tocando el mellotron, Keith Richards tocando todas las guitarras, Mick Jagger a las voces, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería, y con la colaboración al piano de Nicky Hopkins y de Rocky Dijon tocando las congas. La canción se inspiró y uso el sonido de Heroin de The Velvet Underground, por lo que las introducciones de ambos temas son similares. En cuanto a la letra, la canción trata sobre sexo con menores y es contada desde la perspectiva de un hombre que desea tener relaciones sexuales con una groupie de 15 años de edad, argumentando que "it's no hanging matter, it's no capital crime" / "no es cuestión para colgarse, no es un crimen capital". En la gira del grupo por Estados Unidos de 1969 y posteriores Mick Jagger quiso llegar más allá y poner al limite la opinión pública al cantar la canción y redujo la edad de la joven a los 13 años de edad.

El disco de la semana 278: Santana III - Santana

 

Santana III, Santana

Nos encontramos en 1971, y la banda Santana con Carlos Santana al frente, y acompañado de Gregg Rolie (vocalista, teclados, piano), Neal Schon (guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería, percusión), José "Chepito" Arias (percusión, conga, timbales, batería), y Mike Carabello (percusión, conga, pandereta) se encuentra en su momento más álgido. Entre enero y julio de 1971 la banda publica su tercer álbum de estudio, Santana III, otro gran álbum a la altura de los dos anteriores, y que será el último disco grabado con la formación clásica, ya que en el siguiente se producirán numerosos cambios en la formación. Con Santana III la banda iba a cerrar una imprescindible trilogía junto a los aclamados Santana  y Abraxas.

Santana III, también conocido como Man With an Oustretched Hand (Hombre con una mano extendida), por la imagen de la portada del álbum, es grabado entre enero y julio de 1971 en los estudios Columbia de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo, y publicado en septiembre de 1971 por el sello discográfico Columbia Records. Este disco supondrá el último de la llamada formación de la "era de Woodstock" hasta su posterior reunión en Santana IV, en 2016. El grupo había alcanzado la cima de la popularidad, y esto se notó en las listas de ventas, pues Santana III alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200. 

Santana siguen con la formula de sus anteriores trabajos, mezclando con maestría rock, jazz, blues y sonidos latinos. Abre la Cara A Batuka, acreditada  "Chepito", Brown, Carabello, Rolie y Shrieve. Un genial instrumental compuesto bajo el patrón de una conga, un tema abrasador con una genial sección rítmica a la que pone la guinda un Neal Schon con esos brutales sólos de guitarra. No One to Depended On, acreditada a Carabello, Rollie y Cove Escobedo (percusionista adicional de la banda en esa época). Otro tema con una base muy instrumental, con unos magníficos riffs de bajo y guitarra y una larga introducción instrumental. El tema contiene poca letra, y donde se repite prácticamente todo el tema "Ain't got nobody that i can depend on". Este tema fue lanzado como segundo sencillo el álbum. Taboo, escrita por "Chepito" y Rolie. Un tema con claro sabor a blues donde el protagonista está enamorado de la chica de sus sus sueños pero tiene miedo a dar el primer paso por temor a perderla. Cierra esta primera cara Touissant L'Overture, acreditada a "Chepito", Rolie, Brown, Carabello, Shrieve y Santana. La canción lleva el nombre de un antiguo esclavo hatiano que ayudó a su país a independizarse de Francia en 1804. El tema es prácticamente un instrumental, ya que tiene apenas unas pocas letras. Es maravilloso escuchar la perfecta comunión de la guitarra con las percusiones. 

La cara B comienza con Everybody's Everytihing, acreditada a Carlos Santana, Milton Brown y Tyrone Moss. El sólo de guitarra de este tema es obra de Neal Schon, y es la primera vez que el grupo utilizó músicos invitados, nada más y nada menos que la sección de metales de la mítica banda Tower of Power, y el resultado no puede ser mejor, porque la sección de la mítica banda de funky encajan a la perfección. Guajira, acreditada a Brown, "Chepito" y Rico Reyes, un temazo con una pegadiza y rítimica melodía latina donde estos muchachos nos animan a bailar. Muy destacables el trabajo de la trompeta y la guitarra en este tema. Jungle Strut es un instrumental compuesto por el reconocido saxofonista tenor de jazz estadounidense Eugene "Jug" Ammons, y donde Carlos Santana y Schon hacen las delicias de nuestros oídos con sus guitarras. Everything's Coming Our Way, escrita por Carlos Santana, y donde él mismo asume el rol de vocalista, cosa rara por entonces, pues el rol de vocalista solía ser asumido por Gregg Rolie. Muy destacable el piano de Rolie es este tema con esos sutiles cambios que nos regla durante el tema. Cierra la cara B, y por tanto este magnífico álbum, Para los Rumberos, escrita por el genial músico, compositor y compositor  Tito Puente. En su disco anterior, la banda ya había realizado una versión de un tema de Tito Puente, Oye Como Va, y en este disco vuelven a repetir con este número de baile donde el músico de jazz Luis Gasca colabora tocando la trompeta. 

El disco, llamado III o Santana III para diferenciarlo del primero, también conocido como el disco del "Hombre con una mano extendida", cerraba una magnífica trilogía y donde además de la clásica formación, se unía un segundo guitarrista, un jovencísimo Neal Schon con apenas 17 años de edad. A partir de aquí se abriría una etapa donde la banda se dedicaría a realizar álbumes de corte más experimental.

0519.- Street fighting man - The Rolling Stones

Street fighting man ("El luchador callejero") es, junto a Simpathy for the devil, uno de los cortes más rockeros de un Beggar's Banquet (1968) muy marcado por el blues, y uno de los temas más "políticos" de los Rolling Stones, en el que no solo la letra contiene referencias de marcado carácter social, sino que incluso la base rítmica de cortantes guitarras acústicas de Keith Richards y la melodía de la canción estaban inspiradas en el sonido de los disturbios y las sirenas de la policía.

La letra de Mick Jagger se basa en una protesta en contra de la guerra de Vietnam frente a la embajada de Estados Unidos en Londres, durante la cual la policía londinense cargó para controlar a una muchedumbre de 25.000 personas. En París estaban también comenzando las protestas estudiantiles que desembocaron en el famoso "Mayo del 68", y esa sensación de creciente violencia en el ambiente social de finales de los sesenta le llevó a componer Street fighting man, una ambigua y soterrada llamada a la revolución:

"Por todas partes escucho el sonido de marchas (...) Porque el verano está aquí y es el momento adecuado para pelear en la calle, chico (...) Es el momento adecuado para una revolución palaciega, pero donde yo vivo, el juego a jugar es una solución de compromiso. ¿Y qué otra cosa puede hacer un chico pobre, excepto cantar para una banda de rock and roll? Porque en la adormecida ciudad de Londres no hay lugar para un luchador callejero"

La grabación de la canción tuvo lugar en los Olympic Sound Studios de Londres, entre abril y mayo de 1968, con Jagger en la voz y coros, Richards en guitarra acústica, bajo y coros, Charlie Watts en la batería y Brian Jones aportando el toque ecléctico con el sitar y la tambura. El habitual colaborador Nicky Hopkins puso su imprescindible toque de piano, y en una de las primeras versiones, que finalmente sería descartada, Rick Grech aportaba al conjunto el sonido de una viola eléctrica. Con la eliminación de este instrumento en la toma final, el bajo interpretado por Keith Richards se convirtió en el único instrumento eléctrico que se escucha en este intenso tema, toda una revolución acústica y callejera.

0518.- No expectations - The Rolling Stones

 

Cuando el fundador de The Rolling Stones, Brian Jones, murió en 1969, esta canción adquirió un nuevo significado, ya que letras como "Nuestro amor es como nuestra música, está aquí y luego se ha ido" la convirtió en una elegía adecuada. La guitarra slide de Jones en la canción fue una de sus últimas contribuciones significativas al grupo, después de años de adicción a las drogas y peleas con la banda, fue despedido del grupo en junio de 1969 y murió menos de un mes después. Mick Jagger explicó: "Aquí esta Brian tocando la guitarra, estábamos sentados en círculo en el suelo, cantando y tocando, grabando con micrófonos abiertos, es la última vez que recuerdo que Brian estaba totalmente involucrado en algo que realmente valía la pena". Él estaba allí con todos los demás. Es gracioso cómo lo recuerdas, pero ese fue el último momento en el que lo recuerdo haciendo eso, porque había perdido el interés en todo".

 

"No Expectations" es la canción por excelencia sobre la soledad y la desesperación... es nebulosa, etérea, está aquí y luego se va, y siempre se adaptó a la esencia de mi mente nublada. Cuando no sé qué hacer, o no estoy seguro de cómo me siento, y lucho con quién debería ser, esta es la canción que siempre busco. “No Expectations” es adictiva, no ofrece soluciones, se trata de amnesia y olvido, la canción me traslada a la sombra de los árboles en largas caminatas, y desde ese lado de mi mente donde he envuelto mis recuerdos con cintas de color azul profundo que nunca desataré. Siento las lágrimas brotar cuando escucho los dedos frágiles y fantasmales de Brian Jones deslizarse con tierna gracia, como si casi supiera que este número sería su canto del cisne, mi mandíbula se aprieta mientras Nicky Hopkins trina apasionadamente en el piano, casi flotando sobre las teclas, como si estuviera esperando que la canción se calmara para poder quedarse dormido... que es más o menos lo que siento.  Jagger prolonga su fraseo al más puro estilo barbitúrico, donde el cuerpo se vuelve deliciosamente pesado, el espíritu más liviano que el aire, las sonrisas son verdaderas y los ojos medio cerrados deambulan por la habitación en busca del objeto adecuado para abrazar y detenerse, antes de que el sueño amorfo consuma todo. Disfrutemos de una de esas canciones que son tan efectivas, una canción en la que la mayoría de la gente no piensa cuando alguien menciona a los Rolling Stones... pero yo sí, porque esta canción ha estado sonando en mi mente desde que la escuche, que fue días antes de darle el ultimo adiós a mi padre, y tras ese adiós, entendí que aunque la canción es tremenda el mensaje de que no hay expectivas no es real, siempre tenemos que seguir para encontrar algo.

0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones

0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones 

Sympathy for the Devil es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones y la canción de apertura del álbum Beggars Banquet del año 1968. No es ni más ni menos producto de la asociación del dúo entre Mick Jagger y Keith Richards.

 Sympathy for the Devil se le atribuye a Jagger y Richards, aunque la canción fue en gran medida una creación de Mick Jagger.  El título provisional de la canción era "The Devil Is My Name", después de haber sido llamado anteriormente "Fallen Angels". Mick Jagger canta en primera persona como el Diablo, que se jacta de su papel en cada una de varias atrocidades históricas y pide repetidamente al oyente a "adivinar mi nombre."  El cantante entonces exige irónicamente cortesía del oyente hacia él, de manera implícita castigar a los oyentes de su culpabilidad colectiva en los homicidios y crímenes enumerados.  

En el 2012 documental Crossfire Hurricane, Mick Jagger declaró que su influencia para la canción vino de Baudelaire y del autor ruso novela de Mijaíl Bulgákov. El maestro y Margarita (que acababa de aparecer en la traducción Inglés en 1967).  El libro fue dado a Jagger por Marianne Faithfull y se confirmó la inspiración en una entrevista con Sylvie Simmons de la revista Mojo en 2005.

Otras de las interpretaciones de esta canción es la hecha por la banda Guns N' Roses que hizo un cover en 1994 que alcanzó el número 55 en el Billboard Hot 100; esta versión apareció en los créditos de cierre de la adaptación de la película de Neil Jordan, Interview with the Vampire y se incluyó en su álbum de grandes éxitos.  Este cover  es digno de mención por causar un incidente relacionado con el guitarrista entrante, Paul "Huge" Tobias, que fue parcialmente responsable de la guitarra de Slash apartarse de la banda en 1996. Slash ha descrito el Guns N' Roses versión de la canción como 'el sonido de la banda de romper'.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: The Black Crowes

 

The Black Crowes

     En esta ocasión aparece en esta sección la banda estadounidense The Black Crowes, una de las máximas exponentes del rock sureño. La historia de The Black Crowes comienza en 1984, en la Walton High School de la localidad de Marietta, Georgia (Estados Unidos), escuela a la que asisten los hermanos Chris y Rich Robinson. Es allí donde forman un grupo llamado Mr. Crowe's Garden, en honor al libro infantil Johnny Crow's Garden escrito por Leonard Leslie Brookes, un nombre que acabarían modificando para acabar llamándose The Black Crowes. En sus inicios están influenciados por grupos como REM, el rock sureño y el pop psicodélico de los años 60, si bien van evolucionando hacia un sonido mas blues rock con el paso del tiempo. Iniciaban una fulgurante carrera que nos deja ya para la historia 8 álbumes de estudio y 3 grabados en directo. Como ya sabéis esta sección trata de ser una guía para aquellos que quieran hacerse con la discografía del grupo de turno, recomendando por cuales habría que empezar y cuales dejar para el final, por lo que sin más preámbulos, vamos allá:

Estás tardando en comprarlo:

Shake your Money Maker (1990), un disco que supondría el estreno de la formación con un rotundo éxito tanto por parte de la crítica especializada como por el público. Un disco con grandes dosis de blues rock, rock & roll e incluso algún que otro tinte de hard rock, y donde podremos apreciar influencias de grupos como los Rolling Stones, The Faces, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band ó Lynyrd Skynyrd. Este disco con el paso del tiempo se convertirá en uno de los mejores álbum debut de todos los tiempos, siendo también un disco indispensable en cualquier biblioteca musical. Álbum de muchos kilates envuelto en una vorágine de sonidos de rock sureño y rock & roll. The Southern Harmony and Musical Companion (1992), disco con el que la banda iba más allá y mostraba un vertiginoso crecimiento musical, ampliando su gama de sonidos y matices. Un disco con una producción extremadamente cuidada, perfecta, donde los sonidos de los teclados y los coros cobran importancia. Disco con temazos como Sting Me, Remedy, Hotell Illness, Bad Luck Eyes Goodbye o Sometimes Salvation elevan este disco a la categoría de indispensable.

Si te queda pasta, llévate también: 

Amorica (1994), considerado como el tercer gran álbum de la banda junto con Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. El grupo de Atlanta ya se encontraba asentado en la élite musical y se marcaba un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos. Con este disco el grupo demostraba que podían ser algo más que unos rockeros con alma de blues. Amorica es quizás el álbum con un sonido más vanguardista y contemporáneo de la banda, mostrándose más reflexivos, y donde predominan los medios tiempos y las baladas. La banda se abría a otras influencias y sonidos, como se pueden apreciar en P25 London con eso aires funkies, los aires latinos en Thorn on my Pride, grandes baladas como Cursed Diamond, o la brillante y minimalista A conspiracy. Otro álbum que no puedes dejar en el expositor si te queda algo de pasta es Lions (2001), disco que marca un antes y un después en la banda, pues es el primero que graban con una discográfica no internacional, concretamente lo hacen con V2, propiedad de Richard Branson. El grupo vuelve a sus orígenes con un sonido menos producido y más rudo, y donde más se notan las influencias de la música negra en el grupo, y que podemos apreciar en temas con aires soul como No Use Lying, o con influencias de música gospel como Soul Singing.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Three Snakes and One Charm (1996) tuvo la mala suerte de ser el cuarto álbum de estudio de la banda e ir detrás de tres grandes discos como Shake Your Money Maker, The Southern Harmony and Musical Companion y Amorica, y eso pesó mucho. El disco no fue capaz de mantener el nivel de ventas, siendo además hasta el momento el trabajo con menos calidad que la banda había hecho hasta el momento. No es un  disco malo, pero tuvo la mala suerte de ir detrás de tres auténticos trallazos. La banda se dedica a explorar los sonidos psicodélicos de la década de los 60 en un disco que no llega al nivel de sus anteriores trabajos. Warpaint (2008) es el álbum que supuso el retorno de la banda, lo que hacía que el público y los fans del grupo se mostraran más que receptivos con la banda, y ese es el contexto en el que nace Warpaint, un disco que, estado lejos de sus mejores álbumes, es bastante respetable. En lo musical se queda en uno de los menos trascendentes de la banda, pero lo importante es que la banda había vuelto a la carga y todavía le quedaba cuerda.

Pero si lo que buscas on canciones sueltas, esta nuestra propuesta para ir adentrándose en el mundo de The Black Crowes:

1.- Remedy

2.- Twice As Hard

3.- Gone

4.- Soul Singing

5.- Hard To Handle

0516 Build Me Up Buttercup - The Foundations

0516 Build Me Up Buttercup - The Foundations

Build Me Up Buttercup es una canción escrita por Mike d'Abo y Tony Macaulay, y lanzada por The Foundations en 1968 con Colin Young como voz principal. Colin Young había sustituido a Clem Curtis durante 1968 y este fue el primer éxito de The Foundations en el que cantó.

Llegó al número 1 del Cash Box Top 100 y al número 3 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos a principios de 1969. También fue un éxito número 2 en el Reino Unido, durante dos semanas no consecutivas, detrás de "Lily the Pink" de The Scaffold. La RIAA lo certificó rápidamente como disco de oro por las ventas de más de un millón de copias en Estados Unidos.

Build Me Up Buttercup es parte de la cultura popular por estar en películas y eventos deportivos. Esta canción Build Me Up Buttercup aparece en la película de comedia romántica de 1998 There's Something About Mary y en la película de 2020 The Kissing Booth 2. así como en una serie de anuncios de Geico de 2020-21. También es una de las melodías de la recta final de la séptima entrada que se tocan en el Angel Stadium desde 1990, hogar de los Ángeles. 

Daniel 

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0515.- Astral weeks - Van Morrison

 

Astral Weeks es un trabajo pleno de profundidad y belleza, de sensualidad y misterio. Se trata de una obra muy típica de aquel verano de 1968, cuando la filosofía hippie aún era creíble y la confianza en lograr un mundo de concordia, armonía, paz y amor parecía algo más que una mera utopía. Se trata de la obra más personal del irlandés Van Morrison, que, aunque todavía tenía poco más de 20 años, ya era un veterano de la industria de la música: el anárquico y de garganta viva había sido el líder de la influyente banda de rock de garaje (aunque solo parcialmente exitosa) Them, escribió "Gloria”, un estándar proto-punk que luego sería interpolado por todos, desde los Doors hasta Patti Smith. Aquí estamos ante un álbum en el cual se abre las entrañas y más se desgarra el corazón para mostrarse tal como es, con toda su vulnerabilidad y sus debilidades como individuo (hay quienes dicen que Astral Weeks es al rock lo que el Ulises de James Joyce —otro irlandés, aunque del sur— es a la literatura). Astral Weeks fluye a través del espacio y el tiempo vincula a una sociedad secreta de personas: soñadores, románticos, almas condenadas, tartamudos desafiantemente persistentes, y el amor que ama que ama que ama, en el lenguaje del corazón. “Me hizo confiar en la belleza”, dijo una vez Bruce Springsteen sobre Astral Weeks, uno de sus discos favoritos. “Me dio un sentido de lo divino”.

Nos vamos a detener en la homónima “Astral Weeks”, una larga pieza-río de siete minutos en la cual el autor habla sobre el hecho de volver a nacer, con una letra entre simbólica y hermética (“Si yo viajo en la estela, entre los viaductos de tus sueños…”) y una música de aparente desestructura que no parece tener principio y final, una invocación, una partida, una nave espacial hecha de nada más que guirnaldas de rosas que de alguna manera, milagrosamente, es funcional. El truco consiste en viajar ligero: las notas de bajo de gota de rocío de Davis, el aleteo ingrávido de la flauta y un solo acorde rasgueado suavemente son todo lo que la canción necesita para emprender un vuelo intergaláctico. “Si me aventurara en la estela, entre los viaductos de tu sueño”, pregunta Morrison, “… ¿podrías encontrarme?” Se trata del "Tears in Heaven" para las personas que, por mucho que lo intenten, no pueden creer en algo tan sencillo como el cielo y a la vez entramos en un paisaje de ensueño donde "las llantas de acero inmóviles se rompen" y Lead Belly regresa de entre los muertos para decir... ¿qué, exactamente? “Recuéstame en silencio con calma”, arrulla Morrison. “Para nacer de nuevo”. Su voz está quebrada, pero, como dice Leonard Cohen, así es como entra la luz. El canto de Morrison en Astral Weeks está plagado de lo que Lester Bangs llama cariñosamente "tics verbales", esos momentos en los que comienza a farfullar de éxtasis o dolor

Led Zeppelin - CODA (Mes Led Zeppelin)

La banda del mes: CODA un álbum de Led Zeppelin en el #MesLedZepplin

Como cada mes en 7dias7notas, tomamos como referencia un artista o banda, para dedicarles todo un mes a su historia y sus éxitos, mayo estuvo repleto de historias y éxitos de esta banda Británica Led Zeppelin, que hoy  llega a su fin, y con su despedida vamos con Coda que es un álbum recopilatorio del grupo de rock británico Led Zeppelin.

El álbum es una colección de temas no utilizados de varias sesiones durante los doce años de carrera de Led Zeppelin. Se publicó el 19 de noviembre de 1982, casi dos años después de que el grupo se disolviera oficialmente tras la muerte del batería John Bonham. Por eso se eligió como título la palabra coda, que significa un pasaje que termina una pieza musical después del cuerpo principal.

El Coda, fue lanzado para cumplir con los compromisos contractuales con Atlantic Records y también para cubrir las demandas de impuestos sobre el dinero ganado anteriormente. En él se eliminaron casi todos los temas sobrantes de las diversas sesiones de estudio de los años 60 y 70. Este  álbum es una colección de ocho temas que abarcaban los doce años de historia de Led Zeppelin. Atlantic Records contó el lanzamiento como un álbum de estudio, ya que Swan Song le debía al sello un último álbum de estudio de la banda. Según Martin Popoff, "hay conjeturas de que Jimmy [Page] llamó a 'We're Gonna Groove' un tema de estudio y a 'I Can't Quit You Baby' un tema de ensayo porque Swan Song le debía a Atlantic un álbum de estudio más específicamente".

El guitarrista Jimmy Page explicó que parte del razonamiento para la publicación del álbum estaba relacionado con la popularidad de las grabaciones no oficiales de Led Zeppelin que seguían circulando entre los fans: "Coda se publicó, básicamente, porque había mucho material pirata. Pensamos: "Bueno, si hay tanto interés, entonces también podemos sacar el resto de nuestro material de estudio"" Como recordaba John Paul Jones: "Eran buenos temas. Muchas de ellas se grabaron en la época en la que el punk estaba en auge... básicamente no había muchas canciones de Led Zeppelin que no salieran. Usamos todo".

El comienza en su lado A con "We're Gonna Groove" abre el álbum y, según las notas del álbum, se grabó en los estudios Morgan en junio de 1969. Más tarde se reconoció que procedía de un concierto de enero de 1970 en el Royal Albert Hall, con las partes de guitarra sobregrabadas y la parte de guitarra original eliminada, lo que se puede escuchar en el espectáculo original del Royal Albert Hall el 9 de enero de 1970. Esta canción se utilizó para abrir varios conciertos en sus giras de principios de 1970 y originalmente se pretendía grabar para incluirla en Led Zeppelin II. "I Can't Quit You Baby" se extrajo del mismo concierto que "We're Gonna Groove", pero se incluyó como un ensayo en las notas originales La grabación se editó para eliminar la sensación general de directo: se eliminó el ruido del público, así como el principio y el final de la canción. Los ruidos del público se silenciaron en la mezcla multipista de esta grabación, al igual que en "We're Gonna Groove".

"Poor Tom" procede de las sesiones para Led Zeppelin III, ya que se grabó en los Olympic Studios en junio de 1970, y "Walter's Walk" es un resto de las sesiones para Houses of the Holy.

Si damos vuelta el álbum nos encontramos con una segunda parte que está formada por tres tomas descartadas del anterior álbum de la banda, In Through the Out Door. La canción que abre el disco, la optimista "Ozone Baby", se grabó en las sesiones de ese álbum en los estudios Polar de Estocolmo en noviembre de 1978, al igual que "Darlene", de estilo rockers.

El tercer tema, "Bonzo's Montreux", se grabó en los Mountain Studios de Montreaux (Suiza) en septiembre de 1976. Se diseñó como una muestra de batería de Bonham, que Page trató con varios efectos electrónicos, incluido un armonizador.

El último tema, "Wearing and Tearing", se grabó en Polar en noviembre de 1978. Fue escrita como una reacción al punk y para demostrar que Led Zeppelin podía competir con las nuevas bandas. Estaba previsto que se lanzara como single promocional para el público del Festival de Knebworth de 1979, encabezado por Led Zeppelin, pero se canceló en el último momento. Se interpretó por primera vez en directo en el festival Silver Clef Awards de 1990 en Knebworth por la banda de Plant con Page como invitado.

En su re-edición del álbum como disco compacto de 1993 tiene cuatro temas adicionales de las cajas, Led Zeppelin Boxed Set (1990) y Led Zeppelin Boxed Set 2 (1993), el inédito "Travelling Riverside Blues", "White Summer/Black Mountain Side" y la cara b de "Immigrant Song" "Hey, Hey, What Can I Do" de la primera y el inédito "Baby Come On Home" de la segunda cara.

Con este álbum de Led Zeppelin finaliza un mes más de reconocimiento a los músicos y bandas que hacen posible esta cultura del rock, Led Zeppelin un claro ejemplo de ello, el mes de junio nos traerá nuevos artistas.

Daniel 

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0514.- Everybody's talking - Harry Nilsson

Everybody's Talkin' (Todo el mundo está hablando) fue escrita y grabada inicialmente por el compositor Fred Neil en 1966, pero no fue hasta que la versión grabada por Harry Nilsson para su disco Aerial Ballet de 1968 fue designada como tema principal de la banda sonora de la película Midnight Cowboy, cuando se convirtió en un enorme éxito internacional que alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas y hasta consiguió un Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina.

Hasta recibir el empujón que supuso la película de John Voight y Dustin Hoffman en 1969, el sencillo de Everybody's Talkin en la versión de Harry Nilsson había pasado sin pena ni gloria por las listas de ventas, pero tras el estreno de la película se convirtió, junto al tema Without you en el single de mayor éxito comercial de toda su carrera.

Tampoco le fue mal a Fred Neil, que se retiró del mundo de la música solo dos años después, instalándose en los Cayos de Florida para vivir cómodamente de las rentas generadas por los derechos de autor de una de las mejores canciones de la fructífera década de los sesenta, una canción que sigue dando mucho que hablar y que cantar, porque hasta la fecha son más de trescientas las versiones que de ella se han hecho.

0513.- Black Magic Woman - Fleetwood Mac

 

Black Magic Woman, Fleetwood Mac 

     En 1969 Peter Green (voz, guitarra, armónia), Jeremy Spencer (voz, slide), Danny Kirwan (guitarra eléctrica, coros), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería), o lo que es lo mismo, Fleetwood Mac, publican English Rose, un álbum recopilatorio de la banda británica. El álbum es publicado a través del sello discográfico Epic Records únicamente para el mercado estadounidense. Este recopilatorio contiene seis temas extraídos de su primer disco de estudio, Mr. Wonderful, el cual no fue publicado en el mercado estadounidense, tres sencillos que solo habían sido publicados en el Reino Unido, dos canciones que habían sido grabadas para el futuro, y una pista escrita exclusivamente para este recopilatorio. El disco fue grabado en 1968 y publicado en enero de 1969.

El recopilatorio obtuvo el puesto número 184 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el primer disco de la banda británica en entrar en las listas del citado país. English rose fue lanzado apenas unos meses antes del recopilatorio The Pious Bird of Good Omen, el cual sólo fue lanzado en el mercado británico y que contenía algunas canciones iguales.

Incluido en el recopilatorio se encuentra Black Magic Woman, canción que fue escrita por Peter Green y fue publicada en 1968 como sencillo a través del sello discográfico Blue Horizon Records para el Reino Unido y en 1969 por el sello Epic Records para Estados Unidos. La canción alcanzó el puesto número 37 en los UK Singles Charts del Reino Unido, convirtiéndose en el primer tema del grupo en conseguir entrar en dicha lista. Black Magic Woman tiene la misma estructura y pausas de guitarra, y una melodía similar a la canción I Loved Another Woman, incluida en el álbum debut de la banda británica, llamado también Fleetwood Mac. Peter Green se basó en esta canción para escribirla. También reconocería en posteriores entrevistas que la canción está también influenciada en All Your Love, escrita por Otis Rush, y que había sido grabada dos años antes, en 1966, por John Mayall & the Bluesbreakers with Eric Clapton.

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos

El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos 

Vamos con otro de los álbumes de la banda Argentina Divididos, en especial porque este disco es uno de los discos con maypr influencia del floklore Argentino. 

Estamos hablando de su álbum Amapola del '66, que es el octavo álbum de estudio que ha sacado la banda de rock argentino Divididos, fue lanzado el 17 de marzo de 2010 por las discográficas La Calandria/DBN.

Divididos logra editar este álbum tras ocho años sin sacar un nuevo álbum, ya que el anterior había sido Vengo del placard de otro en 2002. 

Este álbum está compuesto por trece  canciones, muchos de los cuales ya habían sido presentados en los diferentes shows de la banda en el último tiempo como: "Hombre en U", "La Flor Azul" y "Todos". El álbum salió a la venta bajo el sello discográfico La Calandria que es un sello discográfico propio, también es el primero de los álbumes oficiales de Catriel Ciavarella el baterista de la banda. 

En un programa radial, la banda confirmó el lanzamiento ya anticipado de Amapola del '66 en versión de vinilo. El mismo cuenta con dos discos, con un orden de canciones distinto a la versión del CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker de "With a Little Help from My Friends" (la cual ya había sido ejecutada en varios conciertos en vivo) con invitados de lujo como Ciro Fogliata en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es "Pereta Voyeur" canción nueva, también ya ejecutada en recitales. El LP es edición limitada y pesa más de 160 gramos.

En 2015, Divididos lanzó una nueva edición de Amapola del '66, tratándose de la tercera edición de este álbum, que incluye, además de los trece temas originales, las canciones "Pereta voyeur", "With a Little Help from My Friends" (cover de The Beatles) y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película Infancia Clandestina, del director Benjamín Ávila. "Es como los alfajores, parecen iguales pero no lo son", dijo Mollo en la presentación del último volumen. Y cerró: "el que no compró el Amapola 1, ahora tiene el Amapola 3. Disculpen pero se fue dando así: fuimos creciendo a medida que fuimos creciendo nosotros también en edad porque ya tenemos unos años más."

En la presentación en vivo se ambientó con la hélice de un molino (similar al de la tapa del álbum) y se tocó junto a músicos folclóricos, ambientando también canciones de discos anteriores de forma más folclórica con diversos instrumentos del género.la banda toco dos noches en el mítico estadio Luna Park, en donde se grabaron su primer y hasta ahora único DVD en vivo, Audio y agua.

Daniel 

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0512.- Blackbird - The Beatles

Blackbird, The Beatles

 

     En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.

Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba. 

En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor  haber sacado un LP normal en vez de doble. 

Incluido en el este álbum se encuentra la canción llamada Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la  primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI.

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da - The Beatles

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da -  The Beatles

Ob-La-Di, Ob-La-Da es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles de su álbum doble de 1968 The Beatles, también conocido como "el Álbum Blanco". 

Fue escrita por Paul McCartney y acreditada a la pareja Lennon-McCartney. Tras el lanzamiento del álbum, la canción se publicó como sencillo en muchos países, aunque no en el Reino Unido ni en Estados Unidos, y ocupó los primeros puestos en las listas de singles de Australia, Japón, Nueva Zelanda, Suiza y Alemania Occidental. 

Cuando se publicó tardíamente como sencillo en Estados Unidos en 1976, alcanzó el número 49 en el Billboard Hot 100.

Paul McCartney comenzó a escribir Ob-La-Di, Ob-La-Da durante la estancia de los Beatles en Rishikesh, India, a principios de 1968.

McCartney escribió la canción cuando el reggae se estaba haciendo popular en Gran Bretaña; el autor Ian MacDonald la describe como "el tributo bastante aproximado de McCartney al lenguaje del ska jamaicano". 

El personaje de Desmond en la letra, desde la línea de apertura "Desmond has a barrow in the market-place", era una referencia al cantante de reggae Desmond Dekker, que había realizado recientemente una gira por el Reino Unido. La frase "Ob-la-di, ob-la-da, life goes on, brah" era una expresión utilizada por el conguero nigeriano Jimmy Scott-Emuakpor, un conocido de McCartney. 

Según la viuda de Scott, como parte de su actuación en el escenario con su banda Ob-La-Di Ob-La-Da, Scott gritaba "Ob la di", a lo que el público respondía "Ob la da", y él concluía: "La vida sigue". McCartney tuvo algunos problemas legales con la frase, pero finalmente se resolvió el litigio. 

Daniel 

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0510.- While my guitar gently weeps - The Beatles

While My Guitar Gently Weeps ("Mientras mi guitarra llora suavemente") es una de las mejores composiciones de George Harrison para The Beatles, y fue publicada en 1968 dentro del álbum "The Beatles", más conocido como el "Álbum Blanco". Es una de las pocas canciones en las que la banda de Liverpool se abre a colaboradores externos, ya que Harrison invitó a su amigo Eric Clapton para que se hiciera cargo de la guitarra principal.

Harrison grabó una versión inicial en clave folk con guitarra acústica y armonio, que fue rescatada en el álbum recopilatorio Anthology 3 en 1996, y con el añadido de un arreglo de cuerdas de George Martin en el álbum Love de 2006, pero ninguna de esas versiones alcanza la perfección de la grabación que los cuatro Beatles realizaron en este tema. El folk original fue reemplazado en la versión final por una producción y unos arreglos más rockeros, y la guitarra de Clapton fue la guinda de un pastel ya de por sí antológico. Eric Clapton estuvo a punto de rechazar la propuesta, temeroso de enfrentarse al "registro de los Beatles" que según él solo ellos dominaban.

Y quizá fuera así, pero Clapton salió finalmente airoso de su "atrevimiento", y son muchos los músicos que, a lo largo de los años, han intentado emular las notas de esa guitarra que llora suavemente. McCartney, Ringo, Dhani Harrison, Jeff Lynne y el propio Clapton la interpretaron en el "Concert for George" en homenaje a Harrison, recientemente fallecido. El grupo Toto grabó su propia versión en 2002, y grandes guitarristas como Peter Frampton o Carlos Santana hicieron lo propio, pero la mejor versión hasta el momento quizá sea la que Tom Petty, Jeff Lynne, Dhani Harrison y Prince hicieron en la ceremonia de inducción de Harrison en el Rock and Roll Hall of Fame de 2004, en la que el solo de guitarra de Prince dejó a todos boquiabiertos mientras lloraba más suavemente que nunca.