martes, 12 de abril de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Mecano

 


Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grupos que más éxito ha tenido en nuestro país: Mecano. El grupo surge en Madrid, en la década de los ochenta, como un grupo surgido de lo que se denominó la movida madrileña, pero nadie les ha englobado en esa corriente, tampoco se les puede equiparar en lo que en Europa se denominó New Romantic. Mecano iban por libre, se les tildaba de demasiado comerciales, pero en el fondo eran gente joven, con ganas de hacer cosas y con hambre de música con un inicio muy situado en el tecno-pop, aunque a lo largo de los años fueron capaces de transformarse y adaptarse a los tiempos cambiantes. El trío Mecano estaba compuesto por los hermanos José María y Nacho Cano, además de la vocalista Ana Torroja. Su ambición por hacerse un hueco en el mundo de la música les lleva rápidamente a contactar con distintas discográficas, despertando el interés de la CBS, con la que firman un contrato. Tras algunas audiciones graban su primer sencillo, "Hoy no me puedo levantar". Tras lanzar el sencillo y darle muy poca promoción, la CBS se desentiende un poco del grupo, sin estar muy convencidos de que la historia pueda funcionar, pero ellos no iban a tirar la toalla, ellos mismos compran varias copias del sencillo y empiezan a promocionarlo por su cuenta en emisoras de radio y gente relacionada con el mundillo. La reacción del público es muy positiva y la canción comienza a sonar en todos los locales de moda de Madrid. Y por fin, en 1982 Mecano publica su primer álbum, titulado "Mecano", tras una presentación espectacular y una promoción masiva por parte de la compañía, el disco se convierte en un auténtico éxito, vendiendo más de 100.000 copias en pocas semanas. Mecano aparecía en todas las fiestas que se celebraban en Madrid y aparecían en infinidad de programas de televisión, aumentado espectacularmente el caché del grupo e iniciando una carrera imparable hasta su disolución en 1992.



Estás tardando en comprarlo:

La repercusión que tuvo Mecano en España con Descanso dominical fue impresionante; se sacó casi entero en singles. Todo el mundo tarareaba las canciones, representó el cúlmen de una carrera. Abordaron temas diversos, desde el lesbianismo en "Mujer contra mujer" al ligue urbano en "Los amantes", retrataron a los españolitos en "Un año más" y el trato al español en EE.UU. en "No hay marcha en Nueva York" con mucha ironía en ambos casos. Otras canciones importantes fueron "El cine", "Eungenio Salvador Dalí", "El blues del esclavo", "Héroes de la Antartida" y "Laika". Esta última junto con "Hermano Sol, hermana Luna" no aparecieron originalmente en el vinilo. Para mí, a partir de este disco vino la cuesta abajo del grupo, por otro lado, normal, por su edad y la calidad alcanzada en él. También tuvo éxito la canción instrumental "Por la cara" interpretada a la guitarra por Tomatito y que fue usada en algún programa de radio como entrada. Seamos serios: Mecano no fueron los Beatles, pero fueron tan grandes que demostraron que se podía hacer música netamente comercial (nadie más ha vendido como ellos) no exenta de calidad.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con una combinación de letras sublimes que cantan al amor y temas que abordan la crítica social, con este disco subieron varios peldaños de golpe y superaron por mucho lo que habían hecho anteriormente. En Entre el cielo y el suelo canción es como una crónica o un cortometraje con el sello inconfundible de Ana Torroja como vocalista, que, si bien no posee una voz impresionante, le atribuye características definidas al grupo integrado también por los hermanos Cano. En Hijo de la luna, Mecano presenta de forma magistral el origen de la leyenda gitana sobre las fases lunares. Cruz de Navajas, un clásico de este trío, es una extraordinaria composición que plantea una historia de amor e infidelidad entre sus protagonistas, Mario y María, dejando a la imaginación del que escucha cuál sería la tercera cruz. Con una manera particular y poética de contar las cosas, Ana, Nacho y José María saben llevar a su público por un fascinante viaje que dura entre 2 a 4 minutos. Me cuesta tanto olvidarte es una de las canciones más hermosas que jamás haya presentado Mecano.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Ya viene el sol se lanzó y publicitó como el disco "arriesgado" de Mecano. Los notables primeros singles del disco: 'No pintamos nada' y 'Japón', se acercaban un sonido tecnopop más contundente y rompedor con incluso algún tímido flirteo semi-industrial en el caso de Japón, aunque por supuesto las melodías ultrapegadizas marca de la casa, odiables o adorables, o ambas cosas a la vez, seguían estando allí. Aún así, el disco fue inicialmente un fracaso total, no vendió ni la décima parte que el debut, aunque cuando ya se daba al disco ( y casi al grupo también) por muerto el último single del disco, la anodina 'Hawaii - Bombay', se convirtió inesperadamente en una de las canciones del verano del 85. 'Ya viene el sol' quedó para la historia como disco de transición entre el nuevo y el viejo sonido, no marcó época, pero cerró dignamente su primera etapa.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Hijo la luna

2.- Me cuesta olvidarte

3.- Barco a Venus

4.- Maquillaje

5.- Mujer contra mujer

lunes, 11 de abril de 2022

0466.- La La (Means I Love You) - The Delfonics


La La (Means I Love You)
es el sencillo título del single de éxito de los Delfonics lanzado en 1968. Con letra y música de Thom Bell y William Hart, llegó al cuarto puesto del Billboard estadounidense, y a un meritorio puesto 19 en las listas del Reino Unido. Tuvo un éxito casi instantáneo, pero la auténtica medida del valor intrínseco de esta oda en clave soul al sentimiento de alegría que se experimenta al estar enamorado, es la influencia que ha tenido en las generaciones de músicos y cineastas posteriores.

Con su estribillo facilón (los la-la-la's del título) y su irresistible y suave melodía, consiguió conquistar a directores de la talla de Spike Lee, que la incluyó en la banda sonora de Crooklyn (1994), o Quentin Tarantino, que la incorporó a la música de Jackie Brown (1997). Es, además, la canción que Nicolas Cage le canta a su amada (Tea Leoni) en The Family Man (2000).

En el ámbito de la música, son remarcables las versiones de Booker T. and The MG's (para su disco Soul Limbo de 1968) o la de Michael Jackson y sus Jackson 5 en su álbum ABC (1970). Otras versiones interesantes serían las de Todd Rundgren en el disco A wizard, a true star (1973) y la de The Manhattan Transfer en Tonin' (1995). En 1996, Prince hizo una versión de la canción para su álbum Emancipation, adaptando el título a su particular escritura ("La, La, La Means Eye Love U") y convirtiéndola en la que probablemente sea la única canción versionada y grabada en estudio por los dos grandes tótems de la música negra de los ochenta.

domingo, 10 de abril de 2022

0465.- Summer Wine - Lee Hazlewood and Nancy Sinatra

 


Curiosa pareja la que traemos hoy, a la izquierda Nancy Sinatra, la hija mayor de Frank Sinatra y Nancy Sinatra (de soltera Barbato), y es ampliamente conocida por su gran éxito publicado en 1965, These Boots Are Made for Walkin y muchos de nosotros consideramos que 'You Only Live Twice' es el tema definitivo de Bond y ella estaba a la voz. A la derecha, Lee Hazlewood, hijo de un trabajador petrolero, pasó sus años de juventud moviéndose por los estados del sureste de los EE. UU. y creció escuchando la música pop y de raíces de la región, ingresó en el negocio de la música, inicialmente como disc jockey, pero rápidamente logró el puesto de productor musical y compositor de gran éxito y a raíz de esto fue Frank Sinatra quien se acercó a Hazlewood y le preguntó si podía resucitar la carrera de su hija mayor, Nancy. Cuenta la leyenda que Lee Hazlewood, en su rol de productor libertino, demiurgo malintencionado y genio en la sombra tomando todas las decisiones, aconsejó a Nancy Sinatra que cantara la letra de “These boots are made fo walking” como si fuera una quinceañera que entra en un bar de camioneros. O sea, que su interpretación apuntara directamente a la entrepierna de los hombres que tienen el cerebro justo ahí mismo.

El dúo es hoy en día una rara elección en la música popular, podría decirse que los mejores resultados son cuando se combinan voces masculinas y femeninas para crear un tono contrastante pero complementario. Su escasez contemporánea es algo desconcertante cuando se escuchan los ejemplos clásicos de años pasados. Nancy Sinatra y Lee Hazelwood hicieron muchas de estas colaboraciones, siendo la primera el clásico de tema ambiguo "Summer Wine". Sinatra es quizás una seductora siniestra, una prostituta con el robo en mente, con Hazelwood habitando el papel de un vaquero cansado que se convierte en su víctima involuntaria. ¿O es quizás una historia de los peligros del uso de drogas, Hazelwood el adicto lánguido y Sinatra la voz de su droga preferida? De cualquier manera, la cautivadora melodía y la exuberante orquestación de esta canción elaborada por expertos hechizan al oyente. Agregue algunos cuernos estilo James Bond y el evocador arreglo cinematográfico de barrido no puede dejar de conquistarte con su encanto seductor. Al igual que el narcótico que tal vez informa el subtexto de las canciones. La canción describe a un hombre (parte cantada por Hazlewood) que conoce a una mujer (Sinatra) que le invita a tomar una copa de vino con ella. Más tarde el hombre se despierta resacoso y la misteriosa mujer le ha robado su dinero. ¡Así que ya saben señoras y señores! tengan cuidado con quién se toman más de un vino.

Si hablamos de versiones de la misma, se han atrevido con ella artistas de la talla de Lana Del Rey junto a Barrie-James O'Neill de Kassidy, The Coors, Ville Valo de HIM junto a Natalia Avelon o Conchita Wurst, aunque desde mi humilde punto de vista, ninguna ha conseguido ese encanto especial de la que nos ocupa, si es verdad que en 2017 la cadena de ropa H & M utilizó este tema en su campaña de primavera/verano y resucitó la canción para las nuevas generaciones.

The Unforgettable Fire - U2 #mesU2


The Unforgettable Fire - U2 #mesU2

En el mes de U2, vamos con este álbum que se llama The Unforgettable Fire es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock irlandesa U2. Fue producido por Brian Eno y Daniel Lanois, y lanzado el 1 de octubre de 1984 por Island Records.

La banda quería seguir una nueva dirección musical siguiendo el rock más contundente de su álbum anterior, War (1983). Como resultado, contrataron a Eno y Lanois para producir y ayudarlos en su experimentación con un sonido más ambiental. El cambio de dirección resultante fue en ese momento el más dramático de la banda. El título del álbum es una referencia a "The Unforgettable Fire", una exhibición de arte sobre el bombardeo atómico de Hiroshima.

The Unforgettable Fire fue lanzado el 1 de octubre de 1984. El álbum tomó su nombre y gran parte de su inspiración de una exposición itinerante japonesa de pinturas y dibujos en el Museo de la Paz en Chicago por sobrevivientes de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki, Japón. 

La banda pasó unos días conduciendo por Irlanda con el fotógrafo Anton Corbijn en busca de ubicaciones potenciales. El castillo representado en la portada es Moydrum Castle. A la banda le gustó la ambigüedad de la imagen y el misticismo irlandés que vieron en ella. La fotografía, sin embargo, era una copia virtual de una imagen en la portada de un libro de 1980 In Ruins: The Once Great Houses of Ireland de Simon Marsden. Fue tomada desde el mismo lugar y usó las mismas técnicas fotográficas, pero con la adición de los cuatro miembros de la banda. Por esta infracción de derechos de autor, la banda tuvo que pagar una suma desconocida a Marsden.

Pride (In the Name of Love) fue lanzado como el sencillo principal del álbum en septiembre de 1984, y en ese momento fue el mayor éxito de la banda. Alcanzó el Top 5 del Reino Unido y el Top 40 de EE. UU. y, en última instancia, se convertiría en la canción que el grupo toca con más frecuencia en los conciertos.

The Unforgettable Fire fue lanzado como el segundo sencillo en abril de 1985. La canción se convirtió en el tercer éxito Top 10 de la banda en el Reino Unido, alcanzando el número seis en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 8 en la lista de sencillos holandesa, pero no funcionó como bien en los estados unidos

Tras su lanzamiento, las críticas fueron en general favorables. Paul Du Noyer de NME elogió el álbum y el nuevo equipo de producción de Eno-Lanois. La reseña decía: "La vieja unidad de rock de cuatro cuadrados ha sido deconstruida. En su lugar hay un paisaje sonoro panorámico, texturas múltiples, cambios sutiles en el énfasis". ¡Tony Fletcher de Jamming! dijo que no era "un álbum lleno de éxitos. Sin embargo es una colección contundente de ideas y temas atmosféricos, olvidables al principio pero extrañamente inquietantes y pronto firmemente implantados". Fletcher agregó que la producción de Eno eliminó parte del "heavy metal" de U2 y reemplazó la "emoción como fuerza impulsora". Hot Press elogió la llegada del productor Brian Eno como "un movimiento audaz". El crítico Liam Mackey dijo que el álbum era "rico y gratificante".

En Melody Maker, Adam Sweeting dijo: "The Unforgettable Fire es la otra cara de la moneda de War. Donde este último se abrió con el demoledor ritmo paramilitar de 'Sunday Bloody Sunday',... Fire se lanza al largo resplandor de 'A Sort Of Homecoming', cuya letra un tanto mística adorna la romántica carátula granate y dorada. El hecho es que si traes tu concepción establecida de U2 a este disco, te decepcionarás". Kurt Loder fue más crítico en Rolling Stone: "U2 parpadea y casi se desvanece, su fuego acumulado por una estrategia de producción mal concebida y ocasionales interludios de autocomplacencia empapada y sin canciones. Este no es un álbum 'malo', pero tampoco es la belleza irrefutable de la banda. los fanáticos anticiparon". El crítico de The Village Voice, Robert Christgau, sintió que el "idealismo romántico salvaje" y moralizante de Bono resultó ser descuidado, específicamente en "Pride" y "Elvis Presley and America", pero concluyó que esas cualidades funcionan lo suficientemente bien para él a lo largo del resto del disco "un escéptico cree temporalmente en los milagros". A fines de 1984, fue votado como el 29º mejor disco del año en Pazz & Jop, una encuesta anual de críticos estadounidenses publicada en The Village Voice.

Retrospectivamente, Bill Graham de Hot Press escribió en 1996 que The Unforgettable Fire fue el álbum más fundamental de U2 y que fue "su mayoría de edad lo que les salvó la vida como unidad creativa". Niall Stokes, también de Hot Press, dijo que "una o dos pistas no estaban bien cocidas" debido a la fecha límite, pero que fue el "primer álbum con un sonido cohesivo" del grupo en el que "U2 renació". Por el contrario, también se incluyó en el libro de 1991 The Worst Rock and Roll Records of All Time. En 2009, al revisar la edición de lujo del álbum, Will Hermes de Rolling Stone apodó el álbum como un "conjunto de transición, impredecible", pero señaló: "Cuando las cosas hacen clic, une la arena de lucha contra el poder de War. rock con la textura fetichista de... The Joshua Tree". Ryan Dombal de Pitchfork elogió a The Unforgettable Fire como "un álbum de transición de la más alta magnitud" que "fluye y refluye a lo largo del espectro entre el post-punk puntiagudo U2 de antaño y el impresionista U2 asistido por Eno en el que anhelaban convertirse".

Daniel 
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sábado, 9 de abril de 2022

0464.- Folsom Prison Blues - Johnny Cash



Folsom Prison Blues fue escrita en 1953 por Johnny Cash, pero no se grabó hasta 1955 para ser incluida en su disco debut Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar! (1957). La canción original alcanzó en 1956 el cuarto puesto del Billboard, pero no fue hasta 1968, con la versión que grabó en directo desde la prisión estatal de Folsom para su álbum en vivo At Folsom Prison (1968), cuando la canción se convirtió en un éxito absoluto, ganando el Grammy a la mejor interpretación vocal country y llegando al primer puesto de las listas de música de ese género y al 32 del Billboard Hot 100 estadounidense.

Para la grabación original, Cash se inspiró en la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), pero tomó además prestados elementos de la letra y la melodía de la canción Crescent City Blues, publicada en 1953 en el álbum conceptual Seven Dreams de Gordon JenkinsCash no incluyó a Jenkins en los créditos de la canción, y cuando Folsom Prison Blues se convirtió en un éxito, tuvo que llegar a un acuerdo compensatorio de 75.000 dólares para evitar que la demanda de Jenkins siguiera su curso.

Grabada en los estudios Sun Studio en Memphis (Tennessee) con Cash a la voz y guitarra, con el acompañamiento de Luther Perkins (guitarra) y Marshall Grant (bajo), salvaron la circunstancia de no disponer de un batería insertando un billete de un dólar bajo las cuerdas de una guitarra, y rasgueando para lograr un sonido similar al de una caja. El resultado es una obra maestra cuyo sonido mezcla magistralmente elementos del country, el rock and roll y el folclore popular de canciones de trenes y prisiones, y una de las piezas más emblemáticas de la carrera de Johnny Cash, considerada por la revista Rolling Stone como la 51 de la lista de 100 mejores canciones country de todos los tiempos.

viernes, 8 de abril de 2022

0463.- Mi calle - Lone Star


Quizás no tengan el nombre y la fama de otros grupos de los inicios del pop rock en España, pero en cambio, han tenido una trayectoria impecable, ha sido pionera del rock en España y han cantado sus temas en tres idiomas como el español, catalán e Inglés y sin duda pocos han sentido el rock de una manera tan intensa y palpitante como el grupo catalán Lone Star. La historia de Lone Star rebosa de momentos inolvidables. En 1959 Pedro Gené, natural de Barcelona y un gran músico de conservatorio, decide irse a Inglaterra y allí vive en primera persona toda la explosión y el nacimiento del rock. Regresa a España, con la intención de formar un grupo de rock and roll, contacta con sus antiguos compañeros y a la idea se le unen Rafael de la Vega al bajo, Enrique López a la batería, Enric Fusté al piano y el propio Pedro Gené a la guitarra y voz. Esta sería la primera composición de Lone Star. El nombre de “Lone Star” (estrella solitaria), se debe a la influencia que el blues sureño ejerce sobre Pedro Gené.

Ademas de amigos todos poseen una educación musical superior al resto de bandas contemporáneas, auténticos profesionales que sienten pasión por mitos como Little Ricahrd o Elvis Presley y por estilos como el Jazz, Soul, Rock o el Rythm And Blues, un estilo de música que en aquella época casi era inédita en España, Lone Star traía una propuesta demasiada moderna e innovadora para la incultura musical que reina en aquellos tiempos. En cierto modo, fueron un grupo célebre, pero al mismo tiempo semidesconocido y en ocasiones incomprendido. En 1963, son contratados por la compañía EMI, con la que graban una buena cantidad de EP’S, sin embargo, se ven condicionados ya que tienen que versionar hits extranjeros pertenecientes a otras formaciones y de alguna manera, los condenan al “versionerismo”. En 1964 llega su punto álgido de su carrera gracias a una versión que aparece en su sexto EP, el clásico “The House of the Rising Sun”. Otro de los momentos culminantes de su carrera les vino en 1967, gracias a su primer álbum “Un conjunto con antología”, en el que se recopila varios de los temas de sus anteriores EP’S, versiones, y lo que tiene una importancia vital: composiciones propias, destacando “Río sin fin”, o “La Leyenda”. Con estos temas conseguirían llegar a un acuerdo con EMI, el disco constaría de dos partes, una de versiones y en la otra se incluyen canciones propias. Y aquí en esta etapa, es donde entra el guitarrista Alex Sánchez. También ofrecen memorables conciertos de Jazz en España, algo nunca visto en nuestro país.

Y de estas mezclas sale Mi calle, que catapulta a la banda a una fama que no les duró lo que merecían. La canción es el germen del rock duro hecho en España y esta revestida de un épico texto que habla sobre la marginalidad. La canción según los miembros del grupo esta inspirada en la Calle del Robador de Barcelona, sin embargo puede aplicarse a cualquier otra calle de la gran ciudad puede ser intercambiable a cualquier nombre de cualquier ciudad. Pobreza, miseria, niños descalzos sin salud, viviendas demacradas, tabernas de mala reputación quedan reflejadas. Magnifico el poderoso fraseo con los vientos que aportan elegancia a un bajo magistral. El estribillo acelera con una batería imponente y unos coros inolvidables completan la obra maestra.

Disco de la semana 270: Guitarras Callejeras, Pata Negra



No creo que haya, en el panorama musical español, un disco con pasajes de guitarra tan densos, virtuosos y, como su propio nombre indica, tan callejeros como los de Pata Negra en Guitarras Callejeras (1986). Tampoco hay en la discografía de los hermanos Amador un disco de las características y la particularidad de esta obra. Concebido y grabado en 1979 como una serie de sesiones en las que daban rienda suelta a la innovadora técnica de tocar blues con guitarras flamencas y púa, no fue hasta 1986, y tras la publicación de dos discos de estudio con Universal - Pata Negra (1981) y Rock gitano (1983) - cuando Raimundo y Rafael se decidieron a publicar esta pequeña rareza con la discográfica Nuevos Medios. Y mira por dónde, la pequeña curiosidad que pensaban serían sus "Guitarras Callejeras" es para muchos su mejor disco.

Me incluyo entre esos muchos, porque sin ser un gran aficionado al flamenco rock o a la fusión del blues y el rock con el arte gitano, disfruto a menudo de un disco cuya escucha pasa volando y te deja con una gran sonrisa de admiración y satisfacción en el rostro cuando ha terminado. Y todo ello es culpa, principalmente, de la música de dos guitarras entrelazadas y absolutamente desbocadas, de las que emana a borbotones el intenso mestizaje de una música que proviene, a partes iguales, los oscuros callejones de su Sevilla, y de las icónicas carreteras de la ruta 66 y las fértiles orillas del Mississipi.

La paleta de estilos de Pata Negra es tan amplia, que se atreven con un corrido mexicano en el arranque con Juan Charrasqueado (un personaje y una canción que emparentan con el Hey Joe de Jimi Hendrix, pero que lo superan en intensidad y espíritu canalla), o a superar con nota una versión desnuda y acústica de Los managers, con el mismo desparpajo con el que se lanzan a los brazos del rock and roll en las excelsas Pata PaloRock del Cayetano, que poco después fue versionada por Los Ronaldos.

Las letras son por momentos afiladas y ocurrentes, como en la certera postal del extrarradio y la mala vida que es Ratitas Divinas, pero no pasan de ser un acompañamiento a las auténticas protagonistas del disco: Las guitarras, descarriladas e imparables, dibujando paisajes llenos de energía y colorido, en una enorme demostración de descaro y poderío callejero. Por eso no se echan en falta los versos, en instrumentales de la talla de Morao Mellizo o La Pata Negra. No es que sobren las palabras, es que es difícil cantarlas al unísono cuando te has quedado literalmente boquiabierto.

Habrá voces, más entendidas en la materia, que prefieran discos más trabajados y producidos como el célebre Blues de la frontera’ (1987), pero yo lo tengo muy claro. No llego a tanto, y la frontera para mí queda demasiado lejos. Prefiero perderme en los serpenteantes callejones de una obra tan intrincada como directa, tan desnuda como exuberante. Yo no me subo todavía, yo me quedo en la calle, que aún es pronto para recogerse, y me parece oír unas guitarras a lo lejos.

jueves, 7 de abril de 2022

1 artista, 3 canciones: The Supremes

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.




THE SUPREMES

Formado en Detroit en los años 60 por unas adolescentes, The Supremes se convirtieron en el grupo más grande de Motown de los años 60 y el "grupo de chicas" más exitoso de todos los años 60. Originalmente llamadas Primettes, el grupo estaba formado por Diane Ross, Florence Ballard, Mary Wilson y Betty McGlown (luego reemplazada por Barbara Martin, quien dejó el grupo como un trío por 1964). Se juntaron en 1959 y pronto hicieron realidad el sueño de muchos habitantes de Detroit, ser contratados por el nuevo sello musical Motown.

El éxito tardo en llamar a su puerta, durante el periodo comprendido entre 1962 y 1964, las Supremes lanzaron una serie de sencillos sin éxito, trabajando con diferentes compositores y vocalistas principales alternos. Barbara Martin que estaba embarazada, dejo el grupo y redujo la formación a un trío, y tras sugerencia de Gordy, Ballard fue reemplazada como la vocalista principal habitual del grupo por Diana Ross. En 1964, Gordy los unió a Holland-Dozier-Holland y publicaron "Where Did Our Love Go”, al fin dieron con la tecla, la canción alcanzó el número 1 en las listas de Pop y Soul y marcó el camino para el éxito del grupo durante la próxima media década, la formula era publicar una serie de sencillos engañosamente simples y pegadizos donde destacaba la voz tenue de Ross y los coros cantados de Ballard y Wilson. El grupo lanzó cinco sencillos #1 consecutivos en el siguiente año, incluidos "Baby Love", "Stop! In the name of love”, “Come See About Me” y “Back In My Arms Again. Todos estos sencillos giraban en torno a ritmos insistentes, muy bailables, con letras y melodías repetitivas, que no suponían un gran esfuerzo para la frágil voz de Ross. Con su aspecto de chicas de al lado y su comportamiento encantador y poco sofisticado, The Supremes se convirtieron en modelos a seguir para los jóvenes estadounidenses negros. El magnetismo de Ross en el escenario y la creciente obsesión personal de Berry Gordy con ella, la llevaron a convertirse en la primera entre iguales, y en 1967 el grupo fue rebautizado como "Diana Ross & the Supremes", con las talentosas Wilson y Ballard en un desafortunado segundo plano. Aquello afecto a las dos integrantes del grupo que estaban siendo eclipsadas, Florence Ballard se había vuelto cada vez más infeliz en el papel secundario al que Berry Gordy la había enviado, y su comportamiento ocasionalmente errático y problemático se usó como un excusa para obligarla a salir del grupo, fue reemplazada por la ex Bluebell Cindy Birdsong. En 1967 se iba a producir un hecho que iba a tambalear el camino de éxito de The Suprems, Holland-Dozier-Holland dejaron la Motown para formar su sello Invictus y The Supremes se quedaron sin sus exitosos compositores. Aun asi durante los siguientes dos años, el grupo continuó publicando éxitos (aunque también algunos fracasos) con escritores de The Motown como Ashford & Simpson, incluidos "Love Child" y "The Happening". A pesar de la creciente fricción dentro del grupo, las Supremes eran más grandes que nunca y habían conquistado tanto Las Vegas como la televisión. En 1968 también formaron equipo con The Temptations, y su dúo "I'm Gonna Make You Love Me" se convirtió en un éxito instantaneo.

Diana Ross dejo el grupo e inicio su carrera en solitario, fue reemplazada por Jean Terrell, hermana del boxeador de peso pesado Ernie Terrell. La nueva formación, con Terrell y Mary Wilson alternando las funciones vocales principales, obtuvo un éxito inmediato con "Up The Ladder To The Roof" a principios de 1970, y con "Stoned Love", el mayor éxito del grupo en el Reino Unido durante cuatro años, revivió recuerdos de sus primeros éxitos con su base rítmica y gancho repetitivo. The Supremes también intentaron revivir la atmósfera de sus grabaciones anteriores con Temptations , en esta ocasión con una serie de álbumes junto a Four Tops. Gradualmente, su impulso se fue perdiendo, y cuando Motown cambió su centro de actividad de Detroit a California, las Supremes se quedaron atrás. El último éxito del grupo con Ross, el conmovedor "Someday We' ll Be Together”, fue un “testamento” muy apropiado para una de los grupos de Soul más exitoso de todos los tiempos.

Pasados los años comprobamos como la luz de las Supremes ardió como un cometa, brillando increíblemente brillante y breve, y aunque sus éxitos masivos de 1964 a 1969 no han envejecido tan bien como el trabajo The Temptations de ese período, en cualquier medida todavía deben ser considerados como uno de los mayores éxitos del pop/soul de esa época y del grupo: Diana Ross, Flo Ballard, Mary Wilson y Cindy Birdsong, fueron las prtoagonistas uno de los grandes grupos de Soul de todos los tiempos.


VOTACIONES

1.- You keep me hangin' on: Diana Ross combina la intensidad de la música con una de sus interpretaciones vocales más poderosas, mientras que Mary Wilson y Florence Ballard brindan su presencia habitual, la cancion sirvió como una especie de puente entre el pop inmaculado de los primeros éxitos de Motown y los sonidos más duros de la música soul de finales de los sesenta. cuenta la historia de un 'homme fatal', que atormenta sádicamente a una mujer sensible que en realidad no quiere, un tema fascinante para una canción pop.

2.- You can´t hurry love: Diana Ross está describiendo cuánto anhela el amor y, en su propia impaciencia, le pide consejo a su madre, presumiblemente anticipando algo concreto y satisfactorio al instante, pero su madre no quiere decepcionarla con cuentos de hadas y promesas de pociones de amor u otros. soluciones de aceite de serpiente, fingiendo que sabe exactamente lo que se necesita para encontrar el amor, por lo que en cambio es completamente honesta: "no puedes apurar amor, solo tienes que esperar, el amor no es fácil, es un juego de dar y tomar, tienes que confiar y darle tiempo sin importar cuánto tiempo tome”.

3.- Where Did Our Love Go: Fue la primera canción de The Supremes en encabezar las listas pop estadounidenses, una hazaña que el grupo lograría una docena de veces, incluso con los cuatro sencillos consecutivos lanzados después de este. Aunque relativamente simplista en su construcción, la pista de 1964 es una pieza inmaculada de perfección pop.


0462.- Shapes of Things - Jeff Beck

 

Shapes of Things, Jeff Beck


     En 1968 se produce el debut del guitarrista inglés Jeff Beck con Truth. Este álbum debut es publicado por el sello discográfico EMI, subsidiario de Columbia Records, en Reino Unido y por el sello Epic records en Estados Unidos. Después de dejar The Yardbirds, Jeff había publicado tres sencillos en solitario, y todos habían tenido una gran recepción en las listas de ventas del Reino Unido. Animado por este hecho, decide publicar su primer álbum de estudio, y para ello cuenta con Rod Stewart en la voz principal, Ronnie Wood al bajo, y Micky Waller a la batería.

El disco es grabado entre los estudios Abbey Road, Olympic y De Lane Lea, todos de Londres, entre el 14 y el 26 de mayo de 1968. Incluido en este álbum debut se encuentra el tema Shapes of Things, el cual no era nuevo, pues la canción ya había sido grabada por el mismo Jeff Beck junto con The Yardbirds. La canción había sido publicada en 1966 por el grupo, y presentaba un sonido oriental, un sólo de guitarra cargado de un efecto de ganancia llamado retroalimentación. y unas letras en pro del medioambiente y en contra de la guerra. De hecho este tema está considerado por muchos expertos en la materia como uno de los primeros temas de rock psicodélico. El tema fue escrito y compuesto por los componentes del grupo Jim McCarty, Keith Relf y Paul Samwell-Smith. Jeff Beck decidió grabarla de nuevo en su álbum debut en solitario, y para ello realizó nuevos arreglos. El tema con estos nuevos arreglos fue considerado como uno de los precursores del género heavy metal, y ha sido incluida en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" de "Las canciones que dieron forma al Rock and Roll".

miércoles, 6 de abril de 2022

0461.- Daydream Believer - The Monkees

0461 - Daydream Believer - The Monkees

John Stewart escribió "Daydream Believer" como la tercera de una trilogía de canciones sobre la vida suburbana, recordando: "Recuerdo que me fui a la cama pensando: 'Qué día más perdido, todo lo que he hecho es soñar despierto'. Y a partir de ahí escribí toda la canción. Nunca pensé que fuera una de mis mejores canciones. En absoluto".

La canción fue rechazada por We Five y Spanky and Our Gang. Mientras asistía a una fiesta en la casa de Hoyt Axton en el Laurel Canyon de Hollywood, el productor Chip Douglas le dijo a Stewart que ahora estaba produciendo a los Monkees y le preguntó si tenía alguna canción que pudiera funcionar para el grupo. Stewart ofreció "Daydream Believer" La canción se grabó durante las sesiones para el álbum de los Monkees de 1967 Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd., pero finalmente se incluyó en su álbum de 1968 The Birds, The Bees & the Monkees. 
Los cuatro Monkees aparecen en el tema; además de la voz principal de Jones, Michael Nesmith toca la guitarra principal, Peter Tork toca el piano y Micky Dolenz hace los coros. Tork creó la introducción al piano, y el arreglo orquestal fue creado por el trompetista y compositor de jazz Shorty Rogers, que incluyó la misma frase de siete notas que precede al estribillo y que se puede escuchar en "Help Me, Rhonda" de los Beach Boys.

Daydream Believer como hemos dicho es una canción compuesta por el compositor estadounidense John Stewart poco antes de dejar el Kingston Trio. Fue grabada originalmente por The Monkees, con Davy Jones como cantante principal. El sencillo alcanzó el número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos en diciembre de 1967, donde permaneció durante cuatro semanas, y llegó al número 5 en la lista de singles del Reino Unido. Fue el tercer y último éxito número 1 de The Monkees en Estados Unidos.

Daniel 
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#MesU2: War - U2

 

En general el sonido de War se encuentra a medio camino entre el estilo post-punk de sus predecesores y la vibra de "rock épico" de los próximos discos como The Joshua Tree. En particular, el álbum se deshace de la estética turbia y el canto oscuro que fue predominante en October y nos deja un álbum de mayor accesibilidad sin olvidar el post-punk. War es también el último disco de U2 lanzado antes de la famosa colaboración de la banda con Brian Eno. El veterano productor de U2, Steve Lillywhite, había comenzado a enfatizar el melodismo cambiante que Eno provocaría en The Unforgettable Fire. En cuanto a las melodías vocales, Bono ha aumentado el dramatismo, pero no parece dispuesto a abandonar por completo el marco post-punk. Si miras más allá de un puñado de pistas de grabación más lenta, es en las melodías vocales donde War suena más retrospectiva. Es algo magnifico, la banda es lo suficientemente joven como para que puedas escuchar todos sus sudorosos impulsos biológicos alimentando la política, el estado de ánimo que prevalece es ansioso, casi defensivamente hormonal. Desde el punto de vista de la producción, es un álbum súper divertido porque las guitarras suenan crudas y enojadas como el infierno, pero el bajo rebota con la batería para lograr ese sonido clásico de Joy Division. Creo que Steve Lillywhite es un ejemplo realmente interesante y poco convencional del sonido de los 80, que aporta muchos de los trucosque aprendió de Martin Hannett, pero deja entrar un poco de aire fresco para mantener fresca la instrumentación.

El álbum empieza con Sunday Bloody Sunday, la canción ya es un clásico intemporal de U2, que fue inmortalizada con su famosa interpretación en el War Tour, cuando Bono izó la bandera blanca de rendición y gritó "¡No más! ¡No más! ". Ritmo militar, batería furiosa e implacable, guitarra agresiva, Bono esta sublime y además te encuentras un violín que suena fantástico. El texto habla de una tragedia ocurrida el 30 de enero de 1972: el ejército inglés abre fuego en Derry (Irlanda del Norte) sobre la multitud reunida para una manifestación pacífica, matando a 14 personas e hiriendo a otras numerosas y una letra donde demuestras la rabia y la tristeza, pero no de revuelta como dice Bono durante el concierto en Colorado: "Esta canción hizo hablar mucho a la gente, quizás demasiado, esta no es una canción de revuelta, esto es Sunday, Bloody Sunday"….. “No puedo creer las noticias de hoy…”.  

Seconds a pesar que parece una procesión de marcha, las letras son devastadoramente estremecedoras, lo que me hace aferrarme aún más a los hermosos interludios donde Bono es solo una especie de suspiro, me encanta cómo es tan sarcástica y pegadiza, mientras habla de la guerra concretamente la nuclear ya que a lo largo de la década de 1980 se hablaba claramente de la posibilidad de una guerra atómica. En esta canción se pueden sentir los sentimientos de ira e impotencia ante la posibilidad de que un puñado de políticos pueda destruir el mundo entero en segundos. New Year's Day, otra gran canción, inspirada en el levantamiento popular en Polonia a principios de la década de 1980, encabezado por el sindicato independiente Solidaridad. En diciembre de 1981, el primer ministro polaco, general Jaruzelski, hizo arrestar a Lech Walesa (presidente del sindicato) y proclamó la ley marcial, disolviendo oficialmente el sindicato. El texto luego habla de dos amantes distantes. Musicalmente es perfecto: sólida base de bajo y batería, fantástico Bono en la voz, Edge hace magia entre piano y guitarra. Like a Song, venimos de tres temas muy potentes y puede que este nos parezca que baja el nivel, de nuevo presente el tema de la guerra, de nuevo otra pieza agresiva en la que la batería y la guitarra que se ven acompañadas de una gran voz……. hay miles de "pequeñas" guerras, libradas en pequeñas realidades, entre bandas que se enfrentan sólo por un pin o una bandera, por un credo político o una religión diferente…… aquí está la clave de esta canción, cruda verdad. Drowning Man es el experimento The Cure de U2, es una cosa rara, una forma de bajarte a la tierra, una parada abrupta por un camino que nos llevaba a la gloria, no entiendo cómo se coló esta canción, es lenta y aburrida para mí, de hecho, para mi es la peor canción del álbum, aunque eso no significa que la canción sea terrible, la salva un enorme bajo, siempre constante, la percusión elegante y sobre todo Bono quizás en uno de sus momentos mas brillantes……… y el violín que regresa después de Sunday Bloody Sunday.


The Refugee es una canción interesante lejos de lo mejor del álbum pero tampoco la nombraríamos como un relleno, encaja con la tematica de la guerra, el texto habla de la guerra que causa dolor, miseria y poblaciones de refugiados huyendo y la canción se centra en una pequeña refugiada cuyo padre se fue a luchar y ella se quedó sola con su madre y como intentan escapar a un país rico y pacífico. Two Hearts Beat as One tiene la particularidad que la letra se interconecta con la letra de "Sunday Bloody Sunday", y eso la vincula con el tema de la guerra, mientras que también puede considerarse una canción de amor si la miras desde otro ángulo y mas cuando fue escrita por Bono en su luna de miel, una canción dedicada a su esposa. Red Light tiene un comienzo magistral, pero luego la canción se vuelve bastante normalita, es la historia de un chico enamorado de una prostituta que intenta convencerla de que abandone la calle ofreciéndole su amor. Surrender podría ser como dicen ahora en el cine el sleeper del año, nadie contaba con ella pero podría ser el mejor recuerdo que guardes del álbum, empieza con unas texturas tan bonitas y resignadas que querrás tumbarte a descansar durante mil años. Pero luego entra Bono, con ese canto áspero pero hábil que te hace resucitar de entre los muertos nuevamente. El texto nos cuenta la historia de Sadie, que no logra integrarse en la sociedad y renuncia a todo. Cierra el álbum 40, una canción que se publicó de casualidad, al final de la grabación de War, aún quedaba una pieza para completar el álbum, por lo que, en los últimos 20 minutos disponibles, U2 improvisó esta canción, Bono tomó la Biblia y cantó las palabras del Salmo 40… y quedó tan bien que en los conciertos esta es la pieza de cierre, Edge y Adam intercambian sus roles con este último en la guitarra y Edge en el bajo.


War fue un álbum diferente de los otros dos, el salto de calidad es que era mucho más audaz y mucho más que un álbum de rock. Realmente revolucionó a la banda y los envió por el camino que siguieron durante el resto de la década de 1980. Su uso del niño nuevamente en la portada de su álbum representa un nuevo comienzo y un renacimiento en un nuevo género.

martes, 5 de abril de 2022

0460.- Time of the season - The Zombies

 

Time of the Season, The Zombies


     El 19 de abril de 1968 se publica en Reino Unido Odessey and Oracle bajo el sello discográfico CBS Records, el segundo álbum de estudio de la banda inglesa The Zombies. El disco fue grabado entre junio y agosto de 1967 en los estudios Abbey Road y Olympic de Londres. El disco fue alcanzando gradualmente la fama hasta convertirse en uno de los discos más aclamados de la década de los 60. En 2020 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto número 243 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Mucho ayudó el sorpresivo éxito que obtuvo a principios de 1969 una de sus canciones, concretamente Time of the Season, en Estados Unidos. Fue el visionario productor de CBS, Al Kooper el que recomendó lanzar el disco en Estados Unidos a través del sello Date Records.

Time of the Season fue escrita por Rod Argent, grabada en los Abbey Studios de Londres y lanzada como sencillo en marzo de 1968. La canción, como hemos comentado anteriormente, se convirtió en todo un éxito algo más de un año después en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 3 en la famosa lista Billboard Hot 100 y el puesto número 1 en el Cashbox Chart. Con el tiempo este tema se ha convertido en una de las canciones más populares y reconocibles del grupo, convirtiéndose además en todo un himno de la psicodelia de la década de los años 60. 

Time of the Season hace uso del llamado efecto de voces de llamada y respuesta entretejidas con la colaboración del psicodélico ritmo de teclado de Rod Argent, el tema se construye desde el inicio alrededor de la línea de bajo con el que comienza la canción, y al contrario que los habituales de la época, el estribillo dura únicamente ocho segundos y se repite tres veces durante el tema. Curiosamente la banda se había separado a finales de 1967, poco después de grabar el álbum. cuando se lanzó este en abril de 1968 se vendió bastante mal. Todo cambiaría cuando Time of the Season tuvo gran éxito en Estados Unidos, en parte gracias a la visión de Al Kooper. Aprovechando el gran éxito conseguido, los miembros de la banda Rod Argent, Paul Atkinson y Hugh Grundy volvieron a juntarse, ya sin el cantante Colin Blunstone, en un intento de reflotar la banda aprovechando la mieles del éxito, pero este intento duraría poco y a a finales de 1969 el grupo volvía a disolverse.

Grandes éxitos y tropiezos: Smashing Pumpkins

Grandes éxitos y tropiezos: Smashing Pumpkins 

Sm
ashing Pumpkins irrumpió en la escena musical con un segundo álbum, Siamese Dream de 1993. Y construyó su audiencia con extensas giras y su siguiente álbum de 1995, fue el doble álbum Mellon Collie and the Infinite Sadness, que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en los Estados Unidos.
Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.

En 2006, Billy Corgan y Jimmy Chamberlin se reunieron para grabar un nuevo álbum de Smashing Pumpkins, Zeitgeist. La banda se fue de gira con una alineación rotativa de entre cinco y nueve músicos en gran parte de 2007 y 2008 con un nuevo miembro Jeff Schroeder después de que Chamberlin abandonara la banda a principios de 2009. Pero nada demostrará lo que Smashing Pumpkins mostró ser durante la década de los 90.

Para ello le traemos una selección de discos que lograron consagrar a esta banda, y deberías tener en tu discografía o al menos si no los conoces escuchar. 

Vamos a comenzar con Gish su primer álbum del año 1991.El álbum fue lanzado el 28 de mayo de 1991 por medio de la compañía discográfica Caroline Records. Publicado de forma independiente, comenzó a ganar popularidad meses más tarde después de que Nevermind de Nirvana despertarse el interés por el grunge y por el rock alternativo en general.

Pero su primer gran éxito será Siamese Dream su segundo álbum de estudio que fue editado y lanzado en el año 1993, el álbum fusiona diversos tipos de rock como shoegaze, dream pop, rock psicodélico, grunge, noise pop, heavy metal y hard rock. Este álbum se considera uno de los discos más importantes de la década de los 90s, así como uno de los trabajos que ayudaron a popularizar el rock alternativo. 

Y un tercer álbum que no deberías dejar pasar es Mellon Collie and the Infinite Sadness, este álbum traerá veintiocho canciones, y se lanzó en un formatos de CD doble y triple vinilo y fue producido por el líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder. 
El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D'arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.
Mellon Collie and the Infinite Sadness, fue lanzado luego de extensas giras en el año 1995, y recibió buenas críticas por su ambición y alcance, y recibió siete nominaciones a los Premios Grammy en 1997.

Pero la suerte de la banda llegaría a su fin en 1998, se publica Adore su cuarto álbum de estudio pero ya no será lo mismo. 
Adore marcó un cambio en el sonido de la banda, la revista Rolling Stone dijo que «no es un álbum tradicional; es una ruptura total con el pasado». Su anterior sonido, orientado a la guitarra, se sustituye por un sonido más tranquilo y orientado a la música electrónica, e incorpora caja de ritmos y sintetizadores. Para el lanzamiento, la banda se despojó de su imagen alternativa para pasarse a un look más gótico. Corgan dijo: «Adore sonará como un álbum conceptual, pero sin concepto». 
Desde aquí ya no será lo mismo hasta su roptura en el año 2000, y retomarán años después con Zeitgeist (2007), Es el primer álbum de estudio que lanzó el grupo, tras la disolución del año 2000 y la posterior reunión de 2005. Billy Corgan y Jimmy Chamberlin son los únicos miembros originales del grupo que grabaron el álbum. 

Smashing Pumpkins una banda con un sonido alternativo que deslumbró la década de los 90, pero luego fue perdiendo su esplendor, pero que no debes dejar de tener en tu discografía o al menos escucharlos. 

Daniel 
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lunes, 4 de abril de 2022

0459 - Sky Pilot - The Animals

0459 - Sky Pilot - The Animals 

Sky Pilot es una canción de 1968 de Eric Burdon & The Animals, publicada en el álbum The Twain Shall Meet. Cuando se publicó como sencillo, la canción se dividió en dos partes, debido a su duración de 7:27 minutos.
Sky Pilot alcanzó el número 14 en las listas de pop de Estados Unidos y el número 15 en la lista de RPM de Canadá.

La canción es una balada sobre la historia de un capellán que bendice a un grupo de tropas justo antes de que salgan en una incursión o patrulla nocturna, y luego se retira a esperar su regreso.

Sky Pilot está organizado en tres movimientos: una introducción, un interludio programático y una conclusión.

La introducción comienza con el verso citado anteriormente, cantado a capela y en solitario por Eric Burdon. A continuación, la banda se une con instrumentos para el estribillo. Siguen varias iteraciones verso-estribillo, dejando la historia con los "chicos" que se han ido a la batalla y el Sky Pilot retirado a su cama. Las estrofas son musicalmente escasas, dominadas por la voz y un bajo palpitante, con una guitarra acústica rasgueada y una batería mezcladas en silencio.

El interludio comienza como un solo de guitarra, pero la guitarra se sumerge rápidamente bajo un montaje de sonidos de batalla. Primero aparecen los aterradores sonidos de un ataque aéreo con las sirenas, luego el ataque aéreo y la banda de rock se desvanecen en los sonidos de gritos, disparos y gaitas. Hacia el final del interludio, los sonidos de la batalla se desvanecen, dejando brevemente a la gaita tocando sola antes de que comience el tercer movimiento. La música de las gaitas es una interpretación de los Royal Scots Dragoon Guards que tocan All The Blue Bonnets Are Over the Border. Según una historia no verificada, los gaiteros fueron grabados a escondidas por Burdon, lo que provocó que el gobierno del Reino Unido enviara a la banda una carta de queja.

La conclusión comienza con el regreso del bajo y la guitarra acústica rasgada, acompañada de cuerdas. Tras unos compases, se reanudan las estrofas, pero con un ambiente más tranquilo y melancólico: se canta una estrofa con bajo, guitarra y cuerdas, y luego, sin pausa coral, se canta una última estrofa con bajo, guitarra y vientos. Durante esos últimos versos, los "Soldados de Dios" habían hecho un buen trabajo derrotando a los enemigos, por la ayuda de su país, sin embargo, los soldados que regresan, con lágrimas en los ojos, se replantean su misión. Uno de los soldados que regresa se siente más perturbado, con los olores de la muerte, cuando mira al Piloto del Cielo, recordando el mandamiento: "No matarás". Finalmente, una fuerte línea de bajo anuncia el regreso del coro, ahora acompañado de cuerdas, trompas y flautas de pico, que se repite varias veces mientras se desvanece, con la sección repetida de que el Sky Pilot nunca podrá alcanzar el cielo, por muy alto que vuele. La sección instrumental es la de una marcha fúnebre militar. El efecto musical es muy optimista, en marcado contraste con el contenido "deprimente" de la letra del movimiento.

Daniel 
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domingo, 3 de abril de 2022

0458: Ain't got no - I got life - Nina Simone



Dos canciones por el precio de una. Eso es Ain't got no / I got life (No tengo... / Tengo la vida), el sencillo de Nina Simone extraído del álbum Nuff Said (1968). Las dos partes diferenciadas de las que se compone la canción ("Ain't got no" y "I got life") fueron originalmente publicadas como canciones separadas que formaban parte del repertorio del musical Hair, pero al juntarlas en la versión de Nina Simone, las letras de James Rado y Gerome Ragni alcanzan una dimensión mayor y enlazan a la perfección: "Ain't got no" es un lamento en forma de enumeración de todas las cosas que Nina echa de menos tener, mientras que "I got life" es la aseveración final en la que comprende que nada de eso es relevante, porque lo que hay que valorar es el regalo de la vida.

La adaptación de Nina Simone fue grabada en dos versiones muy diferentes. La primera versión, una pieza de jazz delicado, incluía al comienzo un tramo de piano que se repetía. A diferencia de la versión publicada en el sencillo, en la canción incluida en Nuff Said se añadieron aplausos al principio y al final, creando la sensación de un falso directo, además de incluir overdubs adicionales de batería y voz. La segunda versión de la canción está reforzada por una sección de metales, y el piano jazzístico de la primera es sustituido por un riff de guitarra que le da un aire más rockero.

Ain't got no / I got life fue un gran éxito en la carrera de Nina Simone, ascendiendo rápidamente al puesto nº 2 de las listas de ventas del Reino Unido, y llegando a alcanzar el primer puesto en los Países Bajos. En Estados Unidos no tuvo tanto recorrido, estancándose en el puesto 94 del Billboard. En 2006, un nuevo remix de la canción la situó de nuevo en las listas de ventas del Reino Unido (llegando a la posición nº 30) e Irlanda (nº 9). Gracias en gran parte a su utilización en diversos anuncios televisivos, su popularidad ha perdurado hasta nuestros días, formando parte de las 1001 Canciones Que Debes Oír Antes de Morir. Puede que a Ain't got no / I got life le faltaran muchas cosas, pero sigue teniendo mucha vida por delante.

#MesU2: Boy - U2

 


Todos los artistas tienen comienzos humildes, empecemos con Boy el álbum debut de U2 de 1980, y encontramos que tiene más en común con la atmósfera melancólica de Joy Division que con los megahits de estadios de sus trabajos posteriores. Es cierto que no es tan oscuro como Joy Division, pero muestra una estética post-punk similar a ellos y por momentos recuerda a bandas como Echo & The Bunnymen o Television. Estos muchachos de Dublín, Irlanda, apenas habían salido de la adolescencia cuando lanzaron este agresivo debut en un mundo musical que estaba comenzando a experimentar con híbridos de punk y new wave, ellos extraen su fuente del mismo pozo que la música punk, pero U2 prescinde del nihilismo del punk y lo reemplaza con contenido que es de naturaleza más edificante. Boy es un buen punto de partida para U2 regalándonos un enérgico post-punk en algunos temas, que demuestra que la banda era más que capaz de escribir melodías amigables, o encontramos canciones que evocan paisajes de sonido y misterio, mostrando la afinidad posterior de las bandas por los sonidos ambientales en capas. Para ser un grupo de adolescentes, Boy es un álbum impresionante, como álbum debut, es un punto de partida interesante y sólido para U2, quien por supuesto se convertiría en uno de las bandas más exitosos en la historia de la música. Como trabajo independiente, es un disco post punk muy bueno y seguramente uno de los más fuertes de su época.


La canción de apertura y que sirvió de primer sencillo del álbum lleva por título I Will Follow, The Edge comienza con un cambio de acorde mayor-menor repetitivo antes de que entren el rasgueo del bajo de Adam Clayton y los estruendosos tambores de Larry Mullen y el glockenspiel. La canción está llena de energía y habla de una inquietud que no se sacia permaneciendo en un lugar, es un himno a las creencias religiosas del grupo (tres de los miembros eran católicos devotos en ese momento), sin embargo, por la forma en que Bono grita “Te seguiré” en la parte superior, es difícil determinar si es a Dios a quien está eligiendo o al ritmo irresistible que el grupo le prepara. Años más tarde se descubrió que en el fondo la letra trata sobre la muerte de la madre de Bono y los impulsos casi suicidas que probablemente sintió a raíz de su fallecimiento. Bajo esa luz, las letras son casi aterradoramente oscuras. Twilight, tiene referencias bastante obvias al crecimiento "Mi cuerpo crece y crece/Me asusta, ¿sabes?", la pista se abre con un riff cromático y resonante que recuerda algo de Marquee Moon de Television, mientras el bajo se mueve con un patrón de acordes oscuros y descendentes, también encontramos los primeros intentos de The Edge en un solo de guitarra (digamos que tuvo mejores en él). Pero la exuberante voz de Bono junto con la interpretación feroz de Clayton y Mullen hacen que la canción sea muy buena. La pista de ritmo primitivo e hipnótico que se encuentra en An Cat Dubh suena como si U2 hubiera estado escuchando atentamente a Echo and the Bunnymen, los extraños efectos de sonido, los licks nítidos de la guitarra de Edge y las interjecciones "shee-kah" de Bono crean una misteriosa pieza de ambiente, como caminar por los páramos en medio de una densa niebla. Es difícil saber si la mujer bruja a la que canta Bono es una amante despreciada o el mismo diablo. Lo cierto es que Bono busca refugio en este enfrentamiento.


Llega Into the Heart, con el bajo de Clayton marcando el tiempo detrás de él y el glockenspiel respondiéndole, The Edge crea una atmósfera oscura pero acogedora antes de que Bono grite con el sonido de la inocencia…. “En el corazón de un niño me quedo un rato donde puedo volver”, la voz de Bono sube y se quiebra mientras la banda cambia el ritmo para animarlo. Continúa cantando hasta que su voz se convierte en un gemido y la banda se ralentiza al tempo original. Antes de que los acordes finales de The Edge cierren "Into the Heart", el bajo se eleva y somos catapultados a una época en el corazón de este niño cuando estaba "fuera de control". El sonido de la guitarra y el golpe de los tambores imitan el salvajismo de la juventud. "Out of Control", fue escrita por Bono cuando cumplió 18 años, ya bullía su mente porque en ella trata de entender los dos eventos más importantes en la vida de uno, el nacimiento y la muerte, respectivamente, para llegar a la conclusión que están totalmente fuera de nuestro control, pero no todo es filosofía un gran puente ambiental hace de este uno de los mejores temas del álbum. “Stories for Boys” es quizás la canción más rockera del álbum, Bono canta sobre cómo debe sentirse uno cuando es poseído por los héroes de los libros y los programas de radio y televisión, a veces, el protagonista parece perderse en los programas de televisión en una búsqueda de consuelo ante la realidad que tiene, pero lo realmente relevante es el trabajo de percusión de Mullen.


"The Ocean" abre la cara B, es una pequeña canción interesante que termina casi tan pronto como comienza, un pequeño y agradable interludio, pero con sus efectos de sonido “glug glug” un tema audaz musicalmente sin duda. En "A Day Without Me" el cantante se está despidiendo de su vida anterior, podría ser de su infancia o simplemente de una vida que quiere dejar para recorrer una nueva aventura, en el tema escuchamos como se para en la cima de una colina para echar un último vistazo a la vida que está dejando atrás antes de embarcarse en la siguiente fase. Hay un sector que opina que es un velado homenaje a Ian Curtis, el malogrado líder de Joy Division. "Another Time, Another Place" es quizás la canción más floja del álbum, parece que se han quedado sin pilas, sin ideas, sin ganas, quizás me equivoque, pero huele a relleno total, aun así, es U2 y es audible. En de “The Electric Co.” La banda vas más allá de los limites, todo es excesivo y pero la banda toca explosivamente en todo momento. “Shadows and Tall Trees” (titulada así como un capítulo de El señor de las moscas) cierra el álbum con un caprichoso paseo por el vecindario después del anochecer. El estado de ánimo no es tan aterrador como en An Cat Dubh, y nos sugiere que nuestros niños se han convertido en hombres que ya no temen a lo desconocido, refleja perfectamente los sentimientos progresivos de inseguridad y melancolía que acompañan la transición a la adolescencia.

Con la publicación de Boy, U2 comenzó una trepidante carrera que los llevaría a las alturas y los confirmaría como una de las bandas más grandes del mundo. Y en retrospectiva, tal vez tiene sentido repasar este pequeño disco post-punk delgado y mezquino y ver de dónde venían para convertirse en una banda que no paraba de lanzar éxitos de ventas multiplatino y llenar de fans enfervorecidos cuando daban un concierto en cualquier lugar del mundo…. Vemos que eran inocencia y encanto desde el minuto uno...

sábado, 2 de abril de 2022

0457.- The Hurdy Gurdy Man - Donovan

 


Es una de esas canciones mágicas y queridas que definen tanto a un artista como a una era. Escrita, grabada y lanzada en 1968, “Hurdy Gurdy Man” resuena con un poder atemporal que hierve a fuego lento incluso ahora. Está presente tanto en la canción como en la brillante interpretación de Donovan. Los relatos oficiales sobre los orígenes de esta canción afirman categóricamente que Donovan la escribió mientras estaba en la India con The Beatles. Un amigo cercano de George Harrison y devoto de la meditación, Donovan fue invitado a unirse a The Beatles, sus esposas y algunos amigos, en Rishikesh, India, para estudiar con el Maharishi en febrero de 1968, y es que estamos ante un clásico de los años 60 flower child, mermelada psicodélica, usando los fuegos artificiales de la guitarra de Jimmy Page y algo de vibrato en la voz de Donovan para quizás su mejor rockero supergroovy. Los sublimes arreglos de Mickey Most cuentan con la ayuda del fluido contrabajo de Danny Thompson, que a menudo da una sensación de jazz, y el elegante Harold McNair es más encantador que nunca con la flauta y el saxo, añadiendo florituras a la cadencia escocesa de Donovan Leitch. Para entender la magia y el significado de esta canción podemos recordar la explicación de Donovan sobre quién es realmente el Hurdy Gurdy Man…. son todos cantantes que cantan canciones de amor. La zanfona es un instrumento del siglo XVI. El Hurdy Gurdy Man es un cronista, el Hurdy Gurdy Man es como un bardo, el Hurdy Gurdy Man es cualquier cantautor de cualquier época, ya sea en Irlanda o en las calles de Nueva York durante los años 60. Cabe destacar que, aunque su primera opción para acompañarlo a la guitarra era la de Jimi Hendrix, podemos encontrar en este tema al gran Jimmy Page, acompañando al cantautor Escoces.

 

Siempre con la voz suavemente confiada y la ágil guitarra acústica del suave Donovan para estas historias de un juglar con los ojos muy abiertos. He escuchado este álbum caprichoso tantas veces (me ha visto a través de innumerables galletas cósmicas y tés de hierbas, Goddfrey) y nunca me canso del ciclo de canciones ultramelódico y perfectamente formado. Desde la portada hasta las melodías mágicas que contiene, The Hurdy Gurdy Man es uno de los secretos mejor guardados de una era dorada de la música pop, ¡Fantasmagoría para los oídos y diversión asegurada para todos!

viernes, 1 de abril de 2022

0456 - Mrs. Robinson - Simon & Garfunkel

0456 - Mrs. Robinson - Simon & Garfunkel

Simon & Garfunkel alcanzaron la fama en los Estados Unidos entre los años 1965-66, haciendo giras por las universidades y publicando una serie de singles y álbumes de éxito.

Y fue cuando, el director Mike Nichols, que entonces rodaba El graduado, quedó fascinado con dos de las canciones del dúo, escuchándolas sin parar antes y después del rodaje Tras dos semanas de esta obsesión, se reunió con el presidente de Columbia Records, Clive Davis, para pedirle permiso para que la música de Simon & Garfunkel este en su película. Clive Davis consideró que encajaba perfectamente y previó un álbum de banda sonora de gran éxito de ventas Simon no se mostró tan receptivo de inmediato, ya que consideraba que las películas eran algo parecido a venderse, pero accedió a escribir al menos una o dos canciones nuevas para la película.

Varias semanas más tarde, Simon volvió con dos temas nuevos, "Punky's Dilemma" y "Overs", ninguno de los cuales gustó especialmente a Mike Nichols. Mike Nichols preguntó si el dúo tenía más canciones que ofrecer, y tras una pausa en la reunión, volvieron con una primera versión de Mrs. Robinson. Habían estado trabajando en un tema titulado "Mrs. Roosevelt", la cuál luego cambiaría el nombre a Mrs Robinson y volvieron para interpretarlo para Nichols. Éste quedó extasiado con la canción, y más tarde comentó: "La rellenaron con dee dee dee dee dee porque aún no había versos, pero me gustó incluso eso" Garfunkel se explayó más tarde sobre la colocación de la canción en El graduado. 

La versión cinematográfica emplea un ritmo de Bo Diddley, a diferencia de la versión de estudio. La versión final de "Mrs. Robinson" se completó el 2 de febrero de 1968, en el Estudio A de Columbia en la ciudad de Nueva York. La grabación se publicó más de tres meses después del estreno de El graduado, pero a través de sus numerosas reproducciones radiofónicas se convirtió en una importante promoción cruzada de la película durante su recorrido inicial en los cines. En la mezcla promocional hay un bombo más fuerte y contundente, lo que se hizo para adaptarse al limitado rango dinámico producido por la radio AM.

Mrs. Robinson recibió dos premios Grammy en la 11ª edición de los premios Grammy de 1969. Se convirtió en la primera canción de rock en ganar el premio a la Grabación del Año y también recibió el Grammy a la Mejor Interpretación Pop Contemporánea - Dúo o Grupo Vocal. Se pidió al dúo que interpretara la canción en directo en la ceremonia, pero se negó. En su lugar, grabaron un vídeo para la ceremonia. Mrs. Robinson no pudo optar al Oscar a la mejor canción original, ya que la candidata debe haber escrito una canción exclusivamente para la película en la que aparece.

Daniel 
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Disco de la semana 269: Grand Funk - Grand Funk Railroad

 

Grand Funk, Grand funk Railroad


     Grand Funk, también conocido como The Red Album (El album rojo) por su caracterísitica portada de color rojo, es el segundo disco de estudio de la banda estadounidense Grand Funk Railroad. El disco, con un sonido basado en el hard rock, es grabado en estudio entre el 10 y el 21 de octubre de 1969 bajo la producción del productor, cantante, compositor y promotor estadounidense de rock and roll Terry Knight. El disco es publicado por el sello discográfico Capitol Records el 29 de diciembre de 1969, tan sólo cuatro meses después del lanamiento de su álbum debut, On Time.

Originalmente este disco fue puesto a la venta en formatos casete, LP, cartucho de ocho pistas y magnetófono de bobina abierta. El magnetófono de bobina abierta fabicado por Ampex, la famosa compañía de electrónica estadounidense, se convirtió en pieza muy valiosa al contener versiones editadas de los temas Please Don't Worry, Mr. Limousin Driver e Inside Looking, ya que no están disponibles en ningún otro formato. En febrero de 1970, apenas dos meses después, y a pesar de la poca difusión, Grand Funk ya había obtenido la certificación de Disco de Oro. 

Mark Farner, Mel Schacher y Don Brewer utilizan la formula del Power Trío influenciados en bandas como Cream y The Jimi Hendrix Experience, y consiguen ese característico sonido de rock clásico a base de buenos riffs de blues y rock y unas letras sencillas, combinando la crudeza de su sonido con unas armonías vocales y melodías más suaves, jugando con ritmos como el funky o el soul, y convirtendo esta mezcla en la seña de indentidad del grupo. Al igual que otros grupos de la época, la energía y el sonido pesado de este trabajo ya indicaban el camino a seguir del género havy metal. 

El trabajado sonido de la banda unido al crecimiento como compositor de Farner dan como resultado un disco con temas como Got This Thing On The Move, compuesta, al igual que casi todas las canciones por Mark Farner. El tema es todo un trallazo con un sonido pesado donde por momentos podemos disfrutar de muy buenas improvisaciones. Cabe destacar el increible trabajo de Mel Schacher, que con su bajo muy bien acompañado por la batería de Brewer, consigue un sonido increiblemente crudo y pesado; Please Don't Worry, compuesta por Brewer y Farner, donde destaca el trabajo voocal de Farner muy bien acompañado por los coros vocales; I Need comienza con una suave melodía, pero según va avanzando el tema este va creciendo, adquiriendo un sonido más pesado y primando la parte instrumental. La comunión del bajo, la batería y la guitarra es total y funcionan al unísono como una maquinaria bien engrasada; Winter And My Soul, tema en clave de blues con unos riffs de guitarra muy contundentes y un bajo más acelerado. El tema adquiere todo su esplendor cuando Farner, Schacher y Brewer se marcan una más que interesante jam en una parte del tema; o la genial versión del tema de The Animals, Inside Looking Out, grabada por estos tres años antes, en 1966. El tema comienza muy melódico y va cambiando hasta transformarse en una gran sesión de Jam, muy bien apoyado, al igual que todo el álbum, en una gran sección rítmica. En esta magnífica versión Farner agregó algunas referencias a la marihuana en la letra. Esta canción acompañó en sus presentaciones en vivo a la banda durante muchos años. 

Es cierto que con el paso del tiempo esta banda se suavizó mucho y ha sido criticada por los especialistas en la materia durante mucho tiempo, pero a menudo olvidamos el poder de su sonido, sobre todo el de principios de los años 70. Grand Funk Railroad, con ese sonido y al igual que bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath, Depp Purple o Lucifer's Friends, influyó en el  crecimiento del heavy metal.