Grandes éxitos y tropiezos: Guns and Roses

 

En esta nueva entrega de Grandes Éxitos y Tropiezos, le llega el turno a una de los grupos más grandes de finales de los 80 y primeros de los 90, los angelinos Guns and Roses. Armas y Rosas, delincuencia y estrategia de marketing, talento e irreverencia, y otros muchos términos contrapuestos que se nos podrían ocurrir, y que servirían todos para describir a una banda que parecía no tener techo y que, asfixiada por los conflictos internos, acabó por devorarse a sí misma, hasta convertirse en la mercenaria reunión de viejas glorias que, hoy en día, pasa la gorra (y se la lleva llena de billetes verdes) de festival en festival. ¿Quieres comprar un disco de Guns and Roses? Pues deja que te orientemos en esta sección, porque en eso tampoco escapan a esa dualidad a la que nos referíamos anteriormente, coleccionando grandes éxitos, pero también sonoros tropiezos.

Estás tardando en comprarlo:

Axl, Slash y compañía debutaron en 1987 con el mayúsculo Appetite for Destruction. Jóvenes, rudos y derrochando talento a raudales, entregaron uno de los mejores discos de rock de la historia, con temas que forman parte del cancionero universal de la banda como Welcome to the Jungle, Paradise City, Sweet child of mine o Rocket Queen. Un disco casi perfecto, que podría haber sido aún mejor si tenemos en cuenta que, entre sus descartes se encontraban temas como You could be mine o Back off Bitch, que acabarían siendo trallazos de discos posteriores. Todo lo que necesitas de Guns and Roses está en Appetite for Destruction, sin aderezos ni instrumentaciones añadidas, solo el derroche sonoro de unos descarados debutantes, dispuestos a disputarle el trono del rock a cualquiera que se les pusiera delante.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Cuatro años después de este fulgurante debut, y con el paréntesis de Lies (1988), un disco refrito de una actuación en 1986 y de cuatro memorables temas en acústico por las que merecería la pena llevárselo (Patience y One in a million están a la altura de lo mejor del grupo), entregaron simultáneamente Use your Illusion I y II, dos desmesurados e intensos discos dobles en los que, casi literalmente, vomitaron todo lo que les quedaba dentro. Los excesos de una vida de rock stars y de carretera, y las continuas confrontaciones internas, les habían llevado casi al límite de su relación, y todos peleaban por incluir su material en el siguiente disco.

El resultado son dos discos enormes, plagados de hits tan memorables como Don't Cry, November Rain o la ya mencionada You could be mine, junto con acertadas versiones de clásicos como Live and let die (Paul McCartney) o Knocking on heaven's door (Bob Dylan). Hacia afuera, el brillo de los nuevos temas les hizo alcanzar sus mayores cotas de popularidad y reconocimiento de mega estrellas, mientras de puertas para adentro, el grupo había perdido la frescura y el peligro que rezumaban las pistolas humeantes de Appetite for Destruction, y se desangraba por los pinchazos de los tallos de las rosas con las que intentaban aderezar y evolucionar su sonido.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Pocas veces, en esta sección, estarán tan claros los discos que deben ocuparla. Tanto nos dieron (y se dejaron) en los Use your Illusion que, cuando tuvieron que volver al estudio, solo les quedaba agotamiento y resquemor entre unos y otros. Intentaron salvar el compromiso con un disco de versiones de temas punk, pero The Spaghetti incident (1993) es desidioso y desacertado ya desde la portada. El batiburrillo de espaguetis tiene su continuación en el interior del disco, con temas mal escogidos, en los que ni la banda ni la voz de Axl Rose encuentran oportunidad de brillar o reivindicarse. Ninguna de las versiones mejora los originales, y cometen tropiezos tan evidentes como dejar fuera del disco el Simpathy for the devil de los Rolling Stones (que grabaron para la película Entrevista con el Vampiro), que cumplía la máxima de ser versión, y que estaba muy por encima de lo que entregaron en este disco.

La cosa podría quedar aquí, pero Axl Rose se ganó con Chinese Democracy (2008), firmado como Guns and Roses cuando ya era el único que quedó achicando agua en un barco a la deriva, un lugar privilegiado en esta sección de tropiezos. Muy lejos quedaban ya los brillos de tiempos pasados, y después de muchos años de idas y venidas, obsesionado por encontrar el sonido perfecto, acabo entregando un disco megalómano y sobre-producido, que solo desprende un olor parecido al de la pólvora y las rosas de antaño en temas como Better, Street of dreams o There was a time) y que tiene en la balada This I love el único momento realmente excelso, que te pueda hacer dudar cuando te decimos que lo dejes de nuevo en el expositor.

Nuestro TOP 5

 

1.- Welcome to the Jungle

2.- You could be mine

3.- November Rain

4.- Estranged

5.- Paradise City

0382.- Cold sweat - James Brown

 

Interpretada por James Brown, y escrita por un miembro de su banda (Alfred "Pee Wee" Ellis), Cold Sweat vio la luz en dos versiones diferentes. Una versión editada y cortada en dos partes fue publicada como sencillo, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B estadounidenses. La versión completa, de más de siete minutos de duración, fue incluida en el álbum Cold Sweat.

La canción se basaba, a su vez, en una canción anterior de James Brown titulada I Don't Care, que tenía una melodía más lenta y con toques de blues, en la que ya estaba la letra sobre un hombre que, al ver lo sexy que es su pareja, siente como un "sudor frío" le recorre todo el cuerpo. La nueva canción se gestó tras un concierto cuando, entre bastidores, Brown le cantó a Pee Wee Ellis una línea de bajo en la que quería que trabajara. Ellis se basó en el tema So What de Miles Davis para construir la línea de vientos, y practicó después el ritmo con el resto de la banda. En ese momento apareció James Brown en el estudio y, tras escucharles, cambió las partes de guitarra para hacerla más funky e incluyó la ya mencionada letra.

Cold Sweat es una de las canciones pioneras de la música funk, y gran parte de la frescura del sonido del tema se debela tiene que se grabara en una sola toma en vivo en el estudio, con la banda tocando juntos en un semicírculo alrededor de un micrófono, y sin añadidos o arreglos posteriores. Tiene además la particularidad de que todos los instrumentos de la banda (a excepción del excelso solo de saxofón de Maceo Parker) son interpretados desde un esquema de percusión y no de melodía, lo que le aporta un sonido funk cortante y rotundo. La mentalidad percusiva de este tema era tal, que incluye un solo de batería en el tramo central. "Dadle algo al baterista" gritaba Brown para dar paso a Clyde Stubblefied, que con su ritmo dejaba a todos boquiabiertos, y bañados en un inexplicable sudor frío.

Thin Lizzy: Johnny The Fox (Mes Thin Lizzy)

 

Debo reconocer que mi relación con "Johnny The Fox" ("Johnny el Zorro"), el séptimo álbum de la banda irlandesa Thin Lizzy, ha empezado hace tan solo cuarenta minutos, el tiempo que he tardado en escucharlo por primera vez para poder escribir sobre este disco en el #MesThinLizzy. No lo conocía, y solo cuarenta minutos después, el zorro de Phil Lynott y compañía me ha robado el corazón, con la misma facilidad con la que el Zorro de las películas desarmaba con su espada a sus oponentes, para dejarles después marcada en el pecho su inconfundible marca de la "Z".

Publicado en 1976, entre "Jailbreak" y “Bad Reputation”, ambas obras maestras parecen a menudo ensombrecerle, cuando en realidad Johnny el Zorro está agazapado y a cubierto, dispuesto en cualquier momento para sorprendernos con alguna de sus más que reseñables canciones sobre forajidos, aventuras y desamores. Hablamos de un disco memorable ya desde su portada, obra de Jim Fitzpatrick, diseñador habitual de la banda, que representa un tapiz o pergamino que muestra en todo su esplendor la inquietante figura de un zorro, observando una ciudad lejana bajo la luz de la luna.

El disco arranca, como no podía ser de otro modo, con la canción de su nocturno protagonista. Johnny The Fox es una pieza de intenso rock "Made in Thin Lizzy" que no desmerece ante ninguno de sus hits más clásicos e imperecederos. Rocky mantiene la intensidad y la fuerza del comienzo, con una memorable demostración de "guitarras gemelas" por parte de Scott Gorham y Brian Robertson. Tras un arranque tan eléctrico, la balada de toques sureños Borderline nos sirve para coger aire y prepararnos para el siguiente tema, Don't believe a word, un temazo que Gary Moore incluyó también en su "Back on the streets" (1978), en una versión más cercana al blues. Tras este trallazo, rozan la épica con los dedos en el comienzo coral de Fool's gold, regalándonos además un intenso riff de guitarra para redondear un grandioso cierre de la primera parte del disco.

En la cara B, las aventuras de Johnny el Zorro continúan en Johnny The Fox meets Jimmy the Weed, ("Johnny el Zorro conoce a Jimmy el Hierba”), brillante y arriesgado tema que juega con el spoken-word y que tiene un alma canalla y una estructura inesperadamente funk. Old Flame es un nuevo remanso de calma, el descanso del guerrero o, en este caso, del forajido, que no tarda en volver a la acción en la intensa obra maestra que es Massacre, en la que Thin Lizzy vuelve a sonar en lo más alto de esa colina imaginaria desde la que el zorro contempla amenazante al resto de los mortales, inundando los surcos del vinilo de dobles guitarras al galope y de ese sonido tan reconocible e inimitable de rock con toques celtas. Para el final se dejan una nueva vuelta a la tierna balada en Sweet Marie, para que Lynott se luzca en una interpretación llena de sentimiento, y un cierre sorprendente con Boogie Woogie Dance, en la que Brian Downey da toda una "master class" a los mandos de una desenfrenada batería.

Una inquietante silueta animal sigue mirando a la lejana ciudad, en la que a estas horas duermen los protagonistas de las historias de fracaso y mala suerte que pueblan un magnífico disco. Anónimos irlandeses huyendo del hambre a mediados del siglo XIX y en busca del sueño americano, y carismáticos delincuentes de ebria épica y fatal destino, todos ellos irresistibles perdedores dibujados por la pluma y la imaginación de Lynott. Entre la espectacular fuga que fue Jailbreak, y la bien ganada mala reputación que vino después, un carismático zorro campó a sus anchas por las oscuras callejuelas de finales de los setenta. Te dirán que es mejor que no te toparas con el, pero es todo lo contrario. Nunca es tarde para descubrirle. ¿Su nombre? Se llamaba Johnny... ¡Johnny The Fox!

0381.- Once I was - Tim Buckley

 

El nombre de Tim Buckley resuena en la historia de la música como una especie de maldición, similar a lo que encontramos en la tragedia griega. Dotado de una voz pura, tan embellecedora como singular, Tim Buckley fue uno de sus genios desaparecido demasiado pronto, con sólo 28 años, víctima de una sobredosis. El destino no quedó ahí, ya que su hijo Jeff, también reconocido cantante, le conocerá una muerte accidental en un ahogamiento a la edad de 30 años. Una tragedia acentuada por el hecho de que la separación/divorcio entre Tim Buckley y Mary Guibert, hará que Jeff haya visto a su padre sólo una vez en 1974 algún tiempo antes de la tragedia. Además de su talento vocal, mezclando influencias como Bob Dylan, el joven prodigio Tim también fue un notable guitarrista y un maravilloso compositor/poeta. Se convertirá así, con el transcurso de su carrera, en uno de los iconos de este movimiento tan popular hasta finales de los años sesenta. La carrera de Buckley comenzó con su debut en 1966, Tim Buckley, su mezcla de pop y folk rock basándose en las influencias populares de la época. Su popularidad alcanzó su punto máximo con el segundo álbum Goodbye and Hello, un disco más maduro con influencias vanguardistas y sentimientos políticos. En los tres años que siguieron, Buckley estuvo en su momento más prolífico y experimental, produciendo cuatro álbumes de diferentes estilos. Happy Sad y Blue Afternoon mostraron las raíces folclóricas de Buckley mientras que Lorca viró hacia estilos más vanguardistas. El álbum final de este período, Starsailor, es una mezcla de jazz, funk y estilos vanguardistas, lo que representa su evolución continua en el género. Este período, aunque obtuvo cierto éxito de crítica, resultó desastroso para las ventas de sus discos, ya que la disparidad de sus estilos hizo que su base de fans casi desapareciera.

 

Once I Was, es uno de los dos sencillos extraídos del disco Goodbye Hello, el álbum donde Tim encontró su verdadera voz, y resultó ser capaz de embelesar a las audiencias utilizando tanto los registros más bajos como su distintivo falsete. Su amigo de la escuela secundaria, letrista y colaborador musical Larry Beckett también puso su parte, lo que dio como resultado mejores canciones en general (la mitad de las canciones de este álbum se atribuyen a Buckley/Beckett) con letras más profundas que abordan temas como la guerra, las drogas y el amor, como muchas otras bandas por excelencia de finales de los sesenta. Once I was es claramente un folk nostálgico, una llamada a Neil Young, quien lanzará su primera obra en solitario solo dos años después, en ella evoca el fin del amor, los rostros que alguna vez fueron amados y luego rápidamente olvidados en beneficio de los demás. La actuación de Buckley es cálida y tierna, y la armónica le da un toque realmente agradable, el resto de instrumentos crean un sonido militarista en la pista que encaja muy bien, Buckley aumenta la intensidad a medida que avanza la pista, lo que la hace sentir cruda y apasionada.

0380.- Everlasting love - Robert Knight

 

Robert Knight nació en Tennessee y comenzó su carrera musical como miembro de Paramounts, hicieron un poco de ruido con 'When You Dance' y 'Why Do You Have to Go'", pero el grupo no tuvo mucho éxito, por lo que su productor, Noel Ball, le convencio para iniciar una carrera como solista aunque siendo miembro de Paramounts, también grabó algunos singles en solitario, de los cuales "Free Me" de 1962 fue el más notable. El grupo se separó mientras Knight mientras estaba en la universidad y formó otro grupo, los Fairlanes, no con la intención de grabar, sino simplemente “porque conocí a estos muchachos y comenzamos a cantar; en ese entonces, todos cantaban en las esquinas”. Pero cuando Knight terminó su carrera, fue descubierto mientras realizaba una actuación en un club nocturno. Cason estaba fundando un nuevo sello Rising Sons y se acercaron a Knight para que firmara con ellos y le prepararon algunas canciones para que las grabara. Una vez terminada, Knight no estaba convencido de que fuera una gran canción, y nadie más lo estaba. Pensó que se suponía que "Everlasting Love" sería la cara B y pensó que la canción que finalmente se lanzó como la cara B del disco, "Somebody's Baby", era mejor: “Era una buena canción de R&B, ¡y creo que hice un mejor trabajo!” Pero Knight recuerda que "alguien le dio la vuelta y comenzó a tocar 'Everlasting Love'.

 

Una canción que estuvo destinada a ser una cara B se iba a convertir en un clásico. “Everlasting Love” llegaría al puesto n.° 13 en las listas pop de Billboard durante sus 12 semanas, y también alcanzaría el puesto n.° 14 en las listas de R&B. Desafortunadamente, su continuación, "Blessed are the Lonely", apenas entraría en las listas en el puesto 97, y solo uno más de los discos de Knight, "Isn't it Lonely Together" de 1968, entraría en la lista, y simplemente duplicó el marginal. éxito de su predecesor (#97). Fue el último récord de Knight en las listas de éxitos de este país. Las versiones de "Everlasting Love" de otros artistas también han sido populares, con la versión de Love Affair llegando al número 1 en Inglaterra en 1968, mientras que las versiones de Carl Carlton, Rex Smith y Rachel Sweet, Gloria Estefan y otros han funcionado bien. Es una de las dos únicas canciones que llegaron al Top 40 de EE. UU. en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990. A mediados de la década de 1970, Knight se había alejado de la grabación, pero a diferencia de muchos artistas, tenía una carrera y una educación universitaria a la que recurrir. Luego pasó a trabajar en la Universidad de Vanderbilt como técnico de laboratorio químico y trabajó allí hasta que se jubiló hace solo unos años.

0379.- The Letter - The Box Tops

 

The Letter, The Box Tops

     En noviembre de 1967 la banda de rock estadounidense, originaria de Memphis, The Box Tops debuta con su primer disco de estudio, The Letter/Neon Rainbow. El disco alcanzó un notable éxito alcanzado el puesto número 87 en la lista estadounidense Billboard Pop Albums en 1968. Si bien la mayoría de las pistas de acompañamiento fueron interpretadas por músicos de sesión, la canción que da título al álbum, The Letter, en la cual nos vamos a centrar, fue interpretada íntegramente por el grupo.

The Letter fue escrita por el músico, compositor y productor de discos de country estadounidense Wayne Carson, también conocido como Wayne Carson Thompson. La canción fue lanzada como sencillo en julio de 1967 y se convertiría a la postre en el mayo éxito de largo de la banda, llegando a alcanzar el puesto número uno en Estados Unidos, Canadá y en varios países más. La canción relata como un chico recibe una carta de su antigua novia pidiéndole que vuelva con ella, y él quiere volar de inmediato para estar con ella cuanto antes.

Wayne Carson dió la canción a The Box Tops para que  la grabaran por recomendación de su amigo Chips Moman, quien por entonces era el director de ARS Studios, ya que le gustaba mucho el sonido de la banda. Wayne carson tocó la guitarra en la grabación. A Wayne no le gustaban ni la voz principal del cantante Alex Chilton, ya que consideraba que era demasiado ronca, ni tampoco la producción de la canción. Cuando el productor Dann Penn agregó en la grabación el sonido de un avión, Carson pensó que el productor había perdido la cabeza, no tenia ningún sentido poner aquel sonido en la grabación. Las listas de ventas y la crítica no pensaron lo mismo que Carson, pues la canción se convirtió en una de las más exitosas, y el disco en uno de los más importantes de la década de los años 60.

Disco de la semana 258: In a Silent Way - Miles Davis

 

In a Silent Way, Miles Davis

     En septiembre de 1968 Miles Davis se casó con la modelo Betty Mabry, quien luego sería conocida como Betty Davis, quien se convirtió en una de las máximas exponentes del funk. El periodo que Miles pasó junto a Betty influenció enormemente al instrumentista, pues ella le introdujo en el mundo de la contracultura de la ciudad de Nueva York, empezando a desenvolverse en el mundo de la moda y conociendo gracias a ella a populares músicos de soul, funk y rock, entre los que se encontraban Sly Stone y Jimi Hendrix entre otros. Miles además gustaba de explorar otros sonidos además del jazz, como podría compobar por él mismo el crítico de jazz Lonard Feather, quien al visitar al músico al apartamento se sorprendió al encontrarlo escuchando álbumes de The Byrds, Aretha Franklin y Dionne Warwick. A Miles también le gustaba mucho James Brown, Sly & the Family Stone y Jimi Hendrix, este último había impresionado muchísimo a Miles con su grupo Band of Gypsys. De hecho sólo el fallecimiento de Hendrix arruinara una colaboración conjunta que ambos músicos tenían entre manos.

Todo esto influencia a Miles, quien en 1969 publica el álbum In a Silent Way, un trabajo con el que comienza un periodo con un sonido más eléctrico. In a Silent Way es grabado en una única sesión en 18 de febrero de 1969 en el CBS 30th Street Studio de Nueva York bajo la producción del saxofonista de jazz, productor y compositor Teo Macero, y publicado por el sello discográfico Columbia Records el 30 de julio de 1969. Este disco, primer trabajo de Miles donde se acerca a los sonidos de jazz - rock y jazz fusión, alcanzó en Estados Unidos el puesto número 134 de la lista Billboard Top LPs. Sin embargo levantó cierta controversia entre la crítica, quien estaba dividida, pues fue muy criticado por los más puristas, mientras que otra parte consideraba que se abría otra fase dentro del jazz gracias a la estructura musical experimental y el enfoque eléctrico que Miles Davis había dado a este trabajo. Con el tiempo In a Silent Way ha sido considerado como una de las obras más grandes e influyentes de toda la discografía del instrumentista. 

A principios de 1969 la banda con la que Miles trabaja se ha estabilizado, estando conformada por Wayne Shorter (saxofón), Dave Holland (bajo), Chick Corea (piano eléctrico) y Jack DeJohnette (batería). Para grabar In a Silent Way, Miles trae además a Tony Williams (batería) y Herbie Hancock (piano eléctrico), quienes habían acordado trabajar con él en futuros álbumes de estudio. Un mes después se unes a los siete músicos el tecladista austriaco Josef Zawinul y el guitarrista inglés John McLaughlin, gran seguidor de Miles Davis. Los nueve músicos se meten en el estudio y graban el que será el primer trabajo de Miles con un enfoque orientado hacia la fusión de estilos con un sonido más eléctrico, jazz fusión y jazz - rock. 

In a Silent Way se gesta a partir de una sesión de grabación de Miles y los músicos anteriormente citados de unas tres horas de duración en el CBS 30th Studio de Nueva York. La pieza que ocupa la cara A, Shhh / Paceful, una pieza de algo más de 18 minutos y compuesta por tres partes, Shhh/ Peaceful / Shhh, es compuesta por Miles Davis; mientras que In a Silent Way / It's About That Time ocupa la cara B, una pieza de casi 20 minutos de duración y compuesta por tres partes, In a Silent Way /It's About That Time / In a Silent Way. La sección central de In a Silent Way / It's About That Time, muy enérgica y ruidosa, está acreditada a Miles Davis, mientras que la sección de apertura y cierre, con un toque más atmosférico y ambintal, se basó en la composición In a Silent Way del tecladista Josef  Zawinul, el cual grabaría en su forma original en 1970 en su tercer álbum de solitario, Zawinul (1971). Zawinul presentó la melodía al grupo y éste empezó ensayando según la melodía original, pero Miles quería que aquello sonara más orientado hacia el rock por lo que eliminó y cambió varios acordes. Esto creó cierta controversia y malestar en Zawinul, quien creyó que Davis no debía haber eliminado ciertos acordes, y además culpó a Teo Macero de no atribuirle el crédito de la línea de bajo melódico y de la melodía descendente de It's About That Time, pues decía de él que "siempre juntaba las cosas para que saliera como si lo hubiese escrito Miles Davis". Por otro lado, John McLaughlin tuvo ciertas dificultades para tocar de la forma que Miles deseaba de él, pero finalmente lo consiguió. El punto de inflexión para que McLaughlin lo consiguiera fue cundo Miles le sugirió que tocara la guitarra como si fuera un novato. El 20 de febrero de 1969, dos días después de la sesión de grabación del material de In a silent Way, Miles Davis volvió al estudio y grabó dos piezas más, una composición suya, Ghetto Walk, y otra de Zawinul, Early Minor, con la intención de incluirlas en el álbum, pero finalmente fueron desechadas.

En un principio este trabajo enfureció a la comunidad más purista del jazz, pero abrió el camino a otra comunidad, la del rock, acercando el jazz y haciéndolo más accesible a ésta. Gracias a su particular y genial visión de la música, Miles Davis consiguió que In a Silent Way se convirtiera con el tiempo en uno de los álbumes más influyentes de toda su discográfia y también del género jazz, un disco que abrió el camino a la evolución del jazz y a su fusión con otros estilos.

0378.- Love you till Tuesday - David Bowie

Love you till Tuesday (Te amaré hasta el Martes) fue uno de los primeros sencillos publicados por David Bowie, y formó parte también de su álbum de debut homónimo, publicado en 1967, aunque en una versión remozada con el añadido de una brillante sección de cuerda de Ivor Raymonde. A Bowie le costó alcanzar el éxito en sus primeros años, y al igual que pasaría con la mayor parte de singles que lanzó antes de Space Oddity, con Love you till Tuesday no llegó a entrar en las listas de éxitos del Reino Unido.

Dos años después, la canción dio título a una película promocional de David Bowie, y apareció en los títulos de crédito iniciales, pero la maldición de los primeros años pareció continuar, y la película no llegó a ver la luz hasta 1984 y en el circuito de VHS, con David Bowie convertido en una mega estrella que atravesaba su particular cuesta abajo de los años ochenta. En apenas media hora de metraje, incluía interpretaciones de siete canciones de Bowie, la mayor parte de ellas provenientes de su disco de debut, y la por entonces nueva canción "Space Oddity". Curiosamente, Love you till Tuesday aparecía en una versión en alemán (Lieb 'Dich bis Dienstag) que tampoco ayudó mucho a que la vida comercial del tema produjera algunos brotes verdes.

En cualquier caso, y como "sólo un necio confunde el valor con el precio", no queríamos dejar pasar la ocasión de, con independencia de sus escasas ventas, poner en valor uno de los temas más destacables de los primeros años de David Bowie como intérprete. Love you till Tuesday fue, junto a Little Bombardier, uno de los temas en los que Bowie exploró territorios de music hall y vodevil con un descaro sorprendente para un artista novel, dentro de un disco de debut que, a día de hoy, sigue siendo tan desconocido como pintoresco.

0377.- Little Bombardier - David Bowie

 

Después de varios singles y de mucho trabajo, David Robert Jones mas conocido como David Bowie publica su primer álbum en la discográfica Deram, una de las filiales de Decca. El álbum esta integrado por 14 canciones, todas compuestas por el artista, sin duda no es representativo de lo mucho que nos iba a regalar el artista, pero desde luego ya tenemos ciertas pistas de todo lo que iba a ser capaz de ofrecernos.

La canción de apertura de la cara B del álbum debut de David Bowie, 'Little Bombardier', es la historia de un exsoldado solitario, que se fue de la ciudad después de hacerse amigo de dos niños pequeños. La canción parece haber sido inspirada por 'Uncle Ernest', un cuento de Alan Sillitoe en su colección de 1959 The Loneliness of the Long Distance Runner . El protagonista de la historia de Sillitoe es un tapicero solitario de mediana edad, Ernest Brown, que se hace amigo de dos hermanas preadolescentes en un café y acaba endeudándose después de comprarles comida, bebida y regalos. Aunque no hay indicios de que Brown estuviera motivado por otra cosa que no sea la soledad, dos policías le advierten que se mantenga alejado de las niñas, diciendo que lo han estado observando durante algún tiempo. Aplastado por saber que su tiempo con Alma y Joan había terminado, Brown busca consuelo en la bebida. La canción de Bowie sigue un tema similar, aunque hay varias diferencias clave. Su protagonista es Frankie Mear, un ex miembro de las fuerzas armadas que bebe mucho. Mear se hace amigo de dos niños en “the picture house”, donde pasa gran parte de su tiempo. El cine se representa como un lugar de escapismo y alegría, tal como sería en 'Life On Mars?' de 1971 . , mientras que la historia de Sillitoe se desarrolla en el ambiente mucho más monótono de un café lleno de gente. Y lo que es más importante, la canción de Bowie termina con el exilio de Frankie Mear, en lugar del olvido alcohólico de Ernest Brown.

Thin Lizzy: Jailbreak (Mes Thin Lizzy)

 

Los dos primeros álbumes de la era Thin Lizzy, "Night Life" (1974) y "Fighting" (1975), no habían prendido fuego al mundo en términos de ventas, así que la presión estaba sobre Thin Lizzy para entregar un álbum de primer nivel que tuviera un aceptable nivel de ventas. Para ser justos, "Fighting" se había metido en los escalones más bajos de la lista, algo que ninguno de los álbumes anteriores había logrado, pero los singles si habían hecho ruido y las giras habían sido de un alto nivel, la reputación que tenían como grupo en vivo lo mantenían en el boca a boca. El ex productor de The Who, John Alcock, fue contratado para producir su sexto álbum, después de otra gran gira, esta vez con Status Quo, la banda fue a los estudios Ramport en Londres para comenzar a trabajar en lo que se convertiría en el álbum que los pondría definitivamente en el mapa, "Jailbreak". Inicialmente, Alcock no quedó demasiado impresionado con el material y, aunque intuia que parecía prometedor, comenzó a sugerir cosas que en las que las canciones podrían afinarse, pulirse un poco más y hacerse un poco más comerciales. Si bien Lynott estaba bastante abierto a estas sugerencias y ansioso por aprender cualquier cosa que pudiera ayudarlo a convertirse en un mejor escritor, el guitarrista Brian Robertson, en particular, no estaba contento con el empleo de músicos de sesión para aumentar el sonido lo que llevo a negarse a tocar en la cancion 'Running Back'. Vamos a desgranar esta gran obra.

El álbum comienza con la canción que da título al álbum y es una apertura realmente grandiosa, Jailbreak capta tu atención enseguida, cuando las notas iniciales estallan a través de los auriculares, te sientes poderoso acompañado por esa letra amenazante de tipo duro de Lynott que sobresale sobre una armonía de guitarras gemelas con algunos buenos efectos de wah wah de Robertson, estamos ante uno de esos clásicos del rock de los que nunca te cansas, para mí es la mejor pista del álbum y está cerca de ser la mejor de su repertorio. Angel of the Coast tiene un riff funky casi jazz y es otra de las obras maestras líricas narrativas de Lynott, el solo de jazz y el riff en realidad me recuerdan a Trapeze e incluso a bandas como The Doobie Brothers en algunos momentos. La canción es un homenaje al socio estadounidense de Thin Lizzy, Scott Gorham. El riff sigue siendo clave en Running Back, esta fue la canción que causó todos los problemas con Robertson cuando Alcock desechó la versión de blues que Robertson había grabado y lo reemplazó con Tim Hinkley en los teclados y la armónica. Decir que Robertson no estaba contento es quedarse corto y se negó a tocar el nuevo arreglo. Inicialmente iba a ser el primer sencillo y seguramente le habría ido bastante bien en las listas de éxitos en ese momento, Robertson finalmente grabó su propio arreglo original en su álbum de 2011 "Diamonds and Dirt". Romeo and The Lonely Girl tiene otro riff de jazz animado y algunas letras interesantes de Lynott, el solo rápido es probablemente lo más destacado, y aunque no es de las más apreciada por los fans, la pista es mucho más que un relleno. La primera mitad del álbum termina con Warriors, que es mucho más heavy y está más en línea con la canción que abre el álbum que con las tres canciones más ligeras y jazzísticas intermedias. Lynott imita vocalmente a Jimi Hendrix en algunos momentos y, aunque la guitarra obviamente no es Hendrix, el solo que hacen nos recuerda mucho a él.

 

La segunda mitad comienza con el inconfundible sonido de riffs de ametralladora de The Boys Are Back In Town, una canción que inspiró a una generación a salir a pavonearse y vivir la noche del sábado. Es un ejemplo clásico de cómo presentar una melodía de rock duro a una audiencia mayoritaria sin perder poder ni credibilidad. Estamos ante uno de los sencillos de rock más importantes de todos los tiempos para mí y estoy seguro de que nadie lo puede discutir. Por supuesto, con una pista como esa, todo lo que sigue inmediatamente va a sonar un poco pobre, acabamos de tocar el cielo. Y más si el álbum sigue con la que posiblemente sea la pista más débil del álbum Fight or Fall, Lynott no tiene una buena voz y el solo relajado es agradable, pero todo está muy perdido y no logra que llame tu atención en ningun momento. 

Muchos citan a menudo a Cowboy Song como una de sus canciones favoritas y, de hecho, se encuentra entre las mejores del álbum, Lynott proporciona una excelente voz que en la introducción de ritmo más lento recuerda mucho a Frankie Miller. Es la pista más larga del álbum y presenta a la guitarra como gran protagonista, de hecho, se pudo escuchar en vivo antes de que se grabara la versión de estudio, y una versión anterior estaba disponible en el álbum UK Tour 75'. Emerald es una de las pistas más reconocibles y queridas de Lizzy, presenta algunos grandes duelos de guitarra, así como una voz sincera llena de pasión amenazante de Lynott, es probablemente uno de los mejores ejemplos del característico sonido de guitarra doble de Thin Lizzy. Para mí, la versión de estudio simplemente carece de la pasión y la emoción de algunas de las versiones en vivo. Después de escuchar las versiones en vivo, esta mezcla de estudio puede sonar un poco plana al principio.

 

Jailbreak se terminó de grabar en enero de 1976 y se lanzó al público a fines de marzo de ese mismo año. Con su portada tipo ciencia ficción y la historia en la contraportada, a algunos les pareció una especie de álbum conceptual al principio, pero, aunque hay algunos temas que vinculan el elemento narrativo con la letra, la portada solo se refiere realmente al título. Tras el éxito del lanzamiento del sencillo de 'The Boys Are Back In Town', se convirtió rápidamente en el álbum más vendido de la banda y, junto con "Black Rose", sigue siendo citado regularmente por los fans como el mejor álbum de Lizzy. En verdad, Thin Lizzy siempre fue mejor en vivo que en un disco de estudio, pero si vas a tener un álbum de estudio de Thin Lizzy, entonces "Jailbreak" o "Black Rose", que publicarían unos años más tarde, serían los indicados, pero yo me compraría los dos.

0376.- Arnold Layne - Pink Floyd

Arnold Layne fue la primera canción de Pink Floyd que salió publicada como single. Desafortunadamente, y siguiendo la costumbre arraigada en los 50 y los 60 de no hacer coincidir las canciones de los singles y los LP's, este tema no fue incluido en el álbum debut de la banda (The Piper at the Gates of Dawn) pese a ser una canción muy superior a la mayor parte de temas del disco, y estar considerada como una de las mejores obras del período inicial de la banda, marcado por la psicodelia y la experimentación que aportaba su entonces líder Syd Barrett.

Escrita por el propio Barrett, la letra no estuvo exenta de polémica, ya que el protagonista de la canción era un travesti aficionado a robar ropa interior femenina de los tendederos de las casas. Pese a la polémica generada, y la consiguiente prohibición de ser emitida en algunas emisoras londinenses, Arnold Layne llegó al puesto 20 de las listas de ventas del Reino Unido, dando el primer paso firme de unos, por entonces, primerizos Pink Floyd, destinados a marcar una era en sus posteriores reencarnaciones y bajo el mando del ya presente Roger Waters y el aún ausente David Gilmour.

Pese a que Pink Floyd se convirtió en el blanco de las críticas de la nueva ola punk de finales de los setenta, una banda como The Damned se rindió a las excelencias de esta canción y realizó una versión de las aventuras del psicodélico travesti inmortalizado por Syd Barrett. Posteriormente, en 2006 David Gilmour la incluyó por sorpresa en su gira del disco On an Island, contando con la interpretación vocal de David Bowie durante el concierto celebrado en el Royal Albert Hall. Otra versión interesante es la de The Boomtown Rats, por tratarse del grupo en el que cantaba Bob Geldof, que encarnaría a Pink, otro de los personajes del imaginario creativo de Pink Floyd, y protagonista de la película del disco The Wall.

Grandes éxitos y tropiezos: Gabinete Caligari

 

Como cada semana, toca darnos una vuelta por la sección de Grandes éxitos y tropiezos de 7dias7notas, y en esta ocasión nos vamos a detener en la obra del grupo madrileño, Gabinete Caligari, cuya carrera se desarrolló durante 18 años, entre 1981 y 1999, donde publicaron 8 discos de estudio, vamos a por otro de los grandes grupos de la movida madrileña, con Jaime Urrutia como cantante y guitarrista, Ferni Presas como bajista y Edi Clavo como batería. Tomaron su nombre de una histórica película alemana, titulada 'El gabinete del doctor Caligari', una de las caracteristias que mas diferencain al grupo es que el comportamiento de sus miembros fueron reflejos nítidos de "la identidad sociocultural española", ys u legado forma parte del acervo patrimonial, sociológico y musical de nuestro país, pasan los años y el grupo sigue considerándose de culto y han sido más que numerosas las apariciones en diferentes recopilatorios, amén de las constantes reediciones de sus discos. Me dirijo a la tienda para pillar algún disco de estudio, pero solo tengo dinero para un par de ellos hasta que llegue la nómina y no me aguanto….. vamos a ver que decido

 

 

Estás tardando en comprarlo:

Tras tres discos en el mercado, Gabinete Caligari iba a fichar por la compañía discográfica EMI e iban a romper el mercado con un álbum con una portada totalmente en blanco donde con letras mecanografiadas solo podíamos leer su nombre, y la frase Camino a Soria, su gran obra maestra, y uno de los grandes clásicos de la movida madrileña, 9 canciones y cada uno con su estilo y su particularidad, a eso le tenemos que sumar que fue concebido como un disco conceptual, es imposible no querer pasar la noche en esa “suite nupcial”, un tema lleno de swing, donde que mejor lugar donde pasar pagina de un desengaño amoroso con otra persona. ”Tocala, Uli”, es casi una canción de The Motown, y un homenaje a Ulises Montero, saxofonista que acompaño a la banda hasta 1986, “la sangre de tu tristeza”, un country-rock americano con mucha guitarra y gran calidad, y de repente te ves escuchando una especie de bossa-nova cuando suenan los acordes de “Sarava”, diversos cauces recorridos hasta que llegas nunca mejor dicho al Duero, “Camino soria”, una canción sensacional que a pesar de estar construida con rimas fáciles, es evocadora, emocionante y ya quisieran muchas ciudades que les escribiesen una canción como esta. Mucha calidad musical, además consiguen que la gente compren sus discos, todo un pelotazo que no debe faltar en ninguna discoteca.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Camino Soria fue la explosión para el publico en general, pero si hay un disco donde Gabinete Caligari hacen una verdadera clase de lo que es hacer música en mayúsculas es Cuatro Rosas, su mini-LP supuso la culminación del viraje fundamental de Gabinete Caligari. De sus inicios siniestros, constatados en su EP "Autosuficiencia" (1981), fueron mutando poco a poco hasta el estilo que acabaría por encumbrarlos. Ese rock cañí y torero ya aparecía en su primer LP, "Que dios reparta suerte" (1983), pero es aquí donde queda marcado a fuego para la eternidad. Sólo necesitaron veinte “minutejos” para culminar su revolución personal. En "Cuatro rosas" encontramos la destilación esencial y perfecta de los Gabinete. Seis clásicos entre los que destacan el tema titular, auténtica piedra de toque de la movida y de la historia de la música en castellano. Quizás "Haciendo el bobo" sea algo más flojita que el resto, pero también reclama su lugar en un disco redondo y que se hace todavía más corto de lo que es. Sin hipérboles innecesarias, que tampoco es plan, admito que "Cuatro rosas" es una grabación fundamental, un placer más que un deber para nuestro oido y un disco que tienes que tener y escuchar.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Como muchos otros grupos el final fue largo y tortuoso, el éxito en cierto modi había hecho mella en el grupo y tras cuatro años fuera de los focos tras la publicación de Cien mil vueltas, un disco muy estimable pero bastante inferior a lo que habían hecho hasta entonces, llega para completar su discografía “Gabinetissimo” y la pereza de esos cuatro años se hace música en un disco bastante aburrido, es muy extraño el camino que ha tomado, podemos escucharles como una burda imitación de The Cure, o intentando imitar las baladas de David Bowie, se les nota que están cansados de tocar y de ser ellos, pero más dura fue la caída con “Subid la Música”, su último intento de permanecer en el candelero, y se juegan el todo con una crítica a los nuevos grupos, una canción que puede y que cabrea a aquellos que conocieron su época de luz, esos no son nuestros Gabinete, el magnetismo se ha perdido, pero en su defensa hay que decir que Gabinete Caligari siguió a su rollo, siempre centrados en su música y en su espíritu.

Nuestro TOP 5

1.- Camino a Soria

2.- Cuatro rosas

3.- El calor del amor en un bar

4.- La culpa fue del cha cha cha

5.- Tocala, Uli

0375.- Happy Together- The Turtles

 

The Turtles ya llevaban una carrera de dos álbumes, y 1967 sería el momento clave cuando presentan un tercer álbum que les llevaría al estrellato total, nos detenemos en el gran disco de The Turtles una ocasión perfecta para disfrutar del talento vocal de Howard Kaylan y Mark Volman y su sobresaliente capacidad para la creación rítmica y melódica, todas las canciones son realmente magnificas, influenciadas tanto por el pop de la Invasión Británica, especialmente Beatles y Zombies, como por el folk-rock/jangle pop de los Byrds.

 

Happy Together es la canción más significativa del grupo The turtles, un medio tiempo sunshine pop con fondo de marcha militar, armonías vocales, un implacable crescendo del coro y una brillante línea de trompeta exponen la elegancia subyacente de la melodía, eso es lo que debería hacer la buena música pop, y en lo que sobresale "Happy Together". Adema se acompaña de un texto que muestra plena felicidad en una pareja, al confirmación del amor que se sabe que será para siempre ya que juntos son mucho mas felices. La canción fue escrita por Garry Bonner y Alan Gordon, ex miembros del grupo “The Magicians”. Había sido rechazado una docena de veces antes de ser ofrecida a “The Turtles”. Tanto fue así que el vinilo en el que se había grabado el demo, estaba desgastado completamente. La canción fue, finalmente, arreglada por Chip Douglas, que le agregó una sección de metales, más un mellotrón, lo demás es historia, este fue un momento decisivo en la historia del grupo y de la música popular general, con lo que también se convirtió en una fiel representante del pop americano de la década de 1960. Reemplazó a la canción "Penny Lane", de The Beatles en el primer lugar de la lista Billboard, en la primavera de 1967. Su primer y único número 1 se mantuvo en el puesto durante tres semanas. 1967 fue el año más exitoso de The Turtles. Este popular tema, tiene una muy buena cantidad de versiones (covers), entre ellas mencionaremos las de: Petula Clark, Captain and Tennille, Jason Donovan, The Nylons, Simple Plan, Caterina Valente, The Dollyrots, Blue Meanies, Donny Osmond, T.G. Sheppard, Hugo Montenegro, Tony Orlando and Dawn, Weezer y Miley Cyrus. Además, ha sido multitud de veces utilizada en el cine y la televisión, seguramente todos la recordaremos en el film “Minions” (2015), pero además ha estado presente en La boda de Muriel, 27 vestidos, Adaptation o Las tortugas Ninja.

0374.- Magic Hollow - The Beau Brummels

 

Magic Hollow, The Beau Brummels

     Entra en escena la banda de rock estadounidense The Beau Brummels, banda procedente de San Francisco y que se movió entre los sonidos del pop, folk rock, country rock y rock psicodélico. Nos detenemos en su álbum más aclamado, Triangle,  grabado bajo la producción del productor y ejecutivo estadounidense Lenny Waronker. El disco fue publicado en junio de 1967 por el sello discográfico Warner Bros. y llegó a alcanzar el puesto 197 en la lista estadounidense Billboard 200, recibiendo críticas positivas por parte de los medios, y llegando a comparar la voz de su vocalista Sal Valentino con la del mismísimo Bob Dylan.

Incluido en este disco se encuentra el tema Magic Hollow, que llegó a ser calificado como uno de "Los mejores 100 clásicos psicodélicos" en una edición de la revista Mojo de 1997. La canción fue escrita por el guitarrista de la banda Ron Elliot y por el cantante principal Sal Valentino, y lanzada como primer sencillo del álbum Triangle bajo el sello discográfico Warner Bros. 

La canción contó con la colaboración del músico de sesión Van Dyke Parks, quien aportó el sonido del Clavecín (Instrumento musical con teclado y de cuerda pulsada y muy popular en el barroco). Magic Hollow a pesar de no lograr entrar en la lista Billboard Hot 100, siempre fue muy bien considerada por la crítica especializada desde su mismo lanzamiento, de la que decían que era una "Canción tenue y melancólia", "Música ambiental para largas caminatas por la profundidad de los bosques" o "Una de las melodías más hermosas de toda la obra de los Beau Brummels".

Thin Lizzy: Fighting (Mes Thin Lizzy)

 

Fighting, Thin Lizzy

     Thin Lizzy con Phil Lynott (bajo y voz), Brian Downey (batería), Brian Robertson (guitarra) y Scott Gorham (guitarra), realizan una gira por Estados Unidos a principios de 1975, en marzo, apoyando durante unas seis semanas a la banda canadiense de rock Bachman-Turner Overdrive, y también a Bob Seger. Una gira que ayudará a la banda a pasar al siguiente nivel, llegando a foguearse en pabellones con aforos de hasta 20.000 personas. El grupo tenía un directo brutal, a lo que se sumaba el hecho del carisma que Phil Lynott era capaz de proyectar encima del escenario, era capaz de llenarlo  con su sola presencia. El impacto que aquella gira por suelo estadounidense produjo en Lynott fue enorme.

En mayo de 1975 el grupo se mete en los Olympic Studios de Londres para grabar su quinto álbum de estudio, Fighting, el cual es producido por el mismo Phil Lynott. Conscientes de que su anterior trabajo, Nightlife (1974), tenía una mezcla de demasiados estilos que confundían a la gente, en Fighting consiguen darle una cohesión en cuanto a sonido y estilo. Para la foto de portada, Lynott tuvo una primera idea de una fotografía con una primera plana de los cuatro componentes de la banda golpeados y ensangrentados. La fotografía llegó a hacerse pero la discográfica Phonogram la rechazó por lo que al final se utilizó para la portada la fotografía realizada por el fotógrafo británico Mick Rock (Reconoido por sus icónicas imágenes a bandas y grupos de rock y heavy metal) en la que simplemente aparecen posando los cuatro componentes. Este es el único disco de estudio donde aparece además en la portada el logotipo de la banda, que había sido diseñado por Jim Fitzpatrick. Cuando Phil Lynott entregó el material terminado del disco a  Phonogram, el sello transmitió al cantante que el material no era lo suficientemente bueno y que deberían grabar cuatro temas más, por lo que al grupo no le quedó más remedio que volver al estudio para preparar cuatro nuevos temas más. 

Figthing empieza a dar muestras de que el grupo empieza a funcionar como un rodillo bien engranado, por una parte Lynott sigue creciendo como letrista y compositor, y se entiende a la perfección con los guitarristas Gorham y Robertson, algo que dará como resultado potentes canciones que nos hablan de venganza, violencia, suicidio o independencia. Por otro lado el uso de las guitarras gemelas empieza a dar sus frutos en este disco, un sonido y un estilo que definirá a un grupo que pulirá y explotará como pocos este estilo convirtiéndolo en su seña de identidad. Curiosamente, según relata el mismo Scott Gorham el característico estilo de sonido de la banda surgió por accidente: "Brian Robertson estaba en el estudio grabando una toma y el ingeniero se dejó un delay (Efecto de sonido aplicado a la guitarra que consiste en un retardo o retraso. Este efecto se encarga de repetir las notas que se interpretan en la guitarra a modo de eco) en su guitarra. Fue como un milisegundo, de modo que Robertson empezó a armonizar consigo mismo. Aquello sonó muy bien y a lo demás les gustó mucho, de modo que le pidieron a Robertson que repitiera su fraseo original y yo salí para añadirle una armonía en paralelo". De hecho el grupo no empezó a pesar en aquello como un sonido característico hasta que leyeron una reseña en un periódico que rezaba "Patentado el sonido Thin Lizzy de melodías de guitarras gemelas". 

Comercialmente el disco funcionó bastante mejor que el anterior disco, Nightlife, llegando a vender unas 20.000 copias y consiguiendo alcanzar el puesto número 60 en las listas de ventas del Reino Unido, siendo el primer álbum en alcanzar entrar en dichas listas. A pesar de los mediocres resultados de ventas, este disco supuso el punto de inflexión, pues explotará el característico sonido de la banda. Gracias también a sus grandes directos en el escenario la banda seguirá creciendo gracias al boca boca. Parte de la crítica desribió Fighting como el disco que inició la etapa era clásica del grupo, sin embargo para algunos críticos no fue suficiente, como el para el por entonces editor de la revista musical Sounds y posteriormente fundador de la revista Kerrang, Geoff Burton, quien cuenta una anécdota que pone de manifiesto el carácter y carisma de Phil Lynott. En aquel momento Fighting no fue suficiente para él, quien escribió sobre el disco que era el segundo LP de la banda con su nueva formación de guitarras gemelas, y que era un álbum de rock correcto sin más, y que el trabajo grabado en el estudio adolecía de falta de energía y contundencia. Un mes después Geoff Burton fue a ver a Thin Lizzy en directo, y aproximadamente a la mitad del concierto Lynott empezó a realizar una pequeña reprobación hacia los críticos de rock. En ese momento Burton se llegó a preguntar si Lynott sabría que él estaba entre el público, pues ¡vaya si lo sabía!, porque al acabar el discurso, Lynott se encogió de hombros y con una sonrisa dijo: "Pero pase lo que pase, esta próxima canción es para Geoff Burton: Still In Love With You". Recordaba Burton que aquel momento fue uno de los momentos donde más verguenza había sufrido en su carrera.

El disco abre con Rosalie, tema escrito por Bob Seger y del que Lynott y compañía hacen una magnífica versión. La gira americana que el grupo había hecho unos meses antes había marcado profundamente a Phil Lynott y Fighting contenía matices de ese sonido americano. De hecho el disco, además del sonido contiene muchas alusiones estadounidenses, como los dólares y diners. For Those Who Love To Live, compuesta por Downey y Lynott. Esta canción la solía dedicar en directo Phil Lynott a George Best, la estrella irlandesa del club de fútbol Manchester United, el jugador favorito del cantante, bajo el lema que a veces era mejor vivir la vida al máximo. Suicide, el tema estrella de álbum. Una canción que se convertirá en fija en casi todos los conciertos de la banda. Lynott se basó en un episodio de la serie estadounidense de televisión Perry Mason llamado El caso del salto del amante, emitido en abril de 1963, donde Perry Mason desenmascara a un asesino que ha encubierto su fechoría haciendo que la persona que ha matado parezca que se ha suicidado. En este tema podemos identificar claramente el sonido de las guitarras gemelas, ese brillante duelo que se marcan Gorham y Robertson queda ya para la historia del rock. Curiosamente esta canción fue interpretada por primera vez en julio de 1973 en un programa de la BBC cuando todavía estaba en la banda Eric Bell. Se interpretaba con con diferentes letras bajo el título "Baby's Been Missing" y le faltaba la sección central tan famosa que aparece en Fighting. Wild One, otro tema que explota y eleva a la máxima expresión el uso de las guitarras gemelas. El tema tiene un comienzo impactante con Gorham y Robertson a la par mientras Lynott nos habla de la dificultad de estar separado de la mujer que amas. Fighting My Way Back se encarga de cerrar la cara A. Tema escrito por Lynott, con unas letras que van en la línea del disco, donde la lucha y la rudeza están presentes. En la cara B seguimos con la continuidad de sonido y temática donde la violencia y la pelea siguen presentes en temas como King's Vengeance , temas con un toque a ese sonido americano como Ballad Of hard Man, el único tema no compuesto por Lynott, siendo Scott Gorham su creador, temas donde la lucha por la libertad y la independencia está presentes como Spirit Slips Away y Freedom Song, y temas como Silver Dollar donde las alusiones a los dólares, al continente americano y a los amores están presentes.

Ya nada quedaba de esa banda que había tenido éxito con Whiskey In The jar, una vieja canción tradicional de taberna irlandesa, canción de la que Lynott siempre acabó renegando, Thin Lizzy era más que aquella canción, y con Figthing la banda irlandesa había plantado los cimientos, habían creado su propio estilo, tenían un directo brutal e iban en la dirección correcta. Sólo les hacía falta pasar al siguiente nivel con un disco que les consagrara. Lo mejor estaba por llegar.

0373.- Moby Grape - 8:50

 

Moby Grape aparecieron a mitad de los años 60 en ese hervidero musical que fue San Francisco, fue una banda de las bandas con mayor potencial y, al mismo tiempo, peor suerte de la historia del Rock, tan solo tres años después de empezar su carrera, todo había terminado. Aunque se les suele identificar con la escena psicodélica realmente combinaron lo mejor de la música de su tiempo: Folk, Blues, Country y Rock & Roll clásico con un sonido de tres guitarras potente y característico. Todos estos elementos se fundieron en su LP de debut en 1967. Aunque álbumes posteriores tuvieron momentos buenos, una combinación de problemas personales y mala gestión mató el grupo a finales de la década de 1960. Muchas bandas de San Francisco de la época fueron formadas por inmigrantes recién llegados a la zona, y Moby Grape no fue la excepción. Matthew Katz ayudó a crear Moby Grape alrededor de Skip Spence, un nativo canadiense, había tocado la batería con los Airplane, abandonando tras su primer álbum, y volvió a la guitarrista. El guitarrista Jerry Miller y el batería Don Stevenson fueron reclutados, al igual que el guitarrista Peter Lewis y el bajista Bob Mosley.

 

Los cinco miembros contribuyen más o menos igual a la composición de canciones en su debut homónimo en 1967, Columbia Records, sin embargo, daña la credibilidad de la banda con un exceso de bombo y la edición de no menos de cinco sencillos simultáneos. Peor aún, tuvieron numerosos problemas legales de tipo sexual cuando varios de sus miembros fueron encontrados con groupies menores de edad y aunque los cargos fueron finalmente retirados, los problemas legales de este hecho, combinados con una relación cada vez más tensa con Katz, minaron la unidad de la banda. El golpe final lo dio el doble LP 'Wow', uno de los discos más decepcionantes de los años 60, en gran parte por culpa de las altas expectativas que dejaron en su debut. Más de la mitad de las canciones tenían composiciones erráticas y los miembros del grupo demostraban una falta absoluta de destreza instrumental y vocal. Spence se apartó del grupo mientras el disco se estaba grabando en New York en 1968, tras un famoso incidente en el que entró en el estudio con un hacha, aparentemente con la intención de usarla contra Stevenson. Otro golpe inesperado fue tratado cuando Mosley se unió a la infanteria de marina en 1969 así el grupo se disuelve a finales de los años 60, a pesar de que se reunieran periódicamente para editar discos que pasan totalmente desapercibidos.

8:50 fue una de las canciones de más éxito de ese primer álbum, es realmente una canción muy bella, una dulce balada acústica que tiene ese encanto de cuando la música folk es pura y simple y no trata de ser nada más que lo que es, además la armonización funciona muy bien aquí.

0372.- A day in the life - The Beatles

 

A day in the life ("Un día en la vida") es el tema con el que The Beatles cierran de manera apoteósica su enorme Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de 1967, y está considerada entre las obras maestras de la banda de Liverpool y una de las mejores canciones de la historia de la música. Acreditada como siempre al dúo Lennon-McCartney, fue escrita en su mayor parte por John Lennon, y completada con un fragmento de una posible canción que Paul McCartney tenía en la recámara.

Que difícil debe ser quedarse con un solo día de toda una vida. ¿Cuál elegiríais vosotros? Si tuviera que elegir, quizá sería una noche de mayo en las fiestas de Getafe, el día que mi mujer y yo empezamos a salir juntos. Podría también elegir el día que nacieron mis hijos, pero eso no habría ocurrido sin aquella mágica noche de fiesta en la que nuestros caminos coincidieron. En el caso de Lennon, su "día en la vida" era en realidad una letra construida a partir de referencias a la película How I won the war, que el mismo protagonizó ("el ejército inglés acababa de ganar la guerra"), a artículos periodísticos ("un elevado número de hoyos en una carretera de Blackburn") y al accidente de coche que causó la muerte de su amigo Tara Brown, heredero de la fortuna Guinness.

La aportación de McCartney sí que se basaba en recuerdos de un día cualquiera de su juventud, y de la rutina que llevaba a cabo cada mañana (levantarse, coger el autobús, ir a clase y salir a fumar, justo antes de caer en un estado de ensoñación). La letra de Lennon engancha con este supuesto "viaje", y tuvo problemas con la censura de la época, ya que la BBC se negó en un primer momento a difundir la canción, debido a la frase "I'd love to turn you on" ("Me encantaría excitarte") y sus connotaciones de consumo de drogas.

La transición entre ambas partes incluye el sonido de un despertador, para el momento en el que la jornada de McCartney comienza, pero en realidad era un recurso para avisarle del momento en el que debía entrar y cantar su parte. El sonido encajaba tan bien con la letra ("Me levanté, me caí de la cama..."), que decidieron mantenerlo en la canción. Para la transición de vuelta a la sección de Lennon, optaron por incluir una orquesta completa, que tocó un crescendo con todos sus instrumentos pasando progresivamente de la nota más baja a la más alta.

El resultado fue tan extraño, y a la vez tan satisfactorio, que decidieron volver a incluirlo al final de la canción, rematándolo con un acorde de Mi Mayor, que tocaron al unísono Lennon, McCartney, Starr y Mal Evans en cuatro pianos diferentes. Mantuvieron el sonido del acorde durante más de cuarenta segundos, aumentando el volumen de la grabación a medida que el sonido del acorde se iba apagando. El volumen llegó a ser tan alto, que hasta puede escucharse el roce de uno de los zapatos de Ringo contra el suelo, al cambiar levemente de posición y no mantenerse parado hasta que la grabación terminara. Su zapato, y el consiguiente cabreo de McCartney, pasaron definitivamente a la historia de A day in the life, el tema con el que un día cualquiera se convirtió en algo absolutamente extraordinario.

Disco de la semana 257: Hermética - Victimas del Vaciamiento

Disco de la semana 257: Hermética - Victimas del Vaciamiento

Debo decir que no soy mucho del metal, pero un amigo siempre me pregunta sobre el Metal en Argentina, por ello para los que les gusta el metal, y en particular el metal en Argentina, en esta ocasión les traigo una banda Argentina, donde se siente la fuerza y la energía de un riff de guitarra.

La escena metalera, nos regaló a fines de los 80 una de las bandas más veneradas y reconocidas del metal en en Argentina, Hermética, por hacer un poco de historia de este particular sonido, Hermética es parte de una banda pionera V8, semilla del heavy en la Argentina, y Hermética su continuación formada por el bajista Ricardo Iorio, junto a Claudio O’Connor al micrófono, Antonio Tano Romano en guitarra y Claudio “Pato” Strunz en batería, empezaron a formar algo que, hasta nuestros días, es considerado una auténtica leyenda. por ello Hermética es en Argentina, lo que Iron Maiden al Reino Unido o Accept a Alemania, es decir, unos auténtico referentes del Metal en su tierra.

Este disco dicen que fue una consagración definitiva de la banda y también el final de su carrera. Ni el metalero más pesimista habría siquiera pensado que Victimas del Vaciamiento, fuera su último disco de estudio, se dice que motivos hubo, partes enfrentadas, declaraciones polémicas, etc. 

La separación de Hermética, paradójicamente, fue el trampolín que terminó por colocarlos en el estatus de leyendas, no comentare cuales fueron esos problemas que ocasiono que la banda se separara, solo decirles que fuera lo que fuera, nos han dejado un álbum que habla por si solo en la escena del Metal, y dejare a mis fans del Metal comprobarlo. Sin más hablemos de Victimas del Vaciamiento, y les pediré perdon de antemano si caigo en exactitudes con respecto a este álbum.

Comenzaremos con Soy de la Esquina que abre el álbum de forma rápida y frenética, con el Claudio Pato Strunz haciendo gala de su dominio de la batería, mientras la guitarra del Tano Romano desgrana un riff con bastante fuerza, y O'Connor con sus agudos raspados, sello inconfundible del sonido Hermética, nos espeta un himno a la amistad, ésa de calle, birra (cerveza) y acera. Buen comienzo para el disco.

Llega el turno de Otro día para ser, que inicia relajada y tranquila, con Ricardo Iorio casi recitando la letra, hasta que en el minuto 1:28 O'Connor y toda la banda desatan su energía en un tema de medio tiempo, cuya profundidad lírica y marco musical le han condenado desde siempre a convertirse en un clásico Heavy/Thrash. 

Con dos temas ya hemos entrado en materia, y ya vemos que Victimas del Vaciamiento no es un clon barato de su anterior álbum. Traición, otro medio-tiempo enérgico e iracundo, nos muestra a unos Hermética rabiosos como siempre, pero capaces de sonar meditativos y melódicos sin perder esencia. Y como para refrendarlo, le sucede Olvídalo y volverá por más, la dramática balada con Ricardo Iorio al micrófono, más anti-político que nunca. El Tano (Antonio Romano) se hace presente con un excelente solo lleno de intensidad y melodía, coronando al que considero uno de los mejores temas del disco, y un clásico inmediato. Un auténtico himno, que nos recuerda que los políticos siempre se ríen en nuestra cara. "En un avión se llevó el dineral, a donde nadie sabe." fuerte declaración, Hermética marca en sus canciones un gran tono de protesta.

En esta última formación de la banda su baterista Claudio Pato Strunz es un baterista tremendamente infravalorado, y quien tenga alguna duda, que se ponga Hospitalarias realidades. Ése doble bombo del inicio, veloz, fuete y aplastante, no deja indiferente a nadie. Un track sólido de principio a fin, marca de la casa. 

Cambiando un poco el aire, Buscando razón y su riff inicial con sabor más a heavy que a thrash, es la declaración de que la banda esta consolidada y como he dicho hizo que este álbum sea uno de los mejores. 

Lo que viene es un continuo vaivén, una montaña rusa de baja-sube-baja, el aire tétrico, casi doom-sabbathiano de Cuando duerme la ciudad baja las revoluciones del disco, pero luego Ayer deseo, hoy realidad nos pega nuevamente un furioso thrash al más puro estilo de la banda, un tema para sacudir la cabeza hasta reventarse la nuca, cabe destacar al Tano Romano, sacando fuego a las cuerdas de su guitarra. Y nuevamente la lentitud con Del colimba, con un Ricardo Iorio describiendo con resignación y amargura las miserias del servicio militar obligatorio (colimba, en Argentina, se les llama a los que cumplen con el mencionado servicio militar).

Llegando al final del álbum, la banda nos regala Moraleja, guiño descarado al folklore de la pampa argentina ¿en un álbum de heavy/thrash? Pues sí, Hermética, por muy duros e inconformes sociales que sean, no olvidan sus raíces. “Para informarte de que también yo he nacido, en el terreno del Atlántico a los Andes, del verde Chaco a los hielos fueguinos”. Ciertamente es toda una declaración de orgullo nacional, no exenta de picardía gauchesca. 

Por eso son unos dioses en su tierra. Y para cerrar este álbum, Tano Solo, donde Antonio Tano Romano y su guitarra son los únicos protagonistas, no es el típico solo de guitarra cliché o autocomplaciente, sino más bien un track de corte ambiental, oscuro, melancólico y solemne. Un cierre que bien simboliza el final de la carrera de la banda.

En la cima de su carrera artística, y habiendo llegado a su plena madurez musical, Hermética puso punto final a su conta historia de sólo seis años. Seis años que bastaron para posicionar a la banda en el lugar que, con toda justicia, se ganaron con su obra. El sentir que emana de su música, su identidad nacionalista y su compromiso con la lucha desde el lado del Metal han hecho de la H(ermética) una leyenda argentina en toda la extensión de la palabra.

Daniel
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0371.- When I'm Sixty-Four - The Beatles

 

When I'm Sixty Four, The Beatles

     El 26 de mayo de 1967 el mítico álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es publicado en Reino Unido bajo el sello discográfico Parlophone Records. Será el sello Capitol Records el encargado de publicarlo y distribuirlo en el mercado estadounidense el 1 de junio de 1967. El material es grabado entre el 24 de noviembre de 1966 y el 21 de abril de 1967 entre los EMI Studios y los Regent Studios, ambos de Londres. Considerada la opera prima del grupo y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos, el disco permaneció 27 semanas en la cima de las listas de ventas del Reino Unido y durante 15 semanas en el primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este mítico disco se encuentra el tema When I'm Sixty-Four, escrita Por Paul McCartney y acreditada al dúo Lennon-McCartney como era costumbre en aquella época. El tema fue grabado en sesión de grabación en los estudios EMI de Londres los días 6, 8, 20 y 21 de diciembre de 1966.

Esta canción surgió de una vieja pieza escrita por Paul McCartney cuando éste tenía 15 años y comenzaba su aventura con The Quarrymen, llamada When I Was About 15. Esta canción solía formar parte del repertorio del grupo cuando éste todavía se llamaba The Cavern. Paul se solía sentar al piano y entre pase y pase en el club Kauiserkeller de Hamburgo (Alemania), mientras tocaba la melodía de la canción anunciaba a los presentes y a todo aquel que quisiera escucharle que había escrito una canción. 

En 1966, cuando el padre de Paul, Jim McCartney, cumplió 64 años, al celebrar este evento, su hijo le dedicó una nueva versión de la canción titulada When I'm Sixty-Four. Una canción donde Paul reflejaba los pensamientos de un joven que mira hacia la vejez, preguntándose si como será su relación con el matrimonio y si todavía estará casado con alguna mujer cuando tenga esa edad. 

Al terminar la canción Paul dudaba de la calidad de la misma, pues encontraba la parte instrumental bastante floja. Uno de los que más le ayudo a reforzar el tema fue el productor George Martin, quien le planteó la posibilidad de añadir un cuarteto de clarinetes para que la canción sonara como una de esas canciones de las viejas Big Bands de los años 20. También se decidió acelerar la voz de Paul. El resultado fue una canción que el mismísimo John Lennon alabó, quién dijo de ella años después que "Ni siquiera soñaba con escribir una canción como esa".