sábado, 16 de octubre de 2021

0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan


0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan

Una de las mejores canciones de Bob Dylan sin duda es Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again que fue incluida en el disco Blonde on Blonde.

Bob Dylan lo ha vuelto hacer, marca un estilo de narrativa único de Dylan donde los versos sólo están conectados por el tema, y no por ningún sentido de narración lineal. 

La temática de la canción cuenta la historia de un forastero que intenta escapar una sociedad cuadrada, es la historia de un hombre que busca desesperadamente una forma de salir de Mobile's Grand Street y entrar en algún tipo de mundo cuerdo, como el que se puede encontrar, aparentemente, en Memphis.

En primer lugar, el sonido es mucho más estridente y explosivo que cualquier otra canción de Blonde on Blonde, aparte de One of Us Must Know. El estilo de las letras recuerda definitivamente a Desolation Row y Just Like Tom Thumb's Blues. 

La influencia de los poetas Beat es evidente. Una frase como "locos de neón" podría haber sido sacada directamente de un poema de Allen Ginsberg. 

Al igual que muchas canciones de Highway 61 Revisited, la canción presenta una gran cantidad de nombres propios y personajes: el Hombre de Trapo, Mamá, Shakespeare, la Chica Francesa, Mona, los Hombres del Ferrocarril, el Abuelo, el Senador, el Predicador, el Hombre de la Lluvia, Ruthie, la Debutante y el Loco de Neón. La canción tiene más personajes que algunas películas.

Probablemente, Dylan eligió los dos nombres de ciudades que contrastan, Mobile y Memphis, no sólo porque los nombres suenan bien juntos, sino también por el contraste de la historia de las dos ciudades. Mobile es una ciudad de Alabama, uno de los estados con mayor segregación racial del país. Fue escenario de algunas de las infames protestas por los derechos civiles y de la violencia que se produjo en la época en que se grabó Blonde on Blonde. Memphis, en cambio, era la cuna de la "música soul", y se la conocía como una ciudad de moda y de moda.

En la grabación, Dylan canta una línea diferente a la publicada en el libro de letras. En la letra publicada la línea está escrita "Now the preacher looked so baffled". En la grabación, Dylan añade claramente una palabra adicional antes de "preacher", pero no está claro cuál es. Podría ser "tea preacher". 

Stuck Inside sólo aparece en un álbum oficial en directo, Hard Rain. Es una buena versión.

Dylan la interpretó en directo muchas veces a finales de los ochenta y en los noventa. En las versiones en directo, a veces omite varios de los versos centrales, no siempre los mismos.

La mayoría de las versiones piratas no aportan mucho al original. Sin embargo, G.E. Smith, el antiguo líder de la banda de Saturday Night Live, aporta algunos solos de guitarra muy enérgicos a la canción durante los espectáculos de principios de los 90. Las interpretaciones más recientes se realizan de forma muy diferente, muy lentas y tranquilas. Todas son interesantes, pero ninguna se acerca a superar la original.

Daniel 
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viernes, 15 de octubre de 2021

0288: I want you - Bob Dylan

 


Grabada en las primeras horas de la mañana del 10 de marzo de 1966, la canción fue la última que se grabó para el doble álbum de Dylan, Blonde on Blonde . Fue publicado como single en junio, poco antes del lanzamiento del álbum obteniendo un relativo éxito para el tipo de música del cantautor al conquistar el puesto 20 en Billboard.

 

I Want You cuenta con Al Kooper en el órgano, y los músicos de Nashville reunidos por el productor de discos Bob Johnston, la parte de Al Kooper es quizás la mas interesante y destacada de toda la canción, al mando de un órgano Lowrey, el mismo tipo utilizado por Garth Hudson en muchas grabaciones de The Band y Dylan / The Band. Uno de los aspectos más llamativos de la canción es que es la típica canción de amor sobre "he decidido nacer para estar con alguien y amarle" pero Dylan le da la vuelta, Dylan no canta sobre 'Nací para estar contigo' , sino más bien canta sobre “No nací para perderte” . En otras palabras, el cantante no cree en un destino mágico de cuento de hadas, pero ahora que se ha convertido en algo grandioso, no lo va a dejar pasar fácilmente. Como muchas canciones de Dylan, no hay un flujo narrativo claro, y como no podía ser de otra manera contiene una letra/mensaje bastante complicado, donde encontramos hasta tres mujeres diferentes a lo largo de la canción. Está el objeto del afecto, por supuesto, pero también está la Reina de Picas a la que "regresa" , y la Sirvienta de cámara a quien el narrador "no tiene miedo de mirar" (La Reina de Espadas y la Sirvienta de Cámara podrían ser la misma persona, no está claro). Dylan a menudo se refiere a las mujeres como "reinas" . Lo hace en Just Like a Woman ("Queen Mary"), Need a Woman ("Bueno, necesito una mujer para ser mi reina") y Gates of Eden ("Reina gitana de dos ruedas").

 

Pero bueno, como siempre encontramos una letra complicada donde enredarse como un loco (Un enterrador culpable, saxofones que hablan, madres lloronas, una taza rota y, sobre todo, ¡la misteriosa Reina de Picas! ¿Una pesadilla surrealista? el aparente anhelo del narrador por el amor es de hecho un anhelo de algo más espiritual), en esta ocasión Dylan nos brinda un tema casi Pop, pocas veces vamos a encontrar a un Dylan tan eufórico, con el cual incluso podemos mover un rato la cadera y menear la cabeza mientras repetimos una y otra vez I want you (Dylan), dentro de sus canciones pesimistas y trascendentales nos está regalando un poco de alegría, de su estilo eso sí, pero alegría

Disco de la semana 245: Ten Summoner's Tales , Sting

 


Cuando escucho "Ten Summoner's Tales", mi vida mejora, y si a eso añadimos que en el momento de su publicación, mi vida iba a sufrir uno de los trances más duros que se pueden tener y que lamentablemente casi todos pasamos por ello, la única explicación posible para que ocurra esto es sencilla,  es una jodida obra de arte, realizada con el corazón y con notas musicales que bailan a tu alrededor y te hace caminar con otra ilusión en el cerebro, y aunque su anterior álbum, The soul cages, fue un disco enorme, de una inusitada personalidad y de esos álbums que se te meten en el interior y le dan una vuelta al alma, (de hecho antes de la publicación de ese disco, él mismo pasó por el trance que me tocaría vivir a mi meses mas tarde) este tiene la misma capacidad pero brilla más, brilla mucho más y sumidos en la desolación aun tienes un espasmo de felicidad. Ya lo adelantó el propio Sting hablando acerca del juego de palabras de su título, Summoner (invocador) / Sumner (apellido de Sting) y señalaba que el disco iba a ser una colección divertida de cuentos e historias.


 

 

El álbum se abre con un irresistible y palpitante R&B titulado “If I Ever Lose My Faith In You”, una canción cuya fuerte batería rítmica es casi hipnótica arropada por unas guitarras en capas y densos sintetizadores que le dan a esta melodía una gran cantidad de carácter y se contagia, el uso inteligente de la armónica y la pandereta proporciona textura en la mezcla y son regalos adicionales que marcan una gran diferencia en el producto final, si además se reviste con una letra como "Se podría decir que perdí mi fe en la ciencia y el progreso / se podría decir que perdí mi fe en la santa iglesia / se podría decir que perdí el sentido de la orientación / se podría decir todo esto y cosas peores… ” Toda una declaración de intenciones, se puede sobrevivir a la muerte de casi cualquier cosa, salvo a la creencia y confianza de un amor incondicional. Este tema fue el primer sencillo del álbum. Continuamos con algo asi como un spaghetti western “Love is Stronger Than Justice (The Munificent Seven)” podría haber quedado ridícula pero el compás de 7/8 que consigue le da a la canción un delicioso toque de jazz, atentos a la batería porque aquí se hace la dueña de todo y ese final con piano le da otra dimensión a la canción. “El amor es más fuerte que la justicia / El amor es más espeso que la sangre / El amor es más fuerte que la justicia / El amor es un gran gordo río en sangre” “Fields of Gold” admito que tengo una debilidad en mi corazón por la nostalgia romántica y ese tema es sin duda de los que más me han tocado, es cálida y poéticamente romántica, la canción es ideal para un alma que todavía tiene por delante largas y oscuras noches, un órgano y un tambor lento se suman al poder de la canción y Sting expone un corazón herido mientras canta: "Me recordarás cuando el viento del oeste se mueva / Sobre los campos de cebada / Olvidarás el sol en sus celos cielo / Mientras caminamos en campos de oro ".

Ojo a la sensación de jazz / funk que él y su banda hicieron para “Heavy Cloud No Rain”, una divertida observación de la frustración humana en sus diversas formas, la guitarra de Miller se desliza como una víbora en una misión de malas intenciones y tanto el órgano como la armónica contribuyen en gran medida a la atmósfera fresca y turbia de la cancion. "She's Too Good For Me" solo dos minutos y medio para una canción que empieza con un ritmo estruendoso y endiablado como si no pudiéramos permanecer en paz ni un solo segundo, pero justo cuando crees que Sting se está volviendo loco, lanza un cuarteto de cuerdas de jazz a mitad de camino que resalta su sentido inteligente y uso del humor. Se trata de una pareja que no tiene nada en común más que una vida sexual excepcional juntos, pero eso es suficiente para que él aguante sus quejas, es sin duda una de las canciones mas extrañas del principio de su discografía. "Seven Days", es una canción con una percusión esbelta y ajustada, el ingenio de Sting se muestra una vez más, mientras el protagonista de la historia debe luchar contra un rival por la mano de la chica que ama. “El hecho de que mida un metro ochenta / podría infundir miedo en otros hombres / pero no en mí, la pulga poderosa / pregunta si soy un ratón o un hombre / el espejo chirrió / huí corriendo”, otra canción que juega con complicados e inesperados cambios de ritmo.

 

"Saint Augustine in Hell" es una barbaridad de tema, una excursión más al complicado 7/8 y esta vez sostenida agresivamente por la sección rítmica de Vinnie y Sting, el resultado es una pista desenfrenada que es imposible de ignorar. La disonancia de jazz dentro de los acordes del teclado de Sancious le da un toque exquisito a las palabras sobre la debilidad condenatoria de un sacerdote piadoso cuando se trata de su insaciable deseo por la carne. "Cuanto menos necesito, más me vuelvo casto, pero no todavía / es una promesa o una mentira / Me arrepentiré antes de morir", le suplica a Dios. El interludio de la palabra hablada es como escuchar a escondidas en el salón de cócteles de Lucifer mientras Wormwood le asegura a nuestro chico que no estará solo en el Hades. "Tenemos cardenales, arzobispos, abogados, contadores titulados, críticos musicales ... ¡Están todos aquí!" se ríe. " It's Probably Me” son más de cinco minutazos de sensibilidad canción compuesta mano a mano con Eric Clapton. Sobre la canción pesa que fue parte de la banda sonora de un divertimento como Arma Letal 3, y el tema trata sobre la amistad y la soledad que se muestra rica y sincera, está más cerca de una pieza de jazz que cualquier cosa que hiciera Sting cuando supuestamente tocaba con una banda de jazz. El ritmo latino fluye con gracia y la trompeta silenciada le otorga un tono cosmopolita, junto a una divertida letra sobre un hombre egoísta que, cuando se le acaba la suerte, descubre que es el único amigo que tiene encaja bien con su estado de ánimo, pero sigue siendo una decepción. “Shape of My Heart” es una barbaridad de tema, con sus guitarras españolas y la entrada de la armónica estridente en el momento perfecto. Las líneas poéticas que usan los palos de una baraja de cartas para ilustrar el voluble juego del amor son admirables. El tema estuvo presente en la excelente película, Leon, el profesional. “Something The Boy Said” es ilusionante al principio, pero la canción nunca termina de dar lo que esperábamos de ella con ese comienzo tan ilusionante. Sting termina muy arriba con "Epilogue (Nothing 'Bout Me)" un repunte un feroz impulsado por jazzy shuffle, grandes trompetas que brindan un fuerte contraste y un solo de piano de Sancious brillante, una denuncia clara y directa a los paparazzi entrometidos que lo acosan sin piedad, pero en vano. "Registra mi casa con un peine de dientes finos / dale la vuelta a todo / porque no estaré en casa / configura tu microscopio / y dime lo que ves / todavía no sabrás nada de mí ...", canta con seguridad.


jueves, 14 de octubre de 2021

0287: Visions of Johanna - Bob Dylan


Visions of Johanna
fue escrita por Bob Dylan para su álbum de 1966 Blonde on Blonde. La crítica especializada la considera una de las letras más inspiradas del músico estadounidense, una canción de amor compleja y un poema extremadamente inspirado, hasta el punto de que poetas ingleses de la talla de Sir Andrew Motion la cataloguen como la mejor letra de canción jamás escrita.

Antes de que la versión final quedara registrada en el disco. Dylan la interpretó en directo por primera vez en diciembre de 1965 en el Berkeley Community Theatre con Joan Baez entre el público asistente. Tras la actuación, Baez declaró estar segura de que la letra de aquella canción nueva se refería a ella. Sin embargo, Dylan vivía por entonces con su novia Sara en el Chelsea Hotel de Nueva York, y los versos hablan de dos mujeres diferentes, una carnal (Louise) y otra espiritual y por tanto inalcanzable (Johanna). Ambas son el objeto de deseo de un Dylan cabizbajo y solitario.

Dylan grabó una versión primeriza de la canción, titulada provisionalmente "Freeze out", a finales de 1965 en el estudio de CBS en Nueva York, y con la ayuda de la banda de acompañamiento The Hawks. Con la llegada del nuevo año, las sesiones de grabación del disco se trasladaron a Nashville, y allí decidió intentar de nuevo pulir una canción con la que no terminaba de sentirse satisfecho, hasta conseguir la versión que finalmente acabaría formando parte de Blonde on Blonde, uno de sus discos más celebrados. Gran parte de la culpa de su éxito la tuvo Visions of Johanna, una de las cimas creativas del genial trovador de Minnesotta.

miércoles, 13 de octubre de 2021

0286 Rainy Day Women # 12 & 35 - Bob Dylan

 

Rainy Day Women #12 & 35, Bob Dylan


     El 16 de mayo de 1966, Bob Dylan bajo el sello discográfico Columbia Records, publica su séptimo disco de estudio, Blonde on Blonde. Las sesiones de grabación, realizadas entre el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York y los columbia Music Row Studios de Nashville, se prolongan desde el 5 de octubre de 1965 hasta el 10 de marzo de 1966, y cuentan con el respaldo de un gran número de músicos, entre los que se encuentran los miembros de la banda The Hawks, la cual se convertirá en The Band cuatro años después.

Este disco, uno de los primeros dobles de la historia de la música moderna, completó la trilogía que Dylan había comenzado con Bringing It All Back Home (1965) y Highway 61 Revisited (1965). Gran parte de la crítica catalogó Blonde On Blonde como uno de los mejore álbumes de rock de todos los tiempos, y consiguió además buenas cifras en las listas de ventas, alcanzado el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard 200, donde consiguió la doblecertificación de platino, y el puesto número 3 en la lista UK Abums Chart del Reino Unido. 

El tema que abre este disco es Rainy Day Women # 12 & 35, compuesta por Dylan y lanzada inicialmente como sencillo en abril de 1966. La canción alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos y el 7 en Reino Unido. Curiosamente el título de la canción no aparece en la letra, es la única del álbum que incluye una banda de instrumentos de viento, y generó debate por su controvertido estribillo "Everyboy must get stoned! ("Todo el mundo debe estar colocado"). 

La canción fue prohibida en muchas emisoras de radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido al boom de las llamadas "canciones sobre drogas", aunque hay otras interpretaciones sobre la canción. Unas dicen que trata sobre las turbulentas relaciones de Dylan con las mujeres, otros mantienen que resalta lo absurdo de las críticas sobre las referencias a las drogas en la música rock de la época, incluso hay quien dice que es un tema en pro del Movimiento por los derechos Civiles.  

En cualquier caso, Dylan siempre insistió en que nunca escribió ni escribiría una canción sobre drogas. En una entrevista hecha al artista por la revista Rolling Stone en 2012, se le preguntó sobre las personas que interpretaban esta canción sobre como drogarse, y Dylan contestó que esas eran personas que no estaban familiarizadas con el "Libro de los Hechos". Dicho libro pertenece al Evangelio de Lucas y contiene un relato de lapidación donde una persona recibe la sentencia tras dar un discurso que nada va a importar a las autoridades diga lo que diga. Esto se ha relacionado a menudo con lo que Dylan sentía por sus críticos, quienes le iban a criticar siempre sin importar lo que hiciera.

martes, 12 de octubre de 2021

Un país, un artista: Días de Blues - Uruguay

 

Días de Blues


     En esta ocasión nuestros amigos y seguidores, a través de sus votos, han querido que sea un artista del país de Uruguay el que sea reseñado. El escogido por 7dias7notas en esta ocasión es uno de los primeros, y gran precursor del hard rock en el país sudamericano, aunque también tocaban estilos como el blues y el rock. Con todos vosotros Días de Blues.

Días de Blues es una banda de blues, rock y hard rock que nace en Montevideo, Uruguay en 1972. Sus tres integrantes, Jorge Barral (bajo, guitarra y voz), Daniel Bertolone (guitarra y voz) y jorge Graf (batería), provenían del grupo Opus Alfa, banda de blues y blues rock surgida en 1970, y que incialmente se dedicaba a realizar versiones en inglés de artistas sajones como Jimi hendrix o Keef Hartley Band entre otros, aunque posteriormente se concentraron en crear sus propio sonido con letras en castellano. 

Días de blues se presenta por primera vez ante el público el 18 de junio de 1972 en el Teatro Solís de Montevideo, compartiendo escenario con el cantante, músico y compositor argentino Litto Nebbia, considerado uno de los fundadores del rock argentino. Los más de mil espectadores presentes despiden al grupo de Montevideo entre ovaciones y aplausos. Un mes después, concretamente el 4 de julio de 1972 el grupo debuta con un concierto propio, en el Teatro Nuevo Stella de Montevideo. Dicho concierto es crucial para la historia de la música en Uruguay, pues está considerado como uno de los primeros recitales de hard rock llevados a cabo en Uruguay, suponiendo un gran avance en cuanto a la innovación musical, y también en cuanto a la amplificación del sonido. En aquel memorable concierto además de otros temas, algunos inéditos hasta la fecha, y todos propios, tocan las ocho canciones que formarán parte posteriormente de su primer álbum de estudio.

La innovadora propuesta de Días de Blues, hacen que el grupo se asiente y gane popularidad rápidamente, tocando en la Biblioteca Nacional y en un gran festival en el Velódromo de Montevideo, llegando a tocar incluso, con gran éxito, en el Festival BAROCK de Argentina el 27 de octubre de 1972. Gracias a su éxito en argentina, su primer disco de estudio será grabado allí a través del sello discográfico Trova

El disco debut de Días de Blues,de título homónimo, se graba en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires bajo la producción de Carlos Píriz, y es editado a principios de 1973. La excelente ilustración de la carátula de la edición uruguaya fue realizada por el dibujante, caricaturista y viñetista uruguayo Celmar Poumé, la cual no fue tenida en cuenta en la edición argentina. El grupo sufrirá cambios debido al deterioro de la situación política de Uruguay en 1973, la cual desembocaría en un golpe de Estado. Jorge Barral emigra a España y Daniel Bertolone hace lo mismo pero con destino a Australia. Jorge Graf asume el mando y decide seguir adelante con el proyecto con diferentes músicos. En esa época pasan por el puesto de bajista Angel Armagno y Gustavo "Mamut" Muñoz, mientras que por el puesto de la guitarrista pasan Freddy Ramos y Daniel Henestrosa.

A mediados de los 70, Jorge Graf emigra a Italia, regresando a Urguay en la década de los años 80. En 1987 decide formar con un gran conglomerado de músicos un proyecto al que llama Rómulo Bogalle y la Banda de Días de Blues. Esta llamada big band se basa en un estilo con raíces de blues pero más orientada hacia el candombe, ya que contaba a además de la batería de Graf, con una sección completa de tambores. El candombe es una manifestación cultural de origen afrouruguayo, basada en la fusión de rasgos musicales, religiosos y de danza de las diversas tribus africanas presentes en el Río de la Plata en la época colonial. La última reencarnación de Días de Blues se produce entre 1991 y 1992 y cuenta con los guitarristas "Palito" Elissalde, Luis Firpo y Lulo Higgs, Jorge Graf a la batería, Gerardo Babuglia al bajo y Heber Píriz a los mandos vocales. Dicha formación realiza una grabación en vivo en el Teatro Stella de Montevideo los días 13 y 14 de noviembre de 1991, la cual será editada por el sello dsicográfico Sondor bajo el título "En vivo-Grabación Digital".

Días de Blues además de constituirse en sus inicios como el power trío más importante del país en aquel momento, se ha convertido con el tiempo en un grupo de culto, y su primer disco, Días de Blues, ha sido reeditado en multitud de ocasiones en países como Italia y Alemania. Además, a lo largo de los años, el grupo ha influenciado a multitud de bandas de rock de Uruguay.

0285.- Sweet bitter love - Aretha Franklin

 


Sea bueno, sea excelente, nos vemos en la obligación moral, cultural y casi natural de detenernos en cada uno de los albums de estudio de Aretha Franklin, en este caso llega a nuestras páginas el momento de Soul Sister. Lo primero que advertimos que es un disco más para Columbia, discográfica que la maltrato y que quiso hacer de ella lo que no era y que no supo explotar todo el potencial que tenía… afortunadamente este sería el penúltimo álbum que grabaría para ellos, y como el proyecto estaba agotado este álbum es en cierta manera hasta incomprensible para el fan que sin ser de la generación de Aretha bucea y bucea en su discografía, no entendemos que pretendían hacer, ¿quizás reproducir el éxito de Ray Charles con Georgia on My Mind?, pero que sentido tiene ¿Ol 'Man Rivero Swanee? El hecho de que la voz de Franklin sea fresca y poderosa solo hace que todo el ejercicio sea extraño: ¿no notaron que aquello no pegaba nada?


Dentro de los temas incluidos hay uno que particularmente destaco y del que vamos a hablar, es Sweet Bitter Love, una canción escrita por Van McCoy que la cantante ha grabado en nada menos que tres ocasiones distintas, seguramente la mas espectacular sea la de 1985 que publicó en el álbum Who's Zoomin 'Who y donde la voz de Aretha está más calmada, más lenta y suave y el piano toma aún más protagonismo, la versión de 1966 quizás sea demasiado rápida y, aunque la voz de Aretha es sublime, tengo la sensación que parte de la emoción que la canción tiene, se perdía de alguna manera en el tempo rápido que le habían impuesto, por favor, que torpeza de los responsables de Columbia, ya que 2007 salió a la luz otra grabación en el álbum Rare & Unreleased Recordings, una demo donde batería, bajo y desde luego piano acompañan a la voz, que es todo en esa versión, el dolor se puede cortar escuchando su voz, dolor y tristeza como esta canción que habla del final del amor, de la despedida cuando aún quedan muchos rescoldos de la persona amada dentro de ti mismo y que pasa a convertirse en un dulce amargo amor.

lunes, 11 de octubre de 2021

0284 Strangers In The Night - Frank Sinatra

0284 Strangers In The Night - Frank Sinatra 

Strangers In The Night, es objetivamente una de las canciones más populares de Frank Sinatra. La canción le permitiría alcanzar los premios Grammy por el disco del año y mejor interpretación vocal masculina.

Strangers in the Night, cuya traducción al español es Extraños en la Noche es una canción de 1966 compuesta por el croata Ivo Robic y después adaptada por Bert Kaempfert con letra de Charles Singleton y Eddie Snyder, que fue popularizada por Frank Sinatra.

Bert Kaempfert originalmente la llamo Beddy Bye como parte de la banda de sonido de la película A Man Could Get Killed. Y esta primera versión fue ofrecida a la cantante Melina Mercouri, quien se negó a cantarla por pensar que mejor la podría interpretar un hombre. 

Tras el rechazo de Mercouri, la canción se la ofrecieron a Frank Sinatra bajo el título de Broken Guitar. A Sinatra no le gustó la canción por ello eso hizo que la reeditaran y retitulada como Strangers in the Night. La canción fue finalmente grabada por Frank Sinatra el 11 de abril de 1966, un mes antes que el resto del álbum. La grabación contó con la colaboración de importantes músicos y una curiosidad en el final de la canción donde el artista finaliza con el memorable "doo-be-doo-be-doo" que trataré fue una improvisación del propio artista.

El sencillo alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 del año 1966, que se convirtió en su álbum más exitoso. La canción también alcanzó el número 1 en la lista de sencillos del Reino Unido y en la lista de los 40 Principales de España

Tras el éxito de Frank Sinatra muchos otros artistas la interpretaron, entre ellos destacan Estela Raval (Primera versión castellana junto a Los Cinco Latinos), Richard Clayderman, Peggy Lee, Fausto Papetti, Petula Clark, Bobby Solo, Ray Conniff, Diana Ross, Matt Monro, Bette Midler, Luis Aguilé, José Guardiola, The Supremes, Mina Mazzini, Shirley Bassey, James Brown, Vikki Carr, Dalida, Connie Francis, Cake, Sandro, Marco Antonio Muñiz, José Feliciano, alta una versión de Julio Iglesias.

Daniel 
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domingo, 10 de octubre de 2021

0283 Out of time - The Rolling Stones

0283 Out of time - The Rolling Stones 

Out of Time en una tema de The Rolling Stones, que fue escrita por Mick Jagger y Keith Richards.

The Rolling Stones han hecho tres versiones de esta canción, la primera fue lanzada en la versión del Reino Unido de Aftermath en abril de 1966, luego por segunda vez fue lanzada en los Estados Unidos en el álbum recopilatorio Flowers, en 1967, y por último la banda la relanzo por tercera vez en el álbum Metamorphosis de 1975, aunque solo incluyendo la participación de Jagger.

Otros artistas han hecho una versión de la canción y la más famosa es la de Chris Farlowe, un cantante solista de origen Inglés. 

La versión de los Stones fue utilizada en la película de Hal Ashby Coming Home de 1978. La de Farlowe se usó en la serie de televisión británica Heartbeat.

Cada versión se puede destacar por, la versión del año 1966 por ser la versión más larga duración de 5:37, la versión más corta de las tres es la que se editó en el disco Flowers de 1967 y lanzada en los Estados Unidos, la última versión fue la versión donde la canta solo Mick Jagger fue incluida en el álbum recopilatorio Metamorphosis de 1975

The Rolling Stones han versionado varias veces esta canción pero ellos nunca la han llegado a tocarla en vivo. 

Daniel 
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La musica en historia: Making Movies - Dire Straits #MesDireStraits

 



Me encanta este álbum, siempre he sido un hombre de los ochenta, si bien el exceso de sintetizadores llega a agobiarme, pero es la década cuando descubrí la música y si bien a principio de la década mi empanada me seguía transitando por el mundo de Enrique y Ana o de Parchis, ya sonaban ecos en mi mente de 9 años a rock and roll, a música adulta hasta que llego Thriller y la cabeza literalmente me explotó y mi vida cambió. Lo cierto es que los Dire Straits entraron en mi vida como el cielo, azul, con esa portada de Brothers in arms, y no es fácil entender en la tercera década del siglo XXI que recuperar música más allá de lo que sonaba en las radios del momento era harto difícil… método, ir a comprarte el disco, pega máxima, la paga de uno niño de 12 años daba para dos bolsas de pipas y una mora de golosina, pero todos hemos tenido amigos, y de esos amigos alguno tenia un hermano mayor, y entrar en su casa te abría un mundo de posibilidades…. Todo este camino recorrido para decir que Making Movies no ha sido un disco que escuchara con el nacimiento de mi música, es la realidad, no es de los que mas quiero, pero tampoco estoy subyugado emocionalmente a él, así que vamos a navegar por sus siete pistas.


La primera es Tunnel of love, una canción apasionante de principio a fin, cargado de fantásticos riffs de guitarra, ingeniosos cambios dinámicos y fuertes solos de Knopfler, es probablemente la melodía de principio a fin más emocionante que esta banda jamás haya creado, y resulta que es realmente efectiva, una odisea que dura más de ocho minutos que incluye una melodía de órgano anticuada que da paso a un riff tenso y es que el grupo usa por primera vez un teclado a las manos de un músico externo llamado Roy Bittan, nada menos que el pianista de la E Street Band detrás de Bruce Springsteen. Tremendo tema, el solo al final de Tunnel of Love es uno de los mejores momentos de Mark Knoffler como lo es la canción en sí, una de mis favoritas para siempre. Pero para mi personalmente la estrella del álbum es Romeo and Juliet por su valor sentimental puro, una canción de amor honesta, es solo amor y romance y la sensación de frescura y emoción, de caer en lo desconocido, la química perfecta con un perfecto desconocido todo compensado por guitarra suave y piano enfático. La suavidad de la voz de Mark Knopfler al comienzo de la canción, su inflexión en hey it's Romeo, y el piano y la guitarra que se unen en un crescendo al final del coro, todo en su punto máximo, y cómo la instrumentación encaja perfectamente con el oleaje y el estallido de la emoción, la voz de Knopfler es dinámica y versátil pero siempre medida a través de esta canción de amor, la peor canción de amor de todas, la única canción de amor que alguna vez importará….. la canción de amor que me dice que hay un lugar para nosotros, pero ese lugar no está aquí, nunca está aquí. No puede estar aquí. 

Skateaway es la canción más floja de la cara A, pero todo es relativo, es una canción dinámica, rápida y viva, Llevada en un tren infernal, endiabladamente funky, Knopfler cuenta la historia de esta chica, una patinadora QUE Sobrevive haciendo trabajos esporádicos que no son muy emocionantes, y solo se desahoga patinando a toda velocidad mientras escucha Rock'N'Roll para escapar de su mediocridad diaria. La construcción de la pieza es más sencilla, Knopfler distorsiona el tema, pero mantiene el tempo enérgico. pero está tan bien elaborado y es tan sincero que me lleva directo a mi lugar musical feliz. Expresso Love es maravillosamente enérgetica, cariñosa, romántica, todo lo que siempre quise pero el clima es más oscuro, evocando a una prostituta, el ritmo agotador de su trabajo, el ambiente turbio en el que vive, el torrente de emociones contradictorias que la asalta día a día. La guitarra ruge, ronca, áspera. El solo es un soplo en este polvo acre, con intensa melancolía.

 


El resto del disco es mas flojito, no pasa nada por bajar a la tierra después de haber subido al cielo, Hand In Hand es una hermosa balada Dylanian como el infierno, apoyada por piano y guitarra acústica. La melodía es típica de Dylan, auténticamente imbuida de este folk típicamente estadounidense de los años 60. Es una canción orgullosa, con un estribillo emocionante. Solid Rock es un regreso al rock más duro y amargo, tres minutos y medio de pura adrenalina, el homenaje de los niños ingleses a los pioneros estadounidenses: Chuck Berry, Eddie Cochran ... Siempre existe este tono americano característico, pero el riff está particularmente inspirado en el rock americano secular, no sin un pequeño desvío a través del Creedence Clearwater Revival en busca de electricidad y dureza musical. "Solid Rock" sera el final de los conciertos de Dire Straits durante los próximos cinco años. 

Les Boys es una canción de homenaje a los soldados estadounidenses que partieron hacia Francia y se enfrentaron a los nazis. Tiene un poco de sabor anticuado, canción de color Country-Folk, y cuya melodía está inspirada en canciones de la década de 1940, en las que Knopfler injerta sus relajados coros de guitarra. A pesar de una línea melódica eficaz, sigue siendo la canción menos inspirada del disco, rica en suntuosas maravillas eléctricas… una bufonada.

 

sábado, 9 de octubre de 2021

0282: Uptight, Stevie Wonder


Uptight (Everything's Alright) de Stevie Wonder salió publicado como sencillo en 1965 y fue también incluida en el álbum Up-Tight de 1966. El chico de oro de Tamla Motown no defraudó y entregó una de sus canciones más populares, y el público y la crítica lo auparon a lo más alto (alcanzó el primer puesto del Billboard estadounidense, puesto que mantuvo durante cinco semanas, y fue nominada como mejor canción R&B y mejor interpretación R&B en los Grammys).

Uptight fue el espaldarazo definitivo de Wonder, que como (ya no tan niño) prodigio en ese momento generaba dudas en Motown, por el cambio que estaba sufriendo en la voz y por haber cosechado apenas un par de éxitos menores en las listas, corría incluso el riesgo de que prescindieran de sus servicios en la discográfica. Sin embargo, las nuevas y más maduras tonalidades de su voz encajaron a la perfección con una línea instrumental que el propio Wonder había compuesto inspirándose en los riffs de los Rolling Stones, con los que acababa de compartir gira.

El equipo de compositores de la Motown se apresuró a completar la letra de una canción de la que Wonder solo tenía la frase "Todo está bien, tenso". La versión definitiva, en la que un joven sin apenas recursos corteja a una chica rica e intenta que ella le valore y vea más allá de su pobreza, no estaba escrita en Braille el día de la grabación, por lo que Silvia Moy, una de las compositoras de la canción, actuó de apuntadora y le fue cantando las frases durante la grabación. Como no podía ser de otra manera, y más si hablamos de un tipo que se apellida Maravilla, Stevie Wonder no perdió en ningún momento el ritmo ni se equivocó al repetir las frases que Silvia le apuntaba, completando con éxito una grabación histórica.

Canciones que nos emocionan: Smokestack Lightning - Howlin' Wolf

 

Smokestack Lightning, Hwlin' Wolf


     En 1959 se publica el álbum debut del cantante, armonicista y guitarrista de blues Howlin' wolf, Moanin 'in the Moonlight. El disco es un compendio de grabaciones que el artista había realizado entre 1951 y 1959 para el sello Chess Records, que decide compilar las grabciones y lanzarlas en un disco. Recientemente, en el año 2020, Rolling Stone ubicó éste álbum en el puest número 447 de "Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos".

Incluido en éste álbum debut se encuentra Smokestack Lightning, uno de los temas más poulares e influyentes de Howlin' Wolf, tema que se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos del blues. El tema fue escrito y compuesto por Howlin' Wolf, apareciendo en los créditos con su nombre real, Chester Burnett

Smokestack Lightning se basa en canciones de blues anteriores, y Howlin' Wolf ya la había interpretado de una forma u otra a principios de la década de los años 30, cuando actuaba con el músico Charley Patton en pequeñas comunidades alrededor del Delta. El tema se basa en temas de blues anteriores, como Big Road Blues de Tommy Johnson, Stop and Listen Blues de los Mississippi Sheiks y Morning Going Down de Charley Patton

Howlin' Wolf se inspiró para grabar la canción mirando trenes en la noche, solía sentarse en el campo y ver pasar los trenes, viendo salir chispas de las chimeneas de los mismos. En 1951 Howlin' ya había grabdo la canción con el nombre de Crying at Daybreak. Habría que esperar hasta 1956 cuando graba el tema por primera vez como Smokestack Lightning. El tema sería grabado en Chicago en los estudios del sello Chess y publicado posteriormente como sencillo ese mismo año, 1956.

viernes, 8 de octubre de 2021

0281 Kicks - Paul Revere & The Raiders

Kicks, Paul Revere & The Raiders


     El 6 de mayo de 1966 se publica, bajo el sello discográfico Columbia Records, el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense Paul Revere & The Raiders, bajo el título Midnight Ride. Dicho trabajo fue producido por el compositor, cantante y productor de discos Terry Melcher, figura my importante que jugó un papel decisivo en la configuración y desarrollo del llamado Sonido de California. Este disco llegó a alcanzar el puesto número 9 en la lista estadounidense U. S. Billboard 200, consiguiendo además la certificación de disco de oro en 1967.

Incluido en este exitoso disco se encuentra el tema Kicks, que a raíz del éxito cosechado como sencillo tras su publicación en febrero de 1966 (alcanzó el puesto1 en Canadá y el 4 en Estados Unidos), fue incluido en Midnight Ride. El tema fue compuesta por Barry Mann y Cynthia Well, quienes eran marido y mujer. Por aquel entonces esta pareja de compositores contaban con veintitantos años, pero ya se habían asentado como comppositores de garantías, pues ya habían compuesto otros temas de éxito como You've Lost That Lovin' Feelin, Blame It On The Boss Nova, o We Gotta Get Out Of This Place, este último llevado al éxito por The Animals. Cuando Terry Melcher se pone a trabajar con Paul Revere & The Raiders para este disco, contacta con la pareja pidiéndoles que escriban un tema. Barry y Cynthia le enviaron Kicks, un tema que habían escrito originalmente con la esperanza de que ayudara a un amigo a salir de las drogas. 

Kicks, considerado como uno de los primeros temas antidrogas, fue compuesto y lanzado en una etapa en la que la temática hippie, la pro-experimentación y los temas contraculturales estaban ganando popularidad en la radio en Estados Unidos. En el tema, Mark Lindsay, la vocalista del grupo, le dice a una chica que las drogas no llenarán el vacío que hay dentro de ella. En una época donde la proliferación de las drogas era emergente, la juventud lo único que quería oír era otro sermón en contra de las drogas. Sin embargo, Kicks ganó popularidad entre dicha juventud, pues más que un sermón sonaba como una honesta preocupación de un amigo. 

Disco de la semana 244: Lola vs Powerman & Themoneygoround, The Kinks


“La conocí en un club del viejo Soho, donde bebes Champagne y te sabe a Coca-cola... Se acercó a mí y me preguntó si quería bailar, le pregunté su nombre y con voz grave me dijo Lola..."
Su nombre completo, o más bien el del disco, era Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One​, la impresionante obra conceptual que The Kinks entregaron como octavo álbum de estudio. Pero todos la conocían por su nombre de pila: Lola, el título de su single más relevante y su mayor éxito desde Sunny Afternoon o el archiconocido You really got me.

"No soy el tipo más fuerte del mundo, pero cuando me abrazó casi me rompe la columna. Oh mi Lola... Realmente, ese es el efecto que la fuerza satírica del disco ejerce contra las diferentes disciplinas del mundillo musical del momento, una auténtica patada en la espalda de una industria discográfica plagada de personajes oscuros y venenosas serpientes de diferentes colores: Ejecutivos y contables, críticos y periodistas, editores y sindicatos. Canción a canción, ninguno de ellos escapa a la afilada sátira y la crítica mordaz de los hermanos Davies y compañía.

Grabado en 1970 en los Estudios Morgan en Willesden (Londres), el disco se beneficio de la inclusión en sus filas del teclista John Gosling, y de la libertad creativa que suponía grabar en un estudio independiente. La sensación de trabajar sin barreras impregnó desde el principio el sonido de las primeras grabaciones, entre las que estaban ya temas como Powerman, Got to be free o la propia Lola, y fruto de ello el disco es un gran despliegue de estilos, principalmente el rock, el folk y los característicos toques de music hall británico, que tan bien se presta a la ironía y la sátira de las letras de The Kinks.

El disco arranca en una sorprendente línea folk, con una breve introducción de voz, banjo y guitarra del Got to be free que cerrará el disco, abruptamente interrumpida por el rotundo riff de The Contenders, la primera de las gemas eléctricas del disco, aunque combine en sus cambios con tramos más pausados y acústicos. En esa línea acústica y sosegada va también Strangers, con cierto toque a The Band, mientras que en Denmark Street, diatriba sobre los editores de discos, aparecen los primeros guiños de teclado barroco y ambiente de music hall. La balada Get back in the line es una visión satírica sobre el papel del responsable del sindicato, que decide quien trabaja y quién debe "volver a la fila" de la oficina de empleo, y la última canción de un brillante bloque que funciona como eficaz ágape previo al suculento banquete que está por venir con Lola, el hit estelar del disco y merecedora de un capítulo aparte.

Lola fue uno de los primeros temas que se grabaron para el disco, y las sesiones de grabación fueron complejas e interminables, hasta que lograron conseguir el particular sonido que estaban buscando para la canción. Lo lograron tras una visita de Ray Davies a una tienda de instrumentos musicales londinense, a la que fue buscando la guitarra Martin que quería para la canción. Allí, además de la guitarra, encontró un viejo dobro de los años 30, que combinado con la guitarra y una fuerte compresión dio como resultado el sonido tan característico del que sería su mayor hit. Lola es brillante en sonido, pero destaca además en lo audaz de la letra para la época, narrando un encuentro romántico con una chica que resulta ser un chico travestido: "Bueno, no soy idiota, pero no puedo entender por qué ella habla como un hombre, y anda como una mujer..." 

Por si sola ya es brillante y atemporal, pero en el contexto del álbum su significado y su valía crecen de manera exponencial. En un disco plagado de personajes oscuros y cruelmente satirizados, la Lola de los Kinks es el personaje más honesto y humano de todos, el ninot que los Kinks salvan de la quema y se quedan consigo: "Bueno, no soy el hombre más masculino del mundo, pero sé lo que soy, estoy satisfecho de ser un hombre y también Lola..." Y Lola se lo agradeció con un éxito descomunal como sencillo, llegando a los primeros puestos de las listas británicas y al noveno del Billboard estadounidense (en una versión en la que en la letra sustituían "Coca-Cola" por "Cherry-Cola" para evitar contenciosos con la marca de refrescos y que pudiera ser emitida en la BBC).

La crítica sibilina del disco sigue su curso en la divertida y enérgica Top of the Pops, sobre los programas de actuaciones musicales de la época, la prensa y la manera en la que convertían canciones en éxitos. Después le llega el turno de pasar por la guillotina verbal a los contables y directivos de las discográficas en The Moneygoround, segundo tema en clave de cabaret y music hall, antes de regalarnos uno de los momentos álgidos del disco en This Time Tomorrow. Una melancólica revisión de la vida del músico en la carretera, a medio camino entre acústica y eléctrica, con brillantes armonías vocales y un mensaje de desorientación y desarraigo que, como buen disco conceptual, encadenan con la temática del siguiente tema, la nostálgica balada A long way from home (Muy lejos de casa).

El último tramo del disco vuelve a la senda rockera en temas de guitarras afiladas como Rats, y la sátira se mantiene intacta en canciones como Apeman, un tema de aires tropicales y planteamientos algo cómicos, que se convirtió en el segundo single del disco, para el que tuvieron que regrabar la frase "the air pollution is a-foggin' up my eyes" ("la polución del aire está nublando mis ojos") porque "Fogging" se confundía con otra palabra que empieza con "F". Tras un psicodélico arranque de sitar, Powerman se destapa como otro de los temas de cadencia hard rock del disco. Y no uno cualquiera, porque está entre las canciones más desarrolladas e impactantes del álbum, y funciona como potente y falsa coda final, antes de cerrar el disco como lo empezaron, con el calmado country-folk de Got to be free (Tenemos que ser libres).
 
Libres de abusivos contratos discográficos, de la avaricia desmedida de contables y directivos que solo quieren llenarse los bolsillos a costa de los músicos, de las excesivas limitaciones impuestas por los sindicatos, y de las interminables giras, plagadas de carreteras secundarias y moteles de mala muerte en los que acabas planteándote qué demonios estás haciendo allí, y lamentando estar tan lejos de tu casa, dónde quizá te esté esperando un hombre o una mujer importante en tu vida. Esa es la historia detrás de la lucha de Lola contra Powerman y Themoneygoround. Un disco apasionante... "Aunque, bueno, no soy el tipo más apasionado del mundo, pero cuando miré a sus ojos, casi caí por mi Lola, la-la-la-la Lola..."

jueves, 7 de octubre de 2021

0280: Under my thumb - The Rolling Stones


 

Vamos a detenernos en el cuarto tema del álbum Aftermath (cuarto album de estudio de The Rolling Stones en la versión Inglesa) aunque si bien esta canción nunca salió como single en la carrera de The Rolling Stones, lo cierto es que es un tema que tanto el público como los propios integrantes del grupo tienen una gran estima y una enorme presencia en todas sus giras y ha estado presente en varias de las recopilaciones que han publicado del grupo.

 

Under my thumb está firmada por el duo Jagger-Richards, si bien es de sobra conocido que la gran parte de la canción esta creada por Mick Jagger. A primera vista es una canción tranquila para lo que nos tenían acostumbrados, parte de la culpa la tiene el bajo de Bill Wyman que suena en un tono distorsionado y la incorporación de una marimba (instrumento de percusión compuesto por un conjunto de láminas de madera muy popular en America Central) con la que comienza la canción. El origen de la canción se remonta a cuando Jagger contaba con 19 años y siendo estudiante conoció a Chrissie Shrimpton, hermana pequeña de Jane Shrimpton, la primera top model, el icono de la Swinging London, era una oportunidad de hacerse conocer, y quedo perdidamente enamorado de aquella chica y por aquel mundo en el que ella vivía, Jagger y Shrimpton vivieron una relación tormentosa entre canciones de amor, infidelidades y peleas, pero con el paso del tiempo se cambiaron las tornas en la relación, ahora Jagger no estaba en boca de todos por ser el novio de ella, ahora tenía sus portadas y sus grupos de fans que le seguían por todo lado y le entregaban todo lo que querían, la historia había cambiado y si antes Jagger iba detrás de ella como un perrito, ahora era ella la que literalmente tenía que andar varios pasos por detrás de él, «Under My Thumb» ( bajo mi pulgar) es, según el mismo Jagger, un himno caricaturizado que compuso por la libertad emocional que sentía en el momento que él era consciente que tenía el control…. Pero la euforia hizo que todo se le fuera de la mano, empezando por la letra, una letra donde llega a humillar y caricaturizar a la persona que has querido, llamándola perro que se retuerce, o dulce mascota y que provocó el rechazo de gran parte de la sociedad ya que degradaba la figura de la mujer. Jagger lo ha negado por activa y por pasiva, en 1984 declaró al respecto: “La idea inicial era contar que era yo quien estaba bajo su control; ella me tenía en sus manos y yo estaba feliz de poder voltear los papeles”…. el único objetivo del tema era celebrar el haber ganado el control de su relación después de varios años de dominación por parte de Schrimpton: “Era mi respuesta hacia una mujer que había sido sumamente exigente y dura conmigo”.  


Pero esta canción no está solo ligada a esta polémica, sino que tiene otra, fruto de la casualidad y que ha marcado a aquella generación con unos sucesos que prácticamente cerraron la época del “Love & Peace”. Nos trasladamos al 6 de diciembre de 1969, y viajamos a Altamont, donde se realizaba un festival de música en el norte de California, en ese festival los Rolling Stones iban a cerrar su gira por Estados Unidos, en un concierto que sería el equivalente de Woodstock en la costa oeste. Todo iba mal hasta el punto que Grateful Dead habían renunciado a tocar y se habían ido del lugar preocupados por su seguridad cuando se enteraron de que uno de los Hells Angels (banda violenta de motoristas) había dejado inconsciente al cantante de Jefferson Airplane, Marty Balin, en una pelea cuerpo a cuerpo durante la actuación de su banda. Durante la actuación deThe Rolling Stones, un Hells Angel de 21 años llamado Alan Passaro apuñaló a un joven de 18 años que empuñaba un arma llamado Meredith Hunter y le mató a escasos metros del escenario donde estaba Mick Jagger que en este momento estaba interpretando "Under My Thumb". Todo el episodio sale reflejado en la película Gimme Shelter.

Un país, un artista: Okean Elzy - Ucrania

 




Formada en la ciudad de Lviv en 1994, la banda Okean Elzy ha reunido seguidores en toda Ucrania y más allá de sus fronteras con música y letras que resuenan con la audiencia de la banda. Los cinco miembros de Okean Elzy son Slava Vakarchuk (voz, compositor), Denis Glinin (batería), Denis Dudko (bajo), Milos Jelic (teclados, arreglos) y Vladimir Opsenica (guitarra) y sus álbumes de estudio incluyen Tamde nas nema ( 1998), Yan a nebi buv (2000), Model (2001), Supersymetriya (2003), Gloria (2005), Mira (2007), Dolce Vita (2010) y Zemlya (2013).

Su primer concierto tuvo lugar frente al Teatro de la ópera de Lviv el 14 de enero de 1995. Poco después de esa aparición lanzaron una cinta de demostración llamada 'DEMO 94-95'. En 1995 también participaron por primera vez en los dos festivales de música ucranianos más grandes de ese momento: Chervona Ruta y Melodiya, también participaron en Es, un proyecto personal del músico de Lviv Oleg Sook, donde interpretó la canción Hace mucho tiempo. La fama va creciendo y Okean Elzy actua en el mismo escenario que la legendaria banda Deep Purple en un festival de música europeo en 1996. En septiembre de 1998 lanzan un video musical de su canción Tam de nas nema y se convirtieron en la primera banda de Ucrania en emitir su video en MTV-Rusia y en el canal de televisión musical francés MCM. Hoy en día, los videos musicales de la banda son populares en varios canales de música de televisión. A finales de 1998, se publica el álbum debut de la banda, Tam de nas nema, fue bien recibido y llamó la atención del público amante de la música. 


A partir de mayo de 1999, Okean Elzy se convirtió en una presencia habitual en los festivales de música, pasando de ser una banda telonera a ser cabezas de cartel. A principios de 1999, Okean Elzy comenzó a trabajar en su segundo álbum. Ya na nebi buv ("Yo estaba en el cielo") y en mayo, el grupo decidió intentar expandir su música en Rusia dando su primer concierto fue en el festival Maxidrom donde había miles de personas que ya conocían sus canciones, y muchas las cantaban. El tercer álbum de estudio de la banda, Model , fue lanzado en 2001 y Okean Elzy se convirtió en el nuevo rostro de Pepsi Cola en Ucrania con la llegada del nuevo milenio con su tercer disco comenzaron una gran gira por Ucrania llamada "Ask For More" y en agosto comenzaron a trabajar en su cuarto álbum: Supersymetriya ("Supersimetría") álbum que finalmente fue lanzado en 2003 y motivo para realizar la gira más grande que se había conocido hasta entonces de un grupo local de Ucrania. El 22 de septiembre de 2005, Okean Elzy lanzó su nuevo álbum, GLORIA y en septiembre de 2005, Vakarchuk se convirtió en el Embajador de buena voluntad e inició una campaña conjunta con OIM y Fundación MTV Europa para la promoción de la cultura y lideró un gran proyecto social para propagar la lectura como un proceso natural. La idea general de este proyecto es llamar la atención de los jóvenes sobre los libros y ayudar a combatir el analfabetismo. En 2007 publicamn Mipa y ya en 2103 lanzan Земля - ​​La tierra un álbum con ecos a U2. Su último trabajo es de 2016 y lleva por título Без меж - Sin límites.


La música de la banda se inspiró principalmente en los Beatles, Queen, Pink Floyd, los Rolling Stones y Jim Morrison. La cantante Zemfira tiene un lugar de amigo en el grupo, la canción "Етюд" ("Estudio") fue dedicada a esta diva del rock ruso. Los diferentes estilos musicales (pop, rock, jazz, folk y blues) forman una mezcla musical donde todos pueden encontrar su espacio, el líder del grupo está interesado en el budismo y la cultura japonesa, lo que agrega un poco de exotismo a su música. Como, por ejemplo, el video musical y la canción "Друг" ("Amigo") están llenos de signos de la cultura asiática. En los textos de Okean Elzy se habla de sentimientos, de la vida cotidiana, de la gloria, de la nostalgia… Vakartchouk, autor de la mayoría de los textos, encuentra su inspiración en los libros de Murakami, Yukio Mishima y Serguiy Jadan, escritor ucraniano contemporáneo. Las cuestiones filosóficas, actuales, sociales y existenciales dejan su eco en las canciones de Okean Elzy, pero no solo es arte, la ciencia tiene su espacio ya que tras una clase en la universidad de Super-simetría de electrones en un campo magnético, dio origen a la canción “Susy” y su disco “Super-simetría”. ¿Es solo una coincidencia o la ciencia se ha incrustado en el trabajo musical?, incluso el cine encuentra su lugar en su música (el nombre de su álbum "Dolce Vita" es tomado de la película del director Federico Fellini ").

miércoles, 6 de octubre de 2021

0279: Mother's Little Helper - The Rolling Stones

Mother's little Helper, The Rolling Stones



     El cuarto álbum de estudio de los británicos The Rolling Stones, titulado Aftermath, aparece pulicado, bajo el sello discogŕafico Decca Records el 15 de abril de 1966 en Reino Unido, y el 20 de julio de 1966 en Estados Unidos. Es el primer discco de la banda donde todas la composiciones están realizadas por Keith Richards y Mick Jagger, consolidando la calidad artística y creativa de la banda. También fue el primer disco grabado por la banda enteramente en Estados Unidos, concretamente en los RCA Studios de California, y su primer trabajo lanzado en estéreo.

Nos vamos a centrar en la edición publicada para Reino Unido, pues en ésta se incluye el tema Mother's Little Helper, el cual no está en la edición estadounidense, aunque se lanzó en dicho país como sencillo en julio de 1966, alcanzando el puesto 8 en la lista Billboard Hot 100.  El tema fue compuesto por Keith Richards y Mick jagger

La canción trata sobre la adicción a las drogas, concretamente a los ansiolíticos que solían ser recetados a las amas de casa, y los potenciales peligros a la sobredosis y drogadicción. Jagger nos relata la historia de una ama de casa que suele abusar de los ansiolíticos que le recetan para pasar el día. Jagger afirmaba que solía inspirarse en las cossas cotidianas que solían suceder a su alrededor, cosas sobre la vida cotidiana en las que solía fijarse. También afirmaba que había gente que pensaba que él era adicto, pues solía cantar siempe sobre temas relacionados con las drogas, y que esta gente estaba tan preocupada en pensar que este problema únicamente lo tenían las estrellas de rock, sin llegar a pensar que era un problema tan común que también lo tenía la gente mayor, no sólo los jóvenes.

En cuanto a la música del tema, está basado en acordes folk y contiene riffs con toques orientales. El singular sonido oriental, donde parece sonar un sitar que realmente no utilizan, fue logrado por Brian Jones, quien hace slide tocando la guitarra eléctrica de doce cuerdas y toca la tanpura (instrumento de doce cuerdas que proviene de la India y que se utiliza para mantener sonidos zumbantes constantes), y Keith Richards, quien hace también slide tocando una segunda guitarra de doce cuerdas. Otra curiosidad: Mick Jagger canta con Keith Richards en la voz de acompañamiento, una mezcla inédita hasta ese momento que da más repercusión e importancia a Richards en la voces.

La música en historias: Dire Straits - Comnuniqué #MesDireStraits


Dire Straits - Comnuniqué #MesDireStraits 

Este mes es el mes de una legendaria banda británica, dirigida por el guitarrista, cantante y compositor Mark Knopfler, y en este reconocimiento a la banda, queremos destacar su segundo álbum de estudio editado el 15 de junio de 1979.

Viajaremos a la Inglaterra de 1979, luego de que la banda tuviera una exitosa primera entrega con su homónimo álbum, con su contagioso título homónimo, que traduce quiere decir "estar en aprietos", Dire Straits cautivó a los alemanes, suecos y neo zelandeses con éste disco que logró posicionarse en el primer lugar en esos países.
Así que los hermanos Knopfler, con Mark Knopfler como líder compositor, cantante y guitarrista, y David Knopfler como segunda guitarra, tenían el camino abierto para ofrecer de modo convincente que ya eran una de las mejores bandas de rock del planeta.
La banda lograría editar y sacar al mercado Comnuniqué. Un disco de nueve canciones, pretendiendo que la banda se consagrarse como líder en la escena del rock. 

Comnuniqué, con una atractiva portada diseñada por la agencia Grant Advertising UK, se convirtió en la portada del año en la entrega de los premios New Musical Express, el prestigioso semanario musical inglés. La imagen de un sobre con una ensoñadora imagen despertaba el interés por descubrir a este millonario disco.

La banda así comienza con el repertorio inicial del disco con un intro de guitarra de Mark Knopfler en Once Upon a Time in the West, un coqueteo con el reggae y la siempre angular guitarra de Mark Knopfler quien nos canta: “Some people get a cheap laugh breaking up the speed limit, Scaring the pedestrians for a minute…”

La sinuosa rítmica cautiva nuestra atención que nos deja en espera de una canción más nostálgica News, donde la banda relata en su letra un breve episodio sobre la muerte de un ciudadano cuyo insignificante deceso no es noticia de nada, una ironía para aquellos que pasan desapercibidos. 
En tercer lugar con Where Do You Think You’re Going? “ en está su tercera canción y como las que la anteceden, se puede apreciar el peculiar estilo vocal de su vocalista Mark Knopfler, una mezcla entre lo taciturno y lo ligeramente aletargado, con ciertas reminiscencias a Bob Dylan.

Continuamos con la canción que da nombre al disco Communiqué, y así también la canción que cierra el lado A del disco, se puede destacar en la canción el piano de Barry Becker (B. Bear), el sólido bajo de John Illsley y un moderado solo de Mark Knopfler. 

El lado B del disco lo abre la exitosa canción Lady Writer, en la cual Mark Knopfler hace un solo reminiscente al que hiciera en Sultans of Swing, en el álbum predecesor. Es seguida por Angel of Mercy, en la cual la letra pareciera estar plasmada en la imagen de la portada. El tema encubre muy bien el tono sexual que aborda en versos como “Angel of Mercy, angel delight Give me my reward in Heaven tonight”.

El pianista Barry Beckett destaca con su piano nuevamente en la canción Portobello Belle, de sonido folk y de las últimas tres canciones del disco, donde Mark Knopfler con cierta crudeza nos canta la vida de una chica que se cree ruda por su forma de ser. 
Para ir cerrando el disco los Dire Straits nos relatan una triste historia en Single Handed Sailor, en la cual Mark Knopfler destaca con un buen solo que se extiende hasta el final. La siguiente canción del disco es Follow Me Home, inicia con una percusión que va emergiendo desde el fondo en tiempo lento-moderado en modo blues, este tema es autobiográfico. Mark Knopfler, nos cuenta que es una historia común a cualquier turista que dormita en una playa, se destaca, además de la guitarra, la sección rítmica de John Illsley la canción se desvanece con el piano de Barry Beckett, quien además co-produjo el álbum, contando con la ingeniería de Jack Nuber.

Como hemos dicho un disco de los hermanos Knopfler que vale la pena volver a escuchar, y en su mes lo recordamos de esta forma. 

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 5 de octubre de 2021

0278: Paint it black - The Rolling Stones


"Veo una puerta roja y quiero pintarla de negro... Ya no hay más colores, quiero que todos se conviertan en negro".
Así empieza Paint it Black, uno de los mayores éxitos de los Rolling Stones, publicada como sencillo en 1966 e incluida en la versión estadounidense del disco Aftermath (en la versión inglesa fue sustituida por Mother's little helper). Compuesta por la dupla Jagger & Richards, llegó al número uno de las listas tanto de Estados Unidos como del Reino Unido.

La letra es un brillante ejercicio metafórico, con el color negro como protagonista, explotando la marcada asociación que ese color tiene con el luto ("Veo una hilera de carros, y todos están pintados de negro, con flores y mi amor... Ambos nunca volverán"), la depresión y la falta de esperanza ("Tengo que girar la cabeza, hasta que mi oscuridad se haya ido"). Temas todos inspirados en el libro Ulises de James Joyce, que trata igualmente sobre la oscuridad emocional y la desesperación ("Simplemente sucede todos los días, miro dentro de mi y veo que mi corazón es negro").

En el aspecto musical, es imposible no destacar la fuerza de la batería de Charlie Watts en la entrada y a lo largo de todo el tema, el sonido pesado del bajo de Bill Wyman, y los sutiles matices de la melodía de sitar de Brian Jones, que atravesaba un período de interés por los instrumentos orientales y la música de Marruecos, al tiempo que empezaba a desencantarse con su rol en la banda y el poco espacio que le dejaban las figuras emergentes de Jagger y Richards, que cada vez sujetaban con más firmeza el timón creativo de la banda. Todos ellos dieron, a una generación que viviría la oscuridad de una guerra, un desgarrador canto al que abrazarse con fuerza.

lunes, 4 de octubre de 2021

0277: La Bohème - Charles Aznavour


0277: 
La Bohème - Charles Aznavour

La Bohème es una canción escrita por Jacques Plante y Charles Aznavour. Fue grabada por primera vez por en 1966. Esta es una de las camiones más popular del artista Charles Aznavour así como uno de los temas básicos de la lengua francesa.

En los show el cantante la cantaba con un pañuelo blanco en la mano. Hay quienes dicen que el pañuelo significaba la juventud perdida de la que habla la canción. Otros que la usa a modo de paleta de pintor y le servía para acompañar con gestos su interpretación del artista bohemio.

La Bohème es un canto de nostalgia al pasado, a un tiempo duro para los artistas pero no por ello menos feliz. Los apuros económicos se solventaban con ingenio y mucha ilusión. Como hemos dicho esta canción nunca ha faltado en los recitales de Charles Aznavour y, el artista ha llegado a grabar versiones del tema en italiano, inglés, alemán y español.

Charles Aznavour escribió más de mil temas. Vendió más de cien millones de discos.

Cuentan que, en su juventud, Edith Piaf le propuso un trabajo. ¿Qué he de hacer con usted?, preguntó Charles Aznavour. Y ella contestó: "Serás mi acompañante, mi chófer, mi compañero de borracheras". Charles Aznavour aceptó en el acto.

Fue de los pocos hombres del séquito de aquel Gorrión de París que no se acostó con ella: "Yo la admiraba desde muy joven. Estuve enamorada de ella ocho días. Que no fuera amante suyo me permitió en cambio ser muy amigo suyo. La amistad dura más que el amor. Tampoco fui amante de Juliette Greco. Ni de ninguna otra mujer de mi mismo oficio".

El poeta, novelista, dramaturgo, pintor, ocultista, diseñador, crítico y cineasta francés Jean Cocteau dijo de él: "Antes de Charles Aznavour, no estaba bien vista la desesperación".

Daniel
Instagram storyboy

domingo, 3 de octubre de 2021

La música en historias: Dire Straits - #MesDireStraits

 

Dire Straits, Dire Straits


     Acabado el mes de septiembre, despedimos al genio de las seis cuerdas Rory Gallagher, del cual hemos  disfrutado enormemente, desgranando gran parte de su obra. Pero comienza un nuevo mes, octubre, y no nos queda más remedio que dejar volar al irlandés y dar la bienvenida al artista que nos acompañará durante todo el mes de octubre. la llamada "Banda de rock británica más grande de los 80", que ha sido capaz de vender más de cien millones de copias de sus disco en todo el mundo, convirtiéndola en uno de los grupos/artistas más vendidos del mundo. Bienvenidos al #MesDireStraits.

La banda se forma en el año 1977 de la mano de los hermanos Mark (guitarra y voz) y David Knopfler (guitarra y coros), oriundos de Newcastle, al noreste de Inglaterra, y los amigos John Illsley (bajo y coros) Pick Withers (batería), de Leicester, al este de Midlands. De los cuatro músicos, Withers tenía una amplia experiencia en el negocio, pues llevaba ya 10 años en el negocio de la música ejerciendo como baterista de sesión, y había formado parte del grupo Spring, grabando un álbum de estudio en 1971. Por aquél entonces, Mark trabaja como profesor de inglés, Illsley cursa estudios, y David ejerce como trabajador social.  Mark y Withers habían coincidido unos años antes, en 1973, tocando en un grupo de que se dedicaba a tocar rock por los pubs, llamado Brewers Drop



Es en 1976 cuando Mark decide formar una banda llamada Café Racers para tocar en pubs y escuelas cercanas al colegio donde imparte clases. Por aquel entonces, David, tras unas semanas alojado en casa de Mark, se muda a vivir en Farrer House, un bloque de apartamentos al sudeste de Londres, donde comparte piso con el bajista Illsley. Una mañana, Illsley, al regresar al piso después de estar fuera toda la noche, se encuentra a Mark durmiendo en el salón. Sería allí donde se conocen y una noche, el bajista de Café Racers, se encontraba enfermo, por lo que Mark le pidió a Illsley que le sustituyera. Era el comienzo de una larga y duradera colaboración. Illsley y Mark se dan cuenta de que a pesar de tener una buena reputación con Café Racers tocando en pequeños locales, tienen un limitado futuro.

Por todo ello, en abril de 1977, Mark se muda a vivir al piso de Illsley y David. Mientras mantiene su puesto como profesor de inglés, Ilslley trabaja en una tienda de discos, y David trabaja como trabajador social. Los tres se dedican en su tiempo libre a componer y ensayar en el piso, y animados, deciden entonces formar una banda, aunque les falta un baterista. Mark lo tiene claro, piensa enseguida en Pick Withers, con quien ya ha coincidido. La llegada de Withers, con su exeriencia, le da al grupo lo que necesita para crecer en sus aspiraciones. Desde el comienzo, Mark ya destaca como un excelente músico y compositor, sumado a su gran personalidad y autoexigencia por crear una banda con un estilo propio. 

Comienzan tocando bajo el nombre Café Racers, con el que debutan tocando composiciones propias y covers,  y se estrenan en directo en julio de 1977 tocando en un concierto punk en la explanda que hay detrás del bloque de apartamentos donde viven. De hecho, para tocar tienen que tomar la electricidad del piso dode viven. A este concierto le siguen más pequeños conciertos e interminables ensayos que les dan para pagar el alquiler del equipo de sonido y poco más. El nombre Café Racers no convence al grupo, por lo que deciden cambiarlo, y será un amigo de Withers el que les propone adoptar el nombre de Dire Straits, en alusión a su penosa situación económica (en castellano significa "graves problemas" o "problemas económicos").

El 27 de julio de 1977, y tras reunir unas 120 libras esterlinas, el grupo consigue pagarse la grabación de una maqueta. Las canciones grabadas en dicha maqueta son Wild West End, Down to the Waterline, Water of Love, Sacred Loving y su mítico Sultans of Swing. La maqueta acaba en manos del reputado crítico musical Charlie Gillet, conocido de John Illsley, y decide emitirla el 31 de julio de 1977 en el programa Honky Tonk, el cual presenta por aquel entonces en la BBC Radio London. Aquella retransmisión no acaba desapercibida, y el 9 de diciembre de 1977 firman un contrato exclusivo con el sello discográfico Vertigo Records, subsidiario de Phonogram Records

El grupo graba entre el 13 de febrero y el 5 de marzo de 1978 en los Basing Street Studios de Londres el material que formará parte de su primer álbum de estudio, de título homónimo, Dire Straits. Un material escrito y arreglado completamente por Mark Kopfler. El 7 de octubre de 1978 el disco es publicado a nivel internacional por Vertigo Records, en Estados Unidos por Warner Bros. Records y en Canadá por Mercury Records. El grupo no puede tener un estreno mejor, pues el disco alcanza el puesto número 1 en Alemania, Australia y Francia, el número 2 en Estados Unidos y el número 5 en Reino Unido. Tanto en Estados Unidos como en Reino Unido el álbum consigue la certificación de doble platino gracias a sus ventas. 

Entramos en materia y abre la cara A Down to the Waterline, uno de los temas incluidos en la maqueta de demostración. Un tema lleno de energía y garra donde Mark nos habla de una breve cita sexual. Para escribir la canción, Mark se inspiró en un breve romance que tuvo en su juventud. Water of Love, otra de la canciones incluidas en aquella primera maqueta del grupo. Fue el segundo tema del disco lanzado como sencillo, alcanzando buenas cifras en las listas australianas y de los Países Bajos. Es otro de los temas donde Mark nos habla de las relaciones, en este caso es una relación infeliz. Hay una vertiente que cree que la escribió inspirándose en la ruptura de su matrimonio. El guitarrista comentaba sobre este tema que lo había escrito porque estaba harto, sentía que su vida no iba hacia ningún lado y el futuro que se le presentaba era largo y sombrío. En Setting Me Up, Mark nos habla de una relación caótica y desordenada, y lo hace desde una inteligente perspectiva, mezclando el humor y la amargura. Un tema rockabilly que contiene un solo con un toque country marca de la casa del artista. La lenta y tierna Six Blade Knife, donde la sensibilidad de la guitarra y la voz de Mark tienen todo el protagonismo, y es la antesala del último tema que cierra la cara A,  Southbound Again, del que se afirma se inspiró en una historia de amor del guitarrista que salió mal, y él entonces decidió dejar su casa de Newcastle para buscar fama y fortuna en la capital. Por aquel entonces, Mark estuvo trabajando como reportero en un periódico de Leeds, donde se graduó en la universidad de dicha ciudad, y posteriormente se mudó a Londres, donde consiguió un puesto como profesor en una universidad de Loughton, Essex.



Comenzamos la cara B con uno de los grandes temas de siempre de la banda, Sultans of Swing, primer sencillo del álbum y otro de los temas grabados en aquella bendita maqueta de demostración de la banda. La canción trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo van a escuchar música y se divierten. Están ahí por la música que escuchan y no les importa la imagen que pueda tener la banda. Mark tuvo la idea de la canción a ver una actuación de una mediocre banda en un vació pub de Londres. Cuenta la historia que el guitarrista se encontraba en Ipswich y la noche era lluviosa. Entonces entró en un pub donde un grupo estaba tocando para la escasa clientela que había en el lugar. Al acabar la actuación el cantante de la banda dijo a los presentes: "buenas noches y gracias, somos los Sultanes del swing". Aquello le hizo gracia a Mark, pues obviamente aquellos muchachos, con su aspecto cansado, apariencia desaliñada y sus jerseys, no parecían ni de lejos a unos Sultanes del Swing. Mark compuso la canción en una guitarra National Steel, y en un principio le pareció aburrida, hasta que compró su primera Fender, una Stratocaster del 61, en 1977 y la tocó con esa guitarra. La canción cobró vida al instante. In the Gallery, tema que compuso como tributo a su amigo y artista de Leeds Harry Phillips, quien murió en 1976, dos años antes del lanzamiento de este disco debut. Después de graduarse en la Universidad de Leeds se mudó a Londres, y mientras estuvo allí pasó mucho tiempo en West End, como se conoce al área urbana incluida en la ciudad de Westminster. Un día visitó una galería de arte situada en Shaftesbury Avenue, y lo que allí vió no le impresionó nada en absoluto, de hecho aquel arte le pareció ridículo. Para él todo aquello era una gran estafa que estaba siendo subvencionada con dinero público, mientras artistas genuinos y de verdad como Harry Phillips pasaban completamente desapercibidos y eran ignorados. El área de West End también le sirvió para inspirarse en los dos últimos temas del disco, Wild West End, otra de las incluidas en la famosa maqueta y lugar del que disfrutaba paseando siempre con la mirada puesta en las atractivas mujeres que por allí transitaban, y Lions, inspirada en las figuras de los leones situados en Trafalgar Square, esculpidas por Sir Edward Landseer en 1868, y que son una de las grandes atracciones turísticas de la ciudad desde entonces. 

El álbum Dire Straits supuso un gran debut para la banda, con un sonido donde se entremezclan rock, folk y música country, y con unas letras inteligentes e ingeniosas que ponen de manifiesto no sólo la calidad de la banda y de Mark Knpfler como guitarrista, también la gran calidad que atesoraba éste como compositor, y que iba a seguir demostrando en sus siguientes trabajos.