Disco de la semana 227: I Am The Blues - Willie Dixon

 

I Am The Blues, Willie Dixon

     Cuando Hablamos de Willie Dixon, nos estamos refiriendo a uno de los compositores de blues más prolíficos de su tiempo, y junto con Muddy Waters, la persona más influyente en el desarrollo del sonido del blues de Chicago posterior a la II Guerra Mundial. Dixon, además de componer, cantaba, arreglaba, producia discos y tocaba con maestría el bajo, el contrabajo y la guitarra.

Muchas de las canciones que Dixon compuso durante su carrera han sido grabadas por innumerables músicos de muchos géneros musicales. Para muestra el disco recomendado para la ocasión, I Am The Blues, que es un álbum que contiene nueve canciones que Dixon compuso para que fueran grabadas por otros artistas en su etapa como compositor principal y músico de sesión para el sello discográfico Chess Records. Nueve temas que Dixon decide grabar el mismo y que ha día de hoy son grandes clásicos y referentes dentro del blues. 

Cuatro de los nueve temas, Back Door Man, Spoonful, I Ain't Superstitious y The Little Red Rooster fueron originalmente grabados por Howlin' Wolf. Los cuatro temas contaron con la presencia al contrabajo de Dixon en aquellas sesiones de grabación de Howlin' Wolf. The Same Thing, You Shook Me y (I'm Your) Hoochie Coochie Man fueron grabadas por Muddy Waters, The Seventh Son fue grabada por el cantante y compositor de R&B Willie Mabon, y I Can't Quit You, Baby, no se llegó a grabar para Chess Records, siendo por primera vez grabada por Otis Rush para el sello Cobra Records.

El disco es producido por Abner Spector y publicado en 1970 bajo el sello discográfico Columbia Records. Dixon, a los mandos vocales y el bajo, contó con la colaboración de Walter Horton a la Armónica, Lafayette Leake y Sunnyland Slim al piano, Johnny Shines a la guitarra, y Clifton James a la batería.

Comienza la cara A con el clásico Back Door Man, tema donde Dixon hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que en la cultura sureña es como se referían a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada. El hombre siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido engañado regresara a casa. Esta temática del hombre de la puerta trasera era bastante recurrente en las canciones de blues de la época. I Can't Quit You, Baby, donde Dixon se hace eco de las consecuencias del adulterio, y de cuando un hombre no puede renunciar a tener dicha relación, aunque eso sea su ruina. Dixon admitió que para escribir el tema se basó en una relación por la que Otis Rush estaba preocupado en ese momento. De hecho el tema fue compuest para que fuera grabado originalmente por Rush, como así fue. The Seventh Son, tema donde al igual que en "Hoochie Coochie Man", Dixon vuelve referirse al tema popular y folclórico del séptimo hijo de un séptimo hijo: "Ahora todo el mundo habla del séptimo hijo, pero en todo el mundo, sólo hay uno, yo soy el indicado, sí, soy el único, soy al que llaman el séptimo hijo...". Cierra la cara A Spoonful, uno de los grandes clásicos del blues. Dixon se basó para componerlo en los temas "All I Want Is A Spoonful" (1925) de Papa Charlie Jackson, "Cocaine Blues" (1927) de Luke Jordan, y "A Spoonful Blues" (1929) de Charlie Paton. En cuanto a a letra, "Spoonful" significa "cucharada", y Dixon la utiliza metafóricamente para referirse a los extremos que pueden alcanzar las personas para satisfacer sus placeres, como pueden ser el sexo, el alcohol o las drogas. 

Se encarga de abrir la cara B I Ain't Superstitious, donde Dixon trata la temática de las supersticiones como la típica de gato negro cruzando el camino. You Shook Me, acreditada a Dixon y al guitarrista y cantante de blues estadounidense J. B. Lenoir. El tema, interpretado por Muddy Waters, se convirtió en uno de los más exitosos de principios e los años 60. Surge a partir de una improvisación que Earl Hooker utilizó para calentar, utilizando el slide en su guitarra, en las sesiones de grabación que realizó con su banda de respaldo para el  sello Chief Records, que se sucedieron en mayo de 1961. El productor del sello Chief Records, encantado con aquella improvisación decidió publicarla como sencillo bajo el título "Blue Guitar". Leonard Chess, propietario de Chess Records, al escuchar "Blue Guitar", pensó que el tema tenía mucho potencial, y como estaba buscando material nuevo para que lo grabara Muddy Waters, llegó a un acuerdo para que Willie Dixon escribiera la letra de la canción. El resultado de aquello fue you Shook Me, un tema al que tambíen se le atribuyen créditos en la composición al guitarrista y cantautor J. B. Lenoir, que por entonces también trabajaba para Chess Records. (Im Your) Hoochie Coochie Man, otro de los grandes clásicos de siempre. La letra del tema, además de tener referencias sexuales trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un provocativo baile aparecido a finales del siglo XIX. Dixon afirmaba que este tema, Hoochie Coochie Man, era un ejemplo de las conexiones entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de los Estados Unidos. The Little Rooster, para componer este tema, Dixon se basó y utilizó elementos de varias canciones de blues anteriores, entre las que se encuentran "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton y "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie. El tema refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. Y cierra la cara B, y por tanto este disco repleto de grandes clásicos The Same Thing, tema que fue grabado por primera vez en 1964 por Muddy Waters, y que a la grabación de Dixon, padre del tema en 1970, le han seguido artistas de la talla de George Thorogood, The Allman Brothers Band, Grateful Dead, Lousiana Red y Eddie C. Campbell entre otros.

I Am The Blues es un disco que pone de manifiesto la importancia que Willie Dixon tuvo para el desarrollo del blues de Chicago. Basta con mirar los nueve clásicos grabados para la ocasión y fijarse en los créditos, donde Willie Dixon figura como compositor y padre de todos los temas, unos temas que han alcanzado por derecho propio el estatus de grandes clásicos del blues.

0147: Cry - Ray Charles

 

Sweet & Sour Tears es un disco cuya unión nexo de unión es el llanto. Todas las canciones del disco hablan de una u otra manera, sobre la naturaleza humano humana del llanto. Como puedes imaginar, hay muchos momentos de tristeza y autocompasión en el álbum; lo que no es tan obvio es que hay bastantes casos en los que las tornas también se cambian, cuando Ray se pone desafiante y enojado. En ambos casos, Ray Charles está en la cima de su juego y ofrece actuaciones fascinantes ricas en experiencia, dolor y confianza en sí mismo. Sweet And Sour Tears fue lanzado en enero de 1964 y es el noveno disco de la gloriosa etapa de Ray Charles en ABC que comenzase en 1960 con “The Genius Hits the Road”, contó Calvin Jackson y Sid Feller como arreglistas, con Bill Putnam y Phil Macy como ingenieros de sonido y los propios Charles y Feller como productores. Alcanzo el noveno puesto en el chart estadounidense y fue el último disco original de Ray en meterse en el top 10 de dicha tabla. La edición del álbum se dio en un momento en que Estados Unidos todavía estaba apesadumbrado por el asesinato del presidente John F. Kennedy en noviembre anterior. El llanto y el llanto parecían haberse adaptado al estado de ánimo de la época. Se lanzarían tres sencillos del álbum, aunque para entonces los Beatles dominaban todo lo musical.

El álbum abre, como no podía ser de otra manera, con el clásico “Cry” que originalmente fue un éxito en 1951 para Johnny Ray con el acompañamiento de Four Lads. La versión de Ray es dulce y alta, y marca el tono del lado 1 de Sweet And Sour Tears con su ritmo suave y exuberante exuberancia, una pequeña delicatesen de este genio de la cancion y del piano, que seguramente ha quedado oculta por otros éxitos más incisivos pero que sin duda merece la pena rescatar.

La música en historias: The Battle Rages On - #MesDeepPurple

 

The Battle rages On, Deep Purple

     Tras la publicación de Slaves & Masters (1990), Deep Purple se embarca en la preceptiva gira con Joe Lyn Turner a los mandos vocales, una gira que recorrerá Europa, Estados Unidos, Japón, Brasil e Israel. Pero dicha gira resulta ser un fracaso, llegándose a tener que supender actuaciones, como por ejemplo en Italia. Nos encontramos en 1992, y la banda también se encuentra en el estudio preparando y grabando el material para su siguiente álbum. A todo esto hay que sumar que la compañía discográfica RCA/BMG, presionaba al grupo para un reunión de su formación más clásica, la Mark II (paice, Lord, Blackmore, Gillan y Glover), para celebrar el 25 aniversario de la banda.

Mientras todo esto sucede, con un grupo que se hunde un poco más si cabe, Ian Paice, John Lord y Roger Glover hacen saber a Ritchie Blackmore que si bien Joe Lynn Turner es un gran cantante, no cubre las espectativas de la banda, y el único cantante válido para Deep Purple es Ian Gillan. Joe Lynn Turner es despedido en agosto de 1992, y aunque en un principio se valora, a propuesta de Blackmore, incorporar al desconocido cantante de una desconodia banda llamada Josie Sang (acabaría fichando mas tarde por Riot) Mike DiMeo, finalmente, Ian Gillan es reclutado de nuevo para la banda e ingresa a finales de 1992. Pero no había salido gratis, pues para que Gillan ingresara de nuvo en la banda, se le hizo un oferta económica a Ritchie Blackmore de más de dos millones de dólares para que aceptara y no pusiera pegas. La vieja guardia, que tantas alegrías y tantos disgustos había dado, volvía a reunirse sin objeción alguna por parte de Blackmore, que ha sacado tajado, ni de Gillan, que había vuelto arruinado.

El disco es grabado a medio camino entre los Bearsville Studios de Bearsville, Nueva York, los Red Rooster Studios de Tutzing, Alemania y los Greg Rike Studios de Altamonte Springs, Florida. Cuando Gillan se inorpora, se encuentra que el material de este nuevo álbum ya se encuentra muy avanzado, con las pistas básicas grabadas. Lo primero que hace Gillan es reescribir todas las letras de las canciones del disco y desechar los temas compuestos por Joe Lynn Turner. El álbum es titulado The Battle Rages On, un título muy autobiográfico y adecuado para una banda sumida casi siempre en luchas internas. 

The Battle Rages On es publicado en julio de 1993 bajo el sello RCA/BMG, salvo en Estados Unidos, donde es editado bajo el sello Giant, perteneciente a Warner Music. En cuanto a cifras, el disco pasó inadvertido en el mercado estadounidense, no pasando del puesto 192 en las listas Billboard, en el Reino Unido llegó al puesto 21. Sin embargo en Japón llegó al puesto 5, y tuvo también muy buenas cifras en Suiza, Suecia, Austria, Noruega y Finlandia. No dejaban de ser resultados ciertamente mediocres para una banda como Deep Purple. 

The Battle Rages On, siendo un disco claramente más Purpleliano que el anterior, no  dejó contento a nadie, Gillan se quejaba de haberse encontrado un trabajo ya casi ya grabado cuando llegó, y lo único que pudo hacer es retocar las letras y desechar el material compuesto por Turner; a Blackmore no le gustó porque Gillan no era Turner, y él había compuesto los temas pensando en él; y el resto del grupo estaba en el medio, como siempre, y con el disgusto de tener que grabar el disco en unas circunstancias que no fueron normales. 

The Battle Rages On tiene un sonido más crudo y más duro del que la banda nos tiene acostumbrados, y aunque se graba en condiciones que harían que cualquier ser humano tirara la toalla, estos cinco músicos vuelven a demostrar que si en lo personal la cosa no funciona entre ellos por culpa de los egos, en lo musical vuelven a ser capaces de sacar adelante un buen trabajo, más que digno bajo la producción de Roger Glover en compañía de Thom Panunzio. Glover vuelve a demostrar el altísimo nivel que tiene a los mandos de la producción.

El disco comienza con el tema que da título al álbum, The Battle Rages On, tema con un potente riff de Blackmore pero muy melódico y con la voz muy bien encastrada de Gillan, que se ajusta como un guante. Un tema que con ese toque más endurecido y metalero rompe con la línea seguida en el anterior disco. Lick It Up, típico tema de hard rock ochentero que podrían firmar bandas como Kiss, eso sí con una producción excelente por parte de Glover, que da fuerza extra al tema y lo hace mejor de lo que realmente es. Anya, es indiscutiblemente la joya de este disco. Sobre el magnífico riff de Blackmore, los demás componentes de la banda construyen una canción melódica, potente y enérgica, como los temas de antaño. Blackmore comienza el tema con una magnífica y épica introducción de guitarra acústica, seguido por los teclados de Lord, para después romper con un riff electrizante, y después entra toda la banda a saco con un Gillan magnífico aquí. En definitiva, por fín aparece el sonido Purple. Talk About Love, un blues metalizado, y con un sonido endurecido por la producción de Glover. Es un buen tema, aunque no llega al nivel de Anya y el que da título al disco. Time To Kill, Canción con claro sabor a AOR (Adult Oriented Rock). Uno de los temas más flojos del disco, el cual se acerca más al sonido imperante en sus anteriores trabajos. 

Abre la cara B Ramshackle Man, si bien sigue la línea del anterior tema, está mejor construido y tiene matices más interesantes, como el magnífico sólo de Blackmore. Sobre este tema, se dice que la letra habría sido escrita por Ian Gillan en la década de los años 70, y es autobiógrafica del propio Gillan. A Twist in the Tale, muy buena canción donde el grupo se mueve en la delgada línea del speed metal. El protagonismo de este tema es completamente para Ian Paice, con una velocidad endiablada y su magnífico trabajo con el doble bombo, muy bien secundado y apoyado por los incesantes riffs de Blackmore. Nasty Piece of Work, canción que destaca por el magnífico duelo de sólos y melodías entre Lord y Blackmore. Sobre este tema, al parecer la letra no fue escrita por Gillan, fue obra de Glover. Solitaire, canción donde el grupo vuelve a tirar de épica y esos toques neoclásicos que la banda tan bien sabe explotar. Tema que va en la línea de Anya, si bien es más sencillo en su estructura, pero muy bien elaborado y defendido por todos, que demuestran la compenetración que tienen. Cierra el álbum One Man's Meat, canción que es junto con Time To Kill, para mí, uno de los temas más flojos del álbum, orientado al AOR, y que quizás no debió ser el tema que cierra el álbum, pues nos deja un sabor algo amargo teniendo mejores temas que este para cerrar el disco.

Cabe destacar que después de la publicación del disco, la banda se embarcó la preceptiva gira para promocionar el mismo, donde se volvió a desatar el enésimo conflicto entre Gillan y Lord, que llegó hasta el escenario. Cuando le tocaba el turno a Gillan, Blackmore se ponía a hacer sólos no programados, y cuando le tocaba a Blackmore, era Gillan el que se ponía a gritar durante los sólos de Blackmore. Pero esta vez el resto de la banda se puso de parte de Gillan, y se dedicaba a tocar a saco durante los sólos de Blackmore para taparle. Una situación donde el único perdedor fue uno, el espectador, y que llegó a su fín el 17 de noviembre de 1993, cuando tras un concierto en el Ishallen de Helsinki, Blackmore abandonaba el escenario y la banda para siempre. 

Si la intención de Blackmore era que la banda se hundiese por fín en la miseria, no le pudo salir peor, porque curiosamente este hecho marcó un antes y un después de una banda en constante conflicto, pues por fín, y a partir de aquí, encontraría la tan ansiada paz que lo ha acompañado hasta la fecha. Con todo vendido para la inminente gira que tenían a continuación por Japón y el perjuicio económico que supondría la cancelación, es el mánager japonés Mr. Udo quien plantea al grupo la posibilidad de contratar a un joven y magnífico guitarrista llamado Joe Satriani, quien además tenía un excelente cartel en Japón. Satriani, que no tiene nada programado en ese instante, y declarado admirador de Deep Purple, acepta sin dudarlo. Roger Glover le envía entonces las grabaciones de un par de conciertos para que vaya asimilando el material. Deep Purple y Satriani se juntan por primera vez tres días antes de comenzar lagira nipona, y el americano demuestra a la banda que no sólo se sabe los temas que le habían pasado, se sabe unos cantos más a la perfección. El grupo decide entonces retocar el set list de la gira y deciden incluir canciones que siempre había vetado Ritchie Blackmore, como por ejemplo la maravillosa Wen a Blind Man Cries.

Joe Satriani permanece en la banda hasta el 16 de julio de 1994, cuando da su último concierto con la banda en Alemania. Posteriormente sería sustituido Por Steve Morse, quien sigue en la banda a día de hoy. Los ocho meses que Satrini estuvo con Deep Purple fueron de suma importancia, pues el guitarrista aportó estabilidad, demostró que había vida despues de Blackmore, y devolvió la alegría a Paice, Lord, Gillan y Glover que volvían a disfrutar encima de un escenario. Por fín, la paz había llegado al seno de la banda para quedarse para siempre. 

0146: Everybody Needs Somebody to Love - Solomon Burke

Everybody Needs Somebody to Love - Solomon Burke

Everybody Needs Somebody to Love grabada originalmente por Solomon Burke, con la producción de Bert Berns para la discográfica Atlantic Records en el año 1964, la cual alcanzaría el puesto 58 en el ranking de canciones en los Estados Unidos.

Pero versiones posteriores de esta canción original alcanzaran mayor repercución, en 1965 fue grabada por The Rolling Stones e incluida en su álbum The Rolling Stones No.2 y en 1966, la versión de Wilson Pickett consiguió llegar al puesto 29 de las listas Pop y al 19 de las listas R&B.

Y en el año 1980 volvió a hacerse popular al ser incluida e interpretada en la banda sonora de la película The Blues Brothers. El tema, interpretado por la banda The Blues Brothers Band, fue lanzado como sencillo en el Reino Unido en 1989 logrando alcanzar el puesto 19 de las listas de éxitos británicas.

Everybody Needs Somebody to Love ha sido interpretada en directo por múltiples artistas. uno de los tantos artistas que han interpretado esta canción fue Dusty Springfield en su show televisivo The Dusty Springfield Show. También formo parte del repertorio habitual de The 13th Floor Elevators durante la década de los 60 y Led Zeppelin solía interpretarla en directo como parte del Medley de "Whole Lotta Love". Recientemente en el año 2011 Mick Jagger interpreto la canción, en honor a Solomon Burke, durante la ceremonia de la entrega de los Premios Grammy.

La canción ocupa el puesto 429 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Daniel

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La música en historias: Slaves & Masters - #MesDeepPurple

 

Slaves & Masters, Deep Purple

     En 1987, y tras el exitoso regreso comercial tras la publicacón de Perfect Strangers (1984), la mítica formación Mark II de Deep Purle (Ian Gillan, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian Paice y Roger Glover) publican The House of Blue Light (1987), el duodécimo álbum de estudio de la banda. Los fantasmas del pasado han vuelto al seno del grupo, pues durante la grabación de este último disco, cada decisión es una batalla entre Gillan y Blackmore. Este hecho golpea y mina la moral de todo el grupo, que se vuelve a resquebrajar a pasos agigantados. A todo esto hay que sumarle los evidentes problemas con el alcohol que Ian Gillan padece, y que se verán acrecentados por esta situación.

Así, el grupo inicia una gira que comienza en Europa en enero de 1987, apenas una semana después de la publicación de The House of Blue Light. Pero todo explota a  comienzos de 1989, cuando tras haber realizado una serie de conciertos desastrosa entre julio y octubre del 88, con suspensiones de conciertos por floja venta de entradas, sumado a las peleas de Blackmore y Gillan, y los problemas de un Gillan que ha tocado fondo por sus problemas con el alcohol, hacen que el vocalista sea despedido de la banda.

La banda se sumerge en la tarea de encontrar un vocalista, y al final se impone Blackmore, quien insiste en fichar a Joe Lynn Turner, vocalista con quien Blackmore había conquistado en los años 80 el mercado americano con sus Rainbow. El grupo puede terminar lo que le queda de gira con turner y  graba entre principios y mediados de 1990 el material que estará incluido en su siguiente álbum de estudio, en diferentes estudios, los Soundtec Studios de Connecticut, Greg Rike Productions de Altamonte Springs, Florida, y The Powerstation de Nueva York. 

El resultado es Slaves & Masters, el decimotercer álbum de estudio de la banda, publicado bajo el sello RCA/BMG el 5 de octubre de 1990. La fórmula de sonido del disco está entre el hard rock y AOR (Adult Oriented Rock), esa variante del rock clásico más comercial que Blackmore ya había utilizado con sus Rainbow. Particularmente, siempre he pensado que es un disco más que decente, pero se le juntaron varias cosas. Una de ellas fue que el disco estuvo muy por debajo de las pretensiones comerciales a modo de ventas del sello discográfico, desde Perfect Strangers, donde tuvieron un repunte espectacular, la banda venía cayendo en ventas con The House of Blue Light, y con Slaves & Masters seguía la caída libre. Otro aspecto que influyó fue el despido de Gillan, el grupo perdió una parte importante de fans defensores de Gillan. Otro más fue que Turner era un muy buen vocalista, pero no era Gillan ni tenía su carisma. El disco no pasó del puesto 45 en las listas del Reino Unido, y del puesto número 87 en las listas Billboard de Estados Unidos.  

Como ya he comentado anteriormente, no es un mal disco, no comparable a sus anteriores trabajos, Perfect Strangers y The House of Blue Light, y mucho menos a sus clásicos de los años 70. El motivo: con la marcha de Gillan, Blackmore ha ganado más fuerza en el seno del grupo, y esto se nota en el resultado del álbum, con un sonido orientado al AOR, y que tan buenos resultados le dió con Rainbow. Si nos olvidamos de nombres y escuchamos el disco, podemos comprobar que el  resultado del mismo es más que decente, con temas como la potente apertura del disco con King of Dreams, y la continuación con la espídica The Cut Runs Deep, buenas baladas como Truth Hurts y la maravillosa Love Conquers All, y otros dos temas llenos de fuerza en la cara B como Fortuneteller y Wicked Ways, que se encarga de cerrar el disco como empezó, con rabia y fuerza. El único problema es que este trabajo podría haber sido firmado por los mismísimos Rainbow de Ritchie Blackmore, y Deep Purple era Deep Purple, no Rainbow.

0145: Unforgettable - Aretha Franklin

 

El disco Unforgettable: A Tribute to Dinah Washington es el es el séptimo disco de la cantante estadounidense Aretha Franklin, y el primero que está íntegramente formado por temas de jazz, en concreto por canciones de Dinah Washington. Publicado en 1964, fue un esfuerzo de Columbia por enmarcarla dentro de la etiqueta de "dama del jazz", algo con lo que ella no estaba de acuerdo, pues se sentía mucho más atraída por el soul y el gospel, al que dedicaría el resto de su carrera en cuanto pudo ejercer un mayor control sobre ella, ganándose merecidamente el apodo de "Lady Soul" o "Queen of Soul" como máxima representante femenina del género.

En el disco, Aretha Franklin pone voz y rinde tributo a grandes temas del jazz, entre los que destacan canciones como "What a difference a day made" y, especialmente, Unforgettable, que le da título y que hace que este disco sea realmente "Inolvidable". Aún no había llegado el éxito masivo que trajeron temas como "Respect", "Chain of Fools" o "Think", todos ellos más cercanos al soul que al jazz de este tributo a Dinah Washington, pero un tema como Unforgettable pasó a formar parte instantáneamente de las canciones que conformaron la leyenda y el legado musical de la "Reina del Soul".

Un país un artista: Madagascar - Les Surfs

 

Les Surfs

     Si hablamos de música en Madagascar, inmediatamente nos viene a la cabeza Les Surfs, un grupo que se hizo muy popular durante la década de los 60 en el mundo francófono y de habla hispana.

La formación del grupo se gesta cuando cuatro hermanos y dos hermanas, Coco, Pat, Rocky, Davis, Monique y Nicole, se juntan a finales de los años 50 bajo el nombre de Rabaraona Brothers and Sisters, y participan en octubre de 1958 en un concurso de canto organizado por Radio Tananarive. En el concurso interpretan las canciones de The Platters "Only You" y "The Great Pretender", y ganan el primer premio. A partir de ahí empiezan a actuar bajo el nombre de The Beryl y realizan una gira con Henry Ratsimbarazy ans the CCC. En ese periodo graban sus tres primeros sencillos, Little Flower, Marin y The Three Bells.

En septiembre de 1963 son elegidos para representar a Madagascar en la inauguración de la segunda cadena de la televisión francesa. En aquella actuación se ganan la simpatía la aceptación del público francés, lo que provoca que, a instancias de Jean-Louis Rafidy, quien se convierte en su representante, sean inmediatamente contratados por Roger Marouani para el sello discográfico Disques Festival con la intención de hacerles grabar un sencillo inmediatamente. 

Con un contrato en el bolsillo, deciden cambiar el nombre del grupo, pasando a llamarse Les Surfs, en honor al nuevo ritmo, el surf rock, que había hecho aparición en aquellos años. Su primer éxito fue Reviens Vite et Oublie, lo que les permite hacer una gira junto a la cantante francesa Sheila. Pero su mayor éxito y más recordado es la versión que hicieron del tema Be My Baby / Tú serás mi baby, con el que alcanzaron una gran repercusión en los países de habla hispana. Esto sumado a su creciente popularidad en Francia, donde ya son considerados por ídolos por la juventud, les permite realizar giras por Europa (Francia, España, Italia, Rumania), Oriente Medio, África y América. 

También participaron en cuatro ediciones del Festival de San Remo, tres veces en el Festival de Montreux de Suiza, y realizaron varias incursiones en la televisión, lo que les valió para ganar más popularidad todavía en países como España, Italia y Alemania. 

La aventura de los seis hermanos se da por concluida en 1971 tras una gira por Antillas y Canadá. Los motivos: los hermanos han formado sus propias familias y las modas musicales cambiantes han limitado us actuaciones musicales. Si bien, posteriormente algunos prosiguieron realizando música, como Monique y Rocky, que formaron el dúo Rocky et Monique (1979-1982), o la misma Monique, que en 1989 se reunió con cuatro de su hermanos (Roland, Remy, Luc y Dominique) y se lanzaron a actuar bajo el nombre de Surfs-Feedback. Tras la muerte de Monique (19939 y Nicole (2000), Rocky siguió actuando en solitario como Rocky des Surfs, y más tarde reformaría el grupo Les Surfs bajo el nombre Les Surfs2, integrando a sus hermanos Dady, Dominique y Luc, y a sus dos sobrinas Jackya y Mirana. 

Aunque su carrera como Les Surfs abarca desde 1963 hasta 1971, se puede decir que realmente la carrera de estos hermanos de Antananarivo, la capital de Madagascar, comenzó en 1958 bajo el nombre de Rabaraona Brothers and Sisters.

0144 Good Morning Little Schoolgirl- Muddy Waters

 

Folk Singer, Muddy Waters

     El 30 de enero de 1964, Muddy Waters, bajo el sello Chess Records, publica su cuarto álbum de estudio, Folk Singer. Dicho trabajo tiene el honor de ser el único en la carrera de Muddy totalmente acústico. Si bien este disco no llegó a situarse notablemente en ninguna lista de ventas, recibió elogios de la crítica, que destacaba la gran calidad de sonido, muy notable para la época.

El disco es grabado en septiembre de 1963 en los estudios Ter Mar Recording de Chicago, Illinois, y el título, Folk Singer, es elegido por la discográfica Chess porque fue grabado durante la época en la que la música folclórica era popular. Para la grabación del álbum se emplearon dos guitarristas, uno obviamente fue Muddy Waters, y el otro contratado por Chess para la ocasión fue nada menos que Buddy Guy, si bien luego otros guitarristas tocaron en bonus tracks que aparecerían más tarde. Además de Buddy Guy, Muddy fue respaldado en el álbum por Clifton james a la batería y Willie Dixon al bajo, otros músicos aparecen acreditados también por sus colaboraciones. De la producción del disco se encargaron Willie Dixon y el reputado productor Ralph Bass. 

Incluido en este álbum se encuentra la magnífica versión que hace Muddy de Good Morning Little Schoolgirl de Sonny Boy Williamson I. El tema es una estándar de blues que se ha convertido en uno de los grandes clásicos e influyentes del género, y fue grabado por  primera ve por el mismo Sonny Boy en 1937. El tema, originalmente se titulaba Good Morning Schoolgirl, y posteriomente varios artistas, entre los que se encuentra Muddy, la grabaron bajo el título Good Morning Little Schoolgirl.

La melodía del tema, y en la que se basó Sonny Boy Williamson I, se remonta al tema Back and Side Blues, canción grabada en 1934 por Son Bonds, conocido cantante y compositor estadounidense de country blues. El tema ha sido versionado, además de Muddy Waters, por infinidad de artistas, entre los que se encuentran Smokey Hogg, Joe Hill Louis, John Lee Hooker, Mississippi Fred McDowell, Lightnin 'Hopkins y Junior Wells entre otros. La versión de Muddy es quizás una de las mejores gracias tanto a la calidad de los intérpretes como a la gran calidad del sonido, una combinación perfecta.

0143: The Lonesome Death of Hattie Carroll - Bob Dylan

 

La tarde del 3 de febrero de 1963, Zantzinger salió de su rancho de 283 hectáreas vestido de frac y con un clavel en el ojal, viajaba junto a su mujer y unos amigos. De camino a Baltimore, pararon para cenar y beber unos bourbons; en el restaurante pegó y expelió insultos racistas contra los camareros, que se negaron a servirles más alcohol. De ese humor llegó al Spinter's Ball, un baile anual para la gente de dinero del Estado. Lo mismo: insultos racistas, bastonazos y bravuconadas que terminaron en tragedia cuando, tras haber tirado a su mujer bailando, se acercó a la barra. «¡Negra, dame una copa!», aulló. «Un minuto, por favor», contestó Hattie Carroll. El cateto entró en cólera y la sacudió hasta que la mujer se tuvo que retirar a la cocina. Sus compañeros pidieron una ambulancia. A la mañana siguiente, murió.

 

Según recogió la prensa local, el asesino se llamaba William Devereux Zantzinger y era hijo de un adinerado plantador de tabaco de Maryland. La víctima, Hattie Carroll era madre de once hijos y presidenta de una asociación afroamericana. La crónica detallaba que los abogados de Zantzinger habían argumentado que Carroll no había muerto a causa de la paliza, sino por un accidente cardiovascular provocado por el estrés que le había generado el ataque. Y destacaba también que el juez había dictaminado que se trataba de un homicidio involuntario y que se establecía la condena en seis meses de prisión y una multa de 125 dólares. Bob Dylan tenía 22 años cuando leyó en el periódico este caso y le pareció tan impresionante que el castigo por matar a alguien a golpes fuera tan irrisorio que decidió contarlo en una canción. Influido por el estilo de narrador de historias que tanto le atraía de los maestros del folk como Woody Guthrie y Pete Seeger, escribió una letra que recreaba un asesinato racista, narrando los últimos instantes de la vida de Hattie Carroll, en un tema al que puso su nombre: The Lonesome Death of Hattie Carroll. Dylan estructuro la canción en cuatro párrafos, al final de cada una de las estrofas divididas temáticamente, Dylan metía el estribillo y recalcaba que no es momento para llorar. Al menos no todavía. El primero, el incidente: William Zanzinger mató a la pobre Hattie Carroll, con un bastón que hizo girar alrededor de su dedo anular de diamantes. Vaya primer verso para una canción. Lapidario. En la segunda parte habla del sujeto, un hombre joven cuyos padres poseían tierras y una gran posición económica que tenían contactos con la justicia, motivo entre otros que salió en libertad bajo fianza… “En cuestión de minutos salió a caminar bajo fianza. Pero tú que filosofas, deshonras y criticas todos los miedos…” En la tercera parte la protagonista es la víctima, donde no hace ninguna referencia a su condición racial, y describe la vida que llevaba. El cuarto párrafo es un relato sobre el juicio y la pena tan ridícula a la que fue condenado, y es ahí donde Dylan pone el acento ya que termina cambiando el verso final del estribillo por un demoledor “Acerca el trapo a tu cara, porque ahora es el momento para llorar”.  Quizás lo más sorprendente de todo, es el hecho de que Dylan nunca sintió la necesidad de explicar que Zantzinger era blanco y Carroll era negro. En la turbulenta atmósfera racial de los Estados Unidos de 1963, sabía que podía confiar en que los oyentes completaran automáticamente esa información por sí mismos.

La musica en historias: Perfect Strangers #MesDeepPurple

 

Todo el mundo andaba emocionado cuando se lanzó Perfect Strangers en 1984. La formación volvía a publicar un álbum desde Come taste the band, de 1975 y el mundo del rock andaba entusiasmado, expectante, con muchas ganas de más Deep Purple. No podemos obviar lo transcendental que fue en el mundo del rock de la época ese momento, todos teníamos la esperanza de que aquel grupo no era cosa del pasado y que tenían mucho que dar…. Y lo hicieron. El álbum resultante, Perfect Strangers, era más moderno pero inconfundiblemente Deep Purple. Aprovecharon los estudios de grabación modernos y dio como resultado un álbum con ricos tonos instrumentales. Por muy buenos que fueran los álbumes clásicos de Deep Purple, Perfect Strangers tiene una nueva riqueza y claridad. El órgano de Jon es profundo y hermoso y el sonido de la batería de Ian Paice es monstruoso.

Knocking at Your Back Door fue el tema de apertura y comienza con el teclado siniestro de Jon, que al principio suenan como los tubos de la fatalidad. Entonces Roger comienza a tocar rápido, y Paice golpea la bateria, y piensas,…… ¡Dios mío, Deep Purple está de vuelta!..... Ritchie e Ian se unen a ellos para la primera epopeyadel álbum, ¡y en la primera pista, nada menos! "Knocking at Your Back Door" puede ser una broma líricamente, pero musicalmente es muy seria, es Deep Purple, pero optimizado, han descartado las cosas extrañas, ahora son más elegantes. La única decepción de la canción es en realidad el solo de guitarra, que parece fuera de lugar, hay una interpretación increíble en este solo de guitarra, pero algunas partes parecen muy exageradas. Ya tenemos la presentación con el típico hard rock de Deep Purple y una sensación muy positiva. Under the Gun es una canción que sonaría tan bien en vivo hoy, lástima que no se haya tocado en vivo en 30 años, no llego a entender porque ya que demuestra el ritmo aerodinámico que perseguía Purple en los 80, párate a escuchar la batería de Paicey, es implacable y poderosa, pero lo está haciendo de una forma más simple de lo que solía hacerlo. Nobody's Home le da a Jon Lord una ocasión para vacilar un poco con los sintetizadores, pero es solo un guiño ya que esta pista reescribe "Black Night" y la actualiza a 1984, lo une todo con una pequeña reverencia en menos de cuatro minutos. "¡Tus luces están ardiendo, pero no hay nadie en casa!" canta Ian, ¡por una vez sin hablar de Blackmore! Jon es el centro de atención con un bonito y rápido solo un sonido que no se escuchaba en 1984. Mean Streak cierra la primera cara, tiene una de esas letras extravagantes de Gillan que tanto me gustan. Es una pista de rock genial con un riff ruidoso, siempre una combinación mortal cuando la maneja Deep Purple y cuenta con uno de los solos más geniales de Ritchie en el álbum.

Inicia la cara B con Perfect Strangers que se abre con Jon, en esta ocasión es el viejo y fiel Hammond, y luego la banda choca con el riff para matar todos los riffs escuchados hasta ahora. Creo que, en algunos aspectos, esta canción se ha convertido en "Kashmir" de Deep Purple, especialmente cuando se toca en concierto. Ha evolucionado para volverse más exótico desde que se grabó por primera vez, las letras son ambiguamente hermosas. Blackmore la llamó su canción favorita de Deep Purple. Es una decisión difícil, pero Top Five seguro. No puedo sobrevivir sin esta canción en mi vida. A Gypsy's Kiss es lo más cercano a capturar la sensación de la alineación MK II de principios de los 70 y es maravilloso escuchar a Blackmore y Lord creando un nuevo combate de marca registrada. Wasted Sunsets es del tipo de balada poderosa que había demasiado en el panorama musical de la década de 1980. La contribución de Purple a esta dudosa categoría es típica de casi todas las canciones de este tipo. Letras cojas y obvias con imágenes obvias torpes, un acompañamiento musical "emocional" cursi… pero son Deep Purple. Para finalizar Hungry Daze contiene otro riff brillante de Blackmore, letras geniales y evocadoras junto con una sensación real de que la banda disfruta trabajando juntos (aunque ese no haya sido el caso), terminan el disco con fuerza como una retrospectiva de rock optimista de los primeros años de la banda. Aquí las voces de Gillan son más dinámicas y Paice proporciona una gran sección de batería durante una sección psicodélica extendida.

 

En general podemos hablar de un gran regreso y sirvió justo para lo que se necesitaba, agregar combustible a cualquier fiesta de verano en el patio trasero de la época. Ciertamente, el álbum era mucho más potente y rockero de lo que estaban creando bandas como Uriah Heep o Jethro Tull en esa época tiempo. Fue el último hurra para Purple como los reyes que habían sido. Un poco más comedidos aquí y allá, pero ya sabes, eran VIEJOS en el 84.

0142.- Boots of Spanish Leather - Bob Dylan

Boots of Spanish Leather

      El 13 de enero de 1964, Bob Dylan publicaba bajo la discográfica Columbia Records su tercer álbum de estudio, The Times They Are A-Changin'. El material que compone el disco fue grabado entre el 6 de agosto y el 31 de octubre de 1963 en el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York. El álbum, de corte folk, interpretado por guitarra acústica y armónica, esta compuesto mayoritariamente por temas protesta que van desde el racismo, la pobreza a los cambios sociales.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Boots of Spanish Leather, una balada compuesta por Dylan en forma de dialogo entre dos amantes. La mujer se marcha para realizar un largo viaje, y en la primera parte del tema es ella mediante los verso quien dice que "podría haberse marchado hace mucho tiempo", En los versos finales es el hombre quien ve como se ha quedado atrás y está presenciando lentamente como la relación se desmorona ante sus ojos. Cuando ella le escribe una carta diciéndole que tal vez no regrese nunca, él le pide un regalo para recordar siempre su amor, unas botas españolas de cuero español.

Para la melodía, Dylan se inspiró en un arreglo del cantante folclórico inglés Martin Carthy de la canción tradicional Scarborough Fair. Dicho autor y otros ingleses influenciaron a Dylan cuando éste realizó su primer viaje a Inglaterra a finales de 1962.

Una curiosidad sobre el tema, el cantante, compositor y guitarrista estadounidense Jason Isbell (Drive-By Truckers), tiene tatuado en su brazo una línea de la canción, "Just carry yourself back to me unspoiled. From across that lonesome ocean" (Sólo llevate de regreso a mí sin estropear. Desde el otro lado de ese océano solitario), y explicó el motivo de tatuarse aquello en el brazo, en el momento de tatuárselo se encontraba al principio de su relación con su esposa Amanda, y esta canción en particular tenía una ambigua línea que iba con él, sonaba desesperada, quejumbrosa, autoritaria, masculina, equivocada, y le gustaba la belleza que había en todo ello.

La música en historias: Jesucristo Superstar

Ian Gillan

     Ian Gillan es uno de los mejores vocalistas que han pasado por la historia del rock, y aunque es conocido fundamentalmente por su trabajo en Deep Purple, hoy me voy a centrar en una curiosidad que aconteció mientras formaba parte de éste grupo.

     Ian nace en 1945 en Londres (Inglaterra), el abuelo materno de éste era cantante de ópera y pianista aficionado. Uno de los primeros recuerdos musicales de Ian era ver a su madre tocar al piano la pieza Blue Rondo a la Turk. Sus padres se divorcian cuando era muy pequeño. Una de sus primeras influencias y que acabaría marcándole fue Elvis presley. En su jueventud estudió en el instituto Acton County Grammar, siendo compañero de clase del mismísimo Pete Townshend (The Who), pero los estudios los dejó pronto pues al ver una película de Elvis Presley tuvo claro que quería triunfar cómo cantante de rock.

     Tras pasar por bandas de pequeña entidad cómo Garth Rockett and the Moonshiners (su primer grupo) dónde al principio cantaba y tocaba la batería, y Ronnie and the Hightones (posteriormente cambiarían el nombre por The javelins) Ian acabaría sustituyendo al vocalista Andy Ross en el grupo Episode Six, formación en la quepermaneció de 1965 a 1968. Y justo al año siguiente Ritchie Blackmore (guitarrista), Ian Paice (batería) y John Lord (teclista) que no estaban contentos con la dirección del grupo Deep purple acabarían prescindiendo del vocalista Rod Evans y del bajista Nick Simper, y ficharían al bajista Roger Glover y a Ian Gillan como vocalista. A partir de aquí empezaría una fructífera y dorada época para Deep Purple con Ian Gillan como vocalista.

     En 1970, la formación ya había publicado Deep Purple in Rock y Concerto for Group and Orchestra, lo que hacía que el grupo despegara y se consolidara como la gran formación que era. Ese mismo año Tim Rice (famoso autor de letras para musicales  y presentador de radio y televisión, y famoso por haber escrito la letra de los musicales Jesucristo Superstar y Evita. Tim Rice también es el responsable del apartado musical de las películas de Disney Aladdyn y El Rey León) queda impresionado al escuchar la interpretación de Ian Gillan del tema Child in Time por lo que se pone en contacto con él y le pide que realice el papel y la interpretación de Jesús de la ópera Rock Jesucristo Superstar: Gillan acepta y graba sus partes vocales de la ópera en unas tres horas y después de haber ensayado únicamente un par de veces. 

Además de Ian en el papel de Jesús en este disco conceptual, trabajaron el actor y cantante Murray Head en el papel de Judas, la cantante y actriz Yvonne Elliman en el papel de María Magdalena, el vocalista de Manfred man Mike D'Abo en el papel de Herodes, y el cantante Gary Glitter en el papel de uno de los sacerdotes, aunque éste último se acreditó con el nombre de Paul Raven. Todos estos acompañados por una orquesta sinfónica de 56 piezas y 6 músicos más de rock.

     El disco resultó todo un éxito y consiguió dos nominaciones a los premios Grammy además de alcanzar el puesto número uno en la famosa lista Billboard 200. Posteriormente y debido al éxito Tim Rice vuelve a llamar a Gillan y le ofrece el papel protagonista de Jesús en la versión cinematográfica de la ópera rock que iban a realizar, un ofrecimiento que no le quedó más remedio que rechazar pues en esa época Ian se encontraba de gira con Deep purple y le era imposible atender semejante aventura, una lástima. 

0141: With God on Our Side, Bob Dylan

Uno de los ejemplos dominantes de anomalías en la música de Dylan es el papel de Dios en el destino de su país. La noción de que existe un ideal teocrático colectivo y una figura providencial que guía al país da paso a un examen más sombrío del individuo solitario, desprovisto de Dios y de identidad colectiva, vagando por un país que parece haber perdido la capacidad de regenerar al individuo. 

Un ejemplo perfecto de la anomalía de Dylan es su "With God on Our Side" donde toma el tema del destino manifiesto y el papel de la Providencia en la configuración de su país y lo pone patas arriba. Como narrador, Dylan interpreta el papel del inocente estadounidense que hace preguntas y busca la verdad. Afirma que su nombre no es nada y su edad menos; luego informa que proviene del Medio Oeste. Definitivamente es el heredero de Woody Guthrie, nos dice, fue educado para "cumplir" las leyes y creer que su país "tiene a Dios de su lado". En resumen, está diciendo que fuimos educados, educados y condicionados para creer en la versión estadounidense de Irving Berlin. Luego emprende un catálogo Whitmaniano de guerras e injusticias en las que probablemente alguien sintió que Dios estaba de su lado. Reescribe el mito del occidente y la frontera mientras canta cómo la caballería cargó y los indios murieron, pero la razón fue que "el país era joven" y tenía la confianza de tener a Dios de su lado. La ironía en la letra es casi brutal, el insinúa que la excusa para la masacre del indio fue nuestra inocencia, una inocencia protegida por la Providencia, pero luego, en el contexto de toda la canción, descubrimos que eso no es excusa en absoluto: Judas Iscariote probablemente tenía a Dios en su lado.

Dylan ... intenta mostrar que, contrariamente al mito, el poder de Dios en la configuración del destino del país quizás no fue una fuerza regeneradora ni el antecedente para establecer el "trono de la libertad". Era, al contrario, un manto para otra forma de opresión y tiranía. Entonces, ¿qué hace una persona si la mano de Dios se aparta de nuestro destino? Para Dylan, como para Guthrie, la respuesta está en el individuo. Su última estrofa regresa al narrador diciendo que se va (el destino y la razón no están claros) porque está "cansado como el infierno" y se siente confundido. En esta estrofa perpetúa el tema del vagabundo de Woody Guthrie, pero para Dylan ese vagabundo no es el radical populista despreocupado. El narrador "se va" señala los comienzos del tema del individuo alienado que dominará el mito de América en la canción popular durante las próximas dos décadas. Finalmente, finaliza la canción con una nota amargamente irónica al afirmar que, si Dios realmente está de nuestro lado, detendrá otra guerra. Esto, por supuesto, suena vacío a la luz del catálogo de abusos que acaba de relatar.

Disco de la semana 226: Game, Dames and Guitar Thangs - Eddie Hazel

 

Game, Dame And Guitar Thangs

     El 29 de julio de 1977 se publica bajo el sello discográfico Warnes Bros. el único álbum publicado en vida del magnífico gutarrista Eddie Hazel, Game, Dames and Guitar Thangs.

Edward Earl "Eddie" Hazel, más conocido como Eddie Hazel, nace en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos) en 1950. Desde muy pequeño, su madre Grace intenta que su hijo crezca en un entorno más favrable y se lo lleva a New Jersey. Es también a muy temprana edad cuando Eddie se interesa por la guitarra, justo en el momento que su hermano mayor le regala una. 

En su juventd conoce al bajsta Billy "Bass" Nelson, con el que hace una gran amistad, y juntos van de aquí a allá tocando en diferentes proyectos. En 1967, George Clinton, que anda buscando músicos de apoyo para tocar con su banda The Parliaments, ficha al Bass Nelson. Es Nelson quien recomienda a Clinton que fiche a Eddie como guitarrista, pero la primera tentativa de ficharle no sale debido a que este ya tiene un compomiso y además se topa con la negtiva de la madre de Eddie. Sin embargo, Clinton, consciente de la calidad de Eddie, no se da por vencido y con la ayuda de Bass Nelson consigue convencer a la madre de Eddie. Eddie pasaría a formar parte de la columna vertebral de Funkadelic, formación que Clinton forma para apoyar a Parliament, banda que deriva de The Parliaments debido a los porblemas legales de derechos que Clinton tuvo sobre el grupo. 

Con Funkadelic, Eddie Hazel se acabará convirtiendo en el más influyente guitarrista del funk, con un sonido basado en rock, hard rock, funk y rock psicodélico, y con un estilo que mezcla con una maestría brutal estilos de artistas como Jimi Hendrix o Sly & the Family Stone entre otros.

Para disfrute de nuestro oídos Eddie, con Funkadelic, nos regaló memorables discos como Funkdelic (1970), Free Your Mind ... and Your Ass Will Follow (1970),  Maggot Brain (1971) y Standing on the Verge of Getting It On (1974), y otras tantas aportaciones en discos como America Eats Its Young (1972) y Cosmic Slop (1973). Sus problemas con las drogas, que acabaron con su vida el 23 de diciembre de 1992, nos privaron de disfrutar durante más tiempo de este genio de las seis cuerdas.

Aunque después de su muerte se han editado varios discos tanto en estudio como en directo a título póstumo, es en 1977 cuando se publica su único álbum de estudio en solitario en vida del guitarrista, Game, Dames and Guitar Thangs, el disco recomendado para esta semana por 7dias7notas.

Para la grabación del disco, basado en un sonido que va desde el funk, el soul y el funk psicodélico y el hard rock, Eddie se rodea de los músicos de la onda de Funkadelic y la Bootsy's Rubber Band, Michael Hamptom, Garry Shider y Glenn Goins a las guitarras, Bootsy Collins, Billy Bass Nelson y Cordel Mosson al bajo, Jerome Brailey y Tiki Fulwood a la batería, Bernie Worrell y Doug Duffey a los teclados, y Linn Mabry, Dawn Silva y Gary Cooper a las tareas vocales. El resultado es un disco que obviamente rebosa sonido P-Funk por los cuatro costados, pues además de la colaboración de los músicos de la banda, el mismísimo Geroge Clinton se involucró en tareas de composición del álbum. Sin embargo tiene la particularidad de contener muchísimo más materia instrumental, no en vano fue un disco concebido para resaltar las magníficas dote de guitarra de Eddie Hazel.

Game, Dames and Guitar Thangs es buen disco, donde podemos disfrutar de versiones como California Dreamin' (grabada por primera vez por The Mamas & the Papas), I Want You (She's So Heavy) (grabada originalmente por los Beatles) y Physical Love (originalmente grabada por la banda de Bootsy Collins, Bootsy's Rubber Band). También nos encontramos con What about It?, escrita por George Clinton y Eddie Hazel, la cual es un remake, una nueva versión instrumental del famoso tema Wars of Armageddon, incluido en el disco Maggot Brain, y dos temas compuestos para la ocasión, Frantic Moment (George Clinton, Bootsy Collins, Bernie Worrell) y So Goes The Story (Clinton, Collins, Hazel). En cuanto al sonido, Eddie se acerca más al relajado ambiente de Parliament en detrimento de la locura psicodélica a la que nos tenía acostumbrados con Funkadelic. 

Game, Dames and Guitar Thangs es un buen trabajo, con una buena producción, donde se nota la mano de Geroge Clinton y de los músicos que colaboran, todos de la órbita del sonido P-Funk, como por ejemplo el sonido de los sintetizadores de Bernie Worrell o el magnífico trabajo con el slap de Bootsy Collins. 

0140: The times they are-a-changing, Bob Dylan

 "Venid senadores, congresistas, por favor haced caso a la llamada". Un amigo de Bob Dylan, al leer estas palabras en unas hojas con canciones y poemas en el apartamento del músico, le preguntó: "¿Qué es esta mierda, hombre?". En su respuesta, Dylan se refirió a aquellos primeros versos de The Times They Are a-Changin como "lo que parece que a la gente le gusta escuchar". Y estaba en lo cierto. En aquellos tiempos, a la gente le gustaban las canciones protesta, y aquella canción se convirtió en un himno de protesta política y de las diferencias entre generaciones.

Publicada en el álbum de Bob Dylan del mismo título, un siempre arisco Dylan renegó del significado que había adquirido para la gente, y defendió que The Times They Are a-Changin había nacido como un sentimiento propio, más que como una declaración de intenciones para el mundo o para una generación determinada. Ya fuera un afilado reflejo de su tiempo, o sólo un aislado y profundo sentimiento personal, lo innegable es que la canción era tan buena, que inevitablemente se convirtió en "lo que a la gente le gustaba escuchar" ¿Y no es eso lo que todos los artistas quieren para sus canciones? No parece que, en el caso de Dylan, ese fuera su objetivo, pero es que el genio de Minnesotta siempre pensó de manera diferente, incluso cuando los tiempos estaban cambiando.

La música en historias: Deep Purple y los fuegos artificiales

 Deep Purple en el National Jazz & Blues Festival en Plumpton (1970)

     Que Deep Purple es una de las mejores bandas de Rock de todos los tiempos es una gran verdad, y que debías tener cuidado si se la jugabas, también....................

     Corría el año 1970, y el grupo, que estaba formado por Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice , comenzaban a despegar como lo que eran, una súper banda. El 9 de agosto de 1970, Deep Purple formaban parte del cartel del "National Jazz & Blues Festival" que se celebraba en la localidad de Plumpton (Reino Unido), y además iba a ser el grupo encargado de cerrar el festival tocando en último lugar. En ese festival también iba a tocar la banda británica "Yes", la cuál comunicó a los organizadores del evento que bajo ningún concepto tocarían antes que Deep Purple y que serían ellos los que cerrarían el concierto. Los organizadores decidieron mantener el orden, por lo que los penúltimos en tocar serían "Yes" y cerrarían "Deep Purple". Pero los miembro de "Yes" decidieron idear una estrategia para ser los últimos en salir y decidieron llegar tarde y así no tendrían más remedio que salir antes "Deep Purple". Tal y como habían acordado cuando llegó el momento de que la banda "Yes" saliera a escena, esta no estaba, por lo que los organizadores del festival no tuvieron más remedio que obligar a salir a escena a los Purple.
     "Yes" se había salido con la suya......... ó no?. Llegaba el final de la actuación de los Purple, que cerraban con una versión del mítico tema de los Rolling Stones "Paint in Black", y Blackmore en ese momento pidió a uno de sus roadies que vaciara combustible encima de los equipos de sonido, encendió una cerilla, prendió fuego y siguió tocando en medio de las llamas. Los equipos quedaron seriamente dañados, y aunque la organización consiguió reparar algunos, cuando salió la banda "Yes" no consiguió superar esa noche a los Purple, que con ese apoteósico final se habían ganado al público, el cuál pensaba que formaba parte del espectáculo.

Deep Purple en el Festival California Jam (1974)

             Pero esta historia se volvió a repetir cuatro años después. Llega el año 1974, y la banda ha sufrido cambios, Roger Glover fue despedido por Blackmore, e Ian Gillan se marchó de la banda por desavenencias con Blackmore,  llegando para sustituirles Glenn Hughes al bajo y voces, y un desconocido David coverdale para el rol de vocalista principal. Esta formación, que disfruta de uno de los momentos más álgidos de la banda, son contratados para tocar en Estados unidos, en el festival California Jam, en la famosa pista de carreras californiana "Ontario Motor Speedway". La banda que llegó en su propio jet privado, se las prometían muy felices pues era la banda que iba a cerrar el festival, pero en el último momento los organizadores cambiaron el orden del programa dejando el honor de cerrar dicho festival a la banda también británica "Emerson Lake & Palmer". Este hecho fue tomado por los Purple como una humillación, en especial para Blackmore que decidió no salir a tocar. Blackmore al final es convencido de salir a tocar, pero tiene en mente su propia venganza.

     Blacmore pidió a su roadie personal que vaciara gasolina sobre los amplificadores, y cuando llegó el momento en el que la banda estaba tocando el último tema de su repertorio "Space Truckin'", pidió a su roadie que los prendiera fuego, rompió su guitarra sobre los amplificadores, tirando muchos de ellos al foso del escenario. La gente quedó encantada con el show de fuegos y explosiones mientras el resto de la banda seguía tocando. Los que no quedaron muy contentos fueron los organizadores del festival y las autoridades locales. Por cierto, los Purple tuvieron que emprender una espectacular huida en helicóptero para evitar ser detenidos.

     Como decía al comienzo del post, Deep Purple son una de las bandas de Rock más grandes de la historia y con ellos no se juega.



0139: Money - The Beatles

 

La primera curiosidad sobre esta cancion es que es una de las pocas canciones que han publicado/versionado tanto The Beatles como The Rolling Stones. 'Money (That's What I Want)', que apareció en el álbum de los Stones More Hot Rocks (Big Hits and Fazed Cookies) en 1972, aunque la primera vez que los londinenses lo lanzaron en su EP en 1964.  "Money" es una de las 15 canciones grabadas por la banda en su famosa - rechazada - sesión para el sello Decca. El gran éxito de Barrett Strong, un cantante negro de Tamla (por supuesto), que fue el primer gran éxito de este entonces incipiente sello perteneciente a The Motown fue incluido en su segundo álbum de The Beatles, titulado With The Beatles junto a otros dos temas del sello " You Really Got A Hold On Me " y " Please Mr. Postman”.

 

Money cerraba el álbum, y como ocurría en el anterior álbum, Please, please me, era una jugada comercial, la intencion era acabar en todo lo alto y de la misma manera que ocurria con Twist and Shout, aqui se vuelve a cerrar con una canción donde la voz de Lennon se vuelve poderosa en una especie de grito de batalla vigoroso y juvenil, 'Money' es, por supuesto, una pieza de sátira, una especie de encubierto ataque a los mismos valores que, admitámoslo, llevaron a los Beatles al mundo del espectáculo en primer lugar. Los Beatles tomaron el original de Strong y lo bajaron de la clave de F a E, agregaron una voz abrasadora de John Lennon, armonías cercanas de George Harrison y Paul McCartney, y lo convirtieron en una potencia atronadora. Mucho de esto se debió al coro final culminante, impulsado por el bombo de ocho al compás de Ringo Starr, un sonido que pronto se convertiría en característico de la música beat de principios de la década de 1960. El grito de Lennon de "Quiero ser libre" salió del corazón: después de muchos años en la carretera, y a pesar de las promesas de mayores riquezas en la mira, los Beatles anticiparon su éxito sólo por un corto período de tiempo a principios de la década de 1960. La carrera típica de las estrellas del pop en ese momento era de unos pocos años. Cuando parecía que iban a disfrutar de fortunas más duraderas, McCartney contrarrestó el materialismo desesperado de la canción con 'Can't Buy Me Love'.

 

Un grandioso cierre para un álbum del que hemos repasado cuatro de sus canciones y del que sin duda tiene que conocer cualquier amante de la buena música.

La música en historias: Come taste the band - Deep Purple

El décimo disco de estudio de Deep Purple era una auténtica invitación a lanzarse hacia algo nuevo, mostrando a su público un camino desconocido del que ni siquiera ellos parecían conocer el final. Esas dudas sobre el rumbo que estaban tomando se manifestaban ya en la portada, en la que parecieron debatirse entre una imagen del grupo, en su nueva formación (Mark IV) sin Blackmore, o buscar una imagen icónica sobre un fondo blanco, al estilo del plátano de la Velvet Underground & Nico. Y ese tira y afloja les dejó a medio camino, mostrando una copa de vino en la que, en su interior, aparecen los rostros de los cinco integrantes de la banda.

Hay otros signos, más evidentes, de las dudas sobre el nuevo rumbo a tomar. Así, uno de los discos musicalmente más arriesgados de su carrera, en el que abrazan ritmos y tramos instrumentales cercanos al funk, y en el que destaca el sobresaliente trabajo del recién fichado Tommy Bolin a la guitarra, es también uno de los más denostados por los fans más puristas de los Purple, por haber virado hacia canciones mucho más comerciales (en el mal sentido de la palabra). Es esta excesiva carga comercial en algunos temas, y la obvia presencia de Coverdale llevando la voz cantante, la que hace que en algunos tramos el disco parezca más cercano a Whitesnake que a los discos clásicos de Deep Purple.

Discos con los que tampoco sería justo comparar este Come taste the band, que como reconocen los propios miembros de aquella formación, podían haber firmado con otro nombre y haberlo sacado como un (valiente e innovador) trabajo paralelo e independiente de la gran nave nodriza. Compararlo con In Rock o Machine Head sería un excesivo castigo para un disco que, aunque lejos de aquellas obras maestras, por contrapartida entraría sin problema en cualquier lista de los mejores discos de 1975, gracias a temas como Comin' Home, que actúa como efectivo pistoletazo de salida del álbum, uno de los temas en los que el hammond de John Lord encuentra su sitio, entre las brillantes guitarras de Tommy Bolin.

Lady Luck es el primer ejemplo de tema excesivamente encapsulado y comercial, y consigue que las ilusiones generadas por el arranque se desinflen un poco, pero entonces llega Gettin' Tighter y la montaña rusa púrpura vuelve a dispararse a las cotas más altas. El cambio de ritmo a mitad de canción es tan arriesgado como brillante, y la música y coros de ese segundo tramo son más funky que muchos de los temas que llevaron esa etiqueta durante los fructíferos setenta. Un buen ejemplo de las cosas que se atrevieron a hacer, una vez liberados del yugo del cascarrabias de Blackmore, aunque también hay temas en los que se le echa de menos, como en Dealer, un buen tema y un gran trabajo de guitarra solista, pero en el que se añora el toque épico y colorista del malhumorado genio de las seis cuerdas.

I need love parece volver en un primer tramo a una senda excesivamente comercial, pero la propuesta musical de fondo es, de nuevo, arriesgada y enriquecedora, con unos teclados que parecen sacados del decálogo del mismísimo Stevie Wonder, y acompañados de lo que, una vez más, es un ejercicio de guitarra sobrio y generoso. El riff pesado de Drifter nos devuelve a los Purple más duros, hasta que a los dos minutos y medios el tema se parte o y la banda se deja llevar en un tramo con matices de rock progresivo.

Love Child es Deep Purple en la piel de Led Zeppelin, hasta que unos efectos de teclados futuristas mal escogidos la derriban un poco del gran pedestal en el que se estaba afianzando. This time around / Owed to "G" es una suave balada que encajaría más en un disco de Queen que en el universo de Deep Purple, y es probablemente el sabor que más desentona en el paladar durante la cata de este disco. La excesiva suavidad dura poco en la garganta, porque You keep on moving tiene la mística y la fuerza de los mejores temas de la época, y cierra el disco con un regusto a trabajo bien hecho, dejándonos con ganas de volver a brindar, hasta apurar la copa que nos invitaban a probar en la portada de Come taste the band.