Canciones escondidas: Smoke Signals - Phoebe Bridgers (2017)

Phoebe Bridgers nació el 17 de Agosto de 1994 en Pasadena, California. Comenzó a cantar a una edad temprana y se unió a bandas en la escuela secundaria. Después de conocer al cantautor Ryan Adams cuando tenía 20 años, lanzó "Killer", su primer sencillo, en 2015. Su álbum debut, "Stranger in the Alps", llegó en 2017 y alcanzó el puesto número 82 en el Billboard 200. Su segundo álbum, "Punisher", llegó en 2020 y alcanzó el puesto número 43. Entre sus dos primeros álbumes, formó la banda Boygenius con Lucy Dacus y Julien Baker, lanzando su EP debut homónimo en 2018; alcanzó el puesto número 4. Además de ser un tercio del supergrupo, Bridgers también ha tenido otras colaboraciones importantes, incluida "Nothing New (Taylor's Version)" (From the Vault) en 2021 y "Ghost in the Machine" con SZA en 2022. Ha recibido múltiples nominaciones a los premios Grammy, entre ellas, mejor artista nuevo, mejor canción de rock por "Kyoto" y mejor álbum alternativo por "Punisher".

Stranger in the Alps es el álbum debut de Phoebe Bridgers y desde la portada del álbum hasta la música misma, hay un cierto espíritu inquietante. Para grabar las voces del álbum, Bridgers apagó todas las luces del estudio y cantó en la oscuridad. “Cuando puedes ver a todos mirándote, es una experiencia diferente a cantar para ti mismo”, explicó más tarde. Entre las canciones que relatan su relación con un hombre mayor y abusivo y cómo la reciente muerte de sus íconos afectó su salud mental, es fácil entender las motivaciones de Bridgers para no querer mirar a nadie mientras canta. Este sentimiento es pertinente a todos los temas de Strange in the Alps, un álbum con letras tristes endulzadas por la ligereza de sus canturreos. Pero incluso dentro de la atmósfera sombría y melancólica del LP, todavía se pueden ver puntos de luz aquí y allá, el sentido del humor de Brigers brillando a través de sus versos confesionales y referencias culturales sobre arreglos folk e indie-rock. La ira y la ferocidad en gran parte de la composición de Stranger in the Alps llegan transformadas, alquimizadas en calma por la dulce entrega de Brigers. El álbum reúne fragmentos de su vida como una entonces cantante emergente en la escena de Los Ángeles, alguien que dio oportunidad a diferentes caminos hasta encontrar el correcto. Al mismo tiempo, muchas de las canciones de Stranger in the Alps tratan sobre estar conscientemente enamorado de la persona equivocada y permanecer en esas malditas relaciones por una razón u otra. Estas contemplaciones se ponen en perspectiva a través de una vision muy morbosa: cada canción del álbum tiene la palabra muerte o palabras relacionadas con ella. Esta atmósfera sombría sugiere a Bridgers en un dormitorio oscuro con solo una guitarra, insomnio y pensamientos como compañía, mirando su calle desierta a través de la ventana en las primeras horas de la madrugada.

En el primer tema, Smoke Signals, establece el tono de inmediato, mezclando guitarras limpias envueltas en ecos con el brillo suave de las cuerdas sinfónicas que suenan como si vinieran directamente de Vespertine. Desde el primer segundo la melodía triste y agotadora llega a los oídos, la mezcla de tristeza y belleza es embriagadora. Bridgers canta sobre una relación desconectada mientras explica el impacto que tuvieron en ella las muertes de los ídolos David Bowie y Lemmy de Motörhead. En una frase de 10 segundos, Phoebe Bridgers desata una ola de dolor y ansiedad que había encerrado durante casi dos años, muchos hemos experimentado el dolor antes de personas mucho más cercanas que fallecen a las megaestrellas, pero también ocurre que cuando falta alguien famoso que de una manera u otra te ha acompañado en tu vida el mundo se desconecta y no puedes evitar sentir que una parte de ti muere con él. ¿Hiperbole? Tal vez. Pero esto que expresa Phoebe son sentimientos reales, sentimientos profundos que quizás los entierras rápidamente para no mirar demasiado de cerca un futuro solitario. Smoke Signals ayudó a reconectar las partes rotas ocultas y a enfrentar verdades incómodas, confundiendo para siempre la experiencia de su sonido con mi recuerdo de la música. Existe en mi mente como una densa losa interconectada de emoción catártica, tanto buena como mala, algo por lo que estaré eternamente agradecido. Pero, de nuevo, soy afortunado. Tengo a alguien que resuelve todos nuestros problemas mientras yo corro de copiloto. Acelerando porque, bueno, ya saben por qué. Sé que podemos volver a conectar el mundo, solo que puede que lleve un poco de tiempo.

1405.- Starstruck - Rainbow

 

Starstruck, Rainbow

     Rising (también conocido como Rainbow Rising)  es el segundo álbum de estudio de la banda de rock británico-estadounidense Rainbow. Fue lanzado el 17 de mayo de 1976. El líder de la banda, Ritchie Blackmore, retuvo solo al cantante Ronnie James Dio de la alineación del álbum anterior, y reclutó al baterista Cozy Powell, al bajista Jimmy Bain y al tecladista Tony Carey para completar la nueva alineación. Grabado en Múnich en menos de un mes, el álbum fue supervisado por el productor de rock e ingeniero Martin Birch. La banda fue originalmente anunciada como Ritchie Blackmore's Rainbow en los Estados Unidos, se tituló simplemente Rainbow en este lanzamiento. En 1996, Cozy Powell afirmó a la revista Record Collector que gran parte del álbum se grabó en una o dos tomas, con algunas sobregrabaciones posteriores, lo que explica por qué no existen versiones alternativas o demos, solo las mezclas originales o en bruto.

El lanzamiento original de vinilo era una funda plegable, que contenía una foto de la banda en el interior, con una funda interior genérica del sello discográfico Polydor Records. Rising alcanzó el número 48 en la lista Billboard Pop Albums.  En el Reino Unido alcanzó el número 11. La primera edición en CD tenía una mezcla ligeramente diferente a la del LP original, incluyendo un retraso más largo antes de que la banda entrara después del solo de apertura de Carey en Tarot Woman, y una reproducción más larga en Run with the Wolf. La pista Stargazer tenía las voces mezcladas sin el retraso, el sintetizador adicional eliminado y algunos de los sonidos en fase eliminados. Cuando se remasterizó en 1999, se restauró la mezcla original de vinilo

Incluido en este álbum se encuentra Starstruck, tema que está dedicada a una fan francesa que estuvo siguiendo a Blackmore durante una de las giras europeas en las que estuvo, un día encontrándose Blackmore en casa observó cómo los arbustos de fuera se movían, era la fan y había encontrado su casa, así que decidió soltar sus perros los cuales fueron a recibirla alegremente pues no eran agresivos, más bien todo lo contrario, empezaron a lamerle la cara pero ella salió huyendo asustada del lugar.

1404.- T.N.T. - AC/DC

 

T.N.T., AC/DC

     T.N.T es un verdadero petardazo, de esos que nos suben la adrenalina y hace que el pulso se nos acelere como si el mismísimo demonio hubiera venido a visitarnos. AC/DC se crea en 1973 de la mano de los hermanos Young, y ya en en 1975 publican su primer disco de larga duración, de título High Voltage, un disco que graban en tan sólo diez días y que básicamente se trata de diez temas dónde la composición de la letra corrió a cargo de Angus y Malcolm Young, y la letra a cargo de Bon Scott. A finales de 1975, la formación, que está compuesta por Malcolm y Angus Young a las guitarras, Bon Scott como vocalista, Mark Evans al bajo y Phil Rudd a la batería, publican el que sería su segundo LP, T.N.T., publicado también sólo en Australia. Más tarde, a comienzos de 1976, bajo el sello Atlantic Records, publican el álbum High Voltage para el resto del mundo, dicho disco eran temas escogidos de sus dos primeros discos editados sólo en Australia.

Tanto en la edición australiana del álbum T.N.T. cómo en la edición internacional del disco High Voltage aparece el tema T.N.T, un tema que fue compuesto por los hermanos Young y por Bon Scott, y la letra hace alusión al típico chico malo, el cuál es puro "T.N.T" (trinitrotolueno), el terror de todos los hombres e irresistible para todas las mujeres. La edición internacional de High Voltage tuvo muy buena acogida en Europa, pero no tanto en Estados Unidos donde se encontró con más dificultades. La revista Rolling Stone llegó a realizar una voraz crítica de éste álbum, algo que en ese momento mucho no ayudó. La grabación del disco es AC/DC en estado puro, con un sonido muy crudo, directo y enérgico, el cuál fue suavizado en la producción por el famoso dúo de productores Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm), los cuáles eran en ese momento miembros del famoso grupo The Easybeats.

Gorillaz - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

Dedicamos el mes de noviembre a la discografía del grupo virtual Gorillaz, uno de los proyectos paralelos del siempre inquieto y versátil Damon Albarn, frontman de la banda británica Blur. Creada en 1998 por Damon Albarn y el diseñador gráfico Jamie Hewlett, la banda de Gorillaz está compuesta por cuatro miembros ficticios llamados 2-D (representado en la voz por Albarn), Noodle (guitarra), Murdoc Niccals (bajo) y Russel Hobbs (batería), personajes animados alrededor de los cuales Albarn y Hewlett construyen un universo ficticio musical y audiovisual.

En lo musical, Albarn es en realidad el único miembro permanente de la banda, asumiendo en la mayoría de las canciones la interpretación de la mayor parte de los instrumentos, y considerando Blur como la "nave nodriza" principal de Albarn, tengo la teoría de que Gorillaz no iba a ser más que una excentricidad destinada a dar salida a sus composiciones más electrónicas y menos introspectivas, una travesura visual y sonora con la que mover los hilos desde dentro y alejarse del foco mediático y de la presión de estar en una banda tan conocida como Blur. Sin embargo, el desmesurado éxito de aquella innovadora propuesta, hizo que Gorillaz se convirtiera en un proyecto paralelo y de larga duración, eclipsando en muchos momentos a su anterior banda, con la que fue espaciando cada vez más las entregas de nuevos discos, mientras seguía publicando álbumes nuevos con Gorillaz.

El principal culpable de este inesperado éxito fue su disco homónimo "Gorillaz", lanzado con el sello Parlophone en el año 2001. Para la grabación de las canciones del álbum, Albarn contó con la colaboración de Del the Funky Homosapien, Dan the Automator y Kid Koala, con los que lanzó en primer lugar el EP "Tomorrow Comes Today" a finales del año 2000. Con el lanzamiento del disco, salió también la canción "Clint Eastwood" como primer single promocional, alcanzando el cuarto puesto de las listas de Reino Unido y desatando la locura mediática y el consumo de merchandising relacionado con los cuatro dibujos animados de aspecto zombie y desaliñado. Pero lo nuestro es hablar de música, y de la buena, como la que emana a borbotones de las canciones del disco "Gorillaz".

El álbum comienza con "Re-Hash", un efectivo tema que bien habría encajado en alguno de los discos de Blur de aquella época, en la que ya se habían alejado de la etiqueta del "britpop" que tanto éxito les había dado, pero que a la vez les había encorsetado y encerrado en un estilo del que habían estado huyendo en sus últimas publicaciones. En realidad, a lo que suena "Re-Hash" es a Damon Albarn en estado de gracia, y por eso esta canción de afilado ritmo de guitarras acústicas y suaves melodías encajaría bien en cualquiera de sus transformaciones creativas. "5/4" es más machacona y caricaturesca, pero igualmente conocida en el ya amplio "universo Gorillaz", y con la excelsa "Tomorrow Comes Today", un tema tan relevante para esta primera aventura que, como ya he mencionado, tuvo su lanzamiento previo en formato EP, conforman el poderoso arranque del disco.

Como travesura sonora de un artista inquieto y, por aquel entonces, afrontando una crisis tanto personal como al frente de un grupo que daba cierta sensación de hastío y declive, "Gorillaz" es un disco imperfecto y con altibajos, y en esa última categoría podríamos incluir a "New Genious (Brother)" un tema atrevido y arriesgado, en el que Albarn canta en falsete, y aunque la atmósfera que genera es muy Gorillaz, la escucha se hace algo pesada y es uno de los temas que suelo saltar habitualmente.

Nada que ver con la siguiente canción, la ya mencionada "Clint Eastwood", auténtico himno de la banda y posiblemente la mejor canción que Albarn ha firmado como Gorillaz. El estribillo es simplemente memorable, y la combinación de este con los rapeados de las estrofas (a cargo de Del the Funky Homosapien) es absolutamente genial. Recientemente, Albarn reconoció en un documental que el ritmo de la canción lo había sacado de uno de los ritmos programados de un teclado de juguete, y lejos de restar con ello méritos a su composición, le dio aun más un aura de genialidad y atrevimiento a una canción mítica. 

El falsete y la psicodelia sonora son las señas de identidad de "Man Research (Clapper)", otro de los momentos descartables y de difícil digestión del disco. Más asequible es el urgente y guitarrero "Punk", otros de los temas que habrían pegado más en un disco de Blur que de Gorillaz. Le siguen "Sound Check (Gravity)", que alterna tramos en los que su título (Prueba de sonido) desvela el origen creativo del tema, con otras partes más melódicas, y Double Bass, tema prácticamente instrumental de aire oscuro y electrónico, y lo de "prácticamente" es porque tiene un corte abrupto tras el que Damon Albarn recita "All of which makes me anxious, at times, unbearably so" ("Todo lo cual me pone ansioso, a veces, insoportablemente").

Tras este tramo central oscuro y experimental, el disco remonta el vuelo con el también single "Rock the House", de nuevo con la voz de Del the Funky Homosapien rapeando en otro de los temas más famosos de esta primera entrega de la banda, y muy especialmente con "19-2000", otro de los singles y el mejor momento del disco junto a "Clint Eastwood", en el que 2-D (Albarn) alterna las voces con la pequeña guitarrista japonesa Noodle, que aporta un toque de mágica frescura al ya de por sí animado ritmo electrónico de una canción que tiene todos los ingredientes de un gran hit.

En posteriores discos de Gorillaz se hizo habitual que una larga lista de colaboradores de postín aparecieran cantando junto a Albarn, pero en el que fuera primer disco de Gorillaz fue toda una agradable e irreverente sorpresa que "Latin Simone (¿Qué pasa contigo?)" estuviera interpretada en castellano por el músico cubano  (con Ibrahim Ferrer). Lástima que sea el colofón de este nuevo tramo brillante, porque con Starshine el disco vuelve por derroteros sonoros extraños y oscuros, y aunque el sencillo y agradable ritmo de teclado y la melodía base de Slow Country sean apreciables, está claro que la experimentación y la rareza han vuelto a adueñarse de los surcos de "Gorillaz", que se recupera a tiempo para cerrar en todo lo alto con "M1A1", el tercero de los temas que se desvían hacia un rock más emparentado con Blur que con Gorillaz.

 

Con más de 7 millones de copias vendidas a nivel mundial, la broma de Gorillaz se convirtió en algo muy serio. El disco fue triple platino en el Reino Unido, donde alcanzó el tercer puesto de las listas de ventas, y platino en los Estados Unidos, siendo tal el éxito que la ficticia banda fue incluida en el Libro Guinness de los Récords como la banda virtual más exitosa del mundo. La crítica fue también unánime al respecto, alabando la habilidad de Albarn para experimentar con una enorme variedad de géneros musicales, que iban desde el trip hop, el rap y la psicodelia, pasando por el punk rock y el britpop marca de la casa, y llegando incluso a experimentar con el dub, el reggae y la música latina. Tal habilidad para mezclar estilos no podía realmente considerarse una broma, y acabó convirtiendo a Gorillaz en una banda de larga duración, con una carrera discográfica tan amplia y variada como para merecer una revisión exhaustiva en el "mes Gorillaz" que, con este primer disco, comienza oficialmente aquí, en 7dias7notas.com.

1403.- It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'N' Roll) - AC/DC

 

 It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'N' Roll)

     AC/DC llevaba desde 1973, el año de su formación, peleando muy duro por hacerse un hueco en el difícil mundo de la música, y ese año tanto trabajo duro daría sus frutos en forma de su primer disco de estudio, High Voltage, lanzado por el sello Albert Productions, y sólo para el mercado australiano. Unos meses después, concretamente el 1 de diciembre de 1975 veía la luz el segundo disco del grupo, también sólo para el mercado australiano, T.N.T.. Cuando el grupo graba y publica T.N.T., está compuesto por Bon Scott (vocalista), Angus Young (guitarra solista), Malcolm Young (guitarra rítmica y coros), Mark Evans (bajo), y Phil Rudd (batería). En los temas High Voltage, y la versión de Chuck Berry de School Days, el bajo es tocado por el hermano de mayor de los Young, George, y la batería es tocada por Toni Currrenti. El grupo repetía la misma formula que en el disco debut, High Voltage, contando con la producción de Harry Vanda y George Young. Este disco también marcaría la dirección del grupo a la hora de los roles de interpretación, quedando definido que Angus se encargaría sólo de la guitarra solista, Malcolm de la rítmica.

Incluido en T.N.T. y abriendo además el disco, encontramos I'ts A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'N' Roll), tema compuesto por Bon Scott y los dos hermanos Young. Es un tema autobiográfico que nos describe las dificultades que tuvo que pasar la banda, tocando en locales cutres y de mala muerte noche tras noche hasta que la banda despegó y empezó a tocar ante audiencias más numerosas. A este respecto Angus Young comentaba que fue precisamente ese duro trabajo noche tras noche el que les permitió irse labrando una reputación y conseguir grabar en el estudio.
Este tema fue el mejor colocado en las listas de ventas hasta la fecha, consiguiendo alcanzar el puesto número 5 en las listas australianas. Si nos fijamos en el tema vamos a encontrar algo bastante inusual para el grupo y cualquier banda de rock que se precie, en vez de un sólo de guitarra, el grupo introduce la guitarra de Angus, la cual va interactuando con el sonido de una gaita que es tocada por Bon Scott.
La idea de introducir gaitas en el tema fue del productor George Young, que además sugirió que fueran tocadas por Bon Scott. Curiosamente el instrumento que dominaba Bon era la batería y no la gaita, pero como era un chico hábil aprendió rápidamente, y no sólo la tocó para la grabación de este disco, seguiría tocando la gaita y también la flauta posteriormente en sus actuaciones en vivo.

     La banda grabó un video para promocionar tanto el sencillo cómo el álbum. Un vídeo que sería grabado el 23 de febrero de 1976, y que consistía en la banda aupada en un camión descubierto atravesando el centro de Melbourne. En 2004, una de las calles de Melbourne,  la Corporation Lane, cerca de donde se grabó el video promocional del tema, pasaría a llamarse AC/DC Lane. En 1976 se publicaría otro disco, esta vez para ser vendido fuera de las fronteras australianas, llamado exactamente igual que el primero editado para el mercado australiano, High Voltage, y se trataba ni más ni menos que un compendio de los dos discos anteriores del grupo, y que habían publicado sólo para el mercado australiano, High Voltage y T.N.T., este último el que incluía también este tema.

1402 - Chicago - If You Leave Me Now

1402 - Chicago - If You Leave Me Now

“If You Leave Me Now”, lanzada en 1976, es una de las baladas más emblemáticas de la banda estadounidense Chicago, caracterizada por su estilo suave y sentimental. La canción, que forma parte del álbum Chicago X, fue un éxito rotundo, llegando al primer lugar en las listas de Billboard y consolidando a Chicago como una de las bandas más importantes de la década. Compuesta por el bajista Peter Cetera, esta balada romántica es un testimonio de su habilidad para escribir letras conmovedoras y crear una atmósfera emotiva a través de su voz cálida y aguda.

Uno de los aspectos más destacados de “If You Leave Me Now” es su sonido distintivo, que se aleja de las raíces más rockeras y experimentales de Chicago. En esta ocasión, la banda apuesta por un estilo más cercano al soft rock, con una instrumentación rica en cuerdas y una producción pulida que resalta la melancolía de la letra. La sección de vientos, usualmente una de las marcas registradas de Chicago, tiene un rol más sutil en esta canción, permitiendo que la melodía se centre en las cuerdas y en la interpretación vocal de Cetera. Este enfoque más minimalista fue clave para el éxito de la canción, ya que logró una conexión emocional profunda con el público.

La letra de la canción habla de la desesperación de un amante que ruega a su pareja que no lo abandone. Cetera logra capturar la vulnerabilidad y la tristeza de alguien que siente que, si su relación se termina, no será capaz de seguir adelante. Frases como “If you leave me now, you'll take away the biggest part of me” (Si me dejas ahora, te llevarás la parte más grande de mí) expresan la dependencia emocional y el miedo al abandono, temas universales que resonaron con oyentes de todo el mundo. La sencillez y honestidad de la letra permiten que la audiencia conecte con sus propios sentimientos de pérdida y desamor.

En términos de producción, “If You Leave Me Now” es un ejemplo excelente de cómo una balada puede mantener una estructura musical sencilla pero efectiva. La melodía, apoyada por una orquesta de cuerdas y una suave percusión, fluye con naturalidad, permitiendo que la canción se sienta orgánica y emocionalmente resonante. La elección de Cetera como la voz principal fue crucial, ya que su tono agudo y emotivo encapsula perfectamente la tristeza de la letra.

“If You Leave Me Now” es un clásico atemporal que marcó un antes y un después en la carrera de Chicago. Con su delicada instrumentación, su emotiva interpretación vocal y su letra sencilla pero poderosa, la canción sigue siendo una de las baladas más queridas de la música popular, un testamento a la habilidad de la banda para crear música que toca el corazón.

Daniel 

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Disco de la semana 402 - Unknown Pleasures - Joy Division

 

Joy Division es la banda post-punk por excelencia, todos su integrantes se conocieron en una noche fatídica en un concierto de los Sex Pistols, después de eso, formaron una pequeña banda punk y se llamaron Warsaw, en honor a una canción de David Bowie, grabaron algunos sencillos bajo el nombre de Warsaw, luego, para no confundirse con otra banda inglesa, se rebautizaron como Joy Division, los tacharon de neonazis por llamarse así. Larga historia, chicos. En fin, se instalaron en su famosa ciudad de Manchester y contrataron a Martin Hannett para producir el álbum. Hannett será conocido más tarde como el hombre que creó el sonido "Manchester". El álbum, desde el principio, suena como si fuera una especie de oscuridad. Sí, la música se acelera, pero Ian Curtis brama con su famoso estilo vocal característico, el bajo de Hook y la guitarra de Summers forman uno de los mejores dúos de guitarra/bajo de la historia, se intercambian ideas a lo largo de todo el disco, especialmente en "Disorder”. Es oscuro, es teatral y emocional, para el debut de una banda es absolutamente notable y probablemente la definición de lo que debería ser el post-punk. Todo el lirismo oscuro y la temática dejan un mayor impacto debido al suicidio del cantante principal Ian Curtis un año después con solo 24 años. Pero todos han recordado su legado con todas las grandes canciones que hicieron en este corto tiempo.

 

Abre el disco con Disorder el tema más famoso de este álbum hace lo que hacen todos los grandes temas de apertura, no solo es un single fantástico, sino que también muestra de qué se trata el álbum. Aunque no siempre he considerado este álbum tan bien como lo hago ahora, siempre he sabido que esta canción tiene una de las mejores líneas de bajo de la historia, presenta un dúo punk casi tradicional de una línea de bajo y un patrón de batería simples, aunque más lentos y con más reverberación, y luego se sorprende de inmediato por las guitarras estridentes que tocan esta melodía retorcida pero simple con poca o ninguna dinámica. Mientras Curtis entra y se presentan su voz inquietante y letras que impregnan el resto de este álbum. Al final, hay un colapso total y una liberación de la tensión que se ha ido acumulando a lo largo de la canción a medida que el bajo pierde su equilibrio, los sintetizadores comienzan a gemir y las guitarras chillan; todo rematado con el grito disonante pero convicto de Ian Curtis, que da pausa y hace que esta pista atrevida sea más perturbadora e interesante y despierta el interés por las canciones que vendrán. Un comienzo brillante y que se merece su estatus. Day of the Lords sigue una estructura similar de presión que va aumentando lentamente y se va liberando hacia la segunda mitad del tema, sin embargo aquí el desarrollo es mucho más controlado e interesante los temas líricos son lo que más se está desarrollando y es esta frustración con una dificultad estática la que crea la tensión, en lugar de la tensión instrumental. El pasaje de guitarra que va escalando a lo largo del disco es tan escalofriante que parece un milagro que puedan encontrar algún sentido de armonía con el bajo que avanza lentamente sin el swing o el rango que atraviesa la guitarra. En Disorder, cuando canta "las luces están destellando, los autos chocan, ahora es cada vez más frecuente", interpreto que es el mismo enfoque de posiblemente extender sus problemas con la epilepsia a algo tan general como malas noticias como los autos chocando. Para él, el mundo se está desmoronando por todos lados, no solo en su cabeza. Independientemente de lo que se pueda hacer con las letras, su verborrea y su entrega cada vez más angustiada son increíbles y uno de los puntos más tensos de este álbum. Candidate solo se grabó para completar la lista de canciones, pero se le ocurrió a la banda de inmediato cuando estaban tratando de componer una canción para ese propósito. Si bien la mayoría de las canciones siguen la fórmula de creación de tensión, desarrollo de instrumentos y aumento de intensidad vocal presente en las dos primeras canciones, esta y I Remember Nothing se destacan como particularmente escalofriantes para mí porque en las otras tienes algunas ideas de convención y transición que te hacen deambular por ellas como si fuera una película triste. Sin embargo, para estas dos canciones, casi se siente como si estuvieras deambulando por una casa embrujada. Hay muy poco desarrollo o musicalidad para llenar esta pista, es solo una línea de bajo descendente simple, el suave lamento cambiado de Curtis y un sintetizador extremadamente aterrador que suena casi como una escucha profunda en la forma en que gime y cae en cascada a lo largo de cualquier edificio abandonado en el que suene como si hubiera sido grabado. Insight, al igual que la canción anterior surge de la nada y tiene un Curtis casi esperanzado, un rango medio sintetizado animado y notas graves que no suenan como si estuvieran en el fondo de la fosa de las Marianas. Esto no solo funciona muy bien como un agradable cambio de ritmo con respecto a la melancolía de las primeras tres pistas, sino que también muestra la versatilidad de la banda, esta euforia recién descubierta que surge de la liberación del miedo y el dolor no proviene de algún recurso que sea la panacea para los problemas de Curtis, sino que está devaluando toda su vida y viéndola como volátil y rechazando todo lo que quiere. New Dawn Fades es la última canción del lado A, esta canción es probablemente la más cercana a una balada que se puede encontrar en este álbum, y Curtis se siente más seguro aquí que en cualquier otro lugar, ya que se lamenta una vez más sobre sí mismo y sus errores y su incapacidad para hacer algo al respecto. ya sea terminar su relación o para, literalmente, acabar con sí mismo. Los acordes de bajo y guitarra son extremadamente amargos como se esperaba con la producción de las pistas circundantes. Una tremenda pista en la que Joy Division puede una vez más hacer que sus voces trabajen de la mano con el instrumental para transmitir un mensaje. Pueden contar una historia con instrumentos que pueden sonar pretenciosos, pero realmente disfruto de lo mucho que todo concuerda entre sí. Se puede decir que tenían una buena comprensión de lo que querían, a pesar de lo cruda que es la producción en algunos puntos.

Una canción brillante para comenzar la segunda cara de este álbum, She's Lost Control, que muestra el plan en el que creo que bandas contemporáneas como Black Midi han basado toda su discografía. Vuelven a su construcción de tensión, pero esta vez hay un énfasis especial en la repetición tanto en las letras como en el instrumental. Si bien esta canción trata sobre Curtis viendo a otra persona experimentar un ataque de epilepsia, obviamente con sus letras expansivas y su propia experiencia con eso, postulo que está hablando consigo mismo. La canción parece tener una incapacidad para alejarse de este riff repetitivo y todo lo que hace es empeorar a medida que avanza. Expresa brillantemente la condición de Curtis, donde se agita durante un ataque sin forma de ayudarse a sí mismo y solo lo hace más intenso. Shadowplay es una de las pistas más sencillas, con solo un par de versos y un estribillo compuesto completamente de un pasaje de guitarra que es tan pegadizo que ha obtenido un estatus casi legendario. El resto de la canción suena más a un tipo de punk rock reprimido con notas de guitarra mucho menos duras que en muchas de las otras pistas. Hay suficiente uso de efectos de sonido en esta pista que de alguna manera construyen hacia este tipo de paisaje infernal industrial o atmósfera espeluznante que establece la letra. Creo que se supone que esto trata sobre la desrealización; "I was moving through the silence without motion" o "In a room with a window in the corner" me parecen ser él en su espacio mental tratando de volver al "centro de la ciudad", convertirse en el centro de sus decisiones una vez más y convertirse en la persona que solía ser, finalmente dándose cuenta de que se dejó llevar por una transformación y fue utilizado por otras personas de una manera que lo hizo incapaz de vivir su vida de una manera en la que no estuviera alienado de todo. Wilderness, es para mi la pista más débil de este álbum, creo que si bien Wilderness tiene muchos aspectos redentores, como un nuevo territorio lírico de un ángulo antirreligioso y una línea de bajo bastante buena de Hook, la canción simplemente no es lo suficientemente larga como para desarrollarse o tener las complejidades de muchas de las otras canciones aquí, ya que creo que es solo una buena canción en general, mientras que las otras aquí realmente logran algo. 

Interzone es otra pista fenomenal donde Joy Division vuelve a sus raíces punk británicas de los años 70 y saca fácilmente la canción más simplista de todo este asunto, con un riff de guitarra y una línea de bajo simples pero pegadizos y una entrega vocal casi himno de Hook con Curtis respaldándolo. Es una canción muy satisfactoria en la que Joy Division vuelve a lo probado y verdadero y puede hacer una canción muy buena con ella. También es sorprendente el hecho de que 9 pistas después todavía sean capaces de sacar ases de la manga de manera constante como esta. Cierra con I Remember Nothing, engañoso y furtivo, en las esquinas de callejones torcidos y calles secundarias, la banda juega su ultimo truco, el zumbido del sintetizador es constante y espeluznante, mientras el bajo y las guitarras hacen riffs sobre una nota, cambiando solo una vez cada dos o tres compases sin intentar encontrar ninguna melodía. Los tambores se arrastran a través de este desagüe de paisaje sonoro de manera muy metódica, aunque la cadencia no es demasiado lenta, y Curtis ofrece una interpretación vocal más desgarradora que martilla los sentimientos generales que flotan en todo el álbum sobre la alienación, la angustia, la rabia y sus consecuencias. Como muchos grandes temas finales, esta canción te hace reflexionar y te arranca de cualquier familiaridad que hayas formado con los riffs más simplistas y digeribles de la segunda cara del álbum y refuerza la tragedia y el horror subyacentes que alberga todo el álbum.

 

Es un álbum esencial que es demasiado fácil de pasar por alto. Creo que hay algunos álbumes a los que realmente no se les pueden dar suficientes oportunidades y este es uno en el que comprender el contexto, la composición y lo que estaban tratando de hacer con la instrumentación es extremadamente gratificante.

1401 - The Rolling Stones - Hot Stuff

1401 - The Rolling Stones - Hot Stuff

"Hot Stuff" es una canción de la legendaria banda británica The Rolling Stones, incluida en su álbum Black and Blue de 1976. Esta canción marca una desviación interesante del sonido habitual de la banda, con una mezcla de géneros que refleja la apertura de los Stones a las influencias musicales que estaban en auge en la década de los 70, particularmente el funk y la disco music. Escrita principalmente por Mick Jagger y Keith Richards, “Hot Stuff” representa una experimentación audaz con ritmos y sonidos que se alejaban del tradicional rock 'n' roll por el que la banda era más conocida.

Lo primero que llama la atención de "Hot Stuff" es su groove pegajoso y su riff de guitarra, que establece un ambiente cargado de ritmo desde los primeros compases. El riff, construido sobre una base funk, es sostenido por una sólida línea de bajo y una batería que mantiene un patrón repetitivo pero efectivo, cortesía de Charlie Watts. La canción presenta una sección rítmica pronunciada y dinámica que es fundamental para mantener su energía y vitalidad.

Uno de los aspectos más destacados de "Hot Stuff" es la participación de los músicos adicionales que le dan un aire fresco al sonido de los Stones. El guitarrista Harvey Mandel, quien colaboró con la banda en el álbum, aporta su característico estilo con un solo de guitarra que fusiona elementos de blues y rock con la cadencia más suelta del funk. Además, la inclusión de Billy Preston en los teclados agrega una capa extra de soul y energía al track, realzando su enfoque bailable y movido.

En cuanto a la voz, Mick Jagger despliega su carisma habitual, pero con un tono más relajado y sensual que en otros temas. Su interpretación se ajusta a la atmósfera lúdica y ligera de la canción, ofreciendo un enfoque más centrado en el ritmo que en la melodía vocal tradicional. Las letras, como muchas de sus canciones de esta época, exploran temas de deseo y atracción física, manteniendo el tono provocativo característico de Jagger.

"Hot Stuff" fue lanzada como sencillo, pero no alcanzó el mismo éxito que algunos de los grandes clásicos de la banda. Sin embargo, destaca por ser un ejemplo de cómo los Stones fueron capaces de adaptarse y experimentar con las corrientes musicales del momento sin perder su esencia. A pesar de que muchos fanáticos del rock más tradicional de los Stones pueden haberla visto como una desviación, "Hot Stuff" fue un precursor de la dirección más variada y ecléctica que la banda seguiría en álbumes posteriores.

"Hot Stuff" es una pieza clave dentro de la discografía de The Rolling Stones, no tanto por su popularidad, sino por ser una muestra de su capacidad de reinvención. La combinación de rock, funk y disco convierte a este tema en una curiosidad musical que refleja la versatilidad de la banda en una era de transformación sonora.

Daniel 

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1400 - Ramones - Judy Is a Punk

1400 - Ramones - Judy Is a Punk

"Judy Is a Punk" es una de las canciones más emblemáticas de los Ramones, incluida en su álbum debut de 1976. La pieza, con una duración de poco más de un minuto y medio, es un ejemplo claro del sonido crudo y enérgico que definió el punk rock neoyorquino de la época. La canción destaca por su simplicidad, con un ritmo acelerado, una estructura de tres acordes y letras directas y algo absurdas que reflejan la actitud irreverente de la banda.

La narrativa de la canción es casi surrealista, mencionando a Judy y Jackie, dos personajes ficticios que podrían estar involucrados en actividades subversivas como unirse a la resistencia o al grupo terrorista de la Baader-Meinhof. A pesar de lo caótico y fragmentado de la letra, la combinación de humor y rebeldía es una característica común en las canciones de los Ramones.

"Judy Is a Punk" es un himno punk por su energía desenfrenada, pero también es memorable por la manera en que encapsula el espíritu DIY (hazlo tú mismo) y la simplicidad que definirían al movimiento punk. La voz de Joey Ramone, con su estilo nasal y desganado, y la velocidad de la interpretación de la banda hacen que la canción sea infecciosa y pegajosa, siendo un gran ejemplo de cómo los Ramones podían transmitir tanto en tan poco tiempo.

"Judy Is a Punk" es una pieza icónica del punk que destaca por su frescura y despreocupación, además de su capacidad de conectar con un público que buscaba una ruptura con los excesos del rock de los 70.

Daniel 

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1399.- The Theme From Mahogany - Diana Ross

En los años 60, Gordy había establecido Motown Records como, posiblemente, el sello discográfico más importante en existencia. Había coescrito canciones clásicas. Se había convertido, posiblemente, en el empresario negro más exitoso de Estados Unidos. En los años 70, Gordy, que había trasladado recientemente todo su imperio Motown a Los Ángeles, se propuso hacer algo similar con las películas. No funcionó, pero al menos obtuvo una gran canción. En su intento de conquistar Hollywood, Gordy reclutó los servicios de Diana Ross, la mujer que, más que cualquier otro artista, había sido responsable de que Motown se convirtiera en un gigante del pop. Las carreras cinematográficas de Gordy y Ross comenzaron de manera prometedora. Gordy produjo la exitosa película biográfica de Billie Holiday de 1972, Lady Sings The Blues . Ross interpretó a Holiday. Fue su primer papel en una película, y ganó un Globo de Oro y fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz. Mahogany es la historia de Tracy Chambers, una secretaria de unos grandes almacenes de Chicago que sueña con convertirse en diseñadora de moda (Ross diseñó sus propios vestidos para la película). Finalmente consigue su oportunidad, pero sólo porque Anthony Perkins, que interpreta a un fotógrafo depredador, la transforma en una supermodelo y le cambia el nombre por Mahogany. En la película, el personaje de Ross se divide entre su vida en Roma con Perkins y su atracción por el organizador comunitario de Chicago Billy Dee Williams (Williams también había sido coprotagonista de Ross en Lady Sings The Blues ). Mahogany tiene que tomar algunas decisiones difíciles. Mahogany fue un fracaso. Recibió críticas terribles y tuvo malos resultados comerciales. Gordy nunca dirigió otra película. Ross solo aceptó un papel más en la pantalla grande, en el musical de 1978 The Wiz. Hoy en día, Mahogany tiene sus defensores, pero se la recuerda principalmente por su valor teatral. Sin embargo, la película generó un éxito rotundo: la suave y elegante canción principal, que se convirtió en el tercer número uno en solitario de Ross.

Gordy le había pedido al compositor y productor de Motown Michael Masser que escribiera la banda sonora de Mahogany, quería una canción temática para la película, y Masser tenía algo para él: "Do You Know Where You're Going To", una canción que se suponía que sería un sencillo para otro artista de Motown, la candidata era Thelma Houston, una de las cantantes persistentemente ignoradas de la extensa lista de Motown. Houston ya había grabado su versión de "Do You Know Where You're Going To", pero su grabación del tema nunca salió a la luz, aunque finalmente se filtró. En lugar de eso, Masser revisó sus letras, las reescribió un poco para que encajaran con los temas de la película y le dio la canción a Diana Ross. “Theme From Mahogany ” es una canción ligera, pero bonita. En “Theme From Mahogany ”, el personaje de Ross intenta hacer un balance de su vida y de los lugares a los que ha ido, canta principalmente en segunda persona, hablando con un ex sobre un pasado cálido y ambarino y un futuro incierto. Canta sobre su pasado con un rico y cariñoso sentido del arrepentimiento: “Ahora, al mirar atrás a todo lo que habíamos planeado, dejamos que tantos sueños se nos escaparan de las manos”. Y la pregunta central de la canción queda sin respuesta, como si ni siquiera estuviera segura de si se la está haciendo a otra persona o a sí misma.

Shapeshifting - Joe Satriani (Mes Joe satriani)

 

Shapeshifting, Joe Satriani

     Shapeshifting (Cambio de forma)  es el título del decimoséptimo álbum de estudio de Joe Satriani. La asociación entre los cambiaformas (Shapeshifting; seres que aparecen como una cosa y luego se transforman en otra) y los “maestros del canto” de las culturas tradicionales es una metáfora del complejo fenómeno que da forma a las obras musicales de Joe Satriani. Más un hechicero musical que un maestro de las artes vocales, el apodo “Satch” alude, sin embargo, a los poderes que se esconden tras el trabajo de un músico que busca constantemente expandir los parámetros por los que se define la música. Durante más de dos décadas, Satriani ha ampliado constantemente las definiciones convencionales de lo que es la música, de la misma manera que su guitarra ha ampliado los límites de la técnica de seis cuerdas. Su obra abunda en ejemplos de “mecánica cuántica” conceptual que dan lugar a cambios de forma musicales.

Dado que la alusión literal al cambio de forma está completamente ausente en los títulos de las canciones, las letras y las notas del álbum que contienen la música, abundan las preguntas. ¿Qué atractivo tiene la música de Satriani para un amplio sector representativo de la sociedad? ¿Qué es esta música y cómo puede Satriani permanecer fiel a esa música y, al mismo tiempo, ser tan fácilmente identificable como individuo? Preguntas como estas subrayan algunas características clave del cambio de forma. Dado que el fenómeno es tan personal, tan estrechamente vinculado a la construcción misma de creencias y valores comunitarios, nos dicen que el que cambia de forma se transforma para establecer una identidad que está en desacuerdo con estas creencias y valores. Son estas diferencias las que nos ayudan a definir y mantener quiénes somos. Aplicando este concepto a una escala musical más amplia, Satriani parecería ser la encarnación auditiva de este concepto intrigante. A lo largo de varias docenas de canciones grabadas, cambia continuamente de disfraces sonoros y se transforma sónicamente de innumerables maneras.

Shapeshifting fue grabado en los PLYRZ Studios del barrio de Valencia, en Santa Clarita, California, bajo la producción de Joe Satriani y del ingeniero y productor Jim Scott, conocido este último por su trabajo con Tedeschi Trucks Band, Tom Petty, Foo Fighters o Wilco entre otros, y publicado el 10 de abril de 2020 bajo el sello discográfico Sony Music. No pilla de sorpresa que el disco abarque una amplia variedad de estilos. Para esta aventura Satch contó con la participación del baterista Kenny Aronoff, que había tocado con él en giras de Chickenfoot y Ultimate Hendrix Experience, el bajista de Jane's Addiction Chris Chaney, el tecladista Eric Caudieux, además de la colaboración del piano de Lisa Coleman en Waiting y Yesterday's Yesterday, y de la mandolina de Christopher Guest en Yesterday's Yesterday.

Con una increíble habilidad para tocar la guitarra, las grabaciones de Joe Satriani siguen sonando frescas después de 18 álbumes. Esto se debe en gran medida a una destreza innata pero sofisticada para componer canciones (versos, estribillos y puentes) en lugar de pistas apiladas de riffs y solos técnicamente competentes. Satriani posee un don para combinar y recombinar estilos, dinámicas y diversas corrientes de una gran variedad de géneros. El "Sonido Satch" es icónico; esto se debe en gran parte al hecho de que el guitarrista busca continuamente reinventarse. Cada uno de sus álbumes es una reacción a su predecesor, no un ejercicio de repetición.

Comienza el álbum con el tema que da título al álbum, Shapeshifting, tema que combina los solos de Satch bajo una línea funky con la caja y el bombo de Kenny Aronoff dando caña de fondo. En Big Distortion la línea melódica, las armonías y el puente son tan pegadizos que hacen que sea uno de esos temas que se nos pegan y no nos lo podamos quitar de la cabeza. All for Love es una excelente balada donde Satch hace guiños a "The Mressiah Will Come Again" del gran Roy Buchanan. El bajo y la batería muy sobresalientes en este tema. En Ali Farka, Dick Dale, an Alien and Me los sintetizadores de Caudieux impregnan el ambiente mientras Satch nos regala un soberbio solo que canta por si solo. Aquí el guitarrista opta por afinaciones, una distorsión y unos efectos que dan al tema esa sensación espacial o alienígena que tanto le gusta. Teardrops es un blues lento con Satriani entrelazando solos y repitiendo ciertas líneas a lo largo de la canción. Cierra la cara A Perfect Dust, un alegre boogie que suena casi como un instrumental de ZZ Top hasta llegar al puente, donde los sintetizadores al estilo Tangerine Dream crean una distracción antes de que el boogie regrese con el elemento de llamada y respuesta de la sección rítmica. 

Abre la cara B Nineteen Eighty, tema que nos transmite cierta sensación nostálgica. La estructura de la canción es dinámica, alternando entre secciones más melódicas y momentos de mayor intensidad, lo que crea un interesante contraste. Estamos ante un claro ejemplo de su habilidad para contar historias a través de la música instrumental. La estructura de All My Friends Are Here la estructura es muy dinámica, con momentos más suaves que contrastan con secciones más intensas. Spirits, Ghosts andOutlaws, al igual que el tema anterior, destaca por la combinación de melodías suaves con riffs más enérgicos. Satch es capaz de transmitirnos a través de su guitarra una sensación de nostalgia y misterio, y utiliza efectos y técnicas de guitarra que añaden profundidad y textura al tema. En Falling Stars los efectos de guitarra y su cuidada producción permiten que, en este viaje musical con Satch, cada nota y cada matiz de la canción se sienta y se disfrute. El ágil piano de la invitada Lisa Coleman (Wandy & Lisa, Prince & the Revolution) adorna Wating, una balada atmosférica con una magnífica interacción entre la pianista y Satch. Here the Blue River es un reggae profundo con dubwise (término que se refiere al sonido únicamente de bajo y batería) con el ritmo de Satriani marcando el ritmo con la sección rítmica mientras toca acordes y riffs para acompañar su melodía. El escritor, director y actor Christopher Guest, que interpretó al personaje ficticio de Nigel Tufnel en Spinal Tap, añade su mandolina acústica al tema de cierre Yesterday's Yesterday.

Con Sahpeshiftng cerramos el mes dedicado al genial guitarrista de Neoyorkino. Es cierto que su catálogo cuenta con un notable nivel de calidad y consistencia, y en Shapeshifting, Satch sigue haciendo gala se de una inagotable imaginación, un gran lirismo y una contagiosa musicalidad.

1398.- Blitzkrieg Bop - The Ramones

 

"Blitzkrieg Bop" es uno de los mayores éxitos de The Ramones, grupo estadounidense pionero del punk rock. Incluida en "Ramones" (1976), el disco de debut de la banda, es un auténtico himno del rock y el punk por los célebres coros con los que comienza la canción, que se van repitiendo además a largo de esta. Si hasta aquí no habéis caído en la cuenta de que canción es a la que nos estamos refiriendo, bastará con mencionar la frase "Hey! Ho! Let's go!" para disipar cualquier duda.

La canción fue escrita en su mayor parte por Tommy Ramone, batería de la banda, y además del pegadizo y ya mencionado coro de "Hey! Ho! Let's go!" , destaca por su afilado ritmo de punk con raíces de rock and roll primitivo y clásico, una combinación que será la base principal del estilo de The Ramones, auténticos expertos en tomar una base de rock and roll y acelerarla en canciones de apenas tres acordes y estribillos directos e inmediatos.

"Blitzkrieg Bop" es considerada por muchos como la primera canción punk, pero sin quitarle mérito a la canción de The Ramones, no podemos obviar que ya se encontraron las trazas más características del género en los primeros discos de The Stooges, a finales de la década anterior. En cualquier caso, lo que es innegable es que "Blitzkrieg Bop" fue una de las puntas de lanza de ese nuevo estilo musical, un año antes de que los grandes abanderados del género (The Sex Pistols) publicaran el mítico "Nevermind the Bollocks" (1977), el disco con el que todo saltó por los aires.

Canciones escondidas: He Is Without His Guns - Marisa Anderson (2016)

Marisa Anderson es una trotamundos de corazón, tan curiosa como competente en su creatividad, sus piezas que tienen sus raíces en la música folk estadounidense, están inspiradas en técnicas de guitarra clásica del siglo XX y de África occidental y los resultados son reveladores. La composición de Anderson está indeleblemente ligada a su proceso de grabación, al ser su propia ingeniera, Anderson es capaz de desarrollar sus piezas mientras graba, pasando de una canción a otra según la inspiración. Después de pasar meses rumiando ideas musicales y conceptuales, improvisa horas de material que luego suele reducir a composiciones concisas y ricas en texturas. A medida que se desarrollaban las canciones, un estado de ánimo distintivo comienza a instalarse en la escucha con largas colas de reverberación, tonos más limpios y ritmos ligeramente rebotantes que evocaban el aire, el viento, la respiración y el cielo. Los temas siguieron evolucionando mientras graba, a medida que Anderson comienza a embellecer las piezas con una instrumentación variada, desde el trino de su teclado Wurtlitzer hasta los punteos staccato del requinto jarocho. El trabajo de guitarra solista de Marisa Anderson debe sus tonos familiares a su conocimiento de la historia y su dominio de su instrumento, pero es completamente nuevo. Marisa Anderson filtra la historia musical a través de sus propias experiencias personales, como viajera en la vida y en la música. Anderson, una intérprete curiosa y talentosa, ha pasado más de 35 años tocando para forjar su voz singular e instantáneamente reconocible creando espacios de esperanza frente a cualquier discordia, un santuario de sonido resplandeciente y diverso que brilla, un espejo del horizonte hacia el que mira. Anderson es capaz de evocar imágenes vívidas a través de su música, y en muchas ocasiones recurre a la experiencia personal para crear esas imágenes. Un gran ejemplo es la triste “Angel’s Rest”, un elogio a uno de los senderos favoritos de Anderson cerca de su casa de Portland, que fue devastada por un incendio en 2017 o “Sant Feliu de Guíxols” que evoca la belleza de la ciudad costera española, una canción tranquila y conscientemente feliz que surge de una conversación con un fan que acusó a Anderson de tocar solo canciones tristes. Anderson usa un slide e incorpora elementos microtonales en “Lament”, una pieza inspirada en imágenes de la crisis de refugiados sirios. El peso emocional palpable de estas piezas está invariablemente ligado a la capacidad de Anderson para crear imágenes tan vívidas con su composición, timbre y elecciones tonales.

Una buena manera de introducirse en el ambiente musical de Marisa es escuchar el álbum Into the light, Anderson crea una banda sonora imaginaria para un western de ciencia ficción, que para algunos podría evocar inmediatamente el thriller protagonizado por Kevin Costner Westworld, pero que aquí tiene la tranquilidad y la crudeza de Solaris ambientada en el desierto de Sonora. En él, grabó y tocó todos los instrumentos (guitarra, lap steel, pedal steel, piano eléctrico y percusión), lo que le da a sus canciones no solo capas, sino también personajes. Hay un acento celestial que sustenta el disco; está en las lánguidas ondas de acero de la canción principal o el blues polvoriento de "The Old Guard". Pero es en la segunda mitad de Into The Light donde Anderson hace lo que mejor sabe hacer: descubrir lo desconocido. Pero con más instrumentos a mano, estas improvisaciones se convierten en diálogos internos. "Chimes" hace lo que dice el título, pero con guitarra eléctrica y piano, volviendo a las cifras para tintinear en el viento perezoso. "House Of The Setting Sun" es un blues mareado, que siempre amenaza con levantar tierra como suele hacer Anderson, pero es derrotado por el calor abrasador. Las guitarras y el acero se filtran a través de "The Golden West" como arena suave antes de los créditos finales de "End Of The Night", una canción que imagina a nuestro protagonista apretando un poco más el chal mientras las estrellas le recuerdan al visitante su hogar.

Nos quedamos con "He Is Without His Guns" un instrumental que transmite la urgencia de un enfrentamiento, pero que parece pequeño en sus movimientos sombríos. Anderson describe el próximo Into The Light como una banda sonora imaginaria para un western de ciencia ficción. En él, grabó y tocó todos los instrumentos, extendiéndose más allá de sus raíces de blues y folk estadounidenses. Hay tres personajes distintos en "He Is Without His Guns", una guitarra de cuerdas de nailon ancla la melodía de inspiración flamenca mientras una guitarra acústica y otra no luchan por llevar la voz cantante, sino que tiran y tiran como si estuvieran bailando. Es como si el enfrentamiento épico de El bueno, el feo y el malo se hubiera reducido de la estridente partitura de Ennio Morricone para revelar una nota de tranquila desesperación.

1397 - Diana Ross - Love Hangover

1397 - Diana Ross - Love Hangover

"Love Hangover" es una de las canciones más icónicas de la legendaria cantante Diana Ross, lanzada en 1976 como parte de su álbum Diana Ross. Con una duración de más de siete minutos, este tema captura perfectamente la esencia de la música disco de los años 70, mientras combina elementos del soul y el funk, que marcaron gran parte del sonido de la época.

La canción comienza con un ritmo lento y sensual, casi como una balada, que refleja la sensación de melancolía y deseo. La voz de Diana Ross, delicada y emotiva en esta primera parte, parece estar susurrando a los oyentes, envolviéndolos en una atmósfera de intimidad. La letra en esta sección inicial describe una relación amorosa intensa que deja una especie de "resaca emocional" (hangover), en la que el deseo de estar con esa persona es tan fuerte que incluso después de que el amor se ha ido, los efectos aún persisten.

Sin embargo, a medida que avanza, "Love Hangover" realiza una transición sorprendente. La canción se acelera, introduciendo un ritmo bailable con influencias claras del funk y del sonido disco. Este cambio repentino no solo añade energía al tema, sino que también refleja la dualidad en la experiencia del amor que plantea la canción: por un lado, está el anhelo y el dolor de un amor perdido, pero por otro lado, está la liberación y el éxtasis que puede traer un nuevo comienzo.

La producción musical de Hal Davis es un punto clave en "Love Hangover". Con una base rítmica dinámica, guitarras funky, y un uso prominente de los sintetizadores, Davis crea una atmósfera festiva y liberadora, que contrasta eficazmente con el tono más reflexivo de la primera parte de la canción. El uso de percusiones, acompañadas por la voz de Ross, que pasa de ser suave a un estilo más dinámico y efervescente, genera un efecto casi hipnótico en los oyentes.

Diana Ross, quien para ese momento ya había consolidado su carrera como solista después de dejar The Supremes, demuestra en "Love Hangover" su versatilidad vocal y su capacidad para adaptarse a diferentes géneros musicales. Su interpretación transmite tanto la tristeza como el éxtasis que conlleva una relación intensa, y lo hace de una manera que resulta completamente envolvente.

"Love Hangover" es un clásico del disco que no solo destacó en su tiempo, sino que ha perdurado como un himno de la música de los años 70. Su capacidad para fusionar la melancolía con la euforia, y la interpretación apasionada de Diana Ross, hacen de esta canción una experiencia única. El éxito del tema fue inmenso, alcanzando el número uno en el Billboard Hot 100, consolidando aún más a Ross como una de las grandes figuras de la música de esa década.

Daniel 

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